نقاشی فلاندری. رنگ آمیزی نقاشی های هنرمندان مشهور: رازهای تکنیک رنگ روغن آدریان بروور و دیوید تنیرز

روش های نقاشی فلاندری و ایتالیایی

تکنیک های فلاندری و ایتالیایی متعلق به نقاشی رنگ روغن است. در گرافیک کامپیوتری، این دانش می تواند به شما کمک کند تا راه خلاقانه خود را برای کار روی یک تصویر پیدا کنید.

A. Arzamastsev

روش روغن ایتالیایی

تیتیان، تینتورتو، ال گرکو، ولازکز، روبنس، ون دایک، اینگرس، روکوتوف، لویتسکی و بسیاری از نقاشان دیگری که می‌شناسید، آثار خود را به روشی مشابه بر روی آثار خود ساخته‌اند. این به ما امکان می دهد از فناوری نقاشی آنها به عنوان یک روش واحد صحبت کنیم که برای مدت طولانی - از قرن شانزدهم تا پایان قرن نوزدهم - مورد استفاده قرار می گرفت.
بسیاری از هنرمندان را از ادامه استفاده از روش فلاندری منع می کرد، بنابراین این روش به شکل خالص خود در ایتالیا دوام زیادی نداشت. پیش از این در قرن شانزدهم، محبوبیت روزافزون نقاشی سه پایه نیازمند مهلت‌های کوتاه‌تری برای اجرای سفارش‌ها با ساده‌سازی تکنیک نوشتن بود. این روش به هنرمند اجازه بداهه نوازی در حین کار را نمی داد، زیرا طراحی و ترکیب بندی با روش فلاندری قابل تغییر نیست. ثانیاً، در ایتالیا، در کشوری با نورپردازی روشن و متنوع، وظیفه جدیدی به وجود آمد - انتقال تمام غنای جلوه های روشنایی، که تعبیر خاصی از رنگ و انتقال عجیب نور و سایه را از پیش تعیین کرد. علاوه بر این، در این زمان، پایه جدیدی برای نقاشی، بوم، بیشتر مورد استفاده قرار گرفته بود. در مقایسه با چوب سبک تر، ارزان تر بود و امکان افزایش اندازه کار را فراهم می کرد. اما روش فلاندری که به سطحی کاملا صاف نیاز دارد، نوشتن روی بوم بسیار دشوار است. یک روش جدید، به نام محل پیدایش آن، ایتالیایی، حل همه این مشکلات را ممکن کرد.
علیرغم این واقعیت که روش ایتالیایی مجموعه ای از فنون است که برای هر هنرمند به طور جداگانه مشخص می شود (و توسط استادان مختلفی مانند روبنس و تیتیان استفاده شده است)، ما می توانیم تعدادی از ویژگی های مشترک را تشخیص دهیم که این تکنیک ها را در یک سیستم ترکیب می کند.
شروع یک رویکرد جدید به نقاشی به زمانی برمی گردد که زمینه های رنگی ظاهر شد. زمین سفید با نوعی رنگ شفاف پوشانده شد و متعاقباً گچ و گچ زمین سفید با رنگدانه های مختلف رنگارنگ، اغلب خاکستری خنثی یا قرمز مایل به قهوه ای جایگزین شد. این نوآوری به طور قابل توجهی کار را تسریع کرد، زیرا بلافاصله یا تیره ترین یا میانی ترین لحن تصویر را می داد و همچنین رنگ کلی کار را تعیین می کرد. طراحی با روش ایتالیایی روی خاک های رنگی با زغال چوب یا گچ اعمال می شد، سپس طرح کلی با نوعی رنگ معمولاً قهوه ای ترسیم می شد. بسته به رنگ خاک شروع به رنگ آمیزی زیر کرد. ما در اینجا به برخی از گزینه های رایج تر نگاه خواهیم کرد.
اگر زمین به رنگ خاکستری متوسط ​​گرفته می شد، تمام سایه ها و پارچه های تیره رنگ با رنگ قهوه ای رنگ آمیزی می شدند - نقاشی نیز با آن مشخص شده بود. نورها با رنگ سفید خالص اعمال شدند. وقتی زیر نقاشی خشک شد، شروع به رنگ آمیزی کردند و نور را به رنگ های طبیعت تجویز کردند و رنگ خاکستری زمین را به صورت نیم تنه باقی گذاشتند. تصویر یا در یک مرحله رنگ آمیزی شد و سپس رنگ بلافاصله با قدرت کامل گرفته شد یا با لعاب و نیمه لعاب برای آماده سازی کمی سبک تر به پایان رسید.
هنگامی که یک پرایمر کاملاً تیره گرفته می شد، رنگ آن در سایه باقی می ماند و نقاط برجسته و میانی با رنگ مشکی با رنگ سفید رنگ آمیزی می شد و آنها را روی پالت مخلوط می کرد و در روشن ترین مکان ها لایه رنگ به ویژه خمیری اعمال می شد. نتیجه یک تصویر بود، در ابتدا همه به یک رنگ، به اصطلاح "grisaille" (از gris فرانسوی - خاکستری) نقاشی شده بود. پس از خشک شدن، گاهی اوقات چنین آماده سازی را خراش می دادند و سطح را صاف می کردند، سپس تصویر با لعاب های رنگی به پایان می رسید.
در مورد استفاده از پرایمر رنگ فعال، رنگ آمیزی زیر اغلب با رنگ انجام می شد که با رنگ آستر، رنگی خنثی می داد. این امر برای تضعیف اثر بیش از حد قوی رنگ آستر بر روی لایه های بعدی رنگ در برخی نقاط ضروری بود. در همان زمان، از اصل رنگ های مکمل استفاده شد - به عنوان مثال، روی یک زمین قرمز، آنها آن را به رنگ سبز مایل به خاکستری رنگ کردند.

توجه داشته باشید.
1 اصل رنگ های مکمل در قرن نوزدهم به طور علمی اثبات شد، اما مدت ها قبل از آن توسط هنرمندان استفاده می شد. بر اساس این اصل، سه رنگ ساده وجود دارد - زرد، آبی و قرمز. با مخلوط کردن آنها سه رنگ ترکیبی به دست می آید - سبز، بنفش و نارنجی. رنگ مرکب مکمل ساده مقابل است، یعنی از اختلاط آنها یک تن خاکستری خنثی به دست می آید. بررسی اینکه آیا قرمز و سبز، آبی و نارنجی، بنفش و زرد را با هم مخلوط می کنید بسیار آسان است.

