Анализ произведения живописи. План письменного анализа произведения искусства. Описание и анализ графических произведений

АНАЛИЗ ПРОИЗВЕДЕНИЙ

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА

Анжеро - Судженск

ДЕПАРТАМЕНТ ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ КЕМЕРОВСКОЙ ОБЛАСТИ

ГОУ СПО АНЖЕРО – СУДЖЕНСКИЙ ПЕДАГОГИЧЕСКИЙ КОЛЛЕДЖ

АНАЛИЗ ПРОИЗВЕДЕНИЙ

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА

советом ГОУ СПО Анжеро -

«____» ____________ 2009г.

Председатель РИС

Рецензент:

Преподава

ГОУ СПО Анжеро – Судженский педагогический колледж.

Анализ произведений изобразительного искусства: методические рекомендации . – Анжеро – Судженск: ГОУ СПО Анжеро – Судженский педагогический колледж, 2009 – с.

В данной методической разработке освещены вопросы, связанные с анализом произведений изобразительного искусства.

К ее достоинствам можно отнести наличие приложения, в котором содержатся планы и алгоритмы анализа произведений изобразительного искусства.

©ГОУ СПО Анжеро-Судженский

педагогический колледж

ВВЕДЕНИЕ

Как мы смотрим на мир

Прежде чем говорить об анализе произведений изобразительного искусства, давайте поразмыслим, почему их называют еще визуальными и для чего они, собственно, предназначены. «Чтобы ласкать взгляд, для глаз!» - скажете вы и будете правы, хотя если говорить об архитектуре и дизайне, то ласкать они могут не только взгляд, но и тело. Визуальные искусства ориентированы на зрительное восприятие. Давайте исследуем эту нашу способность видеть.

Итак, обычный человек смотрит двумя глазами, в каждом глазу находится оптический центр – точка, из которой изображение окружающих предметов видится наиболее четким. Значит, устройство нашего зрения имеет два фокуса. Давайте проведем эксперимент: возьмем лист бумаги, проткнем в нем небольшую дырочку и попробуем на расстоянии вытянутой руки посмотреть через эту дырочку на отдаленную точку на стене (например, выключатель). Не сдвигая руки с места, поочередно будем закрывать то правый, то левый глаз – изображение выключателя в отверстии будет то исчезать, то снова появляться. Что бы это значило?

В человеческом зрительном аппарате работает только один фокус – или правого или левого глаза (смотря какой глаз ведущий: если изображение исчезло при закрытии правого глаза, то он и есть ведущий, а если левого – то ведущий левый глаз). Один глаз видит «по-настоящему», а другой выполняет вспомогательную функцию – он «подсматривает», помогает мозгу достроить картинку до целого.

Посмотрите внимательно на собеседника во время общего разговора. Ваше зрение фиксирует его правый глаз (для вас он будет слева), и четко видите вы только его. Остальной образ собеседника постепенно расплывается от центра (от его правого глаза) к периферии. Что это значит? Линза нашего глаза – хрусталик – устроена в виде сферы. И изображение по краям всегда будет расплывчатым – предмет отражается четко только в единственной точке фокуса. Чем дальше от фокуса, тем расплывчатее изображение.

Понятно, что при таких «жалких возможностях» зрения естественному искажению подвергаются и пространство, и форма предметов, и даже цвета. Парадокс в том, что большинство предметов мы не столько видим, сколько мыслим, совершенно не замечая механизмов нашего видения. И поскольку наше зрение незаметно тренируется в культурном пространстве социума (а за последние шестьсот лет тренировка эта происходила преимущественно на прямых линейных перспективах классики), то нам и в голову не приходят такие простые вещи, которые приходят в голову физиологам или художникам . И мы по-прежнему думаем, что предел реализма изображения – в работах передвижников, а не в живописи Сезанна.

Вот мы и подошли к теме анализа произведений изобразительного искусства. Для восприятия изобразительных искусств существуют два пути: один через сердце, другой через ум. Это методологическая основа понимания всякого искусства.

МЕТОДОЛОГИЧЕСКИЕ ОСНОВЫ АНАЛИЗА ПРОИЗВЕДЕНИЙ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА

У тех, кто впервые сталкивался с анализом любого произведения искусства, почти сразу возникают закономерные вопросы: «А нужен ли вообще анализ в искусстве? Не убивает ли он живое, непосредственное, эмоциональное восприятие искусства?» Нужен, если он проведен правильно.

Ясный анализ не мешает эмоциональному искусству, а помогает вскрывать новые стороны произведения, показывая глубинный смысл. Для этого анализ не должен останавливаться на простой констатации наличия предмета или персонажа на полотне, на пересказывании сюжета, а идти дальше (или глубже) к смыслу картины.

Но смысл выражается через внешнюю форму. Нам в произведении непосредственно дан не смысл, а лишь некая форма. И мы должны «прочитать» ее, увидеть за ней смысл. Тем более, что художник выстраивает форму произведений так, чтобы она лучше выражала необходимый ему смысл.

Каждое произведение искусства имеет несколько уровней. Это эмоциональный, предметный, сюжетный, символический уровни и уровень внутреннего устройства (микросхема) произведения . Наше восприятие искусства начинается с эмоций.

Эмоциональный уровень.

Первое, что мы «ловим» - это эмоциональный строй произведения. Оно торжественное или лирическое, нам смешно или грустно. Если произведение не затронуло нас эмоционально, то дальнейший анализ не состоится ! Потому очень полезно в начале анализа попытаться уловить те эмоции, которые рождаются от общения с произведением. Это тем более необходимо, когда произведение давно знакомо. Мы ведь невольно запомнили те «старые» эмоции, которые вызвало в нас полотно когда-то. Но теперь мы другие, а значит и наше восприятие другое. И теперь у нас родятся иные эмоции на старое, давно известное произведение. И ученикам в начале анализа очень полезно задать вопрос о первом впечатлении, рожденном картиной.

Более того, это первое впечатление нужно всячески сохранять и поддерживать в течение всего анализа. Часто именно этим первым эмоциональным впечатлением и проверяется правильность аналитических выводов. Постепенно в процессе анализа и проверяется правильность аналитических выводов. Постепенно в процессе анализа мы начинаем видеть, как художник добивается того или иного эмоционального впечатления.

Эмоциональным должно быть и завершение анализа. В самом конце не только полезно, но просто необходимо еще раз возвратиться к целостному эмоциональному впечатлению. Только теперь эмоция подкреплена знанием смысла.

Примерные вопросы для анализа произведения на эмоциональном уровне .

1. Какое впечатление производит произведение?

3. Какие ощущения может испытывать посетитель (архитектура)?

4. Каков характер произведения?

5. Как помогают эмоциональному впечатлению масштаб произведения, формат, вертикальное, горизонтальное или диагональное расположение частей, использование архитектурных форм, использование цветов в картине и распределение света?

Предметный уровень.

Он отражает то, что непосредственно изображено. Именно с этого уровня непосредственно начинается анализ. Любой предмет, любое действующее лицо или явление, необычайно значимы. Случайных вещей на картинах хороших художников не бывает. Потому даже простое перечисление того, что на полотне расположено, уже заставляет мыслить.

И здесь мы часто встречаемся с трудностями.

Внимание человека избирательно и довольно долго мы можем не замечать на полотне какой-нибудь важной детали. Да и исторические вещи меняются иногда до полной неузнаваемости. Или костюм, который в любую эпоху очень многое говорит современником о человеке – это ведь целая энциклопедия не только внешней жизни, но и нравов, характеров, жизненных целей.

Потому нужно взять себе за правило начинать «чтение» картины с тщательного прояснения для себя смысла и назначения всех помещенных на ней вещей. Предметный мир картины – это те слова, из которых состоит «данный нам текст».

Уже на этом уровне, в начале знакомства с предметным миром картины, мы очень быстро замечаем, что все предметы и лица не хаотично разбросаны по полотну, а составляют некое единство. И мы невольно начинаем это единство осмысливать, делая первый шаг к композиции картины . Окончательно мы ее освоим уже в самом конце. Но начинать отмечать отдельные особенности надо сразу же. Как правило, сразу видно, что наиболее важные элементы образуют простые и ясные формы (треугольник, круг, пирамида, квадрат …). Эти формы выбираются художником не произвольно, они создают определенный эмоциональный строй. Круг и овал успокаивают, завершают. Квадрат или лежащий прямоугольник создают ощущение устойчивости незыблемости. Пирамида и треугольник рождают у зрителя ощущение стремления. На этой стадии анализа легко выделяются главное и второстепенное в картине.

Отдельный предмет, отдельный цвет, отдельный мазок ничего не дает для понимания смысла. Значимы лишь их соотношения. Через отношение цветов, звуков, тем, предметов, объемов нужно уметь «читать» смысл произведения.

