هنرمندان ونیز مدرسه نقاشی ونیزی. جیووانی بلینی، "پدر نقاشی ونیزی"

آخرین شهر ایتالیا، نه زودتر از اواسط قرن پانزدهم، ونیز با ایده های رنسانس آغشته بود. برخلاف بقیه ایتالیا، او آن را به روش خودش زندگی کرد. ونیز شهری مرفه و پرهیز از درگیری های نظامی، مرکز تجارت دریایی، خودکفا بود. استادان آن چنان خود را از هم دور نگه داشتند که وقتی وازاری فلورانسی در اواسط قرن شانزدهم شروع به جمع‌آوری مطالب برای «زندگی مشهورترین نقاشان، مجسمه‌سازان و معماران» کرد، نتوانست جزئیات زندگی‌نامه را به دست آورد. مردمی که یک قرن پیش از آن زندگی کردند و همه را در یک فصل کوتاه متحد کردند.


بلینی. "معجزه در پل سنت لارنس". از دیدگاه هنرمندان ونیزی، همه مقدسین در ونیز زندگی می کردند و بر روی گوندولاها حرکت می کردند.

استادان ونیز به دنبال مطالعه ویرانه های باستانی در رم نبودند. آنها بیزانس و شرق عربی را که جمهوری ونیزی با آن تجارت می کرد بسیار بیشتر دوست داشتند. علاوه بر این، آنها عجله ای برای چشم پوشی از هنر قرون وسطایی نداشتند. و دو ساختمان معروف شهر - کلیسای جامع سنت مارک و کاخ دوج - دو دسته "دسته" معماری زیبا هستند: اولی حاوی نقوش هنر بیزانسی است و دومی با طاق لنستی قرون وسطایی و الگوی عربی همزیستی دارد.

لئوناردو داوینچی، بزرگ فلورانسی، نقاشانی را که بیش از حد به زیبایی رنگ علاقه داشتند، محکوم کرد و تسکین را مزیت اصلی نقاشی می دانست. ونیزی ها نظر خود را در این مورد داشتند. آنها حتی یاد گرفتند که چگونه توهم حجم را ایجاد کنند، تقریباً بدون توسل به رنگ و سایه، اما با استفاده از سایه های مختلف همان رنگ. «زهره خفته» نوشته جورجیونه اینگونه نوشته شده است.

جورجیونه "رعد و برق". داستان فیلم همچنان یک راز باقی مانده است. اما واضح است که هنرمند بیشترین علاقه را به حال و هوای شخصیت در حال حاضر ، در این مورد ، لحظه قبل از طوفان داشت.

هنرمندان اوایل رنسانس نقاشی‌ها و نقاشی‌های دیواری را با مزاج که در دوران باستان اختراع شده بود، نقاشی می‌کردند. رنگ‌های روغنی از دوران باستان شناخته شده بودند، اما نقاشان تنها در قرن پانزدهم با آنها همدردی کردند. استادان هلندی اولین کسانی بودند که تکنیک رنگ روغن را بهبود بخشیدند.

از آنجایی که ونیز در جزایری در وسط دریا ساخته شده بود، به دلیل رطوبت زیاد هوا، نقاشی های دیواری به سرعت از بین رفتند. استادان نمی‌توانستند روی تخته‌ها بنویسند، همانطور که بوتیچلی «ستایش مغ» را نوشت: آب زیادی در اطراف وجود داشت، اما جنگل کمی. آنها روی بوم با رنگ روغن نقاشی می کردند و در این زمینه بیشتر به نقاشان معاصر شباهت داشتند تا دیگر نقاشان دوره رنسانس.

هنرمندان ونیزی با علم خونسردی برخورد کردند. آنها در تطبیق پذیری استعدادها تفاوتی نداشتند و فقط یک چیز را می دانستند - نقاشی. اما آنها به طرز شگفت انگیزی شاد بودند و با خوشحالی هر چیزی را که چشم را خوشحال می کرد به بوم منتقل کردند: معماری ونیزی، کانال ها، پل ها و قایق ها با گوندولاها، منظره طوفانی. جیووانی بلینی، هنرمند مشهور در زمان خود در شهر، به گفته وازاری، با نقاشی پرتره برده شد و آنچنان همشهریان خود را به آن آلوده کرد که هر ونیزی که به موقعیت مهمی می رسید عجله داشت که پرتره خود را سفارش دهد. و برادرش جنتیله به نظر می‌رسید که سلطان ترک را با نقاشی از طبیعت تا اعماق روحش شوکه کرد: وقتی او "خود دوم" خود را دید، سلطان آن را یک معجزه در نظر گرفت. تیتین پرتره های زیادی کشید. مردم زنده برای هنرمندان ونیز جالب تر از قهرمانان ایده آل بودند.

این واقعیت که ونیز با نوآوری ها به تعویق افتاد چیز خوبی بود. او بود که دستاوردهای رنسانس ایتالیا را در سال‌هایی که در شهرهای دیگر محو شده بود، تا جایی که می‌توانست حفظ کرد. مکتب نقاشی ونیزی به پلی بین رنسانس و هنری تبدیل شد که جایگزین آن شد.

میراث مکتب نقاشی ونیزی درخشان ترین صفحه در تاریخ رنسانس ایتالیا است.

