هنرمندان هلندی قرن هفدهم. نقاشی هلندی. برای یک موضوع به کمک نیاز دارید

باروک "برگر" در نقاشی هلندیXVIIکه در. - تصویر زندگی روزمره (P. de Hoch, Vermeer). "لوکس" طبیعت بی جان کالف. پرتره گروهی و ویژگی های آن در هالز و رامبراند. تفسیر موضوعات اساطیری و کتاب مقدس توسط رامبراند.

هنر هلندی قرن هفدهم

در قرن هفدهم هلند یک کشور سرمایه داری نمونه شد. او تجارت گسترده استعماری انجام داد، او ناوگان قدرتمندی داشت، کشتی سازی یکی از صنایع پیشرو بود. پروتستانتیسم (کالوینیسم به عنوان شدیدترین شکل آن) که کاملاً جایگزین تأثیر کلیسای کاتولیک شد ، منجر به این واقعیت شد که روحانیون در هلند مانند فلاندر و حتی بیشتر از آن در اسپانیا یا ایتالیا تأثیری بر هنر نداشتند. در هلند، کلیسا نقش مشتری آثار هنری را بازی نمی کرد: معابد با مجسمه های محراب تزئین نمی شدند، زیرا کالوینیسم هرگونه اشاره ای به تجمل را رد می کرد. کلیساهای پروتستان از نظر معماری ساده بودند و به هیچ وجه در داخل تزئین نشده بودند.

دستاورد اصلی هنر هلندی قرن هجدهم. - در نقاشی سه پایه. انسان و طبیعت مورد مشاهده و تصویر هنرمندان هلندی بودند. نقاشی روزمره به یکی از ژانرهای پیشرو تبدیل می شود که سازندگان آن در تاریخ نام "هلندی کوچک" را دریافت کردند. نقاشی‌های روی صحنه‌های انجیل و کتاب مقدس نیز نمایش داده می‌شوند، اما نه به اندازه کشورهای دیگر. هلند هرگز با ایتالیا ارتباطی نداشت و هنر کلاسیک مانند فلاندر نقشی نداشت.

تسلط بر گرایش های واقع گرایانه، شکل گیری طیف خاصی از موضوعات، تمایز ژانرها به عنوان یک فرآیند واحد، تا دهه 20 قرن 17 تکمیل شد. تاریخ نقاشی هلندی قرن هفدهم. تکامل کار یکی از بزرگترین نقاشان پرتره هلند، فرانس هالس (حدود 1580-1666) را کاملاً نشان می دهد. هالز در دهه 10-30 در ژانر پرتره های گروهی بسیار کار کرد. از روی بوم‌های این سال‌ها، افراد شاد، پرانرژی و مبتکر به نظر می‌رسند که به توانایی‌های خود و آینده مطمئن هستند ("St. Adrian's Shooting Guild"، 1627 و 1633.

انجمن تیراندازی St. جورج، 1627).

به دلیل ویژگی خاص تصویر، برخی از پرتره های خال توسط محققان، پرتره های ژانری نامیده می شود. سبک طرحی هالس، نوشته جسورانه او، زمانی که یک قلم مو هم فرم و هم حجم را شکل می دهد و رنگ را منتقل می کند.

در پرتره‌های خال‌های اواخر دوره (دهه 50-60)، شجاعت، انرژی و فشار بی‌دغدغه در شخصیت‌های تصویر شده از بین می‌رود. اما در اواخر دوره خلاقیت است که هالس به اوج استادی می رسد و عمیق ترین آثار را خلق می کند. رنگ نقاشی های او تقریباً تک رنگ می شود. دو سال قبل از مرگش، در سال 1664، هالس دوباره به پرتره گروهی بازگشت. او دو پرتره می کشد - نایب السلطنه ها و نایب السلطنه های یک خانه سالمندان که خودش در اواخر عمرش در یکی از آنها پناه گرفت. در پرتره نایب السلطنه ها هیچ رفاقتی از ساخته های قبلی دیده نمی شود، مدل ها از هم گسیخته، ناتوان، چشمانشان ابری، ویرانی بر چهره شان نوشته شده است.

هنر هالز برای زمان خود از اهمیت زیادی برخوردار بود ، در توسعه نه تنها پرتره بلکه در ژانر زندگی روزمره ، منظره ، طبیعت بی جان نیز تأثیر داشت.

ژانر منظره هلند در قرن هفدهم بسیار جالب است. هلند توسط یان ون گوین (1596-1656) و سالومون ون رویسدیل (1600/1603-1670) به تصویر کشیده شده است.

اوج شکوفایی نقاشی منظره در مکتب هلندی به اواسط قرن هفدهم باز می گردد. بزرگترین استاد منظره رئالیستی یاکوب ون رویسدیل (1628/29-1682) بود. آثار او معمولاً مملو از درام عمیق هستند، خواه انبوه های جنگلی را به تصویر بکشد ("مرداب جنگل").

مناظر با آبشار ("آبشار") یا یک منظره عاشقانه با یک قبرستان ("قبرستان یهودیان").

طبیعت در Ruisdael در پویایی، در تجدید ابدی ظاهر می شود.

ژانر حیوانی در ارتباط نزدیک با چشم انداز هلندی است. موتیف مورد علاقه آلبرت کویپ، گاوهایی است که در محل آبیاری قرار دارند ("غروب آفتاب روی رودخانه"، "گاوها در ساحل یک جریان").

توسعه درخشان به یک طبیعت بی جان می رسد. طبیعت بی جان هلندی، بر خلاف فلاندری ها، از نظر اندازه و انگیزه برای نقاشی هایی با طبیعت صمیمی است. Pieter Claesz (حدود 1597-1661)، Billem Head (1594-1680/82) اغلب به اصطلاح صبحانه ها را به تصویر می کشد: ظروف با ژامبون یا پای روی یک میز نسبتاً متوسط. "صبحانه" های خدا جای خود را به "دسرهای" مجلل کالف می دهد. ظروف ساده جای خود را به میزهای مرمری، رومیزی های فرش، جام های نقره ای، صدف های مرواریدی و لیوان های کریستالی می دهند. کالف در انتقال بافت هلو، انگور و سطوح کریستالی به مهارت شگفت انگیزی دست می یابد.

در دهه 20-30 قرن هفدهم. هلندی ها نوع خاصی از نقاشی های کوچک و کوچک خلق کردند. دهه 40-60 - اوج نقاشی، تجلیل از زندگی آرام بورگری هلند، وجود روزمره سنجیده.

آدریان ون اوستاد (1610-1685) ابتدا جنبه های سایه زندگی دهقانان را به تصویر می کشد ("مبارزه").

از دهه 1940، در آثار او، یادداشت های طنز به طور فزاینده ای با یادداشت های طنز جایگزین می شوند ("در میخانه روستا"، 1660).

گاهی اوقات این تصاویر کوچک با احساس غنایی عالی رنگ آمیزی می شوند. در حقيقت، شاهكار نقاشي استادده «نقاش در استوديو» (1663) او در نظر گرفته مي‌شود كه در آن هنرمند كار خلاقانه را ستايش مي‌كند.

اما موضوع اصلی "هلندی‌های کوچک" هنوز یک دهقان نیست، بلکه یک زندگی شهرنشین است. معمولاً اینها تصاویری هستند که هیچ طرح جذابی ندارند. سرگرم‌کننده‌ترین داستان‌نویس در نقاشی‌هایی از این نوع، یان استن (1626-1679) بود ("شاهخواران"، "بازی تخته نرد"). جرارد تربورخ (1617-1681) در این امر به مهارت بیشتری دست یافت.

فضای داخلی به ویژه در میان "هلندی های کوچک" شاعرانه می شود. خواننده واقعی این مضمون پیتر دو هوچ (1629-1689) بود. اتاق‌های او با پنجره‌ای نیمه باز، کفش‌هایی که ناخواسته پرتاب شده‌اند یا جارو باقی مانده است، اغلب بدون پیکره انسانی به تصویر کشیده شده‌اند.

مرحله جدیدی از ژانر نقاشی در دهه 50 آغاز می شود و با به اصطلاح مکتب دلفت همراه است، با نام هنرمندانی مانند کارل فابریتیوس، امانوئل دویت و یان ورمیر، که در تاریخ هنر به نام ورمیر دلفت (1632-1675) شناخته می شود. ). به نظر می رسد نقاشی های ورمیر به هیچ وجه اصلی نیستند. اینها همان تصاویر یک زندگی یخ زده بورگری هستند: خواندن نامه، آقا و خانمی که صحبت می کنند، خدمتکارانی که در یک خانواده ساده مشغول هستند، مناظری از آمستردام یا دلفت. این تصاویر که در عمل ساده هستند: "دختری در حال خواندن نامه"

"کاوالیر و بانوی پشت ستون فقرات"

«افسر و دختر خندان» و غیره سرشار از وضوح معنوی، آرامش و سکوت است.

مزایای اصلی ورمیر به عنوان یک هنرمند در انتقال نور و هوا است. انحلال اشیاء در یک محیط نور-هوا، توانایی ایجاد این توهم، اول از همه، شناخت و شهرت ورمیر را دقیقاً در قرن 19 تعیین کرد.

ورمیر کاری را انجام داد که هیچ کس در قرن هفدهم انجام نداد: او مناظری را از طبیعت نقاشی کرد ("خیابان"، "نمای دلفت").

آنها را می توان اولین نمونه های نقاشی با هوا نامید.

اوج رئالیسم هلندی، حاصل دستاوردهای تصویری فرهنگ هلندی قرن هفدهم، اثر رامبراند است. هارمنز ون راین رامبراند (1606-1669) در لیدن به دنیا آمد. در سال 1632، رامبراند به آمستردام، مرکز فرهنگ هنری هلند رفت، که طبیعتاً هنرمند جوان را به خود جذب کرد. دهه 30، زمان بالاترین شکوه است، مسیری که با یک نقاشی سفارشی بزرگ در سال 1632 برای نقاش باز شد - یک پرتره گروهی، همچنین به عنوان "آناتومی دکتر تولپ" یا "درس آناتومی" شناخته می شود.

در سال 1634، رامبراند با دختری از خانواده ای ثروتمند به نام ساسکیا ون اویلنبورخ ازدواج کرد. شادترین دوران زندگی او آغاز می شود. او یک هنرمند مشهور و شیک پوش می شود.

تمام این دوره با عاشقانه پوشیده شده است. نگرش رامبراند در این سال‌ها به وضوح توسط «خودنگاره با ساسکیا روی زانو» (حدود 1636) بیان می‌شود. کل بوم پر از شادی صریح زندگی، شادی است.

زبان باروک به بیان روحیه عالی نزدیک است. و رامبراند در این دوره تا حد زیادی تحت تأثیر باروک ایتالیایی است.

در کوتاه‌سازی‌های پیچیده، شخصیت‌های نقاشی 1635 "قربانی ابراهیم" در برابر ما ظاهر می‌شوند. این ترکیب بسیار پویا است و طبق تمام قوانین باروک ساخته شده است.

در همان دهه 30 ، رامبراند برای اولین بار به طور جدی درگیر گرافیک ، به ویژه اچینگ شد. حکاکی های رامبراند بیشتر موضوعات کتاب مقدس و انجیلی است، اما در طراحی، به عنوان یک هنرمند هلندی واقعی، اغلب به این ژانر نیز اشاره می کند. در آغاز دوره اولیه کار این هنرمند و بلوغ خلاقانه او، یکی از مشهورترین نقاشی های او، معروف به نگهبان شب (1642)، به ما ارائه می شود - پرتره گروهی از گروه تفنگ کاپیتان بنینگ کاک.

او دامنه این ژانر را گسترش داد و یک تصویر نسبتاً تاریخی ارائه کرد: با یک سیگنال هشدار، جداشدگان Banning Cock به یک کمپین می‌روند. برخی آرام، با اعتماد به نفس، برخی دیگر در انتظار آنچه که قرار است بیفتند هیجان زده هستند، اما همه ابراز انرژی مشترک، اشتیاق میهن پرستانه، پیروزی روحیه مدنی دارند.

یک پرتره گروهی زیر قلم مو رامبراند به تصویری قهرمانانه از دوران و جامعه تبدیل شد.

این نقاشی قبلاً آنقدر تاریک شده بود که تصویری از یک صحنه شب در نظر گرفته می شد و از این رو نام نادرست آن است. سایه ای که از پیکر ناخدا بر روی لباس سبک ستوان نهفته است ثابت می کند که اینجا شب نیست، روز است.

با مرگ ساسکیا در همان سال 1642، گسست طبیعی رامبراند با محافل پاتریسیون بیگانه با او رخ می دهد.

دهه 40-50 زمان بلوغ خلاقانه است. او در این دوره اغلب به سراغ آثار قدیمی می رود تا آنها را به شیوه ای جدید بازسازی کند. به عنوان مثال در مورد دانایی که در سال 1636 نقاشی کرد اینگونه بود. با روی آوردن به نقاشی در دهه 1940، هنرمند وضعیت عاطفی خود را تشدید کرد.

او قسمت مرکزی را با قهرمان و خدمتکار بازنویسی کرد. با اشاره ای جدید به دانایی که دستش را بلند کرده بود، هیجان زیادی به او گفت، ابراز شادی، امید و جذابیت.

در دهه‌های 1940 و 1950، مهارت رامبراند به طور پیوسته رشد کرد. او غنایی ترین و شاعرانه ترین جنبه های وجود انسان را برای تفسیر انتخاب می کند، آن انسانی که جاودانه و جهانی است: عشق مادرانه، شفقت. کتاب مقدس بزرگترین مطالب را به او می دهد، و از آن - صحنه های زندگی خانواده مقدس، رامبراند یک زندگی ساده، مردم عادی را مانند نقاشی "خانواده مقدس" به تصویر می کشد.