Контрастные противопоставления, преобладание движения или покоя на полотне, соотношение фона и фигур – все это отмечается уже на этом этапе анализа. Здесь мы замечаем, что передача движения – это диагональ, свободное пространство перед объектом, изображение кульминационного момента движения, ассиметричные схемы; а передача покоя – это отсутствие диагоналей, свободного пространства перед объектом, статичные позы, симметричные схемы. Но все это пока только отмечается. Истинный смысл особенности композиции приобретут для нас только в самом конце анализа.

Примерные вопросы для анализа произведения искусства на предметном уровне.

1. Что (или кто) изображено на картине?

2. Что видит посетитель, стоя перед фасадом? В интерьерах?

3. Кого вы видите в скульптуре?

4. Выделите главное из того, что вы увидели?

5. Попробуйте объяснить, почему именно это кажется вам главным.

6. Какими средствами художник, архитектор выделяет главное?

7. Как в произведении скомпонованы предметы (предметная композиция)?

8. Как в произведении сопоставляются цвета (цветовая композиция)?

9. Как в архитектурном сооружении сопоставляются объемы и пространства?

Сюжетный уровень.

Сразу хочется предостеречь от опасности, очень часто предостерегающий исследователя. Это желание заменить сюжет, представленный художником на полотне сюжетом, известным из истории, мифологии, рассказов о художнике. Художник ведь не просто иллюстрирует сюжет, но дает его осмысление, иногда очень далеко выходящее за рамки этого сюжета. Иначе рождаются искусствоведческие штампы.

Часто спрашивают: а на всех ли полотнах есть сюжет? На жанровой или исторической картине он чаще всего очевиден. А в портрете, пейзаже, натюрморте? А в абстрактной живописи? Здесь все не так очевидно. Французское слово «сюжет» означает не столько развертывание событий, сколько вообще «тему» произведения или «причину, повод, мотив». А первое значение этого слова – «предрасположенный, подверженный». Таким образом, сюжет предстает перед нами причинно-следственными связями, выстроенными художником на полотне. В исторической или жанровой картине эти связи будут касаться исторических или бытовых событий. В портрете – взаимоотношений индивидуальности портретируемого, того, что он собой представляет, с тем, кем он хочет казаться. В натюрморте – отношений между вещами оставленными человеком и самим человеком «за кадром». А в абстрактной живописи художник выстраивает соотношение линий, пятен, цветов, фигур. И такое соотношение не менее значимо и сюжетно, чем жест суриковской боярыни Морозовой.

Из вышесказанного следует два вывода.

Первый: сюжет нужно строить, исходя из реалий конкретной картины. «Не в самом прошении блудного сына смысл и не в самом раскаянии, а в удивлении, которое вызывает такая отцовская любовь, такое прощение ».

И второй вывод: так или иначе, но сюжетный уровень всегда присутствует на полотне. И обходить его в анализе просто нерационально. Причинно-следственные связи как раз и выстраивают особое пространство и время картины.

Сюжетный уровень уточняет и композиционные особенности полотна. Мы отличаем картину – рассказ и картину-показ, говорим о изобразительности и выразительности на полотне. Здесь определяется жанр произведения.

И сразу обнаруживается, что не все лица, предметы, явления выступают на картине в том смысле, что и в жизни. Иные из них наделены особым символическим смысл в культуре взрастившей художника. Другим придал значение многозначных символов сам автор. Так мы выходим на следующий уровень – символический.

Примерные вопросы для анализа произведения на сюжетном уровне.

1. Попробуйте рассказать сюжет картины.

2. Попробуйте представить, какие события могут чаще происходить в данном архитектурном произведении.

3. Что может сделать (или сказать) данная скульптура, если она оживет?

Символический уровень.

На символическом уровне мы как бы вновь возвращаемся к предметному наполнению картины, но на другом качественном уровне. Предметы натюрморта вдруг начинают проявлять смысл. Часы – это уходящее время, пустые раковины – пустая бренная жизнь, остатки трапезы – внезапно оборвавшийся жизненный путь.

Более того, каждая форма вновь осмысливается.

Круговая композиция – это символ вечности. Квадрат (куб) – это символ земли, устойчивого земного бытия . Мы видим, что один художник выстраивает полотно, разбивая его на части слева направо. И тогда в правой части оказываются положительные ценности, а в левой отрицательные. Движение глаза слева направо заставляет нас увидеть в левой половине начало события, а в правой его итог.

Другой художник выделит вертикальное деление поле картины. И тогда вступают в силу наши представления о верхе и низе в окружающем нас мире. Высокий, низкий или средний горизонт, «цветовая тяжесть» верха или низа полотна, насыщенность иной или иной части фигурами, открытость пространства – все это становиться предметом анализа на символическом уровне.

Нельзя забывать, что сама вертикальная или горизонтальная композиция картины – тоже значимый символ. Иконописные построения разворачиваются по вертикали, а картины Нового времени почти все горизонтальные.

И хотя картина – это обустройство плоскости, художники все время стремятся освоить глубину пространства. Глубина пространства может раскрываться разными способами. И каждый из них символичен. Ближние предметы заслоняют дальние. Глубина пространства «прорисована» за счет плоскости пола, земли – низ приобретает главное, миротворящее значение в картине. Глубина выстраивается с помощью архитектурных сооружений. И архитектура начинает активно влиять на персонажи – возвышать их или придавливать, прятать или выставлять напоказ.

На этом уровне анализа большое значение приобретают цвет и свет в картине .

Известно, что цвета в Древнем мире и Средневековье были четко прикреплены к соответствующим образом, являясь яркими символами. А поскольку в произведении живописи цвет – это главное средство построения живописного мира, то художники даже Нового времени не избегают этого символического влияния. Свет и тьма всегда были для человека не просто условиями реальной жизни. Но и символическими противопоставлениями внешнего и внутреннего: светлое лицо и внутренняя просветленность; темная живопись и тяжелый жизненный путь. Так постепенно встраивается грандиозная система мира данного полотна.

Примерные вопросы для анализа произведения на символическом уровне.

1. Есть ил в произведении предметы, которые что-либо символизируют?

2. Носят ли символический характер композиция произведения и ее основные элементы: горизонталь, вертикаль, диагональ, круг, цвет, куб, купол, арка, свод, шпиль, башня, жест, поза, одежда, ритм, тенор и т. д.?

3. Каково название произведения? Как оно соотносится с его сюжетом и символикой?

Далее мы поднимаемся на новый уровень осмысления картины. Здесь отдельные аспекты анализа должны соединиться для нас в единый мир данного конкретного произведения . На этом завершающем этапе анализа не должно остаться ни одной детали в картине, так или иначе выпадающей из целого. Здесь вновь мы должны говорить о целостности. И постигается эта целостность чаще не логически, а эмоционально. «Как это здорово и мудро!» - восхищение должно прийти к нам в результате тщательного анализа. Попробуйте мысленно передвигать фигуры в данном формате, гасить одни и выделять другие, и вы увидите, что затрагиваете этим не только выразительность, но и самый смысл картины. На этом этапе картина становится «своей».

Но это идеальная система анализа. В реальности же что-то не выходит, где-то не додумываем, когда-то не успеваем как следует почувствовать. Но хотя бы раз показать ученикам весь процесс анализа, провести их путем понимания мы просто обязаны.

В каждом конкретном произведении мы можем вычленить какой-то один уровень и работать с учениками над ним. Тем более, что любое произведение искусства допускает вполне самостоятельное его бытование на каждом их этих уровней. Более того, в одном произведении явно выделяется сюжетный уровень, в другом – символический.

Для выработки навыков анализа полезно использовать частные приемы :

Ú простое описание картины, т. е. того, что на ней в самом деле изображено. Такие описания необычайно помогают сосредотачивать внимание на данном полотне, входить в мир картины;

Ú сворачивать содержание. Здесь учитель просит просто пересказывать изображение, но каждый раз сокращая свой рассказ. В конце концов, рассказ сводится к нескольким скупым фразам, в которых осталось лишь самое главное;

Ú выстраивание иерархий. Здесь учитель вместе с учениками пытается соотнести между собой ценности, предложенные художником, ответить на вопрос: «Что главнее?» - этот прием полезен на всех уровнях;

Ú создание «поля» анализа. Часто «открытию» смысла помогает какой-нибудь незначительный факт биографии художника или факт данной культуры. Он переводит наше внимание в иную плоскость. Пускает наши мысли по иному пути. Потому надо накапливать факты. И, как показывает практика, чем более необычным нам кажется черта личности или событие, тем больше оно содержит в себе для нас творческого;

Ú созерцательное и двигательное вчувствование (эмпатия). Это уже актерский прием – попытка представить себя в мире картины, попытаться принять позы действующих лиц, надеть на себя выражение их лиц, погулять по дорожкам пейзажа. На этом пути ждет множество открытий. К этому приему часто прибегают тогда, когда анализ почему-либо зашел в тупик.

