Клод моне картины художника с названиями. Клод Моне — человек солнца

Клод Моне – один из известных и популярных художников в истории мирового искусства. Этот живописец является основателем и ярким представителем нового направления начала XX века – импрессионизма. Сегодня каждому образованному человеку и любителю живописи близки и понятны картины Моне, с названиями которых и их кратким описанием нам предстоит познакомиться.

Родившись в Париже в 1840 г., Клод Моне через 5 лет переехал в Нормандию. Юноша с детства проявил тягу к рисованию, но выбрал жанр карикатуры.

В 17 лет Моне знакомится с Эженом Буденом, который научил его искусству пейзажных зарисовок. До знакомства с ним рисование с натуры, морские пейзажи Клод Моне не считал стоящими и даже относился к ним с презрением. 1859 – год возвращения юного художника на родину, в Париж. Там он продолжал рисовать в мастерской бедных художников.

Переломным моментом в судьбе и творчестве Моне считают поступление на факультет искусств Парижского университета. Там он знакомится с О. Ренуаром, А. Сислеем и Ф. Базилем – талантливыми молодыми художниками, вместе с которыми ему было суждено изменить историю мировой живописи.

Как появилось течение «импрессионизм»?

Клод Моне постепенно пытается изменить традиционный способ рисования с натуры, используя то новые световые решения, то меняя угол обзора и положение художника при написании картины. Предпочитая пленэр студийной работе, он ищет красоту в окружающем его мире, пытаясь запечатлеть мгновение и свое восприятие увиденного.

Одно из главных отличий зарождающегося импрессионизма – новая работа с тенью и цветом. Моне выбирал то колористическое наполнение картин, которое он видит и чувствует в определенный момент времени. Рисуя тени светлыми, а не черными, как предшественники, он наполнил внутренним светом свои полотна.

Постоянная бедность и нужда 70 - 80-х гг., начало Франко-прусской войны вынудили его переехать в Англию. Здесь Моне знакомится с торговцем Полем Дюран-Рюэлем, который покупает его полотна. Это позволило по возвращении на родину приобрести небольшой дом в Аржантее.

Официальной точкой отсчета направления «импрессионизм» принято считать 1874 г., когда легкой рукой одного из критиков картину окрестили «впечатлением, впечатленством» - impressionnisme. В 1883 г. Клод Моне вместе со своей семьей переезжает в Живерни, где на скопленные деньги он уже мог себе позволить приобрести дом с землей и садом. В этой же небольшой деревне ему было суждено в 1926 г. закончить свой земной путь.

У Моне с молодых лет были проблемы со зрением, а в 1912 году ему даже удалили хрусталик одного глаза. Считается, что эта болезнь способствовала природному таланту художника видеть и отражать необычные цвета и оттенки в природе.

Популярность Моне сегодня переоценить невозможно: по сей день он входит в число трех самых дорогих художников мира.

1. Одна из наиболее известных и ранних работ Клода Моне – картина «Женщины в саду», созданная в 1866 г. Для написания её он вырыл траншею, чтобы удачнее выбрать ракурс, правильно установить мольберт и встать самому. Сюжет картины прост: четыре молодые дамы прогуливаются по летнему саду, собирая цветы и мило беседуя. Одна из них – молодая натурщица Камилла Донсье – в дальнейшем стала женой Моне.
2. 1866 год стал также временем написания картины «Дама с зонтиком, повернувшаяся налево». Объектом изображения стала молодая девушка, приемная дочь Моне Сюзанна. Художник смотрит на натурщицу снизу вверх, захватывая, помимо фигуры девушки, траву и цветы крупным планом и большой кусок неба. Один из главных героев картины – ветер, который управляет движением объектов, создавая ощущение энергии и движения сюжета.

   

3. Картина «Водяные лилии» 1905 г. после её покупки неизвестным любителем живописи была скрыта от посторонних глаз более 70 лет. На ней изображены пруд, лилии в нем и отражающиеся в глади воды облака. Считается, что этот сюжет художник срисовал с водоема в Живерни. Этому полотну суждено было стать самым дорогим на лондонских торгах: его оценили в 54 миллиона долларов.
4. «Маннпорт» (1883 год) сейчас находится в Нью-Йорке, в музее Метрополитен. Объект изображения для этой картины – скалы Нормандии. В эту страну Моне часто ездил, создав более 60 картин о её могучей и суровой природе.
   
5. На картине «Дама с зонтиком» (1886 г.) изображена жена Моне Камилла Донсье. Полотно относят к раннему периоду творчества: линии размыты и неточны, основной акцент сделан на красках и ощущениях самого художника.
6. Знаменитое полотно, давшее имя всему направлению «импрессионизма» - «Впечатление. Восход солнца» редко кого оставляет равнодушным. Порт Гавр, раннее утро, лодки на глади воды, еле заметные в утреннем тумане, мрачные и темные краски с контрастирующим на их фоне ярким солнцем – картина была создана, чтобы перевернуть представление о технике и назначении живописи. Однако первые зрители отнеслись к новаторству прохладно, не оценив её скрытой силы и перспектив.

   

7. Интересна, с точки зрения создания сюжета, картина «Завтрак на траве» 1866 года. Сам стиль полотна не свойственен импрессионистической манере письма Моне. Это картина перехода, поиска себя. Идейным вдохновителем стал Эдуард Мане (не стоит путать эти разные произведения искусства), которые создал несколькими годами ранее одноименную картину. Она вызвала бурную реакцию и скандал из-за реалистично изображенных на ней обнаженных женщин. Клода Моне эта картина привела в восторг. Он решил повторить успех этого полотна и эпатировать публику. На данный момент то, что мы видим на картине, – это одна из трех частей огромного полотна, который так и остался незавершенным, хотя был выставлен на Парижском салоне.
8. «Кувшинки» 1916 года – продолжение темы воды и водяных линий в творчестве Моне и часть серии водяных пейзажей. В ней интересно композиционное решение: сюжет как будто выхвачен из огромной, бескрайней картины. Художник обрезал крупные центральные цветы, чтобы показать бесконечность природного пространства. Благодаря ярким краскам и необычной композиции, казалось бы, обычный пруд завораживает зрителя.
   
9. «Терраса в Сент-Адресс» – одно из ранних творений художника, созданных в 1867 г. На картине изображена летняя терраса с сидящими в креслах мужчинами и девушкой, которая стоит у перил вместе со своим спутником. Строгие линии, отсутствие размытости и композиционное решение не свойственны манере импрессионизма.

   

10. «Поле маков у Аржантея» 1873 г.. Герои картины – сын и жена художника. Они пробираются сквозь высокую траву и яркие красные маки. На заднем плане видны фигуры еще двоих, а также маленький белый дом вдалеке.

Искусствоведы пришли к выводу, что в последние годы своей жизни художник выходит за рамки импрессионизма, предвосхищая дальнейшие изменения в живописи и очерчивая перспективы. Войдя в историю мировой живописи и обретя множество сторонников и последователей, картины Моне, с названиями и кратким описанием которых мы ознакомились, остаются не только в памяти зрителей, но и в их сердце, вызывая настоящие и некую тоску по уходящей и сиюминутной красоте этого мира.

Оскар Клод Моне (Oscar-Claude Monet, 1840-1926) - французский живописец, один из основателей импрессионизма.

Огюст Ренуар. Портрет Клода Моне. 1875.

В своих картинах художник Моне стремился передавать средствами пленэрной живописи изменчивость световоздушной среды, красочное богатство мира, сохраняя при этом свежесть первого зрительного впечатления от природы.

