Post мир искусства объединение художников. Л.С.Бычкова. Мирискусники в мире искусства. Смотреть что такое ""Мир искусства"" в других словарях

КУРСОВАЯ РАБОТА

по дисциплине «Культурология»

по теме: «Объединение «Мир искусства»»

Введение

1. История возникновения журнала и роль Дягилева в его создании

2. Принципы издания журнала и его концепция

3. Роль и значение журнала в культурной жизни России

Заключение

В культурной жизни России рубеж двух веков XIX и XX был ознаменован основанием журнала «Мир искусства». Первыми набрались уверенности в себе, чтобы вырваться из рамок келейного искусства на широкую публику, не критики и поэты, а художники, музыканты и люди, влюбленные в оперу, театр и балет. Именно они основали сначала объединение, а затем и первый русский модернистский журнал. Они поставили перед собой задачу «выхолить русскую живопись, вычистить ее и, главное, поднести ее Западу, возвеличить ее на Западе».

Цель курсовой работы – подробно изучить деятельность модернистского журнала «Мир искусства». Для достижения цели были поставлены задачи: подробно рассмотреть создание объединения художников «Мир искусства» и журнала «Мир искусства»; изучить концепцию журнала и принципы его издания; проанализировать роль и значение журнала «Мир искусства» в культурной жизни России.

В конце XIX века художественная жизнь в России была весьма оживленной. Общество проявляло повышенный интерес к многочисленным художественным выставкам и аукционам, к статьям и сообщениям периодической печати, посвященным изобразительному искусству. Не только московские и петербургские, но и многие провинциальные газеты и журналы имели соответствующие постоянные рубрики. Возникали разного рода художественные объединения, ставившие перед собой различные задачи, но преимущественно просветительского характера, в чем сказывалось влияние традиций передвижничества. Одним из таких объединений являлось «Мир искусства» (1898–1904 гг.), в которое входили в разное время чуть ли не все передовые русские художники: Л. Бакст, А. Бенуа, М. Врубель, А. Головин, М. Добужинский, К. Коровин, Е. Лансере, И. Левитан, М. Нестеров, В. Серов, К. Сомов и др. Всех их, очень разных, объединил протест против официального искусства, насаждаемого Академией, и натурализма художников-передвижников.

Возникновению объединения «Мир искусства» предшествовал маленький домашний «кружок самообразования» на квартире А. Бенуа, где собирались его друзья по частной гимназии К. Мая: Д. Философов, В. Нувель, а затем Л. Бакст, С. Дягилев, Е. Лансере, А. Нурок, К. Сомов. Лозунгом кружка было «искусство для искусства» в том смысле, что художественное творчество само в себе несет высшую ценность и не нуждается в идейных предписаниях со стороны. В то же время это объединение не представляло собой какого-либо художественного течения, направления, или школы. Его составляли яркие индивидуальности, каждый шел своим путем.

Искусство «мирискусников» возникло «на острие тонких перьев графиков и поэтов». Атмосфера нового романтизма, проникшая в Россию из Европы, вылилась в причуды виньеток модных тогда журналов московских символистов «Весы», «Золотое руно». Рисунок узорных оград Петербурга соединился с устремлениями художников абрамцевского кружка И. Билибина, М. Врубеля, В. Васнецова, С. Малютина по созданию «русского национального стиля».

С точки зрения художественного метода, если говорить о самом главном в творчестве «типичных» мирискусников, они больше синтетики, чем аналитики, графики чем живописцы. В графике мирискусников рисунок часто следует заранее сочиненному узору, а цветовое пятно обводится контуром, чтобы максимально подчеркнуть его «синтетический», декоративный характер. Отсюда рассудочность, ирония, игра, декоративизм. Рисунок, живопись и даже скульптура подчинялись декоративно-графическому началу. Это объясняет и тяготение к синтезу различных видов и жанров искусства: соединению в одной композиции пейзажа, натюрморта, портрета или «исторического этюда»; включение живописи, скульптуры, рельефа в архитектуру, стремление использовать новые материалы, «выход» в книжную графику и музыкальный театр. Однако стремление к «художественному синтезу», вообще характерное для периода модерна, которое, казалось бы, должно было привести к созданию «большого стиля», самым парадоксальным образом стало причиной ограниченности творчества мирискусников. Эти художники «снижали понятие живописного толкованием его как декоративного ощущения действительности... тут и заключалось противоречие, приведшее к глубоко кризисному, быстрому размельчанию столь яркого и энергичного направления... От интенсивнейшей деятельности блестящей эпохи осталось очень много красивых произведений... Но совсем не появилось произведений всецело значимых...»

На биографии Бенуа, как одного из организаторов и вдохновителей объединения, а впоследствии журнала «Мир искусства» остановимся поподробнее.

Живописец и график-станковист, иллюстратор и оформитель книги, мастер театральной декорации, режиссер, автор балетных либретто, Бенуа был одновременно выдающимся историком русского и западноевропейского искусства, теоретиком и острым публицистом, проницательным критиком, крупным музейным деятелем, несравненным знатоком театра, музыки и хореографии. Главной чертой его характера следовало бы назвать всепоглощающую любовь к искусству; разносторонность знаний служила лишь выражением этой любви. Во всей своей деятельности, в науке, художественной критике, в каждом движении своей мысли Бенуа всегда оставался художником. Современники видели в нем живое воплощение духа артистизма.

Александр Николаевич Бенуа – сын Николая Леонтьевича Бенуа, академика и архитектора, и музыкантши Камиллы Альбертовны (урожденной Кавос) – родился 3 мая 1870 года. По рождению и воспитанию Бенуа принадлежал к петербургской художественной интеллигенции. В течение ряда поколений искусство являлось наследственной профессией в его семье. Прадед Бенуа по материнской линии К. А. Кавос был композитором и дирижером, дед – архитектором, много строившим в Петербурге и Москве; отец художника также был крупным архитектором, старший брат пользовался известностью как живописец-акварелист. Сознание юного Бенуа развивалось в атмосфере впечатлений искусства и художественных интересов.

Художественные вкусы и взгляды молодого Бенуа формировались в оппозиции к его семье, придерживавшейся консервативных «академических» воззрений. Решение стать художником созрело у него очень рано; но после недолгого пребывания в Академии художеств принесшего только разочарование, Бенуа предпочел получить юридическое образование в Петербургском университете, а профессиональную художественную подготовку пройти самостоятельно, по своей собственной программе.

Ежедневные упорные занятия, постоянная тренировка в рисовании с натуры, упражнение фантазии в работе над композициями в соединении с углубленным изучением истории искусств дали художнику уверенное мастерство, не уступающее мастерству его сверстников, учившихся в Академии. С такой же настойчивостью готовился Бенуа к деятельности историка искусства, изучая Эрмитаж, штудируя специальную литературу, путешествуя по историческим городам и музеям Германии, Италии и Франции.

Самостоятельные занятия живописью (главным образом акварельной) не прошли даром, и в 1893 году Бенуа впервые выступил как пейзажист на выставке русского «Общества акварелистов».

Годом позже он дебютировал как искусствовед, напечатав на немецком языке очерк о русском искусстве в книге Мутера «История живописи в XIX веке», издававшейся в Мюнхене. (Русские переводы очерка Бенуа были опубликованы в том же году в журналах «Артист» и «Русский художественный архив».) О нем сразу заговорили как о талантливом искусствоведе, перевернувшем устоявшиеся представления о развитии отечественного искусства.

Сразу же заявив о себе как о практике и теоретике искусства одновременно, Бенуа сохранял это двуединство и в последующие годы, его таланта и энергии хватало на все.

В 1895–1899 гг. Александр Бенуа был хранителем коллекции современной европейской и русской живописи и графики княгини М. К. Тенишевой; в 1896 году организовал небольшой русский отдел для выставки Сецессиона в Мюнхене; в этом же году совершил свою первую поездку в Париж; писал виды Версаля, положив начало своим сериям на версальские темы, столь любимые им в течение всей жизни.

Серия акварелей «Последние прогулки Людовика XIV» (1897–1898 гг., Русский музей и др. собрания), созданная по впечатлениям от поездок во Францию, явилась его первой серьезной работой в живописи, в которой он показал себя самобытным художником. Эта серия надолго утвердила за ним славу «певца Версаля и Людовиков».

Мотивируя возникновение «Мира искусства», Бенуа писал: «Нами руководили не столько соображения «идейного» порядка, сколько соображения практической необходимости. Целому ряду молодых художников некуда было деваться. Их или вовсе не принимали на большие выставки – академическую, передвижную и акварельную, или принимали только с браковкой всего того, в чем сами художники видели наиболее явственное выражение своих исканий... И вот почему Врубель у нас оказался рядом с Бакстом, а Сомов рядом с Малявиным. К «непризнанным» присоединились те из «признанных», которым было не по себе в утвержденных группах. Главным образом, к нам подошли Левитан, Коровин и, к величайшей нашей радости, Серов. Опять-таки, идейно и всей культурой они принадлежали к другому кругу, это были последние отпрыски реализма, не лишенного «передвижнической окраски». Но с нами их связала ненависть ко всему затхлому, установившемуся, омертвевшему».

На протяжении своего долгого пути художника, критика и историка искусства, Бенуа оставался верен высокому пониманию классической традиции и эстетических критериев в искусстве, отстаивал самоценность художественного творчества и изобразительную культуру, опирающуюся на прочные традиции. Важно также и то, что вся многогранная деятельность Бенуа была, по сути, посвящена одной цели: прославлению отечественного искусства.

