Ренессанс - итальянское возрождение(живопись). Титаны и шедевры культуры эпохи возрождения - реферат Искусство раннего возрождения италии

Ту же эволюцию, что и скульптура, проходит живопись раннего Возрождения. Преодолевая готическую отвлеченность образов, развивая лучшие черты живописи Джотто, художники 15 века вступают на широкий путь реализма. Невиданный расцвет переживает монументальная фресковая живопись.

Мазаччо. Изгнание из Рая, 1426–1427
Церковь Санта-Мария дель Кармине
Капелла Бранкаччи, Флоренция

Учелло. Портрет дамы, 1450
Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Кастаньо. Портрет сеньора, 1446
Национальная галерея, Вашингтон

Мазаччо. Реформатором живописи, сыгравшим ту же роль, что в развитии архитектуры Брунеллески, а в скульптуре – Донателло, был флорентиец Мазаччо (1401–1428), проживший короткую жизнь и оставивший замечательные произведения, в которых нашли продолжение поиски обобщенного героического образа человека, правдивой передачи окружающего его мира. С наибольшей наглядностью эти искания проявились во фресках капеллы Бранкаччи при церкви Санта-Мария дель Кармине во Флоренции «Чудо со статиром» и «Изгнание из рая» (обе – между 1427–1428 годами).

Мазаччо порывает с господствовавшими в живописи второй половины 14 века декоративностью и мелочной повествовательностью. Следуя традиции Джотто, художник Мазаччо сосредоточивает внимание на образе человека, усиливая его суровую энергию и активность, гражданственный гуманизм. Мазаччо делает решительный шаг в объединении фигуры и пейзажа, впервые вводит воздушную перспективу. Во фресках Мазаччо на смену неглубокой площадке – месту действия в росписях Джотто – приходит изображение реального глубокого пространства; убедительнее и богаче становится пластическая светотеневая моделировка фигур, прочнее их построение, разнообразнее характеристики. И притом Мазаччо сохраняет огромную нравственную силу образов, которая пленяет в искусстве Джотто.

Анджелико. Мадонна Фьезоле, 1430
Монастырь Сан Доменико, Фьезоле

Липпи. Женщина и мужчина, 1460-е
Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Доменико. Мадонна с младенцем
1437, Галерея Беренсон, Флоренция

Наиболее значительная из фресок Мазаччо – «Чудо со статиром», многофигурная композиция, включающая, по традиции, различные эпизоды легенды о том, как при входе в город с Христа и его учеников спросили пошлину – статир (монету); как по приказанию Христа Петр поймал в озере рыбу и нашел в ее пасти статир, который передал стражнику. Оба этих дополнительных эпизода – ловля рыбы и вручение статира – не отвлекают внимания от центральной сцены – группы апостолов, входящих в город. Фигуры их величавы, массивны, мужественные лица носят индивидуализированные черты людей из народа, в крайнем справа человеке некоторые исследователи усматривают портрет самого Мазаччо. Значительность происходящего подчеркнута общим состоянием сдержанного волнения. Естественность жестов, движений, введение жанрового мотива в сцене поисков монеты Петром, тщательно написанный пейзаж сообщают росписи светский, глубоко правдивый характер.

Не менее реалистична трактовка сцены «Изгнание из рая», где впервые в живописи Возрождения изображены обнаженные фигуры, мощно моделированные боковым светом. Их движения, мимика выражают смятение, стыд, раскаяние. Большая достоверность и убедительность образов Мазаччо сообщают особую силу гуманистической идее о достоинстве и значительности человеческой личности. Своими новаторскими исканиями художник открыл пути дальнейшего развития реалистической живописи.

Учелло. Экспериментатором в области изучения и использования перспективы был Паоло Учелло (1397–1475), первый итальянский баталист. Трижды варьировал Учелло композиции с эпизодами битвы при Сан-Романо (середина 1450-х годов, Лондон, Национальная галерея; Флоренция, Уффици; Париж, Лувр), увлеченно изображая разноцветных коней и всадников в самых разнообразных перспективных сокращениях и разворотах.

Кастаньо. Среди последователей Мазаччо выделялся Андреа дель Кастаньо (около 1421 – 1457), проявивший интерес не только к пластической форме и перспективным построениям, характерным для флорентийской живописи этого времени, но и к проблеме колорита. Лучшие из созданных образов этого грубоватого, мужественного, неровного по натуре художника отличаются героической силой и неуемной энергией. Таковы герои росписей виллы Пандольфини (около 1450, Флоренция, церковь Санта Аполлония) – пример решения светской темы. На зеленом и темно-красном фонах выделяются фигуры выдающихся деятелей эпохи Возрождения, среди них кондотьеры Флоренции: Фарината дельи Уберти и Пиппо Спано. Последний прочно стоит на земле, широко расставив ноги, закованный в броню, с непокрытой головой, с обнаженным мечом в руках; это живой, полный неистовой энергии и уверенности в своих возможностях человек. Мощная светотеневая моделировка придает изображению пластическую силу, выразительность, подчеркивает остроту индивидуальной характеристики, яркую портретность, не встречавшуюся ранее в итальянской живописи.

Среди фресок церкви Санта Аполлония выделяется размахом изображения и остротой характеристик «Тайная вечеря» (1445–1450). Эту религиозную сцену – трапезу Христа в окружении учеников – писали многие художники, всегда следовавшие определенному типу композиции. Не отошел от этого типа построения и Кастаньо. По одну сторону стола, расположенного вдоль стены, художник разместил апостолов. Среди них в центре – Христос. По другую сторону стола видна одинокая фигура предателя Иуды. И все же Кастаньо добивается большой впечатляющей силы воздействия и новаторского звучания своей композиции; этому способствуют яркая характерность образов, народность типов апостолов и Христа, глубокий драматизм выражения чувств, подчеркнуто насыщенное и контрастное цветовое решение.

Анджелико. Изысканной красотой и чистотой нежных сияющих цветовых гармоний, приобретающих особую декоративность в сочетании с золотом, пленяет полное поэзии и сказочности искусство фра Беато Анджелико (1387–1455). Мистическое по духу, связанное с наивным миром религиозных представлений, оно овеяно поэзией народной сказки. Просветленны проникновенные образы «Коронования Марии» (около 1435, Париж, Лувр), фресок монастыря Сан-Марко во Флоренции, созданных этим своеобразным художником – монахом-доминиканцем.

Доменико Венециано. Проблемы колорита привлекали и Доменико Венециано (около 1410 – 1461), уроженца Венеции, работавшего в основном во Флоренции. Его религиозные композиции («Поклонение волхвов», 1430–1440 годы, Берлин–Далем, Картинная галерея), наивно-сказочные по трактовке темы, еще несут отпечаток готической традиции. Ренессансные черты ярче проявились в созданных им портретах. В 15 веке жанр портрета завоевал самостоятельное значение. Распространение получила профильная композиция, навеянная античными медалями и дающая возможность обобщить и героизировать образ портретируемого. Точная линия, очерчивает острохарактерный профиль в «Женском портрете» (середина 15 века, Берлин–Далем, Картинная галерея). Художник достигает живого непосредственного сходства и вместе с тем тонкого колористического единства в гармонии светлых сияющих красок, прозрачных, воздушных, смягчающих контуры. Живописец первый познакомил флорентийских мастеров с техникой масляной живописи. Введя лаки и масло, Доменико Венециано усилил чистоту и насыщенность цвета своих полотен.

