Кандинский фотографии. Знаменитые картины василия кандинского. Жизнь за рубежом

В начале декабря 2011 года на русских торгах в Лондоне были установлены новые ценовые рекорды. Подводя итоги года, мы составили список самых дорогостоящих работ художников России по результатам аукционных продаж.

33 самые дорогие к. Источник: 33 самые дорогие к.

Если верить рейтингам, самый дорогой русский художник - Марк Ротко. Его «Белый центр» (1950), проданный за 72,8 млн. долл., вдобавок, занимает 12-е место в списке самых дорогих картин в мире вообще. Однако Ротко был евреем, родился в Латвии и уехал из России в возрасте 10 лет. Честно ли с подобной натяжкой гнаться за рекордами? Поэтому Ротко, как и других эмигрантов, которые покинули Россию, еще не став художниками (например, Тамару де Лемпицки и Хаима Сутина) мы из списка вычеркнули.

№ 1. Казимир Малевич - 60 млн долл.

Автор «Черного квадрата» - слишком важная персона, чтобы его произведения часто встречались в свободной продаже. Вот и эта картина попала на аукцион весьма сложным путем. В 1927 году Малевич , собираясь устроить выставку, привез из своей ленинградской мастерской в Берлин почти сотню работ. Однако его срочно отозвали на родину, и он оставил их на хранение архитектору Хуго Херингу. Тот сберег картины в сложные годы фашистской диктатуры , когда их вполне могли уничтожить как «дегенеративное искусство», и в 1958 году, уже после смерти Малевича, продал их государственному музею Стеделек (Голландия).

В начале XXI века группа наследников Малевича, почти сорок человек, начала судебное разбирательство - потому что Херинг не являлся юридическим владельцем картин. В результате музей отдал им эту картину, и отдаст еще четыре, которые наверняка вызовут фурор на каком-нибудь аукционе. Ведь Малевич - один из самых подделываемых художников в мире, а происхождение картин из музея Стеделек безупречно. А в январе 2012 года наследники получили еще одну картину с той берлинской выставки, отобрав ее у швейцарского музея.

№ 2. Василий Кандинский - 22,9 млн долл.

На аукционную цену произведения влияет его репутация. Это не только громкое имя художника, но и «провенанс» (происхождение). Вещь из знаменитой частной коллекции или хорошего музея всегда стоит дороже, чем работа из анонимного собрания. «Фуга» происходит из прославленного Музея Гугенхайма: однажды директор Томас Кренц вывел из состава музейных фондов этого Кандинского, картину Шагала и Модильяни , и выставил их на продажу. На полученные деньги музей зачем-то приобрел коллекцию из 200 работ американских концептуалистов. Кренца за это решение очень долго осуждали.

Это полотно отца абстракционизма любопытно тем, что установило рекорд в далеком 1990-м году, когда аукционные залы Лондона и Нью-Йорка еще не заполнили безрассудные русские покупатели. Благодаря этому, кстати, оно и не сгинуло в какой-нибудь очень приватной коллекции в роскошном особняке, а находится в постоянной экспозиции в частном музее Бейелеров в Швейцарии, где его может увидеть любой. Редкий случай для такой покупки!

№ 3. Алексей Явленский - 9, 43 млн фунтов

Примерно 18,5 млн. долл. заплатил неизвестный покупатель за портрет, на котором изображена девушка из деревеньки под Мюнхеном. Шокко - это не имя, а прозвище. Модель, приходя в студию художника, каждый раз просила чашку горячего шоколада. Так за ней и прижилось «Шокко».

Проданная картина входит в его знаменитый цикл «Расея», изображающей отечественное крестьянство первой четверти ХХ века. И, право, изображающей с такими рожами, что смотреть страшно. Здесь в образе пастуха явлен крестьянский поэт Николай Клюев, предтеча Есенина. Среди его стихов есть такие: «На припеке цветик алый Обезлиствел и поблек - Свет-детина разудалый От зазнобушки далек».

№ 19. Константин Маковский - 2,03 млн фунтов

Маковский - салонный живописец, известный огромным количеством головок боярышень в кокошниках и сарафанах, а также картиной «Дети, бегущие от грозы», которую одно время постоянно печатали на подарочных коробках шоколадных конфет. Его сладкие исторические картины пользуются стабильным спросом среди русских покупателей.

Тема этой картины - древнерусский«поцелуйный обряд». Знатным женщинам на Древней Руси не разрешалось покидать женскую половину, и только ради почетных гостей они могли выйти, поднести чарку и (самая приятная часть) позволить поцеловать себя. Обратите внимание на картину, висящую на стене: это изображение царя Алексея Михайловича, один из первых конных портретов, появившихся на Руси. Композиция его, хоть и была нагло скопирована с европейского образца, считалась необыкновенно новаторской и даже шокирующей для того времени.

№20. Святослав Рерих - 2,99 млн долл.