ونیز یکی از مراکز پیشرو فرهنگ ایتالیا بود. این یکی از مکاتب اصلی نقاشی ایتالیایی به حساب می آید. اوج شکوفایی مکتب ونیزی را به قرن های پانزدهم تا شانزدهم نسبت می دهند.
معنی نام "مدرسه ونیزی" چیست؟
در آن زمان، بسیاری از هنرمندان ایتالیایی در ونیز کار می کردند که با اصول هنری مشترک متحد شده بودند. این اصول تکنیک های رنگی روشن، تسلط بر انعطاف پذیری نقاشی رنگ روغن، توانایی دیدن معنای تأیید کننده زندگی طبیعت و خود زندگی در شگفت انگیزترین جلوه های آن است. ونیزی ها با ذائقه همه چیز منحصر به فرد، غنای عاطفی ادراک، تحسین از تنوع فیزیکی و مادی جهان مشخص می شدند. در زمانی که ایتالیا تکه تکه شده در اثر نزاع از هم پاشیده شده بود، ونیز رونق می گرفت و بی سر و صدا بر روی سطح صاف آب ها و فضای زندگی شناور می شد، گویی بر خلاف رنسانس عالی متوجه پیچیدگی وجود یا عدم اندیشیدن به آن نیست. ، که خلاقیتش با افکار و جستجوهای پیچیده تغذیه می شد.
تعداد کمی از نمایندگان برجسته مکتب نقاشی ونیزی وجود دارد: پائولو ونزیانو، لورنزو ونزیانو، دوناتو ونزیانو، کاتارینو ونزیانو، نیکولو سمیتکولو، جاکوبلو آلبرنو، نیکولو دی پیترو، یاکوبلو دل فیوره، یاکوپو بلینی، آنتونیو ویوارینی، بارتولوم. بلینی، جیووانی بلینی، جاکومتو ونزیانو، کارلو کریولی، ویتوریو کریولی، آلویسه ویوارینی، لازارو باستیانی، کارپاچیو، سیما دا کونگلیانو، فرانچسکو دی سیمون دا سانتاکروسه، تیتیان، جورجیونه، پالما وکیو، ژورجیونه، پالما وکیو، سئومبونوتو، لورنزوباستیو ، پائولو ورونزه.
بیایید فقط در مورد چند مورد از آنها صحبت کنیم.

پائولو ونزیانو (قبل از 1333 - پس از 1358)

پائولو ونزیانو مدونا و کودک (1354)، لوور
او را یکی از بنیانگذاران مکتب هنری ونیزی می دانند. همه در خانواده پائولو ونزیانو هنرمند بودند: پدر و پسرانش: مارکو، لوکا و جیووانی.

در آثار پائولو ونزیانو، هنوز ویژگی های نقاشی بیزانسی وجود دارد: پس زمینه طلایی و رنگ های روشن، و بعدها - ویژگی های گوتیک.
این هنرمند کارگاه هنری خود را ایجاد کرد که در آن عمدتاً به موزاییک و تزئین کلیساها مشغول بود. آخرین اثر امضا شده این هنرمند محراب تاج گذاری است.

تیتیان (1488/1490-1576)

تیتیان "خود پرتره" (حدود 1567)
تیتیان وچلیو نقاش ایتالیایی دوره رنسانس است. او در موضوعات کتاب مقدس و اساطیری تصاویر و همچنین پرتره ها را نقاشی می کرد. قبلاً در سن 30 سالگی به عنوان بهترین نقاش ونیز شناخته می شد.
تیتیان در خانواده گرگوریو وچلیو، دولتمرد و رهبر نظامی به دنیا آمد. تاریخ دقیق تولد او مشخص نیست.
تیتیان در سن 10 یا 12 سالگی به ونیز آمد و در آنجا با نمایندگان مکتب ونیزی ملاقات کرد و با آنها درس خواند. اولین آثار تیتیان که به طور مشترک با جورجیونه اجرا شد، نقاشی های دیواری در Fondaco dei Tedeschi بود که تنها قطعاتی از آن باقی مانده است.
سبک تیتیان آن زمان بسیار شبیه به سبک جورجیونه است، او حتی نقاشی را برای او به پایان رساند که ناتمام ماند (جورجیون در جوانی از طاعون که در آن زمان در ونیز موج می زد درگذشت).
قلم مو Titian متعلق به بسیاری از پرتره های زنانه و تصاویر مدونا است. آنها سرشار از نشاط، روشنایی احساسات و شادی آرام هستند. رنگ ها تمیز و پر رنگ هستند. نقاشی های معروف آن زمان: "مدونای کولی" (حدود 1511)، "عشق زمینی و عشق آسمانی" (1514)، "زنی با آینه" (حدود 1514).

تیتین "عشق زمینی و عشق بهشتی" رنگ روغن روی بوم، 118x279 سانتی متر. گالری Boghese، رم
این نقاشی به سفارش نیکولو اورلیو، دبیر شورای ده جمهوری ونیز، به عنوان هدیه عروسی او به عروسش ساخته شده است. نام مدرن این تابلو 200 سال بعد شروع به استفاده کرد و قبل از آن نام های مختلفی داشت. هیچ اتفاق نظری بین منتقدان هنری درباره طرح داستان وجود ندارد. در پس زمینه منظره ای از غروب خورشید، یک زن ونیزی با لباس های غلیظ در سرچشمه نشسته است و یک ماندولین در دست چپ خود دارد و یک زهره برهنه که کاسه ای از آتش در دست دارد. کوپید بالدار با آب بازی می کند. همه چیز در این تصویر در معرض احساس عشق و زیبایی همه جانبه است.
سبک تیتیان با مطالعه آثار استادان بزرگ رنسانس رافائل و میکل آنژ به تدریج توسعه یافت. هنر پرتره او به اوج خود می رسد: او بسیار زیرک بود و می دانست چگونه ویژگی های متناقض شخصیت افراد را ببیند و به تصویر بکشد: اعتماد به نفس، غرور و وقار، همراه با سوء ظن، ریاکاری و فریب. او می دانست که چگونه راه حل ترکیبی مناسب، ژست، حالت چهره، حرکت، ژست را پیدا کند. او نقاشی های زیادی با موضوعات کتاب مقدس خلق کرد.