"Мир искусства" "Мир иску́сства"

(1898–1904; 1910–1924), объединение петербургских художников и деятелей культуры (А. Н. Бенуа , К. А. Сомов , Л. С. Бакст , М. В. Добужинский , Е. Е. Лансере , А. Я. Головин , И. Я. Билибин , З. Е. Серебрякова, Б. М. Кустодиев , Н. К. Рерих , С. П. Дягилев , Д. В. Философов, В. Ф. Нувель и др.), которые издавали одноимённый журнал. С журналом сотрудничали писатели и философы Д. С. Мережковский, Н. М. Минский, Л. И. Шестов, В. В. Розанов. Своим программным литературным и изобразительным материалом, желанием возглавить художественное движение эпохи «Мир искусства» являл собою новый для России тип периодического издания. Первый номер вышел в свет в ноябре 1898 г. Каждый журнал, начиная с обложки и кончая начертанием шрифта, был цельным произведением искусства. Субсидировали издание известные меценаты С. И. Мамонтов и княгиня М. К. Тенишева, его идейную направленность определяли статьи Дягилева и Бенуа. Журнал издавался до 1904 г. Благодаря деятельности мирискусников небывалый расцвет переживает также искусство оформления книги.

Содружество художников, составивших впоследствии ядро объединения, начало складываться на рубеже 1880-90-х гг. Официально объединение «Мир искусства» оформилось лишь зимой 1900 г., когда был выработан его устав и избран распорядительный комитет (А. Н. Бенуа, С. П. Дягилев, В. А. Серов ), и существовало до 1904 г. Сознательно возложив на себя миссию реформаторов художественной жизни, мирискусники активно выступали против академизма и поздних передвижников . Однако им всегда оставались близкими, по словам Бенуа, «залежи подлинного идеализма» и «гуманитарная утопия» 19 в. В предшествующем искусстве мирискусники выше всего ценили традицию романтизма , считая её логическим завершением символизм , к формированию которого в России они были напрямую причастны.

Своим повышенным интересом к зарубежному искусству многие мирискусники заслужили в литературно-художественной среде репутацию западников. Журнал «Мир искусства» регулярно знакомил русскую публику со станковыми и прикладными видами творчества зарубежных мастеров, как старых, так и современных (английских прерафаэлитов , П. Пюви де Шаванна, художников группы «Наби » и др.). В своём творчестве мирискусники ориентировались в основном на немецкую художественную культуру. В отечественной истории их привлекала эпоха 18 в., её обычаи и нравы. В культуре 18 – первой трети 19 в. мирискусники искали поэтический ключ к разгадкам тайн всей последующей русской истории. Вскоре их прозвали «ретроспективными мечтателями». Художники обладали особой способностью ощущать поэтический аромат ушедших эпох и творить мечту о «золотом веке» русской культуры. Их произведения доносят до зрителя волнующее очарование праздничной, театрализованной жизни (придворных церемоний, фейерверков), точно воссоздают детали туалетов, парики, мушки. Мирискусники пишут сцены в парках, где утончённые дамы и кавалеры соседствуют с персонажами итальянской комедии дель арте – Арлекинами, Коломбинами и др. (К. А. Сомов. «Арлекин и Смерть», 1907). Очарованные прошлым, они соединяют мечту о нём с печальной меланхолией и иронией, сознавая невозможность возвращения к минувшему (К. А. Сомов. «Вечер», 1902). Персонажи их картин напоминают не живых людей, а кукол, разыгрывающих исторический спектакль (А. Н. Бенуа. «Прогулка короля», 1906).

Экспонируя на своих выставках произведения старых мастеров, мирискусники в то же время старались привлечь к ним тех живописцев, скульпторов и графиков, которые имели репутацию пролагателей новых путей в искусстве. Пять выставок журнала «Мир искусства» состоялись в Санкт-Петербурге в 1899–1903 гг. Помимо живописи и графики мирискусников, в экспозициях были представлены работы крупнейших русских мастеров рубежа 19–20 вв. (М. А. Врубеля , В. А. Серова, К. А. Коровина , Ф. А. Малявина и др.). Специальное место на выставках отводилось изделиям декоративно-прикладного искусства , в произведениях которого члены объединения видели проявление «чистой» красоты. Значительным событием художественной жизни стала организованная Дягилевым в залах Таврического дворца в Санкт-Петербурге грандиозная «Историко-художественная выставка русских портретов» (1905).
В 1910 г. вновь появились выставки под названием «Мир искусства» (продолжались в России до 1924 г.; последняя выставка под этой вывеской состоялась в 1927 г. в Париже, куда после революции эмигрировали многие мирискусники). Однако с прежними экспозициями их объединяло лишь название. Основоположники объединения уступили свою главенствующую роль в художественной жизни следующему поколению живописцев. Многие мирискусники вступили в новую организацию – Союз русских художников , созданный по инициативе москвичей.

(Источник: «Искусство. Современная иллюстрированная энциклопедия.» Под ред. проф. Горкина А.П.; М.: Росмэн; 2007.)

Смотреть что такое ""Мир искусства"" в других словарях:

«Мир искусства» - «Мир искусства», художественное объединение. Оформилось в конце 1890 х гг. (устав утверждён в 1900) на основе кружка молодых художников, искусствоведов и любителей искусства («общество самообразования»), возглавлявшегося А. Н. Бенуа и… …

Русское художественное объединение. Оформилось в конце 1890 х гг. (официально в 1900) на основе кружка молодых художников и любителей искусства во главе с А. Н. Бенуа и С. П. Дягилевым. Как выставочный союз под эгидой журнала Мир… … Художественная энциклопедия

- «Мир искусства», русское художественное объединение. Оформилось в конце 1890 х гг. (официально в 1900) в Петербурге на основе кружка молодых художников и любителей искусства во главе с А. Н. Бенуа и С. П. Дягилевым. Как выставочный союз под… …

1)художественное объединение. Оформилось в конце 1890 х гг. (устав утверждён в 1900) на основе кружка молодых художников, искусствоведов и любителей искусства («общество самообразования»), возглавлявшегося А. Н. Бенуа и С. П. Дягилевым. Как … Санкт-Петербург (энциклопедия)

«Мир искусства» - «Мир искусства», иллюстрированный литературно художественный журнал объединения «Мир искусства» и (до 1903) писателей символистов. Выходил в 1899—1904 (до 1901 1 раз в 2 недели, с 1901 ежемесячно). Издатель М. К. Тенишева и С. И. Мамонтов (в … Энциклопедический справочник «Санкт-Петербург»

Мир искусства: Мир искусства (социология) множество людей, занимающихся художественным творчеством или созданием, потреблением, хранением, распространением, критикой произведений искусства. Мир искусства (организация) художественное… … Википедия

- «Мир искусства», литературно художественный иллюстрированный журнал, орган объединения «Мир искусства» и писателей символистов. Выходил в 1898/99 1904 в Петербурге (до 1901 1 раз в 2 недели, с 1901 ежемесячно). Издатели в 1899 князья М. К.… … Большая советская энциклопедия

Литературно художественный иллюстрированный журнал, орган объединения Мир искусства и (до 1903) писателей символистов. Выходил в 1898/99 1904 в Петербурге. Издатели М. К. Тенишева и С. И. Мамонтов (в 1899), затем С. П. Дягилев (главный… … Художественная энциклопедия

- «МИР ИСКУССТВА», российское художественное объединение (1898 1924), создано в Санкт Петербурге А. Н. Бенуа (см. БЕНУА Александр Николаевич) и С. П. Дягилевым (см. ДЯГИЛЕВ Сергей Павлович) . Выдвигая лозунги «чистого» искусства и «преображения»… … Энциклопедический словарь

Российское художественное объединение (1898 1924), создано в Санкт Петербурге А. Н. Бенуа и С. П. Дягилевым. Выдвигая лозунги чистого искусства и преображения жизни искусством, представители Мира искусства отвергали как академизм, так и… … Большой Энциклопедический словарь

- «МИР ИСКУССТВА» художественный иллюстрированный журнал, выходивший в Петербурге с 1899 по 1904. В 1899 издателями журнала были кн. М. К. Тенишева и С. И. Мамонтов, редактором С. П. Дягилев. Последний, начиная с 1900, становится единственным… … Литературная энциклопедия

Книги

• Мир искусства. 1898-1927 , Г. Б. Романов , Настоящее издание посвящено 30-летнему периоду истории объединения "Мир искусства" . В издании приведены портреты, биографии и произведения художников. При подготовке данной энциклопедии к… Категория: История русского искусства Издатель:

«Произведение искусства важно не само по себе, а лишь как выражение личности творца» (Сергей Дягилев).

В этих словах С. Дягилева выражена суть творчества художников объединения «Мир искусства». Для них приоритетным было эстетическое начало в искусстве, идеи передвижников им были не только чужды – они им противились.

История объединения

Основателями художественного объединения «Мир искусства» были петербургский художник А.Н. Бенуа и театральный деятель С.П. Дягилев.
«Мир искусства» существовал с конца 1890-х гг. и с перерывами до 1924 г. Основное ядро объединения составляли А.Н. Бенуа, Л.С. Бакст , К.А. Сомов, М.В. Добужинский, Е.Е. Лансере, И.Я. Билибин. Примыкали к объединению К.А. Коровин , А.Я. Головин, Б.М. Кустодиев, Н.К. Рерих, С.Ю. Судейкин, Б. И. Анисфельд и др. В различное время в состав объединения входили В. Серов, И. Левитан, М. Нестеров, М. Врубель. Разделял взгляды мирискуников и Илья Репин .
Как мы уже сказали, деятельность объединения «Мир искусства» противопоставляла себя передвижникам и Академии художеств. Но что они предлагали? Их программа была довольно противоречивой. С одной стороны, художники этого объединения были сторонниками «чистого искусства». С другой стороны, они не порывали с реализмом , а в 1910-х гг. «Мир искусства» противостоял декадентству и формализму, хотя в начале своей деятельности они стремились к модерну и символизму . Самой сильной тенденцией в их творчестве была ретроспектива, увлечение культурой XVII-XVIII вв.