Клод Моне много работал на натуре, ему было важно не просто запечатлеть пейзаж, бытовую сценку, а передать свежесть непосредственного впечатления от созерцания природы, где каждое мгновение что-то происходит, где окраска предметов непрерывно меняется в зависимости от освещения, от состояния атмосферы, погоды, от соседства с другими предметами, отбрасывающими цветные отблески - рефлексы. Чтобы воссоздать жизнь в ее непрестанных изменениях, художник работал под открытым небом, делая на пленэре не только этюды, но и завершая картины.

Его искусство не похоже ни на какoе другoе на протяжении всей истoрии живописи. Он смoг бы оставить потомкам подлинную картину сoвременнoгo мира, если бы продолжил писать людей. Он оставил это ради того, чтoбы запечатлеть бoлее cложные, волшебные и запоминающиеcя виды природы, в ореоле света. Его творчество одновременнo откровение и поэма, открывающее целый мир, доcеле не видимый никем.

Self Portrait with a Beret, 1886

Шопен - классика

МОНЕ, КЛОД ОСКАР (Monet, Claude Oscar) (1840–1926 гг.), французский художник, один из основателей импрессионизма. Родился 14 ноября 1840 году в Париже в семье бакалейщика. Через пять лет его семья переехала в Гавр.
Около 1856 года под руководством Луи Эжена Будена стал писать пейзажи на открытом воздухе.
В 1859 году Моне приехал в Париж, где познакомился с К. Писсарро.
В 1860 году был призван на военную службу в Алжир, в 1862 году из-за болезни вернулся в Гавр и снова стал писать виды побережья вместе с Буденом.
Вскоре он познакомился с датским художником Яном Бартолдом Йонгкиндом, тоже пейзажистом. Йонгкинд стал его вторым учителем.
В ноябре Моне вернулся в Париж, где занимался в ателье Шарля Глейра и встретился с Огюстом Ренуаром, Альфредом Сислеем и Фредериком Базилем

Его ранние живописные работы – «Уголок Ателье» (1861) и «Охотничьи трофеи» (1862) – позволяют говорить о несомненном колористическом даровании живописца, о его умении скомпоновать картину и об увлечении иллюзионистическими эффектами.

Corner of a Studio, 1861

Claude Monet - Hunting Trophy (1862)

Позднее Клод создает несколько видов «Улицы де ла Баволь в Онфлере» (1864).
Живописные достоинства этих пейзажей впоследствии высоко оценивал А.Н. Бенуа: «Черноты в духе Курбе нет уже и в помине, но чернота в духе Веласкеса налицо. Каждый мазок, и даже самый темный, светится как‑то изнутри и остается ярким, а все в целом чудесно гармонизовано и полно чарующей сдержанности».

The Street of Bavolle at Honfleur, 1864 02

В 1865 году, когда родители перестали помогать Моне, он снимает студию вместе с Ренуаром и Базилем. В том же году Моне начинает работу над композицией «Завтрак на траве», картину большого формата – полотно более шести метров в ширину.
Природа и пробивающийся сквозь зеленую листву солнечный свет, фокусирующийся на белом пятне скатерти, а также прозрачные голубоватые тени здесь гораздо важнее всего остального. Это полотно словно предсказывает будущее в направлении и развитии творчества Клода Моне, главы новой складывающейся импрессионистической школы.

Luncheon on the Grass, 1865
Завтрак на траве

Luncheon on the Grass, Center Panel, 1865

Два морских пейзажа художника («Мыс де ла Эв во время отлива» и «Устье Сены близ Онфлера») были приняты в Салон 1865 года и привлекли внимание критиков, защищавших реализм.

Оригинальное название: The Headland of the Hиve at Low Tide 1865
Основа: холст
Техника: масло
Высота: 90 см.
Ширина: 150 см.
Местонахождение: Музей искусств, Техас
Мыс де ла Эв во время отлива, 1865.

Устье Сены близ Онфлера, 1865

Судьба еще раз улыбнулась художнику в 1865 году. Клод познакомился с семнадцатилетней Камиллой‑Леонией Донсье, дочерью состоятельного буржуа. История их любви была положена в основу сюжета романа Золя «Творчество». До поры до времени Моне скрывает от родных существование Камиллы.
Очаровательная жена часто служила моделью для художника. Ее черты угадываются во всех четырех женских фигурах, которые Моне изобразил на своей знаменитой картине «Женщины в саду». Портрет Камиллы – «Женщина в зеленом платье» – очень нравился Золя.

Camille, or The Woman with a Green Dress, 1866

Мадам Годибер 1868

Оригинальное название: Woman with a Parasol 1875
Альтернативное название: Мадам Моне с сыном
Основа: холст
Техника: масло
Высота: 100 см.
Ширина: 81 см.

Luncheon on the Grass (study), 1865

Adolphe Monet Reading in the Garden, 1866

Camille with a Small Dog, 1866

Положение Моне было критическим. Он не мог расплатиться с кредиторами и нуждался настолько, что вынужден был соскабливать красочный слой со своих старых картин, чтобы на тех же холстах продолжать работу.
Родители были согласны приютить его в доме тетки в Сент‑Адрессе, но требовали разрыва с Камиллой.
Не найдя другого выхода, Моне уезжает, временно оставляя жену, у которой вскоре должен был родиться ребенок, почти без средств. Он работает над морскими пейзажами, а затем возвращается в Париж, где всю зиму бедствует в нетопленом жилище, без денег. В конце концов его вообще выставляют на улицу, и он перебирается с семьей в деревню. Художник был близок к самоубийству. Лишь неожиданная помощь одного из покровителей в Гавре позволила ему временно устроиться с семьей в Фекане и продолжать работу.

Оригинальное название: Terrace at St Adresse 1867
Основа: холст
Техника: масло
Высота: 98,1 см.
Ширина: 129,9 см.
Место создания: Сент-Адресс
Сад в Сент-Адрессе

Оригинальное название: La Grenouillere 1869
Основа: холст
Техника: масло
Высота: 74,6 см.
Ширина: 99,7 см.
Место создания: Сен-Мишель
Местонахождение: Метрополитен-музей, Нью-Йорк

The Boardwalk at Trouville, 1870

В 1867 году Моне писал картину «Женщины в саду». Рассказ И. Тайандье проливает свет на методы работы художника: «На картине были изображены четыре женщины в легких платьях под сенью деревьев.

Оригинальное название: The women in the Garden 1867
Основа: холст
Техника: масло
Высота: 255 см.
Ширина: 205 см.
Место создания: Виль д"Авре
Местонахождение: Музей Орсе, Париж

Появился Курбе. Моне, ничего не делая, неподвижно сидит перед своим полотном. "Что вы делаете? Разве нельзя работать, вместо того чтобы без толку сидеть здесь? Вам еще осталось так много написать". Моне в ответ покачал головой: "Не могу. Жду солнца". И действительно, солнце скрылось за облаком и световые рефлексы погасли. Все сделалось серым, как в хмурый день. Платье одной из женщин погрузилось в тень, а вторая женщина с зонтиком в руках и вовсе исчезла. Надо было ждать солнца, чтобы точно увидеть контуры. Позднее Берта Моризо в одном разговоре скажет о Моне: "Перед его картиной я всегда знаю, с какой стороны держать свой зонтик". И в самом деле, в его произведениях по направлению теней, по тысяче других деталей можно видеть, откуда падает свет, узнать, где находится солнце и какое это время дня».

Женщина с зонтиком. Этюд 1886

Женщина с зонтиком, повернутый в правую сторону, 1886

Картину «Женщина в саду», на которую возлагал надежды художник, жестоко раскритиковало жюри Салона 1867 года.

Оригинальное название: Jeanne-Marguerite Lecadre in the Garden 1866
Основа: холст
Техника: масло
Высота: 82 см.
Ширина: 101 см.
Место создания: Сент-Адресс
Местонахождение: Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Моне не раз прерывает работу, не имея денег для покупки красок. 9 августа 1869 года он писал своему другу художнику Базилю: «Ренуар приносит нам из дому хлеб, чтобы мы не умерли с голоду. Неделя без хлеба, без огня в очаге, без света – это ужасно». Жюри Салона беспощадно отвергает все его картины в 1869 и 1870 годах.