روش ایتالیایی شامل دو مرحله کار است: مرحله اول - روی الگو و فرم، و پر نور ترین مکان ها همیشه با یک لایه متراکم تر تجویز می شد، دوم - روی رنگ با استفاده از لایه های رنگ شفاف. این اصل با کلماتی که به هنرمند Tintoretto نسبت داده می شود به خوبی نشان داده می شود. او گفت که از بین همه رنگ ها سیاه و سفید را بیشتر دوست دارد، زیرا اولی به سایه ها قدرت می بخشد و دومی - تسکین فرم ها، در حالی که بقیه رنگ ها را همیشه می توان در بازار ریالتو خرید.
تیتین را می توان پایه گذار روش ایتالیایی نقاشی دانست. بسته به
از وظایف محول شده، او از خاک خاکستری تیره یا قرمز خنثی استفاده می کرد. گریسای نقاشی های خود را بسیار خمیری رنگ می کرد، زیرا او بافت زیبا را دوست داشت. مشخصه برای او استفاده از تعداد زیاد رنگ نیست. تیتیان گفت: کسی که می خواهد نقاش شود نباید بیش از سه رنگ سفید، سیاه و قرمز بداند و با علم از آنها استفاده کند. او با کمک این سه رنگ، نقاشی بدن انسان را تقریباً به پایان رساند. او رنگ های طلایی-اخری از دست رفته را با لعاب اعمال کرد.
ال گرکو از تکنیک عجیبی استفاده کرد. او روی زمین سفید با خطوط سخت پر انرژی طراحی کرد. سپس یک لایه شفاف از عصاره سوخته اعمال کردم. پس از خشک شدن این آماده، او شروع به تجویز نور و نیم‌تون‌هایی با رنگ سفید کرد و پس‌زمینه قهوه‌ای دست‌نخورده‌ای را در سایه‌ها باقی گذاشت. او با این تکنیک به سایه مروارید خاکستری در نیم تن ها دست یافت که آثارش به آن شهرت دارند و با ترکیب رنگ ها روی یک پالت نمی توان به آن دست یافت. نقاشی بیشتر بر روی یک زیر نقاشی خشک انجام شد. چراغ ها به طور گسترده و خمیری، تا حدودی سبک تر تجویز می شدند،
نسبت به نقاشی تمام شده تصویر با لعاب های شفاف تکمیل شد که به رنگ ها و سایه ها عمق می داد.
تکنیک نقاشی ال گرکو نوشتن سریع و با مصرف کم رنگ را ممکن کرد و همین امر امکان استفاده از آن را در آثار با اندازه بزرگ فراهم کرد.
از نظر تکنولوژی، شیوه رامبراند بسیار جالب است. این بیانگر تفسیری فردی از روش ایتالیایی است و تأثیر زیادی بر هنرمندان سایر مکاتب داشته است.
رامبراند روی زمین های خاکستری تیره نقاشی می کرد. او تمام فرم های نقاشی ها را با رنگ شفاف قهوه ای تیره آماده کرد. با این قهوه ای
در آماده سازی بدون گریسای در یک مرحله به صورت بی تاب نقاشی می کرد یا در جاهایی رنگ سفیدتر می گرفت تا کار را با لعاب کامل کند. به لطف این تکنیک، هیچ سیاهی در آن وجود ندارد، اما عمق و هوا بسیار زیاد است. همچنین فاقد تن های سرد مشخصه آثاری است که روی زمین خاکستری بدون آستر گرم اجرا می شوند.
سنت های نقاشی ایتالیایی نیز توسط هنرمندان روسی قرن 18 و 19 به عاریت گرفته شد. روی خاک‌های تیره و قهوه‌ای، با رنگ‌آمیزی خاکستری، که در نیم‌تن‌ها باقی می‌ماند، A. Matveev نوشت، V. Borovikovsky - روی خاکستری، و K. Bryullov - روی خاک قهوه‌ای تیره. جالب هست
A. Ivanov از این تکنیک در برخی از مطالعات خود استفاده کرد. او آنها را روی مقوای نازک قهوه‌ای روشن اجرا کرد که با یک پرایمر روغنی شفاف ساخته شده از چوب طبیعی با خاک سبز پوشیده شده بود. او طرح را با سینا سوخته ترسیم کرد و روی آماده‌سازی سبز مایل به قهوه‌ای را با گریسای بسیار مایع نقاشی کرد و از رنگ زمین به عنوان تیره‌ترین رنگ استفاده کرد. کار با لعاب به پایان رسید.
لازم به ذکر است که روش ایتالیایی در کنار مزایایی مانند سرعت اجرا و قابلیت انتقال افکت های نوری پیچیده تر، دارای معایبی نیز می باشد. نکته اصلی حفظ نه چندان خوب اثر است. دلیل ش چیه؟ واقعیت این است که رنگ سفید، که معمولاً با آن رنگ آمیزی زیر انجام می شود، به مرور زمان قدرت پنهان خود را از دست می دهد و شفاف می شود. در نتیجه، رنگ تیره خاک از طریق آنها شروع به نشان دادن می کند، تصویر شروع به "سیاه شدن" می کند، گاهی اوقات نیمه رنگ ها روی آن ناپدید می شوند. از طریق ترک های لایه رنگ، رنگ زمین نیز نمایان می شود که به طور چشمگیری بر رنگ کلی تصویر تأثیر می گذارد.
هر روشی مزایا و معایب خاص خود را دارد. نکته اصلی این است که باید با وظیفه تعیین شده برای هنرمند مطابقت داشته باشد، و البته، هر روشی همیشه نیاز به استفاده مداوم و متفکرانه دارد.

روبنس پیتر پل

گزیده ای از کتاب D. I. Kiplik "تکنیک نقاشی"