16 سال گذشته غم انگیزترین سال های زندگی رامبراند است. او شکسته است، هیچ دستوری ندارد. اما این سالها مملو از فعالیت های خلاقانه شگفت انگیز است که در نتیجه آن تصاویری زیبا ایجاد می شود ، از نظر یادبود شخصیت ها و معنویت ، آثار عمیق فلسفی استثنایی. حتی آثار کوچک رامبراند در این سال‌ها، جلوه‌ای از عظمت خارق‌العاده و یادبود واقعی را ایجاد می‌کنند. رنگ صدا و شدت پیدا می کند. به نظر می رسد رنگ های او نور ساطع می کنند. پرتره های رامبراند فقید با پرتره های دهه 30 و حتی 40 بسیار متفاوت است. اینها تصاویر بسیار ساده (نیمه طولی یا نسلی) از افرادی هستند که در ساختار درونی خود به هنرمند نزدیک هستند. رامبراند در سلف پرتره ها به بیشترین ظرافت ویژگی ها دست یافت که حدود صد مورد از آنها به ما رسیده است. پایانی در تاریخ پرتره گروهی، تصویر رامبراند از بزرگان مغازه پارچه سازان بود - به اصطلاح "Sindiki" (1662)، که در آن رامبراند انواع زنده و در عین حال مختلف انسانی را با ابزارهای خسیس خلق کرد، اما بیشتر مهمتر از همه، او توانست حس اتحاد معنوی، درک متقابل و روابط مردم را منتقل کند.

رامبراند در سال‌های بلوغ (عمدتاً در دهه 50)، بهترین قلم‌زنی‌های خود را خلق کرد. او به عنوان یک حکاکی، در هنر جهان همتای خود را نمی شناسد. در همه آنها، تصاویر دارای معنای عمیق فلسفی است. آنها در مورد اسرار وجود، از تراژدی زندگی انسان می گویند.

او نقاشی های زیادی انجام می دهد. رامبراند 2000 طراحی از خود به جای گذاشت. اینها طرح هایی از طبیعت، طرح هایی برای نقاشی و آماده سازی برای حکاکی هستند.

در ربع آخر قرن هفدهم. افول مکتب نقاشی هلندی آغاز می شود، از دست دادن هویت ملی آن، و از آغاز قرن 18 پایان دوران بزرگ رئالیسم هلندی آغاز می شود.

عصر طلایی نقاشی هلندی یکی از برجسته ترین دوران در تاریخ نقاشی تمام جهان است. دوران طلایی نقاشی هلندی محسوب می شود قرن 17. در این زمان بود که با استعدادترین هنرمندان و نقاشان آثار جاودانه خود را خلق کردند. نقاشی‌های آن‌ها هنوز هم شاهکارهای بی‌نظیری محسوب می‌شوند که در موزه‌های معروف جهان نگهداری می‌شوند و میراثی ارزشمند برای بشریت محسوب می‌شوند.

در آغاز قرن 17در هلند، هنر نسبتاً ابتدایی هنوز شکوفا می شد که با سلیقه و ترجیحات روزمره افراد ثروتمند و قدرتمند توجیه می شد. در نتیجه تغییرات سیاسی، ژئوپلیتیکی و مذهبی، هنر هلند به طور چشمگیری تغییر کرده است. اگر پیش از آن هنرمندان سعی می‌کردند که اهل هلند را خوشایند کنند و زندگی و زندگی آنها را عاری از هرگونه زبان بلند و شاعرانه به تصویر بکشند و همچنین برای کلیسا کار می‌کردند که به هنرمندان دستور می‌داد در ژانری نسبتاً ابتدایی با توطئه‌های طولانی کار کنند، پس آغاز قرن هفدهم یک پیشرفت واقعی بود. سلطه پروتستان ها در هلند حاکم شد، که عملاً سفارش نقاشی با موضوعات مذهبی به هنرمندان را متوقف کردند. هلند از اسپانیا مستقل شد و خود را در سکوی عمومی تاریخی مطرح کرد. هنرمندان از موضوعاتی که قبلاً آشنا بودند به تصویر کشیدن صحنه های روزمره، پرتره ها، مناظر، طبیعت بی جان و غیره حرکت کردند. در اینجا، در عرصه ای جدید، به نظر می رسد هنرمندان عصر طلایی نفس تازه ای باز کرده اند و نوابغ واقعی هنر در پرتو ظهور کردند.

هنرمندان هلندی قرن هفدهم رئالیسم را در نقاشی به مد آوردند. خیره کننده در ترکیب، در واقع گرایی، در عمق و غیر معمول، نقاشی ها شروع به لذت بردن از موفقیت فوق العاده ای کردند. تقاضا برای نقاشی به طور چشمگیری افزایش یافته است. در نتیجه، هنرمندان جدید بیشتری ظاهر شدند، که با سرعت شگفت انگیزی اصول نقاشی را توسعه دادند، تکنیک ها، سبک ها و ژانرهای جدیدی را توسعه دادند. برخی از مشهورترین هنرمندان عصر طلایی عبارتند از: یان ورمیر، کورنلیس تروست، ماتیاس استوم، پیتر بروگل بزرگتر، اسایاس ون دو ولده، فرانس هالس، آندریان بروور، کورنلیس د من، آنتونی ون دیک و بسیاری دیگر.

نقاشی های نقاشان هلندی

Cornelis de Man - کارخانه فرآوری روغن نهنگ

کورنلیس تراست - سرگرمی در پارک

Ludolf Backhuizen - اسکله کمپین هند شرقی در آمستردام

پیتر بروگل بزرگ - فاجعه کیمیاگر

رامبراند - آندریس دی گرف

قرن 17 به جهان دو نشان داد مدارس هنر - هلندی و فلاندری. هر دو وارث سنت های هنری هلند بودند - یک کشور اروپایی، که در آن زمان فلاندر کاتولیک در قلمرو آن شکل گرفته بود که به نام مهم ترین استان نامگذاری شده است (امروزه قلمرو بلژیک و فرانسه است). استان های دیگر که از پایبندی خود به ایده های اصلاحات دفاع کردند، متحد شدند و شروع به نامگذاری جمهوری هلند یا به سادگی هلند کردند. در قرن هفدهم در هلند، حدود سه چهارم جمعیت شهرنشین بودند، طبقه اصلی طبقه متوسط ​​در نظر گرفته می شد. کلیسای اصلاح شده شکوه و جلال دکور را کنار گذاشت، هیچ مشتری تاجدار و اشراف قبیله ای وجود نداشت، به این معنی که نمایندگان بورژوازی مصرف کنندگان اصلی هنر شدند. فضایی که برای نقاشی در نظر گرفته شده بود محدود به خانه های شهرها و ساختمان های عمومی بود.

اندازه نقاشی ها، به عنوان یک قاعده، بزرگ نبود (در مقایسه با نقاشی های کاخ یا ترکیبات محراب برای کلیساها)، و توطئه ها دارای شخصیت اتاقی بودند و صحنه هایی از زندگی خصوصی و روزمره را به تصویر می کشیدند. دستاورد اصلی هنر هلندی قرن هفدهم. - در نقاشی سه پایه. انسان و طبیعت مورد مشاهده و تصویر هنرمندان هلندی بودند. سخت کوشی، سخت کوشی، عشق به نظم و نظافت در نقاشی هایی که شیوه زندگی هلندی را به تصویر می کشد منعکس شده است. به همین دلیل است که استادان هلندی قرن هفدهم (به استثنای رامبراند و هالز) نامیده می شدند. "هلندی کوچولو"حلقه گسترده ای از نقاشان هلندی قرن هفدهم. در ارتباط با ماهیت اتاقی کار آنها، اندازه کوچک نقاشی های آنها (منظره، داخلی، صحنه های روزمره) بوجود آمد. نقاشی هلندی کوچک با ظرافت نوشتاری، رسا بودن جزئیات کوچک، زیبایی نور و ظرافت های رنگی، احساس عمومی راحتی، نزدیکی و وحدت شخصیت ها در یک منظره یا محیط داخلی مشخص می شود. از برجسته ترین نمایندگان می توان به یان ورمیر، برادران اوستاد (آدریان ون او و ایسک ون او)، جرارد تربورخ، یان استین، گابریل متسو اشاره کرد.

اکثر هنرمندان مضامین نقاشی های خود را در کشور مادری خود، پیروی از توصیه های رامبراند پیدا کردند: «پیش از هر چیز یاد بگیرید که طبیعت غنی را دنبال کنید و بیش از همه، آنچه را که در آن می بینید به نمایش بگذارید. بهشت، زمین، دریا، حیوانات، افراد خوب و بد - همه در خدمت ورزش ما هستند. دشت ها، تپه ها، نهرها و درختان کار کافی به هنرمند می دهند. شهرها، بازارها، کلیساها و هزاران گنجینه طبیعی به ما فریاد می زنند و می گویند: برو تشنه دانش، ما را بیندیش و ما را بازتولید کن. بهره وری هنرمندان به ابعاد باورنکردنی رسید ، در نتیجه رقابت بین نقاشان به وجود آمد که به نوبه خود منجر به تخصص استادان شد. و شاید به همین دلیل تمایز متنوعی بر اساس ژانر وجود داشت. هنرمندانی ظاهر شدند که فقط در ژانر منظره دریا یا ژانر مناظر شهری کار می کردند یا فضای داخلی مکان ها (اتاق ها، معابد) را به تصویر می کشیدند. در تاریخ نقاشی نمونه هایی از طبیعت بی جان و مناظر وجود داشت، اما هرگز این ژانرها به اندازه هلند در قرن هفدهم به شخصیت و خودکفایی انبوه نرسیده بودند.

هلندی ها می خواستند کل دنیای متنوع را در تصاویر ببینند. از این رو طیف گسترده نقاشی این قرن، "تخصص محدود" در انواع خاصی از موضوعات: پرتره و منظره، طبیعت بی جان و ژانر حیوانی. در هلند هیچ ارتباطی با ایتالیا وجود نداشت و هنر کلاسیک مانند فلاندر نقشی نداشت. تسلط بر گرایش های واقع گرایانه، شکل گیری طیف معینی از موضوعات و تقسیم ژانرها به عنوان یک فرآیند واحد تا سال 1720 تکمیل شد.

تاریخچه نقاشی هلندی در قرن هفدهم تکامل کار یکی از بزرگترین نقاشان پرتره در هلند را کاملاً نشان می دهد فرانس هالس(1580-1666) فعالیت های او تقریباً به طور کامل در هارلم انجام شد. در اینجا، در حدود سال 1616، او به عنوان یک نقاش برجسته پیشرفته پرتره ارتقا یافت و تا پایان عمر نقش خود را در این زمینه حفظ کرد. با ظهور هالس، پرتره هلندی کاملا واقعی و کاملاً فردی به بلوغ می رسد. هر چیزی ترسو، خرده پا، طبیعت گرایانه، که پیشینیان او را متمایز می کند، غلبه می کند.

مرحله اولیه هنر خالص مشخص نشده است. بلافاصله استاد را می بینیم که سخت ترین مشکل یک پرتره گروهی را حل می کند. او یکی پس از دیگری تصاویری را ترسیم می کند که تیراندازان شرکت St. آدریان و سنت. جورج (موزه هارلم، فرانس هالس)، جایی که هم شور و نشاط یک جلسه شلوغ و هم درخشندگی انواع هر یک از حاضران با سهولت بی نظیری منتقل می شود. مهارت تصویری و تدبیر ترکیب بندی گروه بندی ها در این پرتره ها با وضوح فوق العاده ویژگی ها دست به دست می شود. هالز روانشناس نیست: زندگی ذهنی مدل هایش معمولاً از کنار او می گذرد. بله، و او برای بیشتر افرادی می نویسد که کل زندگی آنها در شرایط فعالیت شدید و شدید می گذرد، اما در مسائل روانشناختی زیاد غوطه ور نمی شود. اما هالز، مانند هیچ کس دیگری، ظاهر این افراد را به تصویر می کشد، می تواند زودگذر ترین، اما در عین حال مشخص ترین را در حالت چهره، در حالت، در ژست ها به تصویر بکشد. او که ذاتاً شاد است، تلاش می کند تا هر تصویر را در لحظه احیا، شادی ثبت کند و هیچ کس مانند او خنده را با ظرافت و تنوع منتقل نمی کند. پرتره یک افسر (1624، لندن، مجموعه والاس)، در حال تاب خوردن روی صندلی "Geytgeizen" (اواخر دهه 1630، بروکسل، گالری هنری)، "کولی" (اواخر دهه 1620، لوور)، یا به اصطلاح "جادوگر هارلم" - "مال باب"(برلین) را می توان به عنوان نمونه های بارز هنر تند و اغلب تند و تیز او ذکر کرد. مردان، زنان، کودکان توسط او با همان حس یک تصویر زنده به تصویر کشیده می شوند (" پرتره مرد جوان با دستکش"، خوب. 1650، ارمیتاژ). احساس سرزندگی نیز توسط خود تکنیک Hals تسهیل می شود که به طور غیرمعمول آزاد است و در طول سال ها در وسعت آن رشد می کند. درخشندگی تزئینی آثار اولیه متعاقباً تعدیل می‌شود، رنگ نقره‌ای می‌شود، آزادی در استفاده از رنگ‌های سیاه و سفید از مهارتی صحبت می‌کند که می‌تواند جسارت تصویری جسورانه را داشته باشد.

در پرتره های اواخر دوره (دهه 50 تا 60) شجاعت، انرژی و فشار بی خیال از بین می رود. در پرتره مردانه هرمیتاژ، با وجود همه تأثیرگذاری چهره، خستگی و اندوه قابل ردیابی است. این ویژگی‌ها در پرتره‌ای از مردی با کلاه لبه‌گشاد (موزه در کاسل) که به طرز درخشانی نقاشی شده است، بیشتر شده است. هالس در این سال‌ها دیگر محبوبیت خود را از دست می‌دهد، زیرا هرگز چاپلوسی نمی‌کند و با ذائقه‌های دوباره متولد شده مشتریان ثروتمندی که روحیه دموکراتیک خود را از دست داده‌اند بیگانه است. اما در اواخر دوره خلاقیت است که هالس به اوج استادی می رسد و عمیق ترین اثر را خلق می کند. در برخی از آثار، تکنیک‌های امپرسیونیستی راه‌حل‌های رنگی مشخص شده است. هالس تا آخرین سال های عمرش پرتره های فردی بی شماری می کشد، اما دوباره به پرتره های گروهی باز می گردد. او 2 پرتره می کشد - نایب السلطنه ها و نایب های یک خانه سالمندان، در یکی از آنها خودش در اواخر عمرش پناه گرفت. در پرتره نایب السلطنه ها هیچ رفاقتی از ساخته های قبلی دیده نمی شود، مدل ها از هم گسیخته، ناتوان، چشم اندازهای ابری دارند، ویرانی بر چهره هایشان نوشته شده است. در رنگ‌آمیزی تیره (سیاه، خاکستری و سفید)، لکه صورتی مایل به قرمز روی زانوی یکی از نایب‌السلطنه‌ها تنش خاصی را به همراه دارد. بنابراین در سن 9 سالگی هنرمندی بیمار، تنها و فقیر، دراماتیک ترین و نفیس ترین آثار خود را از نظر کاردستی خلق می کند.