Понятно, что формы занятий анализом могут быть различными. Это и отдельные вопросы на рядовом уроке, приучающие детей чувствовать себя кем-то, представлять себе что-то; погружать себя в ту или иную среду. Это также вопросы на сопоставление и сравнение. Это упражнения на внимание (что видите?). Это простые логические построения по поводу конкретного произведения.

Приложение 1

План АНАЛИЗА ПРОИЗВЕДЕНИЯ ЖИВОПИСИ

1. Название.

2. Принадлежность к культурно-исторической эпохе, стилю.

4. История создания произведения.

5. Смысл названия. Особенности сюжета. Принадлежность к жанру.

6. Композиция (что изображено, как расположены элементы картины, динамика, ритм).

7. Основные средства художественной выразительности (колорит, линия, светотень, фактура, манера письма).

8. Ваши личные впечатления.

ОБРАЗЕЦ

Картина Саврасова «Грачи прилетели». Саврасов был удивительным художником, на чьи картины никогда не устанешь смотреть. Они отличаются легкостью и разнообразием красок. Он был художником, произведшем революцию в русском пейзаже. В отличие от других художников он изображал простые русские пейзажи. Один из самых известных его шедевров – картина «Грачи прилетели».

Картина написана на рубеже 1860-70х годов. На ней автор изображает раннюю весну, тот момент, когда первые птицы (грачи) прилетают и начинают вить гнезда на деревьях.

Нам бы хотелось обратить внимание на цветовую палитру картины. Саврасов использует впечатление пасмурного весеннего пейзажа, но в тоже время лучи солнца делают пейзаж более солнечным. Конечно важный элемент картины – церковь. Ее силуэт вносит в изображение серого дня ноту поэтичности.

Чувствуя, как художник вместе с нами любуется своим пейзажем .

Приложение 2

План АНАЛИЗА ПАМЯТНИКА АРХИТЕКТУРЫ

1. Название.

2. Месторасположение.

3. Архитектор(ы).

4. Назначение задания :

а) культовое;

б) светское:

· жилище,

· общественное сооружение.

5. Из чего построено . Если возможно, указать причину выбора именно этого материала.

6. Конструктивные особенности , по которым можно определить стиль (или использованные архитектурные детали, план, размеры и т. п.).

7. Вывод о типе задания, архитектурном стиле или принадлежности к какой-либо цивилизации.

8. Ваше отношение к памятнику . Обосновать свое мнение.

ОБРАЗЕЦ

1. Пирамида Джосера.

2. Египет, Саккара.

3. Архитектор Имхотеп.

4. Культовое здание – гробница.

5. Построение из камня.

6. Форма ступенчатой пирамиды с комнатой-усыпальницей. Высота 60 м, длина стороны 120 м.

7. Архитектурного стиля нет, сооружение относится к цивилизации Древнего Египта.

8. …

Приложение 3

План АНАЛИЗА СКУЛЬПТУРЫ

1. Название.

2. Скульптор.

3. Тип скульптуры:

а) по исполнению:

1. круглая;

2. рельеф:

· углубленный,

§ горельеф.

б) по назначению:

1. культовая,

2. светская,

в) по использованию:

1. самостоятельная,

2. часть архитектурного ансамбля,

3. часть архитектурного декора здания;

г) по жанру:

1. портрет:

§ в полный рост;

2. жанровая сцена.

4. Материал, из которого изготовлено произведение.

5. Степень тщательности проработки и отделки.

6. Чему уделено большее внимание (особенности):

а) сходству,

б) декоративности,

в) отображению внутреннего состояния человека,

г) какой-либо идее.

7. Соответствует ли канону, если он был.

8. Место :

а) изготовления,

б) где находится сейчас.

9. Стиль, направление или период развития скульптуры и его проявление в данном произведении.

10. Ваше отношение к памятнику . Обосновать свое мнение .

Приложение 4

ОБРАЗЕЦ

1. Нике Самофракийская.

2. Скульптур неизвестен.

3. Тип скульптуры:

а) по исполнению – круглая,

б) по назначению – культовая,

в) по первоначальному использованию – часть архитектурного ансамбля,

г) по жанру – портрет богини в полный рост.

4. Сделана из мрамора.

5. Проработка очень тщательная.

6. Внимание уделено идее неудержимости полета Победы.

7. Канона не было.

8. Изготовлена в Греции в 4-м в. до н. э., сейчас находится в Лувре (Париж, Франция).

9. Статуя античная эпохи эллинизма.

10.Памятник мне нравится (не нравится), потому что …

Приложение 5

АЛГОРИТМЫ АНАЛИЗА ПРОИЗВЕДЕНИЙ ИСКУССТВА

Алгоритм анализа произведения живописи.

Главным условием работы по данному алгоритму является тот факт, что название картины не должно быть известно тем, кто выполняет работу .

1. Как бы Вы назвали эту картину?

2. Нравится Вам картина или нет? (Ответ должен быть неоднозначным.)

3. Расскажите об этой картине так, чтобы человек, который ее не знает, мог составить о ней представление.

4. Какие чувства вызывает у Вас эта картина?

7. Не хотите ли добавить или изменить что-то в Вашем ответе на первый вопрос?

8. Вернитесь к ответу на второй вопрос. Осталась ли Ваша оценка прежней или изменилась? Почему Вы так теперь оцениваете эту картину?

Алгоритм анализа произведений живописи.

2. Принадлежность к художественной эпохе.

3. Смысл названия картины.

4. Жанровая принадлежность.

5. Особенности сюжета картины. Причины написания картины. Поиск ответа на вопрос: донес ли автор свой замысел до зрителя?

6. Особенности композиции картины.

7. Основные средства художественного образа: колорит, рисунок, фактура, светотень, манера письма.

8. Какое впечатление оказало это произведение искусства на ваши чувства и настроение?

10. Где находится данное произведение искусства?

Приложение 6

Алгоритм анализа произведения архитектуры.

1. Что известно об истории создания архитектурного сооружения и его авторе?

2. Указать принадлежность данного произведения к культурно-исторической эпохе, художественному стилю, направлению.

3. Какое воплощение нашла в этом произведении формула Витрувия: прочность, польза, красота?

4. Указать на художественные средства и приемы создания архитектурного образа (симметрия, ритм, пропорции, светотеневая и цветовая моделировка, масштаб), на тектонические системы (стоечно-балочная, стрельчато-арочная, арочно-купольная).

5. Указать на принадлежность к виду архитектуры: объемные сооружения (общественные: жилая, промышленная); ландшафтная (садово-парковая или малых форм); градостроительная.

6. Указать на связь между внешним и внутренним обликом архитектурного сооружения, на связь между зданием и рельефом, характером пейзажа.

7. Как использованы другие виды искусства в оформлении его архитектурного облика?

8. Какое впечатление оказало произведение на Вас?

9. Какие ассоциации вызывает художественный образ и почему?

10. Где расположено архитектурное сооружение?

Алгоритм анализа произведений скульптуры.

1. История создания произведения.

3. Принадлежность к художественной эпохе.

4. Смысл названия произведения.

5. Принадлежность к видам скульптуры (монументальная, мемориальная, станковая).

6. Используемый материал и техника его обработки.

7. Размеры скульптуры (если это важно знать).

8. Форма и размер пьедестала.

9. Где находится данная скульптура?

10. Какое впечатление оказало данное произведение на Вас?

11. Какие ассоциации вызывает художественный образ и почему?

ЛИТЕРАТУРА

1. Агеев, В. Н . Семиотика [Текст] /. - М.: Весь мир, 2002.

2. Ивлев, С. А . Контроль знаний учащихся в преподавании мировой художественной культуры [Текст] /. – М., 2001.

3. Инновационные модели обучения в зарубежных педагогических поисках [Текст]. – М: Арена, 1994.

4. Крысько, В . Введение в этнопсихологию [Текст] /В. Крысько. – М., 2000.

5. Методические материалы по предметам «музыка», «МХК», «Театр» в контексте образовательной области «Искусство» [Текст]: сб., в помощь учителю. – М.: Фирма МХК, 2001.

6. Ойстрах, О. Г. Мировая художественная культура [Текст]: материалы для учителя МХК /, . – М., 2001.

7. Почепцов, Г. Г. Русская семиотика [Текст] /. – М.: Рефл-Бук, К.: «Ваклер», 2001.

8. Солобуд, Ю. П. Текстообразующая функция символа в художественном произведении [Текст] / //Философские науки. – 2002. - №2. – С.46-55.

Этот план понадобится весь год, в том числе для семинаров в музее.

1. Введение

Словарь основных понятий.... 419

АНАЛИЗ ПРОИЗВЕДЕНИЯ ИСКУССТВА

ПРИМЕРНЫЕ ВОПРОСЫ И СХЕМЫ

Произведение архитектуры

При анализе произведений архитектуры необходимо учитывать особенности архитектуры как вида искусства. Архитектура – это вид искусства, явленного в художественном характере сооружения. Поэтому анализу должны подвергнуться облик, масштаб, формы сооружения.

