Скульптуры мифологии древней греции. Каковы особенности древнегреческое скульптуры

Искусство Древней Греции стало той опорой и основой, на которой выросла вся европейская цивилизация. Скульптура Древней Греции - тема особая. Без античной скульптуры не было бы блестящих шедевров Возрождения, да и дальнейшее развитие этого искусства трудно себе представить. В истории развития греческой античной скульптуры можно выделить три больших этапа: архаический, классический и эллинистический. В каждом есть нечто важное и особенное. Рассмотрим каждый из них.

Архаическое искусство. Особенности: 1)статичное фронтальное положение фигур, напоминающее древнеегипетскую скульптуру: руки опущены, одна нога выставлена вперед; 2)Скульптура изображает юношей(«куросы») и девушек(«коры»), на их лица спокойная улыбка(архаическая); 3)Куросы изображались голыми, коры - всегда одеты и скульптуры раскрашивались; 4)Мастерство в изображении прядей волос, в поздних скульптурах – складок драпировок на женских фигурах.

Архаический период охватывает три столетия - с 8 по 6 века до н. э. Это период становления основ античной скульптуры, установления канонов и традиции. Период очень условно обозначает рамки раннего античного искусства. На самом деле начала архаики можно усмотреть уже в скульптурах 9 века до нашей эры, а многие признаки архаики можно разглядеть в памятниках 4 века до нашей эры. Мастера ранней античности использовали для своих работ самый разный материал. Сохранились скульптуры из дерева, известняка, терракота, базальта, мрамора и бронзы. Скульптуру архаики можно разделить на две основополагающие составные: коры (женские фигуры) и куросы (мужские фигуры). Архаическая улыбка - особенный тип улыбки, использовавшийся скульпторами греческой архаики, в особенности во второй четверти VI в. до н. э. , возможно, для того, чтобы продемонстрировать, что предмет изображения - живой. Эта улыбка плоская и выглядит достаточно ненатурально, хотя при этом она является признаком эволюции скульптурного искусства к реализму и его поисков.

Коры Общим, практически для всех женских статуй, является ракурс. Чаще всего кора предстает фронтально прямостоящей, руки чаще опущены вдоль тела, реже скрещены на груди или держат сакральные атрибуты (копье, щит, меч, жезл, плод и т. д.). На лице видна архаическая улыбка. Пропорции тела достаточно переданы, несмотря на общую схематичность и обобщенность образов. Все скульптуры обязательно расписывали.

Куросы Мужские скульптуры периода отличаются строгой фронтальностью позы, часто левая нога выдвинута вперед. Руки опущены вдоль тела, кисти сжаты в кулак, реже встречаются скульптуры с руками вытянутыми вперед, как бы протягивающие жертвоприношение. Еще одно непременное условие для мужских статуй архаики - точная симметрия тела. Внешне мужские скульптуры имеют много общего с египетскими статуями, что указывает на сильное влияние египетской эстетики и традиции на античное искусство. Известно, что самые ранние куросы были изготовлены из дерева, однако ни одной деревянной скульптуры не сохранилось. Позже греки научились обрабатывать камень, поэтому все сохранившиеся куросы изготовлены из мрамора.

Классическое искусство. Особенности: 1)Завершены поиски способа изображения движущейся человеческой фигуры, гармоничной по своим пропорциям; разработана позиция «контрапоста» - равновесия движений частей тела в покое(фигура, стоящая свободно с опорой на одну ногу); 2)Скульптур Поликлет разрабатывает теорию контрапоста, иллюстрируя свой труд скульптурами, стоящими в этой позиции; 3)В 5 в. до н. э. человек изображается гармоничным, идеализированным, как правило, молодым или средних лет, выражение лица – спокойное, без мимических морщин и складок, движения сдержанные, гармоничные; 4)В 4 в. до н. э. появляется большая динамичность, даже резкость в пластике фигур; в скульптурных изображениях начинают отображать индивидуальные особенности лиц и тел; появляется скульптурный портрет.

5 век в истории скульптуры Греции классического периода можно назвать «шагом вперёд» . Развитие скульптуры Древней Греции в этом периоде связано с именами таких знаменитых мастеров, как Мирон, Поликлет и Фидий. В их творениях образы становятся более реалистичными, если можно сказать, даже «живые» , уменьшается схематизм, который был характерен для архаической скульптуры. Но главными «героями» остаются боги и «идеальные» люди. Скульптуры именно этой эпохи большинство ассоциирует с античным пластическим искусством. Шедевры классической Греции отличаются гармонией, идеальными пропорциями (что говорит об отличных знаниях анатомии человека), а также внутренним содержанием и динамикой.

Поликлет, творивший в Аргосе, во второй половине 5 в. до н. э, является ярким представителем пелопонесской школы. Скульптура классического периода богата его шедеврами. Он был мастером бронзовой скульптуры и прекрасным теоретиком искусства. Поликлет предпочитал изображать атлетов, в которых простые люди всегда видели идеал. Среди его работ известны статуи "Дорифора" и "Диадумена". Первая работа – это сильный воин с копьем, воплощение спокойного достоинства. Вторая - стройный юноша, с повязкой победителя в соревнованиях на голове.

Мирон, живший в середине 5 в. до н. э, известен нам по рисункам и римским копиям. Этот гениальный мастер прекрасно владел пластикой и анатомией, чётко передавал свободу движения в своих работах («Дискобол»).

Скульптор попытался показать борьбу двух противоположностей: спокойствия в лице Афины и дикости в лице Марсия.

Фидий – ещё один яркий представитель творца скульптуры классического периода. Его имя ярко зазвучало в период расцвета греческого классического искусства. Самыми известными его скульптурами являлись колоссальные статуи Афины Парфенос и Зевса в Олимпийском храме, Афины Промахос расположенной на площади Афинского Акрополя. Эти шедевры искусства безвозвратно утрачены. Лишь описания и уменьшенные римские копии дают нам слабое представление о великолепии этих монументальных скульптур.

Скульптура древней Греции отображала физическую и внутреннюю красоту и гармонию человека. Уже в 4 веке после завоевательных походов на Грецию Александра Македонского, стают известными новые имена талантливых скульпторов. Творцы этой эпохи начинают больше уделять внимания внутреннему состоянию человека, его психологическому состоянию и эмоциям.

Знаменитым скульптором классического периода был Скопас, живший в середине 4 века до нашей эры. Он вводит новшество, путём раскрытия внутреннего мира человека, старается изображать в скульптурах эмоции радости, страха, счастья. Он не боялся экспериментировать и изображал людей в различных сложных позах, искал новые художественные возможности для изображения новых чувств на человеческом лице (страсть, гнев, ярость, испуг, печаль). Прекрасным творением круглой пластики является статуя Менады, сейчас сохранилась ее римская копия. Новой и многогранной рельефной работой можно назвать Амазономахию, которая украшает Галикарнасский мавзолей в Малой Азии.

Пракситель был выдающимся скульптором классического периода, живший в Афинах, примерно в 350 годах до нашей эры. К большому сожалению, до нас дошла только статуя Гермеса из Олимпии, а про остальные работы мы знаем лишь по римским копиям. Пракситель, так же как и Скопас пытался передать чувства людей, но он предпочитал выражать более «легкие» эмоции, которые были приятны человеку. Он переносил на скульптуры лирические эмоции, мечтательность, воспевал красоту человеческого тела. Скульптор не формирует фигуры в движении.

Среди его работ следует отметить "Отдыхающего сатира", "Афродиту Книдскую", "Гермеса с младенцем Дионисом", "Аполлона, убивающего ящерицу".

Лисипп (вторая половина 4 в. до н. э.) относился к числу величайших скульпторов классического периода. Он предпочитал работать с бронзой. Только римские копии дают нам возможность познакомиться с его творчеством.