Flowers and Fruit, 1869

Camille on the Beach at Trouville, 1870

В июне 1870 года Моне покидает Францию в связи с начавшейся франко‑прусской войной, побывав в Англии и Голландии.
В Лондоне он и Писсарро познакомились с продавцом картин Полем Дюран-Рюэлем, который сделал группу импрессионистов знаменитой. В 1871 - 1872 годах Моне работал в Голландии.

Тюльпаны Голландии

Он вернулся на родину в конце 1871 года,

Темза ниже Вестминстера

Amsterdam in the Snow, 1874

Canal in Amsterdam, 1874

Meditation, Madame Monet Sitting on a Sofa, 1870-71

Apple Trees in Bloom, 1873

The Luncheon, 1873
Обед, 1873

Poppies Near Argenteuil, 1873
Маки Рядом Аржантей

Между 1872 годом и 1876 годом Моне с семьей жил в Аржантейе, маленьком городке на Сене, в двадцати милях от Парижа.
Художник часто работал вместе с Ренуаром, Сислеем и Мане, создавая свои знаменитые сцены катания на лодках, эпизоды деревенской жизни. Часто он писал свой дом и сад.

Два основных его мотива в Аржантее – парусные лодки, скользящие по реке, и виды железнодорожного моста через Сену: «Регата в Аржантее при пасмурном небе», «Лодка мастерская в Аржантее», «Мост в Аржантее» (несколько вариантов). «Лодки в Аржантее» (несколько вариантов), «Регата в Аржантее ».

The Boats Regatta at Argenteuil, 1874

The Bridge at Argenteuil, Grey Weather, 1874
Мост в Аржантее, пасмурная погода, 1874

The Studio Boat, 1874
Студия Лодка, 1874

The Bridge at Argenteuil, 1884

Regatta at Argenteuil, 1872
Регата в Аржантее

Boaters at Argenteuil, 1874

The Seine at Argenteuil, 1874
Сена в Аржантее, 1874.

В 1873 году Моне создает свой шедевр – пейзаж «Бульвар Капуцинок в Париже». «Его по праву можно назвать одним из лучших городских пейзажей прошлого столетия, – считает Е.Б. Георгиевская. – Картина словно соткана из небольших пастозных, свободно положенных мазков, воссоздающих впечатление движущихся по бульвару экипажей и прохожих, легкого ветра, плывущих в небе облаков, струящихся лучей солнца, все обволакивающей воздушной дымки. Освещенная солнцем левая сторона бульвара выдержана в светлых, золотистых тонах, а правая, тенистая – написана в холодных, серебристо‑серых. Мазки яркой красной и синей красок звучат повсюду насыщенно. Композиционное решение картины таково, что здания и фигуры на балконе справа срезаны краями холста, и это как бы делает зрителя участником происходящего. Лишь немногим из живописцев прошлого века удалось столь мастерски передать атмосферу жизни большого города».

Оригинальное название: Boulevard des Capucines
Альтернативное название: Бульвар Капуцинок в Париже
Основа: холст
Техника: масло
Высота: 79,4 см.
Ширина: 59 см.
Место создания: Париж
Местонахождение: Музей искусства Нельсона-Аткинса, Канзас-Сити

Boulevard des Capucines, 1873 02.
Claude Monet
1873-74
80.3 cm × 60.3 cm (31.6 in × 23.75 in)
Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Missouri

Информация: Написанное в 1873 году произведение спустя год фигурировало на Первой выставке импрессионистов в Париже, проходившей в ателье их друга фотографа Надара. Именно на этой выставке группа художников получила название "импрессионисты", данное им критиком Луи Леруа по названию показанной там картины Моне "Впечатление. Восходящее солнце" ("Impression. Soleil levant"). Главным для художника в этом написанном с натуры при естественном освещении пейзаже, основной эффект которого строится на контрасте освещенной и затененной частей улицы, становится фиксация мгновенных зрительных впечатлений от увиденного.

Моне разработал оригинальную технику: он использовал яркие, чистые и достаточно смелые мелкие раздельные мазки, которые, не смешиваясь, появлялись на холсте. Они отражали непосредственное восприятие автора. Таков его пейзаж, считающийся программным, «Впечатление. Восходящее солнце» (1872). Эта картина и дала название всему движению импрессионизма (impression – впечатление).

Впечатление. Восходящее солнце, 1872
Оригинальное название: Impression, Sunrise
48х63 см.
Гавр, Музей Мармоттан, Париж

Camille Monet in the Garden, 1873

Camille Monet on a Garden Bench, 1873

Camille and Jean Monet in the Garden at Argenteuil, 1873

Camille Monet at the Window, Argentuile, 1873

На первой выставке импрессионистов в 1874 году кроме «Впечатления» Моне выставляет еще одиннадцать картин. Как известно, художников подвергли остракизму.
В 1876–1877 годах Моне выполнил первую серию картин, изображающих вокзал Сен‑Лазар при различной погоде, позже он напишет знаменитые серии со стогами сена, двадцать картин посвящены Руанскому собору. Погоня за ускользающими эффектами солнечного света, поиски «мгновенности» стоят за каждым полотном из знаменитых серий Моне.

Оригинальное название: Gare St.-Lazare 1877
Основа: холст
Техника: масло
Местонахождение: Музей искусств, Гарвард
Вокзал Сен-Лазар в Париже

Saint-Lazare Station, Exterior, 1876
Вокзал Сен-Лазар в Париже, прибытие поезда

The Riverbank at Petit-Gennevilliers,
Madame Monet
Альтернативное название: The Red Cape
холст, масло

Camille Embroidering, 1875

Corner of the Apartment, 1875
Основа: холст
Техника: масло

Camille Monet in Japanese Costume, 1876
Основа: холст
Техника: масло
Местонахождение: Музей изящных искусств, Бостон

Camille with Green Parasol, 1876

In the Meadow, 1876
На лугу.

The Shoot, 1876

Parc Monceau, Paris, 1876.jpeg
Основа: холст
Техника: масло
Высота: 82,6 см.
Ширина: 59,7 см.
Место создания: Париж

The Artist"s House in Argenteuil, 1876
Дом художника в Аржантее, 1876

The Avenue, 1878

Камилла Моне на смертном одре

The Artist’s Garden at Vetheuil, 1880

Оригинальное название: The Artist"s Garden 1880
Основа: холст
Техника: масло
Высота: 151,5 см.
Ширина: 121 см.
Место создания: Ветёй
Местонахождение: Национальная галерея искусства, Вашингтон
Сад художника в Ветейль 1880-81

Alice Hoschede in the Garden, 1881

Flood of the Seine at Vetheuil, 1881

View over Vetheuil, 1881
Озор Vétheuil, 1881

Boats on the Beach at Pourville, Low Tide, 1882

Boats on the Beach at Etretat, 1883

The Small Arm of Jeufosse, Autumn, 1884
Малый Рука Jeufosse, Осень, 1884

С 1883 года жизнь и творчество Моне тесно связаны с селением Живерни в Нормандии, где художник почти постоянно жил до конца своей жизни в доме с великолепным садом. Живерни служило для художника источником вдохновения. Здесь возникли две известные серии картин Моне «Стога сена» и «Кувшинки».

The Departure of the Boats, Etretat, 1885
холст,масло
Художественный институт, Чикаго
Лодки уходят

Trees in Winter, View of Bennecourt, 1887
Деревья зимой, Вид Bennecourt, 1887.

The Seine near Giverny, 1888
Сена рядом Живерни, 1888

View of Antibes from the Notre-Dame Plateau, 1888
Вид Антиб от Нотр-Дам плато, 1888.