1. Какие объекты сооружения заслуживают внимания?

2. С помощью каких приемов и средств выражены идеи автора в данном произведении?

3. Какое впечатление производит произведение?

4. Какое ощущение может испытывать реципиент (воспринимающий)?

5. Как эмоциональному впечатлению от произведения помогают его масштаб, формат, горизонтальное, вертикальное или диагональное расположение частей, использование определенных архитектурных форм, распределение света в архитектурном памятнике?

6. Что видит посетитель, стоя перед фасадом?

7. Попробуйте объяснить, почему именно это кажется вам главным?

8. Какими средствами архитектор выделяет главное? Охарактеризуйте основные художественные средства и приемы создания архитектурного образа (симметрия, ритм, пропорции, светотеневая и цветовая моделировка, масштаб).

9. Как в архитектурном сооружении составляются объемы и пространства (архитектурная композиция)?

10. Охарактеризуйте принадлежность данного объекта к определённому виду архитектуры: объемные сооружения (общественные: жилая, промышленная); ландшафтная (садово-парковая или малых форм), градостроительная.

11. Попробуйте представить, какие события могут чаще происходить в данном архитектурном сооружении.

12. Носят ли символический характер композиция произведения и ее основные элементы: купол, арка, свод, стена, башня, штиль?

13. Каково название произведения? А как бы вы его назвали?

14. Определите принадлежность данного произведения к культурно-исторической эпохе, художественному стилю, направлению.

16. Как соотносятся форма и содержание данного произведения?

17. Какова связь между внешним и внутренним обликом данного архитектурного сооружения? Гармонично ли оно вписано в окружающую среду?

18. Какое воплощение, по вашему мнению, нашла в этом произведении формула Витрувия: польза, прочность, красота?

19. Использованы ли другие виды искусства в оформлении облика данного архитектурного объекта? Какие? Оправдан ли, по-вашему, выбор автора?

Произведение живописи

Для того чтобы абстрагироваться от сюжетно-бытового восприятия, вспомните, что картина – не окно в мир, а плоскость, на которой живописными средствами может быть создана иллюзия пространства. Поэтому сначала важно проанализировать базовые параметры произведения.

1. Размер картины (монументальный, станковый, миниатюрный)?

2. Формат картины: вытянутый по горизонтали или вертикали прямоугольник (возможно, со скруглённым завершением), квадрат, круг (тондо), овал?

3. В какой технике (темпера, масло, акварель и т.д.) и на какой основе (дерево, холст и т.д.) выполнена картина?

4. С какого расстояния она лучше всего воспринимается?

Анализ изображения.

5. Есть ли в картине сюжет? Что изображено? В какой среде располагаются изображённые персонажи, предметы?

6. На основании анализа изображения сделайте вывод о жанре (портрет, пейзаж, натюрморт, обнажённая натура, бытовой, мифологический, религиозный, исторический, анималистический).

7. Как Вам кажется, какую задачу решает художник – изобразительную? выразительную? Какова степень условности или натурализма изображения? Тяготеет ли условность к идеализации или к экспрессивному искажению?

Анализ композиции

8. Из каких составляющих складывается композиция? Каково соотношение объекта изображения и фона/ пространства на полотне картины?

9. Насколько близко к картинной плоскости размещены объекты изображения?

10. Какой угол зрения выбрал художник – сверху, снизу, вровень с изображенными объектами?

11. Как определена позиция зрителя – вовлекается ли он во взаимодействие с изображенным на картине, или ему отводится роль отстраненного созерцателя?

12. Можно ли назвать композицию уравновешенной, статичной, или динамичной? Если присутствует движение, как оно направлено?

13. Как построено картинное пространство (плоскостно, неопределенно, выгорожен пространственный слой, создано глубокое пространство)? За счёт чего достигается иллюзия пространственной глубины (различие в размере изображенных фигур, показ объема предметов или архитектуры, с помощью градаций цвета)?

Анализ рисунка.

14. Насколько выражено в картине линейное начало?

15. Подчеркнуты или сглажены контуры, отграничивающие отдельные предметы? Какими средствами достигается этот эффект?

16. До какой степени выражен объём объектов? Какими приёмами создаётся иллюзия объёма?

17. Какую роль в картине играет свет? Какой он (ровный, нейтральный; контрастный, лепящий объем; мистический)? Прочитывается ли источник/направление света?

18. Читаются ли силуэты изображенных фигур/объектов? Насколько они выразительны и ценны сами по себе?

19. Насколько детализировано (или наоборот обобщено) изображение?

20. Передаётся ли разнообразие фактур изображённых поверхностей (кожа, ткани, металл и т.д.)?

Анализ колорита.

21. Какую роль играет в картине колорит (подчинён рисунку и объёму или наоборот подчиняет себе рисунок и сам выстраивает композицию)?

22. Является ли цвет просто окраской объёма или чем-то большим? Является ли он оптически достоверным или экспрессивным?

23. Различимы ли границы цветовых пятен? Совпадают ли они с границами объёмов и предметов?

24. Художник оперирует большими массами цвета или маленькими пятнами-мазками?

25. Как написаны теплые и холодные цвета, пользуется ли художник сочетанием дополнительных цветов? Для чего он это делает? Как переданы наиболее освещенные и затенённые места?

26. Есть ли блики, рефлексы? Как прописаны тени (глухо или прозрачно, цветные ли они)? Есть ли доминирующий цвет/ сочетание цветов?

Другие параметры

1. Какие объекты эмоционального отношения автора к объекту (факту, событию, феномену) заслуживают внимания?

2. Определите принадлежность данного произведения к жанру живописи (исторический, портрет, натюрморт, батальный, другое).

3. С помощью каких приемов и средств выражены идеи автора в данном произведении?

4. Какое впечатление производит произведение?

7. Как помогает эмоциональному впечатлению использование определенных цветов?

8. Что изображено на картине?

9. Выделите главное из того, что вы увидели.

10. Попробуйте объяснить, почему именно это кажется вам главным?

11. Какими средствами художник выделяет главное?

12. Как в произведении сопоставляются цвета (цветовая композиция)?

13. Попробуйте пересказать сюжет картины.

14. Есть ли в произведении сюжеты, которые что-либо символизируют?

15. Каково название произведения? Как оно соотносится с его сюжетом и символикой?

16. Носят ли символический характер композиция произведения и ее основные элементы: горизонталь, вертикаль, диагональ, круг, овал, цвет, куб?

Произведение скульптуры

При анализе произведений скульптуры необходимо учитывать собственные параметры скульптуры как вида искусства. Скульптура – это вид искусства, в котором реальный трёхмерный объём взаимодействует с окружающим его трёхмерным пространством. Поэтому анализу должны подвергнуться объём, пространство и то, как они взаимодействуют.

1. Какое впечатление производит произведение?

3. Каков характер произведения?

4. Какие объекты эмоционального отношения автора к объекту (факту, событию, феномену) заслуживают внимания?

5. С помощью каких приемов и средств выражены идеи автора в данном произведении?

6. Каков размер скульптуры? Размер скульптуры (монументальная, станковая, миниатюрная) влияет на ее взаимодействие с пространством.

7. К какому жанру принадлежит эта скульптура? Для чего она предназначалась?

8. Охарактеризуйте материал оригинала, использованный автором, его особенности. Какие особенности скульптуры продиктованы её материалом (почему для этого произведения был выбран именно этот материал)? Сочетаются ли его свойства с идеей произведения? Можно ли представить это же произведение из других материалов? Каким бы оно стало?

9. Какова фактура скульптурной поверхности? Однородная или разная в разных частях? Гладкая или «эскизная» видны следы прикосновения инструментов, натуроподобная, условная. Как эта фактура связана со свойствами материала? Как фактура влияет на восприятие силуэта и объема скульптурной формы?

10. Как помогают эмоциональному впечатлению от произведения его масштаб, формат, горизонтальное, вертикальное или диагональное расположение частей?

11. Какова роль цвета в скульптуре? Как взаимодействует объем и цвет, как они влияют друг на друга?

12. Кого (что) вы видите в скульптуре?

13. Выделите самое главное, особенно ценное из того, что вы увидели.

14. Попробуйте объяснить, почему именно это кажется вам самым главным, особенно ценным?

15. Какими средствами скульптор выделяет главное?

16. Как в произведении скомпонованы предметы (предметная композиция)?

17. В каком пространстве располагалось произведение (в храме, на площади, в доме и т.д.)? На какую точку восприятия оно было рассчитано (издали, снизу, вблизи)? Является ли оно частью архитектурного или скульптурного ансамбля или это самостоятельное произведение?

18. Рассчитана ли скульптура на фиксированные точки зрения, или полностью раскрывается при круговом обходе? Сколько у нее законченных выразительных силуэтов? Каковы они (замкнутый, компактный, геометрически правильный или живописный, разомкнутый)? Как связаны друг с другом?