Среди известных работ "Геракл с ланью", "Апоксиомен", "Отдыхающий Гермес" и "Борец". Лисипп вносит изменения в пропорции, он изображает голову меньшей формы, более сухой корпус и более длинные ноги. Все его работы индивидуальны, очеловечен и портрет Александра Македонского.

Малая скульптура в эллинистический период получила широкое распространение и представляла собой фигурки людей из обожженной глины (терракоты). Их называли танагрскими терракотами по месту их производства города Танагра в Беотии.

Искусство эллинизма. Особенности: 1)Утрата гармоничности и движений периода классики; 2)Движения фигур приобретают выраженную динамичность; 3)Изображения человека в скульптуре стремятся к передаче индивидуальных черт, стремление к натуралистичности, отход от гармонизации натуры; 4)В скульптурном убранстве храмов остается прежний «героический» ; 5)Совершенство передачи форм, объемов, складок, «жизненности» натуры.

В те времена скульптура украшала частные дома, общественные здания, площади, акрополи. Для эллинистической скульптуры характерно отражение и раскрытие духа беспокойства и напряжения, стремление к помпезности и театральности, а иногда грубый натурализм. Пергамская школа развивала художественные принципы Скопаса с его интересом к бурным проявлениям чувств, передаче стремительных движений. Одним из выдающихся сооружений эллинизма стал монументальный фриз Пергамского алтаря, построенного Эвменом 2 в честь победы над галлами в 180 г. до н. э. Его цоколь был покрыт фризом длиной 120 м, исполненный в технике горельефа и изображавшим битву олимпийских богов и восставших гигантов со змеями вместо ног.

Мужество воплощено в скульптурных группах "Умирающий галл", "Галл, убивающий себя и свою жену". Выдающаяся скульптура эллинизма - Афродита Миланская работы Агесандра - обнаженная наполовину, строгая и возвышенно спокойная.

Тема: Выдающиеся скульпторы Древней Греции.

Цель: Изучение основных этапов развития древнегреческой скульптуры.

Новые слова:

«МИМЕСИС » - подобие.

Калокагатия (греч. kalos - прекрасный + agathos добрый).

Куросы и коры – созданные в эпоху архаики мужс. и женс. фигуры (до 3 м.) Мимесис – подобие. Кариатида – (греч. karyatis) – скульптурное изображение стоящей женской фигуры, которая служит опорой балки в здании (или образно выражает эту функцию).

Гермы – каменные пилоны с «руками», ставившиеся у парадного входа в дом.

Вопросы.

Скульптурные каноны Поликлета и Мирона.

Скульптурные творения Скопаса и Праксителя.

Лисипп и Леохар.

Скульптура эллинизма.

Ход урока.

1. Актуализация знаний учащихся об архитектуре Древней Греции.

2. Сообщение темы, цели урока.

Греки всегда полагали, что только в прекрасном теле может жить прекрасная душа. Поэтому гармония тела, внешнее совершенство - непременное условие и основа идеального человека. Греческий идеал определяется термином калокагатия (греч. kalos - прекрасный + agathos добрый). Так как калокагатия включает в себя совершенство и телесного сложения, и духовно нравственного склада, то одновременно с красотой и силой идеал несет в себе справедливость, целомудрие, мужество и разумность. Именно это делает греческих богов, изваянных древними скульпторами, неповторимо прекрасными.

При всей схожести скульптур VI и V вв. до н.э., есть у них и характерные различия:

Уже нет оцепенелости, схематизма архаичных скульптур;

Статуи становятся более реалистичными.

Скульптурные каноны Поликлета и Мирона .

1. Гимн величию и и духовной мощи Человека;

2. Излюбленный образ – стройный юноша атлетического телосложения;

3. Духовный и физический облик гармоничны, нет ничего лишнего, «ничего сверх меры».

Наиболее известными скульпторами эпохи Высокой классики являются Поликлет и Мирон.

Поликлет - древнегреческий скульптор и теоретик искусства, работавший в Аргосе во 2-й половине V века до нашей эры.

1.По заказу жрецов храма Артемиды Эфесской ок. 440 до н.э. Поликлет создал статую раненной амазонки, заняв первое место в конкурсе, где, кроме него, участвовали Фидий и Кресилай. Представление о ней дают копии – рельеф, обнаруженный в Эфесе, а также статуи в Берлине, Копенгагене и музее Метрополитен в Нью-Йорке. Ноги амазонки поставлены, так же, как у Дорифора, но свободная рука не висит вдоль тела, а закинута за голову; другая рука поддерживает тело, опираясь на колонну. Поза гармонична и уравновешена, но Поликлет не принял во внимание того, что если под правой грудью человека зияет рана, его правая рука не может быть поднята высоко вверх. Видимо, прекрасная, гармоничная форма интересовала его больше, чем сюжет или передача чувств. Той же заботой проникнута и тщательная разработка складок короткого хитона амазонки.

2.Затем Поликлет работал в Афинах, где ок. 420 до н.э. им был создан Диадумен, юноша с повязкой вокруг головы. В этом произведении, которое называли нежным юношей, в отличие от мужественныого Дорифора, чувствуется влияние аттической школы. Здесь снова использован мотив шага, несмотря на то, что обе руки подняты и держат повязку, – движение, к которому больше бы подошло спокойное и устойчивое положение ног. Противоположность правой и левой стороны выражена не так сильно. Черты лица и пышные локоны волос гораздо мягче, чем в предыдущих работах. Лучшие повторения Диадумена – копия, найденная на Делосе и находящаяся сейчас в Афинах, статуя из Везона во Франции, которая хранится в Британском музее, и копии в Мадриде и в музее Метрополитен. Сохранилось также несколько терракотовых и бронзовых статуэток. Лучшие копии головы Диадумена находятся в Дрездене и Касселе.

3.Около 420 до н.э. Поликлет создал для храма в Аргосе колоссальную хрисоэлефантинную (из золота и слоновой кости) статую Геры, восседающей на троне. Аргосские монеты могут дать некоторое представление о том, как выглядела эта погибшая в древности статуя. Рядом с Герой стояла Геба, изваянная Навкидом, учеником Поликлета. В пластическом оформлении храма чувствуется как влияние мастеров аттической школы, так и Поликлета; возможно, это работа его учеников. Творениям Поликлета не хватало величественности статуй Фидия, но многие критики считают, что они превосходят Фидия своим академическим совершенством и идеальной уравновешенностью позы. У Поликлета имелись многочисленные ученики и последователи вплоть до эпохи Лисиппа (конец 4 в. до н.э.), который говорил, что его учителем в искусстве был Дорифор, хотя впоследствии он отошел от канона Поликлета и заменил его своим собственным.

Мирон создавал статуи атлетов-победителей, правильно и естественно передавал человеческую фигуру, открыл тайну пластической концепции движения. Но (!!!) его работы имеют только одну точку просмотра. К наиболее известным его работам относится скульптурная композиция

«Афина и Марсий», а также «Дискобол».

Мирон был старшим современником Фидия и Поликлета и считался одним из величайших скульпторов своего времени. Работал в бронзе, однако ни одно из его произведений не сохранилось; они известны главным образом по копиям. Самое известное произведение Мирона - Дискобол (Метатель диска). Дискобол изображен в сложной позе в момент наивысшего напряжения перед броском. Скульптора интересовали форма и соразмерность находящихся в движении фигур. Мирон был мастером передачи движения в кульминационный, переходный момент. В хвалебной эпиграмме, посвященной его бронзовой статуе атлета Ладаса, подчеркивается, что тяжело дышащий бегун передан необычайно живо. Стоявшая на Афинском акрополе скульптурная группа Мирона Афина и Марсий отмечена таким же мастерством в передаче движения.

2.Скульптурные творения Скопаса и Праксителя.

IV в. до н.э.