Леон Бакст. Эскиз костюма к балету И. Стравинского «Жар-птица» (1910)
Более всего деятельность «Мира искусства» проявилась в книжной графике и театральной декорации. Отстаивая содержательность и целостность решения спектакля, активную роль в нем художника, «Мир искусства» продолжил реформу театрально-декорационного искусства, начатую декораторами оперы С.И. Мамонтова.

А. Бенуа. Иллюстрация к поэме А.С. Пушкина «Медный всадник»
Декорационным работам художников «Мира искусства» свойственны высокая культура, обогащение театра достижениями современной живописи, художественная целостность решений, тонкий вкус и глубина истолкования сценических произведений, в т. ч. балетных.

Предпосылки создания объединения «Мир искусства»

Б.М. Кустодиев «Групповой портрет художников общества „Мир искусства"» (1916-1920). Государственный Русский музей (Петербург)

Предпосылки диктовало само время. К концу XIX в. многие молодые художники были разочарованы в академической живописи, которая официально поддерживалась Академией художеств. Сначала объединились несколько молодых художников, которые не всегда даже имели художественное образование (например, Александр Бенуа учился на юридическом факультете Петербургского университета).
Художников объединяла тяга к прошлому, поиски идеалов в искусстве эпохи Петра I, в барокко середины XVIII в., в ампире времён Павла I. Уважали они и культурное достояние Западной Европы.
Критик В.В. Стасов враждебно отнёсся к членам нового объединения, т.к. они были далеки от демократического искусства. Он видел в них только представителей декаданса.

«Русские сезоны» С. Дягилева

В. Серов. Портрет Дягилева (1909)
Большая роль принадлежала художникам «Мира искусства» в оформлении спектаклей «Русских сезонов» за границей, организованных С.П. Дягилевым, одним из руководителей и идейных вдохновителей «Мира искусства». В 1899-1904 гг. Дягилевым издавался в Петербурге одноименный журнал.

Б. Анисфельд «Подводное царство», композиция по одноименному фантастическому балету на музыку из оперы «Садко» Н. Римского-Корсакова. «Русские сезоны» за границей, антреприза С. Дягилева (1911). Театр Шатле (Париж)
«Русские сезоны» – гастрольные выступления русских артистов балета и оперы (1908-1929), организованные известным деятелем культуры и антрепренером Дягилевым за границей: с 1908 г. – в Париже, с 1912 г. – в Лондоне, с 1915 г. – в других странах. Основным видом деятельности антрепризы стал балет. Оперы ставились преимущественно до 1914 г. Но началом «Русских сезонов» был 1906 г., когда Дягилев привез в Париж выставку русских художников. В 1908 г. в Париже была исполнена опера «Борис Годунов», в постановке которой приняли участие А. Бенуа, К. Юон, Е. Лансере; кэскизы костюмов создавал И. Билибин; солистами оперы были Шаляпин, Касторский, Смирнов, Ермоленко-Южина и др. В 1908-1909 гг. были исполнены оперы «Псковитянка» Римского-Корсакова, «Князь Игорь» Бородина и др.

А. Бенуа. Эскиз к балету «Сильфиды»
В 1909 г. впервые были показаны балеты М.М. Фокина: «Павильон Армиды» (худ. А.Н. Бенуа), «Половецкие пляски» (худ. Н.К. Рерих); «Сильфиды» («Шопениана») на музыку Шопена, «Клеопатра» («Египетские ночи») Аренского (худ. Л.С. Бакст) и дивертисмент «Пир» на музыку Глинки, Чайковского, Глазунова, Мусоргского.
Балетная труппа состояла из артистов петербургского Мариинского и московского Большого театров. Солисты: А.П. Павлова, В.Ф. Нижинский, Т. П. Карсавина, Е.В. Гельцер, С.Ф. Фёдорова, М.М. Мордкин, В.А. Каралли, М. П. Фроман и др. Балетмейстер – М.М. Фокин.
С 1910 г. «Русские сезоны» проходили без участия оперы. В 1911 г. Дягилев принял решение о создании постоянной труппы, которая окончательно сформировалась к 1913 г. и получила название «Русский балет Дягилева».

Леон Бакст. Эскиз костюма к балету Нижинского «Послеполуденный отдых фавна» (1912)
С новым сезоном 1912 г. Дягилев начал менять характер своей антрепризы, всё больше отходя от традиционного представления о балете и двигаясь в сторону новых, экспериментальных форм. После смерти Дягилева в 1929 г. его труппа распалась.
«Русские сезоны» сыграли огромную роль в пропаганде русского искусства за рубежом и в развитии мирового художественного процесса XX в.

Журнал «Мир искусства»

Леон Бакст. Обложка журнала «Мир искусства» № 2 за 1902 г.

Одним из организаторов и идеологов художественного объединения «Мир искусства» был Александр Бенуа, а журнал организовал Сергей Дягилев на средства княгини М. Тенишевой и московского мецената Саввы Мамонтова. После его банкротства В. Серов позаботился о предоставлении журналу государственной поддержки. Секретарём редакции издания был русский публицист, художественный и литературный критик Д. Философов.

Дальнейшая история художественного объединения «Мир искусства»

Классический период в жизни объединения относится к 1900-1904 гг. В это время объединение отличало особое единство эстетических и идейных принципов. 24 февраля 1900 г. в редакции журнала «Мир искусства» состоялось собрание участников выставок журнала, на котором присутствовали художники Л. Бакст, А. Бенуа, И. Билибин, И. Браз, И. Вальтер, Ап. Васнецов, Н. Досекин, Е. Лансере, И. Левитан, Ф. Малявин, М. Нестеров, А. Обер, А. Остроумова, В. Пурвитис, Ф. Рушиц, С. Светославский, К. Сомов, В. Серов, Я. Ционглинский, С. Дягилев.
После 1904 г. объединение расширилось, но утратило идейное единство. В 1904-1910 гг. большинство членов «Мира искусства» входило в состав «Союза русских художников». В 1910 г. художественное общество «Мир искусства» было возрождено, председателем был избран Н.К. Рерих.
После революции многие его деятели эмигрировали. Объединение фактически прекратило существование к 1924 г. Последняя выставка «Мира искусства» проходила в Париже в 1927 г.
О творчестве некоторых художников, членов объединения «Мир искусства», мы расскажем в отдельных статьях.

«Азбука Мира Искусства»

В 1911 г. М. Добужинский составил шуточную «Азбуку Мира Искусства» – серию акварельных шаржей на «мирискуссников» от А до Я.

Художественное объединение «Мир искусства»

Мир искусства (1898—1924) — художественное объединение, сформировавшееся в России в конце 1890-х годов. Под тем же названием выходил журнал, издававшийся с 1898 года членами группы. Основателями «Мира искусства» стали петербургский художник А. Н. Бенуа и театральный деятель С. П. Дягилев. Громко о себе заявило, организовав «Выставку русских и финляндских художников» в 1898 году в Музее центрального училища технического рисования барона А. Л. Штиглица. Классический период в жизни объединения пришёлся на 1900—1904 гг. — в это время для группы было характерно особое единство эстетических и идейных принципов. Художники устраивали выставки под эгидой журнала «Мир искусства». После 1904 года объединение расширилось и утратило идейное единство. В 1904—1910 гг. большинство членов «Мира искусства» входило в состав Союза русских художников. После революции многие его деятели были вынуждены эмигрировать. Объединение фактически прекратило существование в 1924 году.Художники «Мира искусства» считали приоритетным эстетическое начало в искусстве и стремились к модерну и символизму, противясь идеям передвижников. Искусство, по их мнению, должно выражать личность художника.

В состав объединения входили художники:

Бакст, Лев Самойлович

Рерих, Николай Константинович

Добужинский, Мстислав Валерианович

Лансере, Евгений Евгеньевич

Митрохин, Дмитрий Исидорович

Остроумова-Лебедева, Анна Петровна

Чемберс, Владимир Яковлевич

Яковлев, Александр Евгеньевич

Сомов, Константин Андреевич

Ционглинский, Ян Францевич

Пурвит, Вильгельм

Сюннерберг, Константин Александрович, критик

«Групповой портрет членов объединения „Мир искусства“». 1916—1920.Б. М. Кустодиев.