هنر هالز برای زمان خود از اهمیت زیادی برخوردار بود ، در توسعه نه تنها پرتره بلکه در ژانر زندگی روزمره ، منظره ، طبیعت بی جان نیز تأثیر داشت.

ژانر منظرههلند قرن هفدهم به خصوص جالب این طبیعت به طور کلی نیست، یک تصویر کلی خاص از جهان، بلکه ملی است، یعنی منظره هلندی، که ما در هلند مدرن آن را می شناسیم: آسیاب های بادی معروف، تپه های بیابانی. آسمان خاکستری جایگاه بزرگی در ترکیب بندی ها دارد. هلند اینگونه به تصویر کشیده شده است یان ون گوین (1596-1656) و سالومون ون رویسدیل (1600-1670).

طلوع نقاشی منظره در مکتب هلندی به میانه اشاره دارد. قرن 17 بزرگترین استاد منظره واقع گرایانه بود یاکوب ون رویسدیل (1628-1682)، هنرمندی با تخیل پایان ناپذیر. آثار او معمولاً مملو از درام عمیق هستند، خواه انبوه جنگلی ("باتلاق جنگل")، مناظر با آبشار ("آبشار") یا منظره ای عاشقانه با گورستان ("قبرستان یهودیان"). طبیعت در Ruisdael در پویایی، در تجدید ابدی ظاهر می شود. حتی دشوارترین نقوش طبیعت در زیر قلم موی هنرمند، شخصیتی به یاد ماندنی پیدا می کند. Ruisdael تمایل دارد نوشتن دقیق را با یکپارچگی بسیار حیاتی، با ویژگی ترکیبی تصویر ترکیب کند.

او در سال 1628 یا 1629 در هارلم به دنیا آمد. اولین اثر بازمانده او، به تاریخ 1646، شبیه کار یک استاد بالغ به نظر می رسد - و او در آن زمان تنها 18 سال داشت. با اطمینان کامل می توان گفت که در سال 1648 رویسدیل به عضویت انجمن هنرمندان هارلم درآمد.

در جوانی، رویسدیل در جستجوی طبیعت بسیار سفر کرد - با این حال، بدون خروج از زادگاهش هارلم بیش از صد مایل. در اواسط دهه 1650، این هنرمند از هارلم به آمستردام نقل مکان کرد و تا پایان روزهای خود در آنجا زندگی کرد.

متروپولیتن آمستردام در زمان رویسدیل به طرز چشمگیری با هارلم استانی متفاوت بود (اگرچه فاصله بین این شهرها حتی در آن زمان در دو ساعت برطرف شد). رویسدیل نقاشی های خود را نه بر اساس سفارش شخصی، بلکه برای فروش رایگان نقاشی کرد. در حدود سال 1670، او به مرکز شهر، به میدان دام نقل مکان کرد، جایی که آپارتمانی را درست بالای مغازه هیرونیموس سویرتز، فروشنده نقاشی و کتاب اجاره کرد. .

مایندرت هابما(1638، آمستردام، - 7 دسامبر 1709) - برجسته ترین استاد چشم انداز هلندی پس از مربی خود، یاکوب ون رویسدیل.

مشخص است که هابما و رویسدیل با هم سفر می کردند و طرح هایی از طبیعت می ساختند. در نوامبر سال 1668، هابهما با رئیس شهر آمستردام ازدواج کرد و از طریق او پست بازرس کیفیت شراب های وارداتی را دریافت کرد. برای مدت طولانی اعتقاد بر این بود که این پایان درس نقاشی او است.

شاید او مجبور بود زمان کمتری را نسبت به قبل به نقاشی اختصاص دهد، اما بهترین اثر او، کوچه در میدلهارنیس، مربوط به سال 1689 است و یکی دیگر از نقاشی های لندن، ویرانه های قلعه بریدرود، 1671 است. این آثار متأخر متعلق به موفق ترین دستاوردهای نقاشی منظره هلندی هستند و در اصل، خطی را در توسعه آن ترسیم می کنند.

این هنرمند در فقر درگذشت ، اما در قرن هجدهم بسیار مورد تقلید قرار گرفت و آثار او موضوع رقابت بین مجموعه داران شد. بر خلاف رویسدیل که ترجیح می‌داد از حیات وحش عکس بگیرد، هابم جذب صحنه‌های روستایی آرام با منظره‌های روستاهای غرق در نور خورشید شد که گروه‌های سر به فلک کشیده درختان در اینجا و آنجا تنوع پیدا می‌کنند. در این بت‌های روستایی، همه چیز با دقت نوشته شده است، مخصوصاً شاخ و برگ.

در ارتباط نزدیک با چشم انداز هلند است ژانر حیوانی. بسیاری از نمایندگان نقاشی منظره به انتقال حیوانات علاقه مند هستند. این دومی اغلب معادل عناصر صرفاً منظره است، و گاهی اوقات منظره چیزی بیش از یک پس زمینه برای آنها نیست. توانایی شناسایی نژاد حیوان، ساختار، رنگ، حرکات مشخصه آن یکی از ویژگی های چشمگیر هلندی ها است. ظرافت انتقال جو و نور همراه با این مهارت در برخی از نقاشان حیوانات به کمال استثنایی می رسد. این را آثار متعدد نشان می دهد پائولوس پاتر(1625-1654) و آلبرت کایپ(1620-1691). هر دوی آنها همراه با نقاشی هایی که حیوانات را در حال چرا یا استراحت در فضای باز نشان می دهد (مزرعه پاتر، ارمیتاژ، 1649)، همچنین نسخه های جداگانه ای از آنها را از نمای نزدیک نوشتند. پاتر، علاوه بر نماهای عمومی، دوست دارد یک یا چند حیوان را از نمای نزدیک در پس زمینه یک منظره به تصویر بکشد («سگی روی یک زنجیره»). موتیف مورد علاقه کیپ گاوها در چاله آبی هستند ("غروب آفتاب روی رودخانه"، "گاوها در ساحل جریان"). نقاشی "منظره با گله، سوار و دهقان".
منظره روستایی آرام در درخشش طلایی غروب آفتاب غرق شده است. نور گرم در تمام جزئیات ترکیب نفوذ می کند و جلوه ای درخشان ایجاد می کند. این به طرز چشمگیری رنگ کیپ را از آبی و سبزهای سرد هم عصرانش متمایز می کند. مایندرت هابما. تصادفی بودن ظاهری چیدمان حیوانات در واقع برای نشان دادن بازی نور و سایه به دقت مورد توجه قرار گرفته است.

کیپ، علاوه بر این، یکی از اولین مکان ها در میان نمایندگان یک منظره خالص است. نقاشی های او با مهارت استثنایی در انتقال طلایی، نور خورشید، انگیزه های بسیار متنوع و شامل بسیاری از ماریناها (منظره دریا) متمایز می شوند.

فقط مناظر دریایی(مارینا) نامزد بود جان پورسلیس(1584-1632). مارینا نقش بسیار مهمی در هنر هلند در قرن هفدهم ایفا کرد و تعدادی از متخصصان درجه یک را معرفی کرد. به نظر می رسد روند کلی توسعه مارینا با آنچه که به طور کلی در تاریخ چشم انداز هلند مشاهده می شود برابر است. در مراحل اولیه، ترکیبات ساده هستند. هنرمند در صورتی هدف خود را محقق می‌بیند که وسعت دریا، کشتی‌هایی که روی آن تاب می‌خورند و همان آب را با بیشترین احتمال انتقال دهد. جان پورسلیس می نویسد. در نسل بعدی، ماهیت انتقال گونه های دریایی به سمت پویایی بیشتر تغییر می کند. با این حال، مانند گذشته، نقاشی هایی ایجاد می شود که آرامش عنصر آب را به تصویر می کشد، اما اکنون این کافی نیست. طوفان ها شروع به پرتاب کشتی ها روی صخره ها می کنند، امواج غول پیکر آنها را تهدید به مرگ می کند و ملوانان را به پناه گرفتن در بندر سوق می دهد. در هر دو مورد، هیچ مشکلی برای Backhuizen (1631-1709) وجود ندارد. قلم مو او با همان فضیلت بی ابری آسمان، طوفان ها، اسپری ها، سنگ ها و آثار شکسته ها را می رساند.

توسعه درخشان به یک طبیعت بی جان می رسد. طبیعت بی جان هلندی، بر خلاف فلاندری ها، از نظر اندازه و انگیزه برای نقاشی هایی با طبیعت صمیمی است. پیتر کلاس (1597-1661), ویلم خدا(1594-1680) اغلب به اصطلاح به تصویر کشیده شده است. صبحانه: غذاهایی با ژامبون یا پای روی میز نسبتاً متوسطی که سرو می شود. در یک چیدمان ماهرانه، اشیاء به گونه‌ای نشان داده می‌شوند که فرد، انگار، زندگی درونی اشیا را احساس می‌کند (بیهوده نبود که هلندی‌ها طبیعت بی‌جان را "هنوز لوون" - "زندگی آرام" نامیدند، و نه "nature morte" - "طبیعت مرده"). رنگ آمیزی محدود و تصفیه شده است (هدا "صبحانه با خرچنگ"، 1658؛ کلاس "طبیعت بی جان با شمع"، 1627)

ویلم هدا در هارلم کار می کرد و تحت تأثیر پیتر کلاسز قرار گرفت. طبیعت های بی جان ساده - "صبحانه" های Head که به طور معمول مجموعه ای کوچک از ظروف خانگی و یک وعده غذایی را به تصویر می کشد، با مهارت خوب در انتقال بافت اشیا مشخص می شود، رنگ نقره ای-سبز یا نقره ای-قهوه ای با احتیاط ( "صبحانه با پای بلک بری"، 1631، گالری هنری، درسدن؛ "ژامبون و ظروف نقره"، 1649، موزه دولتی هنرهای زیبا، مسکو).

با تغییر در زندگی جامعه هلندی در نیمه دوم. در قرن هفدهم، با افزایش تدریجی میل بورژوازی به اشرافیت و از دست دادن دموکراسی سابق، ماهیت طبیعت‌های بیجان نیز تغییر می‌کند. «صبحانه‌های خدا» با «دسرهای» مجلل جایگزین می‌شود. ویلم کالف (1619-1693).ظروف ساده جای خود را به میزهای مرمری، رومیزی های فرش، جام های نقره ای، صدف های مرواریدی و لیوان های کریستالی می دهند. کالف در انتقال بافت هلو، انگور و سطوح کریستالی به مهارت شگفت انگیزی دست می یابد. لحن منفرد طبیعت های بی جان دوره قبلی با درجه بندی غنی از نفیس ترین سایه های رنگارنگ جایگزین شده است.

نقاش هلندی در 1640-1645 او در فرانسه کار کرد، از 1653 - در آمستردام. ویلم کالف در آینده عمدتاً در آمستردام زندگی و کار می کرد. رنگ‌های عمیق و غنی نقاشی‌های او، این نقاش طبیعت بی‌جان را می‌توان ناشی از تأثیر آثار یان ورمیر معاصرش دانست. یکی از بزرگترین استادان مکتب طبیعت بی جان هلندی، کالف هم نقاشی های ساده ای را که آشپزخانه ها و حیاط های خلوت فقیر را به تصویر می کشد ("حیاط خانه دهقانی"، موزه دولتی ارمیتاژ، سنت پترزبورگ) و همچنین ترکیب بندی های دیدنی با ظروف گرانبها و میوه های عجیب و غریب جنوبی ("صبحانه"، موزه دولتی، آمستردام، "طبیعت بی جان"، موزه دولتی هرمیتاژ، سنت پترزبورگ). استعداد کالف به عنوان یک نقاش طبیعت بی جان خود را در ظرافت کلاسیک سازه های فضایی، احساس ظریف اصالت و ارزش ذاتی هر چیز، پیچیدگی و غنای نور و سایه و روابط رنگ، و مقایسه متضاد تماشایی بافت های مختلف نشان داد. و مواد.

"طبیعت بی جان با خرچنگ، شاخ شراب و لیوان."مجموعه ای از اشیاء عجیب و غریب و مجلل که روی میز چیده شده اند، با کاردستی درخشان و حس عمیق رنگ نقاشی شده اند. یک خرچنگ، یک شاخ شراب با قاب نقره ای درخشان، لیوان های شفاف، یک لیمو و یک فرش ترکی با چنان دقت شگفت انگیزی ساخته شده اند که این توهم وجود دارد که واقعی هستند و می توانید با دست آنها را لمس کنید. محل قرار دادن هر آیتم با چنان دقتی انتخاب می شود که گروه به طور کلی هماهنگی رنگ، شکل و بافت را تشکیل می دهد. نور گرمی که اشیاء را در بر می گیرد به آنها وقار جواهرات گرانبها را می دهد و کمیاب، شکوه و غریب بودن آنها نشان دهنده ذائقه تصفیه شده کلکسیونرهای هلندی در قرن هفدهم است - زمانی که طبیعت های بی جان به طور فوق العاده ای محبوب بودند.

طبیعت بی جان هلندی- یکی از اجرای هنری مهم ترین موضوع هنر هلند - موضوع زندگی خصوصی یک فرد عادی. این موضوع به طور کامل در تصویر ژانر تجسم یافته است. در دهه 20-30. قرن 17 هلندی ها نوع خاصی از نقاشی های کوچک را ایجاد کردند. دهه 40-60 - شکوفایی نقاشی، تجلیل از زندگی آرام بورگری هلند، اندازه گیری وجود روزانه. حتی در دایره هالس، جایی که آدریان بروور، نقاش فلاندری نیز توسعه یافت، علاقه مشخصی به موضوعات زندگی دهقانی شکل گرفت. آدریان ون اوستاد(1610-1685) - از نظر شایستگی تصویری در به تصویر کشیدن زندگی دهقانی بزرگترین بود. او معمولاً جنبه های سایه خود را به تصویر می کشد («مبارزه») مانند سایر نمایندگان آن، معمولاً به موضوعات خود کاملاً با روحیه ایدئولوژی طبقه حاکم برخورد می کند و یا واقعیت را ایده آل می کند یا فقط موجودات خنده دار را در دهقانان می بیند که آداب و رسوم آنها باعث می شود. خنده و شوخی . ("در میخانه روستایی" 1660).