1. Стремились к передаче энергичных действий;

2. Передавали чувства и переживания человека:

Страсть

Мечтательность

Влюблённость

Неистовство

Отчаяние

Страдание

СКОПАС (расцвет деятельности 375–335 до н.э.), греческий скульптор и архитектор, родился на острове Парос ок. 420 до н.э., возможно. Первое известное нам произведение Скопаса – храм Афины Алеи в Тегее, на Пелопоннесе, который надо было возвести заново, поскольку прежний сгорел в 395 до н.э. Скопас входил в группу из четырех скульпторов (и, возможно, был среди них старшим), которым вдова Мавсола Артемисия поручила создание скульптурной части Мавзолея (одного из семи чудес света) в Галикарнасе, усыпальницы своего мужа. Присущая произведениям Скопаса страстность достигается прежде всего с помощью новой трактовки глаз: они глубоко посажены и окружены тяжелыми складками век. Живость движений и смелые положения тел выражают напряженную энергию и демонстрируют изобретательность мастера.

Самым знаменитым произведением Скопаса были:

- Скопас . "Амазономахия".

- Битва греков с амазонками . Фрагмент фриза Галикарнасского Мавзолея. Мрамор. Около 350 г. до н. э. Лондон. Британский музей.

Великолепен рельеф, который изображает резко откинувшегося назад воина, пытающегося противостоять натиску амазонки, схватившей его одной рукой за щит, а другой наносящей смертельный удар. Слева от этой группы изображена амазонка, скачущая на разгоряченном коне. Она сидит обернувшись назад и, видимо, мечет дротик в преследующего ее врага. Конь почти наезжает на откинувшегося назад воина. Резкое столкновение противоположно направленных движений всадницы и воина и необычная посадка амазонки своими контрастами усиливают общий драматизм композиции.

Скопас. Голова раненого воина с западного фронтона храма Афины-Алеи в Тегее. Мрамор. Первая половина 4 в. до н. э. Афины. Национальный музей.

Скопас. Менада. Середина 4 в. до н. э. Уменьшенная мраморная римская копия с утраченного оригидала. Дрезден. Альбертинум.

Мраморная «Менада», дошедшая до нас в небольшой поврежденной античной копии, воплощает образ человека, одержимого бурным порывом страсти. Не воплощение образа героя, способного уверенно властвовать над своими страстями, а раскрытие необычайной экстатической страсти, охватывающей человека, характерно для «Менады». Интересно, что Менада Скопаса, в отличие от скульптур 5 в., рассчитана на обозрение со всех сторон.

ПРАКСИТЕЛЬ (4 в. до н.э.),

Статуя Афродиты Книдской считалась в древности не только лучшим творением Праксителя, но и вообще лучшей статуей всех времен. Как пишет Плиний Старший, многие прибывали в Книд только ради того, чтобы ее увидеть. То было первое в греческом искусстве монументальное изображение полностью обнаженной женской фигуры, и поэтому она была отвергнута жителями Коса, для которых предназначалась, после чего ее купили горожане соседнего Книда. В римское время изображение этой статуи Афродиты чеканилось на книдских монетах, с нее делались многочисленные копии (лучшая из них находится сейчас в Ватикане, а лучшая копия головы Афродиты – в коллекции Кауфмана в Берлине). В древности утверждали, что моделью Праксителя была его возлюбленная, гетера Фрина.

Наилучшее представление о стиле Праксителя дает статуя Гермес с младенцем Дионисом (Музей в Олимпии), которая была найдена при раскопках в храме Геры в Олимпии. Несмотря на высказывавшиеся сомнения, это почти наверняка оригинал, созданный ок. 340 до н.э. Гибкая фигура Гермеса изящно облокотилась на ствол дерева. Мастеру удалось усовершенствовать трактовку мотива человека с ребенком на руках: движения обеих рук Гермеса композиционно связаны с младенцем. Вероятно, в его правой, не сохранившейся руке была кисть винограда, которой он дразнил Диониса, почему младенец к ней и тянулся. Фигура Гермеса пропорционально сложена и отлично проработана, улыбающееся лицо полно живости, профиль изящный, а гладкая поверхность кожи резко контрастирует со схематично намеченными волосами и шерстистой поверхностью плаща, наброшенного на ствол. Волосы, драпировка, глаза и губы, а также ремешки сандалий были раскрашены.

Хуже представлены другие приписываемые Праксителю статуи Афродиты. Копии статуи, выбранной жителями Коса, не сохранилось. Афродита из Арля, названная по месту находки и хранящаяся в Лувре, возможно, изображает не Афродиту, а Фрину. Ноги статуи скрыты драпировкой, а торс полностью обнажен; судя по позе, в левой ее руке было зеркало. Сохранилось также несколько изящных статуэток женщины, надевающей ожерелье, но в них опять-таки можно видеть как Афродиту, так и смертную женщину.

Пракситель. Артемида из Габий. Около 340-330 гг. до н. э. Мраморная римская копия с утраченного оригинала. Париж. Лувр.

В статуи Артемиды мы видим примеры решения мотива драпированной человеческой фигуры. Артемида изображена здесь покровительницей женщин: она набрасывает на правое плечо покров, принесенный женщиной в качестве дара за успешное разрешение от бремени.

Пракситель был непревзойденным мастером в передаче грации тела и тонкой гармонии духа. Чаще всего он изображал богов, и даже сатиров, молодыми; в его творчестве на смену величественности и возвышенности образов 5 в. до н.э. приходят изящество и мечтательная нежность.

3. Леохар и Лисипп. Наиболее последовательно искусство ложноклассического направления раскрылось в творчестве Леохара, Леохар, афинянин по происхождению, стал придворным художником Александра Македонского. Именно он создал ряд хрисоэлефантинных статуй царей Македонской династии для Филиппейона. Холодный и пышный классицизирующий, то есть внешне подражающий классическим формам, стиль произведений Леохара удовлетворял потребностям складывающейся монархии Александра. Представление о стиле произведений Леохара, посвященных восхвалению Македонской монархии, дает нам римская копия с его героизированного портретного изображения Александра Македонского. Обнаженная фигура Александра имела отвлеченно-идеальный характер.

Леохар. Аполлон Бельведерский . Около 340 г. до н. э. Мраморная римская копия с утраченного бронзового оригинала. Рим. Ватикан.

Самой значительной среди работ Леохара была статуя Аполлона - знаменитый «Аполлон Бельведерский»( «Аполлон Бельведерский» - название дошедшей до нас римской мраморной копии с бронзового оригинала Леохара, помещавшейся одно время в ватиканском Бельведере (открытой лоджии) ).

Однако образ Аполлона скорее внешне эффектен, чем внутренне значителен. Пышность прически, надменный поворот головы, известная театральность жеста глубоко чужды подлинным традициям классики.

К кругу Леохара близка и знаменитая статуя «Артемиды Версальской», полная холодного, несколько надменного величия.

Леохар. Артемида Версальская. Третья четверть 4 в. до н. э. Мраморная римская копия с утраченного оригинала. Париж. Лувр.

Лисипп. . В искусстве Лисиппа решалась задача раскрытия внутреннего мира человеческих переживаний и известной индивидуализации образа человека . Вместе с тем Лисипп внес новые оттенки в решение этих художественных проблем, а главное, он перестал рассматривать создание образа совершенного прекрасного человека как основную задачу искусства. Лисипп как художник чувствовал, что новые условия общественной жизни лишали этот идеал какой бы то ни было серьезной жизненной почвы.

Во-первых , Лисипп находит основу для изображения типического в образе человека не в тех чертах, которые характеризуют человека как члена коллектива свободных граждан полиса, как гармонически развитую личность, а в особенностях его возраста, рода занятий, принадлежности к тому или другому психологическому складу характера . Особенно важной новой чертой в творчестве Лисиппа является интерес к раскрытию характерно-выразительного, а не идеально-совершенного в образе человека.