روبنس به سبک ایتالیایی نقاشی مسلط بود، که در زمان اقامت در ایتالیا، تحت تأثیر اشتیاق به کارهای تیتیان، که او مطالعه و کپی می کرد، آموخت. در مورد اول روی یک پرایمر چسب سفید نوشتم که روغن کشیده نشده بود. روبنس برای اینکه سفیدی آن را خراب نکند، برای همه آثارش طرح ها و نقاشی ها می ساخت. روبنس سایه قهوه‌ای فلاندری سنتی نقاشی را با استفاده از رنگ شفاف قهوه‌ای روشن در کل ناحیه زمین سفید ساده کرد و نقاشی را روی آن منتقل کرد (یا دومی را به زمین سفید منتقل کرد) و پس از آن سایه‌های اصلی را گذاشت. و مکان هایی برای رنگ های محلی تیره (به استثنای آبی) همان رنگ قهوه ای شفاف، جلوگیری از افتادن در سیاهی. در رأس این آماده سازی، ثبت گریسای با حفظ سایه های تیره و سپس نقاشی با رنگ های محلی بود. اما بیشتر اوقات، با دور زدن گریسای، روبنس یک لا ریما را با تمامیت کامل، مستقیماً از آماده سازی قهوه ای و با استفاده از دومی نقاشی می کرد.
سومین نوع سبک نقاشی روبنس این بود که بر روی آماده سازی قهوه ای، نقاشی با رنگ های بلندتر محلی، یعنی رنگ های روشن تر، با آماده سازی نیم تن ها با رنگ خاکستری مایل به آبی انجام می شد که پس از آن لعاب دادن به دنبال آن بود. نورهای نهایی در بدنه اعمال شد.
روبنس که تحت تأثیر سبک نقاشی ایتالیایی قرار گرفته بود، بسیاری از آثار خود را در آن اجرا کرد، علاوه بر این، روی زمین های خاکستری روشن و تیره نقاشی کرد. برخی از طرح ها و کارهای ناتمام او بر روی زمین خاکستری روشن ساخته شده اند که از طریق آن زمین سفید از میان آن می درخشد. همین نوع آستر اغلب توسط نقاشان هلندی استفاده می شد، به استثنای تنیرز که همیشه رنگ سفید را حفظ می کرد
خاک برای زمین خاکستری از سرب سفید، رنگ مشکی، اخرای قرمز و کمی خاکستری استفاده شده است. روبنس از رنگ های خیلی خمیری اجتناب می کرد و از این نظر همیشه یک فلمینگ باقی می ماند.
دغدغه همیشگی روبنس حفظ گرما و شفافیت در سایه ها بود، به همین دلیل هنگام کار در سایه، رنگ سفید یا سیاه را مجاز نمی دانست. روبنس با کلمات زیر نسبت داده می شود که او دائماً شاگردان خود را با آنها خطاب می کرد:
«به آرامی سایه‌های خود را رنگ آمیزی کنید، از وارد کردن حتی مقدار ناچیزی از رنگ سفید به آنها اجتناب کنید: رنگ سفید سم نقاشی است و فقط در هایلایت قابل معرفی است. هنگامی که رنگ سفید شفافیت، رنگ طلایی و گرمای سایه های شما را شکست، نقاشی شما دیگر سبک نخواهد بود، بلکه سنگین و خاکستری می شود. وضعیت در مورد چراغ ها کاملاً متفاوت است. در اینجا رنگ ها را می توان در صورت لزوم در بدن اعمال کرد، اما لازم است که تن ها را تمیز نگه دارید. این امر با قرار دادن هر تن در جای خود، قرار دادن آنها در کنار یکدیگر به گونه ای حاصل می شود که با حرکت جزئی قلم مو، می توان آنها را بدون ایجاد مزاحمت، اما خود رنگ ها، محو کرد. پس از آن می توانید چنین نقاشی را با ضربات نهایی قاطع، که بسیار مشخصه استادان بزرگ است، پشت سر بگذارید.
روبنس اغلب آثار خود را حتی در اندازه های بزرگ، روی چوب با زمینی بسیار صاف می ساخت که حتی برای اولین بار رنگ ها به خوبی روی آن قرار می گرفتند و این نشان می دهد که چسب رنگ های روبنس دارای ویسکوزیته و چسبندگی قابل توجهی بوده است که رنگ های مدرن را به خوبی نشان می دهد. یک روغن.
آثار روبنس نیازی به پوشش نهایی لاک نداشتند و به سرعت خشک شدند.

روش رنگ روغن فلاندرز.

در اینجا آثار هنرمندان رنسانس: یان ون ایک، پتروس کریستوس، پیتر بروگل و لئوناردو داوینچی وجود دارد. این آثار نویسندگان مختلف و از نظر طرح متفاوت با یک روش نوشتن - روش نقاشی فلاندری - متحد می شوند. از نظر تاریخی، این اولین روش کار با رنگ روغن است و افسانه ها اختراع آن و همچنین اختراع خود رنگ ها را به برادران ون ایک نسبت می دهند. روش فلاندری نه تنها در شمال اروپا محبوب بود. به ایتالیا آورده شد، جایی که تمام هنرمندان بزرگ رنسانس تا تیسیان و جورجیونه به آن متوسل شدند. این عقیده وجود دارد که هنرمندان ایتالیایی مدت ها قبل از برادران ون ایک آثار خود را به این روش نقاشی می کردند. ما به تاریخ نخواهیم پرداخت و روشن خواهیم کرد که چه کسی اولین کسی بود که آن را اعمال کرد، اما سعی خواهیم کرد در مورد خود روش صحبت کنیم.
مطالعات مدرن آثار هنری به ما این امکان را می دهد که به این نتیجه برسیم که نقاشی استادان قدیمی فلاندری همیشه بر روی زمین چسبنده سفید انجام می شده است. رنگ ها در یک لایه لعاب نازک و به گونه ای اعمال می شدند که نه تنها تمام لایه های نقاشی، بلکه رنگ سفید زمین که از طریق رنگ نیمه شفاف، تصویر را از داخل روشن می کند، در ایجاد آن شرکت داشتند. اثر تصویری کلی همچنین فقدان قابل توجه است
او در نقاشی سفید کاری می کرد، به استثنای مواردی که لباس های سفید یا پرده ها رنگ می شد. گاهی اوقات آنها هنوز در قوی ترین نورها یافت می شوند، اما حتی در آن زمان فقط به شکل نازک ترین لعاب ها.
تمام کارهای روی تصویر به ترتیب دقیق انجام شد. با طراحی روی کاغذ ضخیم به اندازه تصویر آینده شروع شد. معلوم شد به اصطلاح "مقوا". نمونه ای از این مقواها، طراحی لئوناردو داوینچی برای پرتره ایزابلا d'Este است.
مرحله بعدی کار انتقال الگو به زمین است. برای انجام این کار، آن را با یک سوزن در امتداد کل کانتور و مرزهای سایه ها سوراخ کردند. سپس مقوا را روی یک پرایمر صیقلی سفید که روی تخته اعمال می شود قرار می دهند و نقاشی به پودرهای زغال چوب منتقل می شود. زغال چوب با افتادن در سوراخ های ساخته شده در مقوا، خطوط نوری الگو را بر اساس تصویر باقی می گذارد. برای رفع آن، ردی از زغال سنگ با مداد، خودکار یا نوک تیز قلم مو ترسیم شد. در این مورد یا از جوهر یا نوعی رنگ شفاف استفاده می شد. هنرمندان هرگز مستقیماً روی زمین نقاشی نمی‌کشیدند، زیرا می‌ترسیدند سفیدی آن را از بین ببرند، که همانطور که قبلاً ذکر شد، نقش سبک‌ترین لحن را در نقاشی داشت.
پس از انتقال نقاشی، آنها شروع به سایه زدن با رنگ قهوه ای شفاف کردند و مطمئن شدند که زمین همه جا از لایه آن می درخشد. سایه زدن با تمپر یا روغن انجام می شد. در حالت دوم، برای اینکه چسب رنگ ها جذب خاک نشود، آن را با یک لایه چسب اضافی می پوشانند. در این مرحله از کار، هنرمند تقریباً تمام وظایف تصویر آینده را به استثنای رنگ حل کرد. در آینده هیچ تغییری در طراحی و ترکیب بندی ایجاد نشد و قبلاً در این شکل کار یک اثر هنری بود.
گاهی اوقات، قبل از اتمام یک تصویر رنگی، کل نقاشی به اصطلاح «رنگ‌های مرده» یعنی رنگ‌های سرد، روشن و کم‌شدت آماده می‌شد. این آماده سازی لایه نهایی لعاب رنگ ها را به خود اختصاص داد و به کمک آن به کل کار جان بخشیدند.
البته یک طرح کلی از روش نقاشی فلاندری ترسیم کرده ایم. طبیعتاً هر هنرمندی که از آن استفاده می‌کرد، چیزی از خودش به همراه داشت. به عنوان مثال، ما از زندگی نامه هنرمند هیرونیموس بوش می دانیم که او با استفاده از روش ساده فلاندری یکباره نقاشی کرده است. در عین حال نقاشی های او بسیار زیبا هستند و رنگ ها به مرور زمان تغییر رنگ نداده اند. او مانند همه معاصران خود، زمینی سفید و نه ضخیم آماده کرد که دقیق ترین نقاشی را روی آن منتقل کرد. من آن را با رنگ تمپر قهوه ای سایه زدم، پس از آن تصویر را با یک لایه لاک رنگی گوشتی شفاف پوشاندم، که پرایمر را از نفوذ روغن از لایه های رنگ بعدی جدا می کند. پس از خشک شدن تصویر، باقی ماند تا پس زمینه با لعاب برای زنگ های قبلاً ساخته شده تجویز شود و کار به پایان رسید. فقط گاهی اوقات برخی مکان ها با لایه دوم برای افزایش رنگ تجویز می شدند. پیتر بروگل آثار خود را به شیوه ای مشابه یا بسیار نزدیک نوشته است.
تنوع دیگری از روش فلاندری را می توان در آثار لئوناردو داوینچی مشاهده کرد. اگر به کار ناتمام او، ستایش مجوس، نگاه کنید، می بینید که در زمین سفید شروع شده است. نقاشی ترجمه شده از مقوا با رنگ شفاف مانند زمین سبز ترسیم شده بود. نقاشی با یک رنگ قهوه ای، نزدیک به قهوه ای، از سه رنگ تشکیل شده است: سیاه، مداد رنگی و اخرایی قرمز. کل کار سایه زده است، زمین سفید هیچ جا نانوشته باقی نمانده است، حتی آسمان با همان لحن قهوه ای آماده شده است.
در کارهای تمام شده لئوناردو داوینچی، نورها به لطف زمین سفید به دست می آیند. او پس‌زمینه آثار و لباس‌ها را با نازک‌ترین لایه‌های شفاف رنگ روی هم می‌کشید.
لئوناردو داوینچی با استفاده از روش فلاندری توانست به رندر فوق العاده ای از کیاروسکورو دست یابد. در عین حال، لایه جوهر با یکنواختی و ضخامت بسیار کم مشخص می شود.
روش فلاندری برای مدت کوتاهی توسط هنرمندان مورد استفاده قرار گرفت. بیش از دو قرن به شکل خالص خود وجود نداشت، اما بسیاری از آثار بزرگ به این ترتیب خلق شدند. علاوه بر استادان ذکر شده، آنها توسط هنرمندان Holbein، Dürer، Perugino، Rogier van der Weyden، Clouet و دیگر هنرمندان مورد استفاده قرار گرفتند.
نقاشی های ساخته شده به روش فلاندری به خوبی حفظ شده است. ساخته شده بر روی تخته های چاشنی، خاک جامد، آنها به خوبی در برابر آسیب مقاومت می کنند. فقدان مجازی سفیدکاری در لایه تصویری که هر از چند گاهی قدرت پنهان خود را از دست می دهد و در نتیجه رنگ کلی اثر را تغییر می دهد، باعث شد تا نقاشی ها را تقریباً به همان شکلی ببینیم که از کارگاه های سازندگانشان مست شده اند.
شرایط اصلی که باید هنگام استفاده از این روش رعایت شود، ترسیم دقیق، بهترین محاسبه، ترتیب صحیح کار و صبر زیاد است.