19. Что может сделать (или сказать) данная скульптура, если она «оживет»?

20. Каково название произведения? В чем его (названия) смысл, как вы думаете? Как оно соотносится с сюжетом и символикой?

21. Какова трактовка мотива (натуралистическая, условная, продиктованная каноном, продиктованная местом, занимаемым скульптурой в ее архитектурном окружении или ещё какая-то)?

22. Какие мировоззренческие позиции, по-вашему, хотел передать людям автор произведения?

23. Ощущаете ли Вы в произведении влияние каких-то других видов искусства: архитектуры, живописи?

24. Как Вы считаете, почему скульптуру предпочтительнее рассматривать непосредственно, а не на фотографиях или репродукциях? Аргументируйте свой ответ.

Предметы декоративно-прикладного искусства

Анализируя предметы декоративно-прикладного искусства, следует помнить, что они в первую очередь играли в жизни человека прикладную роль и далеко не всегда несут в себе эстетическую функцию. При этом форма предмета, его функциональные особенности влияют на характер изображения.

1. Для чего подобный предмет предназначен?

2. Какого его размеры?

3. Как располагается декорация предмета? Где размещаются зоны фигуративных и орнаментальных украшений? Как связано размещение изображений с формой предмета?

4. Какие типы орнаментов используются? На каких частях предмета они располагаются?

5. Где располагаются фигуративные изображения? Они занимают больше места, чем орнаментальные или являются просто одним из орнаментальных регистров?

6. Как строится регистр с фигуративными изображениями? Можно ли сказать, что здесь используются приемы свободной композиции или используется принцип рядоположенности (фигуры в одинаковых позах, минимум движения, повторяют друг друга)?

7. Как изображаются фигуры? Они подвижные, застывшие, стилизованные?

8. Как передаются детали фигур? Они выглядят более естественно или орнаментально? Какие приемы используются для передачи фигур?

9. Загляните, если возможно, внутрь предмета. Есть ли там изображение и орнаменты? Опишите их по выше приведенной схеме.

10. Какие основные и дополнительные цвета используются в построении орнаментов и фигур? Каков тон самой глины? Как это влияет на характер изображения – делает его более орнаментальными или, наоборот, более естественным?

11. Постарайтесь сделать вывод об отдельных закономерностях данного вида декоративно-прикладного искусства.

Алгоритмы анализа произведений искусства

Главным условием работы по данному алгоритму является тот факт, что название картины не должно быть известно тем, кто выполняет работу.

Как бы Вы назвали эту картину?

Нравится Вам картина или нет? (Ответ должен быть неоднозначным).

Расскажите об этой картине так, чтобы человек, который её не знает, мог составить о ней представление.

Какие чувства вызывает у Вас эта картина?

Не хотите ли добавить или изменить что-то в Вашем ответе на первый вопрос?

Вернитесь к ответу на второй вопрос. Осталась ли Ваша оценка прежней или изменилась? Почему Вы так теперь оцениваете эту картину?

Алгоритм анализа произведений живописи

Смысл названия картины.

Жанровая принадлежность.

Особенности сюжета картины. Причины написания картины. Поиск ответа на вопрос: донес ли автор свой замысел до зрителя?

Особенности композиции картины.

Основные средства художественного образа: колорит, рисунок, фактура, светотень, манера письма.

Какое впечатление оказало это произведение искусства на ваши чувства и настроение?

Где находится данное произведение искусства?

Алгоритм анализа произведений архитектуры

Что известно об истории создания архитектурного сооружения и его авторе?

Указать принадлежность данного произведения к культурно-исторической эпохе, художественному стилю, направлению.

Какое воплощение нашла в этом произведении формула Витрувия: прочность, польза, красота?

Указать на художественные средства и приемы создания архитектурного образа (симметрия, ритм, пропорции, светотеневая и цветовая моделировка, масштаб), на тектонические системы (стоечно-балочная, стрельчато-арочная, арочно-купольная).

Указать на принадлежность к виду архитектуры: объемные сооружения (общественные: жилая, промышленная); ландшафтная (садово-парковая или малых форм); градостроительная.

Указать на связь между внешним и внутренним обликом архитектурного сооружения, на связь между зданием и рельефом, характером пейзажа.

Как использованы другие виды искусства в оформлении его архитектурного облика?

Какое впечатление оказало произведение на Вас?

Какие ассоциации вызывает художественный образ и почему?

Где расположено архитектурное сооружение?

Алгоритм анализа произведений скульптуры

История создания произведения.

Принадлежность к художественной эпохе.

Смысл названия произведения.

Принадлежность к видам скульптуры (монументальная, мемориальная, станковая).

Использование материала и техника его обработки.

Размеры скульптуры (если это важно знать).

Форма и размер пьедестала.

Где находится данная скульптура?

Какое впечатление оказало данное произведение на Вас?

Какие ассоциации вызывает художественный образ и почему?

Анализ истории фильма.

Первая часть анализа. История появления. Режиссерская задумка. Работа со сценаристом и оператором.

1. Анализ характеров героев.

Насыщенность фильма персонажами. Характеристика главных персонажей (детали персонификации). Характеристика второстепенных персонажей (их функции по отношению к главным персонажам, к действию фильма). Работа актеров над ролью. Анализ актеркой игры.

2. Анализ фильма как отражение субъективности режиссера

Художественное кино как самостоятельное художественное произведение. Авторская, т.е. режиссерская позиция (чаще всего она проявляется в его интервью, можно ее обнаружить в интервью, воспоминаниях, статьях участников создания кино). Влияние реальных событий в его личной и социальной жизни на фильм. Отражение внутреннего мира режиссера.

Приложение 1.

Анализ произведения искусства с опорой на алгоритм:

“Как можно анализировать произведения живописи?”.

творчестве?

2. Принадлежность к жанру: историческому, бытовому, батальному, портрету,

пейзажу, натюрморту, интерьеру.

3. Основные средства создания художественного образа: колорит, рисунок,

светотень, фактура, манера письма.

4. Смысл названия. Особенности сюжета и композиции.

5. Принадлежность к культурно-исторической эпохе, художественному стилю или направлению.

6. Каковы ваши личные впечатления от произведений живописи?

Приложение 2.

1 Группа «Огненные кисти романтиков» (ЭКСКУРСОВОДЫ) В истории мировой живописи романтизм составил яркую блистательную эпоху.

Слово «романтизм» восходит к латинскому romanus –римский, то есть возникший на основе римской культуры или тесно с ней связанный.

Мир чувств и переживаний человека. Живописи романтизма была присуща «жажда творить всеми возможными способами». Средствами живописи стали: яркий насыщенный колорит, контрастное освещение, эмоциональность манеры.

Каков же человек романтического поколения? Часто он становится свидетелем жестоких кровопролитий и войн, трагических судеб целых народов. Он совершает героические поступки способные вдохновить окружающих. Романтиков привлекали исторические события, в которых они черпали сюжеты для многих своих произведений.

1. Ярким представителем направления романтизма в живописи был испанский художник Франсиско Гойя (1746-1828). Он владел всеми жанрами живописи. У него были картины на религиозные сюжеты, придворные портреты.

А. Он стал свидетелем наполеоновских войн, опустошивших и разоривших Испанию. В 1808 году в ответ на жесточайшие репрессии наполеоновской оккупации в Мадриде вспыхнуло народное восстание. В эти трудные годы Франсиско Гойя был со своим народом. Картина «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года», написанная в 1814 году и выставленная в мадридском музее Прадо явилась обвинительным актом художника злу и насилию. Он явственно ощутил реальные масштабы народной трагедии.

На картине запечатлено начало освободительной борьбы испанцев с французскими оккупантами, а именно, - сцена расстрела испанских повстанцев оккупационными французскими войсками. Испанские повстанцы и французские солдаты изображены Гойей как две противостоящие друг другу группы: несколько безоружных мадридских ремесленников и шеренга военных с поднятыми ружьями. Лица и позы испанцев прописаны Гойей довольно чётко (патриотизм, отвага, злость, бесстрашие и пр.) в то время, как французские солдаты прописаны бегло и как бы сливаются в одну безликую массу.

Б. «Портрет королевской семьи Карлоса VI»

Слева направо: Дон Карлос Старший, будущий король Испании Фердинанд VII, сестра Карлоса IV Мария Хосефа Кармела, неизвестная женщина, Мария Изабелла, супруга Карлоса IV королева Мария-Луиза Пармская, Франциско де Паула де Бурбон, король Карлос IV, его брат Антонио Паскуаль, Картола Жоакина (видна только часть головы), Людовик I с супругой Марией Луизой, на руках их сын - Карл II, будущий герцог Пармский. На заднем плане в тени Гойя изобразил самого себя. Волшебные, сверкающие краски не в силах скрыть чванства, глупости, нравственного и умственного убожества персонажей.