تیتیان "مرد را ببین" (1543). بوم، روغن. 242x361 سانتی متر موزه Kunsthistorisches، وین
این نقاشی شاهکار تیتیان به حساب می آید. روی داستان انجیل نوشته شده است، اما هنرمند با مهارت وقایع انجیل را به واقعیت منتقل می کند. پیلاطس روی پله‌ها می‌ایستد و با عبارت «این مرد است» به مسیح خیانت می‌کند تا توسط جمعیتی که در آن جنگجویان و جوانان خانواده‌ای اصیل، سوارکاران و حتی زنان بچه‌دار حضور دارند، تکه تکه شود. . و فقط یک نفر از وحشت آنچه اتفاق می افتد آگاه است - مرد جوان در گوشه سمت چپ پایین تصویر. اما او قبل از کسانی که در این لحظه بر مسیح قدرت دارند، کسی نیست...
در اواخر عمرش، تیتیان تکنیک نقاشی جدیدی را توسعه داد. با قلم مو، کاردک و انگشتانش روی بوم رنگ زد. از آخرین شاهکارهای این هنرمند می توان به نقاشی های "مدفور" (1559)، "اعلامیه" (حدود 1564-1566)، "ونوس چشم بسته کوپید" (حدود 1560-1565)، "حمل صلیب" (1560)، " تارکینیوس و لوکرتیا» (1569-1571)، «سنت. سباستین» (حدود 1570)، «تاج گذاری با خارها» (حدود 1572-1576)، «پیتا» (اواسط دهه 1570).
تابلوی "پیتا" مریم باکره را به تصویر می کشد که از بدن مسیح با کمک نیکودیموس زانو زده حمایت می کند. در سمت چپ آنها مریم مجدلیه ایستاده است. این شکل ها یک مثلث کامل را تشکیل می دهند. تابلوی "پیتا" آخرین اثر این هنرمند محسوب می شود. توسط جاکومو پالما جونیور تکمیل شد. اعتقاد بر این است که تیتیان خود را در تصویر نیکودیموس به تصویر کشیده است.

تیتیان "پیتا" (1575-1576). بوم، روغن. 389x351 سانتی متر گالری آکادمی، ونیز
در سال 1575، اپیدمی طاعون در ونیز آغاز شد. تیتین که توسط پسرش آلوده شده بود، در 27 اوت 1576 درگذشت. او را در حالی که برس در دست داشت روی زمین پیدا کردند.
طبق قانون، اجساد کسانی که در اثر طاعون مرده بودند سوزانده می شد، اما تیتین در کلیسای جامع ونیزی سانتا ماریا گلوریوسا دی فراری به خاک سپرده شد.
کلمات روی قبر او حک شده است: "اینجا تیتیان وچلی بزرگ است -
رقیب زئوس و آپل"

جورجیونه (1476/1477-1510)

جورجیون "خود پرتره" (1500-1510)
یکی دیگر از نمایندگان مکتب نقاشی ونیزی. یکی از بزرگترین استادان رنسانس عالی.
نام کامل او جورجیو باربارلی دا کاستلفرانکو، پس از یک شهر کوچک در نزدیکی ونیز است. او شاگرد جیووانی بلینی بود. او اولین نقاش ایتالیایی بود که منظره زیبا و شاعرانه را وارد نقاشی های مذهبی، اساطیری و تاریخی کرد. او عمدتاً در ونیز کار می‌کرد: او در اینجا محراب‌ها را نقاشی کرد، سفارشات پرتره‌های متعددی را انجام داد، صندوق‌ها، تابوت‌ها و نمای خانه‌ها را طبق رسم آن زمان با نقاشی خود تزئین کرد. در اثر طاعون مرد.
در کار او، آنها به تسلط ماهرانه بر نور و رنگ، توانایی انجام انتقال رنگ صاف و ایجاد خطوط نرم از اشیا اشاره می کنند. علیرغم این واقعیت که او در سنین پایین درگذشت، بسیاری از هنرمندان مشهور ونیزی، از جمله تیتان، شاگردان او محسوب می شوند.
یکی از معروف ترین نقاشی های جورجیونه، جودیت است. به هر حال، این تنها نقاشی این هنرمند است که در روسیه قرار دارد.

جورجیون "جودیت" (حدود 1504). بوم (ترجمه از تابلو)، روغن. 144x68 سانتی متر موزه دولتی ارمیتاژ، سنت پترزبورگ
یکی از بسیاری از آثار هنری زیبا در داستان کتاب مقدس با موضوع داستان جودیت و هولوفرنس. فرمانده هولوفرن، فرمانده ارتش نبوکدنصر، فرمان خود را "برای انجام ... انتقام در تمام زمین" انجام داد. در بین النهرین، او همه شهرها را ویران کرد، همه محصولات را سوزاند و مردان را سلاخی کرد و سپس شهر کوچک Betiluia را که بیوه جوان جودیت در آن زندگی می کرد، محاصره کرد. او راهی اردوگاه آشوری شد و هولوفرنس را اغوا کرد و هنگامی که فرمانده به خواب رفت، سر او را برید. ارتش بدون رهبر نتوانست در برابر ساکنان وتیلوی مقاومت کند و متفرق شد. جودیت خیمه هولوفرنس و تمام ظروف او را به عنوان جام دریافت کرد و به عنوان پیروز وارد وتیلوجا شد.
جورجیونه نه یک تصویر خونین، بلکه یک تصویر صلح آمیز خلق کرد: جودیت شمشیری را در دست راست خود نگه داشته و با دست چپ خود به جان پناهی پایین تکیه داده است. پای چپ او روی سر هولوفرنس قرار دارد. منظره ای آرام از دور باز می شود که نمادی از هماهنگی طبیعت است.

تینتورتو (1518/19-1594)

تینتورتو "خود پرتره"

نام اصلی او جاکوپو روبوستی است. او نقاش مکتب ونیزی اواخر رنسانس بود.
او در ونیز به دنیا آمد و به خاطر شغل پدرش که رنگرز (تینتوره) بود به تینتورتو (رنگرز کوچک) ملقب شد. توانایی نقاشی را زود کشف کرد. مدتی شاگرد تیتیان بود.
ویژگی های متمایز کار او عبارت بود از درام پر جنب و جوش ترکیب، جسارت نقاشی، زیبایی خاص در توزیع نور و سایه ها، گرما و قدرت رنگ ها. او سخاوتمند و غیرمالک بود، نمی توانست برای رفقای خود بیهوده کار کند و فقط هزینه رنگ ها را جبران کند.
اما گاهی اوقات کار او با عجله متمایز می شد که می توان آن را با تعداد زیاد سفارش ها توضیح داد.
تینتورتو عمدتاً برای نقاشی های تاریخی و همچنین پرتره ها شناخته می شود که بسیاری از آنها با ترکیب چهره ها، بیان و قدرت رنگ ها شگفت زده می شوند.
تینتورتو استعداد هنری خود را به فرزندانش نیز منتقل کرد: دخترش، ماریتا روبوستی (1560-1590)، یک نقاش پرتره موفق بود. پسر، دومنیکو روبوستی (1562-1637)، همچنین یک هنرمند، یک نقاش ماهر پرتره بود.