Сын Николая Рериха покинул Россию совсем подростком. Жил в Англии, США, Индии. Как и отец, интересовался восточной философией. Как и отец - писал множество картин на индийские темы. Отец вообще занимал огромное место в его жизни - он написал более тридцати его портретов. Эта картина создана в Индии, где клан обосновался в середине века. Картины Святослава Рериха появляются на аукционах редко, а в Москве произведения знаменитой династии можно увидеть в залах Музея Востока , которому авторы их подарили, а также в музее музее «Международный центр Рерихов », который располагается в роскошной дворянской усадьбе прямо позади Пушкинского музея . Оба музея не очень любят друг друга: музей Востока претендует и на здание, и на коллекции Центра Рериха.

№ 21. Иван Шишкин - 1,87 млн фунтов

Главный русский пейзажист провел на Валааме три лета подряд и оставил множество изображений этой местности. Это произведение немного мрачновато и не похоже на классического Шишкина. Но это объясняют тем, что картина относится к его раннему периоду, когда он не нащупал свою манеру и находился под сильным влиянием дюссельдорфской школы пейзажа, в которой обучался.

Об этой дюссельдорфской школе мы уже вспомнали выше, в рецепте поддельного «айвазовского». « Шишкины» делаются по той же схеме, например, в 2004 году на Sotheby"s был выставлен «Пейзаж с ручьем» дюссельдорфского периода живописца. Он оценивался в 1 млн. долл. и подтверждался экспертизой Третьяковской галереи. За час до продажи лот был снят - это оказалась картина другого ученика этой школы, голландца Маринуса Адриана Куккука, купленная в Швеции за 65 тыс. долл.

№ 22. Кузьма Петров-Водкин - 1,83 млн фунтов

Портрет мальчика с иконой Богородицы был найден в частной коллекции в Чикаго. После того, как его передали аукционному дому, эксперты начали исследования, пытаясь установить его происхождение. Оказалось, что картина была на выставках в 1922 и 1932 годах. В 1930-х работы художника ездили по Штатам в составе выставки русского искусства. Возможно, именно тогда владельцы и приобрели эту картину.

Обратите внимание на пустое место на стене позади мальчика. Сначала автор думал написать там окно с зеленым пейзажем. Это бы уравновесило картину и по композиции и по цветам - трава бы перекликалась с зеленой туникой Богоматери (кстати, по канону она должна быть синей). Почему Петров-Водкин закрасил окно - неизвестно.

№ 23. Николай Рерих - 1,76 млн фунтов

Прежде чем навестить Шамбалу и начать переписываться с далай-ламой, Николай Константинович Рерих довольно успешно специализировался на древнерусской теме и даже делал балетные эскизы для « Русских сезонов» . Проданный лот относится к этому периоду. Изображенная сцена - чудесное явление над водой, которое наблюдает русский монах, скорей всего - Сергий Радонежский. Любопытно, что картина написана в том же году, что другое видение Сергию (тогда отроку Варфоломею), фигурирующее в нашем списке выше. Стилистическая разница - колоссальна.

Рерих написал множество полотен и львиную долю из них - в Индии. Несколько штук он подарил индийскому института сельскохозяйственных исследований. Недавно два из них, « Гималаи, Канченджанга» и « Закат, Кашмир», появились на аукционе в Лондоне. Только тогда младшие научные сотрудники института заметили, что их ограбили. В январе 2011 года индусы обратились в лондонский суд за разрешением расследовать это преступление в Англии. Интерес воров к наследию Рериха понятен, ведь есть спрос.

№ 24. Любовь Попова - 1,7 млн фунтов

Любовь Попова умерла молодой, поэтому прославиться, как другая амазонка авангарда Наталья Гончарова, не сумела. Да и наследие у нее поменьше - поэтому в продаже ее работы найти трудно. После ее смерти была составлена подробная опись картин. Этот натюрморт долгие годы был известен только по черно-белой репродукции, пока не всплыл в частной коллекции, оказавшись самым значительным произведением художницы в частных руках. Обратите внимание на жостовский поднос - может быть, это намек на вкус Поповой к народным промыслам. Она происходила из семьи ивановского купца, занимавшегося тканями, да и сама создала много эскизов агитационного текстиля на базе русских традиций.

№ 25. Аристарх Лентулов - 1,7 млн фунтов

Лентулов вошел в историю русского авангарда запоминающимся изображением собора Василия Блаженного - не то кубизм, не то лоскутное одеяло. В этом пейзаже он пытается дробить пространство по похожему принципу, но выходит не так увлекательно. Собственно, поэтому «Василий Блаженный » в Третьяковской галерее , а эта картина - на арт-рынке. Все-таки когда-то музейщики имели возможность снимать сливки.

№ 26. Алексей Боголюбов - 1,58 млн фунтов

Продажа этого малоизвестного художника, пусть и любимого пейзажиста царя Александра III, за такие безумные деньги - симптом бешенства рынка накануне кризиса 2008 года. Тогда русские коллекционеры были готовы покупать даже второстепенных мастеров. Тем более, что первоклассных художников продают редко.