Во-вторых , Лисипп в какой-то мере подчеркивает в своих произведениях момент личного восприятия, стремится передать свое эмоциональное отношение к изображаемому событию. По свидетельству Плиния, Лисипп говорил, что если древние изображали людей такими, какими они были на самом деле, то он, Лисипп, - такими, какими они кажутся. Лисипп. Апоксиомен. Голова (см. илл. 215).

Особенно ярко понимание Лисиппом образа человека воплотилось в его знаменитой в древности бронзовой статуе «Апоксиомен». Лисипп изобразил юношу, который скребком счищает с себя песок арены, приставший к его телу во время спортивного состязания. В этой статуе художник очень: выразительно передал то состояние усталости, которое охватило юношу после пережитого им напряжения борьбы.

В Апоксиомене Лисипп хочет показать не внутренний покой и устойчивое равновесие, а сложную и противоречивую смену оттенков настроения.

Лисипп. Отдыхающий Гермес . Третья четверть 4 в. до н. э. Бронзовая римская копия с утраченного оригинала. Неаполь. Национальный музей.

Гермес словно на мгновение присел на край скалы. Художник передал здесь покой, легкую усталость и одновременно готовность Гермеса продолжить стремительно быстрый полет.

В эту же серию входила и группа, изображающая борьбу Геракла с немейским львом, тоже дошедшая до нас в римской копии, хранящейся в Эрмитаже.

Лисипп. Геракл со львом . Вторая половина 4 в. до н. э. Уменьшенная мраморная копия римского времени с утраченного бронзового оригинала. Ленинград. Эрмитаж.

Особенно большое значение имело творчество Лисиппа для дальнейшей эволюции греческого портрета.

Голова Александра Македонского с острова Коса. Мрамор.Наиболее ярко своеобразие и сила портретного мастерства Лисиппа воплотились в его портретах Александра Македонского.

Волевой, энергичный поворот головы, резко откинутые пряди волос создают общее ощущение патетического порыва. С другой стороны, скорбные складки на лбу, страдальческий взгляд, изогнутый рот придают образу Александра черты трагической смятенности. В этом портрете впервые в истории искусства выражены с такой силой напряжение страстей и их внутренняя борьба.

4.Скульптура эллинизма.

1. Взволнованность и напряжённость лиц;

2. Вихрь чувств и переживаний в образах;

3. Мечтательность образов;

4. Гармоническое совершенство и торжественность

Эллинистиче­ское искусство исполнено контра­стов - гигантского и миниатюрного, парадного и бытового, аллегорическо­го и натурального. Главная тенденция - отход от обоб­щенного человеческого типа к пони­манию человека как существа кон­кретного, индивидуального, а отсюда и возрастающее внимание к его пси­хологии, л интерес к событийности, и новая зоркость к национальным, возрастным, социальным и прочим приметам личности.

Все сказанное никак не означает, что эпоха эллинизма не оставила великих скульпторов и их памятников искусства. Более того, она создала произведения, которые, в нашем представлении, синтезируют высшие достижения античной пластики, являются ее недо­сягаемыми образцами -

Афродита Мелосская,

Ника Самофракийская , алтарь Зевса в Пергаме. Эти прослав­ленные скульптуры были созданы в эллинистическую эпоху. Их авторы, о которых ничего или почти ничего не известно, работали в русле класси­ческой традиции, развивая ее поисти­не творчески.

Среди скульпторов данной эпохи можно отметить имена следующих: Аполлоний, Тавриск («Фарнезский бык»), Атенодор, Полидор, Агесандр («Афродита Мелосская», «Лаокоон»).

Нравы и формы жизни, а также формы религии стали смешиваться в эпоху эллинизма, но дружба не воцарилась и мир не на­стал, раздоры и войны не прекраща­лись.

5.Вывод. Одно объединяло все периоды развития греческого общества и искусства: это особое пристрастие к пластике, к пространственным искусствам.

Мы рассмотрели творения величайших скульпторов Древней Греции на протяжении всего периода античности. Мы увидели весь процесс становления, расцвета и упадка стилей скульптур – весь переход от строгих, статичных и идеализированных форм архаики через уравновешенную гармонию классической скульптуры к драматичному психологизму эллинистических статуй. Творения скульпторов Древней Греции по праву считалась образцом, идеалом, каноном на протяжении многих веков и сейчас она не перестает быть признанным шедевром мировой классики. Ни до, ни после не было достигнуто ничего подобного. Всю современную скульптуру можно считать в той или иной степени продолжением традиций Древней Греции. Скульптура Древней Греции в своем развитии прошла сложный путь, подготовив почву для развития пластики последующих эпох в различных странах.

Известно, что большинство античных мастеров пластического искусства не ваяли в камне, они отливали в бронзе. В веках, последовавших за эпохой греческой цивилизации, сохранению бронзовых шедевров предпочли их переплавку на купола или монеты, а позднее на пушки. В более позднее время традиции заложенные древнегреческими скульптурами были обогащены новыми наработками и достижениями, античные же каноны послужили необходимой основой, базой для развития пластического искусства всех последующих эпох.

6. Дом. задание: гл.8, ст.84-91., задание ст.91.

СПИСОК ИСПОЛЬЗУЕМЫХ ИСТОЧНИКОВ

1. Античная культура. Словарь-справочник/под общ. ред. В.Н. Ярхо – М., 2002

2. Быстрова А. Н. «Мир культуры, основы культурологии»
Поликарпов В.С. Лекции по культурологии - М.: «Гардарика», «Экспертное бюро», 1997

3. Виппер Б.Р. Искусство Древней Греции. – М., 1972

4. Гнедич П.П. Всемирная история искусств – М., 2000

5. Грибунина Н.Г. История мировой художественной культуры, в 4-х частях. Части 1, 2. – Тверь, 1993

6. Дмитриева, Акимова. Античное искусство. Очерки. – М., 1988

Города античного мира обычно появлялись возле высокой скалы, на ней же возводилась цитадель, чтобы было где укрыться если враг проникнет в город. Такая цитадель называлась акрополем. Точно так же на скале, которая почти на 150 метров возвышалась над Афинами и издавна служила естественным оборонительным сооружением, постепенно образовался верхний город в виде крепости (акрополя) с различными оборонительными, общественными и культовыми сооружениями.
Афинский Акрополь начал застраиваться еще во II тысячелетии до н.э. Во время греко-персидских войн (480-479 годы до н.э.) он был полностью разрушен, позднее под руководством скульптора и архитектора Фидия началось его восстановление и реконструкция.
Акрополь относится к таким местам, «о которых все твердят, что они великолепны, неповторимы. Но не спрашивайте почему. Никто вам не сможет ответить...». Его можно измерить, можно пересчитать даже все его камни. Не такой уж большой труд пройти его из конца в конец - на это уйдет всего несколько минут. Стены Акрополя круты и обрывисты. Четыре великих творения стоят и поныне на этом холме со скалистыми склонами. Широкая зигзагообразная дорога идет от подножия холма к единственному входу. Это Пропилеи - монументальные ворота с колоннами в дорическом стиле и широкой лестницей. Их соорудил архитектор Мнесикл в 437-432 годах до н.э. Но прежде чем войти в эти величественные мраморные ворота, каждый невольно оборачивался вправо. Там, на высоком пьедестале бастиона, некогда охранявшего вход в акрополь, высится храм богини победы Ники Аптерос, украшенный ионическими колоннами. Это дело рук архитектора Калликрата (вторая половина V веке до н.э.). Храм - легкий, воздушный, необычайно прекрасный - выделялся своей белизной на синем фоне неба. Это хрупкое, похожее на изящную мраморную игрушку здание как будто улыбается само и заставляет ласково улыбнуться прохожих.
Непоседливые, пылкие и деятельные боги Греции походили на самих греков. Правда, они были выше ростом, умели летать по воздуху, принимать любой облик, превращаться в животных и растения. Но во всем остальном вели себя, как обыкновенные люди: женились, обманывали друг друга, ссорились, мирились, наказывали детей...