Итальянское искусство не развивалось постоянно по восходящей линии, от более низкой ступени к более высокой. Линия культурного развития в эпоху Возрождения была более сложной и гибкой. На протя-жении трех веков при неустанном движении вперед выделились несколько подъемов. Наиболее радикальный из них в Италии произошел в XV веке. Это период раннего Возрождения, отмеченный необычайной интенсивностью поисков. Средоточием новаторства во всех видах искусства в это время, как и во времена Джотто, была Флоренция. Здесь протекала деятельность основоположников раннего Возрождения: живописца Мазаччо , скульптора Донателло , архитектора Брунеллески .

Одним из важнейших завоеваний искусства кватроченто, имевшим историческое значение, явилось учение о перспективе. Перспек-тива - это изображение предметов в соответствии с тем кажущимся изменением их величины и очертаний, которое обусловлено степенью отда-ленности их от зрителя. Первые опыты построения перспективы приме-нялись уже в античной Греции, но в своем классическом виде, как на-учно обоснованная, перспектива сложилась у мастеров итальянского кватроченто. Первым открыл ее законы Филиппо Брунеллески, установив тем самым новую программу развития для всего флорентийского искусства.

Брунеллески сделал решающий для изобразительного искусства вы-вод: если прямые лучи, идущие от выбранной точки пространства к изображаемому предмету, пересечь плоскостью - на этой плоскости получится точная проекция данного предмета. Вероятнее всего, что к изучению оптических законов Брунеллески побудило изучение римских развалин, которые он тщательно измерял и срисовывал.

Друг Брунеллески, скульптор Донателло применил линейную перспективу в скульптурном рельефе («Битва св. Георгия с драконом» , 1416), достигая впечатления пространственной глубины. Их современник Ма-заччо использовал это открытие в живописи (фреска «Троица» , 1427). Наконец, архитектор и ученый-теоретик искусства Альберти дал подроб-ную теоретическую разработку законов перспективы в «Трактате о жи-вописи» (1435).

Новые веяния в изобразительном искусстве раньше всего проявились в скульптуре . Прежде сосредоточенная главным образом в интерьерах, она выносится теперь на фасады церквей и общественных зданий, на городские площади, уже не подчиняясь архитектуре.

Исходным пунктом истории скульптуры раннего Возрождения традиционно считается 1401 год, когда молодой ювелир Лоренцо Гиберти победил на конкурсе скульпторов, состязавшихся за право изготовления бронзовых дверей флорентийского баптистерия . Гиберти вошел в число ведущих скульпторов своего времени. Ему при-надлежит одно из самых прославленных произведений раннего Возрожде-ния - вторые восточные двери баптистерия, позднее названные Микеланд-жело «Райскими вратами». Их рельефы посвящены сюжетам Ветхого завета.

Самым гениальным скульптором кватроченто был Донато ди Никколо ди Бетто Барди, вошедший в историю мировой культуры под именем Донателло (1386-1466). Он принадлежит к числу наиболее смелых рефор-маторов итальянского искусства. Одной из главных заслуг Донателло было возрождение свободно стоящей круглой статуи. Выполненная им статуя Давида-победителя (Флоренция) явилась первой скульптурой эпохи Возрождения, не связанной с архитектурой, освобожденной от тесноты ниши и доступной обозрению со всех сторон. Создавая образ легендарно-го пастуха, победившего великана Голиафа, который для многих италь-янских городов-республик стал символом свободы, Донателло стремился приблизиться к великим образцам античной пластики. Его Давид представлен обнаженным, подобно античному герою. Еще ни один скульптор эпохи Возрождения не брал на себя смелость показать библейский пер-сонаж в таком виде.

Другое знаменитое творение Донателло - памятник мужественному военачальнику Эразмо ди Нарни по прозвищу Гаттамелата («Хитрая кош-ка»). Человек из народа, Эразмо силой ума, таланта стал творцом своей судьбы, сделался выдающимся государственным деятелем. И скульптор, сохранив портретное сходство, показал обобщенный образ человека но-вого времени, словно подтверждающий слова Петрарки: «Кровь всегда одного цвета. Благородным человек делает себя сам великими своими делами».

Еще более широким было обращение к античным традициям в архитектуре . Зарисовки и обмеры древнеримских сооружений, изучение трактата Витрувия, найденного в начале XV века, способствовали быст-рому вытеснению готических форм античными. Возрождается и творчески переосмысливается античный ордер, что внесло в архитектуру нового времени логическую соразмерность и гармоничность. Если готический собор уже в силу своих гигантских размеров трудно обозрим, то зда-ния эпохи Возрождения как бы охватываются единым взглядом. Их отли-чает удивительная пропорциональность.

Первый крупный памятник ренессансного зодчества - воздвигнутый Брунеллески купол собора Санта Мария дель Фьоре во Флоренции. В сво-их размерах он лишь немногим уступает куполу римского Пантеона, но, в отличие от него, опирается не на круглое, а на восьмигранное ос-нование.

Одновременно с сооружением купола Брунеллески руководит пост-ройкой приюта для сирот, Воспитательного дома . Это первое здание ренессансного стиля, очень близкое античным сооружениям по своему строю, ясности облика и простоте форм. Самое замечательное в нем - фасад, украшен-ный портиком в виде арочной лоджии. Портик разворачивается во всю ширину здания, создавая впечатление простора и покоя, и усиливая перевес горизонтальных линий. В итоге - здание, полностью противо-положное готическому стремлению ввысь. Новым является и отсутствие богатых скульптурных украшений, характерных для готических соборов.

Использованный в Воспитательном доме тип лоджии с полукруглыми арками и широко расставленными тонкими колоннами утвердился потом в архитектуре ренессансных палаццо .

Палаццо представляет собой городской дворец-особняк, где жили состоятельные люди. Обычно это трехэтажное здание, выходящее фасадом на улицу. По своему плану палаццо прибли-жались к квадрату, в центре которого был внутренний двор, обнесен-ный арочными галереями.

Живопись итальянского кватроченто начинается с Мазаччо (1401-1428, настоящее имя Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи). Мазаччо был одним из самых независимых и последовательных гениев в ис-тории европейского искусства. Как и многие другие художники этой эпохи, он работал в области монументальной живописи, которая выпол-нялась на стенах техникой фрески. Продолжив искания Джотто, Мазаччо сумел придать изображениям невиданную ранее жизненную достоверность.

Вершиной его творчества являются фрески капеллы Бранкаччи церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции. В них представлена история апостола Петра, а также библейский сюжет «Изгнание из рая», тракто-ванный с исключительной драматической силой.

Все в этих фресках полно особой внушительности, эпической мощи, героики. Все подчеркнуто монументально: художник словно не прорисовывает формы, а лепит их с помощью светотени, добиваясь почти скульптурной рельефности. Замечательным образцом творческой манеры Мазаччо может служить «Чудо со статиром» (повествование о чудесно найденной во рту рыбы монете, открывшей Христу и его уче-никам доступ в город Капернаум).