портрет - Дягилев Сергей Петрович (1872 – 1925)

Сергей Дягилев родился 19 (31) марта 1872 года в Селищах Новгородской губернии, в семье военного, потомственного дворянина Павла Павловича Дягилева. Мать умерла через несколько месяцев после рождения Сергея, и его воспитывала мачеха Елена, дочь В. А. Панаева. В детстве Сергей жил в Санкт-Петербурге, потом в Перми, где служил его отец. Брат отца, Иван Павлович Дягилев, был меценатом и основателем музыкального кружка. В Перми на углу улиц Сибирской и Пушкина (бывшая Большая Ямская) сохранился родовой дом Сергея Дягилева, где сейчас располагается гимназия его имени. Особняк в стиле позднего русского классицизма построен в 50-х годах XIX века по проекту архитектора Р. О. Карвовского. На протяжении трех десятилетий дом принадлежал большой и дружной семье Дягилевых. В доме, названном современниками «Пермскими Афинами», по четвергам собиралась городская интеллигенция. Здесь музицировали, пели, разыгрывали домашние спектакли. После окончания пермской гимназии в 1890 году вернулся в Петербург и поступил на юридический факультет университета, параллельно учился музыке у Н. А. Римского-Корсакова в Петербургской консерватории. В 1896 году Дягилев окончил университет, но вместо того чтобы заниматься юриспруденцией, начал карьеру деятеля искусства. Спустя несколько лет после получения диплома создал совместно с А. Н. Бенуа объединение «Мир искусства», редактировал одноимённый журнал (с 1898 по 1904) и сам писал искусствоведческие статьи. Организовывал выставки, вызывавшие широкий резонанс: в 1897 — Выставку английских и немецких акварелистов, знакомившую русскую публику с рядом крупных мастеров этих стран и современными тенденциями в изобразительном искусстве, затем Выставку скандинавских художников в залах Общества поощрения художеств, Выставку русских и финляндских художников в музее Штиглица (1898) сами мирискусники считали своим первым выступлением (Дягилеву удалось привлечь к участию в выставке, помимо основной группы первоначального дружеского кружка, из которого возникло объединение «Мир искусства», других крупнейших представителей молодого искусства — Врубеля, Серова, Левитана и др.), Историко-художественную выставку русских портретов в Петербурге (1905); Выставку русского искусства в Осеннем салоне в Париже с участием произведений Бенуа, Грабаря, Кузнецова, Малявина, Репина, Серова, Явленского (1906) и др.

Бенуа Александр Николаевич (1870 – 1960)

Алекса́ндр Никола́евич Бенуа́ (21 апреля (3 мая) 1870 — 9 февраля 1960) — русский художник, историк искусства, художественный критик, основатель и главный идеолог объединения «Мир искусства». Родился 21 апреля (3 мая) 1870 года в Санкт-Петербурге, в семье российского архитектора Николая Леонтьевича Бенуа и Камиллы Альбертовны Бенуа (дочь архитектора А. К. Кавоса). Окончил престижную 2-ю Санкт-Петербургскую гимназию. Некоторое время учился в Академии художеств, также занимался изобразительным искусством самостоятельно и под руководством старшего брата Альберта. В 1894 году начал свою карьеру теоретика и историка искусства, написав главу о русских художниках для немецкого сборника «История живописи XIX века». В 1896—1898 и 1905—1907 г. работал во Франции. Стал одним из организаторов и идеологов художественного объединения «Мир искусства», основал одноимённый журнал. В 1916-1918 годах художником были созданы иллюстрации к поэме А. С. Пушкина «Медный всадник». В 1918 г. Бенуа возглавил Картинную галерею Эрмитажа, издал её новый каталог. Продолжал работу как книжный и театральный художник, в частности работал над оформлением спектаклей БДТ. В 1925 году принял участие в Международной выставке современных декоративных и промышленных искусств в Париже. В 1926 году Бенуа покинул СССР, не вернувшись из зарубежной командировки. Жил в Париже, работал в основном над эскизами театральных декораций и костюмов. Александр Бенуа сыграл значительную роль в постановках балетной антрепризы С.Дягилева «Ballets Russes», как художник и автор — постановщик спектаклей. Бенуа скончался 9 февраля 1960 года в Париже.

Портрет Бенуа

«Автопортрет»,1896

- Вторая Версальская серия (1906), в том числе:

Наиболее ранние из ретроспективных произведений Бенуа связаны с его работой в Версале. К 1897-1898 годам относится серия небольших картин, выполненных акварелью и гуашью и объединенных общей темой - "Последние прогулки Людовика XIV". Вторая версальская серия Бенуа, созданная в 1905-1906 годах, значительно обширнее "Последних прогулок Людовика XIV" и разнообразнее по содержанию и технике. В нее входят этюды с натуры, написанные в версальском парке, ретроспективные историко-жанровые картины, своеобразные "фантазии" на архитектурно-пейзажные темы, изображения придворных театральных представлений в Версале. Серия включает работы масляными красками, темперой, гуашью и акварелью, рисунки сангиной и сепией. Эти произведения можно лишь условно называть "серией", так как они связаны друг с другом лишь некоторым единством настроения, сложившимся в ту пору, когда Бенуа, по его словам, был "упоен Версалем" и "совершенно переселился в прошлое", стремясь забыть о трагической русской действительности 1905 года. Художник стремится здесь сообщить зрителю как можно больше фактических сведений об эпохе, о формах архитектуры, о костюмах, несколько пренебрегая задачей образно-поэтического воссоздания прошлого. Однако в ту же серию входят работы, принадлежащие к числу самых удачных произведений Бенуа, заслуженно пользующихся широкой известностью: "Парад при Павле I" (1907, Гос. Русский музей;), "Выход императрицы Екатерины II в Царскосельском дворце" (1909, Гос. картинная галерея Армении, Ереван), "Петербургская улица при Петре I" (1910, частное собрание в Москве) и "Петр I на прогулке в Летнем саду" (1910, Гос. Русский музей). В этих работах можно заметить некоторое изменение самого принципа исторического мышления художника. В центр его интересов попадают, наконец, не памятники старинного искусства, не вещи и костюмы, а люди. Многофигурные историко-бытовые сцены, написанные Бенуа, воссоздают облик минувшей жизни, увиденной как бы глазами современника.

- «Прогулка короля» (ГТГ)

48x62

Бумага на холсте, акварель, гуашь, бронзовая краска, серебряная краска, графитный карандаш, перо, кисть.

Государственная Третьяковская галерея. Москва.

В картине Прогулка короля Александр Бенуа переносит зрителя в блистательный версальский парк времен Людовика XIV. Описывая прогулки короля, автор ничто не обходил вниманием: ни парковые виды с садовой архитектурой (они написаны с натуры), ни театральные представления, весьма модные в стародавние времена, ни бытовые сценки, рисовавшиеся после тщательного изучения исторического материала. «Прогулка короля» - очень эффектная работа. Зритель встречается с Людовиком XIV, прогуливающимся по своему детищу. В Версале осень: деревья и кустарники сбросили листву, их голые ветви одиноко смотрят в серое небо. Вода спокойна. Кажется, ничто не может потревожить тихий пруд, в зеркале которого отражаются и скульптурная группа фонтана, и чинная процессия монарха и его приближенных. На фоне осеннего пейзажа художник изображает торжественную процессию монарха со своими придворными. Плоскостное моделирование шествующих фигур словно превращает их в призраки ушедшей эпохи. Среди придворной свиты, трудно отыскать самого Людовика XIV. Художнику не важен Король-Солнце. Бенуа гораздо больше волнует атмосфера эпохи, дыхание версальского парка времен его венценосного владельца. Это произведение входит во второй по счету цикл картин, воскрешающих сцены версальского быта эпохи "короля-солнца". "Версаль" Бенуа - это своего рода пейзажная элегия, красивый мир, представший взгляду современного человека в виде пустынной сцены с обветшавшими декорациями давно сыгранного спектакля. Прежде великолепный, полный звуков и красок, этот мир теперь кажется чуть призрачным, подернутым кладбищенской тишиной. Не случайно в "Прогулке короля" Бенуа изображает версальский парк осенью и в час светлых вечерних сумерек, когда безлиственная "архитектура" регулярного французского сада на фоне светлого неба превращается в сквозную, эфемерную постройку. Старый король, беседующий с фрейлиной, в сопровождении шествующих в точно заданных интервалах за и впереди них придворных, словно фигурки старинных заводных часов под легкий перезвон забытого менуэта, скользят по краю водоема. Театрализованный характер этой ретроспективной фантазии тонко выявлен самим художником: он оживляет фигурки резвых амуров, населяющих фонтан, они комически изображают шумную публику, вольно расположившуюся у подножия сцены и глазеющую на кукольное представление, разыгрываемое людьми.

- «Купальня маркизы»

1906 г.

Русский живописный исторический пейзаж

51х47,5

картон, гуашь

На картине "Купальня маркизы" изображен спрятавшийся среди густой зелени уединенный уголок Версальского парка. Лучи солнца, проникая в это затененное убежище, освещают гладь воды и купающуюся маркизу. Почти симметричная по композиции, построенная в соответствии с фронтальной перспективой, картина производит впечатление безукоризненной красоты рисунка и цвета. Тщательно проработаны объемы четких геометрических форм (светлые горизонтали - земля, спуски к воде, и вертикали - освещенные стены боскетов, колонны беседки). Освещенная солнцем изящная беломраморная беседка, которую мы видим в просвете деревьев, изображена в верхней части картины, прямо над головой маркизы. Декоративные маски, из которых в купальню льются светлые струи воды, разбивают горизонталь белой стены бассейна. И даже легкая одежда маркизы, брошенная на скамейку (почти совпадающая с точкой схода уходящих в глубину линий) входит необходимым композиционным элементом в этот тщательно продуманный рисунок. Композиционным центром является, конечно, не скамья с одеждой, хоть и расположенная в геометрическом центре, а весь сложный комплекс "четырехугольника" с центральной вертикальной осью, где освещенная солнцем беседка над головой маркизы смотрится как драгоценное украшение, как корона. Головка маркизы органично дополняет этот сложный симметричный по характеру рисунок из горизонталей, вертикалей и диагоналей. В строго продуманном и спланированном парке даже его обитатели своим присутствием лишь завершают его совершенство. Они - лишь элемент композиции, подчеркивающий его красоту и великолепие.