هنر او در دوره‌های بعد ویژگی‌های غزل‌سرایی پیدا می‌کند و طرح‌های قبلی با تصاویری از استراحت آرام در آستانه یک کلبه یا در حیاط یک میخانه روستایی و همچنین فضای داخلی با صحنه‌هایی از آرامش خانوادگی جایگزین می‌شوند ("کشور" کنسرت، 1655، ارمیتاژ). علاوه بر چنین نقاشی های کوچک، Ostade اغلب در مقیاس بزرگتر نیمه فیگورهای کاملا واقعی نمایندگان صنایع مختلف را نقاشی می کرد. به حق، تابلوی اوستاده "نقاش در استودیو" (1663) یک شاهکار نقاشی تلقی می شود که در آن هنرمند بدون توسل به بیانیه یا ترس از کار انسانی تجلیل می کند.

اما موضوع اصلی "هلندی‌های کوچک" هنوز یک دهقان نیست، بلکه یک زندگی شهرنشین است. معمولاً اینها تصاویری هستند که هیچ طرح جذابی ندارند. در نقاشی های این ژانر انگار هیچ اتفاقی نمی افتد. یک زن در حال خواندن نامه است، یک آقا و یک خانم در حال پخش موسیقی هستند. یا آنها به تازگی ملاقات کرده اند و اولین احساس را دارند، اما این فقط مشخص شده است، به بیننده این حق داده می شود که خودش را حدس بزند. سرگرم کننده ترین داستان نویس در تصاویری از این دست بود جان استن(1626-1679). برای استن، برخلاف اکثر هم عصرانش، جنبه داستانی بی تفاوت نیست. او در نقاشی‌هایش نقش مهمی را برای شروع روایت قائل است و دوست دارد صحنه‌های سرگرم‌کننده خاصی از زندگی روزمره خرده بورژوازی را به تصویر بکشد. در آنها، استاد قدرت های تیز مشاهده را آشکار می کند، به درستی انواع را توصیف می کند و اپیزودهایی را که انتخاب کرده است با طنز ظریف و شاد بیان می کند. تابلوی "زن بیمار و دکتر" (حدود 1660، هرمیتاژ) نشانگر او است. در اواخر دوره فعالیت استن، این ویژگی‌ها وضوح خود را از دست می‌دهند و او با پیروی از روند کلی، ظرافت‌تر و دل‌بسته‌تر به مسائل یک ادراک صرفا بصری از دنیای واقعی، راه هنر را در پیش می‌گیرد.

به مهارت بزرگی دست یافت جرارد تربورخ(1617-1681). او با دموکراتیک ترین سوژه ها ("گریندرز") شروع کرد. او با نهایت مهارت در به تصویر کشیدن ابریشم و ساتن، شفافیت جام های شیشه ای، سطح هر چیز متمایز بود. چهره های تربورخ اغلب با ظاهر اشرافی شناخته شده مشخص می شوند که با انتخاب مدل های او از محیط اشراف توضیح داده می شود. ظرافت هنر تربورخ عمدتاً به دلیل رنگ آن است که رنگ های نقره ای نفیس بر آن غالب است. از بهترین نقاشی های این هنرمند می توان به "یک لیوان لیموناد" (هرمیتاژ) و "کنسرت" (برلین، دهلم) اشاره کرد.

فضای داخلی به ویژه در میان هلندی های کوچک شاعرانه می شود. زندگی هلندی ها عمدتاً در خانه جریان داشت. خواننده واقعی این تم بود پیتر دی هوچ(1629-1689). ماهیت توهم‌آمیز انتقال اشیا برای این استاد به پس‌زمینه فرو می‌رود، و علاقه به توسعه روابط فضایی، به‌ویژه در تصویر کردن فضاهای داخلی، و همچنین حیاط‌ها و خیابان‌هایی که پشت سرشان باز می‌شود، معطوف است («معشوقه با یک خدمتکار»، ارمیتاژ، حدود 1660). اتاق های او با پنجره نیمه باز با کفش هایی که ناخواسته پرتاب شده اند یا جارو به جا مانده است، به طور معمول، بدون پیکره انسانی به تصویر کشیده شده اند، اما مردم به طور نامرئی در اینجا حضور دارند، همیشه بین فضای داخلی و مردم ارتباط وجود دارد. وقتی مردم را به تصویر می کشد، عمداً بر ریتم یخ زده تأکید می کند، زندگی را به گونه ای یخ زده، بی حرکت مانند خود اشیا به تصویر می کشد ("حیاط").

ریتم آهسته زندگی، دقت روال روزانه، یکنواختی خاص وجود را به خوبی می رساند. گابریل متسو(1629-1667؛ "صبحانه"). در شخصیت کلی تصاویر ژانر خود، او به تربورخ نزدیک است، اما از نظر رنگ روشن تر است.

مرحله جدیدی از نقاشی ژانر در دهه 50 آغاز می شود و با به اصطلاح همراه است. مدرسه دلفت، با نام هنرمندانی چون کارل فابریسیوس، امانوئل دو ویت و یان ورمیر(1632-1675) که در تاریخ هنر به نام Vermeer of Delft (ملقب به محل فعالیت او) شناخته می شود. هنر Vermeer of Delft متعلق به اواخر دوره توسعه هلند است. نسل مبارزان قهرمان اما بی ادب برای استقلال و تاجران هوشیار - سازمان دهندگان اقتصاد سرمایه داری - متعلق به گذشته بودند. نوه های آنها وارد عرصه تاریخی شدند که می توانستند با خیال راحت از مزایای به دست آمده استفاده کنند. در این شرایط، هنر پر جنب و جوش و شادی از آخرین مرحله از شکوفایی جمهوری هلند در حال شکل گیری است.

هنر ورمیر دلفت به این دوره خاص تعلق دارد. آثار معتبر کمی از ورمیر وجود دارد، تنها چند موزه دارای نقاشی‌های کوچک و همیشه ارزشمند از استاد دلفت هستند. موضوع ورمیر کم و بیش سنتی است. زنان جوان در حال خواندن نامه، گلدوزی، در جمع یک جنتلمن، یک نقاش در مقابل سه پایه، دختری که به سادگی رویای پنجره را می بیند ("دختری با نامه"، درسدن، "کاوالیر و بانوی پشت ستون" و غیره) - در یک کلام، همه چیزهایی که بیش از یک بار توسط نقاشان هلندی به تصویر کشیده شده است. از نظر موضوع، به معنای محدود کلمه، ورمیر هیچ چیز اصلی ندارد. او فقط در موارد نادری به توطئه های سرگرم کننده روی می آورد و عنصری از کنش را در ترکیب وارد می کند ("در مسابقه ساز" ، 1656 ، درسدن). با این حال، تمام تصاویر او یک شخصیت کاملا فردی دارند. در تمام شخصیت هایی که او به تصویر می کشد نوعی شعر سبک و سبک وجود دارد و در کنار این شعر و نرمی، حس خاصی از سادگی شدید، چیزی واقعاً کلاسیک، بر تمام آثارش نقش بسته است.

ورمیر بدون شک یکی از بزرگترین رنگ نویسان تاریخ هنر اروپای غربی است. نه تنها سلیقه ظریف او در انتخاب رنگ ها، بلکه توانایی یافتن رابطه آنها با یکدیگر، ورمیر را به یکی از ظریف ترین استادان رنگ تبدیل کرده است. او با نهایت حس تناسب و درایت، زرد لیمویی، آبی، بنفش از طیف گسترده ای از سایه ها، مایل به قرمز و سبز کم رنگ را در یک طیف توناژی پر صدا ترکیب می کند. در کار ورمیر از دلفت بود که مشکل هنر سنتی هلندی نور عالی ترین راه حل خود را دریافت کرد. نور مروارید رنگین کمانی یکی از بارزترین ویژگی های نقاشی استاد دلفت است. همچنین شکی نیست که ورمیر از دلفت یکی از ماهرترین تکنسین های زمان خود بود. چند نقاشی او با بافتی غنی و متنوع نوشته شده است. روش او در به کار بردن رنگ، از پیش تعیین کردن تکنیک بعدی امپرسیونیست ها، به خود ورمیر امکان داد تا اشیاء نور را با تمام انضمام تصویری آن به تصویر بکشد. نور در نقاشی‌های ورمیر فقط یک رسانه شفاف نیست، بلکه هوای سرشار از انتقال‌های ظریف رنگ‌های نقره‌ای است.

ورمیر کاری را انجام داد که هیچ کس در قرن هفدهم انجام نداد: او مناظری را از طبیعت نقاشی کرد ("خیابان"، "نمای دلفت"). آنها را می توان اولین نمونه های نقاشی با هوا نامید. بلوغ، کلاسیک در سادگی، هنر ورمیر برای دوره های آینده اهمیت زیادی داشت.

اوج رئالیسم هلندی، حاصل دستاوردهای تصویری فرهنگ هلندی قرن هفدهم. اثر رامبراند است. اما اهمیت R.، مانند هر هنرمند برجسته ای، فراتر از محدوده هنر هلندی و مکتب هلندی است. رامبراند با اشغال یک مکان مرکزی در مدرسه هلندی در دوران اوج شکوفایی آن، هنوز از هنرمندان متعدد سرزمین خود جدا ایستاده است. آنها با وسعت دامنه علایق هنری رامبراند و روانشناسی عمیق آثار او بیگانه ماندند.

هارمنس ون راین رامبرانددر سال 1606 در لیدن به دنیا آمد و فرزند یک صاحب آسیاب آرد ثروتمند بود. او در اوایل جذب نقاشی را کشف کرد و پس از اقامت کوتاهی در دانشگاه لیدن، کاملاً خود را وقف هنر کرد. در پایان دوره معمول سه ساله مطالعه با هنرمند محلی بی‌اهمیت یاکوب سواننبورگ، رامبراند برای پیشرفت به آمستردام رفت و در آنجا شاگرد لاستمن شد. لاستمن، صنعتگر ماهری که در ایتالیا آموزش دیده است، رامبراند را با اثر کیاروسکورو آشنا کرد که برای انتقال حجم و آشکار کردن درام اکشن استفاده می شود. این تکنیک به اصلی ترین چیز در کار هنرمند تبدیل خواهد شد. سال‌های بعد، رامبراند در لیدن کار کرد و به عنوان استاد صحنه‌های کتاب مقدس و اساطیری شهرت پیدا کرد. بنابراین، معمولاً سال های 1625-1632 نامیده می شود. دوره لیدن از کار او.

در سال 1632 به آمستردام نقل مکان کرد و در آنجا بلافاصله با نوشتن «درس آناتومی دکتر تولپ» به شهرت رسید. دهه 30، زمان بالاترین شکوه است، مسیر kt با این تصویر برای نقاش باز شد که یک پرتره گروهی محسوب می شود و نام دیگری "درس آناتومی" دارد. روی این بوم، مردم با عمل متحد می شوند، همه در حالت های طبیعی ارائه می شوند، توجه آنها به شخصیت اصلی - دکتر تولپ جلب می شود که ساختار ماهیچه ها را در یک جسد نشان می دهد. او با فروشنده هنری هندریک ون اویلنبورخ زندگی می‌کند، که از او حمایت می‌کند، سفارش‌هایی را برای پرتره ترتیب می‌دهد، که برای هنرمند جوان به عنوان یک استاد موفق شیک شهرت ایجاد می‌کند. در سال 1634، رامبراند با موفقیت با خواهرزاده هندریک، ساسکیا ازدواج کرد و تا سال 1639، همراه با همسرش، خانه ای باشکوه در پایتخت به دست آورد. تا اوایل دهه 1640. او از موفقیت زیادی با مشتریان برخوردار است، این زمان رفاه شخصی اوست. رامبراند در شاهکار معروف این دوره - "خود پرتره با ساسکیا روی زانو" (حدود 1635، گالری هنر، درسدن)، خود را با همسر جوانش در میز جشن به تصویر کشید. طغیان ملایم رنگ‌های طلایی، جریان‌های نوری که در تصویر نفوذ می‌کنند، حال و هوای شاد یک هنرمند جوان و موفق و همسرش پر از امید و رویا را منتقل می‌کنند.

تمام این دوره با عاشقانه پوشیده شده است. نقاش به طور خاص در آثار خود به دنبال دور شدن از زندگی روزمره کسل کننده است. او خود و ساسکیا را در لباس های مجلل نقاشی می کند، با لباس های خارق العاده و آرایش سر، ترکیب های دیدنی ایجاد می کند، در همه چیز، در حالت ها، در حرکات، چیز رایج غالب است - لذت بودن. (ساسکیا به عنوان فلورا). زبان باروک به بیان این روحیه بسیار نزدیک است. رامبراند در این دوره تا حد زیادی تحت تأثیر باروک ایتالیایی است.

در زوایای پیچیده، شخصیت های نقاشی «فدای ابراهیم» (1635) در برابر ما ظاهر می شوند. این تصویر وضعیت روحی ابراهیم را نشان می دهد که با ظهور ناگهانی یک فرشته فرصتی برای احساس لذت رهایی از یک قربانی وحشتناک یا قدردانی نداشت، اما تاکنون فقط احساس خستگی و گیجی می کند.

رامبراند همیشه به قلمزنی (حکاکی) و طراحی توجه زیادی داشت و خیلی زود به بزرگترین استاد تکنیک گرافیک در اروپا تبدیل شد. پرتره ها و مناظر اجرا شده توسط او در تکنیک حکاکی، صحنه های روزمره و مذهبی با تازگی تکنیک های هنری، روانشناسی عمیق تصاویر، غنای کیاروسکورو، بیان و لکونیسم خطوط متمایز می شدند. حدود دو هزار طرح از رامبراند به دست ما رسیده است. در میان آنها می توان به طرح های آماده سازی، طرح های طرح برای نقاشی ها، طرح هایی از صحنه های زندگی روزمره و ایده های متولد شده در تخیل او اشاره کرد.