2. Глубокий интерес к внутреннему миру человека проявлял и современник великого испанца – Теодор Жерико. Для творчества Жерико характерен предельный драматизм, накал страстей, контрастность цвета. Служа в королевских мушкетерах, Жерико писал преимущественно батальные сцены, однако после путешествия в Италию в 1817-19 гг. он исполнил большую и сложную картину «Плот «Медузы»»

(находится в Лувре, в Париже). Новизна сюжета, глубокий драматизм композиции и жизненная правда этого мастерски написанного произведения не были сразу оценены по достоинству, но вскоре оно получило признание и принесло художнику славу талантливого и смелого новатора.

Наслаждаться славой ему пришлось недолго: едва успев возвратиться в Париж из Англии, где главным предметом его занятий было изучение лошадей, он сошёл в могилу в результате несчастного случая - падения с лошади.

В основе сюжета картины лежит реальное происшествие, случившееся 2 июля1816 года у берегов Сенегала. Тогда на отмели Арген в 40 лье от африканского берега потерпел крушение фрегат «Медуза». 140 пассажиров и членов команды попытались спастись, высадившись на плот. Только 15 из них остались в живых и на двенадцатый день скитаний были подобраны бригом «Аргус». Подробности плавания выживших потрясли современное общественное мнение, а само крушение обернулось скандалом во французском правительстве из-за некомпетентности капитана судна и недостаточности попыток спасения потерпевших.

Помимо полотна «Плот «Медузы»», в Лувре находится семь батальных картин и шесть рисунков этого художника. Его картины полня смятения, тревоги.

3. В схожей манере с Теодором Жерико писал и Эжен Делакруа (1798-1863).

А. Для него было характерно внимание к восточным сюжетам. Одно из наиболее ярких его творений – картина «Резня на Хиосе», показывающая эпизоды греко – турецкой войны. Так историки назвали жестокую расправу 11 апреля 1822 г. турками над жителями острова Хиос за то, что островитяне поддержали борцов за независимость Греции. Из 155 000 жителей острова после бойни уцелело лишь около

2000. До 25 000 были вырезаны, остальные - порабощены либо оказались в изгнании.

Великая французская революция и последовавшая за ней захватнические походы Наолеона, жестокие политические репрессии и казни, бесконечные смены правительств 1830 года с особой остротой поставили вопрос о роли народа и личности в истории.

Б. Делакруа был свойственен политический пафос. В 1830 году художник закончил полотно «Свобода, ведущая народ». Делакруа создал картину по мотивам июльской революции 1830 года, положившей конец режиму Реставрации монархии Бурбонов. После многочисленных подготовительных эскизов ему потребовалось всего три месяца, чтобы написать картину. В письме брату 12 октября 1830 года Делакруа пишет: «Если я не сражался за Родину, то я хотя бы буду для неё писать». Впервые «Свобода, ведущая народ» была выставлена в Парижском салоне в мае 1831 года, где картина была восторженно принята и тотчас куплена государством. Из-за революционного сюжета полотно в течение приблизительно 25 лет не выставлялось на публике. Сквозь кровь, страдания и смерть прекрасная женщина с трехцветным знаменем в руке увлекает людей к победе. Обнаженная грудь символизирует самоотверженность французов того времени, которые с «голой грудью» шли на врага. В толпе видны вооруженные бедняки, обитатели трущеб, студент и маленький Гаврош с пистолетами. Художник изобразил себя в виде мужчины в цилиндре слева от главной героини. Иногда картина ошибочно ассоциируется с событиями великой французской революции.

«Марсельезой французской живописи» называли картину современники, а власти объявили Делакруа опасным художником.

Приложение 3.

2 группа «Надо омужичить искусство» (ЭКСПЕРТЫ –ИСКУССТВОВЕДЫ) Реализм направление в искусстве направления второй половины XIX века. Понятие реализм латинское realis- обозначает глубокое отражение действительности. К средине XIXвека реализм становится ведущим и наиболее влиятельным направлением искусства.

Какие новые задачи ставило теперь искусство?

1. Выдающийся мастер литографии (разновидность графики печатной формы для которой является поверхность камня) французский художник Оноре Домье будучи человеком ненавидящим всякое угнетение и насилие всегда откликался на злободневные вопросы своего времени, давая им собственную оценку. Начал своё творчество как карикатурист, делал сатирические рисунки для журнала. Его литографии мгновенно раскупались, они были известны всем.

Известная литография «Улица Транснонен» была воспринята современниками как протест против террора и кровопролития, наступивших после июльской революции (1834 год). Исторической основой этого произведения послужили события апреля 1834 года связанные с разгоном политический демонстрации правительскими войсками. Из дома номер 12 по улице Транснонен из какого-то окна, прикрытого жалюзи выстрели в солдат, разгонявших демонстрацию. В ответ на это солдаты ворвались в дом и убили всех жильцов. Домье хотел, что бы литография рождала не жалость, а гнев. Именно так она была воспринята современниками: «это не карикатура, не шарж, это кровавая страница современной истории, страница, созданная живой рукой и продиктованная благородным негодованием».

Домье – карикатурист был хорошо известен публике, а вот о том, что он занимается живописью, знали не многие. В небольшой мастерской художника скопились холсты. Особое место принадлежит картинам о Дон Кихоте. Рыцарь без страха и упрека, скитающийся в поисках добра и справедливости, привлекал Домье силой духа. За смешной внешностью и нелепыми поступками различается благородство, величие и сострадание к людям.

2. Гюстав Курбе французский живописец, пейзажист, жанрист и портретист. Считается одним из завершителей романтизма и основателей реализма в живописи. Один из крупнейших художников Франции на протяжении XIX века, ключевая фигура французского реализма.

Родился во Франции, его вступление во французскую живопись было скандальным. Одни яростно ругали его работы, называя их безобразными, другие напротив – пророчили ему великое будущее. В Париже 1855 году открыл выставку «Павильон реализма». Господин Курбе стремился изображать людей, как они есть, такими уродливыми и грубыми, какими он их видит. Пристальное внимание к окружающему миру, природе, общественным отношениям и индивидуальным особенностям человека определили суть реалистического направления в искусстве.

На его картине «Дробильщики камня» старик-рабочий в грубой заплатанной одежде и потрескавшихся деревянных башмаках, опустившись на колено, разбивает молотком приготовленные для строительства камни. Юноша в лохмотьях с трудом удерживает в руках тяжёлую корзину. В газетах художника обвиняли в том, что он прославляет безобразное, но достаточно взглянуть на картину «Веяльщицы», что бы понять с каким уважением Курбе писал людей труда.

3. «Крестьянский живописец» - так прозвали Жана Милле- французский художник. Мир французской деревни стал неиссякаемым источником его творчества. Уже известным художником он продолжал заниматься крестьянским трудом, отдавая живописи свободное время.

В 1857 году представлено его полотно «Собирательницы колосьев». Сборщицам разрешалось проходить по полям на рассвете и подбирать колоски, пропущенные косцами. На этом полотне художник изобразил трёх из них, согнувшихся над землёй в низком поклоне - только так им удаётся собрать оставшиеся после жатвы колосья... В них Милле показал три фазы тяжёлого движения, которые женщины должны были беспрестанно повторять раз за разом - сгибаться, подбирать колосок с зерном и снова распрямляться. Маленькие пучки в их руках контрастируют с богатым урожаем, который виден на заднем плане. Там стога, снопы, повозка и занятая работой толпа жнецов.

Художник сумел очень точно передать тяжесть труда крестьян, их нищету и смирение. Однако работа вызвала разные оценки публики и критики, что заставило Милле временно обратиться к более поэтичным сторонам крестьянского быта.

Приложение 4.

3 группа «Салон отверженных» (ХУДОЖНИКИ ИМПРЕССИОНИСТЫ) Париж, 1863 год, Дворец промышленности: Жюри знаменитого Салонахудожественной выставки, ежегодно проходящей здесь, отклоняет около семидесяти процентов представленных работ…В разразившийся скандал пришлось вмешаться самому императору Наполеону III. Познакомившись с отвергнутыми полотнами, он милостиво разрешил представить их в другой части Дворца промышленности. Так 15 мая 1863 года была открыта выставка сразу же получившая название «Салон Отверженных».

Конец XIX начало XX века- время перемен. Научно-технический прогресс и политические катаклизмы обусловили серьезные изменения в искусстве, определили новые и оригинальные пути развития. Искусство XIX века воспринимается как отказ от старых художественных традиций, попытка творчески переосмыслить классическое наследие прошлого. Появляются смелые новации, эксперименты, неограниченные какими-то ни было рамками и условностями. Художник стал раскрепощен и свободен в своем творчестве. Он ориентировался на собственный вкус и пристрастия.

Импрессионизм- французское слово impression переводится как впечатление.

В отличие от романтиков и реалистов импрессионисты не стремились изображать историческое прошлое, сферой их интересов была современность.