Возможно, эта картина отправилась в подарок какому-нибудь чиновнику: у нее подходящий сюжет, ведь Храм Христа Спасителя давно перестал быть просто церковью, и стал символом. И льстящее происхождение - картина хранилась в царском дворце. Обратите внимание на детали: кирпичная кремлевская башня покрыта белой штукатуркой, а холм внутри Кремля совершенно необустроен. Ну, а зачем было стараться? В 1870-х столицей был Петербург, а не Москва, и Кремль не являлся резиденцией.

№ 27. Исаак Левитан - 1,56 млн фунтов

Совершено нетипичная для Левитана работа была продана на том же аукционе, что и картина Боголюбова, однако оказалась дешевле. Связано это, разумеется, c тем, что картина не похожа на «левитана ». Авторство ее, однако, бесспорно, аналогичный сюжет есть в Днепропетровском музее. 40 тысяч лампочек, с помощью которых был украшен Кремль, зажгли в честь коронации Николая II. Через несколько дней случится ходынская катастрофа.

№ 28. Архип Куинджи - 3 млн долл.

Знаменитый пейзажист написал три подобные картины. Первая находится в Третьяковке, третья - в Государственном музее Беларуси. Вторая, представленная на аукционе, предназначалась для князя Павла Павловича Демидова-Сан-Донато. Этот представитель знаменитой уральской династии жил на вилле под Флоренцией. Вообще, Демидовы, став итальянскими князьями, развлекались как могли. Например, дядя Павла, от которого тот унаследовал княжеский титул, был так богат и знатен, что женился на племяннице Наполеона Бонапарта , и однажды в плохом настроении ее высек. Бедная дама с трудом смогла добиться развода. Картина, однако, к Демидову не попала, ее приобрел украинский сахарозаводчик Терещенко.

№ 29. Константин Коровин - 1,497 млн фунтов

Импрессионистам присущ очень «легкий», размашистый стиль письма. Коровин - главный русский импрессионист. Он очень популярен среди мошенников; по слухам, количество его подделок на аукционах достигает 80%. Если картина из частного собрания была выставлена на персональной выставке художника в знаменитом государственном музее, то ее репутация упрочняется, и на следующем аукционе она стоит намного дороже. В 2012 году Третьяковская галерея планирует масштабную выставку Коровина. Может быть, там будут работы из частных собраний. Данный абзац - пример манипуляции сознанием читателя на примере перечисления фактов, не имеющих между собой прямой логической связи.

• Обратите внимание, с 26 марта по 12 августа 2012 года Третьяковская галерея обещает устроить выставку Коровина . Подробней о биографии самого очаровательного из художников Серебряного века читайте в нашем обзоре вернисажей ГТГ в 2012 году.

№ 30. Юрий Анненков - 2,26 млн долл.

Анненков сумел эмигрировать в 1924 году и сделал на западе неплохую карьеру. Например, в 1954 году его номинировали на Оскар как художника по костюмам за фильм «Мадам де...». Наиболее известны его ранние советские портреты - лица кубистические, граненые, но совершенно узнаваемые. Например, он неоднократно рисовал таким образом Льва Троцкого - и даже повторил рисунок много лет спустя по памяти, когда журналу Times захотелось украсить им обложку.

Изображенный на рекордном портрете персонаж - писатель Тихонов-Серебров. В историю русской литературы он вошел, главным образом, своей близкой дружбой с. Настолько близкой, что, по грязным слухам, жена художника Варвара Шайкевич даже родила от великого пролетарского писателя дочь. На репродукции не очень заметно, но портрет выполнен в технике коллажа: поверх слоя масляной краски здесь идут стекло и штукатурка, и даже приделан настоящий дверной звонок.

№ 31. Лев Лагорио - 1,47 млн фунтов

Еще один второстепенный пейзажист, почему-то проданный за рекордную цену. Одним из показателей успеха аукциона является превышение эстимейта («оценки» ) - минимальной цены, которую эксперты аукционного дома установили для лота. Эстимейт этого пейзажа был 300-400 тыс. фунтов., а продали его в 4 раза дороже. Как сказал один лондонский аукционер: «счастье - это когда два русских олигарха соревнуются за один и тот же предмет».

№ 32. Виктор Васнецов - 1,1 млн фунтов

Богатыри стали визитной карточкой еще в 1870-х. Он возвращается к своей звездной теме, подобно другим ветеранам русской живописи, в годы молодой советской республики - и по финансовым соображениям, и чтобы снова почувствовать себя востребованным. Эта картина - авторское повторение «Ильи Муромца» (1915), который хранится в Доме-музея художника (на Проспекте Мира).

№ 33. Эрик Булатов - 1,084 млн фунтов

Второй нынеживущий художник в нашем списке (еще сказал, что для художника лучший способ поднять цены на свои работы - это умереть). , кстати, это советский Уорхол, подпольный и антикоммунистический. Он работал в жанре соц-арт, который был создан советским андеграундом, как наш вариант поп-арта. «Слава КПСС» - одно из самых знаменитых произведений художника. По его собственным объяснениям, буквы здесь символизируют решетку, загораживающую от нас небо, то есть свободу.