مطالعات مدرن آثار هنری به ما این امکان را می دهد که به این نتیجه برسیم که نقاشی استادان قدیمی فلاندری همیشه بر روی زمین چسبنده سفید انجام می شده است. رنگ ها در یک لایه لعاب نازک و به گونه ای اعمال می شدند که نه تنها تمام لایه های نقاشی، بلکه رنگ سفید زمین که از طریق رنگ نیمه شفاف، تصویر را از داخل روشن می کند، در ایجاد آن شرکت داشتند. اثر تصویری کلی همچنین عدم وجود عملی رنگ سفید در نقاشی قابل توجه است، به استثنای مواردی که لباس های سفید یا پرده ها رنگ می شدند. گاهی اوقات آنها هنوز در قوی ترین نورها یافت می شوند، اما حتی در آن زمان فقط به شکل نازک ترین لعاب ها.

تمام کارهای روی تصویر به ترتیب دقیق انجام شد. با طراحی روی کاغذ ضخیم به اندازه تصویر آینده شروع شد. معلوم شد به اصطلاح "مقوا". نمونه ای از این مقواها، طراحی لئوناردو داوینچی برای پرتره ایزابلا d'Este است.

مرحله بعدی کار انتقال نقاشی به زمین است. برای انجام این کار، آن را با یک سوزن در امتداد کل کانتور و مرزهای سایه ها سوراخ کردند. سپس مقوا را روی یک پرایمر صیقلی سفید که روی تخته اعمال می شود قرار داده و نقاشی را با پودر زغال چوب منتقل می کنیم. با وارد شدن به سوراخ های ساخته شده در مقوا، زغال چوب یک طرح کلی از الگوی بر اساس تصویر به جا گذاشت. برای رفع آن، ردی از زغال سنگ با مداد، خودکار یا نوک تیز قلم مو ترسیم شد. در این مورد یا از جوهر یا نوعی رنگ شفاف استفاده می شد. هنرمندان هرگز مستقیماً روی زمین نقاشی نمی‌کشیدند، زیرا می‌ترسیدند سفیدی آن را به هم بزنند، همانطور که قبلاً ذکر شد، نقش روشن‌ترین لحن را در نقاشی داشت.

پس از انتقال نقاشی، آنها شروع به سایه زدن با رنگ قهوه ای شفاف کردند و مطمئن شدند که زمین همه جا از لایه آن می درخشد. سایه زدن با تمپر یا روغن انجام می شد. در حالت دوم، برای اینکه چسب رنگ ها جذب خاک نشود، آن را با یک لایه چسب اضافی می پوشانند. در این مرحله از کار، هنرمند تقریباً تمام وظایف تصویر آینده را به استثنای رنگ حل کرد. در آینده هیچ تغییری در طراحی و ترکیب بندی ایجاد نشد و قبلاً در این شکل کار یک اثر هنری بود.

گاهی اوقات، قبل از اتمام یک تصویر رنگی، کل نقاشی به اصطلاح «رنگ‌های مرده» یعنی رنگ‌های سرد، روشن و کم‌شدت آماده می‌شد. این آماده سازی لایه نهایی لعاب رنگ ها را به خود اختصاص داد و به کمک آن به کل کار جان بخشیدند.