Судьба оборвала взлет гения на 27-м году жизни, но уже то, что он успел сделать, принесло ему славу основоположника нового искус-ства. После смерти Мазаччо капелла Бранкаччи стала школой всех по-следующих живописцев, местом паломничества.

Мазаччо, Брунеллески, Донателло были далеко не одиноки в своих исканиях. Одновременно с ними в различных городах Италии работало множество самобытных мастеров: фра Анжелико, Паоло Учелло, Пьеро делла Франческа, Андреа Мантенья.

К концу кватроченто характер устремлений итальянской живописи существенно меняется: изучение перспективы, пропорций отходит на второй план, в то время как на первый выдвигается изучение челове-ческой натуры. Вслед за литературой и поэзией живопись открывает напряженную жизнь души, движение чувств. Это способствует развитию портретного жанра, причем нового его типа, в трехчетвертном раз-вороте, а не в профиль, как раньше.

Художником, в чьем творчестве новые художественные идеи нашли наиболее гармоничное выражение, явился Сандро Боттичелли (1445-1510, настоящее имя Алессандро Филипепи).

Боттичелли - представи-тель флорентийской школы живописи. Он был близок двору Лоренцо Ме-дичи, талантливого политика и дипломата, блестяще образованного че-ловека, одаренного поэта, любителя литературы и искусства, который сумел привлечь к себе немало крупных гуманистов, поэтов, художников

Будучи связан с кружком флорентийских эрудитов, Боттичелли охотно опирался в своих работах на составленные ими поэтические прог-раммы. Навеянные античностью и ренессансной поэзией, они носили аллегорический характер. Особую роль в них играл образ Венеры, воплощения любви как высочайшего из человеческих чувств.

Венера - центральный образ прославивших Боттичелли картин: «Весна» и «Рождение Венеры». Именно в этих мифологических композициях, где царит любовь, расцвело загадочное очарование боттичеллевского идеала красоты. В этой красоте есть особая утонченность, хрупкая беззащитность. И вместе с тем в ней скрыта огромная внут-ренняя сила, сила духовной жизни.

То же богатство внутреннего мира человека открывают зрителю порт-реты художника: «Портрет ювелира», «Джулиано Медичи» и другие.

Глубочайшие личные переживания, связанные с общественной жизнью Флоренции конца XV века , определили высокий трагизм поздних работ Боттичелли: «Оплакивание Христа», «Покинутая».

В последней трети XV века наряду с флорентийской школой выдвига-ются художественные школы в Умбрии (Пинтуриккио), Венеции (Джентиле и Джованни Беллини, Карпаччо), Ферраре, Ломбардии, и все же ведущим культурным центром Италии остается Флоренция. Здесь в 1470-х годах началась творческая деятельность Леонардо да Винчи, здесь родился и вырос Микеланджело, завоевав славу первого художника созданием статуи Давида (в качестве символа Флоренции она была поставлена перед Двор-цом Синьории). Флоренция сыграла огромную роль и в творческом станов-лении Рафаэля, написавшего здесь обширную сюиту своих мадонн (когда он приехал во Флоренцию, там работали и Леонардо, и Микеланджело). Творчество этих гениальных мастеров, наряду с искусством Браманте, Джорджоне, Тициана, ознаменовало период Высокого Возрождения.

Медичи - семейство богатых банкиров, которым в XV веке, фактически, принадлежала власть во Флоренции.

народное восстание против Медичи, возглавленное доминиканским монахом Савонаролой, яростное наступление приверженцев Савонаролы на «греховную скверну» светской культуры, наконец, отлучение Саво-наролы от церкви и его смерть на костре.

Испытав сильное влияние Савонаролы, Боттичелли был потрясен его гибелью.

Эпоха Возрождения внесла большие изменения в искусство живописи. Художники овладели умением тонко передавать свет и тень, пространство, естественными стали позы и жесты их персонажей. С большим мастерством изображали они на своих картинах сложные человеческие чувства.

В живописи Раннего Возрождения, или Кватроченто (XV в.), обычно звучат мажорные ноты; ее отличают чистые цвета, персонажи выстроены в ряд и очерчены темными контурами, отделяющими их от фона и светлых дальних планов. Очень подробно и тщательно выписаны все детали. Хотя живопись Кватроченто еще не столь совершенна, как искусство Высокого и Позднего Возрождения, она до глубины души трогает зрителя своей чистотой и искренностью.

Самым первым значительным живописцем эпохи Раннего Возрождения стал Мазаччо. Хотя художник прожил всего 28 лет, он успел оставить значительный вклад не только в живопись эпохи Возрождения, но и во все мировое искусство. Его картины отличаются глубоким колоритом, фигуры кажутся плотными и удивительно живыми. Мазаччо прекрасно передает перспективу и объемы, владеет светотеневыми эффектами. Первым из живописцев Раннего Возрождения он изобразил обнаженное человеческое тело и представил своих героев прекрасными и сильными, достойными уважения и восхищения. Позднее на произведениях Мазаччо («Изгнание из рая», «Чудо с податью») учились такие великие мастера Высокого Возрождения, как Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль.

В этот период свои творения создавали многие замечательные художники. Во Флоренции работал Паоло Уччелло, писавший батальные сцены и славившийся умением изображать коней и всадников в сложных ракурсах и позах. Джорджо Вазари, посредственный художник и замечательный биограф и историк искусства, живший в XVI в., рассказывал, что Уччелло мог неделями и даже месяцами не выходить из дома, решая поставленные перед собой сложнейшие проблемы перспективы. Своим близким, умолявшим его прервать эти занятия, он отвечал: «Оставьте меня, нет ничего сладостнее перспективы».

Во Флоренции работал живописец Филиппо Липпи. В юности он был монахом монастыря братьев-кармелитов, но вскоре оставил его, посвятив себя живописи. О его жизни существует множество легенд. Рассказывают, что за любовными похождениями бывшего монаха с интересом следила вся Флоренция. Свою будущую жену, Лукрецию Бути, художник похитил из монастыря. В дальнейшем он не раз писал ее в образе Мадонны («Коронование Марии», 1447; «Мадонна под вуалью»). Картины Филиппо Липпи лишь формально связаны с религиозными темами: они лишены драматизма и патетики, нет в них величия и монументальности. В то же время жизнерадостные кудрявые ангелы, хорошенькие дети и милые женщины пленяют зрителя своим очарованием. С большим мастерством художник пишет уютные и свежие лесные пейзажи, являющиеся фоном к библейским сценам. У современников произведения Филиппо Липпи пользовались большой популярностью, он был любимым художником Козимо Медичи, который был в то время правителем Флоренции.