Мирискуссников часто упрекают в отсутствии "живописи" в их живописных работах. Можно сказать в ответ на это, что "Купальня маркизы" - это торжество зеленого цвета с многообразием его оттенков. Художник просто любуется красотой и буйством свежей зелени. Передний план картины написан обобщенно. Мягким светом, пробивающимся сквозь листву, освещены спуски к воде купальни, темная вода, написанная через сине-серые и насыщенные сине-зеленые цвета. Дальний план проработан более детально: листва деревьев прописана тщательно и виртуозно, листик к листику, муар листвы на боскетах состоит из мельчайших точек, красочных мазков. В тени мы видим и приглушенные и яркие холодные зеленые цвета разных оттенков. Роскошная, освещенная светом солнца листва в центре написана мелкими, холодными голубоватыми и теплыми зелеными мазками. Художник как будто купает зелень в лучах света, исследуя природу зеленого цвета. Глубокие синие тени, серо-фиолетовая земля, фиолетовое платье с синим рисунком, желтый шарф, шляпка с голубыми цветами вокруг ленты, белые точки цветов на зеленом склоне и капли красного цвета на прическе маркизы, на голове негритянки не дают работе стать монохромно зеленой."Купальня маркизы" - исторический пейзаж.

- Иллюстрации к поэме А.С. Пушкина «Медный всадник» (1904-22.), в том числе:

В первые десятилетия ХХ века сделаны рисунки Александра Николаевича Бенуа (1870 – 1960) к "Медному всаднику" – лучшее, что создано за всю историю иллюстрирования Пушкина. Бенуа начал работать над "Медным всадником" в 1903 году. В течение последующих 20 лет им создан цикл рисунков, заставок и концовок, а также огромное количество вариантов и набросков. Первая редакция этих иллюстраций, которые готовились для карманного издания, была создана в 1903 году в Риме и Санкт-Петербурге. Напечатал их в другом формате Дягилев в первом номере журнала «Мир искусства» за 1904 г. Первый цикл иллюстраций состоял из 32 рисунков, выполненных тушью и акварелью. В 1905 году А.Н.Бенуа, находясь в Версале, заново переработал шесть своих прежних иллюстраций и выполнил фронтиспис к «Медному всаднику». В новых рисунках к «Медному всаднику» тема преследования Всадником маленького человека становится главной: черный всадник над беглецом – не столько шедевр Фальконе, сколько олицетворение жестокой силы, власти. И Петербург не тот, покоряющий художественным совершенством и размахом строительной мысли, а угрюмый город – скопление мрачных домов, торговых рядов, заборов. Тревога и беспокойство, охватившие художника в этот период, превращаются здесь в настоящий крик о судьбе человека в России. В 1916, 1921–1922 годах цикл был в третий раз переработан и дополнен новыми рисунками.

- «Сцена погони» (фронтиспис)

Эскиз фронтисписа к поэме А. С. Пушкина «Медный всадник», 1905 г.

Книжная графика

23,7 х 17,6

бумага, акварель

Всероссийский музей А.С. Пушкина, Санкт-Петербург

В 1905 году А.Н.Бенуа, находясь в Версале, заново переработал шесть своих прежних иллюстраций и выполнил фронтиспис(фронтиспис — страница с изображением, образующая разворот с лицевой страницей тит. л., и само это изображение.) к «Медному всаднику». В новых рисунках к «Медному всаднику» тема преследования Всадником маленького человека становится главной: черный всадник над беглецом – не столько шедевр Фальконе, сколько олицетворение жестокой силы, власти. И Петербург не тот, покоряющий художественным совершенством и размахом строительной мысли, а угрюмый город – скопление мрачных домов, торговых рядов, заборов. Тревога и беспокойство, охватившие художника в этот период, превращаются здесь в настоящий крик о судьбе человека в России. Слева на первом плане фигура бегущего Евгения, справа - настигающий его всадник на коне. На втором плане - городской пейзаж. Из-за облаков справа видна луна. На мостовую падает огромная тень от фигуры всадника. При работе над «Медным всадником» определила высший подъем творчества Бенуа этих лет.

Сомов Константин Андреевич (1869 – 1939)

Константи́н Андре́евич Со́мов (30 ноября 1869, Санкт-Петербург — 6 мая 1939, Париж) — русский живописец и график, мастер портрета и пейзажа, иллюстратор, один из основателей общества «Мир искусства» и одноименного журнала. Константин Сомов родился в семье известного музейного деятеля, хранителя Эрмитажа, Андрея Ивановича Сомова. Ещё в гимназии Сомов познакомился с А. Бенуа, В. Нувелем, Д. Философовым, с которыми позже участвовал в создании общества «Мир искусства». Сомов принимал самое деятельное участие в оформлении журнала «Мир искусства», а также периодического издания «Художественные сокровища России» (1901—1907), издававшегося под редакцией А. Бенуа, создал иллюстрации к «Графу Нулину» А. Пушкина (1899), повестям Н. Гоголя «Нос» и «Невский проспект» (1901), нарисовал обложки поэтических сборников К. Бальмонта «Жар-птица. Свирель славянина», В. Иванова «Cor Ardens», титульный лист книги А. Блока «Театр» и др. Первая персональная выставка картин, эскизов и рисунков (162 работы) состоялась в Петербурге в 1903 году; в Гамбурге и Берлине в этом же году были показаны 95 произведений. Наряду с пейзажной и портретной живописью и графикой Сомов работал в области мелкой пластики, создавая изысканные фарфоровые композиции «Граф Нулин» (1899), «Влюблённые» (1905) и др. В январе 1914 года получил статус действительного члена Академии художеств. В 1918 году в издательстве Голике и Вильборга (Санкт-Петербург) вышло наиболее известное и полное издание с эротическими рисунками-иллюстрациями Сомова: «Книга маркизы», где художник создал не только все элементы оформления книги, но и подобрал тексты на французском языке. В 1918 году стал профессором Петроградских государственных свободных художественных учебных мастерских; работал в школе Е. Н. Званцевой. В 1919 году состоялась его юбилейная персональная выставка, в Третьяковской галерее. В 1923 году Сомов выехал из России в Америку в качестве уполномоченного «Русской выставки»; в январе 1924 года на выставке в Нью-Йорке Сомов был представлен 38 произведениями. В Россию он не вернулся. С 1925 года жил во Франции; Скоропостижно скончался 6 мая 1939 года в Париже.

Портрет Сомова

«Автопортрет»,1895 г.

«Автопортрет»,1898

46 х 32,6

Акварель, карандаш, пастель, бумага на картоне

«Автопортрет»,1909

45,5 х 31

Акварель, гуашь, бумага

Государственная Третьяковская галерея, Москва

- «Дама в голубом. Портрет художницы Елизаветы Мартыновой» (1897-1900, ГТГ)

Художник был давно дружен с Елизаветой Михайловной Мартыновой, он учился вместе с ней в Академии художеств. В 1897 году К. Сомов приступил к работе над портретом Е.М. Мартыновой, с подробно разработанным планом. Перед художником была очень интересная модель, и его волновала мысль о портрете-картине, в котором бы он смог запечатлеть глубоко поэтический образ. Молодая женщина в пышном, сильно декольтированном платье, с томиком стихов в опущенной руке изображена стоящей у зеленой стены разросшегося кустарника. Е.М. Мартынову художник переносит в мир прошлого, облекает ее в старинное платье, помещает модель на фоне условного декоративного парка. Вечернее небо с легкими розовыми облаками, деревья старинного парка, темная гладь водоема - все это изысканно по цвету, но, как истинный "мирискусник", К. Сомов стилизует пейзаж. Глядя на эту одинокую, тоскующую женщину, зритель не воспринимает ее как человека из иного мира, прошлого и далекого. Это - женщина конца XIX века. Все в ней характерно: и болезненная хрупкость, и чувство щемящей тоски, печаль в ее больших глазах и плотной линии скорбно сжатых губ. На фоне дышащего волнением неба хрупкая фигура Е.М. Мартыновой полна особой грации и женственности, несмотря на тонкую шею, худые покатые плечи, затаенную грусть и боль. А между тем в жизни Е.М. Мартынову все знали как веселую, жизнерадостную молодую женщину. Е.М. Мартынова мечтала о большом будущем, хотела реализовать себя в настоящем искусстве и презирала житейскую суету. А случилось так, что в 30 с небольшим лет она умерла от туберкулеза легких, не успев ничего исполнить из задуманного. Несмотря на парадность портрета, в нем звучит скрытая задушевная нота. И она заставляет зрителя пережить настроение героини, проникнуться к ней тем сочувствием, каким был полон и сам художник. "Дама в голубом" появилась на выставке "Мира искусств" в 1900 году (из-за отъезда художника в Париж и болезни модели эта картина писалась три года) под названием "Портрет", а через три года она была приобретена Третьяковской галереей.

- «Вечер» (1902, ГТГ)

142,3 х 205,3

Холст, масло

Государственная Третьяковская галерея, Москва

«Автором изысканных новелл" назвал Сомова поэт Валерий Брюсов. Ведь сомовские картины-новеллы насквозь театральны. В "Вечере" оживлена придуманная Сомовым сценка из садовой жизни XVIII века. На фоне изобильных виноградных лоз с розово-золотистыми гроздьями, выделяются пышные кринолины прекрасных, жеманно позирующих дам. Стилистически завершенной предстает сомовская "реальность" в картине "Вечер" (1902). Все здесь отвечает единому стройному и церемонному ритму: повторы аркад, чередование уходящих вдаль плоскостей боскетов, замедленные, словно ритуальные, движения дам. Даже природа здесь – произведение искусства, несущее черты стиля, навеянного XVIII веком. Но прежде всего это "сомовский" мир, зачарованный, странно статичный мир золотого неба и позолоченных скульптур, где человек, природа и искусство пребывают в гармоническом единстве. Мерцают гроздья винограда, солнечный свет, пробиваясь через листья, бросает рефлексы на одежды и лица людей, смягчая звучные изумрудные и алые краски одежд. Наслаждение рассматривать тонко выполненные детали туалетов, кольца, ленты, башмаки с красным каблуком. В картине "Вечер" нет подлинной монументальности. Сомовский мир несет в себе эфемерность декорации, поэтому случайным представляется большой размер полотна. Это увеличенная миниатюра. К миниатюризму всегда тяготеет камерный, интимный талант Сомова. Современники восприняли "Вечер" как противопоставление действительности: "Эпоха, представляющаяся нам наивной, с некрепкими мускулами, без паровозов – тихоходящая, ползучая (сравнительно с нашей),– а как она овладеть может природой, обольстить природу, почти сделав ее продолжением своего костюма". Ретроспекции Сомова часто имеют оттенок фантастически-вымышленный, фантазии почти всегда имеют оттенок ретроспективный.