Haystacks - White Frost, Sunrise, 1889
Стога - Белый Frost, Восход,

Grainstacks, 1891

Haystacks at Giverny, 1895

Water Lilies, 1904 04

Water Lilies, 1907 08

Оригинальное название: The Waterlily Pond 1899
Основа: холст
Техника: масло
Высота: 88,3 см.
Ширина: 93,1 см.
Место создания: Живерни
Местонахождение: Национальная галерея, Лондон
Пруд с кувшинками

О том, как художник работал над серией «Стога сена», мы узнаем из письма Моне от 7 октября 1890 года, адресованного Гюставу Жеффруа: «Я корплю с усердием, я пристрастился к серии различных эффектов (со стогами), но в этот период солнце садится так быстро, что я не могу поспеть за ним… Я становлюсь медлительным в работе, что приводит меня в отчаяние, и чем дальше, тем больше я вижу, что нужно много трудиться, чтобы суметь передать то, что я ищу: мгновенность…»

Свои впечатления от «Стогов» оставил русский художник В. Кандинский: «До того я не знал никакого искусства, кроме реалистического, и притом только русского. И внезапно я увидел эту картину. По каталогу я узнал, что речь идет о стоге сена. Я не мог узнать его в картине. И это было для меня невыносимо. Я нашел также, что художник не имел права рисовать так неотчетливо. Я смутно ощущал, что предмет исчез в картине. И я с удивлением и беспокойством заметил, что картина не только захватила меня, но и отпечаталась в моем мозгу и по временам проплывала перед глазами со всеми мельчайшими подробностями».

Self Portrait in Atelier (detail), 1885

После распада в 1886 году движения импрессионистов художник стал выставляться один. Моне начинает работать рельефным мазком, передающим трепет листвы, мерцание солнечных бликов на воде, тени от скользящих по небу облаков: «Скалы в Этрета» (1886), «Луга в Живерни» (1888), «Поле маков» (1880‑е годы).

Young Girl in the Garden at Giverny, 1888

Poplars on the Epte, 1891
Тополя на Epte, 1891

С девяностых годов Моне создает следующие серии, запечатлевая один и тот же мотив: «Тополя» (1892), «Руанский собор» (1895), «Нимфеи, пейзажи воды» (1900), виды Лондона (1904), виды Венеции (1912).

Лучшая из серий – «Руанский собор». Моне писал в одном из писем: «Я уже давно здесь, но это не значит, что я скоро закончу свои "Соборы". Увы! Я могу только сказать еще раз, что, чем дальше, тем труднее мне становится передавать то, что я чувствую. И я говорю себе: только очень самоуверенный человек может утверждать, что довел свою картину до конца. Довести до конца – значит сделать картину совершенной, а я работаю так много, все ищу и пробую, почти не продвигаясь вперед и только устаю…»
Вот что писал о «Соборах» в 1919 году К. Малевич: «…на самом деле все усилия Моне были направлены к тому, чтобы культивировать живопись, которая растет на стенах собора. Не свет и не тень составляют его основной интерес, но живопись, находящаяся в тени и на свету. Пикассо и Моне добывали живописное, как добывают жемчуг из раковин. Нам не нужен собор, а нужна живопись, не важно, откуда она взята, так же как нас мало волнует, из какой именно раковины извлечены жемчужины». Vétheuil на закате, 1901 01

Передача на холсте изменчивости света, многообразия атмосферных явлений и изменений природы в разные времена года принесли Моне к 1890 году мировую славу и благосостояние. К этому времени он начал работать на нескольких холстах одновременно, передавая на каждом освещение и состояние вида в определенный довольно краткий период времени, работая над одним полотном часто не более получаса. В следующие дни он продолжал писать в той же последовательности, пока все холсты не были закончены. Среди них серии Стога (1890–1891 гг.); Тополя (1890–1892 гг.); Руанский собор (1894 г.), Виды Темзы (1899–1904 гг.) и Венеция (начата в 1908 г.).

The Grand Canal in Venice, 1908 01

Apple Trees in Bloom at Giverny, 1900-01
Яблони в цвету в Живерни

С 1883 года Моне живет в своем доме в Живерни. Он пишет любимые уголки сада, мостики, пруды, цветники. К началу лета 1909 года Моне закончил серию «Кувшинки», состоящую из сорока восьми полотен.

В 1883 г. Моне переехал в Живерни (местечко в 80 км к северу от Парижа), где прожил 43 года, до самой своей смерти. Художник снял дом у одного нормандского помещика, купил соседний участок земли с прудом и разбил два сада: один в традиционном французском стиле, другой - экзотический, так называемый «Сад на воде». Сад стал любимым детищем Моне; мотивы «сада в Живерни» занимают большое место в творчестве художника. С 1899 года до смерти в 1926 году (эти годы были омрачены ухудшением зрения) Моне создавал огромные полотна, изображающие пруд в саду в разное время дня. 14 панно из серии Кувшинки находятся в Париже и по замыслу художника экспонируются в двух овальных залах Оранжереи Тюильри.

Water Lilies, The Clouds, 1903
Основа: холст
Техника: масло
Высота: 105,3 см.
Ширина: 74,6 см.
Место создания: Живерни
Местонахождение: Частная коллекция

Water Lilies, 1903 03

Water Lilies, 1905 03

Однако, по мнению Ю.Г. Шапиро: «Импрессионистские приемы, рожденные изучением натуры, постепенно превращаются в штамп и используются для создания живописных ценностей, не вытекающих из реальных наблюдений.
Обеднение тематики, уход в декоративность, сведение приемов импрессионизма к решению узкой проблемы передачи светового облика предмета в определенных условиях при всей виртуозности Моне заводят его в тупик. Но сам художник, достигнув в это время признания и успеха, считал поздние работы логическим продолжением и завершением своих поисков».

Композиции Моне становятся почти декоративными, очертания конкретных предметов обозначаются лишь цветовыми пятнами. Так, виды пруда в Живерни постепенно трансформировались в абстрактные цветовые композиции.

the="the" pond="pond" at="at" alt="The Water-Lily Pond at Giverny" border="0">
The Water-Lily Pond at Giverny
Сад с прудом в Живерни

Weeping Willow, Giverny, 1920-22
Плакучая ива, Живерни, 1920-22

Таковы и его известные «Кувшинки», над которыми художник работал с 1914 по 1922 год.

Self Portrait, 1917

Http://gallerix.ru/album/Claude-Monet
http://ohudognikah.ru/content/mone
http://www.artfrance.ru/art/m/mone/main2.htm

Моне своими глазами как в России, так и в других странах. Однако на его зимние пейзажи обратила внимания лишь недавно. Их не так много: Моне предпочитал рисовать яркие краски лета – маки, воду, парусники, цветущие сады.

4. Льдины. Туманное утро. 1893 г.

Плюсовая температура, поэтому лёд уже вскрылся, и появился туман. Белый и голубой цвета разбавляются серым и коричневым.

Этот пейзаж реки Сены не единственный – Моне любил писать сериями, показывая, насколько одно и то же место может быть разным в зависимости от времени суток и погоды.

Картины Клода Моне из серии “Лёд плывёт”. 1893 г. Частные собрания.

За один месяц с конца января по конец февраля 1893 года Моне успел создать целых 13 картин этого пейзажа на Сене!

5. Лавакур. Снег и солнце. 1881 г.

Деревня Лавакур находится на берегу Сены, а напротив – деревня Ветей, в которой Моне жил с семьёй и где родился его сын, а также похоронена жена. Именно с этого берега он изобразил пейзажи деревни Ветей на 150 своих картинах.