در آغاز دوره اولیه خلاقیت، یکی از مشهورترین نقاشی های او "نگهبان شب" ظاهر می شود - یک پرتره گروهی از صنف تفنگ. اما گروه پورتر نام رسمی محصول است که برخاسته از تمایل مشتریان است. رامبراند در The Night Watch رویکرد جدیدی به ژانر پرتره گروهی، سنتی برای هنر هلندی، اتخاذ می کند. این نقاشی (1642، موزه ریکس، آمستردام) یک پرتره گروهی از اعضای انجمن تیراندازی کاپیتان بنینگ کوک است و توسط هنرمند به عنوان یک صحنه واقعی خیابانی حل شده است. رامبراند ترتیب ایستا همه شرکت کنندگان پذیرفته شده در آن زمان را کنار گذاشت و صحنه ای پر از حرکت ایجاد کرد. تضاد نور و سایه، احساسی بودن نقاشی، هیجان رویداد را منتقل می کند. این تصویر شخصیتی تاریخی به خود می گیرد و از افراد شجاعی می گوید که با سلاح در دست آماده دفاع از آزادی و استقلال ملی میهن خود هستند. مشتریان قصد هنرمند را درک نکردند و با شروع از این تصویر، درگیری با محیط غالب تشدید می شود، اما انرژی استاد را کاهش نمی دهد و رامبراند به خلق بوم های واقع گرایانه ادامه می دهد که به دلیل تأثیر احساسی قابل توجه است. . آهنگسازی رایگان تماشایی و بدون شک تا حدی تئاتری، همانطور که قبلاً ذکر شد، هدف نمایندگی هر یک از مشتریان را نداشت. بسیاری از چهره‌ها در کیاروسکورو تیز به سادگی ضعیف خوانده می‌شوند، در تضاد سایه‌های ضخیم و نور روشن خورشید، جدایی از CT بیرون می‌آید (در قرن نوزدهم تصویر آنقدر تاریک شد که تصویری از یک صحنه شب در نظر گرفته شد، بنابراین نام نادرست کاپیتان روی لباس روشن ستوان، ثابت می کند که شب نیست، روز است). حضور غریبه ها در این صحنه به خصوص دختر بچه ای با لباس زرد طلایی برای بیننده نامفهوم و پوچ به نظر می رسید. همه چیز در اینجا باعث حیرت و عصبانیت مردم شد و می توان گفت که با این تصویر کشمکش بین هنرمند و جامعه آغاز می شود. با مرگ ساسکیا در همان سال، گسست طبیعی رامبراند با محافل برگر که برای او بیگانه بودند رخ می دهد.

مهارت واقع بینانه رامبراند در طول سال ها عمیق تر شد. او از جزئیات غیر ضروری و جلوه های تزئینی به نفع عمق بیشتر و شدت احساسی تصویر هنری خودداری می کند. یک مکان بسیار بزرگ در کار هنرمند شروع به گرفتن یک پرتره مجلسی می کند. رامبراند زندگی معنوی یک فرد را آشکار می کند که گویی در زمان و مکان ماندگار است. این یک نوع پرتره-بیوگرافی است. به عنوان مثال، «پرتره یک پیرزن»، «هندریکجه در پنجره»، «خواندن تیتوس»، پرتره‌های دوستان هنرمند N. Breining، J. Six، پرتره‌های متعدد از خود (بیش از صدها با رنگ روغن). و زغال چوب).

دهه 40-50 - این زمان بلوغ خلاق است.این زمان اضافه شدن سیستم خلاق او است که از آن چیزهای زیادی به گذشته تبدیل می شود و ویژگی های جدید و ارزشمندی به دست می آید. او در این دوره اغلب به سراغ آثار قدیمی می رود تا آنها را به شیوه ای جدید بازسازی کند. این مورد در مورد دانایی بود که در سال 1636 نقاشی کرد. با روی آوردن به نقاشی در دهه 1940، هنرمند وضعیت عاطفی خود را تشدید کرد. او قسمت مرکزی را با قهرمان و خدمتکار بازنویسی کرد. با اشاره ای جدید به دانایی که دستش را بلند کرده بود، هیجان زیادی به او گفت، ابراز شادی، امید و جذابیت. نور نقش بزرگی ایفا می کند: شار نورانی، همانطور که بود، شکل دانایی را در بر می گیرد، او همه از عشق و شادی می درخشد، این نور به عنوان بیان احساسات انسانی درک می شود.

در اوایل دهه 50، این هنرمند یکی پس از دیگری شاهکارها را خلق می کند. او قبلاً از مد افتاده بود، اما مشتریان ثروتمند ترجمه نشدند.

در این سال‌ها، او غنایی‌ترین و شاعرانه‌ترین جنبه‌های وجودی انسان، انسان را که جاودانه و جهانی است، برای تفسیر انتخاب می‌کند: عشق مادرانه، شفقت. کتاب مقدس بزرگترین مطالب را به او می دهد و از آن صحنه هایی از زندگی خانواده مقدس است. نقاشی ارمیتاژ خانواده مقدس (1645) که در موضوع خود مذهبی است، اما در تفسیر طرح صرفاً ژانر است، بسیار مشخصه آن زمان است.

همراه با ترکیب بندی های ژانر کتاب مقدس، این دوره مملو از نوع جدیدی از تصویرسازی واقعیت برای رامبراند است - مناظر. او با ادای احترام به تمایلات رمانتیک خود، همراه با این، تصاویری از یک روستای بی‌آرایش هلندی را خلق می‌کند که با رویکردی واقع‌گرایانه مجذوب کننده است. "نمای زمستانی" کوچک (1646، کاسل)، که یک حیاط دهقانی را در پرتو یک روز یخبندان و چندین چهره بر روی سطح صاف یک کانال یخ زده را به تصویر می‌کشد، یکی از کامل‌ترین نمونه‌های منظره رئالیستی هلندی است. از ظرافت احساس و حقیقت ادراک بصری.

با وجود وسعت و ارزش هنری آنچه در این دوره خلق شد، وضعیت مالی رامبراند تا اواسط دهه 1650 بسیار دشوار بود. رامبراند به دلیل کاهش تعداد سفارشات، فروش دشوار تابلوها و به ویژه سهل انگاری استاد در انجام امور، مشکلات مالی زیادی را تجربه کرد. بدهی مربوط به به دست آوردن یک خانه گران قیمت در طول زندگی ساسکیا با نابودی کامل مواجه شد. تلاش برای رهایی از بدهی تنها می‌توانست فاجعه را به تأخیر بیندازد، اما همچنان رخ داد. در تابستان 1656، رامبراند ورشکست شد و تمام دارایی او در حراجی فروخته شد. او که از خانه معمولی خود محروم بود، مجبور شد به همراه خانواده خود به محله یهودیان فقیر پایتخت تجاری نقل مکان کند و در اینجا آخرین روزهای او در کمبود شدیدی سپری شد.

این ناملایمات، مانند بدبختی‌هایی که بعداً بر سر رامبراند آمد - مرگ هندریک، مرگ تنها پسرش تیتوس - در متوقف کردن رشد بیشتر نبوغ او ناتوان بود.

پایان دهه‌های 1650 و 1660 غم‌انگیزترین سال‌های زندگی ر. همانطور که بود، ترکیبی از تمام جستجوهای روانشناختی و تصویری قبلی او را نشان می دهد. در این تصاویر همه چیز از گذرا و تصادفی پاک شده است. جزئیات به حداقل می رسد، ژست ها، حالت ها، کج شدن سر به دقت فکر شده و درک می شوند. شکل ها بزرگ شده اند، نزدیک به صفحه جلوی بوم. حتی آثار کوچک این سال‌ها جلوه‌ای از عظمت خارق‌العاده و یادبود واقعی را ایجاد می‌کنند. ابزار اصلی بیان نور و خطوط هستند. در مورد مرحوم ر صحیح تر است که بگوییم رنگ او «نور» است، زیرا در بوم هایش نور و رنگ یکی است، رنگ هایش به نظر می رسد نور ساطع می کند. این تعامل پیچیده رنگ و نور به خودی خود یک هدف نیست، محیط عاطفی و ویژگی های روانی تصویر را ایجاد می کند.

در پرتره، رامبراند اکنون در انتخاب مدل‌ها آزادتر است و بیشتر چهره‌هایی را با فردیت برجسته نقاشی می‌کند. اینها عمدتاً زنان مسن و یهودیان مسن هستند. اما با همان تیزبینی می تواند جذابیت چهره یک زن جوان یا جذابیت ظاهری جوان را منتقل کند. همه چیز کوچک در این پرتره ها جای خود را به ارائه کلی، اما در عین حال غیرعادی واضح از تصویر می دهد. این امر تا حد زیادی با افزایش وسعت روش اجرای فنی تسهیل می شود.

فینال در تاریخ پرتره گروهی تصویر رامبراند از بزرگتر پارچه فروشی بود - به اصطلاح. سندیکس (1662، آمستردام). به شایستگی یکی از قله های کار رامبراند به حساب می آید). ویژگی روانشناختی تیز، سادگی ساخت، پنهان کردن خطاناپذیری ریتم خطوط و توده ها، و همچنین خسیس بودن در تعداد رنگ ها، اما رنگ آمیزی شدید، کل مسیر قبلی رامبراند را به عنوان یک نقاش پرتره خلاصه می کند.

رامبراند در سال های بلوغ (دهه 50) بهترین اچینگ های خود را خلق کرد. عمق تحلیل روانشناختی که رامبراند را متمایز می کند، واقع گرایی بیانی تصاویر و کمال تسلط بر تکنیک هنری در یک سری طولانی از صفحات شگفت انگیز منعکس شد که از نظر موضوعی حتی از نقاشی استاد بسیار متنوع تر بودند. از معروف ترین آنها می توان به "مسیح که بیماران را شفا می دهد" (به اصطلاح "برگ صد فلورین"، حدود 1649)، "سه صلیب" (1653)، پرتره های لوتما (1656)، هارینگ (1655)، شش اشاره کرد. (1647)، و همچنین مناظر معروف به سه درخت (1643) و املاک وزن‌گر طلا (1651).

نقش به همان اندازه در میراث گرافیکی رامبراند توسط نقاشی ها اشغال شده است. وضوح و اصالت درک رامبراند از جهان پیرامون در این صفحات متعدد و متنوع با نیروی خاصی منعکس شد. نحوه طراحی، مانند سبک نقاشی رامبراند، به طور قابل توجهی در طول رشد خلاق استاد تکامل می یابد. اگر نقاشی‌های اولیه رامبراند با جزئیات و ترکیب‌بندی نسبتاً پیچیده کار شده بود، در دوره پخته‌ترش آنها را به شیوه‌ای تصویری گسترده، به طور غیرمعمول مختصر و ساده اجرا می‌کرد. رامبراند معمولاً با قلم غاز یا نی نقاشی می کشید و با کمک ساده ترین تکنیک ها می توانست به قدرت بیان استثنایی دست یابد. R. 2000 طراحی از خود به جای گذاشت. نقاشی‌های او، حتی زمانی که طرح‌های کوچکی از انگیزه‌های معمولی هستند، یک کل کامل هستند و به طور کامل همه تنوع طبیعت را منتقل می‌کنند.

پایان کار R. را می توان بوم باشکوه او "بازگشت پسر ولگرد" (حدود 1668-1669، هرمیتاژ) دانست که در آن قد زیبایی شناختی و مهارت تصویری هنرمند با بیشترین کمال خود را نشان داد. مَثَل انجیل درباره مرد جوانی که خانه را ترک کرد، ثروت خود را هدر داد و بدبخت، ژنده پوش، تحقیر شده نزد پدرش بازگشت، هنرمند مملو از محتوایی عمیقاً انسانی است. ایده نجیب عشق به یک فرد رنجور در اینجا در تصاویری آشکار می شود که در متقاعد کننده بودن زندگی آنها چشمگیر است. چهره پدر نیمه کور پیر و اشاره دستانش بیانگر مهربانی بی‌پایان است و پیکر پسر در پارچه‌های کثیف و چسبیده به پدر، توبه‌ای خالصانه و عمیق است. شاید هیچ نقاشی دیگری از رامبراند این همه احساسات عمیق و دلسوزانه را برانگیزد. رامبراند به بینندگان خود در مورد عشق و بخشش آموخت. در آینده، در سال ها و ماه های اخیر، زندگی رامبراند در ظاهر آرام پیش می رود. او پس از زنده ماندن هندریکجه و تیتوس، در 4 اکتبر 1669 درگذشت.

ر. تأثیر زیادی در هنر داشت. هیچ نقاشی در هلند وجود نداشت که تأثیر یک هنرمند بزرگ را تجربه نکرده باشد، که فردیناند بول (1616-1680)، گربراند ون دن اکگوت (1621-1674) و آرت د گلدر (1645-1727) مشهورترین آنها بودند. آنها با تسلط بر مضامین، تکنیک های ترکیب بندی و انواع معلمان، با این وجود در نقاشی فیگور خود فراتر از تقلید بیرونی از تکنیک های رامبراند پیش نرفتند. برعکس، تأثیر زنده استاد، قطعاً روی نقاشان منظره مجاور او - فیلیپس کونینک (1619-1688)، دومر (1622-1700) و دیگران تأثیر گذاشت. اما اکثریت به او خیانت کردند و به سمت آکادمیک و تقلید از فلاندرزهای شیک و سپس فرانسوی رفتند.

همانطور که اغلب در تاریخ هنر اتفاق می افتد، رامبراند با وجود استعداد درخشانش، در فقر و تنهایی، استاد فراموش شده و بی فایده ای درگذشت. اما هر چه زمان بیشتر می گذرد، میراث هنرمند در نظر بشر ارزشمندتر می شود. بدون اغراق می توان گفت که رامبراند یکی از بزرگترین هنرمندان تاریخ هنر جهان است. بسیاری آن را بی نظیر می نامند. قبر رامبراند گم شده است، اما آثار او برای قرن ها زنده خواهد ماند.

در ربع آخر قرن هفدهم افول نقاشی هلندی آغاز می شود، از دست دادن هویت ملی آن، و از همان ابتدا. قرن 18 پایان دوران بزرگ رئالیسم هلندی در راه است.

مذهب اصلی پروتستانتیسم است. هلندی ها شروع به ساختن پرتره ای از هلند کردند. اینها پرتره هایی از برندگان جنگ، مناظر، طبیعت بی جان، ژانر یا نقاشی روزمره آنها هستند. اینها نقاشی هایی با ترکیب سیاه و سفید دوران باروک هستند. برای اولین بار در اینجا تخصص هنرمندان ظاهر می شود. فقط استادان طبیعت بی جان یا منظره ظاهر شدند. 12 نوع چشم انداز: شهری، دریا، تپه، آبشار، منظره جنگلی. در همان ابتدای هنر هلندی، پرتره به سمت اصلی تبدیل می شود. در نیمه اول قرن هفدهم، بزرگترین نقاش پرتره در هلند فرانس هالس است.

اثر فرانس هالس.