В это же время работал другой флорентийский мастер, монах-доминиканец и настоятель монастыря Сан-Марко Фра Беато Анджелико, произведения которого исполнены глубокого религиозного чувства. Всю свою жизнь Фра
Анджелико посвятил созданию икон и фресок для монастырей. Его живопись отличается яркими и чистыми красками, сияющей позолотой. По-готически удлиненные фигуры его Мадонн кажутся одухотворенными, отрешенными от всего земного. Одна из лучших работ Фра Анджелико - алтарная композиция «Коронование Марии» (ок. 1435-1436) . Его Богоматерь - воплощение поэтичной, чистой женственности, радостной и спокойной. В живописи флорентийского мастера нет мрачного мистицизма; даже в многофигурном алтаре на тему Страшного суда на левой стороне художник изобразил блаженный рай с фигурами счастливых ангелов в прекрасных одеждах.

В это время в Нидерландах были изобретены масляные краски, которые позволили живописцам делать цветовые переходы более тонкими, свободнее использовать свет для оживления колорита. Помогали они и добиваться единой цветовой тональности. Первым из итальянских художников масляными красками начал писать представитель флорентийской школы, венецианец по происхождению, Доменико Венециано. Уже в ранних его работах («Поклонение волхвов», 1434) ярко проявляется колористическое дарование художника. Чистые, почти прозрачные краски, насыщенные светом, образуют единую тональную гамму. Более поздние произведения поражают виртуозной передачей световоздушной среды - считается, что Доменико Венециано одним из первых стал изображать ее на своих полотнах.

Мастерство живописца особенно полно выразилось в знаменитых флорентийских портретах Доменико Венециано.

Чаще всего он изображал женские лица в профиль (имена большинства моделей не установлены) на фоне серебристого неба или пейзажа. Стараясь сделать краски более чистыми и яркими, художник добавлял в них льняное масло.

Достижения Доменико Венециано были развиты его учеником и последователем Пьеро делла Франческа, которого современники считали «монархом живописи». Уроженец Тосканы, работавший во Флоренции, он изучал творчество Джотто, Мазаччо и Паоло Уччелло. Некоторое влияние на него оказала также нидерландская живопись. Не только художник, но и известный исследователь искусства, Пьеро делла Франческа написал теоретические трактаты - «О перспективе в живописи» и книжицу «О пяти правильных телах».

Произведения Пьеро делла Франчески отличаются ясной и четкой композицией, умелой передачей световоздушной среды, чистыми и свежими красками. Человек в его картинах лишен того внутреннего конфликта, который появится в дальнейшем в живописи Позднего Возрождения и барокко. Герои Пьеро делла Франчески спокойны, величавы и мужественны. Именно эти качества присущи образам герцога и герцогини Урбинских - Федериго да Монтефельтро и его жены, Баттисты Сфорца, в знаменитом парном портрете.

Полководец, политик и меценат, правитель Урбино Федериго да Монтефельтро был близким другом художника. Пьеро делла Франческа изобразил герцога и в другой известной картине - «Мадонна со святыми и ангелами и заказчиком Федериго да Монтефельтро».

Прекрасно умевший передавать перспективу, Пьеро делла Франческа писал великолепные архитектурные ведуты (ведута - картина-план «идеального города»), оказавшие большое влияние на творчество современных ему архитекторов.

В эпоху Высокого Возрождения искусство Пьеро делла Франчески стало казаться устаревшим, и Римский Папа предложил Рафаэлю расписать стены Ватикана, покрытые фресками Пьеро делла Франчески. Рафаэль согласился и мастерски справился с работой.

Наиболее ярко художественные идеалы позднего Кватроченто были представлены мастером умбрийской школы живописи Пьетро Перуджино. Его живопись, спокойная, созерцательная и лиричная, наполнена хрупкими и изящными образами, окруженными поэтичными холмистыми пейзажами Умбрии. Ясная гармония полотен Перуджино сближает его живопись с искусством Высокого Возрождения («Оплакивание Христа», ок. 1494-1495; «Мадонна со святыми, 1496). Живописец
оказал большое влияние на своего ученика - знаменитого Рафаэля.

Почти в каждом городе Италии существовала художественная школа, обладавшая собственной индивидуальностью.
Но все они стремились показать в своем искусстве красоту земли и человека. В эту эпоху одним из самых значительных культурных центров была Падуя с ее знаменитым университетом. В этом городе в XV в. жил знаток искусства Франческо Скварчоне. Он собирал в окрестностях Падуи, а также далеко за пределами города античные монеты, медали, обломки барельефов. Его увлеченность передалась падуанским живописцам, скульпторам, мастерам по золоту, которые окружали его и считали своим учителем.

Скварчоне воспитал великого живописца Андреа Мантенью, который попал в его дом десятилетним мальчиком. Творчество Мантеньи, прожившего долгую жизнь, необычайно многогранно: кроме живописи и гравюры, он увлекался геометрией оптикой, археологией. Полюбивший еще в доме Скварчоне искусство античного Рима (в эпоху Возрождения в Италии еще не знали об искусстве Древней Греции), живописец использовал в своих произведениях его образы, придав им героико-романтические черты. Его святые, властители, воины, написанные на фоне мрачного каменистого пейзажа, производят впечатление величия и мощи. Многие работы Мантеньи пронизаны глубоким драматизмом. Такова его знаменитая композиция «Мертвый Христос», поразившая современников своей эмоциональностью.

Мантенья прославился и как талантливый гравер на меди. Он первым сделал гравюру равноправным видом изобразительного искусства.

Своей вершины живопись Проторенессанса достигла в творчестве Боттичелли.

Сандро Боттичелли

До наших дней дошло не так много сведений о жизни Сандро Боттичелли и об истории создания им произведений, ставших позднее жемчужинами мирового изобразительного искусства. Искусствоведам и историкам стали известны лишь некоторые факты из биографии великого мастера.

Родился Боттичелли в 1444 г. Живописи учился в художественной мастерской Филиппо Липпи. Раннее творчество Боттичелли отмечено влиянием искусства Липпи, а также идей, сформировавшихся при дворе Лоренцо Медичи. Однако с большой долей уверенности можно говорить о том, что образы, созданные великим художником, были объемнее и содержательнее произведений живописцев, работающих под покровительством Медичи.

Ранние портреты Боттичелли носят следы влияния живописной манеры Филиппо Липпи, а также Андреа Верроккьо и Поллайоло. В более поздних работах индивидуальность мастера проявляется глубже. Так, на известном полотне «Поклонение волхвов» изображены члены семьи Медичи и дан автопортрет художника. Композиция отличается богатством, яркостью и вместе с тем нежностью красок, а также тонким изяществом и легкостью. Образы, созданные Боттичелли, наполнены лиризмом и необыкновенной, идущей из глубины души красотой.

В 70-е гг. XV в. появляется первая картина Боттичелли, принесшая живописцу огромную славу среди современников и оставившая память о мастере в веках. Это полотно - «Весна», ныне хранящееся в галерее Уффици во Флоренции. Произведение было написано после прочтения художником одного из стихотворений Полициано. Образы-аллегории представлены на фоне чудесного лесного пейзажа. Похожий на райский, сад потрясает своей необычностью и неземной красотой. Центральное место в композиции отведено Венере. С правой стороны от нее размещена Флора, рассыпающая сказочные цветы, слева - танцующие грации, легкие и воздушные, похожие на белые, почти прозрачные облака. Динамика создается именно за счет изображения движущихся в хороводе граций.