- «Арлекин и дама» (1912, ГТГ)

1912 1921

62,2 х 47,5

Государственная Третьяковская галерея, Москва

Художественная концепция Сомова приобретает здесь особую законченность. Все построение картины откровенно уподобляется театральной сцене. Два главных персонажа располагаются на переднем плане, в центре картины, лицом к зрителю, как актеры комедии Мариво, ведущие диалог. Фигуры в глубине подобны второстепенным персонажам. Деревья, освещенные неверным светом фейерверка, как театральными прожекторами, бассейн, часть которого видна на первом плане, заставляют вспоминать об оркестровой яме. Даже точка зрения на действующих лиц снизу вверх кажется взглядом зрителя из театрального зала. Художник любуется этим пестрым маскарадом, где изгибающийся Арлекин в своем наряде из красных, желтых и синих лоскутков жеманно обнимает даму в роброне, снявшую маску, где ярко горят красные розы, и в небе рассыпается звездами праздничный фейерверк. Для Сомова этот обманчивый мир фантомов с их мимолетным существованием живее самой действительности.

Серия графических портретов, в т.ч. –

- «Портрет А. Блока» (1907, ГТГ.)

«Портрет Александра Александровича Блока»,1907

38 x 30

Бумага, графитный и цветные карандаши, гуашь

Государственная Третьяковская галерея, Москва

В 1907 году Сомов создает изображения Л. А. Блока. В них можно усмотреть следы самого пристального изучения французского карандашного портрета (с применением сангины) конца XVI и особенно XVII века,хотя портреты Сомова ни в коей мере не являются прямым подражанием. Традиции французского карандашного портрета претворены Сомовым до неузнаваемости. Характер образа совершенно иной. В портретах Блока и Лансере (оба — в Гос. Третьяковской галерее) Сомов стремится к предельной лаконичности. Теперь в портрете Блока оплечное изображение. Все несущественные детали отбрасываются. Сомов скупо намечает контуром лишь силуэт плеч и те детали костюма, которые неотъемлемы от облика изображенного, — отложные воротнички, которые всегда носил Блок. В противоположность лаконизму в изображении фигуры и костюма лицо портретируемого тщательно проработано, и в их передачу художник вводит немногочисленные цветные акценты, которые в портрете Блока звучат особенно выразительно. Художник передает цветными карандашами холодный, «зимний» взгляд серо-голубых глаз Блока, розоватость полуоткрытых губ, белилами — вертикальную складку, прорезающую гладкий лоб. Лицо Блока, обрамленное шапкой густых вьющихся волос, напоминает застывшую маску. Портрет поражал современников сходством. Многие из них отмечали и в жизни присущую Блоку «восковую недвижность черт». Сомов в своем потрете возвел в абсолют эту мертвенность черт и тем лишил образ Блока той многогранности, духовного богатства, которые составляли сущность его личности. Сам Блок признавался, что, хотя портрет ему нравится, он его «тяготит».

Бакст Лев Самойлович (Лейб-Хаим Израилевич Розенберг, 1866 – 1924)

Чтобы поступить вольнослушателем в Академию Художеств, Л. С. Баксту пришлось преодолеть сопротивление отца, мелкого коммерсанта. Проучился он четыре года (1883-87), но разочаровался в академической подготовке и покинул учебное заведение. Начал заниматься живописью самостоятельно, изучал технику акварели, зарабатывая на жизнь иллюстрированием детских книг и журналов. В 1889 г. художник впервые экспонировал свои работы, приняв псевдоним - сокращенную фамилию бабушки по материнской линии (Бакстер). 1893-99 гг. он провел в Париже, часто наезжая в Петербург, и упорно работал в поисках собственного стиля. Сблизившись с А. Н. Бенуа, К. А. Сомовым и С. П. Дягилевым, Бакст стал одним из инициаторов создания объединения "Мир искусства" (1898). Известность Баксту принесли его графические работы для журнала "Мир искусства". Он продолжал заниматься и станковым искусством - исполнил отличные графические портреты И. И. Левитана, Ф. А. Малявина (1899), А. Белого (1905) и 3. Н. Гиппиус (1906) и живописные портреты В. В. Розанова (1901), С. П. Дягилева с няней (1906). Яростные споры критиков вызвала его картина "Ужин" (1902), ставшая своеобразным манифестом стиля модерн в русском искусстве. Позднее сильное впечатление на зрителей произвела его картина "Древний ужас" (1906-08), в которой воплощена символистская идея неотвратимости судьбы. К концу 1900-х гг. ограничил себя работой в театре, изредка делая исключения для графических портретов близких ему людей, и вошел в историю именно как выдающийся театральный художник эпохи модерна. Дебютировал в театре он еще в 1902 г., оформив пантомиму "Сердце маркизы". Затем был поставлен балет "Фея кукол" (1903), имевший успех главным образом благодаря его декорациям. Оформил еще несколько спектаклей, делал отдельные костюмы для артистов, в частности для А. П. Павловой в знаменитом "Лебеде" М. М. Фокина (1907). Но по-настоящему талант Бакста развернулся в балетных спектаклях "Русских сезонов", а затем "Русского балета С. П. Дягилева". "Клеопатра" (1909), "Шехерезада" и "Карнавал" (1910), "Видение розы" и "Нарцисс" (1911), "Синий бог", "Дафнис и Хлоя" и "Послеполуденный отдых фавна" (1912), "Игры" (1913) поражали пресыщенную западную публику декоративной фантазией, богатством и силой цвета, а разработанные Бакстом оформительские приемы положили начало новой эпохе в балетной сценографии. Имя Бакста, ведущего художника "Русских сезонов", гремело наряду с именами лучших исполнителей и знаменитых балетмейстеров. На него сыпались интересные заказы и от других театров. Все эти годы Бакст жил в Европе, лишь изредка возвращаясь на родину. Он продолжал сотрудничать с дягилевской труппой, однако между ним и С. П. Дягилевым постепенно нарастали противоречия, и в 1918 г. Бакст покинул труппу. Он трудился неустанно, но уже не сумел создать ничего принципиально нового. Смерть от отека легких настигла Бакста в пору его славы, правда начинающей увядать, но все еще блистательной.

Портрет художника

«Автопортрет»,1893

34 x 21

Картон, масло

Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия

- «Элизиум» (1906, ГТГ)

Декоративное панно,1906.

158 х 40

Акварель, гуашь, бумага на картоне

Государственная Третьяковская галерея, Москва

- «Древний (Античный) ужас» (1908, ГРМ)

250 х 270Холст, масло

Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

«Древний ужас» — картина Леона Бакста, изображающая гибель античной цивилизации (возможно, Атлантиды) в природном катаклизме. В языческом миропонимании «древний ужас» — это ужас жизни в мире под властью мрачной и бесчеловечной Судьбы, ужас бессилия человека, порабощенного ею и беспросветно покорного (Фатум); а также ужас перед хаосом как бездной небытия, погружение в которую гибельно. Под древним ужасом разумел он ужас судьбы. Он хотел показать, что не только всё человеческое, но и всё чтимое божественным было воспринимаемо древними как относительное и преходящее. Крупное полотно практически квадратного формата занято панорамой пейзажа, написанного с высокой точки зрения. Пейзаж освещён вспышкой молнии. Основное пространство полотна занимает бушующее море, которое губит корабли и бьется о стены крепостей. На переднем плане изображена фигура архаической статуи в поколенном обрезе. Контраст спокойного улыбающегося лица статуи особенно поражает по сравнению с буйством стихий за ее спиной. Художник переносит зрителя на какую-то невидимую возвышенность, с которой единственно возможна эта панорамная перспектива, развертывающаяся где-то в глубине под нашими ногами. Ближе всего к зрителю холм, несущий колоссальную статую архаической кипрской Афродиты; но и холм, и подножие, и самые ноги кумира за пределами полотна: как бы свободная от участи земли, богиня возникает, близкая к нам, прямо на мраке глубоко лежащего моря. Изображённая женская статуя — тип архаической коры, которая улыбается загадочной архаической улыбкой и держит в руках синюю птичку (или голубя — символа Афродиты). Традиционно принято называть статую, изображенную Бакстом — Афродитой, хотя до сих пор не установлено, каких богинь изображали коры. Прототипом статуи послужила статуя, найденная при раскопках на Акрополе. Для несохранившейся кисти руки позировала жена Бакста. Островной пейзаж, разворачивающийся за спиной богини — это вид с афинского Акрополя. У подножия гор в правой части картины на первом плане помещены здания, по мнению Пружана — микенские Львиные ворота и остатки дворца в Тиринфе. Это здания, относящиеся к раннему, крито-микенскому периоду истории Греции. Слева группа бегущих в ужасе людей среди построек, характерных для классической Греции — по всей видимости, это Акрополь с его пропилеями и огромными статуями. За Акрополем — освещённая молниями долина, поросшая серебристыми оливами.