Тусклое зимнее солнце на картине “Лавакур” – мы его не видим, но ощущаем по желтовато-зеленоватому отливу снега на дальнем фоне. Кажется, что Моне хотел показать приближение весны.
Фото деревни Ветей (под Парижем)

В этих местах, конечно, помнят своего знаменитого обитателя. Так, на берегу деревни Лавакур информационные щиты сделаны в виде мольбертов с картинами Моне.

6. Дорога в Живерни зимой. 1885 г.

Художник прожил в Живерни 43 года. В этом городке находится его дом-музей со знаменитым садом с кувшинками и японским мостиком. Конечно, Живерни он писал бесчисленное количество раз. В основном это работы цветущие, летние. Однако зима здесь тоже весьма живописна.

Очень часто этого художника путают с его собратом по искусству Эдуардом Мане. Оба они художники, но весьма разного стиля… Хотя где-то даже и сходятся в своих полотнах, но всё-равно разные. Да и пути начала развития у них иные. Но всё-таки о Клоде Моне. Этот художник начинал с карикатуры. Да, с самого, пожалуй, лёгкого и не лёгкого жанра живописи. Его карикатуры появились ещё со школьной скамьи, когда он, не желая учиться, всё больше рисовал. Рисовал своих одноклассников, своих педагогов, своих соседей. Моне не оправдал надежды своих родителей, не продолжил дело отца, но зато стал знаменитым на весь Гавр, это город где он жил, благодаря своим карикатурам. Мало того, к удивлению родителей, он на этом стал зарабатывать деньги, продавая свои произведения тем, кого он изображал за двадцать франков. Карикатур было настолько много, что в местной лавке их выставляли в несколько рядов на витрине. Там же на этой витрине продавались полотна ещё одного художника – Эжен Будена. Работы этого художника напротив не ценились и даже считались вульгарными, хотя на них были всего лишь местные пейзажи. А молодого Моне бесило, что работы Будена занимали много места и он не мог побольше выставить свои. Владелец лавки много раз пытался их познакомить, но это всё никак не получалось. Но однажды это всё же случилось и вот с той поры и считается, что из карикатуриста Моне начал превращаться в живописца.

Именно Буден стал первым учителем Моне. Именно он дал ему первые навыки живописца. Научил рисовать не только карикатуры, но и просто изображать пейзажи, натюрморты, портреты. И открыл иной мир живописи, внутренний, который виден не всем.

Как-то потом практически всё удачно началось складываться. Именно Буден настоял на том, чтобы парень посетил Париж и постарался разузнать о поступление в Академию искусств. Родители Моне были и не против и не за… они колебались, но всё же разрешили сыну просто съездить на разведку… И Клод Моне оказался в Париже. И сразу же посетил выставку художников, потом и сам показал свои работы. Их похвалили, но всё же обратили внимание на некоторые недостатки. Моне решает остаться в Париже на то время, пока продержится. Родители перестали помогать, поскольку учиться сын и не собирался. Хорошо, что была тётушка, которая снабжала деньгами, а потом и вовсе фактически спасла ему жизнь, откупив от армии, где он успел подхватить «модную» болезнь – брюшной тиф. Была потом попытка поступить в Университет на факультет искусств, но ему там стало скучно и он ушёл. И попадает в студию Глейера. Там он знакомится с Базилем, Сислеем и Ренуаром. Именно эти художники впоследствии и станут костяком группы импрессионистов и вообще в целом художественного направления – импрессионизм, название этому направлению дал именно Клод Моне. И всё это началось с его полотна – «Впечатление. Восходящее солнце». Это и есть начало того, что до сих пор поражает многих и при этом вызывает достаточно много споров. Заметьте, до сих пор.

Далее, Моне не сломили личные потери. Он потерял свою первую жену, потом женившись во второй раз – потерял и эту жену. Самое губительное – потеря сына. А потом он и сам тяжело заболел, и эта болезнь грозила ему тем, что он перестанет писать картины. Двойная катаракта – болезнь вставшая на его пути, но он перенеся две операции не отказался от своего дарования и продолжал творить. И вот тут случилось неожиданное: из-за операций и изменений в глазу он стал видеть некоторые цвета в ультрафиолете. И потому некоторые цвета виделись ему совсем по-иному. До последнего дня Моне не опускал свою кисть, он писал полотна и продолжал удивлять своих поклонников своим талантом.

Алексей Васин

Творчество

Бурное развитие европейской живописи в конце 19 века спровоцировало невольный кризис жанра. Несмотря на то, что Европа тех лет подарила миру немало талантливых мастеров, общество почувствовало себя утомлённым ставшими слишком распространёнными в живописи социальными темами. Назрело недовольство и у самих художников.

Клод Моне, считающийся родоначальником французского импрессионизма, в начале своей карьеры столкнулся как с неприятием течения, начало которому он положил, так и с восторженным увлечением им. Всё началось после того, как по возвращению из Лондона, художник за один вечер создал пейзаж, на котором было изображено заходящее солнце, освещающее красными лучами море. Картину Моне назвал просто «Восход солнца. Впечатление».

Этим он хотел подчеркнуть, что попытался не зарисовать природу в точности, а передать только впечатление от того, что он испытал, глядя на восход солнца. Картина произвела неожиданный фурор. Одни критики были недовольны таким легкомысленным подходом к живописи, другие были в восторге, так как открыли для себя новый вид передачи действительности.

Импрессионизм (от французского «впечатление») характеризуется тонким подходом к отображению реальности. Зарисовывается только первое впечатление, динамичными мазками передаётся движение текстуры одежды, волос, деревьев, воды и даже воздуха. Картины импрессионистов воздушны, подвижны, полны чистых красок и нежных полутонов.

Картины Моне полностью соответствовали этому стилю. В начале 20 века художник создаёт ряд пейзажных полотен, прославивших его на многие десятилетия вперёд. К таким полотнам можно отнести «Водяные лилии», «Маннапорт», «Кувшинки», «Поле маков у Аржантея». Все эти картины написаны лёгкими мазками, передающими дыхание и ткань живой и неживой материи. Утомлённое серьёзными темами общество с благодарностью и восторгом отнеслось к простым сюжетам на картинах Моне.

Художник концентрируется на передаче настроения одного и того же места в разные времена года и суток. Тогда рождается знаменитая серия картин «Стог сена». Раз за разом обрисовывая одну и ту же тему, Моне находит новые ракурсы, новые решения в передаче реальности.

Художнику свойственно особенное восприятие и стиль передачи белого цвета. На его картинах чисто белого цвета как будто нет. Вместо него и белые кувшинки, и белая пена на волнах, и облака имеют синеватые, голубоватые и сиреневые оттенки. Моне, как и остальные импрессионисты, избегали чёрного цвета на картинах. Вместо него они использовали фиолетовые краски.

Многим картинам Моне свойственно романтично-воздушное восприятие городских пейзажей. Картина художника «Здание парламента на закате» является одной из самых дорогих картин в мире. Моне удалось запечатлеть там Лондонский парламент, окутанный знаменитым туманом и облаками.

Картины Клода Моне – своеобразное мерило художественной ценности импрессионизма. Его полотна украшают картины крупнейших мировых музеев, в том числе петербургского Эрмитажа и Музея имени Пушкина в Москве.

Игорь Чергейко

Импрессионизм

Принцип оптического смешения цветов, основанный на реально увиденных и осознанных художником явлениях природы, использован мастерами импрессионизма с большой артистической свободой. Особая выразительность фактуры их картин – не самоцель, а необходимый способ выражения этих творческих устремлений. Импрессионисты «стремились оставить в живописи следы того, как она сделана. Им нужно было, чтобы зритель не забывал, что он стоит на грани между зеркальной иллюзией и холстом, забрызганным красками, – пишет М. В. Алпатов. – Только тогда у него на глазах будет совершаться „чудо искусства”.