تینتورتو "شام آخر" (1592-1594). بوم، روغن. 365x568 کلیسای سن جورجیو ماگیوره، ونیز را ببینید
این نقاشی به طور خاص برای کلیسای ونیزی سن جورجیو ماگیوره کشیده شده است، جایی که تا به امروز باقی مانده است. ترکیب جسورانه این نقاشی به ترسیم هنرمندانه جزئیات زمینی و الهی کمک کرد. طرح بوم لحظه انجیل است که مسیح نان را می شکند و کلمات را تلفظ می کند: "این بدن من است." اکشن در یک میخانه فقیرانه اتفاق می افتد، فضای آن در گرگ و میش فرو می رود و به لطف یک میز طولانی بی حد و حصر به نظر می رسد. هنرمند به تکنیک کنتراست متوسل می شود: در پیش زمینه در سمت راست چندین شی و فیگور وجود دارد که با طرح ارتباطی ندارند و قسمت بالایی بوم با معنویت عمیق و هیجان عرفانی آغشته است.
حس شگفتی تحت الشعاع تماشای جشن نیست. اتاق پر از نور ماوراء طبیعی است، سرهای مسیح و حواریون توسط هاله های درخشان احاطه شده اند. مورب جدول، عالم الهی را از عالم انسانی جدا می کند.
این بوم آخرین اثر تینتورتو محسوب می شود. چنین مهارتی فقط برای یک هنرمند بالغ در دسترس است.

رنسانس در ونیز بخشی جداگانه و خاص از رنسانس ایتالیا است. اینجا دیرتر شروع شد، بیشتر طول کشید و نقش گرایش های باستانی در ونیز کمترین بود. موقعیت ونیز در میان سایر مناطق ایتالیا را می توان با موقعیت نوگورود در روسیه قرون وسطی مقایسه کرد. این یک جمهوری ثروتمند و مرفه پاتریسیون-بازرگان بود که کلیدهای مسیرهای تجاری دریایی را در دست داشت. تمام قدرت در ونیز متعلق به "شورای نه" بود که توسط کاست حاکم انتخاب می شد. قدرت واقعی الیگارشی در پشت صحنه و ظالمانه از طریق جاسوسی و ترورهای پنهان اعمال شد. قسمت بیرونی زندگی ونیزی تا حد امکان جشن به نظر می رسید.

در ونیز علاقه چندانی به حفاری آثار باستانی وجود نداشت؛ رنسانس آن منابع دیگری داشت. ونیز از دیرباز روابط تجاری نزدیکی با بیزانس، با شرق عرب، و تجارت با هند داشته است. فرهنگ بیزانس ریشه های عمیقی داشت، اما این ریاضت بیزانسی نبود که در اینجا ریشه دواند، بلکه درخشش، درخشش طلایی آن بود. ونیز هم سنت های گوتیک و هم سنت های شرقی را بازسازی کرد (توری سنگی معماری ونیزی که یادآور الحمرا موریس است از آنها صحبت می کند).

کلیسای جامع سنت مارک یک بنای معماری بی سابقه است که ساخت آن در قرن دهم آغاز شد. منحصر به فرد بودن کلیسای جامع این است که به طور هماهنگ ستون های گرفته شده از بیزانس، موزاییک های بیزانسی، مجسمه های روم باستان، مجسمه های گوتیک را با هم ترکیب می کند. ونیز با جذب سنت های فرهنگ های مختلف، سبک خاص خود را توسعه داده است، سکولار، روشن و رنگارنگ. دوره کوتاه مدت اوایل رنسانس نه زودتر از نیمه دوم قرن پانزدهم به اینجا رسید. پس از آن بود که نقاشی های ویتوره کارپاچیو و جیووانی بلینی ظاهر شد که زندگی ونیز را در بستر داستان های مذهبی به تصویر می کشد. V. Carpaccio در چرخه "زندگی سنت اورسولا" با جزئیات و شاعرانه شهر زادگاه خود، چشم انداز آن، و ساکنان آن را به تصویر می کشد.

جورجیون را اولین استاد رنسانس عالی در ونیز می دانند. "زهره خفته" او اثری با خلوص معنوی شگفت انگیز، یکی از شاعرانه ترین تصاویر بدن برهنه در هنر جهان است. ترکیبات جورجیونه متعادل و شفاف هستند و طراحی او با صافی نادری از خطوط مشخص می شود. جورجیونه یک کیفیت ذاتی در کل مکتب ونیزی دارد - رنگ گرایی. ونیزی ها مانند فلورانسی ها رنگ را عنصر فرعی نقاشی نمی دانستند. عشق به زیبایی رنگ، هنرمندان ونیزی را به یک اصل تصویری جدید سوق می دهد، زمانی که مادی بودن تصویر نه چندان با کیاروسکورو که با درجه بندی رنگ به دست می آید. کار هنرمندان ونیزی عمیقاً احساسی است، بی واسطه بودن در اینجا نقش بیشتری نسبت به نقاشان فلورانس دارد.

تیتیان به طور افسانه ای طولانی زندگی کرد - ظاهراً نود و نه سال، و آخرین دوره او مهم ترین دوره است. پس از نزدیک شدن به جورجیونه، او تا حد زیادی تحت تأثیر او قرار گرفت. این امر به ویژه در نقاشی های "عشق زمینی و آسمانی"، "فلور" قابل توجه است - آثاری که در خلق و خوی آرام و در رنگ های عمیق هستند. در مقایسه با جورجیونه، تیتیان چندان غنایی و ظریف نیست، تصاویر زنانه او "دنیوی" تر هستند، اما آنها کمتر جذاب نیستند. زنان آرام، موهای طلایی، تیسیانی، برهنه یا با لباس‌های غنی، گویی طبیعتی غیرقابل نفوذ هستند، «درخشنده با زیبایی ابدی» و کاملاً پاکدامن در شهوانی صریح خود. وعده خوشبختی، امید به خوشبختی و لذت کامل از زندگی یکی از پایه های کار تیتیان است.