لئوناردو داوینچی. "کارتن برای پرتره ایزابلا دی" استه.
زغال سنگ، سانگویین، پاستل. 1499.

البته یک طرح کلی از روش نقاشی فلاندری ترسیم کرده ایم. طبیعتاً هر هنرمندی که از آن استفاده می‌کرد، چیزی از خودش به همراه داشت. به عنوان مثال، ما از زندگی نامه هنرمند هیرونیموس بوش می دانیم که او با استفاده از روش ساده فلاندری یکباره نقاشی کرده است. در عین حال نقاشی های او بسیار زیبا هستند و رنگ ها به مرور زمان تغییر رنگ نداده اند. او مانند همه معاصران خود، زمین سفید نازکی را آماده کرد که دقیق ترین نقاشی را روی آن منتقل کرد. او آن را با رنگ تمپر قهوه ای سایه زد و پس از آن تصویر را با لایه ای از لاک شفاف به رنگ گوشت پوشاند که پرایمر را از نفوذ روغن از لایه های رنگ بعدی جدا می کند. پس از خشک شدن تصویر، باقی ماند تا پس زمینه با لعاب هایی از زنگ های از پیش ساخته شده ثبت شود و کار به پایان رسید. فقط گاهی اوقات برخی مکان ها با لایه دوم برای افزایش رنگ تجویز می شدند. پیتر بروگل آثار خود را به شیوه ای مشابه یا بسیار نزدیک نوشته است.

تنوع دیگری از روش فلاندری را می توان در آثار لئوناردو داوینچی مشاهده کرد. اگر به کار ناتمام او، ستایش مجوس، نگاه کنید، می بینید که در زمین سفید شروع شده است. نقاشی ترجمه شده از مقوا با رنگ شفاف مانند زمین سبز ترسیم شده بود. نقاشی با یک رنگ قهوه ای، نزدیک به قهوه ای، از سه رنگ تشکیل شده است: سیاه، مداد رنگی و اخرایی قرمز. کل کار سایه زده است، زمین سفید هیچ جا نانوشته باقی نمانده است، حتی آسمان با همان لحن قهوه ای آماده شده است.

در کارهای تمام شده لئوناردو داوینچی، نورها به لطف زمین سفید به دست می آیند. او پس‌زمینه آثار و لباس‌ها را با نازک‌ترین لایه‌های شفاف رنگ روی هم می‌کشید.

لئوناردو داوینچی با استفاده از روش فلاندری توانست به رندر فوق العاده ای از کیاروسکورو دست یابد. در عین حال لایه رنگ یکنواخت و بسیار نازک است.

روش فلاندری برای مدت کوتاهی توسط هنرمندان مورد استفاده قرار گرفت. بیش از دو قرن به شکل خالص خود وجود نداشت، اما بسیاری از آثار بزرگ به این ترتیب خلق شدند. علاوه بر استادانی که قبلاً ذکر شد، هنرمندان Holbein، Dürer، Perugino، Rogier van der Weyden، Clouet و سایر هنرمندان از آن استفاده کردند.

نقاشی های ساخته شده به روش فلاندری به خوبی حفظ شده است. ساخته شده بر روی تخته های چاشنی، خاک جامد، آنها به خوبی در برابر آسیب مقاومت می کنند. فقدان مجازی رنگ سفید در لایه تصویری که هر از چند گاهی قدرت پنهان خود را از دست می دهد و در نتیجه رنگ کلی اثر را تغییر می دهد، باعث شد که نقاشی ها را تقریباً به همان شکلی ببینیم که از کارگاه سازندگانشان بیرون آمده اند.

شرایط اصلی که باید در هنگام استفاده از این روش رعایت شود ترسیم دقیق، بهترین محاسبه، ترتیب صحیح کار و صبر زیاد است.

در این بخش می‌خواهم میهمانان خود را با تلاش‌های خود در زمینه تکنیک بسیار قدیمی نقاشی لایه‌ای که اغلب تکنیک نقاشی فلاندری نیز نامیده می‌شود آشنا کنم. با دیدن آثار استادان قدیمی، هنرمندان رنسانس: یان ون ایک، پیتر پل روبنس، به این تکنیک علاقه مند شدم.
پتروس کریستوس، پیتر بروگل و لئوناردو داوینچی. بی شک این آثار به ویژه از نظر تکنیک اجرا همچنان الگو هستند.
تجزیه و تحلیل اطلاعات در مورد این موضوع به من کمک کرد تا اصولی را برای خودم فرموله کنم که کمک می کند، اگر تکرار نشود، حداقل سعی کنم و به نوعی به آنچه تکنیک نقاشی فلاندری نامیده می شود نزدیک شوم.

پیتر کلاسز، طبیعت بی جان

در اینجا چیزی است که اغلب در مورد او در ادبیات و اینترنت نوشته می شود:
به عنوان مثال، چنین ویژگی در وب سایت http://www.chernorukov.ru/ به این فناوری داده شده است.

"از نظر تاریخی، این اولین روش کار با رنگ روغن است و افسانه ها اختراع آن و همچنین اختراع خود رنگ ها را به برادران ون ایک نسبت می دهند. مطالعات مدرن آثار هنری نشان می دهد که نقاشی فلاندرزهای قدیمی مسترها همیشه روی پرایمر چسب سفید کار می‌کردند، رنگ‌ها با یک لایه لعاب نازک اجرا می‌شد و به گونه‌ای بود که نه تنها تمام لایه‌های نقاشی، بلکه رنگ سفید زمین که شفاف از روی رنگ می‌شود، رنگ را روشن می‌کند. تصویر از داخل، در ایجاد جلوه تصویری کلی نقش داشته است.همچنین نکته قابل توجه فقدان عملی رنگ سفید در نقاشی است، به استثنای مواردی که لباس‌های سفید یا پارچه‌ها رنگ می‌شدند. گاهی اوقات هنوز در شدیدترین نور یافت می‌شوند، اما حتی در آن زمان فقط به شکل نازک‌ترین لعاب‌ها. تمام کارهای روی تصویر به ترتیب دقیق انجام می‌شد. با طراحی روی کاغذ ضخیم به اندازه تصویر آینده شروع شد. به این شکل به نام "مقوا" مشخص شد. نمونه ای از این مقواها شکل L است لئوناردو داوینچی برای پرتره ایزابلا d'Este. مرحله بعدی کار انتقال الگو به زمین است. برای انجام این کار، آن را با یک سوزن در امتداد کل کانتور و مرزهای سایه ها سوراخ کردند. سپس مقوا را روی یک پرایمر صیقلی سفید که روی تخته اعمال می شود قرار داده و نقاشی را با پودر زغال چوب منتقل می کنیم. با وارد شدن به سوراخ های ساخته شده در مقوا، زغال چوب یک طرح کلی از الگوی بر اساس تصویر به جا گذاشت. برای رفع آن، ردی از زغال سنگ با مداد، خودکار یا نوک تیز قلم مو ترسیم شد. در این مورد یا از جوهر یا نوعی رنگ شفاف استفاده می شد. هنرمندان هرگز مستقیماً روی زمین نقاشی نمی‌کشیدند، زیرا می‌ترسیدند سفیدی آن را به هم بزنند، همانطور که قبلاً ذکر شد، نقش روشن‌ترین لحن را در نقاشی داشت. پس از انتقال نقاشی، آنها شروع به سایه زدن با رنگ قهوه ای شفاف کردند و مطمئن شدند که زمین همه جا از لایه آن می درخشد. سایه زدن با تمپر یا روغن انجام می شد. در حالت دوم، برای اینکه چسب رنگ ها جذب خاک نشود، آن را با یک لایه چسب اضافی می پوشانند. در این مرحله از کار، هنرمند تقریباً تمام وظایف تصویر آینده را به استثنای رنگ حل کرد. در آینده هیچ تغییری در طراحی و ترکیب بندی ایجاد نشد و قبلاً در این شکل کار یک اثر هنری بود. گاهی اوقات، قبل از اتمام یک تصویر رنگی، کل نقاشی به اصطلاح «رنگ‌های مرده» یعنی رنگ‌های سرد، روشن و کم‌شدت آماده می‌شد. این آماده سازی لایه نهایی لعاب رنگ ها را به خود اختصاص داد و به کمک آن به کل کار جان بخشیدند.
نقاشی های ساخته شده به روش فلاندری به خوبی حفظ شده است. ساخته شده بر روی تخته های چاشنی، خاک جامد، آنها به خوبی در برابر آسیب مقاومت می کنند. فقدان مجازی رنگ سفید در لایه تصویری که هر از چند گاهی قدرت پنهان خود را از دست می دهد و در نتیجه رنگ کلی اثر را تغییر می دهد، باعث شد که نقاشی ها را تقریباً به همان شکلی ببینیم که از کارگاه سازندگانشان بیرون آمده اند.
شرایط اصلی که باید هنگام استفاده از این روش رعایت شود، ترسیم دقیق، بهترین محاسبه، ترتیب صحیح کار و صبر زیاد است.