Вся картина отличается необыкновенной красотой и нежностью. Несмотря на то что название ее - «Весна», при взгляде на картину возникает чувство легкой грусти, с которым мы не привыкли отождествлять весну. В сознании любого человека весна - это обновление мира, радость, восторг. У Боттичелли же происходит переосмысление общепринятых и привычных образов.

В 1481 г. Сандро Боттичелли отправляется в Рим, где расписывает стены Сикстинской капеллы. В числе прочих фресок его кисти принадлежит и знаменитая «Жизнь Моисея».

В 1482 г. художник вновь поселяется во Флоренции. Искусствоведы и биографы считают этот год наиболее плодотворным для становления и развития творчества мастера-живописца. Именно тогда появляется знаменитое полотно «Рождение Венеры», находящееся сейчас в галерее Уффици во Флоренции.

В картине нет плоскостного изображения - Боттичелли выступает здесь как мастер передачи пространственных линий.
Именно они создают впечатление глубины и объемности, призванных показать динамику движений действующих лиц живописного повествования. Светлые пастельные тона полотна и умело используемые сочетания красок (прозрачно-зеленые воды моря, голубые накидки зефиров, золотистые волосы Венеры, темно-красный плащ в руках у нимфы) создают ощущение необычайной нежности и говорят о тонком чувстве цвета художника.

Центральной фигурой композиции является Венера, только что вышедшая из вод синего моря. Она обнажена. Однако благодаря ее спокойному и одухотворенному взгляду у зрителя не возникает ощущения неловкости. Богиня прекрасна, насколько может быть прекрасным неземное существо, сошедшее с небес. Образ Венеры можно легко узнать на полотнах, созданных Боттичелли по известным библейским мотивам. Среди полотен с религиозным содержанием наиболее заметными являются «Мадонна на троне» (1484) и «Мадонна во славе» («Магнификат»).

Обе они в настоящее время находятся в галерее Уффици во Флоренции. «Мадонна во славе» отличается тонким лиризмом образов. Динамика композиции создается благодаря круглой форме картины, ритмы которой повторяются
в расположении движущихся фигур. Пейзаж, выведенный на задний план композиции, создает объем и пространство.

Необычайно красивы и лиричны также портретные работы великого живописца. Среди них особый интерес представляют
портрет Джулиано Медичи и «Портрет юноши». Однако в настоящее время некоторые искусствоведы приписывают авторство последней работы ученику Сандро Боттичелли Филиппино Липпи (сын Филиппо Липпи).

90-е гг. XV столетия стали для художника переломными. Это время отмечено изгнанием Медичи и приходом к власти
Савонаролы, чьи религиозные проповеди были направлены на обличение Папы и богатых флорентийских семейств. Он
критиковал и светское искусство, а всех художников и поэтов, по мнению Савонаролы, после смерти ожидала геенна огненная. Чтобы избежать этого, необходимо отречься от искусства и покаяться в грехах…

Эти проповеди существенно повлияли на мировоззрение Боттичелли, что не могло не отразиться на его творчестве. Произведения живописца, созданные в этот период, отличаются необычайно глубоким пессимизмом, безнадежностью и обреченностью. Автор все чаще обращается теперь к христианским сюжетам, забыв об античности. Характерным для Боттичелли произведением этого времени является «Покинутая», ныне хранящаяся в собрании Паллавичини в Риме. Сюжет картины достаточно прост: плачущая женщина сидит на каменных ступенях у стены с плотно закрытыми воротами. Но, несмотря на простоту содержания, картина очень выразительна и создает у зрителя угнетающее, грустное и тоскливое настроение.

В 1490-х гг. XV в. появляются иллюстрации Боттичелли к «Божественной комедии» Данте. До наших дней сохранилось лишь 96 рисунков, которые находятся сейчас в музеях Берлина и Ватикана. Все образы зарисовок необычайно хрупки, воздушны и легки, что является отличительной чертой всего творчества Боттичелли.

В тех же 90-х гг. великим мастером было создано полотно «Клевета», хранящееся в галерее Уффици во Флоренции. Картина примечательна тем, что здесь несколько меняется манера письма. Линии, создающие образы, становятся более резкими и заостренными. Композиция наполнена патетикой, эмоциональностью и большей, по сравнению с другими работами, определенностью образов.

Вершиной выражения религиозного фанатизма художника стала картина под названием «Оплакивание Христа». В настоящее время варианты полотна хранятся в музее Польди-Пеццоли в Милане и Старой пинакотеке в Мюнхене. Особый интерес здесь представляют образы приближенных к Христу, наполненные глубокой скорбью и тоской. Впечатление трагизма усиливается за счет использования художником контрастных, то темных, то ярких красок. Перед зрителем уже не бестелесные, почти невесомые и невидимые образы, а вполне конкретные и четкие фигуры.

Одним из ярчайших произведений, относящихся к позднему периоду творчества Боттичелли, является полотно «Сцены из жизни Св. Зиновия», хранящееся в настоящее время в Дрезденской картинной галерее в Германии. Выполненная в стиле росписи старинных алтарных приделов, композиция представляет собой некий коллаж, составленный из отдельных картин, повествующих о жизни святого. Однако, несмотря на сходство со старинным искусством, в полотне достаточно ясно проявилась творческая индивидуальность мастера живописи. Его образы цельные и ясные. Размещены они не в абстрактном пространстве, а на фоне конкретного пейзажа. Место действия у Боттичелли четко определено: чаще всего это обыкновенные городские улицы с виднеющимся вдали прекрасным лесом.

Особый интерес представляют сочетания используемых живописцем красок. Манера письма с этой точки зрения во многом сходна с техникой расписывания старинных икон, колорит которых основан не на ярком контрасте, а на подборе спокойных, близких по цвету тонов.

Сандро Боттичелли умер 17 мая 1510 г. Его творчество оказало большое влияние не только на мастеров XV-XVI вв., но и многих живописцев более поздних эпох.

В эпоху Проторенессанса творили также такие замечательные художники, как сиенские живописцы, жившие в одно время с Дуччо, братья Амброджо и Пьетро Лоренцетти; флорентийцы Мазолино и Беноццо Гоццоли, умбриец Джентиле де Фабриано; живописец и медальер Пизанелло; флорентийцы Филиппино Липпи (сын Филиппо Липпи) и Пьеро ди Козимо. Представителями умбрийской школы были живописцы Лука Синьорелли, Пинтуриккио, Мелоццо да Форли. В Ферраре работали Козимо Тура, Эрколе Роберти, Франческо дель Косса, Лоренцо Коста.

В XV в. во Флоренции большой популярностью пользовался еще один живописный жанр. Во многих семьях были нарядные сундуки (кассоне), в которых девушки хранили свое приданое. Мастера покрывали их искусной резьбой и изящной живописью. Чаще всего художники использовали для росписей мифологическую тематику.

Венецианская живопись

Особое место в искусстве Кватроченто принадлежит Венеции. Удивительный город, расположенный на ста восемнадцати островах, отделенных друг от друга ста шестьюдесятью каналами, был в ту эпоху городом-государством. Венеция, республика купцов, торгующая с Египтом, Грецией, Турцией, Сирией, Багдадом, Индией, Аравией, Северной Африкой, Германией и Фландрией, была открыта для проникновения других культур.