Своеобразное впечатление незаконченности импрессионистских картин, так смущавшее современного им зрителя, – следствие их желания запечатлеть эфемерность, подвижность, «неконстантность» видимого мира. Такой свободы и артистизма в значительной степени лишены более поздние работы неоимпрессионистов (точнее – дивизионистов) с их рациональной теорией разделения цветов и нейтрализацией почерка художника. Стремление импрессионистов «рисовать цветом», почти полное исчезновение в некоторых работах линии (рисунка) делают очень трудным, а иногда и невозможным черно-белое репродуцирование их живописи.

Импрессионисты были принципиальными противниками всякого теоретизирования. По определению Моне, искусство – это «свободная и проникнутая чувством интерпретация природы… теории не могут создать картин». Так называемая теория импрессионизма возникла позднее; она базировалась на художественных открытиях мастеров этого направления, на их способности видеть мир непосредственно, интуитивно, на присущем импрессионизму образном, непонятийном мышлении. Абсолютное доверие импрессионистов своему зрительному восприятию, их стремление писать «только то, что они видят, и так, как они видят»20 породили ценностно новую условность в искусстве. И здесь уместно вспомнить слова Ш. Бодлера, сказанные им в 1859 году, на пороге зарождающегося импрессионизма: «Подчас заведомо условное оказывается бесконечно ближе к правде, а большая часть наших пейзажистов лжет именно оттого, что старается быть слишком правдивой».

Однако по мере эволюции импрессионизма, уже с конца 1870-х годов «заведомо условное» в нём все более начинало тяготеть к декоративизму: последовательное ослабление пластических моментов в живописи (пространства и объёмности), утверждение плоской изобразительной поверхности, замена естественного цветового видения условными тональными эффектами, «фильтрующими» красочное многообразие изображаемого мира, разделение композиции по принципу сопоставления цветовых зон – качества, связывающие импрессионизм с некоторыми тенденциями искусства рубежа веков. И все же декоративность так и не стала главным принципом импрессионистического стиля, даже в поздний период творчества Моне: локальный «плоскостный» цвет и линеарность чужды самой поэтике импрессионизма.

Как уже говорилось, импрессионизм не возник внезапно. Многие из его открытий были подготовлены искусством XIX века, они как бы носились в воздухе. Вспомним хотя бы поразительные слова, которые вложил О. Бальзак в уста старого художника из рассказа «Неведомый шедевр»: «Строго говоря, рисунка не существует! Не смейтесь, молодой человек… Линия есть способ, посредством которого человек отдает себе отчет о воздействии освещения на облик предмета. Но в природе, где все выпукло, нет линий: только моделированием создается рисунок, то есть выделение предмета в той среде, где он существует. Только распределение света даёт видимость телам!.. Не так ли действует солнце, божественный живописец мира? О природа, природа! Кому когда-нибудь удалось поймать твой ускользающий облик?». Бальзак создавал рассказ в 1830 году; в это же время в динамичной, красочной живописи Э. Делакруа, в романтических картинах Дж. М. У. Тернера, в пейзажах Р. П. Бонингтона и Дж. Констебла с их вечно изменчивым небом подготавливалось то, что позднее было взято на вооружение рождающимся импрессионизмом. К числу непосредственных предшественников Моне, К. Писсарро и А. Сислея можно отнести К. Коро, пейзажистов барбизонской школы (особенно самого поэтичного из них – Ш. Добиньи), а также будущих учителей Моне Э. Будена и И. Б. Йонкинда.

И все же импрессионизм был принципиально новым словом в европейском искусстве. Сейчас, рассматриваемый с большой временной дистанции, он сам приобрёл характер «классической» эпохи французской живописи. Нельзя, однако, упускать из виду, что импрессионизм в живописи проделал довольно сложную эволюцию: новое художественное видение мира кристаллизовалось постепенно, отдельные (отмеченные выше) черты поэтики импрессионизма имели относительно большую или меньшую степень значения в разное время и у различных мастеров. Условно историю живописного импрессионизма можно разделить на периоды подготовки (созревания нового метода)- 1860-е годы, расцвета и борьбы за новое искусство-1870-е годы, начинающегося в 1880-е годы кризиса и творческих расхождений (последняя, 8-я выставка импрессионистов 1886 года совпала с распадом группы) и поздний – с 1890-х годов до конца жизни Дега, Ренуара, Моне.

Ни в один из этих периодов своего развития импрессионизм не являлся абсолютно главенствующим направлением во французском искусстве. Одновременно с молодыми художниками продолжали работать Ж. О. Д. Энгр, К. Коро, Г. Курбе, Ж. Ф. Милле – представители старшего поколения; история импрессионизма хронологически включает в себя всю историю так называемого постимпрессионизма (Ван Гог, Сезанн, Гоген, также Сера, Синьяк, Тулуз-Лотрек). Почти одновременно с импрессионизмом в искусстве родился символизм, при жизни старейших импрессионистов произошло выступление фовистов и рождение кубизма. Вот почему некоторые стороны импрессионизма сейчас гораздо ярче воспринимаются уже в зеркале современных ему и позднейших течений в искусстве: влияния импрессионизма не избежал почти никто из значительных французских художников конца XIX века. Творчески переосмыслив уроки импрессионизма и принципиально отвергая многое в нем, эти художники пошли дальше и заложили фундамент искусства нашего столетия.

В такой «двойной перспективе» импрессионизма Клоду Моне принадлежит очень заметное, но не исключительное место в самом направлении. Будучи прежде всего пейзажистом, он стремился восстановить утраченные представления о единстве мира, где человек нерасторжимо связан с природой, с окружающей его средой. Моне открыл и довел до почти полного исчерпания некоторые особые качества импрессионистического восприятия природы, стихии света и воздуха, иными словами – пленэрную сторону импрессионизма, предоставив другим мастерам разрабатывать иные аспекты импрессионистской поэтики.

Признанным вождем импрессионистов Моне стал в силу исключительных качеств своей натуры: волевой, энергичный и целеустремленный, он оказался в центре борьбы за новое искусство, принимал деятельное участие в организации большинства выставок художников этого направления, возглавил борьбу за посмертное признание творчества Эдуарда Мане. Вечно сомневающийся в своих возможностях и вечно ищущий, Моне, тем не менее, всегда умел подбодрить друзей, внушить им веру в свои силы. Даже для недоверчивого, замкнувшегося в себе Сезанна, столь далеко отошедшего в позднем творчестве от всех, Моне оставался единственным авторитетом, к мнению которого он неизменно прислушивался.

Светлана Мурина

Парадокс творчества Моне

В двух пейзажах, написанных в Париже в день национального праздника 30 июня 1878 года, Моне словно обнажает перед нами сам процесс создания картины. Он лихорадочно спешит запечатлеть случайно открывшееся из окна зрелище – море трепещущих на ветру трехцветных флагов, праздничное ликование толпы.

Едва намеченные вертикали домов напоминают об очертаниях уходящей вдаль улицы, рисунок целиком растворен в вихре насыщенных мазков красного, синего, белого. Темпераментная кисть Моне в этих работах предвосхищает позднего Ван Гога, но как несходно это возбуждение художника, захваченного красотой мотива, от внутреннего смятения, которое читается в работах голландского мастера! Снова, как и в пейзаже «Впечатление. Восход солнца», можно констатировать парадокс творчества Моне: чем больше спонтанность восприятия, доверие художника своему глазу и первому ощущению, тем дальше он от объективного восприятия действительности, тем сильнее деформирован предмет его изображения.

Если бы фотограф запечатлел вид улицы Сен-Дени в этот же день, то все разорванное, фрагментарное, находящееся в становлении, что так поражает в картине Моне, предстало бы остановленным, упорядоченным и, вероятно, более прозаичным. Моне менее всего добивается иллюзии реальности: через разложение зрительного образа на отдельные цветовые элементы, эмансипацию цвета, отделяющегося от предметов, развеществление материального мира он ведет зрителя к синтезу, целостному восприятию изображенного. Эта «суггестивная трансформация» образа требует и от сегодняшнего зрителя, привыкшего ко многим крайностям в современном изобразительном искусстве, особого напряжения при знакомстве с картинами Моне.