Храм Деметры, строители неизвестны, VIв. до н.э. Олимпия

Храм Ники Аптерос, зодчий Калликрат, 449-421 до н.э. Афины

Пропилеи, зодчий Мнезикл, 437-432 до н.э. Афины

Богиня победы Ника изображалась прекрасной женщиной с большими крыльями: победа непостоянна и перелетает от одного противника к другому. Афиняне изобразили ее бескрылой, чтобы она не покинула город, одержавший так недавно великую победу над персами. Лишенная крыльев богиня не могла больше летать и навсегда должна была остаться в Афинах.
Храм Ники стоит на выступе скалы. Он чуть повернут в сторону Пропилеи и играет роль маяка для процессий, огибающих скалу.
Сразу же за Пропилеями гордо возвышалась Афина Воительница, копье которой приветствовало путника издалека и служило маяком для мореплавателей. Надпись на каменном пьедестале гласила: «Афиняне посвятили от победы над персами». Это означало, что статуя была отлита из бронзового оружия, отнятого у персов в результате одержанных побед.
На Акрополе находился и храмовый ансамбль Эрехтейон, который (по замыслу его создателей) должен был связать воедино несколько святилищ, располагавшихся на разных уровнях, - скала здесь очень неровная. Северный портик Эрехтейона вел в святилище Афины, где хранилась деревянная статуя богини, якобы упавшая с неба. Дверь из святилища открывалась в маленький дворик, где росло единственное на всем Акрополе священное оливковое дерево, которое поднялось, когда Афина дотронулась в этом месте до скалы своим мечом. Через восточный портик можно было попасть в святилище Посейдона, где он, ударив по скале своим трезубцем, оставил три борозды с журчащей водой. Здесь же находилось святилище Эрехтея, почитаемого наравне с Посейдоном.
Центральная часть храма - прямоугольное помещение (24,1х13,1 метров). В храме также находились могила и святилище первого легендарного царя Аттики Кекропа. На южной стороне Эрехтейона - прославленный портик кариатид: у края стены шесть высеченных из мрамора девушек поддерживают перекрытие. Некоторые ученые предполагают, что портик служил трибуной почтенным гражданам или что здесь собирались жрецы для религиозных церемоний. Но точное предназначение портика до сих пор неясно, ведь «портик» означает преддверие, а в данном случае портик не имел дверей и отсюда нельзя попасть внутрь храма. Фигуры портика кариатид - это по сути опоры, заменяющие столб или колонну, они же прекрасно передают легкость и гибкость девичьих фигур. Турки, захватившие в свое время Афины и не допускавшие по своим мусульманским убеждениям изображений человека, уничтожать эти статуи, однако, не стали. Они ограничились лишь тем, что стесали лица девушек.

Эрехтейон, строители неизвестны, 421-407 до н.э. Афины

Парфенон, зодчие Иктин, Калликрат, 447-432 до н.э. Афины

В 1803 году лорд Эльджин, английский посол в Константинополе и коллекционер, пользуясь разрешением турецкого султана, выломал в храме одну из кариатид и увез в Англию, где предложил ее Британскому музею. Слишком широко трактуя фирман турецкого султана, он увез с собой также многие скульптуры Фидия и продал их за 35 000 фунтов стерлингов. Фирман гласил, что «никто не должен препятствовать увезти ему несколько камней с надписями или фигурами с Акрополя». Эльджин заполнил такими «камнями» 201 ящик. Как он сам заявил, он взял только те скульптуры, которые уже упали или которым грозило падение, якобы для того, чтобы спасти их от окончательного разрушения. Но еще Байрон назвал его вором. Позднее (при реставрации портика кариатид в 1845-1847 годах) Британский музей прислал в Афины гипсовый слепок статуи, увезенной лордом Эльджином. Впоследствии слепок заменили более прочной копией из искусственного камня, изготовленной в Англии.
В конце прошлого века греческое правительство потребовало от Англии вернуть принадлежащие ей сокровища, но получило ответ, что лондонский климат для них более благоприятен.
В начале нашего тысячелетия, когда при разделе Римской империи Греция отошла к Византии, Эрехтейон превратили в христианский храм. Позднее крестоносцы, завладевшие Афинами, сделали храм герцогским дворцом, а при турецком завоевании Афин в 1458 году в Эрехтейоне устроили гарем коменданта крепости. Во время освободительной войны 1821-1827 годах греки и турки поочередно осаждали Акрополь, бомбардируя его сооружения, в том числе и Эрехтейон.
В 1830 году (после провозглашения независимости Греции) на месте Эрехтейона можно было обнаружить лишь фундаменты, а также архитектурные украшения, валявшиеся на земле. Средства на восстановление этого храмового ансамбля (как и на восстановление многих других сооружений Акрополя) дал Генрих Шлиман. Его ближайший сподвижник В.Дерпфельд тщательно измерил и сравнил античные фрагменты, к концу 70-х годов прошлого века он уже планировал восстановить Эрехтейон. Но эта реконструкция была подвергнута строгой критике, и храм был разобран. Здание было восстановлено заново под руководством известного греческого ученого П.Кавадиаса в 1906 году и окончательно отреставрировано в 1922 году.

"Венера Милосская" Агессандр(?), 120 до н.э. Лувр, Париж

"Лаокоон" Агессандр, Полидор, Афинодор, ок.40 до н.э. Греция, Олимпия

"Геракл Фарнезский" ок. 200 до н. э., Нац. музей, Неаполь

"Раненая амазонка" Поликлет, 440 до н.э. Нац. музей Рим

Парфенон - храм богини Афины - самое большое сооружение на Акрополе и самое прекрасное создание греческой архитектуры. Он стоит не в центре площади, а несколько сбоку, так что можно сразу охватить взглядом передний и боковой фасады, понять красоту храма в целом. Древние греки верили, что храм с основной культовой статуей в центре представляет собой как бы дом божества. Парфенон - храм Афины-Девы (Парфенос), и потому в центре его находилась хрисоэлефантинная (выполненная из слоновой кости и золотых пластин на деревянной основе) статуя богини.
Парфенон воздвигли в 447-432 годах до н.э. архитекторы Иктин и Калликрат из пентелийского мрамора. Он размещался на четырехступенчатой террасе, размер его основания равен 69,5х30,9 метра. С четырех сторон Парфенон окружают стройные колоннады, между их беломраморными стволами видны просветы голубого неба. Весь пронизанный светом, он кажется воздушным и легким. На белых колоннах нет ярких рисунков, как это встречается в египетских храмах. Только продольные желобки (каннелюры) покрывают их сверху донизу, от чего храм кажется выше и еще стройнее. Своей стройностью и легкостью колонны обязаны тому, что они чуть-чуть сужаются кверху. В средней части ствола, совсем не заметно для глаз, они утолщаются и кажутся от этого упругими, прочнее выдерживающими тяжесть каменных блоков. Иктин и Калликрат, продумав каждую мельчайшую деталь, создали здание, поражающее удивительной соразмерностью, предельной простотой и чистотой всех линий. Поставленный на верхней площадке Акрополя, на высоте около 150 метров над уровнем моря, Парфенон был виден не только из любой точки города, но и с подплывавших к Афинам многочисленных судов. Храм представлял собой дорический периметр, окруженный колоннадой из 46 колонн.