تیتیان روشنفکر است، به گفته یکی از معاصران، او "یک گفتگوی باشکوه و باهوش بود که می دانست چگونه همه چیز را در جهان قضاوت کند." تیتین در طول عمر طولانی خود به آرمان های عالی اومانیسم وفادار ماند.

تیتیان پرتره های زیادی را نقاشی کرد و هر یک از آنها منحصر به فرد است، زیرا اصالت فردی ذاتی در هر فرد را منتقل می کند. در دهه 1540، این هنرمند پرتره ای از پاپ پل سوم، حامی اصلی تفتیش عقاید، به همراه نوه هایش الساندرو و اتاویو فارنزه می کشد. از نظر عمق تحلیل شخصیت، این پرتره اثری بی نظیر است. پیرمرد درنده و ضعیف در لباس پاپ شبیه موش گوشه ای است که آماده است تا جایی به کناری هجوم آورد. دو مرد جوان واهی عمل می کنند، اما این اطاعت نادرست است: ما فضای دم کردن خیانت، فریب، دسیسه را احساس می کنیم. ترسناک در پرتره رئالیسم سرسختانه.

در نیمه دوم قرن شانزدهم، سایه ارتجاع کاتولیک بر ونیز می افتد. اگرچه به طور رسمی یک کشور مستقل باقی ماند، تفتیش عقاید در اینجا نیز نفوذ می کند - و با این حال ونیز همیشه به خاطر تساهل مذهبی و روحیه سکولار و آزاد هنر مشهور بوده است. این کشور همچنین دچار فاجعه دیگری می شود: به دلیل شیوع طاعون ویران شده است (تیتین نیز در اثر طاعون درگذشت). در این زمینه، نگرش تیتیان نیز در حال تغییر است، اثری از آرامش سابق او نیست.

در آثار بعدی او غم و اندوه عمیق روحی احساس می شود. در میان آنها، "مریم مجدلیه توبه کننده" و "سنت سباستین" برجسته هستند. تکنیک نقاشی استاد در "سنت سباستین" به کمال رسیده است. از نزدیک، به نظر می رسد که کل تصویر یک هرج و مرج از سکته مغزی است. تابلوی تیتیان فقید را باید از دور دید. سپس هرج و مرج ناپدید می شود و در میان تاریکی، مرد جوانی را می بینیم که در زیر تیرها، در پس زمینه آتش سوزان می میرد. حرکات کششی بزرگ به طور کامل خط را جذب می کند و جزئیات را تعمیم می دهد. ونیزی‌ها و مهم‌تر از همه تیتین، گام بزرگ جدیدی برداشتند، قرار دادن زیبایی پویا به جای مجسمه، جایگزینی تسلط خط با غلبه نقطه رنگی.

تیتانی باشکوه و سخت گیر در آخرین سلف پرتره اش. خرد و پختگی کامل و آگاهی از قدرت خلاقیت در این چهره مغرور با بینی اکلیل و پیشانی بلند و نگاهی روحانی و نافذ می دمد.

آخرین هنرمند بزرگ رنسانس عالی ونیزی، تینتورتو است. او بسیار و به سرعت می نویسد - ترکیب های یادبود، پلاک ها، نقاشی های بزرگ، مملو از چهره هایی در زوایای سرگیجه آور و با دیدنی ترین ساخت و سازهای پرسپکتیو، بی تشریفات ساختار هواپیما را تخریب می کند، فضای داخلی بسته را مجبور می کند که از هم جدا شوند و فضا را تنفس کنند. چرخه نقاشی های او به معجزات St. مارک (سنت مارک یک برده را آزاد می کند). طراحی ها و نقاشی های او یک گردباد، فشار، انرژی آتش است. Tintoretto چهره های آرام و جلویی را تحمل نمی کند، بنابراین سنت مارک به معنای واقعی کلمه از آسمان بر روی سر مشرکان می افتد. منظره مورد علاقه او طوفانی است، با ابرهای طوفانی و رعد و برق.

تفسیر تینتورتو از طرح شام آخر جالب است. در تصویر او، عمل، به احتمال زیاد، در یک میخانه کم نور، با سقف کم اتفاق می افتد. میز به صورت مورب چیده شده و چشم را به اعماق اتاق هدایت می کند. با سخنان مسیح، لشکرهای کاملی از فرشتگان شفاف زیر سقف ظاهر می شوند. یک نور سه گانه عجیب و غریب وجود دارد: درخشش شبح مانند فرشتگان، نور متزلزل یک چراغ، نور هاله ها در اطراف سر رسولان و مسیح. این یک فانتاسماگوری جادویی واقعی است: فلاش های روشن در گرگ و میش، چرخش و پرتوهای متمایز نور، بازی سایه ها فضای سردرگمی را ایجاد می کند.

رنسانس در ایتالیا

مرسوم است که دوره هایی در تاریخ فرهنگ ایتالیا را با نام قرن ها تعیین می کنند: ducento (قرن XIII) - پروتو رنسانس(اواخر قرن)، ترسنتو (قرن چهاردهم) - ادامه رنسانس پروتو، کواتروسنتو (قرن XV) - رنسانس اولیه، cinquicento (قرن شانزدهم) - رنسانس بالا(30 سال اول قرن). تا پایان قرن شانزدهم. فقط در ونیز ادامه دارد. این دوره اغلب به عنوان "رنسانس اواخر".

ارسال کار خوب خود در پایگاه دانش ساده است. از فرم زیر استفاده کنید

دانشجویان، دانشجویان تحصیلات تکمیلی، دانشمندان جوانی که از دانش پایه در تحصیل و کار خود استفاده می کنند از شما بسیار سپاسگزار خواهند بود.

میزبانی شده در http://www.allbest.ru/

مؤسسه آموزشی بودجه ایالتی فدرال

آموزش عالی حرفه ای

"دانشگاه دولتی ریازان به نام یسنین"

دانشکده فیلولوژی و فرهنگ ملی روسیه

جهت آماده سازی "الهیات"

کنترلکار کنید

در رشته "فرهنگ هنری جهان"

با موضوع: "رنسانس ونیزی"

توسط دانشجوی سال دوم تکمیل شده است

تحصیل پاره وقت:

کوستیوکویچ وی.جی.

بررسی شده توسط: Shakhova I.V.