Венецианская живопись призвана была запечатлеть всю красоту, богатство и великолепие этого великого города. Своего расцвета она достигла во второй половине XV в. Произведения венецианских мастеров, красочные и празднично-декоративные, украшали храмы, дворцы, помещения различных общественных заведений, восхищая правителей и простых граждан.

Ярким примером венецианской живописи является творчество Витторе Карпаччо. Его простодушные повествовательные композиции поэтично представляют Венецию во время торжественных церемоний («Прием послов»). Художник изображает и повседневную жизнь родного города; он пишет сцены из Священной истории, трактуя их с точки зрения современности. Таковы его «Житие св. Урсулы» (1490-е), «Сцены из жизни Марии», «Житие св. Стефана» (1511-1520).

Реалистические тенденции венецианской живописи эпохи Раннего Возрождения нашли отражение в творчестве Антонелло да Мессина. Одна из самых знаменитых его картин - «Св. Себастьян» (1476). Тема мученичества св. Себастьяна, ставшего жертвой противника христианства Диоклетиана, была широко распространена среди художников Возрождения, но Антонелло да Мессина по-особому трактует ее: в образе Себастьяна нет той страдальческой экзальтации, которая свойственна произведениям, написанным на тот же сюжет другими живописцами с этим сюжетом. Художник заставляет зрителя любоваться красотой человеческого тела и восхищаться мужеством и силой духа прекрасного юноши. Воздухом и светом пронизан спокойный пейзаж, на фоне которого изображен Себастьян. За его спиной высятся величественные городские постройки, у ног лежит античная колонна.

Антонелло да Мессина - замечательный мастер портрета, лучшие произведения этого жанра - т. н. «Автопортрет» (ок. 1473), «Кондотьер», «Мужской портрет» (1470-е) . Этим работам свойственна сдержанность и обобщенность, качества, которые так ценили современники художника. Портретное творчество мастера предвосхитило творчество Джованни Беллини.

Крупный мастер венецианского Кватроченто, Джованни Беллини считается одним из основоположников Высокого Возрождения. Трагическим величием отмечены его работы «Мадонна со святыми» (1476) , «Оплакивание Христа» (1475). Приковывает внимание его таинственная «Озерная мадонна» (ок. 1500), навеянная французской поэмой
о золотом веке «Паломничество души». В этой картине соединились прекрасные образы античности и мечты о христианском рае.

До сих пор исследователи до конца не разгадали, что же хотел сказать художник, изобразив рядом с Богородицей, апостолами и святыми обычных людей.

Кисти Беллини принадлежит несколько замечательных портретов («Мальчик», «Портрет дожа Леонардо Лоредано» и др.), с которых начался расцвет портретной живописи в Венеции. Мастерство живописца в изображении природы, являющейся неотъемлемой частью всех его произведений («Св. Франциск», 1470-е), оказало большое влияние на многих венецианских пейзажистов последующих поколений. Учениками Беллини были такие извест¬ные живописцы, как Джорджоне и Тициан.

Джорджоне

Джорджоне, не только великий живописец, но и талантливый музыкант и поэт, ярко выделяется среди венецианских живописцев. Вазари писал, что «игра его на лютне и пение почитались божественными». Вероятно, отсюда и особая музыкальность и поэтичность полотен Джорджоне - в этом ему нет равных не только в итальянском, но и в мировом искусстве.

Сведений о жизни Джорджоне немного. Настоящее его имя - Джорджо Барбарелли да Кастельфранко. Как пишет Вазари,
прозвище Джорджоне («Большой Джорджо») художник получил «за величие духа».

Джорджоне родился около 1478 г. в Кастельфранко. В ранней юности он приехал в Венецию, где поступил в мастерскую Джованни Беллини. С тех пор живописец почти не покидал Венецию, где и умер в 1510 г. во время эпидемии чумы.

Одной из самых известных картин Джорджоне является знаменитая «Юдифь», хранящаяся в Эрмитаже. Легенда рассказывает, что красавица Юдифь проникла в шатер предводителя вражеского войска Олоферна и обольстила его. Когда Олоферн уснул, девушка обезглавила его.

Об этой загадочной картине русский художник А. Бенуа писал: «Странная картина, такая же «двусмысленная» и «коварная», как и картины Леонардо. Юдифь ли это? - хочется спросить про эту строгую печальную красавицу с лицом дрезденской Венеры, так спокойно попирающую отрубленную голову». Действительно, в этом полотне кроется какое-то противоречие и тайна: беспощадная библейская Юдифь предстает в произведении Джорджоне в поэтическом образе мечтательной девушки на фоне спокойной и тихой природы.

И это не единственная загадка в творчестве Джорджоне.

Какая тайна скрыта в картине «Гроза», на которой под грозовым небом, среди деревьев и обломков античных колонн мы видим сидящую молодую женщину, которая кормит ребенка, а поодаль прогуливается юноша? Также непонятно, что хотел сказать художник, изобразивший на полотне под названием «Сельский концерт» двух обнаженных женщин в компании двух музыкантов, расположившихся в тени дерева. В «Сельском концерте» - своей последней работе - Джорджоне не успел дописать пейзаж на заднем плане, и это сделал за него Тициан. Уже в другую эпоху замысел композиции использовал Э. Мане в своем знаменитом «Завтраке на траве».

Деревья, холмы, светлые дали в произведениях Джорджоне - не просто фон, на котором изображены фигуры людей. Пейзаж неразрывно связан с персонажами с идеей произведений венецианского мастера. Так, в композиции «Три философа» старец в античных одеяниях, человек средних лет в восточном тюрбане и юноша, воплощающие разные стадии познания природы, представляют единое целое с ней: нежной зеленью горной долины, скалистой громадой, бледным небом, озаренным неяркими солнечными лучами.

Эта же идея гармонии человека и природы нашла свое отражение в одном из шедевров Джорджоне - полотне «Спящая Венера». Чувственная и в то же время целомудренная нагота погруженной в сон красавицы стала олицетворением восхитительного и одновременно простого итальянского пейзажа, золотисто-желтые тона которого повторяются в теплых оттенках тела Венеры. Позднее мотив «Спящей Венеры» использовал Тициан («Венера Урбинская») , затем Д. Веласкес («Венера перед зеркалом») , Ф. Гойя («Маха») и Э. Мане («Олимпия»).

Глубокий интерес Джорджоне к ландшафту как самостоятельному элементу композиции подготовил появление в итальянской живописи нового жанра - пейзажа.

Творчество Джорджоне оказало значительное влияние не только на венецианскую, но и на всю итальянскую живопись. Замечательный художник стал одним из основоположников искусства Высокого Возрождения. В дальнейшем принципы и идеи его искусства Джорджоне нашли отражение в произведениях ученика Тициана.

Характерные черты в искусстве эпохи Возрождения

Перспектива. Чтобы добавить трехмерную глубину и пространство в свои работы, художники эпохи Возрождения позаимствовали и значительно расширили понятия линейной перспективы, линии горизонта и точки схода.