در سال 1574 در Antwarpan متولد شد. سپس خانواده او به هارلم نقل مکان می کنند. در آنجا با هنرمند ون مندر تحصیل کرد. ون مندر بیوگرافی هنرمندان بزرگ هلندی را تهیه کرده است. فرانس هالس موفق شد یک انقلاب کامل در پرتره ایجاد کند. هالز پویایی را به پرتره ها می آورد. "ضیافت افسران شرکت سنت جورج" -اولین کاری که برای او محبوبیت به ارمغان آورد. هالس افسران را در حین عیاشی به تصویر می کشد، هر افسر به نوبه خود به تصویر کشیده می شود. تصویر یک مورب فعال است. همه چیز بر اساس اصل عدم تقارن ساخته شده است. به رنگ فعال است.

هالز پرتره های خود را خیلی سریع و با استفاده از یک قلم موی پویا باز نقاشی می کند. "کولی". نام بسیار مشروط است. " مالی بابا»- اسمیر به شدت رها شده را باز کنید. در این زمان تقریباً در تمام آثار هالز همه شخصیت های او خندان هستند. "کاوالیر خندان"

پویایی در پرتره به ویژه فعال است. ویلیام ون گیت گایزن. حتی یک طرح از هالز حفظ نشده است. به احتمال زیاد او پرتره های خود را بدون طراحی نقاشی می کرد و خیلی سریع نقاشی می کرد.

هالز ون دایک را در دو ساعت نقاشی کرد. ون دایک از او دعوت کرد تا با او به انگلستان برود.

همسفر نعمت.نوشته شده به همان شیوه سریع و پویا که هالز دوست داشت بنویسد.

هالز همچنین پرتره های جدی کشید: "پرتره پیتر ون دن بروک"یک پرتره سفارشی، بنابراین هالس با جزئیات می نویسد، یک پرتره بسیار محدود و مختصر رنه دکارت. پرتره خانواده،این منظره توسط پیتر مولین برای او نقاشی شده است. پرتره زن -پرتره بسیار رسا از هالز. پرتره اسحاق ماسا و همسرش -پرتره دوستش

در 30 سالگی نقاشی کشید پرتره افسران گروهان سنت آندریان.هر فیگور نوبت و حرکت خاص خود را دارد. در دهه 40، نقاشی هالز به طرز چشمگیری تغییر می کند. در این زمان، پرتره ون دایک مد شد. پرتره های 40-50 ساله - پرتره هایی با غلبه رنگ سیاه. از آنها پرتره نایب السلطنه یک خانه سالمندان. 27 سایه سیاه در این پرتره وجود دارد. یکی از آخرین آثار هالز - مدیران خانه سالمندان.تصویر پیری به وجود می آید. پوسیدگی گوشت را در پرتره می رساند. کاملاً متفاوت، او یک پرتره می کشد نایب‌های بیمارستان سنت الیزابت.پرتره به وضوح انتخاب یک مثلث از چهره ها را نشان می دهد، هر چهره به وضوح قابل مشاهده است. هالس در طول زندگی خود بیش از 200 نقاشی خلق کرد. یک موزه در هارلم وجود دارد. تقریباً تمام کارهای آنها در آنجا جمع آوری شده است.

اثر رامبراند ون راین.

این یکی از هنرمندان بزرگ قرن هفدهم است. در سال 1606 در خانواده یک آسیابان در شهر لیدن متولد شد. پسر در اصل بسیار با استعداد بود. رامبراند مدتی در دانشگاه تحصیل می کند. 14 ساله بود که دعوت خود را به نقاشی احساس کرد و دانشگاه را ترک کرد. او در کنار رودخانه انباری اجاره می کند و در ۱۶ سالگی مدرسه خود را ایجاد می کند. هنرمندانی مانند Doe در مدرسه او تحصیل می کنند. اولین آثاری که نوشتند - تبعید، تاجران از معبد.او در اولین آثارش از تعلق به باروک صحبت می کند. اثر دارای ترکیب بندی مورب، ترکیب سایه روشن است. در لیدن، سلف پرتره او کشیده شد. کار بافت غیر معمول. در این زمان وزیر هلندی از راه می رسد و چند اثر از رامبراند را می خرد. رامبراند لیدان را ترک می کند و به آمستردام می رود و در آنجا وارد استودیوی هنرمند Lastman می شود. یک نور غیر واقعی در آثار ظاهر می شود. این به ویژه در تصویر قابل توجه است بی ایمانی توماس . در آمستردام، او اولین سفارش یک پرتره گروهی را دریافت می کند. – آناتومی دکتر لاله . در اینجا او یک تصویر کشید فداکاری ابراهیم حضرت ارمیا در خرابه های اورشلیم. در نقاشی، سر قدیس نور ساطع می کند. موفقیت او در نقاشی باعث شد تا با ساسکی ون النبورگ ازدواج کند. رامبراند یک قصر در آمستردام می خرد. سلف پرتره با ساسوکه روی پاهایش. ساساکی با گل.در همان سالی که ساسکی بیمار است، رامبراند سفارشی برای یک پرتره گروهی از شرکت کاپیتان کوک دریافت می کند - تماشای شب. خروج تیراندازان به تمرینات را به تصویر می کشد. این نقاشی شاهکاری از رامبراند در دهه 40 است. تصویر بر اساس تابعیت ساخته شده است. دعوای طولانی بر سر بدهی های رامبراند آغاز شد. خداحافظی داوود با جاناتاندر همان سال نوشته شده است نگهبان شب.این تابلو توسط پیتر کبیر خریداری شد و به یکی از اولین نقاشی های هرمیتاژ تبدیل شد.

دانایی

هندریکه خدمتکار رامبراند دستیار قابل اعتمادی شد. او همسر دوم رامبراند خواهد شد. در تصویر خانواده مقدس با فرشتگاندر این تصویر دو مورب نور وجود دارد، تصویر با نور گرم نفوذ می کند. هندریک در یک پرتره ظاهر می شود - هندریک پشت پنجره، زن حمام کننده، ورساویا،در تاریخچه تصویر داستان دیوید و ورساویا نهفته است.

داوود و اوریانور نقش مهمی در تصویر دارد.

پرتره ژان شش.تمام توجهات معطوف به صورت است.

توطئه کلودیوس سیویلیساین تنها نقاشی از تاریخ هلندی رامبراند است. .

پرتره پیرمردی با لباس قرمز.بیوگرافی پرتره. پرتره ای در زمان

پرتره یک یهودی پیر.در این پرتره، تنها چیزهای اصلی برجسته شده اند: صورت و دست ها.

پرتره یک زن مسن.در این پرتره، ظریف ترین انتقال از نور به سایه است.

پرتره خواندن تیتوس.

پرتره شاعر دکر.

اسور، هامان، اسفیر.اثر اصلی آخرین نقاشی های رامبراند. تصویر بر اساس یک راه حل نوری بسیار پیچیده است.

رامبراند تکرار این نقاشی را به تصویر می کشد هامان از اسفیر استغفار می کند.

رامبراند سفارش یک پرتره گروهی دریافت می کند - سندیک ها

عروس یهودی.موضوع عشق موضوع اصلی این تصویر است. این نقاشی مورد علاقه ون گوگ و سوتین است.

پرتره خانواده.پرتره گروهی پرتره ای خیالی از خانواده اش.

دو سلف پرتره

در 66-68، رامبراند تصویری را ترسیم می کند بازگشت پسر ولگردکه کار او را به پایان می رساند.

سیمون در معبدآخرین نقاشی او.

رامبراند در سال 1669 درگذشت. او شاگردان زیادی داشت: جرارد دو، فابریسیوس، گلدر یکی از آخرین شاگردان رامبراند. مدرسه او تا پایان قرن هفدهم وجود داشت.

موضوعات اعتباری:

احیای آلمان

باروک ایتالیایی معماری باروک لورنزو برنینی، فرانچسکو بورومینی و کارلو مدرنو. مجسمه برنینی. دو نقاش کاراواجو و آنیبالی کراچی. روبنس. وان دایک. اردن ها اسنایدرز بروور.

منظره هلندی قرن هفدهم.

جان فن گوین.

با مناظر رودخانه ای مشخص می شود.

آسیاب کنار رودخانهمنظره معمولی هلندی

منظره رودخانه.

تقریباً همیشه در آثار او نور آسمان بر روی زمین منعکس می شود.

سالومون ریسدیل

او مناظر صبح زود نقاشی می کرد.

منظره با واگنمنظره مشخص برای این نقاش

گذرگاه کشتیصبح بادی

او یکی از هنرمندان اصلی قرن هفدهم، یعقوب ریزاد را پرورش داد.

یعقوب ریسدیل.

نمایی از ادموندنور در آسمان، منظره ریتمیک، برج ناقوس عمودی دقیقاً با فرمت عمودی مطابقت دارد.

جیکوب هر 12 نوع منظره را نقاشی کرد و چندین نوع را خودش خلق کرد.

ریصدل استاد بزرگ چشم انداز جنگل بود.

قبلاً معاصران خاطرنشان کردند که Reisdal روانشناس جنگل است. هر درختی پرتره مخصوص به خود را دارد.او زندگی نامه ای از درخت می نویسد.

منظره جنگلی

دریاچه در میان درختان.در پیش زمینه یک درخت افتاده، در کنار آن یک درخت خشک، و در اعماق درختان توس جوان است. چندین سن درخت وجود دارد. او این تکنیک را به مجموعه ای از نقاشی ها منتقل می کند:

رودخانه ای در جنگل

جنگل بلوط

مرداب

منظره جنگلی

جاده

منظره پانوراما: درون قلعه آنها، منظره ای با ویرانه های قلعه و کلیسا.

آسیاب در وکا.چشم انداز اصلی Reisdal. ریسدیل عمدا آسیاب را بزرگ می کند. این منظره یکی از نمادهای هلند است.

سه اثر اصلی هالند: دیده بان شب، آسیاب در وکا، نمایی از شهر دلتا.

دو تابلو با همین عنوان: قبرستان یهودیاننقاشی خیالی. این حالت را در هنگام رعد و برق منتقل می کند. در پیش زمینه یک درخت خشک، اما هنوز زنده است. نهر جاری نماد زندگی سریع است. این درخت در پس زمینه درختی سرزنده و سرسبز به تصویر کشیده شده است. در پیش زمینه سنگ قبری با پرتره ای از خود هنرمند و امضای ریسدال قرار دارد. در اعماق معبدی را می بینیم که تقریباً ویران شده است و در همان زمان می بینیم که چگونه پس از رعد و برق یک رنگین کمان ظاهر می شود - نماد امید. اعتصاب نور مرکزی یک بنای تاریخی است. تصویر دارای تکرار است، معنایی حتی واضح تر از زندگی و مرگ ایجاد می کند. تصویر دوم دارای تاریکی شدید است، کنتراست چوب خشک و سبز بسیار واضح به تصویر کشیده شده است. دال با پرتره Reisdael دوباره ظاهر می شود و معبد ظاهر خود را تغییر داده است، مانند موجودی با حدقه های بزرگ - تصویر دنیای در حال مرگ. Reisdael به عنوان خالق در نظر گرفته شده است چشم انداز فلسفی

Reisdael مناظر زمستانی مانند: منظره زمستانی، زمستانکه به موضوع تنهایی می پردازد. ریسدال نویسنده خلق و خوی منظره است.

او همچنین استاد نقاشی دریایی بود: طوفان در دریا، ساحل دریا.

او استاد منظر شهری بود: نمای آمستردام با رودخانه آمستل، نمای هارلم (نمایی از زادگاهش).

در سال های اخیر، Reisdael مناظر زیادی را نقاشی کرده است که آبشارها را به تصویر می کشد: منظره صخره ای با آبشار، آبشاری در نروژ، آبشار.

دو آسیاب- یک چشم انداز غیر معمول، یک آسیاب به وضوح قابل مشاهده است، و دومی در اعماق قرار دارد.

منظره کوهستانی با قایق بادبانییکی از آخرین آثار ریسدیل او در این اثر زندگی خود را خلاصه می کند. این یک منظره شاعرانه و غنایی است.

اثر مندت هوبم.

او شاگرد ریسدیل بود.

کوچه میانی در هارلز. او اولین کسی بود که مناظر طبیعی را نقاشی کرد.گاهی از روی نقشه های منظره مناظر نقاشی می کرد.

او در انگلستان محبوب بود و به ظهور چشم انداز انگلیسی کمک کرد. توماس گنسبرا، ترنر، جان کنستبل بر کارهای هوبم و ریسدیل تکیه کردند.

بزرگترین استاد منظره واقع گرایانه. علاوه بر چشم انداز انگلیسی، آغاز منظر ملی فرانسه نیز تا حد زیادی متجلی شد.

سوالات بلیط:

کار رامبراند.