اولین تجربه من البته طبیعت بی جان بود. من یک نمایش گام به گام از پیشرفت کار ارائه می دهم
لایه 1 امپریماتورا و طراحی جالب نیست، بنابراین از آن صرف نظر می کنم.
لایه 2 ثبت نام تخم طبیعی است

لایه سوم می تواند اصلاح و فشرده سازی لایه قبلی باشد یا یک "لایه مرده" ساخته شده با رنگ سفید و سیاه و اضافه کردن اخر، عرق سوخته و اولترامارین برای کمی گرما یا سردی.

لایه چهارم اولین و ضعیف ورود رنگ به تصویر است.

لایه 5 رنگ اشباع تری را معرفی می کند.

لایه ششم محل ثبت نهایی مشخصات می باشد.

لایه هفتم را می توان برای شفاف کردن لعاب ها، به عنوان مثال، برای "بی صدا کردن" پس زمینه استفاده کرد.

امروز می خواهم بیشتر به شما بگویم در مورد روش نقاشی فلاندری، که اخیراً در سری اول دوره خود مطالعه کردیم و همچنین می خواهم گزارش کوچکی از نتایج و روند یادگیری آنلاین خود را به شما نشان دهم.

در این دوره، من در مورد روش های باستانی نقاشی صحبت کردم، در مورد آغازگرها، لاک ها و رنگ ها، اسرار زیادی را که ما در عمل به کار بردیم، فاش کردم - ما یک طبیعت بی جان را بر اساس کار هلندی های کوچک نقاشی کردیم. از همان ابتدا، ما با در نظر گرفتن تمام تفاوت های ظریف تکنیک نقاشی فلاندری کار کرده ایم.

این روش جایگزین tempera که قبلا نوشته شده بود شد. اعتقاد بر این است که مانند اصول اولیه نقاشی رنگ روغن، این روش توسط هنرمند فلاندری توسعه داده شد رنسانس اولیه - یان ون ایک.اینجاست که نقاشی رنگ روغن تاریخ خود را آغاز می کند.

بنابراین. این روش نقاشی است که به گفته ون مندر توسط نقاشان فلاندر استفاده می شود:ون ایکی، دورر، لوک لیدن و پیتر بروگل. روش به شرح زیر است: روی یک زمین چسب سفید و صاف صیقلی، نقاشی با باروت یا به روش دیگری منتقل می شود که قبلاً در اندازه کامل به طور جداگانه روی کاغذ ("مقوا") اجرا می شد ، زیرا از کشیدن مستقیم روی زمین اجتناب می شد. تا سفیدی آن که در نقاشی فلاندری اهمیت زیادی داشت، بر هم نخورد.

سپس نقاشی با رنگ قهوه ای شفاف سایه زده شد تا زمین از طریق آن نمایان شود.

سایه زنی نام برده یا با مزاج ساخته شده استو سپس مانند حکاکی، با خط یا رنگ روغن انجام می شد، در حالی که کار با نهایت دقت انجام می شد و قبلاً به این شکل یک اثر هنری بود.

بر اساس طرحی که با رنگ روغن سایه زده شده بود، پس از خشک شدن، نقاشی را یا با نیم‌تن‌های سرد می‌نوشتند و به پایان می‌رسانند، سپس رنگ‌های گرم را اضافه می‌کنند (که ون ماندر آن را «تن‌های مرده» می‌گوید)، یا کار را با لعاب‌های رنگی در یک مرحله، نیمه تمام می‌کنند. پوسته پوسته شده، اجازه می دهد تا آماده سازی قهوه ای در رنگ های میانی و سایه ها بدرخشد. ما دقیقا از این روش استفاده کردیم.

فلمینگ ها همیشه رنگ ها را در لایه ای نازک و یکنواخت می زدند تا از شفافیت زمین سفید استفاده کنند و سطح صافی به دست آورند که در صورت لزوم می توان چندین بار روی آن لعاب زد.

با رشد مهارت تصویرگری هنرمندانروش های شرح داده شده در بالا دستخوش تغییرات یا ساده سازی هایی شده اند، هر هنرمند از روش خود کمی متفاوت از دیگران استفاده می کند.

اما اساس برای مدت طولانی ثابت باقی ماند: فلاندی ها همیشه روی زمین چسب سفید رنگ می کردند (که از رنگ ها روغن نمی کشید) , لایه نازکی از رنگ، به گونه ای که نه تنها تمام لایه های نقاشی، بلکه زمین سفید نیز که مانند منبع نوری بود که تصویر را از داخل روشن می کرد، در ایجاد جلوه تصویری کلی شرکت داشتند.

امید شما ایلینا.

او در تکنیک کیاروسکورو (نور-سایه) کار کرد که در آن تضاد متضادی بین نواحی تاریک تصویر و مناطق روشن وجود دارد. قابل ذکر است که حتی یک طرح از کاراواجو پیدا نشده است. او بلافاصله روی نسخه نهایی کار کار کرد.