§ Линейная перспектива. Картина с линейной перспективой - это как будто ты смотришь в окно и рисуешь именно то, что видишь на оконном стекле. Объекты на картине стали иметь свойственные им размеры в зависимости от удаленности. Те, что находились дальше от зрителя, уменьшались, и наоборот.

§ Линия горизонта. Это линия на расстоянии, при котором объекты уменьшаются до точки толщиной с эту линию.

§ Точка схода. Это точка, в которой параллельные линии как бы сходятся далеко на расстоянии, часто на линии горизонта. Этот эффект можно наблюдать, если стоять на железнодорожных путях и смотреть на рельсы, уходящие в да ль.

Тени и свет. Художники с интересом обыгрывали то, как свет падает на объекты и создает тени. Тени и свет можно было использовать для привлечения внимания к определенной точке на картине.

Эмоции. Художники эпохи Возрождения хотели, чтобы зритель, глядя на работу, что-нибудь почувствовал, испытал эмоциональное переживание. Это было формой визуальной риторики, где зритель чувствовал вдохновение, чтобы стать в чем-то лучше.

Реализм и натурализм. В дополнение к перспективе, художники стремились, чтобы объекты, особенно люди, выглядели более реалистично. Они изучали анатомию человека, измеряли пропорции и искали идеальную человеческую форму. Люди выглядели реально и проявляли подлинные эмоции, позволяя зрителю делать заключения о том, что изображенные люди думают и чувствуют.

Эпоху «Возрождения» делят на 4 этапа:

Проторенессанс (2-я половина XIII века - XIV век)

Раннее Возрождение (начало XV - конец XV века)

Высокое Возрождение (конец XV - первые 20 лет XVI века)

Позднее Возрождение (середина XVI - 1590-е годы)

Проторенессанс

Проторенессанс тесно связан со средневековьем, собственно оно и появилось в Позднем средневековье, с византийскими, романскими и готическими традициями, этот период явился предтечей Возрождения. Он делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Итальянский художник и архитектор, основоположник эпохи Проторенессанса. Одна из ключевых фигур в истории западного искусства. Преодолев византийскую иконописную традицию, стал подлинным основателем итальянской школы живописи, разработал абсолютно новый подход к изображению пространства. Работами Джотто вдохновлялись Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело. Центральной фигурой живописи стал Джотто. Художники Возрождения считали его реформатором живописи. Джотто наметил путь, по которому пошло её развитие: наполнение религиозных форм светским содержанием, постепенный переход от плоскостных изображений к объемным и рельефным, нарастание реалистичности, ввёл в живописи пластический объём фигур, изобразил в живописи интерьер.

В конце XIII века во Флоренции возводится главное храмовое сооружение - собор Санта Мария дель Фьоре, автором был Арнольфо ди Камбио, затем работу продолжил Джотто.

Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию.

Раньше всего искусство проторенессанса проявилось в скульптуре (Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио, Андреа Пизано). Живопись представлена двумя художественными школами: Флоренции и Сиены.

Раннее Возрождение

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого (Средних веков), но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии под влиянием всё сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства, как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится приблизительно до середины следующего века.

Художники Раннего Возрождения

Одним из первых и наиболее гениальных представителей этого периода по праву считается Мазаччо (Мазаччо Томмазо Ди Джованни Ди Симоне Кассаи) знаменитый итальянский живописец, крупнейший мастер флорентийской школы, реформатор живописи эпохи Кватроченто.

Своим творчеством он способствовал переходу от готики к новому искусству, прославлявшему величие человека и его мира. Вклад Мазаччо в искусство было вновь в 1988, когда его главное творение - фрески капеллы Бранкаччи в церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции - были восстановлены в первоначальном виде.

- Воскрешение сына Теофила, Мазаччо и Филиппино Липпи

- Поклонение волхвов

- Чудо со статиром

Другими важными представителями этого периода стали Сандро Боттичелли. великий итальянский живописец эпохи Возрождения, представитель флорентийской школы живописи.

- Рождение Венеры

- Венера и Марс

- Весна

- Поклонение Волхвов

Высокое Возрождение

Третий период Возрождения - время самого пышного развития его стиля - принято называть «Высоким Возрождением». Он простирается в Италии приблизительно с 1500 по 1527 год. В это время центр влияния итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II - человека честолюбивого, смелого, предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших художников Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художеству. При этом Папе и при его ближайших преемниках Рим становится как бы новыми Афинамивремён Перикла: в нём строится множество монументальных зданий, создаются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античность изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство заменяют собой игривую красоту, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они с большой находчивостью и живостью фантазии свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для себя из античного греко-римского искусства.

Творчество трех великих итальянских мастеров знаменует собой вершину Ренессанса, это - Леонардо да Винчи (1452-1519)Леона́рдо ди сер Пье́ро да Ви́нчи великий итальянский живописец эпохи Возрождения, представитель флорентийской школы живописи. итальянский художник (живописец, скульптор, архитектор) и учёный (анатом, естествоиспытатель), изобретатель, писатель, музыкант, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека»

Тайная вечерия,

Мона Лиза,

-Вит­ру­ви­анс­кий человек ,

- Мадонна Литта

- Мадонна в скалах

-Мадонна с веретеном

Микеланджело Буонарроти (1475-1564) Микела́нджело ди Лодо́вико ди Леона́рдо ди Буонарро́ти Симо́ни. итальянский скульптор, художник, архитектор [ ⇨ ] , поэт [ ⇨ ] , мыслитель [ ⇨ ] . . Один из крупнейших мастеров эпохи Возрождения [ ⇨ ] и раннего барокко. Его произведения считались наивысшими достижениями искусства Возрождения ещё при жизни самого мастера . Микеланджело прожил почти 89 лет, целую эпоху, от периода Высокого Возрождения к истокам Контрреформации. За этот период сменилось тринадцать Пап Римских - он выполнял заказы для девяти из них.

СОтворение Адама

Страшный суд

и Рафаэль Санти (1483-1520). великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы.

- Афинская школа

-Сикстинская Мадонна

- Преображение

- Прекрасная садовница

Позднее Возрождение

Позднее Возрождение в Италии охватывает период с 1530-х по 1590-1620-е годы. В Южной Европе восторжествовала Контрреформация (Контрреформация (лат. Contrareformatio ; от contra - против и reformatio - преобразование, реформация) - католическоецерковно-политическое движение в Европе середины XVI-XVII вв., направленное против Реформации и имевшее своей целью восстановить позиции и престиж Римско-католической церкви.), которая с опаской смотрела на всякое свободомыслие, включая воспевание человеческого тела и воскрешение идеалов античности как краеугольные камни ренессансной идеологии. Мировоззренческие противоречия и общее ощущение кризиса вылились во Флоренции в «нервное» искусство надуманных цветов и изломанных линий - маньеризм. В Парму, где работал Корреджо, маньеризм добрался только после смерти художника в 1534 году. У художественных традиций Венеции была собственная логика развития; до конца 1570-х годов там работали Палладио (настоящее имя Андреа ди Пьетро). великий итальянский архитектор позднего Возрождения и маньеризма.(Маньери́зм (от итальянского maniera , манера ) - западноевропейскийлитературно-художественный стиль XVI - первой трети XVII века. Характеризуется утратой ренессансной гармонии между телесным и духовным, природой и человеком .) Основоположник палладианства (Палладианизм или Палладиева архитектура - ранняя форма классицизма, выросшая из идей итальянского архитектора Андреа Палладио (1508-1580). В основе стиля лежат строгое следование симметрии, учёт перспективы и заимствование принципов классической храмовой архитектуры Древней Греции и Рима.) и классицизма. Вероятно, самый влиятельный архитектор в истории .