ریازان 2015

طرح

• مقدمه
• نتیجه
• کتابشناسی - فهرست کتب

مقدمه

اصطلاح "رنسانس" (به فرانسوی "رنسانس"، در ایتالیایی "Rinascimento") برای اولین بار توسط نقاش، معمار و مورخ هنر قرن شانزدهم معرفی شد. جرج واساری، برای لزوم تعیین دوران تاریخی، که ناشی از مراحل اولیه توسعه روابط بورژوازی در اروپای غربی بود.

فرهنگ رنسانس از ایتالیا سرچشمه گرفت و این پیش از هر چیز با ظهور روابط بورژوایی در جامعه فئودالی و در نتیجه ظهور جهان بینی جدید مرتبط بود. رشد شهرها و توسعه صنایع دستی، ظهور تجارت جهانی، اکتشافات بزرگ جغرافیایی اواخر قرن پانزدهم و اوایل قرن شانزدهم زندگی اروپای قرون وسطی را تغییر داد. فرهنگ شهری افراد جدیدی را ایجاد کرد و نگرش جدیدی به زندگی شکل داد. بازگشت به دستاوردهای فراموش شده فرهنگ باستان آغاز شد. همه تغییرات به بیشترین میزان خود را در هنر نشان دادند. در این زمان، جامعه ایتالیا به فرهنگ یونان باستان و روم باستان علاقه مند شد و دست نوشته های نویسندگان باستان در حال جستجو بود. حوزه های مختلف زندگی جامعه - هنر، فلسفه، ادبیات، آموزش، علم - هر روز مستقل تر می شوند.

چارچوب زمانی رنسانس ایتالیا از نیمه دوم قرن سیزدهم تا نیمه اول قرن شانزدهم را در بر می گیرد. در این دوره، رنسانس به چند مرحله تقسیم می شود: نیمه دوم قرن XIII-XIV. - پروتو رنسانس (پیش از احیا) و ترسنتو. قرن 15 - رنسانس اولیه (کواتروسنتو)؛ اواخر 15 تا ثلث اول قرن شانزدهم - رنسانس بالا (اصطلاح Cinquecento کمتر در علم استفاده می شود). ایلینا اس. 98 این مقاله به بررسی ویژگی های رنسانس در ونیز می پردازد.

توسعه فرهنگ رنسانس ایتالیا بسیار متنوع است که به دلیل سطوح مختلف توسعه اقتصادی و سیاسی شهرهای مختلف ایتالیا، درجات مختلف قدرت و قدرت بورژوازی این شهرها، درجات مختلف ارتباط آنها با فئودالی است. رسم و رسوم. مدارس هنری پیشرو در هنر رنسانس ایتالیا در قرن چهاردهم. در قرن 15 سینی و فلورانسی بودند. - فلورانس، اومبریا، پادوآ، ونیزی، در قرن شانزدهم. - رومی و ونیزی.

تفاوت اصلی رنسانس با دوره فرهنگی قبلی، نگاه انسان گرایانه به انسان و جهان پیرامون، شکل گیری پایه های علمی دانش بشردوستانه، پیدایش علوم تجربی تجربی، ویژگی های زبان هنری هنر جدید بود. و در نهایت، استیفای حقوق فرهنگ سکولار برای توسعه مستقل. همه اینها مبنایی برای توسعه بعدی فرهنگ اروپایی در قرون 17 - 18 بود. این رنسانس بود که ترکیب گسترده و متنوعی از دو جهان فرهنگی - بت پرستی و مسیحی را انجام داد که تأثیر عمیقی بر فرهنگ دوران مدرن داشت.

چهره‌های رنسانس، برخلاف جهان‌بینی فئودالی، جهان‌بینی مکتبی، یک جهان‌بینی جدید، سکولار و عقل‌گرا ایجاد کردند. مرکز توجه در رنسانس یک مرد بود، بنابراین جهان بینی حاملان این فرهنگ با اصطلاح "انسان گرایانه" (از لاتین humanitas - انسانیت) مشخص می شود. برای اومانیست‌های ایتالیایی، تمرکز انسان بر خودش، اصلی‌ترین چیز بود. سرنوشت او تا حد زیادی در دستان خود اوست، او از سوی خداوند دارای اراده آزاد است.

ویژگی رنسانس کیش زیبایی، به ویژه زیبایی انسان است. نقاشی ایتالیایی افراد زیبا و کامل را به تصویر می کشد. هنرمندان و مجسمه سازان در کارهای خود برای طبیعی بودن، برای بازآفرینی واقع گرایانه جهان و انسان تلاش کردند. انسان در رنسانس دوباره به موضوع اصلی هنر تبدیل می شود و بدن انسان کامل ترین شکل در طبیعت در نظر گرفته می شود.

موضوع رنسانس، و به‌ویژه رنسانس در ونیز، مرتبط است زیرا هنر رنسانس بر اساس ترکیبی از بهترین‌هایی که در هنر قرون وسطی قرن‌های گذشته و هنر جهان باستان ایجاد شده بود، توسعه یافت. . هنر رنسانس نقطه عطفی در تاریخ هنر اروپا بود و انسان را با شادی ها و غم ها، ذهن و اراده اش در اولویت قرار داد. زبان هنری و معماری جدیدی ایجاد کرد که اهمیت خود را تا به امروز حفظ کرده است. بنابراین، مطالعه رنسانس پیوند مهمی برای درک کل توسعه بیشتر فرهنگ هنری اروپا است.

ویژگی های رنسانس ونیزی

با فراوانی صنعتگران با استعداد و گستره خلاقیت هنری، ایتالیا در قرن پانزدهم پیشی گرفت. تمام کشورهای اروپایی دیگر هنر ونیز نشان دهنده گونه ای خاص از توسعه فرهنگ هنری رنسانس در رابطه با سایر مراکز هنر رنسانس در ایتالیا است.