با پیروزی نظام بورژوایی و کالوینیسم، سنگرهای هنر یادبود، تزئینی و کلیسایی در هلند فروریخت. وظایف نقاشی قصرها و قلعه ها که توسط هنرمندان باروک در کشورهای سلطنتی تعیین شده بود، تقریباً در هلند انجام نشد. اشراف برای اطمینان از وجود یک هنر تزئینی بزرگ بسیار ضعیف بودند. از سوی دیگر، کالوینیسم با نقاشی در معابد خود مخالف بود.
با این حال تقاضا برای نقاشی بسیار زیاد بود. عمدتاً از افراد خصوصی و به‌علاوه تا حد زیادی از حلقه‌هایی می‌آمد که ثروت مادی زیادی نداشتند. نوع نقاشی‌های سه‌قلوی کوچک که برای آویزان کردن در اتاق‌هایی با اندازه متوسط ​​طراحی شده‌اند، توسعه یافته و غالب می‌شوند. در کنار سفارش‌ها، نقاشی‌ها حتی بیشتر برای بازار هنر اجرا می‌شدند و تجارت در آنها گسترده بود. تقاضای زیاد برای نقاشی منجر به تولید عظیمی شد و به دلیل تولید بیش از حد آنها، بسیاری از هنرمندان مجبور شدند علاوه بر حرفه مستقیم خود به دنبال منابع دیگری برای امرار معاش باشند. نقاشان برجسته اغلب یا باغبان هستند یا نگهبان میخانه ها یا کارمندان (گوین، استن، گوبهما و غیره).
با توجه به مضامین و تکنیک های تصویری در نقاشی هلندی قرن هفدهم، آغاز رئالیسم کاملاً مسلط است. قبل از هر چیز، هنرمند موظف بود که اشکال بیرونی زندگی اطراف را در همه تنوع پدیده های آن صادقانه منتقل کند.
افزایش اهمیت فرد در جامعه جدید بورژوایی منجر به گسترش فوق العاده پرتره شد. یک دوره طولانی مبارزه، جایی که برنده قدرت خود را احساس کرد، به این روند کمک کرد. نقش بزرگی که سازمان های مختلف در آن زمان ایفا کردند، و در درجه اول جوامع تیراندازی، نوع خاصی از پرتره عمومی گروهی را زنده کرد که به طور گسترده توسعه یافته و به یکی از پدیده های خاص نقاشی هلندی تبدیل می شود. پس از پرتره‌های گروهی متعدد تیراندازان، گروه‌هایی از نمایندگان مغازه‌های مختلف تجاری، شرکت‌های پزشکی (به اصطلاح «آناتومی») و روسای صدقه‌ها ماهیت مشابهی دارند.
شدت مقاومت در برابر متجاوزان خارجی، احساس ملی را تیزتر کرد. از هنر، نه تنها صداقت لازم بود - بلکه باید مردمان خود، مردمی و وضعیت امروز، تصاویری بدون تزئین از طبیعت بومی، هر آنچه که ذهن به آن افتخار می کرد و چشم به دیدن آن عادت داشت را به تصویر می کشید: کشتی ها، گاوهای زیبا، غذای فراوان، گل. در کنار پرتره، ژانر، منظره، تصاویر حیوانات و طبیعت بی جان به انواع غالب تم ها تبدیل شدند. نقاشی مذهبی که توسط کلیسای پروتستان طرد شد، مستثنی نشد، اما نقش مهمی ایفا نکرد و شخصیتی کاملاً متفاوت با کشورهای کاتولیک حاکم به دست آورد. آغاز عرفانی با تفسیری واقع گرایانه از طرح ها جایگزین شد و نقاشی های این دایره عمدتاً در قالب های نقاشی روزمره پوشیده شد. صحنه هایی از تاریخ باستان به عنوان یک استثنا رخ می دهد و برای اشاره به رویدادهای سیاسی جاری استفاده می شود. آنها مانند همه تمثیل ها در محافل باریک درگیر در علایق ادبی و بشردوستانه موفق بودند.
ویژگی بارز مکتب هلندی در این زمان، تخصص محدودی است که دائماً در بین نمایندگان آن در انواع خاصی از موضوعات مشاهده می شود. این تخصص منجر به تمایز ژانرها می شود: برخی از هنرمندان تقریباً به طور انحصاری صحنه های روزمره از زندگی اقشار متوسط ​​و بالای بورژوازی را توسعه می دهند، در حالی که برخی دیگر بر زندگی دهقانی تمرکز می کنند. در میان نقاشان منظره، بسیاری به سختی می توانند چیزی جز دشت، کانال، روستا و مراتع بیابند. دیگران توسط نقوش جنگل جذب می شوند، برخی دیگر در به تصویر کشیدن دریا تخصص دارند. هنرمندان هلندی نه تنها وظیفه انتقال دقیق اشیا و پدیده های به تصویر کشیده شده را برعهده خود می گذارند، بلکه تلاش می کنند تا تصوری از فضا و همچنین تأثیر بر فرم های جو و نوری که آنها را در بر می گیرد، به نمایش بگذارند. مشکل انتقال نور و هوا، جستجوی تصویری کلی و اساسی مکتب هلندی قرن هفدهم است. بنابراین، نقاشی به طور غیر ارادی آغازی از احساس می شود و باعث ایجاد حالات خاصی در مخاطب می شود.
ربع اول قرن هفدهم یک دوره انتقالی برای نقاشی هلند است، زمانی که ویژگی های ذکر شده هنوز به طور کامل توسعه نیافته اند. از جنبه موضوعی، انواع اصلی نقاشی هلندی - منظره و زندگی روزمره - هنوز تفاوت چندانی با هم ندارند. عناصر ژانر و منظر در نقاشی های این زمان اغلب معادل هستند. قراردادهای زیادی در تصاویر صرفا بصری وجود دارد، هم در ساخت کلی منظره و هم در رنگ آمیزی.
در کنار سنت‌های واقع‌گرایانه محلی که همچنان به حیات خود ادامه می‌دهند، نفوذ ایتالیا، به‌ویژه، هم گرایش‌های رفتارگرایانه آن و هم هنر واقع‌گرایانه کاراواجو قوی است. معمولی ترین نماینده جهت دوم هانتهورست (1590-1656) بود. تأثیر هنرمند آلمانی آدام الشایمر ​​(1578-1610) که در آغاز قرن هفدهم کار می کرد، بر هلندی نیز بسیار محسوس است. رمانتیسم تفسیر مضامین برگزیده از کتاب مقدس یا ادبیات کهن، و نیز شرق شناسی معروف (جاذبه به شرق) که در انتخاب انواع، لباس و جزئیات دیگر بیان شده است، در آثار او با افزایش میل به جلوه های تزئینی. به عنوان بزرگترین هنرمند این گروه، پیتر لستمن (1583-1633) به میدان آمد.
فرانس هالس. فرانس هالس (حدود 1580-1666) اولین هنرمندی است که مکتب هلندی با آثارش به شکوفایی کامل خود می رسد. فعالیت او تقریباً به طور کامل در هارلم بود. در اینجا، در حدود سال 1616، او به عنوان یک نقاش برجسته پیشرفته پرتره ارتقا یافت و تا پایان عمر نقش خود را در این زمینه حفظ کرد. با ظهور هالس، پرتره هلندی کاملا واقعی و کاملاً فردی به بلوغ می رسد. هر چیزی ترسو، خرده پا، طبیعت گرایانه، که پیشینیان او را متمایز می کند، غلبه می کند.
مرحله اولیه هنر خالص مشخص نشده است. بلافاصله استاد را می بینیم که سخت ترین مشکل یک پرتره گروهی را حل می کند. او یکی پس از دیگری تصاویری را ترسیم می کند که تیراندازان شرکت St. آدریان و سنت. جورج (موزه هارلم، فرانس هالس)، جایی که هم شور و نشاط یک جلسه شلوغ و هم درخشندگی انواع هر یک از حاضران با سهولت بی نظیری منتقل می شود. مهارت تصویری و تدبیر ترکیب بندی گروه بندی ها در این پرتره ها با وضوح فوق العاده ویژگی ها دست به دست می شود. هالز روانشناس نیست: زندگی ذهنی مدل هایش معمولاً از کنار او می گذرد. بله، و او برای بیشتر افرادی می نویسد که کل زندگی آنها در شرایط فعالیت شدید و شدید می گذرد، اما در مسائل روانشناختی زیاد غوطه ور نمی شود. اما هالز، مانند هیچ کس دیگری، ظاهر این افراد را به تصویر می کشد، می تواند زودگذر ترین، اما در عین حال مشخص ترین را در حالت چهره، در حالت، در ژست ها به تصویر بکشد. او که ذاتاً شاد است، تلاش می کند تا هر تصویر را در لحظه احیا، شادی ثبت کند و هیچ کس مانند او خنده را با ظرافت و تنوع منتقل نمی کند. پرتره یک افسر (1624، لندن، مجموعه والاس)، در حال تاب خوردن بر روی صندلی "گیته هاوزن" (اواخر دهه 1630، بروکسل، گالری هنری)، "کولی" (اواخر دهه 1620، لوور)، یا به اصطلاح "جادوگر هارلم"، - «مال باب» (برلین) را می توان از نمونه های بارز هنر تند و غالباً تند و تیز او نام برد. مردان، زنان، کودکان توسط او با همان احساس یک تصویر زنده به تصویر کشیده می شوند ("پرتره مرد جوان با دستکش"، حدود 1650، ارمیتاژ). احساس سرزندگی نیز توسط خود تکنیک Hals تسهیل می شود که به طور غیرمعمول آزاد است و در طول سال ها در وسعت آن رشد می کند. درخشندگی تزئینی آثار اولیه متعاقباً تعدیل می‌شود، رنگ نقره‌ای می‌شود، آزادی در استفاده از رنگ‌های سیاه و سفید از مهارتی صحبت می‌کند که می‌تواند جسارت تصویری جسورانه را داشته باشد. در برخی از آثار، تکنیک‌های امپرسیونیستی راه‌حل‌های رنگی مشخص شده است. هالس تا آخرین سال‌های زندگی‌اش پرتره‌های انفرادی بی‌شماری می‌کشد، اما دوباره به پرتره‌های گروهی ختم می‌شود. در رنگ تعمیم یافته، ضعف پیری دست را در نقاشی آشکار می کند، با این وجود به طور غیرعادی رسا باقی می مانند. شخصیت های آنها نشان دهنده گروه هایی از بزرگان خانه صدقه (1664، هارلم، موزه فرانس هالس) است، جایی که این هنرمند هشتاد ساله آخرین پناهگاه خود را پیدا کرد. هنر او در زمان خود آنقدر پیشرفته بود که موفقیت مادی را در محیط جامعه بورژوایی آن زمان تضمین نمی کرد.
رامبراند. یک نسل بعد از هالز، شخصیت غول پیکر رامبراند (1606-1669) در پس زمینه رئالیسم هلندی در حال ظهور برمی خیزد. کار او بزرگترین افتخار هلند است، اما اهمیت این استاد به یک ملیت محدود نمی شود. رامبراند را یکی از بزرگترین نقاشان رئالیست تمام دوران و در عین حال یکی از بزرگترین استادان نقاشی می دانند.
رامبراند هارمنزون ون راین در سال 1606 در لیدن به دنیا آمد و پسر یک صاحب آسیاب آرد ثروتمند بود. او در اوایل جذب نقاشی را کشف کرد و پس از اقامت کوتاهی در دانشگاه لیدن، کاملاً خود را وقف هنر کرد. در پایان دوره معمول سه ساله مطالعه با هنرمند محلی بی‌اهمیت یاکوب سواننبورگ، رامبراند برای پیشرفت به آمستردام رفت و در آنجا شاگرد لاستمن شد. او با تسلط بر تعدادی از تکنیک های دومی، تأثیر جهت واقع گرایانه کارواژیست ها را نیز درک کرد.
با بازگشت به لیدن، رامبراند به عنوان یک استاد مستقل شروع به کار کرد، موفقیت زیادی کسب کرد و این موفقیت او را بر آن داشت که به آمستردام نقل مکان کند، جایی که از سال 1631 در آنجا ساکن شد. در اینجا رامبراند خیلی زود به یک هنرمند شیک تبدیل شد، با دستورات بمباران شد و توسط بسیاری از دانش آموزان محاصره شد. در همان زمان، درخشان ترین زمان در زندگی شخصی او باز شد.
در سال 1634 با دختری جوان و زیبا به نام ساسکیا ون اولنبورگ که از خانواده‌ای بورژوای سرشناس در آمستردام بود ازدواج کرد و ثروت زیادی به عنوان جهیزیه برای او به ارمغان آورد. این رونق رو به رشد استاد موفق را افزایش داد، استقلال مادی را برای او فراهم کرد و در عین حال به او اجازه داد تا به اشتیاق جمع آوری آثار هنری و انواع عتیقه جات تسلیم شود.
پیش از این در طول اقامت رامبراند در لیدن، و حتی بیشتر از آن پس از نقل مکان به آمستردام، ویژگی های اصلی هنر او با اطمینان کامل تأثیر می گذارد. دایره تصاویر او موضوعات مذهبی، تاریخ، اساطیر، پرتره، ژانر، دنیای حیوانات، منظره، طبیعت بی جان را در بر می گیرد. در مرکز توجه رامبراند هنوز یک شخص قرار دارد، انتقال صحیح شخصیت ها و حرکات معنوی از نظر روانی. این علاقه به مشکلات روانی در پرتره‌های بی‌شماری و همچنین مضامین مورد علاقه رامبراند در کتاب مقدس مشهود است که به او فرصتی برای به تصویر کشیدن روابط و شخصیت‌های انسانی می‌دهد. هدیه شگفت انگیز روایت ذاتی استاد به او اجازه می دهد تا نه تنها با بیان تصاویر، بلکه با ارائه سرگرم کننده طرح انتخاب شده، مخاطب را مجذوب خود کند.
تصاویر رامبراند درک عمیق واقع گرایانه او را از وظایف هنر نشان می دهد. او دائماً طبیعت را مطالعه می کند و با هوشیاری به همه اشکال واقعیت اطراف نگاه می کند. توجه او به هر چیزی که ویژگی به وضوح بیان می شود جلب می کند: حالات چهره، حرکات، حرکات، لباس. او مشاهدات خود را یا در نقاشی ها یا در طرح های زیبا ثابت می کند. دومی عمدتاً در اوایل دوره او قرار می گیرد. سپس دانش اکتسابی از فرم و بیان آن جزء لاینفک تمام آثار ترکیبی رامبراند می شود و به آنها صداقت خارق العاده ای می بخشد.
به موازات افزایش توجه به ماهیت پدیده ها، رامبراند کاملاً در مسائل صرفاً تصویری و عمدتاً مشکل کیاروسکورو غرق شد. اصالت و مهارت تصمیمات او باعث شهرت او به عنوان بزرگترین نقاش شد. پیچیدگی نور رامبراند، همراه با جلوه های رنگی، ارزش هنری بالایی در نقاشی های استاد دارد. اما این فقط یک ارزش تزئینی مستقل نیست. در رامبراند، تعبیر جلوه های نوری در عین حال یکی از ابزارهای اصلی آشکار ساختن ماهیت تصاویر است. ترکیب او بر اساس نسبت صفحات روشن و سایه است. توزیع آنها که برخی از فرم ها را برجسته می کند و برخی دیگر را پنهان می کند، توجه بیننده را به آنچه برای روایت یا شخصیت پردازی اهمیت ویژه ای دارد جلب می کند و از این طریق بیانگری را افزایش می دهد. جنبه زیبا به طور ارگانیک با محتوا مرتبط است.