Бонус: Зинаида Серебрякова - 1,07 млн фунтов

Серебрякова любила рисовать обнаженных женщин, автопортреты и своих четверых детей. Этот идеальный феминистский мир гармоничен и спокоен, чего не скажешь о жизни самой художницы, которая с трудом вырвалась из России после революции и потратила много сил, чтобы вытащить оттуда своих детей.

«Обнаженная» - не картина маслом, а рисунок пастелью. Это самый дорогой русский рисунок. Столь высокая сумма, отданная за графику, сопоставима с ценами на рисунки импрессионистов и вызвала большое удивление у Sotheby"s, которые начали торги с 150 тыс. фунтов стерлингов, а получили миллион.

Список составлен на основе цен, указанных на официальных сайтах аукционных домов. Эта цена складывается из чистой стоимости (озвученной, когда опускается молоток), и « премии покупателя» (дополнительного процента аукционного дома). В других источниках может быть указана «чистая » цена. Курс доллара к фунту часто колеблется, поэтому британские и американские лоты расположены относительно друг друга с приблизительной точностью (мы же не Forbes).

Дополнения и исправления нашего списка приветствуются.

На долю Василия Кандинского выпало немало испытаний. Он смог пережить и войны и революции, диктаторский режим. Его искусство не понимали, что вызывало возмущение со стороны критиков.

На 1911 год приходится становление Кандинского как абстракциониста. Он называет свои работы композициями, впечатлениями, импровизациями. Классический пример полотно «Импровизация 21А». Это абстрактная композиция, но если всмотреться, можно увидеть реальные предметы. Например, в центральной части видна гора с башней. Четкие чёрные линии окружают участки интенсивного цвета. Такие линии станут основными в творчестве Кандинского.

Одной из редких картин написанной маслом является «В сером». Она была задумана как композиция с горами, лодками и фигурами людей. Но на окончательном полотне эти предметы и фигуры почти не различимы. Все сведено к абстрактным иероглифам. Картина отражает стремление художника к продуманной композиции живописного пространства. Палитра мастера становится более мягкой. Приглушенные серые, коричневые, голубые тона характерны для так называемого русского периода творчества Кандинского. Уехав в Германию, цвета становятся однотипными и плоскими.

В Веймаре создана картина «Вибрация». Здесь много геометрических фигур. Примечательный элемент – это шахматная доска. Треугольник взаимодействует с кругом. Передается противопоставление форм и цветов. В целом же композиция достаточна, цельна и продумана, а единство цвета и формы создало сложную структуру. Палитра, кроме шахматной доски, приглушенна.

В своей абстрактной живописи Кандинский использует реальные предметы, но передает их с помощью геометрических форм. Например, картина «Казаки». Сюжет навеян во время революции 1905, когда по Москве скакали казаки. На полотне особо изображены два казака, под ними радуга, которая образует дорогу, ведущую к дворцу на холме. Кандинский не стремится, что предметы хорошо были распознаваемы, он хочет, чтобы зритель проникся духовностью. В это время у него происходит поиски нового языка, с помощью которого можно было выразить новое мироощущение. Формы рассыпаются на глазах, оставляя после себя только следы.

Весь путь Кандинского это, прежде всего эволюция. Начинал он с общих рассуждений о духовности, то позже пришла конкретика. Он разрабатывает математическую теорию пластического искусства, которая базируется на взаимодействии геометрических форм на человека, и соотношении их с цветом в живописи.

Наверное, не существует таких людей, которые при первом знакомстве с творчеством Кандинского признали бы его гениальность. Первый взгляд на его «композиции», «импровизации» и «импрессии» провоцирует разные мысли: от «такое мог бы и ребенок намалевать» и до «что же хотел на этой картине изобразить художник?». А при более глубоком знакомстве оказывается, что художник и не собирался ничего изображать, он хотел заставить вас чувствовать.

Великий первооткрыватель абстракции Василий Кандинский совершенно не собирался становиться художником и тем более философом мира искусства. Напротив, его отец – известный московский коммерсант того времени Василий Сильвесторович Кандинский – видел его успешным юристом, что привело будущего абстракциониста на юридический факультет Московского Университета, где он изучал политическую экономику и статистику. Безусловно, Кандинский вырос в интеллигентной семье, которая не отрицала важность искусства в жизни человека, поэтому еще юношей Василий получил базовые знания в мире музыки и живописи. Но вернулся к ним он лишь после того, как ему исполнилось 30 лет, чем еще раз подтвердил простую истину – начинать никогда не поздно. Несмотря на любовь к своей родине, в частности к Москве, которая не раз появится на его полотнах, Кандинский в 1896 году ради своей страсти к живописи переезжает в Мюнхен – город, славившийся в то время своей открытостью к новым жанрам искусства и гостеприимством для начинающих художников. Толчком к тому, чтобы бросить привычный образ жизни и отправиться в неизведанное, стал повод, совершенно не связанный с искусством, – в мире физики произошло очень важное событие – открытие разложения атома. Как писал в своих письмах научному руководителю сам Кандинский, этот переворот в мире физики вызвал у него странные чувства:«Рухнули толстые своды. Все стало неверным, шатким и мягким…» .