از قرن سیزدهم ونیز یک قدرت استعماری بود که صاحب سرزمین هایی در سواحل ایتالیا، یونان و جزایر دریای اژه بود. او با بیزانس، سوریه، مصر، هند تجارت کرد. به لطف تجارت فشرده، ثروت عظیمی به آن سرازیر شد. ونیز یک جمهوری تجاری و الیگارشی بود. برای قرن‌ها، ونیز به‌عنوان شهری بسیار غنی زندگی می‌کرد و ساکنان آن نمی‌توانستند از فراوانی طلا، نقره، سنگ‌های قیمتی، پارچه‌ها و سایر گنجینه‌ها غافلگیر شوند، اما باغ در کاخ توسط آنها به عنوان حد نهایی تلقی می‌شد. ثروت، زیرا فضای سبز بسیار کمی در شهر وجود داشت. مردم مجبور شدند آن را به نفع افزایش فضای زندگی، گسترش شهر، که قبلاً توسط آب از همه جا فشرده شده بود، رها کنند. احتمالاً به همین دلیل است که ونیزی ها پذیرای زیبایی بودند و هر سبک هنری به سطح نسبتاً بالایی در امکانات تزئینی خود رسید. سقوط قسطنطنیه تحت تهاجم ترک ها موقعیت تجاری ونیز را به شدت متزلزل کرد، و با این حال ثروت پولی عظیمی که توسط بازرگانان ونیزی انباشته شد به آن اجازه داد تا استقلال و شیوه زندگی رنسانس خود را برای بخش قابل توجهی از قرن شانزدهم حفظ کند.

از نظر زمانی، هنر رنسانس در ونیز کمی دیرتر از سایر مراکز عمده ایتالیا در این عصر شکل گرفت، اما همچنین بیشتر از سایر مراکز ایتالیا دوام آورد. به ویژه دیرتر از فلورانس و به طور کلی در توسکانی شکل گرفت. احیای ونیز، همانطور که گفته شد، ویژگی های خاص خود را داشت، او علاقه چندانی به تحقیقات علمی و کاوش های آثار باستانی نداشت. رنسانس ونیزی ریشه های دیگری داشت. شکل گیری اصول فرهنگ هنری رنسانس در هنرهای زیبای ونیز تنها در قرن پانزدهم آغاز شد. این امر به هیچ وجه با عقب ماندگی اقتصادی ونیز مشخص نشد، برعکس، ونیز به همراه فلورانس، پیزا، جنوا، میلان یکی از پیشرفته ترین مراکز اقتصادی ایتالیا در آن زمان بود. این دقیقاً تبدیل اولیه ونیز به یک قدرت تجاری بزرگ است که مسئول این تأخیر است، زیرا تجارت گسترده و در نتیجه ارتباط بیشتر با کشورهای شرقی بر فرهنگ آن تأثیر گذاشته است. فرهنگ ونیز از نزدیک با عظمت باشکوه و تجمل باشکوه فرهنگ امپراتوری بیزانس و تا حدی با فرهنگ تزئینی تصفیه شده جهان عرب همراه بود. تا قرن چهاردهم میلادی، فرهنگ هنری ونیز نوعی در هم تنیدگی از اشکال باشکوه و جشن هنر بیزانسی بود که تحت تأثیر تزیینات رنگارنگ شرق و بازاندیشی خاص و ظریف در عناصر تزئینی دوران بلوغ زنده شده بود. هنر گوتیک البته این امر در فرهنگ هنری ونیزی دوره رنسانس نیز منعکس خواهد شد. برای هنرمندان ونیز، مشکلات رنگ مطرح می شود، مادی بودن تصویر با درجه بندی رنگ به دست می آید.

رنسانس ونیزی سرشار از نقاشان و مجسمه سازان بزرگ بود. بزرگترین استادان ونیزی رنسانس عالی و اواخر رنسانس عبارتند از: جورجیونه (1477-1510)، تیتیان (1477-1576)، ورونز (1528-1588)، تینتورتو (1518-1594) «فرهنگ شناسی ص. 193 .

نمایندگان اصلی رنسانس ونیزی

جورج باربارلی دا کاستلفرانکو، ملقب به جورجیونه (1477-1510). هنرمند معمولی رنسانس عالی. جورجیونه اولین نقاش مشهور رنسانس عالی در ونیز شد. در آثار او سرانجام اصل سکولار پیروز می شود که در غلبه طرح هایی بر مضامین اساطیری و ادبی متجلی می شود. منظره، طبیعت و بدن زیبای انسان برای او موضوع هنر شد.

جورجیونه همان نقشی را برای نقاشی ونیزی ایفا کرد که لئوناردو داوینچی برای نقاشی مرکز ایتالیا بازی کرد. لئوناردو با حس هارمونی، کمال تناسبات، ریتم خطی بدیع، نقاشی نور ملایم، معنویت و بیان روانی تصاویرش و در عین حال عقل گرایی جورجیونه که بدون شک تاثیر مستقیمی بر او داشته است، نزدیک است. در سال 1500 در ونیز از میلان می گذشت. ایلینا اس. 138 اما هنوز، در مقایسه با عقلانیت روشن هنر لئوناردو، نقاشی جورجیونه سرشار از غزل و تأمل عمیق است. جورجیونه نسبت به استاد بزرگ میلانی احساساتی تر است، او نه آنقدر به پرسپکتیو خطی که به پرسپکتیو هوایی علاقه دارد. رنگ نقش مهمی در ترکیب بندی های او دارد. رنگ های صوتی، که در لایه های شفاف گذاشته شده اند، خطوط را نرم می کنند. هنرمند به طرز ماهرانه ای از خواص رنگ روغن استفاده می کند. تنوع سایه ها و تن های انتقالی به او کمک می کند تا به وحدت حجم، نور، رنگ و فضا دست یابد. منظره ای که در آثار او جایگاه برجسته ای دارد، به آشکار شدن شعر و هماهنگی تصاویر کامل او کمک می کند.

در میان آثار اولیه او، جودیت (حدود 1502) توجه را به خود جلب می کند. قهرمان، برگرفته از ادبیات آخرالزمان عهد عتیق، از کتاب جودیت، به عنوان یک زن جوان زیبا در پس زمینه طبیعت خاموش به تصویر کشیده شده است. این هنرمند جودیت را در لحظه پیروزی با تمام قدرت زیبایی و وقار محدودش به تصویر کشید. مدل‌سازی ملایم سیاه و سفید صورت و دست‌ها تا حدودی یادآور «sfumato» لئونارد است. ایلینا اس. 139 زنی زیبا در پس زمینه طبیعت زیبا اما نت آزاردهنده عجیبی را وارد این ترکیب به ظاهر هماهنگ شمشیر در دست قهرمان و سر بریده دشمن که توسط او زیر پا گذاشته شده است. از دیگر آثار جورجیونه باید به «طوفان رعد و برق» (1506) و «کنسرت کشوری» (1508-1510) اشاره کرد که در آن می توانید طبیعت زیبا و البته نقاشی «زهره خفته» (حدود 1508-1510) را ببینید. . متأسفانه جورجیونه برای تکمیل کار روی "زهره خفته" وقت نداشت و به گفته معاصران، پس زمینه منظره در تصویر توسط تیتیان نقاشی شده است.