نقاشی قرن هفدهم در ایتالیا، اسپانیا و هلند روندهای جدید را به عنوان نفس تازه ای گرفت. دی فیوری و جنتیلسکی ایتالیایی، ریبرا اسپانیایی، تربروگن و باربورن در تکنیک مشابهی کار کردند.
کارواگیسم همچنین تأثیر زیادی بر مراحل خلاقیت استادانی چون پیتر پل روبنس، ژرژ دو لاتور و رامبراند داشت.

بوم های حجیم کارواگیست ها با عمق و توجه به جزئیات شگفت زده می شود. بیایید بیشتر در مورد نقاشان هلندی که با این تکنیک کار کرده اند صحبت کنیم.

اولین ایده ها توسط هندریک تربروگن اتخاذ شد. او در آغاز قرن هفدهم از رم دیدن کرد و در آنجا با مانفردی، ساراسینی و جنتیلسکی ملاقات کرد. این هلندی بود که مکتب نقاشی اوترخت را با این تکنیک آغاز کرد.

توطئه های بوم ها واقع گرایانه هستند، آنها با طنز ملایم صحنه های به تصویر کشیده شده مشخص می شوند. تربروگن نه تنها لحظات فردی از زندگی معاصر خود را نشان داد، بلکه طبیعت گرایی سنتی را نیز بازاندیشی کرد.

Honthorst در توسعه مدرسه بیشتر پیش رفت. او به داستان های کتاب مقدس روی آورد، اما طرح را از دیدگاه روزمره هلندی های قرن هفدهم ساخت. بنابراین، در نقاشی های او تأثیر آشکار تکنیک کیاروسکورو را می بینیم. آثار او تحت تأثیر کارواژگان بود که او را در ایتالیا به شهرت رساند. برای صحنه های ژانر خود در نور شمع، او لقب "شب" را دریافت کرد.

برخلاف مکتب اوترخت، نقاشان فلاندری مانند روبنس و ون دایک به حامیان سرسخت کارواژیسم تبدیل نشدند. این سبک در آثار آنها تنها به عنوان مرحله ای جداگانه در شکل گیری یک سبک شخصی نشان داده شده است.

آدریان بروور و دیوید تنیرز

برای چندین قرن، نقاشی استادان فلاندری دستخوش تغییرات قابل توجهی شده است. ما بررسی خود را از هنرمندان از مراحل بعدی آغاز خواهیم کرد، زمانی که از نقاشی‌های یادبود فاصله گرفتیم و به موضوعاتی با تمرکز محدود روی آوردیم.

ابتدا بروور، و سپس تنیرز جوان، بر اساس صحنه هایی از زندگی روزمره مردم هلندی معمولی. بنابراین، آدریان، در ادامه انگیزه های پیتر بروگل، تا حدودی تکنیک نوشتن و تمرکز نقاشی هایش را تغییر می دهد.

روی غیرجذاب ترین جنبه زندگی تمرکز می کند. انواع بوم هایی که او در میخانه ها و میخانه های دودی و نیمه تاریک به دنبال آن است. با این وجود، نقاشی های بروور با بیان و عمق شخصیت هایشان شگفت زده می شوند. این هنرمند شخصیت های اصلی را در اعماق پنهان می کند و طبیعت های بی جان را در معرض دید قرار می دهد.

دعوا بر سر بازی تاس یا ورق، سیگاری خوابیده یا مستان رقصنده. این موضوعات بود که نقاش را مورد توجه قرار داد.

اما آثار بعدی بروور نرم می شوند، در آنها طنز بر غوغا و بی بند و باری غلبه دارد. اکنون بوم ها حاوی حالات فلسفی هستند و کندی شخصیت های متفکر را منعکس می کنند.

محققان می گویند که در قرن هفدهم، هنرمندان فلاندری در مقایسه با نسل قبلی استادان شروع به کوچک شدن کردند. با این حال، ما صرفاً شاهد گذار از بیان روشن موضوعات اسطوره‌ای روبنس و بورلسک جوردن به زندگی آرام دهقانان توسط تنیرس جوان هستیم.

دومی، به ویژه، بر لحظات بی دغدغه تعطیلات روستا متمرکز بود. او سعی داشت عروسی ها و جشن های کشاورزان عادی را به تصویر بکشد. علاوه بر این، توجه ویژه ای به جزئیات بیرونی و ایده آل سازی سبک زندگی شد.

فرانس اسنایدرز

او مانند آنتون فن دایک که بعداً در مورد او صحبت خواهیم کرد، تمرینات خود را با هندریک فن بالن آغاز کرد. علاوه بر این، پیتر بروگل جوان نیز مربی او بود.

با توجه به آثار این استاد، با جنبه دیگری از خلاقیت آشنا می شویم که در نقاشی فلاندری بسیار غنی است. نقاشی های اسنایدر با بوم های نقاشی های هم عصر او کاملاً متفاوت است. فرانس موفق شد جایگاه خود را پیدا کند و در آن به ارتفاعات یک استاد بی نظیر پیشرفت کند.

او در به تصویر کشیدن طبیعت بی جان و حیوانات بهترین شد. به عنوان یک نقاش حیوانات، او اغلب توسط نقاشان دیگر، به ویژه روبنس، دعوت می شد تا بخش هایی از شاهکارهای خود را خلق کند.

آثار اسنایدر نشان دهنده گذار تدریجی از طبیعت بی جان در سال های اولیه به صحنه های شکار در دوره های بعدی است. با تمام بیزاری از پرتره ها و تصاویر مردم، آنها همچنان روی بوم های او حضور دارند. چگونه از این وضعیت خارج شد؟

ساده است، فرانس از Janssens، Jordaens و دیگر استادان آشنا از انجمن دعوت کرد تا تصاویری از شکارچیان خلق کنند.

بنابراین، می بینیم که نقاشی قرن هفدهم در فلاندر منعکس کننده یک مرحله ناهمگون از گذار از تکنیک ها و نگرش های قبلی است. مانند ایتالیا به آرامی پیش نرفت، اما خلاقیت های کاملاً غیرمعمولی از استادان فلاندری به جهان داد.

جیکوب جردن

نقاشی فلاندری قرن هفدهم با آزادی بیشتری نسبت به دوره قبل مشخص می شود. در اینجا می توانید نه تنها صحنه های زنده زندگی، بلکه آغاز طنز را نیز ببینید. به ویژه، او اغلب به خود اجازه می داد تا یک تکه بورلسک را به بوم هایش اضافه کند.

او در کار خود به عنوان یک نقاش پرتره به ارتفاعات قابل توجهی نرسید، اما با این وجود، شاید در انتقال شخصیت در تصویر بهترین بود. بنابراین، یکی از سریال های اصلی او - "جشن های پادشاه لوبیا" - بر اساس تصویرسازی فولکلور، گفته های عامیانه، جوک ها و گفته ها ساخته شده است. این بوم ها زندگی شلوغ، شاد و شلوغ جامعه هلند را در قرن هفدهم به تصویر می کشند.