Тот факт, что мельчайшая частица не является целостной, а состоит из множества еще неизученных элементов, привел будущего художника к новому мировоззрению. Кандинский осознал, что все в этом мире можно разложить на отдельные составляющие, и сам он описывал это чувство так:

«Оно (открытие) отозвалось во мне, подобно внезапному разрушению всего мира” .

Еще одним поводом к полному перевороту сознания Кандинского стала выставка французских импрессионистов, привезенная в Москву. На ней он увидел картину Клода Монэ «Стог Сена». Это произведение поразило Василия Васильевича своей беспредметностью, так как до этого он был знаком исключительно с реалистичной живописью русских художников. Несмотря на то что на картине с трудом угадывается сюжет, она затрагивает определенные чувства, вдохновляет и остается в памяти. Именно такие глубокие и волнующие произведения решил создавать и Кандинский.

В Германии Василий Кандинский быстро осваивает классический рисунок, технику импрессионистов, постимпрессионистов и фовистов, и вскоре уже становится признанным авангардистом. В 1901 году свет увидела его первая профессиональная картина «Мюнхен. Планегг 1», в которой сочетались яркие мазки Ван Гога и нежный солнечный свет импрессионистов. Впоследствии Кандинский в своем творчестве стал уходить от детализации своих творений, двигался от реалистичности к экспериментам с цветом.

«Мюнхен. Планегг 1» (1901) – Частная Коллекция

Первым шагом на пути к абстракции стало написание философского трактата «О духовном в искусстве» в 1910 году. Книга сильно опережала свое время, поэтому издателя для нее было найти очень сложно. Интересен тот факт, что оригинал написан Кандинским на немецком языке, а на русском книга вышла только в 1967 году в Нью-Йорке благодаря Международному Литературному содружеству и жене художника – Нине Кандинской. На языке оригинала в Мюнхене книга вышла в 1911 году и имела невероятный успех. За год ее издавали 3 раза, а в Скандинавии, Швейцарии и Голландии, где распространен немецкий язык, книга читалась всеми, кто имел хоть какое-то отношение к искусству. Русские авангардисты имели возможность ознакомиться с содержанием трактата на Всероссийском съезде художников в декабре 1911 года благодаря докладу Н.И. Кульбина «О духовном в искусстве». В нем он использовал некоторые главы книги Кандинского, включая главу о разных возможных геометрических формах в абстрактном творчестве, что сильно повлияло на передовых русских художников того времени, включая Казимира Малевича. Но труд Кандинского – это не учебник. «О духовном в искусстве» – это философское, очень тонкое и вдохновляющее произведение, без которого понять и прочувствовать картины великого абстракциониста просто невозможно. В самом начале книги Кандинский делит всех художников на 2 типа, основываясь на определениях Роберта Шумана и Льва Толстого. Композитор считал, что «призвание художника – посылать свет в глубины человеческого сердца», а писатель называл художника тем человеком, «который может нарисовать и написать все». Кандинскому чуждо второе определение, сам он называет таких людей «ремесленниками», чье творчество не наполнено смыслом и не имеет ценности.

«В нашей душе имеется трещина, и душа, если удается ее затронуть, звучит, как надтреснутая драгоценная ваза, найденная в глубине земли».

Большое влияние на художника всегда оказывала музыка, так как именно она является единственным абсолютно абстрактным искусством, заставляющим работать наше воображение, избегая предметности. Как ноты складываются в прекрасную мелодию, так и краски Кандинского в своем сочетании рождают удивительные картины. Сильнее всего вдохновила начинающего художника увертюра оперы Рихарда Вагнера. После знакомства с ней Кандинский задался вопросом, сможет ли он создать картину такого же сильного эмоционального наполнения, как произведение великого композитора, «в которой краски стали бы нотами, а цветовая гамма – тональностью?».

В поисках ответа на этот вопрос Кандинскому помогло знакомство с австрийским композитором Арнольдом Шенбергом. В январе 1911 года в Мюнхене художник услышал атональные произведения своего будущего друга и союзника и был потрясен. Благодаря концерту Шенберга родилась еще не до конца абстрактная, но уже почти беспредметная картина мастера «Импрессия III . Концерт». Темный треугольник на картине символизирует рояль, ниже можно увидеть притянутую музыкой толпу, а цветовое решение прекрасно отражает то яркое впечатление, которое получил Кандинский на концерте Шенберга.

Кандинский был уверен, что именно Шенберг правильно воспримет его философию абстрактного творчества, и не ошибся. Композитор поддержал художника в его начинаниях с цветовыми экспериментами и поиском «антилогичной» гармонии, на первое место в которой вставали бы чувства, а не сюжет. Но не все деятели искусства разделяли подобную точку зрения, что привело к расколу среди художников и созданию сообщества единомышленников–абстракционистов «Синий Всадник». Объединившись с художниками Августом Маке, Францом Марком и Робером Делане и, конечно, композитором Арнольдом Шенбергом, Кандинский наконец-то попадает в среду, способствующую переходу к полной абстракции в творчестве, поиску новых форм и цветовых сочетаний.