"Афродита и Пан" 100 до н.э., Дельфы, Греция

"Диана-охотница" Леохар, ок.340 до н.э., Лувр, Париж, Франция

"Отдыхающий Гермес" Лисипп, IVв. до н. э., Нацональный музей, Неаполь

"Геракл, борющийся со львом" Лисипп, ок. 330 до н.э. Эрмитаж, Санкт-Петербург

"Атлант Фарнезский" ок.200 до н.э., Нац. музей, Неаполь

В скульптурном оформлении Парфенона участвовали самые известные мастера. Художественным руководителем строительства и оформления Парфенона был Фидий, один из величайших скульпторов всех времен. Ему принадлежит общая композиция и разработка всего скульптурного декора, часть которого он выполнил сам. Организационной стороной строительства занимался Перикл - крупнейший государственный деятель Афин.
Все скульптурное оформление Парфенона было призвано прославить богиню Афину и ее город - Афины. Тема восточного фронтона - рождение любимой дочери Зевса. На западном фронтоне мастер изобразил сцену спора Афины с Посейдоном за господство над Аттикой. Согласно мифу, в споре победила Афина, подарившая жителям этой страны оливковое дерево.
На фронтонах Парфенона собрались боги Греции: громовержец Зевс, могучий властитель морей Посейдон, мудрая воительница Афина, крылатая Ника. Завершал скульптурный декор Парфенона фриз, на котором была представлена торжественная процессия во время праздника Великих Панафиней. Этот фриз считается одной из вершин классического искусства. При всем композиционном единстве он поражал своим разнообразием. Из более чем 500 фигур юношей, старцев, девушек, пеших и конных ни одна не повторяла другую, движения людей и животных были переданы с удивительным динамизмом.
Фигуры скульптурного греческого рельефа не плоские, у них есть объем и форма человеческого тела. От статуй они отличаются только тем, что обработаны не со всех сторон, а как бы сливаются с фоном, образуемым плоской поверхностью камня. Легкая расцветка оживляла мрамор Парфенона. Красный фон подчеркивал белизну фигур, четко выделялись синевой узкие вер­тикальные выступы, отделявшие одну плиту фриза от другой, ярко сияла позолота. Позади колонн, на мраморной ленте, опоясывающей все четыре фасада здания, была изображена праздничная процессия. Здесь почти нет богов, а люди, навек запечатленные в камне, двигались по двум длинным сторонам здания и соединялись на восточном фасаде, где происходила торжественная церемония вручения жрецу одеяния, сотканного афинскими девушками для богини. Каждая фигура характерна своей неповторимой красотой, а все вместе они точно отражают подлинную жизнь и обычаи древнего города.

Действительно, раз в пять лет в один из жарких дней середины лета в Афинах происходило всенародное празднество в честь рождения богини Афины. Оно носило название Великих Панафиней. В нем принимали участие не только граждане Афинского государства, но и множество гостей. Празднество состояло из торжественной процессии (помпы), принесения гекатомбы (100 голов скота) и общей трапезы, спортивных, конных и музыкальных состязаний. Победитель получал особую, так называемую панафинейскую амфору, наполненную маслом, и венок из листьев священной маслины, растущей на Акрополе.

Самым торжественным моментом праздника было всенародное шествие на Акрополь. Двигались всадники на конях, шли государственные мужи, воины в доспехах и молодые атлеты. В длинных белых одеждах шли жрецы и знатные люди, глашатаи громко славили богиню, музыканты радостными звуками наполняли еще прохладный утренний воздух. По зигзагообразной панафинейской дороге, вытоптанной тысячами людей, поднимались на высокий холм Акрополя жертвенные животные. Юноши и девушки везли за собой модель священного панафинейского корабля с прикрепленным к его мачте пеплосом (покрывалом). Легкий ветерок развевал яркую ткань желто-фиолетового одеяния, которое несли в дар богине Афине знатные девушки города. Целый год они ткали и вышивали его. Другие девушки высоко поднимали над головой священные сосуды для жертвоприношений. Постепенно шествие приближалось к Парфенону. Вход в храм был сделан не со стороны Пропилеи, а с другой, словно для того, чтобы каждый сначала обошел, осмотрел и оценил красоту всех частей прекрасного здания. В отличие от христианских храмов, древнегреческие не предназначались для богослужений внутри их, народ во время культовых действий оставался вне храма. В глубине храма, окруженная с трех сторон двухъярусными колоннадами, горделиво высилась знаменитая статуя девы Афины, созданная прославленным Фидием. Ее одежда, шлем и щит были сделаны из чистого сверкающего золота, а лицо и руки сияли белизной слоновой кости.

О Парфеноне написано множество книжных томов, среди них есть монографии о каждой его скульптуре и о каждом шаге постепенного упадка с той поры, когда после декрета Феодосия I он стал христианским храмом. В XV веке турки сделали из него мечеть, а в XVII веке - пороховой склад. В окончательные руины его превратила турецко-венецианская война 1687 года, когда туда попал артиллерийский снаряд и за один миг сделал то, что не смогло сделать за 2000 лет всепожирающее время.

Древняя Греция была одним из величайших государств мира. Во время ее существования и на ее территории были заложены основы европейского искусства. Сохранившиеся памятники культуры того периода свидетельствуют о высочайших достижениях греков в области архитектуры, философской мысли, поэзии и, конечно, скульптуры. Подлинников сохранилось немного: время не щадит даже самые уникальные творения. О мастерстве, которым славились древние скульпторы во многом мы знаем благодаря письменным источникам и более поздним римским копиям. Однако и этой информации достаточно, чтобы осознать значение вклада жителей Пелопоннеса в мировую культуру.

Периоды

Скульпторы Древней Греции не всегда были великими творцами. Эпохе расцвета их мастерства предшествовал период архаики (VII—VI вв. до н. э). Дошедшие до нас скульптуры того времени отличаются симметричностью и статичностью. В них нет той жизненности и скрытого внутреннего движения, что делает статуи похожими на замерших людей. Вся красота этих ранних произведений выражается через лицо. Оно уже не столь статично, как тело: улыбка излучает ощущение радости и безмятежности, придавая особое звучание всей скульптуре.

После завершения архаики следует наиболее плодотворное время, в которое древние скульпторы Древней Греции создали свои самые знаменитые произведения. Оно делится на несколько периодов:

• ранняя классика — начало V в. до н. э.;
• высокая классика — V в. до н. э.;
• поздняя классика — IV в. до н. э.;
• эллинизм — конец IV в. до н. э. — I в. н. э.

Переходное время

Ранняя классика — период, когда скульпторы Древней Греции начинают отходить от статичности в положении тела, искать новые способы выражения своих замыслов. Пропорции наполняются естественной красотой, позы становятся более динамичными, а лица — выразительными.

Скульптор Древней Греции Мирон творил именно в этот период. В письменных источниках он характеризуется как мастер передачи анатомически правильного строения тела, способный с высокой точностью запечатлеть реальность. Современники Мирона указывали и на его недоработки: по их мнению, скульптор не умел придавать красоту и живость лицам своих творений.

Статуи мастера воплощают героев, богов и животных. Однако наибольшее предпочтение скульптор Древней Греции Мирон отдавал изображению атлетов во время их свершений на соревнованиях. Знаменитый «Дискобол» — его творение. Скульптура не сохранилась до наших дней в подлиннике, зато существует несколько ее копий. «Дискобол» изображает атлета, приготовившегося пустить свой снаряд. Великолепно выполнено тело спортсмена: напряженные мышцы свидетельствуют о тяжести диска, скрученный корпус напоминает пружину, готовую развернуться. Кажется, еще секунда, и атлет метнет снаряд.

Великолепно исполненными Мироном считаются и статуи «Афина» и «Марсий», также дошедшие до нас только в виде более поздних копий.

Расцвет

Выдающиеся скульпторы Древней Греции творили на протяжении всего периода высокой классики. В это время мастера создания рельефов и статуй постигают как способы передачи движения, так и основы гармонии и пропорций. Высокая классика — период становления тех основ греческой скульптуры, которые позже стали эталоном для многих поколений мастеров, в том числе и для творцов эпохи Возрождения.