فعالیت هنری رامبراند از ابتدا تا انتها با وحدت درونی آغشته است. اما با این وجود، مسیر خلاقانه او تشخیص تعدادی از مراحل به وضوح بیان شده را امکان پذیر می کند که با برخی ویژگی های خاص مشخص می شود.
پس از سالها شاگردی و اولین قدم های مستقل، دهه 1630 مرحله جدیدی است. در این دوره، رامبراند از یک سو عناصر رمانتیک و فانتزی قوی و از سوی دیگر ویژگی های رسمی هنر باروک است. تصور فانتزی در این مورد عمدتاً توسط تأثیر روشنایی برانگیخته می شود ، که همیشه به منبع خاصی بستگی ندارد ، اما همانطور که بود توسط توانایی تابشی خود اشیاء ایجاد می شود. برای گرایش‌های باروک هنر رامبراند در این دوره، هیجان زبان هنری، پویایی و حماقت ترکیب‌بندی‌ها و تا حدی تندی رنگ نشان‌دهنده است. در این مرحله، رامبراند تمایل دائمی به تئاتری کردن تصاویر دارد، و استاد را وادار می کند تا خود و عزیزانش را با لباس های باشکوه، کلاه ایمنی، عمامه، بره، نقاشی کند یا ساسکیا را به عنوان قهرمان های کتاب مقدس یا به عنوان یک الهه باستانی به تصویر بکشد.
او به پرتره های سفارشی البته به شیوه ای متفاوت برخورد می کند. ویژگی هایی که آنها را متمایز می کند با سرزندگی، تسلط بر فرم های مجسمه سازی، جستجوی ظرافت و در عین حال شدت خاصی، شهرت آن زمان او را به عنوان یک نقاش پرتره توجیه می کند. پرتره گروهی، معروف به "آناتومی دکتر تولیپ" (1632، لاهه، موریتشویس،) که در آن ویژگی های مشخص شده با توانایی متحد کردن چهره های به تصویر کشیده شده با توجه مشترک به سخنرانی تولیپ در کالبدشناسی پیوست. جدول، اولین موفقیت خاص رامبراند بود.
رامبراند با وفور بسیار زیاد آثار پرتره که در دهه مورد بررسی قرار می‌گیرد، زمانی را برای نقاشی‌های داستانی و داستانی که او را مجذوب خود کرده بود، پیدا کرد. فرشته ترک خانواده توبیاس (1637، لوور) نمونه ای از ویژگی های باروک بارز این دوره است. طرح وام گرفته شده از کتاب مقدس، که لحظه ای را نشان می دهد که فرشته ای که به پسر توبیاس کمک کرد تا پدرش را شفا دهد، خانواده ای را که برکت داده است ترک می کند، با عناصر این ژانر اشباع شده است. رویکرد ژانر مشخص‌تری به موضوع در نقاشی ارمیتاژ به نام «مثل شراب‌کاران» (1637) به تصویر کشیده شده است. در این مورد، مَثَل انجیل به صحنه ای کاملاً واقع گرایانه از تسویه حساب بین مالک ثروتمند و کارگران تبدیل می شود. وفاداری ژست ها و حالات چهره در اینجا کمتر از مشکل تصویری انتقال نور از پنجره های کوچک و محو شدن در اعماق اتاقی مرتفع و نیمه تاریک از ویژگی های رامبراند نیست.
مهارت تصویری و رنگ طلایی مایل به سبز، مشخصه رامبراند در دهه 1630، به طور کامل در یکی از مشهورترین نقاشی های او، دانای ارمیتاژ (1636) متجلی شده است. با احساس زندگی در انتقال بدن، در ژست، در بیان چهره، به طور غیرعادی به وضوح واقع گرایی مفهوم هنری استاد را در این زمان از رشد خلاقانه او آشکار می کند.
با آغاز دهه 1640، کار رامبراند وارد مرحله جدیدی می شود که تا اواسط دهه بعد ادامه دارد. درک مستقل استاد از وظایف هنر، میل او به حقیقت عمیق در زندگی، علاقه او به مشکلات روانی، که در طول سال ها بیشتر و بیشتر آشکار می شد، در رامبراند بزرگترین فردیت خلاق را آشکار کرد که بسیار جلوتر از فرهنگ بورژوازی بود. جامعه اطراف او محتوای عمیق هنر رامبراند برای دومی غیرقابل دسترس بود. هنری می خواست که واقع گرایانه اما سطحی تر باشد. اصالت تکنیک های نقاشی رامبراند، به نوبه خود، در تضاد با شیوه نگارش دقیق و تا حدودی شیک پذیرفته شده عمومی بود. همانطور که روزهای مبارزات قهرمانانه ملی برای استقلال به گذشته منتقل شد، ذائقه محیط حاکم تمایل به ظرافت و ایده آل سازی خاصی از تصویر را افزایش داد. ناسازگاری دیدگاه های رامبراند که با استقلال مادی او تقویت شد، او را به انحراف کامل از جامعه سوق داد. این گسست از محیط بورژوایی به وضوح در ارتباط با سفارش به استاد یک پرتره گروهی بزرگ از انجمن تیراندازان آمستردام منعکس شد. تابلویی که در نتیجه این سفارش اجرا شد (1642، آمستردام) مشتریان را راضی نکرد و حتی توسط محافل هنری نیز مورد سوء تفاهم قرار گرفت. رامبراند به جای یک گروه پرتره کم و بیش معمول، تصویری از عملکرد یک جوخه مسلح ارائه کرد که با صدای طبل به دنبال رهبران خود می شتابند. خصوصیات پرتره کسانی که به تصویر کشیده شده بودند قبل از پویایی صحنه در پس زمینه فرو رفت. تصور گسترده تضادهای کیاروسکورو به این تصویر شخصیتی رمانتیک داد و نام مشروط آن - "نگهبان شب" را به وجود آورد.
درگیری با محیط غالب و افت شدید سفارشات در نتیجه بر انرژی خلاق استاد تأثیری نداشت. همچنین تغییر در شرایط خانوادگی رامبراند را منعکس نمی کند، او همسر محبوب خود را در سال خلق تابلوی یادشده، که الهام بخش دائمی تصاویر زنانه او بود، از دست داد. چند سال بعد دیگری جای آن را می گیرد. هندریک استوفلز که ابتدا در نقش متواضعانه یک خدمتکار ظاهر می شود، سپس به دوست وفادار استاد در زندگی تبدیل می شود و آرامش و آرامش خانواده را برای او فراهم می کند.
دوره آتی برای توسعه هنر رامبراند مساعد بود. شور و شوق جوانی از کارش محو می شود. متمرکزتر، متعادل تر و حتی عمیق تر می شود. پیچیدگی ترکیب بندی ها و شیطنت ها با تمایل به سادگی جایگزین شده است. صداقت احساس با جستجوی اثرات بیرونی نقض نمی شود. مشکل کیاروسکورو همچنان توجه استاد را به خود جلب کرده است. رنگ گرم تر می شود. تن های زرد طلایی و قرمز در آن غالب است. نقاشی ارمیتاژ خانواده مقدس (1645) که در موضوع خود مذهبی است، اما در تفسیر طرح صرفاً ژانر است، بسیار مشخصه آن زمان است.
همراه با ترکیب بندی های ژانر کتاب مقدس، این دوره مملو از نوع جدیدی از تصویرسازی واقعیت برای رامبراند است - مناظر. او با ادای احترام به تمایلات رمانتیک خود، همراه با این، تصاویری از یک روستای بی‌آرایش هلندی را خلق می‌کند که با رویکردی واقع‌گرایانه مجذوب کننده است. "نمای زمستانی" کوچک (1646، کاسل)، که یک حیاط دهقانی را در پرتو یک روز یخبندان و چندین چهره بر روی سطح صاف یک کانال یخ زده را به تصویر می‌کشد، یکی از کامل‌ترین نمونه‌های منظره رئالیستی هلندی است. از ظرافت احساس و حقیقت ادراک بصری.
در پرتره، رامبراند اکنون در انتخاب مدل‌ها آزادتر است و بیشتر چهره‌هایی را با فردیت برجسته نقاشی می‌کند. اینها عمدتاً زنان مسن و یهودیان مسن هستند. اما با همان تیزبینی می تواند جذابیت چهره یک زن جوان یا جذابیت ظاهری جوان را منتقل کند. همه چیز کوچک در این پرتره ها جای خود را به ارائه کلی، اما در عین حال غیرعادی واضح از تصویر می دهد. این امر تا حد زیادی با افزایش وسعت روش اجرای فنی تسهیل می شود.
با وجود وسعت و ارزش هنری آنچه در این دوره خلق شد، وضعیت مالی رامبراند تا اواسط دهه 1650 بسیار دشوار بود. رامبراند به دلیل کاهش تعداد سفارشات، فروش دشوار تابلوها و به ویژه سهل انگاری استاد در انجام امور، مشکلات مالی زیادی را تجربه کرد. بدهی مربوط به به دست آوردن یک خانه گران قیمت در طول زندگی ساسکیا با نابودی کامل مواجه شد. تلاش برای رهایی از بدهی تنها می‌توانست فاجعه را به تأخیر بیندازد، اما همچنان رخ داد. در تابستان 1656، رامبراند ورشکست شد و تمام دارایی او در حراجی فروخته شد. او که از خانه معمولی خود محروم بود، مجبور شد به همراه خانواده خود به محله یهودیان فقیر پایتخت تجاری نقل مکان کند و در اینجا آخرین روزهای او در کمبود شدیدی سپری شد.
این ناملایمات، مانند بدبختی‌هایی که بعداً بر سر رامبراند آمد - مرگ هندریک، مرگ تنها پسرش تیتوس - در متوقف کردن رشد بیشتر نبوغ او ناتوان بود. پایان دهه های 1650 و 1660 باشکوه ترین مرحله کار رامبراند است. همانطور که بود، ترکیبی از تمام جستجوهای روانشناختی و تصویری قبلی او را نشان می دهد. قدرت استثنایی تصاویر، سادگی ایده، شدت رنگ تند و گستردگی بافت تصویری از ویژگی های اصلی این دوره است. این خصوصیات هم در پرتره ها و هم در ترکیب بندی های کتاب مقدس به یک اندازه مشهود است. پرتره گروهی از "Sindiki" (بزرگان مغازه پارچه فروشی، 1662، آمستردام) که در این زمان ایجاد شد، به شایستگی یکی از اوج کار رامبراند در نظر گرفته می شود. ویژگی روانشناختی تیز، سادگی ساخت، پنهان کردن خطاناپذیری ریتم خطوط و توده ها، و همچنین خسیس بودن در تعداد رنگ ها، اما رنگ آمیزی شدید، کل مسیر قبلی رامبراند را به عنوان یک نقاش پرتره خلاصه می کند. در زمینه نقاشی کتاب مقدس نیز همین نقش متعلق به بازگشت پسر ولگرد واقع در ارمیتاژ است. صحنه آشتی پسری که از فسقش توبه کرد و پدری بخشنده از نظر سادگی، درام و ظرافت انتقال تجربیات انسانی در هنر جهانی بی نظیر است. یافتن چیزی برابر از نظر غنای لحن و وسعت نوشتار برای او دشوار است.
پسر ولگرد یکی از آخرین نقاشی های استاد است و ظاهراً مربوط به سال 1669 - سال مرگ رامبراند است. این مرگ کاملا بی توجه گذشت و تنها سال ها بعد، در قرن هجدهم، درک هنر این هنرمند بزرگ شروع به رشد کرد.
اهمیت رامبراند، همراه با نقاشی استاد، به دلیل میراث عظیم او به عنوان یک گرافیست است. تمام ویژگی‌های آثار رامبراند که در بالا ذکر شد، در کارهای گرافیکی کمتر از نقاشی، و علاوه بر این، هم در طراحی‌های اصلی و هم در زمینه گرافیک چاپی و حکاکی مشخص نبود. از نظر اخیر، رامبراند بزرگترین استاد قلمزنی است.
برای شخصیت پردازی آن، حکاکی ها کمتر از نقاشی ها اهمیت ندارند. عمق تحلیل روانشناختی که رامبراند را متمایز می کند، واقع گرایی بیانی تصاویر و کمال تسلط بر تکنیک هنری در یک سری طولانی از صفحات شگفت انگیز منعکس شد که از نظر موضوعی حتی از نقاشی استاد بسیار متنوع تر بودند. از معروف ترین آنها می توان به "مسیح که بیماران را شفا می دهد" (به اصطلاح "برگ صد فلورین"، حدود 1649)، "سه صلیب" (1653)، پرتره های لوتما (1656)، هارینگ (1655)، شش اشاره کرد. (1647)، و همچنین مناظر معروف به سه درخت (1643) و املاک وزن‌گر طلا (1651).
نقش به همان اندازه در میراث گرافیکی رامبراند توسط نقاشی ها اشغال شده است. وضوح و اصالت درک رامبراند از جهان پیرامون در این صفحات متعدد و متنوع با نیروی خاصی منعکس شد. نحوه طراحی، مانند سبک نقاشی رامبراند، به طور قابل توجهی در طول رشد خلاق استاد تکامل می یابد. اگر نقاشی‌های اولیه رامبراند با جزئیات و ترکیب‌بندی نسبتاً پیچیده کار شده بود، در دوره پخته‌ترش آنها را به شیوه‌ای تصویری گسترده، به طور غیرمعمول مختصر و ساده اجرا می‌کرد. رامبراند معمولاً با قلم غاز یا نی نقاشی می کشید و با کمک ساده ترین تکنیک ها می توانست به قدرت بیان استثنایی دست یابد. نقاشی‌های او، حتی زمانی که طرح‌های کوچکی از انگیزه‌های معمولی هستند، یک کل کامل هستند و به طور کامل همه تنوع طبیعت را منتقل می‌کنند.
هنر رامبراند به عنوان یک کل توسط معاصرانش درک نشده باقی ماند. با این حال، در طول دوره موفقیت، مدرسه بسیار زیادی از دانش آموزان در اطراف او ایجاد شد، که مشهورترین آنها فردیناند بول (1616-1680)، گربراند ون دن اکگوات (1621-1674) و هنر د گلدر (1645-1727) بودند. ). آنها با تسلط بر مضامین، تکنیک های ترکیب بندی و انواع معلمان، با این وجود در نقاشی فیگور خود فراتر از تقلید بیرونی از تکنیک های رامبراند پیش نرفتند. برعکس، تأثیر زنده استاد، قطعاً روی نقاشان منظره مجاور او - فیلیپس کونینک (1619-1688)، دومر (1622-1700) و دیگران تأثیر گذاشت. صرف نظر از این، توسعه او در مسئله نور سنگ بنای توسعه تمام نقاشی های هلندی بعدی شد.
با این حال، کار رامبراند تنها در قرن نوزدهم به رسمیت شناخته شد. و از آن لحظه به بعد، او یکی از عالی ترین نمونه های تجسم واقعی و در عین حال زیبای تصاویر است.