«Вообще цвет является средством, которым можно непосредственно влиять на душу. Цвет – это клавиш; глаз – молоточек; душа – многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу».

Невозможно спорить в этом утверждении с Кандинском, потому что множество современных исследований доказывает, что цвет влияет даже на наши примитивные желания и состояния: все знают, что красный цвет вызывает аппетит, зеленый успокаивает, а желтый добавляет нам бодрости и энергии. А сочетая разные цвета и формы в картине, можно повлиять и на более глубокие чувства. Этого и хотел добиться великий художник. Эксперименты Кандинского повлияли на многих художников начала XX века, в том числе на Пауля Клее, который до знакомства с основателем «Синего Всадника» был графиком, избегающем разноцветья в своих картинах, а после был известен благодаря своим нежным, в каком-то смысле наивным акварелям. Швейцарец разделял любовь абстракциониста к музыке и его мысль о том, что искусство должно вызывать сильные эмоции, помогать человеку слушать внутреннее «я» и обретать понимание процессов, происходящих в окружающей среде.

«Искусство не воспроизводит видимое, но делает видимым то, что не всегда таковым является». (с) Пауль Клее

Именно с таким посылом начинает писать свои картины Кандинский после 1911 года. Например, в нашей Третьяковской галерее можно увидеть одно из самых значимых и масштабных произведений художника, написанное в 1913 году, – «Композиция VII ». Художник не дает никаких подсказок к сюжету: на картине есть только цвет и форма, распределившиеся на огромном полотне (работа считается самой большой из всего творчества Кандинского – 2х3м). Масштаб позволил разместить на картине различные по интенсивности и цветовому решению фрагменты: остроугольные, тонкие, в основном темные элементы в центре и более плавные формы и нежные цвета по периметру позволяют нам испытать разные ощущения, глядя на одну и ту же картину. Мрачные тона справа контрастируют со светом на этом полотне, окружности с нечеткими краями рассекаются жесткими прямыми линиями. Композиции Кандинского – это сочетание несочетаемого, поиск гармонии в хаосе, это произведения, скорее похожие на музыку, так как являются наиболее абстрактными. Именно эти произведения считаются главными проводниками философии художника и кульминацией всего его творчества.

Также понимая, что большинству людей нужны подсказки для осознания его искусства, Кандинский продолжает писать свои «Импровизации», в которых прослеживается тонкая (а в отдельных произведениях и достаточно явная) нить, связывающая абстракцию с реальностью, благодаря конкретным элементам. Например, на нескольких картинах мы можем увидеть изображения лодок и кораблей: этот мотив появляется, когда художник хочет рассказать нам о том, как человек сражается с окружающим миром, словно парусные суда сопротивляются волнам и стихии.

На некоторых картинах мы с трудом можем различить мачты, как, например, на картине «Импровизация 2 8 (Морской бой)», созданной в преддверии Первой мировой войны, в то время как на других полотнах образ судна виден с первого взгляда, как на «Импровизации 209», написанной в 1917 году, когда во всей России чувствовался дух революции.

Еще один частый элемент, встречающийся в «Импровизациях», – это всадники, характеризующие стремления людей. Образ воинов на лошадях имел особенное значение для Кандинского как человека, постоянно сражающегося с устоявшимися нормами и канонами ради своих убеждений. Не случайно в названии клуба творческих единомышленников абстракционистов присутствует эта аллегория.

В то время как «Композиции» Кандинского продуманы до мелочей, а расположение фигур и использование определенных цветов абсолютно сознательны, то при написании «Импровизаций» художник руководствовался процессами внутреннего характера, показывал свои внезапные бессознательные эмоции.

Заметные перемены в творческом пути Василия Кандинского происходят во время его возвращения в Москву в 1914 году. Как гражданин России художник был вынужден покинуть Германию во время войны и продолжить заниматься искусством на Родине. С 1914 по 1921 годы он жил в Москве и занимался продвижением своих идей в массы, сотрудничал с правительством в подготовке музейной реформы, развивал художественную педагогику и вдохновлялся родным городом.

«Москва: двойственность, сложность, высшая степень подвижности, столкновение и путаница отдельных элементов внешности… Эту внешнюю и внутреннюю Москву я считаю исходной точкой моих исканий. Москва - мой живописный камертон»

Во время пребывания в России художник метался между разными жанрами и даже изображал Москву достаточно детально (относительно всего своего творчества), а в какой-то момент вернулся и к импрессионистическим зарисовкам.