В это время трудились скульптор Древней Греции Поликлет и гениальный Фидий. Оба они заставляли восхищаться собой еще при жизни и не были забыты в веках.

Покой и гармония

Поликлет творил во второй половине V в. до н. э. Он известен как мастер создания скульптур, изображающих атлетов в состоянии покоя. В отличие от «Дискобола» Мирона его спортсмены не напряжены, а расслаблены, но при этом у зрителя не возникает сомнений в их мощи и возможностях.

Поликлет первым применил особое положение тела: его герои часто опирались на постамент только одной ногой. Такая поза создавала ощущение естественной расслабленности, свойственной отдыхающему человеку.

Канон

Самой известной скульптурой Поликлета считается «Дорифор», или «Копьеносец». Произведение также называют каноном мастера, поскольку оно воплощает некоторые положения пифагореизма и является примером особого способа постановки фигуры, контрапоста. В основе композиции — принцип перекрестной неравномерности движения тела: левая сторона (рука, держащая копье, и отставленная назад нога) расслаблена, но одновременно в движении в противоположность напряженной и статичной правой (опорная нога и выпрямленная вдоль тела рука).

Подобный прием Поликлет использовал затем во многих своих произведениях. Основные его принципы изложены в недошедшем до нас трактате по эстетике, написанном скульптором и названном им «Канон». Достаточно большое место в нем Поликлет отвел принципу который также успешно применял в своих работах, когда этот принцип не противоречил естественным параметрам тела.

Признанный гений

Все древние скульпторы Древней Греции периода высокой классики оставили после себя достойные восхищения творения. Однако самым выдающимся среди них стал Фидий, по праву считающийся основоположником европейского искусства. К сожалению, работы мастера в большинстве своем дошли до наших дней только в качестве копий либо описаний на страницах трактатов древних авторов.

Фидий трудился над украшением афинского Парфенона. Сегодня представление о мастерстве скульптора можно сложить по сохранившемуся мраморному рельефу, длиной в 1,6 м. На нем запечатлены многочисленные паломники, направляющиеся в Остальные украшения Парфенона погибли. Такая же участь постигла и статую Афины, установленную здесь и сотворенную Фидием. Богиня, выполненная из слоновой кости и золота, символизировала сам город, его мощь и величие.

Чудо света

Прочие выдающиеся скульпторы Древней Греции, возможно, мало в чем уступали Фидию, но ни один из них не мог похвастаться созданием чуда света. Олимпийского была изготовлена мастером для города, где проходили знаменитые Игры. Высота громовержца, восседавшего на золотом троне, поражала (14 метров). Несмотря на подобную мощь бог не выглядел грозным: Фидий создал спокойного, величественного и торжественного Зевса, несколько строгого, но вместе с тем и доброго. Статуя до своей гибели в течение девяти веков привлекала множество паломников, искавших утешения.

Поздняя классика

С завершением V в. до н. э. не иссякли скульпторы Древней Греции. Имена Скопас, Пракситель и Лисипп известны каждому, кто интересуется античным искусством. Они творили в следующий период, называемый поздней классикой. Работы названных мастеров развивают и дополняют достижения предыдущей эпохи. Каждый по-своему, они преобразуют скульптуру, обогащая ее новыми сюжетами, способами работы с материалом и вариантами передачи эмоций.

Кипящие страсти

Скопаса можно назвать новатором по нескольким причинам. Предшествовавшие ему великие скульпторы Древней Греции в качестве материала предпочитали использовать бронзу. Скопас свои творения создавал в основном из мрамора. Вместо традиционного спокойствия и гармонии, которыми наполняли свои работы Древней Греции, мастер выбрал экспрессию. Его творения полны страстей и переживаний, они больше похожи на реальных людей, нежели на невозмутимых богов.

Самой знаменитой работой Скопаса считается фриз мавзолея в Галикарнасе. На нем изображена амазономахия - борьба героев греческих мифов с воинственными амазонками. Основные черты стиля, присущие мастеру, хорошо просматриваются по сохранившимся фрагментам этого творения.

Плавность

Еще один скульптор этого периода, Пракситель, считается лучшим греческим мастером в плане передачи грации тела и внутренней одухотворенности. Одно из выдающихся его произведений — Афродита Книдская — современниками мастера признавалось лучшим творением, когда-либо созданным. богини стала первым монументальным изображением обнаженного женского тела. Оригинал ее до нас не дошел.

В полной мере особенности стиля, свойственного Праксителю, просматриваются в статуе Гермеса. Особой постановкой обнаженного тела, плавностью линий и мягкостью полутонов мрамора мастер сумел создать несколько мечтательное настроение, буквально окутывающее скульптуру.

Внимание к деталям

На закате эпохи поздней классики трудился еще один известный греческий скульптор - Лисипп. Его творения отличались особым натурализмом, тщательной проработкой деталей, некоторой удлиненностью пропорций. Лисипп стремился создавать статуи, полные изящества и элегантности. Свое мастерство он оттачивал, изучая канон Поликлета. Современники отмечали, что работы Лисиппа в отличие от «Дорифора» производили впечатление более компактных и сбалансированных. По преданию мастер был любимым творцом Александра Македонского.

Влияние Востока

Новый этап в развитии скульптуры начинается в конце IV в. до н. э. Границей между двумя периодами считается время завоеваний Александра Македонского. С них фактически начинается эпоха эллинизма, представлявшего собой соединение искусства Древней Греции и восточных стран.

В основе скульптур этого периода лежат достижения мастеров предыдущих веков. Эллинистическое искусство подарило миру такие произведения, как и Венера Милосская. В это же время появились знаменитые рельефы Пергамского алтаря. В некоторых работах позднего эллинизма заметно обращение к бытовым сюжетам и деталям. Культура Древней Греции этого времени оказала сильное влияние на становление искусства Римской империи.

В заключение

Значение античности как источника духовных и эстетических идеалов переоценить невозможно. Древние скульпторы в Древней Греции заложили не только основы собственного ремесла, но и стандарты понимания красоты человеческого тела. Они сумели решить проблему изображения движения при помощи изменения позы и переноса центра тяжести. Древние скульпторы Древней Греции научились передавать с помощью обработанного камня эмоции и переживания, создавать не просто статуи, но практически живые фигуры, готовые в любой момент тронуться с места, вздохнуть, улыбнуться. Все эти достижения лягут в основу расцвета культуры в эпоху Возрождения.

Каковы особенности древнегреческое скульптуры?

Сталкиваясь с греческим искусством, многие выдающиеся умы выражали неподдельное восхищение. Один из известнейших исследователей искусства древней Греции, Иоганн Винкельман (1717-1768) говорит о греческой скульптуре: «Знатоки и подражатели греческих произведений находят в их мастерских творениях не только прекраснейшую натуру, но и больше, чем натуру, а именно некую идеальную ее красоту, которая… создается из образов, набросанных разумом». Все, кто пишет о греческом искусстве, отмечают в нем удивительное сочетание наивной непосредственности и глубины, реальности и вымысла. В нем, особенно в скульптуре, воплощен идеал человека. В чем же особенность идеала? Чем он очаровывал людей настолько, что состарившийся Гете рыдал в Лувре перед скульптурой Афродиты?