Выдвинув собственные принципы восприятия и отображения окружающего мира, они создали новый живописный язык. Им был важен не сам сюжет, а его чувственное восприятие, то впечатление, которое он мог произвести на зрителя. Импрессионисты пытались на картине передать «мгновенья», сиюминутные ощущение. Эти ощущения разрушили привычные формы и стандартный рисунок. Их взгляд был сугубо индивидуален.

1. Наиболее ярким представителем импрессионизма и одним из его родоначальников является - Эдуард Мане впечатляют его полотна «Портрет Эмиля Золя».

Яркий солнечный свет, счастливое настроение человека-средство выразительности художника. В центре общего внимания была картина Эдуарда Мане «Завтрак на траве».

Используя и переосмысляя сюжеты и мотивы живописи старых мастеров, Мане стремился наполнить их острым современным звучанием, полемически внося в известные классические композиции изображение современного человека. Дорога Мане к известности оказалась долгой и трудной, жюри Салона неизменно отвергало его картины, и лишь не многие осмеливались встать на защиту художника. Среди них был Эмиль Золя, написавший в газете: «Место господину Мане в Лувре уже обеспечено»

«Портрет Эмиля Золя» - художник изображает своего друга в рабочем кабинете у письменного стола, заваленного бумагами и книгами. Интерьер свидетельствует о вкусах хозяина: японская ширма с фантастическим пейзажем, репродукция картины Мане. В облике писателя угадывается сильная личность, яркая индивидуальность.

«Завтрак на траве», который вызвал бурю эмоций, жесточайшей критики и единодушного приговора, что этот «завтрак» абсолютно «несъедобный». Особенно возмутил публику тот факт, что на лесной поляне собрались прилично одетые, обутые, при галстуках и с тросточками мужчины, рядом с которыми светятся обнаженные женские тела. Название картины приобретает неких пикантный смысл, тем более, что ничего съедобного действительно не изображено. Левый угол переднего плана содержит в себе слабый намек на продукты питания, но отчетливо видно, что на лоскуте ткани, возможно, чьем-то платье, валяется полупустая корзинка с несколькими грибами, а на зеленых листьях рядом видны несколько ягод. Вот и весь завтрак. Двое достаточно молодых мужчин свободно раскинувшись на траве, о чем-то оживленно беседуют. Тот, что справа, жестикулируя, рассказывает нечто интересное, веселое, потому что собеседник мило улыбается. Смущенная улыбка светится и на лице сидящей рядом с ним женщины. Под ней скомканная светло-синяя ткань, сама женщина в свободной легкой позе сидит, абсолютно голая, не слишком юная, чуть полновата. У пары, сидящей рядом, одного цвета волосы, они ровесники, возможно, супруги. Вторая женщина в легкой, свободной, белой сорочке виднеется чуть дальше, но ей слышен разговор, по ней видно, что она прислушивается и тоже улыбается. Картина полна светлого покоя, теплой неги.

Золя назвал полотно прочной плотью, смоделированной потоками света просто, правдиво и прозорливо.

2. Однако, по-настоящему импрессионисты заявили о себе в 1874 году совместной выставкой. Целое направление получило на звание по картине Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» (ведь по- французски «впечатление»- « имприссион».).

Термин «импрессионизм» возник с легкой руки критика журнала «Le Charivari» Луи Леруа, который озаглавил свой фельетон о Салоне Отверженных «Выставка импрессионистов», взяв за основу название этой картины Клода Моне.

Уточенный пейзажист, влюбленный в пригороды Парижа, Моне был страстно увлечен водной стихией.

Клод Моне ввел в практику создание серии картин при разном освещении, например «Руанский собор». Два года он ездил в Руан, наблюдал за игрой света. Моне написал более 20 видов собора в разное время суток: в лучах утреннего солнца, в ослепительный полдень, в предвечернем сумраке. Публика заговорила об однообразии его картин.

3. Камиль Писсарро любую из своих картин начинал писать с неба, считая, что небо придает ей глубину и сообщает движение. Вот что Писсарро рассказывал о создании своих картин. «Я вижу только пятна. Когда начинаю картину, первое, что я делаю… устанавливаю соотношение. Между этим небом, землей и водой, несомненно, существуют известные отношения, и эти отношения не могут быть иными как гармоничными. В этом главная трудность живописи. Меня все меньше и меньше интересует материальная сторона живописи (то есть линии). Самое важное - это свести все даже самые мельчайшие детали к гармонии целого, то есть к согласованности». Полотно «Бульвар Монмартр в Париже» переносит нас на оживлённую магистраль. Множество экипажей движутся в разных направлениях, деловито спешат прохожие. Всё окутано прозрачно – сиреневой дымкой. Художник пишет стремительным мазком, едва касаясь кистью холста.

Но из данных точек и штрихов появляется картина солнечного весеннего дня, оживлённая и кипящая.

4. Чародеем света называют Огюст Ренуара. Блики света оживляют изображение, приводят его в движение. Произведения отличает живая подвижная композиция. Ренуар писал: «Я люблю картины, которые возбуждают во мне желание прогуляться в глубину их, если это пейзаж, или коснуться рукой, если это изображение женщины...». Чаще всего Ренуар пишет женщин и детей, считая их наиболее совершенствованными творениями природы. Его привлекают не холодные светские красавицы, а веселые и живые «настоящие» француженки. Но совсем иной образ создан на портрет «Девушка с веером». Юная, смешливая девушка. Нежными тонами написано лицо, густые черные волосы отливают сиреневым и лиловым. На белом полотне веера отражаются красноватые блики кресла.

5. Огромные возможности в использовании цвета открывала техника пастели (фр.

pastel)- живописи цветным карандашами и красочным порошком. В ней особенно любил работать Эдгар Дега. Фактура пастелей бархатиста, она способна передать вибрацию цвета, которой кажется как бы светящимся изнутри. В картине «Голубые танцовщицы»

техника пастели использована для усиления декоративности и светового звучания композиции. Сноб яркого света, заливающей картину, помогает создать особую праздничную атмосферу балетного танца, создается впечатление, что свет здесь целиком заменяет рисунок, он организует, приводит к единому значению сложную симфонию красок. В ярких голубых пачках, с цветами в волосах, танцовщицы кажутся прекрасными сказочными феями, участвующими в волшебной феерии.

Картина хранится в Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве, в который поступила в 1948 году из Государственного музея нового западного искусства; до 1918 года находилась в собрании Сергея Ивановича Щукина в Москве, после написания картина хранилась в собрании Дюран - Рюэля в Париже.

Приложение 5.

4 группа «В поисках собственного пути» (ПОСЕТИТЕЛИ ВЫСТАВКИ) На исходе XIX столетия громко заявили о себе художники Поль Сезанн и Винсент Ван Гог. Они объединились в группу, давшую название новому художественному направлению постимпрессионизм. Постимпрессионизм (фр. postimpressionisme) - направление в изобразительном искусстве. Возникло в 80-х годах XIX века. Художники этого направления не придерживались только зрительных впечатлений, а стремились свободно и обобщенно передавать материальность мира, прибегали к декоративной стилизации. Начало постимпрессионизма приходится на кризис импрессионизма в конце XIX века.

1. Неустанные поиски нового композиционного решения картин, способов передачи цвета и света характерны для творчества Поля Сезанна.

Он писал натюрморты с фруктами, его меньше всего заботила их схожесть с оригиналом. Необычным в творчестве Сезанна было использование цвета, художник считал, что холодные цвета (голубой и зеленый) обладают свойством удаления в глубь картины, таким образом картина становилась объемной.

2. Винсент Ван Гог - всемирно известный нидерландский художникпостимпрессионист. После первой выставки картин в конце 1880-х годов, известность Ван Гога постоянно росла среди коллег, искусствоведов, дилеров и коллекционеров. После его смерти, мемориальные выставки были организованы в Брюсселе, Париже, Гааге и Антверпене.

«Подсолнухи» - название двух циклов картин голландского художника Винсента ван Гога. Первая серия выполнена в Париже в 1887 году. Она посвящена лежащим цветам. Вторая серия выполнена через год, в Арле. Она изображает букет подсолнухов в вазе. Две парижских картины приобрёл друг ван Гога Поль Гоген.

«Ирисы» - были написаны художником в то время, когда он жил в лечебнице Святого Павла Мавзолийского близ Сен-Реми-де-Прованс, за год до своей смерти в 1890 году. В картине отсутствует высокая напряжённость, которая проявляется в его последующих работах. Он назвал картину «громоотвод для моей болезни», потому что он чувствовал, что может сдерживать свой недуг, продолжая писать.