На всем творческом пути Василия Кандинского мы видим множество разных жанров, приемов и сюжетов. В один и тот же год художник мог создать и достаточно конкретное произведение с понятным широким массам смыслом, и полную абстракцию. Этот факт подчеркивает разносторонность его личности, стремление к новым знаниям и техникам и, конечно, постоянное развитие творческого гения внутри самого себя. Художник, учитель, ценитель музыки, писатель и, конечно, философ мира искусства Василий Кандинский не оставляет равнодушным никого, потому что главной его задачей было заставить людей чувствовать, ощущать, испытывать эмоции. И он достиг этой цели благодаря тому культурному наследию, которое он оставил будущим поколениям.

Где увидеть картины Кандинского в России?

• Астраханская картинная галерея им. Б. М. Кустодиева
• Екатеринбургский музей изобразительных искусств
• Краснодарский краевой художественный музей им. Ф.А. Коваленко
• Красноярский музей изобразительных искусств
• Государственная Третьяковская галерея на крымском валу, Москва
• Государственный музей изобразительных искусств им. А.С.Пушкина, Москва
• Нижегородский государственный художественный музей
• Рязанский государственный областной художественный музей им. И.П. Пожалостина
• Государственный Эрмитаж, Главный штаб, Санкт-Петербург
• Русский Музей, Санкт-Петербург
• Музейный комплекс Тюменской области

Знаменитый создатель легендарного «Синего всадника» обратился к сфере искусств относительно поздно - в возрасте около 30 лет, что не помешало ему достичь значительных высот, став одним из создателей абстракционизма, основателем многочисленных художественных объединений и педагогом в Высшей школе строительства и художественного конструирования, более известной как Баухаус.

Кандинский происходил из оригинального купеческого сибирского рода, где причудливо смешалась кровь тунгусских князей с древнейшей родословной, не менее старинного княжеского рода манси и каторжников, сосланных в Нерчинск за Бог весть какие провинности.

В детстве будущего художника его семейство много путешествовало по Европе и территории России, а затем поселилось в Одессе, которая тогда была третьим по значимости городом Российской империи. В этом чудесном южном городе Василий закончил гимназию, а также получил музыкальное и художественное образование. Несмотря на несомненное дарование мальчика, родители прочили ему карьеру юриста, что он и воплотил в жизнь, учась с перерывами в Московском университете.

Однако настоящая жизнь Кандинского как художника начинается с выставки импрессионистского искусства в Москве 1895 года, где его в самое сердце поразила работа Клода Моне. В следующем году он уезжает в Мюнхен, где погружается в среду экспрессионизма, но начало Первой Мировой войны прерывает его становление и он возвращается на родину. Но с Советской Россией ему не по пути, и Василий Васильевич в 1921 году навсегда покидает родные пенаты. Он уезжает в Германию, откуда через некоторое время вместе с женой бежит во Францию от нацистов, закрывших Баухаус и признающих только собственное, глубоко формализованное и статичное искусство. В принявшей его стране он получает гражданство, становится известным и живет всю свою оставшуюся жизнь.

За годы своего творчества Кандинский основал объединение «Фаланга», школу, участвовал в «Бубновом валете», затем заложил Новое мюнхенское художественное объединение, а позже - и знаменитый «Синий всадник».

В начале своей художественной карьеры мастер работал в реалистичной и частично абстрактной манере, экспериментировал с формами и цветом, писал на стекле.

Начав преподавательскую деятельность, Кандинский вскоре стал видным теоретиком абстракционизма и Баухауса. Его самые известные полотна - это «Москва», «Восток», «Колебание» и «Композиция», однако их очень много и каждое из них имеет полное право называться настоящим шедевром. Его картины исключительно интересно рассматривать, возникает ощущение, что с каждой точки зрения в них открывается что-то новое и необычное.

К сожалению, пришедшие к власти фашисты успели уничтожить множество работ Василия Васильевича, как и других талантливых мастеров, причисленных к категории «дегенеративного искусства». Но и оставшихся полотен нам достаточно, чтобы понимать, каким великим талантом был Кандинский. Скончался мастер в 1944 году в Нейи, пригороде Парижа.

«Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу».

Художник на фоне картины «Маленькие радости». 1913 год

В 1900-м Кандинский поступил в Мюнхенскую академию живописи, в класс Франца фон Штука, одного из лучших немецких рисовальщиков. Учитель был доволен учеником, хотя и находил его палитру слишком яркой.

Активный, бьющий энергией Василий Кандинский как магнит притягивал к себе людей и как вирус заражал их своими идеями. Он организовал группировку «Фаланга», в которой сам устраивал выставки и сам преподавал. На одном из таких уроков и произошла встреча художника с ученицей Габриэлой Мюнтер, его второй женой.

С ней Кандинский путешествовал по Европе, посещал Америку и Россию. Затем вернулся в Баварию, поселился в Мурнау и продолжил эксперименты - писал экспрессионистские пейзажи окрестностей, пробовал себя в фовизме и абстракции.