Оформление балетов, в т.ч. –

«Эскиз костюма Клеопатры для Иды Рубинштейн к балету "Клеопатра" на музыку А.С.Аренского»

1909

28 х 21

Карандаш, акварель

«Шехерезада» (1910, муз. Римского-Корсакова)

«Эскиз декорации к балету "Шехеразада" на музыку Н.А.Римского-Корсакова»,1910

110 х 130

Холст, масло

Собрание Никиты и Нины Лобановых-Ростовских, Лондон

«Эскиз костюма Синей султанши к балету "Шехеразада"»

1910

29,5 х 23

Акварель, карандаш

Собрание Никиты и Нины Лобановых-Ростовских, Лондон

Добужинский Мстислав Валерианович (1875 – 1957)

М. В. Добужинский был сыном артиллерийского офицера. После первого курса юридического факультета Петербургского университета Добужинский попытался поступить в Петербургскую Академию Художеств, но не был принят и занимался в частных студиях до 1899 г. Вернувшись в 1901 г. в Петербург, он сблизился с объединением "Мир искусства" и вошел в число самых заметных его представителей. Дебютировал Добужинский в графике - рисунками в журналах и книгах, городскими пейзажами, в которых сумел впечатляюще передать свое восприятие Петербурга как города. Тема города сразу сделалась одной из главных в его творчестве. Добужинский занимался и станковой графикой, и живописью, успешно преподавал - в разных учебных заведениях. Вскоре МХТ пригласил его на постановку пьесы И. С. Тургенева "Месяц в деревне" (1909). Большой успех исполненных им декораций положил начало тесному сотрудничеству художника с прославленным театром. Вершиной этого сотрудничества стали декорации к спектаклю "Николай Ставрогин" (1913) по роману Ф. М. Достоевского "Бесы". Острая экспрессивность и редкий лаконизм сделали эту новаторскую работу явлением, предвосхитившим будущие открытия отечественной сценографии. Здравое восприятие событий, разворачивавшихся в послереволюционной России, заставило Добужинского в 1925 г. принять литовское гражданство и переехать в Каунас. В 1939 г. Добужинский выехал в США для работы с актером и режиссером М. А. Чеховым над спектаклем "Бесы", но из-за начавшейся Второй мировой войны в Литву уже не вернулся. Последние годы жизни оказались для него самыми трудными - он не сумел и не захотел приспособиться к чуждому для него американскому образу жизни и к нравам американского художественного рынка. Он часто испытывал материальные затруднения, жил в одиночестве, общаясь лишь с узким кругом русских эмигрантов, и старался использовать всякую возможность, чтобы хоть ненадолго выбраться в Европу.

Портрет художника

Автопортрет. 1901

55х42

Холст, масло

Государственный Русский музей

Произведение, выполненное в мюнхенской школе Шандора Холлоши, по живописной задаче близко символистским композициям Эжена Карьера, любившего погружать свои персонажи в густую, эмоционально активную среду. Таинственная дымка, окружающая модель, вибрирующий “цветной” свет на лице и фигуре, кажется, усиливает остро энергичное и загадочное выражение затененных глаз. Это придает образу внутренне независимого и холодноватого молодого человека черты некоего демонизма.

- «Провинция 1830-х годов» (1907-1909, ГРМ)

60 х 83,5

Картон, карандаш, акварель, белила

Государственный Русский музей,Санкт-Петербург

«Провинция 18З0-х годов» фиксирует взгляд художника, умиляющегося течению будничной жизни русского городка более полувековой давности. «Выхваченность» изображения с нарочитым размещением столба почти в центре композиции способствует восприятию происходящего как случайно увиденного кадра фильма. Отсутствие главного героя и бессюжетность картины - своеобразная игра художника с напрасными ожиданиями зрителя. Покосившиеся домишки, купола древних церквушек и спящий на своем посту городовой - таков вид главной площади города. Суета дам, спешащих, по-видимому, к модистке за новыми нарядами, выписана Добужинским почти карикатурно. Произведение пронизано настроением безобидной доброты художника. Яркий колорит работы делает ее похожей на столь популярную на рубеже веков открытку. К 1907 году относится картина «Русская провинция 1830-х годов» (акварель, граф. карандаш, Гос. Русский музей). Она изображает сонную площадь провинциального города с торговыми рядами, дремлющим, опершись на свою секиру, будочником, бурой свиньей, трущейся о фонарный столб, немногочисленными прохожими и неизбежной лужей посредине. Несомненны гоголевские реминисценции. Но картина Добужинского лишена какого бы то ни было сарказма.Изящная графика художника здесь облагораживает все, к чему ни прикоснется. Под карандашом и кистью Добужинского на первый план выступают красота пропорций ампирного Гостиного двора, стильный костюм 30-х годов с шляпой «корзиночкой» на переходящей площадь даме с покупками, стройный силуэт колокольни. Тонкий стилизм Добужинского торжествует свою очередную победу.

- «Домик в Петербурге» (1905, ГТГ)

37 х 49

Пастель, гуашь, бумага на картоне

Государственная Третьяковская галерея, Москва

- «Человек в очках» (Портрет писателя Константина Сюннерберга, 1905-1906, ГТГ)

Портрет художественного критика и поэта Константина Суннерберга

1905

63,3 х 99,6

Уголь, акварель, бумага на картоне

Государственная Третьяковская галерея, Москва

Не будучи портретистом, Добужинский создал один из самых емких образов-символов, воплощающих целое поколение интеллигентов-горожан. В картине «Человек в очках» (1905—1906) изображен поэт и художественный критик К. А. Сюннерберг, выступавший под псевдонимом Конст. Эрберг. Человек наглухо замкнут в жесткую оболочку респектабельного платья, его глаза, заслоненные от мира стеклами очков, почти не видны. Вся фигура, словно бы лишена третьего измерения, распластана, зажата в немыслимо тесном пространстве. Человек как бы экспонирован, помещенный между двумя стеклами — некий экземпляр причудливой фауны фантастического города — Петербурга, виднеющегося за окном, открывающего зрителю еще один свой лик — смесь многоэтажного, многотрубного урбанизма и провинциальных задворок.

Лансере Евгений Евгеньевич (1875 – 1946)

русский и советский художник. Выпускник Первой Санкт-Петербургской гимназии. С 1892 года учился в Рисовальной школе Общества поощрения художеств, Петербург, где посещал классы Я. Ф. Ционглинского, Н. С. Самокиша, Э. К. Липгарта. С 1895 по 1898 годы Лансере много путешествовал по Европе и совершенствовал мастерство во французских академиях Ф.Каларосси и Р.Жюльена. С 1899 года — член объединения «Мир искусства». В 1905 году уехал на Дальний Восток. В 1907—1908 годах стал одним из создателей «Старинного театра» — кратковременного, но интересного и заметного явления в культурной жизни России начала века. Лансере продолжил работу с театром в 1913—1914 годах. 1912—1915 — художественный руководитель фарфоровой фабрики и мастерских гравировки стекла в Санкт-Петербурге и Екатеринбурге. 1914—1915 — военный художник-корреспондент на Кавказском фронте во время Первой мировой войны. 1917—1919 годы провёл в Дагестане. В 1919 году сотрудничал как художник в Осведомительно-агитационном бюро Добровольческой армии А. И. Деникина (ОСВАГ). В 1920 году переезжает в Ростов-на-Дону, затем в Нахичевань-на-Дону и Тифлис. С 1920 года — рисовальщик в Музее этнографии, выезжал в этнографические экспедиции с Кавказским археологическим институтом. С 1922 года — профессор Академии художеств Грузии, МАРХИ. В 1927 году был командирован на полгода в Париж от Академии художеств Грузии. В 1934 году переехал на постоянное жительство из Тифлиса в Москву. С 1934 по 1938 годы преподавал во Всероссийской Академии Художеств в Ленинграде. Е.Е. Лансере умер 13 сентября 1946 года.

Портрет художника

- «Императрица Елизавета Петровна в Царском Селе» (1905, ГТГ)

43,5 х 62

Гуашь, бумага на картоне

Государственная Третьяковская галерея, Москва

Евгений Евгеньевич Лансере — художник разносторонний. Автор монументальных росписей и панно, украшающих станции московского метрополитена, Казанский вокзал, гостиницу «Москва», пейзажей, картин на тему из русской истории XVIII века, он вместе с тем был замечательным иллюстратором классических произведений русской литературы («Дубровский» и «Выстрел» А. С. Пушкина, «Хаджи-Мурат» Л. Н.Толстого), создателем острых политических карикатур в сатирических журналах 1905 года, театрально-декорационным художником. Воспроизведенная здесь картина — одна из наиболее интересных и значительных станковых работ художника.Картина свидетельствует о самом понимании исторической живописи в искусстве начала XX века. Так, атмосфера эпохи раскрыта здесь через образы искусства, воплощенные в архитектуре и парковых ансамблях, костюмы и прически людей, через пейзаж, показ придворного быта, ритуалов. Особенно излюбленной стала тема царских шествий. Лансере изображает торжественный выход двора Елизаветы Петровны в ее загородной резиденции. Словно на сцене театра проходит перед зрителем шествие. Царственно-величаво проплывает тучная императрица, облаченная в тканные одежды удивительной красоты. Далее следуют дамы и кавалеры в пышных нарядах и пудреных париках. В их лицах, позах и жестах художник раскрывает разные характеры и типы. Мы видим то приниженно-робких, то надменных и чопорных придворных. В показе Елизаветы и ее двора нельзя не заметить иронии художника и даже некоторого гротеска. Лансере противопоставляет изображенных им людей благородной строгости беломраморной статуи и подлинному величию, воплощенному в великолепной архитектуре растреллиевского дворца и красоте регулярного парка.