В течение последних двух месяцев жизни - с мая по июль 1890 года -Ван Гог прожил в Овер-сюр-Уаз под Парижем, где он среди прочего написал несколько картин с цветами. «Розовые розы» - одна из лучших картин этой серии. Она является характерной для позднего творчества художника. В отличие от ярких оранжевых и жёлтых оттенков, которые он использовал в Арле (например, в цикле «Подсолнухи»), здесь Ван Гог применяет более мягкое и меланхоличное сочетание цветов, говорящее о более плодородном и влажном северном климате. Эта картина типична для последнего периода творчества Винсента Ван Гога ещё и тем, что в ней практически отсутствует тяготение (на первый взгляд кажется, что картину можно перевернуть, а эффект от этого не изменится) и пространственность (цветы как бы выдвинуты из плоскости картины в пространство, где находится зритель). Ван Гог сумел передать чувство непосредственной близости роз к наблюдателю. На то, где у картины низ, указывает практически невидимая чаша под цветами, а на глубину намекает лишь слегка изменяющаяся форма мазков и лёгкое изменение оттенков зелёного. Резкие тёмно-синие контуры листьев и стеблей роз, а также вибрирующие и извивающиеся линии являются примером влияния на художника японской резьбы по дереву. Эти приёмы хоть и напоминают стиль Поля Гогена и Эмиля Бернара, но Ван Гог использует их в собственной непередаваемой манере.

Картина «Красные виноградники в Арле» была написана Ван Гогом в 1888 году.

Живя на юге Франции, художник черпал бесконечное вдохновение в городских и сельских видах, ярких красках природы, солнечном свете. Этот период является самым продуктивным в творчестве Ван Гога.

В Арле его посетил Гоген, и однажды, возвращаясь домой из окрестностей города, художники стали свидетелями необычной картины:

заходящее солнце осветило своими лучами виноградник, окрасив листья в багровокрасный цвет, а людей и землю – в оттенки сиреневатого пепла. Вскоре после этого Ван Гог принялся за работу над картиной, изображающей сбор винограда в окрестностях Монмажур. Художник изобразил не просто пейзаж, а своего рода притчу, где все имеет символическое значение. Раскаленное огромное солнце на желтом небе отбрасывает зеленые и оранжевые блики. Все, что находится на земле, как будто плавится под ним.

Листья винограда превращаются в красное зарево, а земля под ними приобретает лиловый оттенок. Правая часть картины отведена воде, отражающей желтый пламенный небосвод.

Люди, собирающие виноград, являются символом жизни. Их ежедневный труд Ван Гог понимал как нечто, что позволяет человеку стать неотъемлемой частью мироздания.

Картина стала одной из немногих работ, проданных при жизни Ван Гога. Сейчас она находится в Пушкинском музее в Москве.

Приложение 6.

Музыка в XIX веке.

Композиторами первой половины 19 века были Ф.Лист, Ф.Шопен, Ф.Шуберт, Р.Шуман. Для композиторов этой школы было характерно тяготение к малой форме. Их музыка лирична и мелодична и была преимущественно камерной.

В это же самое время свой расцвет переживает итальянская опера. Её ярчайшие представители –Дж.Россини, В Беллини, Дж. Доницетти, Дж. Верди. В Итальянской опере противоборствовали два направления: одно тяготело к традиционной опере-буфф (т.е.

комедии), другое обозначало тенденцию к формированию национальной оперы.

Представителем последнего был Дж. Верди (1813-1901). Он был автором опер «Реголето», «Травиата», «Отелло», «Макбет», «Аида», «Фальстаф», «Трубадур» и другие. Арии из его опер становились народными песнями и национальными гимнами, призывающими итальянцев к борьбе за независимость.

Серьёзную реформу оперы предприняли Ж.Бизе и Р.Вагнер. Бизе, автор одной из наиболее популярных опер - «Кармен», был сторонником предельно реалистичного сюжета и откровенно выражающей чувства человека мелодии. Р.Вагнер разрушил привычную структуру оперы, внося в неё элементы драматического спектакля и симфонического концерта. В его операх было много симфонического концерта. В его операх было много симфонических вставок и речитативов.

«Реформа симфонической музыки была совершена французским композитором К.Дебюсси. Дебюсси фактически отказался от привычных для симфонической музыки мелодий. Он попытался отобразить чувства, разрушая устоявшие музыкальные формы.

Франц Шуберт - австрийский композитор, один из основоположников романтизма в музыке, автор около 600 песен, девяти симфоний, а также большого количества камерной и сольной фортепианной музыки. (прослушивание фрагмента записи « Лесной царь») Фредерик Шопен - автор многочисленных произведений для фортепиано.

Крупнейший представитель польского музыкального искусства. По-новому истолковал многие жанры: возродил на романтической основе прелюдию, создал фортепианную балладу, опоэтизировал и драматизировал танцы - мазурку, полонез, вальс; превратил скерцо в самостоятельное произведение.

Джузеппе Верди - Великий итальянский композитор, творчество которого является одним из крупнейших достижений мирового оперного искусства и кульминацией развития итальянской оперы XIX века. Композитором созданы более 26 опер и один реквием. Лучшие оперы композитора: «Бал-маскарад», «Риголетто», «Трубадур», «Травиата». Вершина творчества - последние оперы: «Аида», «Отелло».

Жорж Бизе - французский композитор периода романтизма, автор оркестровых произведений, романсов, фортепианных пьес, а также опер, самой известной из которых стала «Кармен».

Клод Дебюсси - был не только одним из самых значительных французских композиторов, но также одной из самых значительных фигур в музыке на рубеже XIX и XX веков; его музыка представляет собой переходную форму от поздней романтической музыки к модернизму в музыке XX столетия.

Теоретические знания, которые учащиеся получают на уроках МХК, востребованы при анализе художественного произведения, которое и является, собственно говоря, предметом изучения и рассмотрения на уроках мировой художественной культуры. Каков алгоритм анализа произведений различных видов искусства? Возможно, информация, представленная далее, будет полезна учителю, ищущему ответ на этот вопрос.

Алгоритм анализа произведения живописи

Главным условием работы по данному алгоритму является тот факт, что название картины не должно быть известно тем, кто выполняет работу.

1. Как бы Вы назвали эту картину?
2. Нравится Вам картина или нет? (Ответ должен быть неоднозначным).
3. Расскажите об этой картине так, чтобы человек, который её не знает, мог составить о ней представление.
4. Какие чувства вызывает у Вас эта картина?
5. Что, по Вашему мнению, автор «хотел сказать» этой картиной? Какова её главная мысль, «зачем» он её написал?
6. Что сделал автор для того, чтобы мы поняли его замысел? Какими средствами он этого достиг?
7. Не хотите ли добавить или изменить что-то в Вашем ответе на первый вопрос?
8. Вернитесь к ответу на второй вопрос. Осталась ли Ваша оценка прежней или изменилась? Почему Вы так теперь оцениваете эту картину?

Алгоритм анализа произведений живописи

1. Смысл названия картины.
2. Жанровая принадлежность.
3. Особенности сюжета картины. Причины написания картины. Поиск ответа на вопрос: донес ли автор свой замысел до зрителя?
4. Особенности композиции картины.
5. Основные средства художественного образа: колорит, рисунок, фактура, светотень, манера письма.
6. Какое впечатление оказало это произведение искусства на ваши чувства и настроение?
7. Где находится данное произведение искусства?

Алгоритм анализа произведений архитектуры

1. Что известно об истории создания архитектурного сооружения и его авторе?
2. Указать принадлежность данного произведения к культурно-исторической эпохе, художественному стилю, направлению.
3. Какое воплощение нашла в этом произведении формула Витрувия: прочность, польза, красота?
4. Указать на художественные средства и приемы создания архитектурного образа (симметрия, ритм, пропорции, светотеневая и цветовая моделировка, масштаб), на тектонические системы (стоечно-балочная, стрельчато-арочная, арочно-купольная).
5. Указать на принадлежность к виду архитектуры: объемные сооружения (общественные: жилая, промышленная); ландшафтная (садово-парковая или малых форм); градостроительная.
6. Указать на связь между внешним и внутренним обликом архитектурного сооружения, на связь между зданием и рельефом, характером пейзажа.
7. Как использованы другие виды искусства в оформлении его архитектурного облика?
8. Какое впечатление оказало произведение на Вас?
9. Какие ассоциации вызывает художественный образ и почему?
10. Где расположено архитектурное сооружение?

Алгоритм анализа произведений скульптуры

1. История создания произведения.
2. Сведения об авторе. Какое место занимает это произведение в его творчестве?
3. Принадлежность к художественной эпохе.
4. Смысл названия произведения.
5. Принадлежность к видам скульптуры (монументальная, мемориальная, станковая).
6. Использование материала и техника его обработки.
7. Размеры скульптуры (если это важно знать).
8. Форма и размер пьедестала.
9. Где находится данная скульптура?
10. Какое впечатление оказало данное произведение на Вас?
11. Какие ассоциации вызывает художественный образ и почему?

Материал предоставила Т.А. Зайцева, методист МОУДО «ИМЦ»

Литература

1. Мировая художественная культура: 10-11 классы: Дополнительные материалы к урокам / авт. – сост. О. Е. Наделяева. – Волгоград: Учитель, 2009. – 198 с.