Осенью 1878 года Моне снял дом в небольшом городке Ветей близ столицы. Здесь вместе с ним, его тяжело больной женой и двумя детьми поселилась семья разорившегося банкира и коллекционера Ошеде. В сентябре 1879 года скончалась Камилла Моне; в последний раз художник пишет её лицо, но в этот раз облик Камиллы ускользает от художника, он погружен в беспокойное море перекрещивающихся штрихов блеклых оттенков лилового, голубого, желтого. Их легкая паутина – словно таинственный покров, отделяющий жизнь от смерти. Много позднее Моне говорил Жоржу Клемансо: «Однажды, стоя у изголовья скончавшейся женщины, которая всегда была мне очень дорога, я поймал себя на том, что, глядя на её трагический лоб, машинально искал следы последовательно нарастающей деградации колорита, которую смерть вызвала на этом неподвижном лице. Оттенки синего, желтого, серого – почем я знаю, какие! Вот до чего я дошел… Вот каким образом под влиянием свойственного нам автоматизма мы вначале откликаемся на воздействие цвета, а потом наши рефлексы независимо от нашей воли вновь включают нас в бессознательный процесс однообразно текущей жизни. Подобно скотине, которая вертит мельничный жернов».

Это признание позволяет увидеть скрытый драматизм творчества Моне. Художника часто и несправедливо упрекали в бесстрастии, в абсолютном преобладании оптического восприятия над эмоциональным. Между тем сама эстетизация образа в данном случае образа смерти – волевой акт, который трансформирует первоначальный мотивный импульс в художественное переживание. Чувство лежит в основе творчества Моне не в меньшей степени, чем зрительное впечатление; даже в безмятежной созерцательности позднего цикла «кувшинок» (о нём речь ниже) звучат ноты подлинной элегической поэзии. Ясное и оптимистическое настроение большинства работ Моне – это та сторона, которая обращена к зрителю, также как и сдержанные, спокойные манеры художника, неизменно привлекавшие к нему симпатии современников. Для художников-импрессионистов (в первую очередь Моне и Ренуара) такой внутренний диссонанс между жизнью и творчеством составляет сокровенную сущность их искусства, его всегда нужно иметь в виду: без этого оценка творчества мастеров импрессионизма становится односторонней и упрощенной.

Тягостные переживания Моне, омрачившие первый год его пребывания в Ветее, с неожиданной силой выразились в сумрачно-меланхолических зимних пейзажах этого времени («Снежный эффект в Ветее», 1878, Лувр, Париж; «Въезд в Ветей», 1879, Художественный музей, Гётеборг) с их ощущением одиночества и оцепенения. Материальное положение Моне особенно усложнилось после смерти Камиллы, когда на руках у него оказалась многодетная семья – двое его малолетних сыновей воспитывались вместе с пятью детьми Алисы Ошеде, ставшей им второй матерью (брак Моне с Алисой был оформлен лишь в 1892 году). Только после устройства в 1880 году небольшой персональной выставки в помещении редакции журнала «Ла Ви модерн» Моне, при поддержке Дюран-Рюэля и издателя Шарпантье, обрел уверенность в своих денежных делах. Отныне он был избавлен от забот по продаже своих произведений и мог всецело отдаться творчеству.

С начала 1880-х годов живописная манера Моне постепенно меняется. Он все чаще работает в ателье; в картинах его иногда появляется та «сделанность», которую можно посчитать компромиссом между работой по первому впечатлению и рефлектирующим сознанием художника, работающего по памяти. Примером такого подхода к созданию пейзажа является большая картина «Лавакур» (1880, Музей изящных искусств, Даллас), предназначенная для Салона. Несмотря на то, что этот пейзаж был на редкость неудачно помещен в экспозиции (на высоте чуть ли не шести метров от пола, в тесном окружении других работ – подобная нелепая развеска картин всегда практиковалась в Салонах), он был отмечен критиками. Один из них (Шенневьер) написал даже, что «светлая и ясная атмосфера заставила казаться чёрными все другие соседние пейзажи в этой галерее Салона». Впрочем, к этому времени импрессионизм уже завоевал прочное место – во всяком случае, в сознании критики.

Даже такой принципиальный «ниспровергатель» Моне, как известный писатель-символист Ж. К. Гюисманс, изменил своё отношение к художнику после седьмой выставки импрессионистов (1882): «Как правдивы у него пена на волнах, попадающих в луч света, реки, переливающиеся тысячами оттенков предметов, которые они отражают; в его полотнах холодное дыхание моря напоминает трепетанье листвы, легкий шелест травы… именно ему и его собратьям импрессионистам, мастерам пейзажа, мы должны быть признательны за возрождение искусства живописи. Господа Писсарро и Моне вышли наконец победителями из тяжелой борьбы. Можно сказать, что в их полотнах разрешена сложная проблема света…».

Характеристику Гюисманса можно отнести к тому этапу творчества Моне, который сам художник считал пройденным. Поиск новых тем и образов приводит его к созданию целого цикла натюрмортов, исполненных в начале 1880-х годов; как и пейзаж, этот жанр был для Моне излюбленной областью творчества. «Лепешки» (1882, частное собрание, Париж)- образец типично импрессионистической композиции, где связь между предметами и даже их расположение кажутся случайными (некоторые срезаны краем рамы). Увиденный с близкого расстояния, этот фрагмент неживой природы воспринимается как пейзаж с невыраженной четко (и потому бесконечной) глубиной, где белая скатерть с холодными голубыми рефлексами похожа на заснеженное пространство. Лучшие из натюрмортов этого времени- изображения цветов и фруктов. Их декоративная линеарность, вписанная в узкий вертикальный формат («Георгины» и «Белый мак», 1883, частные собрания), предвосхищают рождение стиля модерн (ар нуво) во французском искусстве.

В 1880-е годы Моне довольно часто обращается к «чистому» портрету – обычно это погрудное изображение на нейтральном фоне. Моне не был мастером психологического портрета в том значении слова, которое применимо к Э. Мане или Э. Дега. Точнее было бы сказать, что он никогда не стремился переступить ту черту, которая привела бы к проникновению во внутренний мир другого человека. Портреты Моне характеризуют прежде всего его собственную внутреннюю замкнутость и эмоциональную сдержанность; он наделяет портретируемых своим настроением, и это придает им оттенок холодноватой отчужденности. Модели портретов Моне неизбежно погружены в себя, они бездейственны (несмотря на живость кисти художника), отъединены от окружающей среды и словно пребывают в невещественном мире. Прекрасным образцом такой автохарактеристики является «Автопортрет в берете» (1886, частное собрание, Париж).

Самые известные картины Клода Моне

Клод Моне отклонял традиционный подход к пейзажной живописи и отошел от четкого изображения форм и линейной перспективы, господствовавшей в изобразительном искусстве того времени.

Вместо копирования признанных мастеров он учился у своих друзей и у самой природы, наблюдая изменения цвета и света, вызываемые сменой времени дня или года - стиль Моне находит своих последователей и среди художников XXI века . Однако и его техника исполнения не стояла на месте, а с годами претерпевала некоторые изменения, что можно заметить, сравнивая ранние и поздние картины Моне .

«Женщины в саду» (1866)

«Женщины в саду» были нарисованы Моне в предместье Парижа под названием Виль-д"Эвре. Единственной моделью для этой картины стала его жена Камилла: она-то и изобразила трех из представленных на картине женщин, которых мы можем видеть на картине. Целью написания этой масштабной и тщательно продуманной картины было показать эффекты настоящего дневного освещения, а не обращать внимание на модель или драпировку платья.