در مورد هنر نقاشی هلندی این دوره، اغلب نام پیتر پل روبنس را ذکر می کنیم. این تأثیر او بود که در آثار اکثر هنرمندان فلاندری منعکس شد.

جردنس نیز از این سرنوشت در امان نماند. او مدتی در کارگاه های روبنس کار کرد و طرح هایی را برای نقاشی خلق کرد. با این حال، جیکوب در ایجاد تنبریسم و ​​کیاروسکورو در این تکنیک بهتر بود.

اگر به شاهکارهای جوردن با دقت نگاه کنید، آنها را با آثار پیتر پل مقایسه کنید، تأثیر آشکار دومی را خواهیم دید. اما بوم های جیکوب با رنگ های گرمتر، آزادی و نرمی متمایز می شوند.

پیتر روبنس

هنگام بحث درباره شاهکارهای نقاشی فلاندری، نمی توان از روبنس نام برد. پیتر پل در طول زندگی خود استاد شناخته شده ای بود. او را یک هنرپیشه مضامین مذهبی و اسطوره ای می دانند، اما این هنرمند در تکنیک منظره و پرتره استعداد کمتری از خود نشان نداد.

او در خانواده‌ای بزرگ شد که در جوانی به خاطر حیله‌های پدرش به آبروی رفت. به زودی پس از مرگ یکی از والدین، شهرت آنها احیا می شود و روبنس و مادرش به آنتورپ باز می گردند.

در اینجا مرد جوان به سرعت ارتباطات لازم را به دست می آورد ، او صفحه ای از کنتس د لالن ساخته می شود. علاوه بر این، پیتر پل با توبیاس، ورهاخت، ون نورت ملاقات می کند. اما اتو ون وین به عنوان یک مربی تأثیر ویژه ای روی او گذاشت. این هنرمند بود که نقش تعیین کننده ای در شکل گیری سبک استاد آینده داشت.

پس از چهار سال کارآموزی با اتو روبنس، آنها در انجمن صنفی هنرمندان، حکاکی‌ها و مجسمه‌سازان به نام انجمن سنت لوک پذیرفته می‌شوند. پایان تمرین طبق سنت دیرینه استادان هلندی سفر به ایتالیا بود. در آنجا پیتر پل بهترین شاهکارهای این دوران را مطالعه و کپی کرد.

جای تعجب نیست که نقاشی های هنرمندان فلاندری در ویژگی های خود شبیه تکنیک برخی از استادان ایتالیایی رنسانس است.

روبنس در ایتالیا با نیکوکار و مجموعه دار معروف وینچنزو گونزاگا زندگی و کار می کرد. محققان این دوره از کار او را دوره مانتو می نامند، زیرا املاک حامی پیتر پل در این شهر قرار داشت.

اما مکان استانی و تمایل گونزاگا به استفاده از آن، روبنس را خوشحال نکرد. او در نامه ای می نویسد که با همین موفقیت، ویچنزو می تواند از خدمات پرتره نگاران صنعتگر استفاده کند. دو سال بعد، مرد جوان حامیانی پیدا می کند و در رم دستور می دهد.

دستاورد اصلی دوره روم نقاشی سانتا ماریا در والیسلا و محراب صومعه در فرمو بود.

پس از مرگ مادرش، روبنس به آنتورپ باز می گردد، جایی که به سرعت به پردرآمدترین استاد تبدیل می شود. دستمزدی که در دربار بروکسل دریافت می کرد به او اجازه می داد به سبک بزرگ زندگی کند، یک کارگاه بزرگ و شاگردان زیادی داشته باشد.

علاوه بر این، پیتر پل با نظم یسوعی که او را در کودکی پرورش داد، رابطه داشت. از آنها او سفارشات دکوراسیون داخلی کلیسای سنت چارلز بورومئو آنتورپ را دریافت می کند. در اینجا بهترین دانش آموز - آنتون ون دایک - به او کمک می کند که بعداً در مورد آن صحبت خواهیم کرد.

روبنس نیمه دوم عمر خود را در مأموریت های دیپلماتیک گذراند. اندکی قبل از مرگش، او برای خود ملکی خرید و در آنجا ساکن شد، مناظری را به تصویر کشید و زندگی دهقانان را به تصویر کشید.

در آثار این استاد بزرگ به ویژه تأثیر تیتیان و بروگل به چشم می خورد. از معروف ترین آثار می توان به بوم های «سامسون و دلیله»، «شکار کرگدن»، «ربودگی دختران لوکیپوس» اشاره کرد.

روبنس چنان تأثیر شدیدی بر نقاشی اروپای غربی داشت که در سال 1843 بنای یادبودی برای او در میدان سبز آنتورپ ساخته شد.

آنتون ون دایک

یک نقاش پرتره دربار، استاد موضوعات اسطوره ای و مذهبی در نقاشی، یک هنرمند - همه اینها ویژگی های آنتون ون دایک، بهترین شاگرد پیتر پل روبنس است.

تکنیک های نقاشی این استاد در حین تحصیل نزد هندریک ون بالن شکل گرفت که به عنوان شاگرد به او سپرده شد. سالهای گذراندن در کارگاه این نقاش بود که به آنتون اجازه داد به سرعت شهرت محلی به دست آورد.

در چهارده سالگی اولین شاهکار خود را نوشت و در پانزده سالگی اولین کارگاه خود را افتتاح کرد. بنابراین در سن جوانی، ون دایک به یک سلبریتی آنتورپ تبدیل می شود.

در سن هفده سالگی، آنتون در انجمن صنفی سنت لوک پذیرفته شد و در آنجا نزد روبنس شاگردی کرد. ون دایک به مدت دو سال (از سال 1918 تا 1920) پرتره هایی از عیسی مسیح و دوازده رسول را روی سیزده تخته می کشد. امروزه این آثار در بسیاری از موزه های جهان نگهداری می شوند.

هنر نقاشی آنتون ون دایک بیشتر بر مضامین مذهبی متمرکز بود. او در کارگاه روبنس نقاشی های معروف خود "تاج گذاری با تاج" و "بوسه یهودا" را می نویسد.

از سال 1621، دوره سفر آغاز می شود. ابتدا این هنرمند جوان در لندن زیر نظر پادشاه جیمز کار می کند، سپس به ایتالیا می رود. در سال 1632، آنتون به لندن بازگشت، جایی که چارلز اول به او لقب شوالیه داد و منصب نقاش دربار را به او داد. در اینجا او تا زمان مرگش کار کرد.

بوم های او در موزه های مونیخ، وین، لوور، واشنگتن، نیویورک و بسیاری از تالارهای دیگر جهان به نمایش گذاشته شده است.

بنابراین، امروز ما، خوانندگان عزیز، با نقاشی فلاندری آشنا شده ایم. شما ایده ای در مورد تاریخچه شکل گیری آن و تکنیک ایجاد بوم دارید. علاوه بر این، به طور مختصر با بزرگترین استادان هلندی این دوره دیدار کردیم.