Остроумова-Лебедева Анна Петровна (1871 – 1955)

А. П. Остроумова-Лебедева была дочерью крупного чиновника П. И. Остроумова. Еще гимназисткой она стала посещать начальную школу при ЦУТР. Потом обучалась и в самом училище, где увлеклась техникой гравюры, и в АХ, где занималась живописью в мастерской И. Е. Репина. В 1898-99 гг. работала в Париже, совершенствуясь в живописи (у Дж. Уистлера) и гравюре. Поворотным в ее судьбе оказался 1900 г., художница дебютировала со своими гравюрами на выставке "Мира искусства" (с которым в дальнейшем прочно связала свое творчество), затем получила вторую премию за гравюры на конкурсе ОПХ и закончила АХ со званием художника, представив 14 гравюр. Остроумовой-Лебедевой принадлежала главная роль в деле возрождения в России станковой гравюры на дереве как самостоятельного вида творчества - после долгого существования в качестве репродукционной техники; особенно велика заслуга художницы в возрождении гравюры цветной. Оригинальные приемы обобщения формы и цвета, выработанные ею, были усвоены и использованы многими другими художниками. Основной темой ее гравюр был Петербург, изображению которого она посвятила несколько десятилетий неустанного труда. Ее цветные и черно-белые гравюры - как станковые, объединенные в циклы ("Петербург", 1908- 10; "Павловск", 1922-23, и др.), так и исполненные для книг В. Я. Курбатова "Петербург" (1912) и Н. П. Анциферова "Душа Петербурга" (1920) - до сих пор непревзойденны по точности ощущения и передачи величественной красоты города и по редкому лаконизму выразительных средств. Воспроизводимые помногу раз и но разным поводам, они давно стали хрестоматийными и пользуются исключительной популярностью. По-своему интересны и незаурядны были произведения, создававшиеся художницей по впечатлениям от частых поездок - как за границу (Италия, Франция, Испания, Голландия), так и по стране (Баку, Крым). Часть из них была исполнена в гравюре, а часть - в акварели. Одаренный и хорошо подготовленный живописец, Остроумова-Лебедева не могла работать масляными красками, потому что их запах вызывал у нее приступы астмы. Но она в совершенстве овладела трудной и капризной техникой живописи акварелью и занималась ею всю жизнь, создавая превосходные пейзажи и портреты ("Портрет артиста И. В. Ершова", 1923; "Портрет Андрея Белого", 1924; "Портрет художницы Е. С. Кругликовой", 1925, и др.). Войну Остроумова-Лебедева провела в блокадном Ленинграде, не оставляя любимого дела и завершая работу над третьим томом "Автобиографических записок". Последние годы жизни художницы были омрачены надвигающейся слепотой, но, пока было возможно, она продолжала трудиться.

Серия гравюр и рисунков «Виды Петербурга и его пригородов» , в т.ч. –

На протяжении всей зрелой творческой жизни в графике А.П.Остроумовой-Лебедевой безраздельно главенствовала тема Петербурга, начиная с видов Павловска 1900-х годов до середины 1940-х годов, когда, уже тяжело болея, она закончила серию своих петербургских работ ксилографией «Вид на крепость ночью». Всего, по ее собственным подсчетам, она создала 85 произведений, посвященных великому городу. Образ Петербурга у Остроумовой-Лебедевой формировался в течение почти полувека. Однако его главные черты были найдены художницей в наиболее радостные и спокойные годы — в течение первого десятилетия ХХ столетия. Именно тогда возникло в ее работах сочетание острого, отточенного, даже резкого лиризма с мощной устойчивостью и монументальностью, геометрическая, выверенная перспективность и терпкость эмоциональной свободы,

- «Нева сквозь колонны Биржи» (1908)

Как ноги гигантов, стоят угловые колонны Биржи на Стрелке Васильевского острова, и в далекую даль уходит перспектива другого берега Невы, крыло Адмиралтейства и великолепная парабола здания Главного штаба на Дворцовой площади. Не менее поразительна перспектива темной и мощной, становящейся гранью архитектурного пространства зелени парка, сходящаяся вдалеке к едва различимому Елагину дворцу. Немыслимо изысканным оказывается фрагмент решетки Летнего сада, спускающейся к гранитному одеянию Мойки, входящей в Неву. Здесь каждая линия неслучайна, и камерна и монументальна одновременно, тут гений архитектора соединился с изысканным видением внимательной к красоте художницы. Над темным Крюковым каналом догорает закатное небо, и встает из воды силуэт знаменитой своей пышной стройностью колокольни Никольского морского собора.

Художественное объединение и журнал «Мир искусства» – значительные явления в русской культуре Серебряного века, ярко выражавшие одну из существенных эстетических тенденций своего времени. Содружество мирискусников начало складываться в Петербурге в 90-е гг. XIX в. вокруг группы молодых художников, литераторов, деятелей искусства, стремившихся к обновлению культурной и художественной жизни России. Главными инициаторами были А.Н.Бенуа, С.П.Дягилев, Д.В.Философов, К.А.Сомов, Л.С.Бакст, позже М.В.Добужинский и др. Как писал Добужинский, это было «объединение друзей, связанных одинаковой культурой и общим вкусом». В 1898 г. вышел первый номер журнала «Мир искусства», который в основном подготовил Философов, в 1899 г. прошла первая из пяти выставок журнала, само объединение было оформлено в 1900 г. Журнал просуществовал до конца 1904 г., а после революции 1905 г. прекратилась официальная деятельность объединения. К участию в выставках помимо самих членов объединения привлекались выдающиеся художники рубежа столетий, которые разделяли духовно-эстетическую линию «Мира искусства». Среди них можно назвать имена К.Коровина, М.Врубеля, В.Серова, Н.Рериха, М.Нестерова, И.Грабаря, Ф.Малявина. Приглашались и зарубежные мастера. На страницах журнала публиковались и многие русские религиозные мыслители и писатели, ратовавшие за «возрождение» духовности в России. Это В.Розанов, Д.Мережковский, Л.Шестов, Н.Минский и др. Журнал и объединение в своем первоначальном виде просуществовали очень недолго, однако дух «Мира искусства», его издательская, организационная, выставочная и просветительская деятельности оставили след в русской культуре и эстетике, а участники объединения сохранили этот дух и эстетические пристрастия практически на протяжении всей своей жизни. В 1910–1924 гг. «Мир искусства» возобновил свою деятельность, но уже в очень расширенном составе и без достаточно ясно ориентированной первой эстетической (по сути своей – эстетской) линии. Многие из представителей объединения в 1920-е гг. перебрались в Париж, но и там оставались приверженцами художественных вкусов своей юности.

Две главные идеи объединяли участников «Мира искусства» в целостное сообщество: 1. Стремление возвратить русскому искусству главное качество искусства художественность , освободить искусство от любой тенденциозности (социальной, религиозной, политической и т.п.) и направить его в чисто эстетическое русло. Отсюда популярный в их среде, хотя и старый в культуре, лозунг l’art pour l’art, неприятие идеологии и художественной практики академизма и передвижничества, особый интерес к романтическим и символистским тенденциям в искусстве, к английским прерафаэлитам, французским набидам, к живописи Пюви де Шавана, мифологизму Бёклина, эстетизму «Югендштиля», ар нуво, но также – к сказочной фантастике Э.Т.А.Гофмана, к музыке Р.Вагнера, к балету как форме чистой художественности и т.п.; тенденция к включению русской культуры и искусства в широкий европейский художественный контекст. 2. На этой основе – романтизация, поэтизация, эстетизация русского национального наследия, особенно позднего, XVIII – начала XIX вв., ориентированного на западную культуру, вообще интерес к послепетровской культуре и позднему народному искусству, за что главные участники объединения получили в художественных кругах прозвище «ретроспективных мечтателей».

Основной тенденцией «Мира искусства» стал принцип новаторства в искусстве на основе высоко развитого эстетического вкуса. Отсюда и художественно-эстетические пристрастия, и творческие установки мирискусников. Фактически они создали добротный русский вариант того эстетически заостренного движения рубежа столетий, которое тяготело к поэтике неоромантизма или символизма, к декоративности и эстетской певучести линии и в разных странах носило разные именования (ар нуво, сецессион, югендштиль), а в России получило название стиля «модерн».

Сами участники движения (Бенуа, Сомов, Добужинский, Бакст, Лансере, Остроумова-Лебедева, Билибин) не были великими художниками, не создали художественных шедевров или выдающихся произведений, но вписали несколько очень красивых, почти эстетских страниц в историю русского искусства, фактически показав миру, что и русскому искусству не чужд дух национально ориентированного эстетизма в лучшем смысле этого, несправедливо приниженного термина. Характерным для стиля большинства мирискусников были изысканная линеарность (графичность – они вывели русскую графику на уровень самостоятельного вида искусства), тонкая декоративность, ностальгия по красоте и роскоши прошлых эпох, иногда неоклассицисткие тенденции и камерность в станковых произведениях. При этом многие из них тяготели и к театральному синтезу искусств – отсюда активное участие в театральных постановках, дягилевских проектах и «русских сезонах», повышенный интерес к музыке, танцу, современному театру в целом. Понятно, что большинство из мирискусников настороженно, а как правило, и резко негативно относились к авангардным течениям своего времени. «Мир искусства» стремился найти свой, крепко связанный с лучшими традициями искусства прошлого новаторский путь в искусстве, альтернативный пути авангардистов. Сегодня мы видим, что в ХХ в. усилия мирискусников практически не получили никакого развития, но в первой трети столетия они способствовали поддержанию высокого эстетического уровня в отечественной, да и в европейской культурах и оставили по себе добрую память в истории искусства и духовной культуры.