С помощью вспышек света, которые пронзают листву деревьев, чтобы смягчить тени и сделать цвет кожи чуть более теплым, Моне делает акцент на естественном освещении пейзажа. В январе 1867 года его друг Базиль приобрел работу за 2,5 тысячи франков, чтобы помочь Моне выйти из больших долгов, которые заставили его перечеркнуть около двухсот его работ, чтобы они не достались кредиторам.

«Терраса в Сент-Адресс» (1867)

Данная картина совершенно отличается от более поздних полотен Моне. Она изображает сад в Сент-Адресс, с видом на морской порт Онфлер на горизонте. Моделями были родственники и друзья Моне: у забора стоит кузина Моне, Жанна-Маргарита Лекадр, рядом находится ее отец, а на переднем плане, спиной к зрителям, сидят отец Моне Адольф и, вероятно, вторая дочь Лекадра, Софи.

Клод Моне называл эту работу «китайской живописью с флагами»; Ренуар ссылался на нее, как на «японскую живопись с маленькими флагами», потому что своими линиями и очень яркой цветовой палитрой она напоминала японские цветные гравюры. Интересна она также тем, что композиция картины не имеет центральной точки, а сам художник рисовал ее, словно бы глядя на пейзаж сверху вниз. Эта яркая и очень солнечная картина словно является гимном самому лету.

«Темза ниже Вестминстера (Вестминстерский мост)» (1871)

С помощью этой картины Моне показывает нам туманную столицу Англии в весенний день.

Эта простая, асимметричная композиция уравновешена горизонтальным мостом, лодками, плавающими по волнам, а также вертикальной пристанью на переднем плане. Задний же план изображает окутанный туманом Дом Парламента, или Вестминстерский дворец. Во всем сюжете доминирует густой слой тумана, содержащий фиолетовый, зеленый, розовый и золотой оттенки, который создает особенную, плотную атмосферу, отображающую архитектуру в отдаленных, размытых формах.

«Впечатление: Восходящее солнце» (1872)

Содержание картины демонстрирует зрителю утро в порту Гавр во Франции. Мы можем видеть, как солнце поднимается над портом, в то время как наше внимание пытаются обратить на себя еще и три корабля на переднем плане, а сзади тонут в дымке другие пришвартованные корабли в неизвестном количестве. Общее настроение картины довольно мрачное, что идет вразрез с ярким, оранжевым солнцем, которое своим восходом приносит новую жизнь в порт. Мелкие, короткие, почти точечные мазки позволили Моне быстро запечатлеть этот сюжет и само ощущение того, что момент не вечен.

С этим полотном связана интересная история: именно благодаря ей импрессионизм получил свое название, когда спустя два года после написания этой картины Моне представил ее широкой публике. Это произошло на самой первой выставке импрессионистов, которые тогда не имели никакого названия, а просто были группой художников, которые стремились познакомить широкие массы со своим видением искусства и с новым направлением живописи.

Однако картину разнес в пух и прах художественный критик Луи Леруа, назвав всю группу художников импрессионистами, подобно названию картины («впечатление» переводится на французский язык как «impression»). Художники приняли вызов и сохранили название, которое быстро потеряло свой негативный оттенок.

«Поле маков у Аржантея» (1873)

Вернувшись из Англии, Моне остановился в Аржантее и жил там до 1878 года, что стало для него временем совершенствования. В близлежащей местности Моне нашел яркие пейзажи, которые позволили ему исследовать потенциал пленэрной живописи. На этой картине художник изобразил яркое маковое поле в сельской местности, которое шевелит легкий ветерок. На передний план пейзажа вписаны мать и ребенок, предположительно, жена Моне, Камилла, и их сын Жан.

Картина визуально делится на две части с помощью диагонали: одна наполнена яркими пятнами маков, а другая выглядит пустой, словно художник совсем забыл уделить ей внимание. Именно красный цвет задает структуру картины. Любопытно, что если ее перевести в черно-белый цвет, большинство маков на ней уже не будет видно.

«Бульвар Капуцинок» (1873)

«Бульвар Капуцинок» изображает сцену суматохи парижской жизни, которую Моне мог видеть из студии своего друга, фотографа Феликса Надара. Художник использует здесь короткие, быстрые мазки, чтобы «оживить» людей, передать их в движении. Вероятнее всего, на картине изображен утренний или дневной бульвар, в период ранней весны, когда на дорогах еще лежит снег.

Тот самый критик Леруа, благодаря которому импрессионизм сейчас зовется именно так, а не иначе, вновь остался не в восторге от этой картины Моне: как и прежде, такая техника казалась ему незавершенной, будто набросок, а парижан на полотне он так и посчитал черными размытыми пятнами.

«Прогулка к утесу в Пурвиле» (1882)

На полотне изображены две молодые женщины в белых одеждах, которые прогуливаются по утесу в местечке под названием Пурвиль - морской курорт, который располагается на юге Франции.

В этой работе Моне демонстрирует, как можно соединить пейзаж и человеческую фигуру, не нарушая единства его поверхности. Он интегрировал все эти элементы в картину с помощью текстуры и цвета. Трава написана короткими, изогнутыми, резкими мазками, благодаря чему она будто дрожит на ветру, а с помощью почти таких же, слегка видоизмененных мазков Моне изобразил раздувшиеся на ветру женские платья и платки, а также волны на поверхности моря.

«Дама с зонтиком» (1886)

На картине изображена первая жена Моне, Камилла Донсье, вместе с их старшим сыном Жаном. Женщина держит в руках зонт, и, кажется, будто она ловит на себе чей-то взгляд. Эта работа из раннего творчества - пример того периода, когда Моне больше сосредотачивался на передаче света и цвета, чем линий и объема.

Картина также демонстрирует одну из тех тем художника, которые он использовал в своих картинах в течение многих лет. Зонтик как предмет довольно часто появлялся в его творчестве, преимущественно потому, что он писал свои картины сразу на улице, где большинство женщин пользовались зонтами, чтобы защитить свою кожу и глаза. Зонт, к тому же, создает контраст света и тени в лице и одежде портретируемого, показывая, с какого направления падает настоящий свет.

«Руанский собор: главный вход на солнце» (1894)

Эта работа — одна из целой серии картин на тему Руанского собора. Клод Моне писал фасад собора в разное время суток, чтобы изучить различные световые эффекты в зимний период. На полотнах, в основном, доминируют яркий оранжевый и голубой цвета собора, и лишь наверху картины виднеется небольшой синий участок неба. Художник с помощью полупрозрачных мазков играет со светом и текстурой каменной поверхности собора.

Чтобы работа продвигалась быстрее, Моне специально поселился прямо напротив своего главного объекта для живописи. В 1895 году он представил двенадцать «Соборов» на выставке в галерее Дюран-Рюэля, где они были и раскритикованы, и одарены похвалами тех зрителей, которые ратовали за художественные инновации Моне.

«Водяные лилии» («Нимфеи») (1916)

«Водяные лилии» являются частью масштабной серии водяных пейзажей Моне, которая была задумана еще в 1909 году. Художник тайно работал над десятками полотен, создавая панораму из воды, лилий и неба в своей студии, вдохновленный своим садом в Живерни.

Он писал эти картины в последние тридцать лет жизни, в основном, по памяти, поскольку был ограничен во времени цветения лилий и не мог рисовать слишком быстро в связи со стремительно ухудшающимся зрением. Цветовая палитра и мазки, в отличие от ранних работ, стали разнообразнее, приближаясь к экспрессионистическим.

Узнайте еще больше о творчестве этого замечательного художника, посмотрев данное видео:

Забирай себе, расскажи друзьям!

Читайте также на нашем сайте:

Показать еще