Одесса. Порт. 1898. Государственная Третьяковская галерея

Ахтырка - Темное озеро. 1901. Мюнхен, Германия. Городская галерея в Лебаххаусе

Изар около Grosshessolohe. 1901. Мюнхен, Германия, Городская галерея в Ленбаххаусе

Синий всадник. 1903. Цюрих. Частная коллекция

«Синий всадник». 1911–1914

Так называлась картина, написанная Кандинским в 1903 году, альманах и художественное объединение, которые появились в 1911-м. Его вдохновители - друзья-художники Василий Кандинский и Франц Марк. Теперь «акцент делался на выявлении ассоциативных свойств цвета, линии и композиции, а привлекались при этом столь различные источники, как романтическая теория цвета Гете и Филиппа Рунге, югендстиль и теософия Рудольфа Штайнера» , - писал живописец.

Мастерская художника стала научной лабораторией, в которой ставились опыты, ради получения нового знания. Не будем забывать, что Кандинский был ученым и поиск истины, взаимосвязь современных теорий и современного искусства были очень важны для него. Эти опыты вылились в книгу Кандинского «О духовном в искусстве» - первый труд художника, посвященный абстракции.

«Живопись есть искусство, и искусство в целом не есть бессмысленное созидание произведений, расплывающихся в пустоте, а целеустремленная сила; она призвана служить развитию и совершенствованию человеческой души… Живопись - это язык, который формами, лишь ему одному свойственными, говорит нашей душе о ее хлебе насущном».

В. Кандинский. «О духовном в искусстве»

Кандинский и революция. 1914–1921

С началом Первой мировой войны Кандинский расстается с Габриэлой Мюнтер и переезжает в Москву. Здесь в 1916 году он встречает Нину Андреевскую, свою третью жену. В послереволюционной России у Кандинского много дел: он сотрудничал с ИЗО Наркомпроса, создавал музеи современного искусства в 22 городах провинции, преподавал в «Свободных мастерских» и ВХУТЕМАСе.

Однако учение Кандинского в штыки восприняли конструктивисты Варвара Степанова, Александр Родченко и Любовь Попова, ставившие во главу угла рациональный подход. Живописец критиковал их в ответ: «Если художник использует абстрактные средства выражения, это еще не означает, что он абстрактный художник. Это даже не означает, что он художник. Форма без содержания не рука, но пустая перчатка, заполненная воздухом» .

Проникновение социалистической идеологии в искусство Кандинскому не по душе. В декабре 1921 года он отбыл с женой в Берлин для организации там отделения Российской академии художественных наук. И больше в Россию не возвращался.

Мурнау. Сад. 1909. Швейцария, коллекция Мерцбахера

Картина с тремя пятнами.1914. Мадрид, Испания. Коллекция баронессы Тиссен

Смутное. 1917. Государственная Третьяковская галерея

Белая линия. 1920. Кёльн, Германия. Музей Людвига

Баухаус. 1922–1932

Вальтер Гропиус, основатель Высшей школы строительства и художественного конструирования (Баухаус), пригласил Кандинского возглавить мастерскую настенной живописи. Одновременно с преподаванием Василий Васильевич выпускает книгу «Точка и линия на плоскости», участвует в выставках в США и там же читает лекции.

В его живописи появляется больше геометрии, особенно кругов: «Круг, который я использую в последнее время столь часто, можно назвать не иначе как романтическим. И нынешняя романтика существенно глубже, прекраснее, содержательнее и благотворнее: она - кусок льда, в котором пылает огонь. И если люди чувствуют только холод и не чувствуют огня - тем хуже для них…»

В 1932 году пришедшие к власти в Германии национал-социалисты закрыли Баухаус - и чета Кандинских переехала во Францию.

Парижские годы. 1933–1944

Парижские мастера живописи восприняли приезд Кандинского весьма прохладно, поскольку не любили, во-первых, иностранцев, а во-вторых, абстракционизм. Поэтому художник общается только с друзьями и продолжает экспериментировать с кистью в руках. Краски на его картинах бледнеют, а формы становятся биоморфнее. Публика и коллеги по цеху не понимали и не принимали его искусство, но Кандинский оставался верен себе: «Абстрактное искусство создает рядом с «реальным» новый мир, с виду ничего общего не имеющий с «действительностью». Внутри он подчиняется общим законам «космического мира». Так, рядом с «миром природы» появляется новый «мир искусства» - очень реальный, конкретный мир. Поэтому я предпочитаю так называемое «абстрактное искусство» называть конкретным искусством» .

Еще в 1910-е годы Кандинский создал четыре сценические композиции: «Зеленый звук», «Фиолетовый занавес», «Черный и белый» и «Желтый звук». Последняя считалась самой значительной и интересной. Ее либретто было опубликовано в альманахе «Синий всадник» в 1912 году.

В 1914-м Кандинский вместе с композитором Фомой Гартманом занимался подготовкой постановки «Желтого звука» в Мюнхене. По его замыслу, композиция гармонично соединяла музыку, цвет, пластику и слово, то есть оркестр, цветные проекторы, пантомиму и певцов. Но Первая мировая война нарушила планы Кандинского. Впервые это произведение было поставлено лишь 12 мая 1972 года в Музее Гуггенхайма.