Первые самостоятельные работы Андреа Палладио, как талантливого проектировщика и одаренного зодчего, - это Базилика в Виченце, в которой проявился его самобытный неподражаемый талант.

Среди загородных домов самое выдающееся творение мастера – вилла Ротонда. Андреа Палладио построил ее в Виченце для вышедшего в отставку ватиканского чиновника. Она примечательна тем, что является первой светско-бытовой постройкой эпохи Возрождения, возведенной в форме античного храма.

Другой пример – палаццо Кьерикати, необычность которого проявляется в том, что первый этаж здания был почти весь отдан на общественное использование, что согласовалось с требованиями городских властей тех времен.

Среди знаменитых градостроительных сооружений Палладио обязательно следует упомянуть о театре Олимпико, спроектированным в стиле амфитеатра.

Тициан (Тициа́н Вече́ллио ) итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения. Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль. Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.

По месту рождения (Пьеве-ди-Кадоре в провинции Беллуно, Венецианская республика) его иногда называют да Кадоре ; известен также как Тициан Божественный.

- Вознесение Девы Марии

- Вакх и Ариадна

- Диана и Актеон

- Венера Урбино

- Похищение Европы

чьё творчество имело мало общего с кризисными явлениями в искусстве Флоренции и Рима.

В XV в. итальянское Возрождение вступает в период кватроченто, когда основные принципы «нового стиля» становятся господствующими. Раннее Возрождение характеризуется возникновением и подъемом различных территориальных художественных школ, их активным взаимодействием и борьбой. В культуре того периода формируется культ красоты, прежде всего красоты человека. Живопись становится ведущим видом искусства, и художники стремятся изобразить прекрасных, совершенных людей. Поражают общий высокий уровень художественных произведений, обилие талантов, разнообразие творческих индивидуальностей.

Необычайный расцвет искусства кватроченто имел много причин. В первую очередь способствовало то обстоятельство, что аристократические слои итальянского общества, включая Папу, высоко ценили искусство, любили красоту. Они оспаривали другу друга возможность пригласить лучших художников работать у себя. Так, во Флоренции во время правления Медичи борьба за власть утихла и перешла в борьбу за обладание шедеврами искусства, в соперничество в роскоши. Но это было внешней причиной. Главное в том, что искусство играло в жизни общества важнейшую роль: оно выполняло функцию универсального познания, опередив в этом науку и философию. Новое отношение человека к миру, стремление освоить его как реальную арену своих действий обусловливало необходимость его изучения. Первым шагом в этом познании было ясное, трезвое видение мира, постигающее природу вещей. Изображение мира таким, каким его видел человек, было исходным принципом ренессансных художников — принципом, ставшим настоящим переворотом в культуре, выразившимся в полном отказе от прежних принципов. Знание перспективы, теории пропорций, строения человеческого тела и механизма его движений, умение передать объем на плоскости, а в движениях тела выразить движения души — все это становится и необходимым условием творчества, и истинной потребностью самих художников. Крупнейшими мастерами культуры раннего Возрождения являются архитектор Филиппо Брунеллески, скульптор Донатоде Николо ди Бетти Барди, прозванный Донателло, художники Томазо ди Джованни ди Симоне Кассаи, прозванный Мазаччо, и Алессандро Филипепи, прозванный Сандро Боттичелли.

Мазаччо

Мазаччо стал родоначальником нового направления в итальянской живописи XV в.; он возродил традиции Джотто, отказавшись от многословности, характерной для живописи конца XIV — начала XV в. Индивидуальный художественный стиль Мазаччо наиболее ярко выражен в его фреске «Троица». Композиция фрески включает триумфальную арку с уходящим в глубину сводом. На ней изображены Бог-отец, Святой дух в виде голубя и распятый Христос. Возле распятия стоят Мария и Иоанн, а перед аркой по обеим сторонам помешены коленопреклоненные заказчики. Христианский догмат о Святой Троице утверждал единство Отца, Сына и Святого духа как центра небесного мира. Мазаччо трактует эти образы как реальные исторические лица. Композиция выстроена на основе принципа линейной перспективы, которая соотносит и соединяет фигуры в единое целое. На фреске Мазаччо все фигуры, представляющие Бога и человека, объединяются в образ мира, созданный человеческим разумом. Главным произведением Мазаччо стали росписи капеллы Бранкаччи в церкви Санта Мария дель Кармине во Флоренции, изображающие эпизоды из жизни св. Петра и два библейских сюжета «Грехопадение» и «Изгнание из рая». На фреске «Изгнание из рая» Адам и Ева идут, охваченные безысходным отчаянием, покорные судьбе, их преследует парящий ангел с мечом в руке. Эта фреска во многом стала новаторской: анатомически правильно изображены обнаженные тела; их объем моделирован с помощью светотени; фигуры представлены в естественном, свободном движении; выразительные, живые позы, жесты и мимика раскрывают душевное состояние персонажей. Адам и Ева, несмотря на грехопадение и страдания, не вызывают чувства осуждения у зрителей.

Дух раннего Возрождения проявился также в интересе к античности, к ее идеям и образам, к сюжетам языческой мифологии, обращение к которой в Средние века было запрещено.

Сандро Боттичелли

Сандро Боттичелли воплотил в своем творчестве языческие образы. Обычно этого любимца правителя Флоренции Лоренцо Медичи называют последним художником флорентийской культуры XV в. Отличительной чертой его является обращение к внутреннему миру персонажей, их настроениям и переживаниям. Наиболее известны его картины «Весна» и «Рождение Венеры». До сих пор загадкой остается сюжет картины «Весна», где на цветистой лужайке, огороженной деревьями с оранжевыми плодами на ветвях, расположились различные мифологические персонажи: Меркурий, три грации, Венера, над которой парит Амур, богиня весны и цветов Флора, лесная нимфа и бог легкого ветра Зефир. Персонажи не связаны между собой развитием действия, они погружены в себя, молчаливы, задумчивы, внутренне одиноки. Они даже не замечают друг друга. Эти красивые и утонченные образы рождают мечтательную грусть, тихую радость, неясную, смутную тоску и светлую надежду.

Близка по настроению картина «Рождение Венеры», где обнаженная языческая богиня любви медленно подплывает к берегу, стоя в раковине, гонимой легким дуновением зефиров. Венеру встречает нимфа, готовая укрыть ее легким покрывалом. Удивительно прекрасно лицо богини, полное затаенной печали. Как считают искусствоведы, «Рождение Венеры» — это не языческое воспевание женской красоты. В ней больше красоты духовной, а ее нагота означает естественность и чистоту.