Греки всегда полагали, что только в прекрасном теле может жить прекрасная душа. Поэтому гармония тела, внешнее совершенство - непременное условие и основа идеального человека. Греческий идеал определяется термином калокагатия (греч. kalos - прекрасный + agathos добрый). Так как калокагатия включает в себя совершенство и телесного сложения, и духовно нравственного склада, то одновременно с красотой и силой идеал несет в себе справедливость, целомудрие, мужество и разумность. Именно это делает греческих богов, изваянных древними скульпторами, неповторимо прекрасными.

http://historic.ru/lostcivil/greece/gallery/stat_001.shtmlЛучшие памятники древнегреческой скульптуры были созданы в V в. до н.э. Но до нас дошли и более ранние произведения. Cтатуи VII-VI вв. до н.э.симметричны: одна половина тела - зеркальное отражение другой. Скованные позы, вытянутые руки прижаты к мускулистому телу. Ни малейшего наклона или поворота головы, но губы раскрыты в улыбке. Улыбка словно изнутри освещает скульптуру выражением радости жизни.

Позднее, в период классицизма статуи приобретают большее разнообразие форм.

Были попытки алгебраически осмыслить гармонию. Первое научное исследование того, что есть гармония, предпринял Пифагор. Школа, которую он основал, рассматривала вопросы философско-математического характера, применяя математические выкладки ко всем сторонам действительности. Не составили исключения ни музыкальная гармония, ни гармония человеческого тела или архитектурного сооружения. Пифагорейская школа считала число основой и началом мира.

Какое отношение имеет теория чисел к греческому искусству? Оказывается, самое прямое, поскольку гармония сфер Вселенной и гармония всего мира выражается одними и теми же отношениями чисел, главные из которых - отношения 2/1, 3/2 и 4/3 (в музыке это соответственно октава, квинта и кварта). Кроме того, гармония предполагает возможность вычисления любого соотнесения частей каждого предмета, в том числе и скульптуры, по следующей пропорции: а / b = b / с, где а - любая меньшая часть объекта, b - любая большая часть, с - целое. На этом основании великий греческий скульптор Поликлет (V век до н.э.) создал скульптуру юноши-копьеносца (V в. до н.э.), которую называют «Дорифор» («Копьеносец») или «Канон» - по названию сочинения скульптора, где он, рассуждая о теории искусства, рассматривает законы изображения совершенного человека. Считается, что рассуждения художника можно отнести и к его скульптуре.

Статуи Поликлета полны напряженной жизни. Поликлет любил изображать атлетов в состоянии покоя. Взять того же «Копьеносца». Этот могучего сложения человек полон чувства собственного достоинства. Он стоит неподвижно перед зрителем. Но это не статичный покой древнеегипетских статуй. Как человек, умело и легко владеющий своим телом, копьеносец чуть согнул одну ногу и переместил тяжесть корпуса на другую. Кажется, что пройдет мгновение и он сделает шаг вперед, повернет голову, гордый своей красотой и силой. Перед нами человек сильный, красивый, свободный от страха, гордый, сдержанный - воплощение греческих идеалов.

В отличие от своего современника Поликлета, Мирон любил изображать свои статуи в движении. Вот, например, статуя «Дискобол» (V в. до н.э.; Музей Терм. Рим). Ее автор, великий скульптор Мирон, изобразил прекрасного юношу в момент, когда тот замахнулся тяжелым диском. Его захваченное движением тело изогнуто и напряжено, как готовая развернуться пружина. Под упругой кожей отведенной назад руки взбугрились тренированные мускулы. Пальцы ног, образуя надежную опору, глубоко вдавились в песок. Статуи Мирона и Поликлета были отлиты из бронзы, но до нас дошли лишь мраморные копии с древнегреческих оригиналов, сделанные римлянами.

Величайшим ваятелем своего времени греки считали Фидия, украсившего мраморной скульптурой Парфенон. В его скульптурах особенно отражено, что боги в Греции есть не что иное, как образы идеального человека. Лучше всего сохранилась мраморная лента рельефа фриза длиной 160 м. На ней изображено шествие, направляющееся в храм богини Афины - Парфенон.

Скульптура Парфенона сильно пострадала. А «Афина Парфенос» погибла еще в глубокой древности. Она стояла внутри храма и была несказанно прекрасна. Голова богини с невысоким гладким лбом и округлым подбородком, шея и руки были сделаны из слоновой кости, а волосы, одежда, щит и шлем были вычеканены из листов золота. Богиня в образе прекрасной женщины - олицетворение Афин.

http://historic.ru/lostcivil/greece/gallery/stat_007.shtmlМножество историй связаны с этой скульптурой. Сотворенный шедевр был настолько велик и знаменит, что у его автора сразу появилась множество завистников. Они пытались всячески насулить скульптору и искали разные причины по которым можно было бы обвинить его в чем-нибудь. Говорят, что Фидия обвиняли в том, что тот якобы утаил часть золота, данного как матерьял для убранства богини. В доказательство невиновности Фидий снял со скульптуры все золотые предметы и взвесил их. Вес в точности совпал с весом данного на скульптуру золота. Тогда Фидия обвинили в безбожии. Причиной этому послужил щит Афины. На нем был изображен сюжет битвы греков с амазонками. Среди греков Фидий изобразил себя и любимого им Перикла. Изображение Фидия на щите и стала причиной конфликта. Несмотря на все достежения Фидия, общественность Греции смогли настроить протев него. Жизнь великого скульптора заканчилась жестокой казнью.

Достижения Фидия в Парфеноне были не исчерпующими для его творчества. Скульптор сотворил множество других произведений, лучшими из котрых стали колоссальная бронзовая фигура Афины Промахос, воздвигнутая на Акрополе примерно в 460 г. до н.э., и не менее огромная фигуры из слоновой кости и золота Зевса для храма в Олимпии. К сожалению, более не существует подлинных работ, и мы не можем увидеть своими глазами великолепные произведения искусства Древней Греции. Остались лишь их описания и копии. Во многом тому причиной послужило фанатичное уничтожение статуй верующими христианами.

Так можно описать статую Зевса для храма в Олимпии: Огромный четырнадцатиметровый бог восседал на золотом троне, и казалось, встань он, распрями широкие плечи - тесно станет ему в обширном зале и низок окажется потолок. Голову Зевса украшал венок из ветвей маслины - знак миролюбия грозного бога. Лицо, плечи, руки, грудь были из слоновой кости, а плащ - перекинут через левое плечо. Венец, борода Зевса были из сверкающего золота.

Фидий наделил Зевса человеческим благородством. Его благообразное лицо, обрамленное курчавой бородой и вьющимися волосами, было не только строгим, но и добрым, поза торжественна, величава и спокойна. Сочетание телесной красоты и доброты души подчеркивало его божественную идеальность. Статуя производила такое впечатление, что, по словам древнего автора, люди, удрученные горем, искали утешения в созерцании творения Фидия. Молва объявила статую Зевса одним из «семи чудес света».

Работы всех трех скульпторов были схожи тем, что все они изображали гармонию красивого тела и заключенной в ней доброй души. Это было основным направлением того времени.

Конечно, нормы и установки в греческом искусстве менялись на протяжении истории. Искусство архаики было более прямолинейным, в нем отсутствовала полная глубокого смысла недоговоренность, которая восторгает человечество в периоде греческой классики. В эпоху эллинизма, когда человек потерял ощущение устойчивости мира, искусство утратило свои старые идеалы. В нем стали отражаться чувства неуверенности в будущем, царящие в общественных течениях того времени.

Одно объединяло все периоды развития греческого общества и искусства: это, как пишет М. Алпатов, особое пристрастие к пластике, к пространственным искусствам. Подобное пристрастие объяснимо: огромные запасы разнообразного по расцветке, благородного и идеального материала - мрамора - представляли широкие возможности для его реализации. Хотя большинство греческих скульптур выполнялось в бронзе, так как мрамор был хрупок, однако именно фактура мрамора с его цветом и декоративностью позволяла с наибольшей выразительностью воспроизводить красоту человеческого тела. Поэтому чаще всего «человеческое тело, его строение и податливость, его стройность и гибкость привлекали к себе внимание греков, они охотно изображали человеческое тело и обнаженным, и в легкой прозрачной одежде».