Titian Vecellio (1477؟ - 1576) - بزرگترین هنرمند رنسانس ونیزی. اگرچه تاریخ تولد او با قطعیت مشخص نشده است، به گفته محققان، به احتمال زیاد او از معاصران جوان تر جورجیونه و شاگردش بود که از معلم پیشی گرفت. او برای سالهای متمادی توسعه مکتب نقاشی ونیزی را تعیین کرد. وفاداری تیتیان به اصول انسان گرایانه، ایمان به ذهن و توانایی های انسان، رنگ آمیزی قدرتمند نیروی جذابی به آثار او می بخشد. در آثار او سرانجام اصالت رئالیسم مکتب نقاشی ونیزی آشکار می شود. برخلاف جورجیونه که زود درگذشت، تیتیان زندگی شادی طولانی و پر از کارهای خلاقانه الهام‌بخش داشت. تیتیان ادراک شاعرانه بدن برهنه زن را که از کارگاه جورجیونه خارج شده بود، حفظ کرد، و اغلب به معنای واقعی کلمه تقریباً شبح قابل تشخیص "زهره خفته" را روی بوم بازتولید می کرد، مانند "ونوس اوربینو" (حدود 1538)، اما نه در در آغوش طبیعت، اما در فضای داخلی یک نقاش معاصر در خانه.

تیتیان در طول زندگی خود به پرتره مشغول بود و به عنوان یک مبتکر در این زمینه عمل می کرد. قلم مو او متعلق به گالری گسترده ای از تصاویر پرتره پادشاهان، پاپ ها، اشراف است. او با توجه به اصالت حالت، حرکات، حالات چهره، ژست ها، آداب پوشیدن کت و شلوار، ویژگی های شخصیت هایی را که توسط او به تصویر کشیده شده است عمیق تر می کند. پرتره های او گاهی تبدیل به نقاشی هایی می شود که درگیری های روانی و روابط بین افراد را آشکار می کند. در پرتره اولیه خود "مرد جوان با دستکش" (1515-1520)، تصویر یک مرد جوان ویژگی های خاص فردی پیدا می کند و در عین حال، تصویری معمولی از یک مرد رنسانس را با اراده، انرژی و اراده خود بیان می کند. حس استقلال

اگر در پرتره های اولیه او، همانطور که مرسوم بود، زیبایی، قدرت، وقار، یکپارچگی ماهیت مدل های خود را تجلیل می کرد، پس آثار بعدی با پیچیدگی و ناهماهنگی تصاویر متمایز می شوند. در نقاشی‌هایی که تیتیان در سال‌های پایانی کارش خلق کرده، تراژدی اصیل به صدا در می‌آید؛ در اثر تیتیان، مضمون تضاد انسان و دنیای بیرون متولد می‌شود. در اواخر عمر تیتیان، کار او دستخوش تغییرات قابل توجهی می شود. او هنوز در مورد موضوعات باستانی بسیار می نویسد، اما بیشتر و بیشتر به موضوعات مسیحی روی می آورد. مضامین شهادت و رنج، اختلاف آشتی ناپذیر با زندگی و شجاعت رواقی بر آثار بعدی او غالب است. تصویر یک شخص در آنها هنوز هم نیروی قدرتمندی دارد، اما ویژگی های تعادل هارمونیک داخلی را از دست می دهد. ترکیب ساده شده است، بر اساس ترکیبی از یک یا چند فیگور با پس زمینه معماری یا منظره، غوطه ور در گرگ و میش. تکنیک نوشتن نیز تغییر می کند، با امتناع از رنگ های روشن و شاد، به سایه های پیچیده ابری، فولادی، زیتونی روی می آورد و همه چیز را تابع یک لحن طلایی مشترک می کند.

در آثار متأخر خود، حتی تراژیک‌ترین آثارش، تیتیان ایمان خود را به ایده‌آل اومانیستی از دست نداد. انسان برای او تا انتها بالاترین ارزش باقی ماند که می توان آن را در "خود پرتره" (حدود 1560) هنرمند مشاهده کرد که آرمان های روشن اومانیسم را در تمام زندگی خود حمل کرد.

در پایان قرن شانزدهم در ونیز، ویژگی های عصر جدید قریب الوقوع در هنر از قبل مشهود است. این را می توان در کارهای دو هنرمند بزرگ، پائولو ورونزه و یاکوپو تینتورتو مشاهده کرد.

پائولو کالیاری، ملقب به ورونز (متولد ورونا، 1528-1588) آخرین خواننده جشن ونیز در قرن شانزدهم بود. او با اجرای نقاشی برای کاخ‌های ورونا و تصاویر برای کلیساهای ورونا شروع کرد، اما با این وجود زمانی که در سال 1553 شروع به کار بر روی نقاشی‌های دیواری برای کاخ دوج ونیزی کرد، به شهرت رسید. از آن لحظه و برای همیشه زندگی او با ونیز پیوند خورده است. او نقاشی می‌کشد، اما اغلب نقاشی‌های رنگ روغن بزرگ را برای پاتریسیون‌های ونیزی، محراب‌هایی برای کلیساهای ونیزی به سفارش خودشان یا به سفارش رسمی جمهوری ونیزی می‌کشد. تمام نقاشی های او نقاشی های تزیینی عظیمی از جشن ونیز بود، جایی که یک جمعیت ونیزی با لباس های هوشمندانه در پس زمینه یک منظره معماری ونیزی به تصویر کشیده شده است. این را می‌توان در نقاشی‌هایی با مضامین انجیلی مانند «عید در شمعون فریسی» (1570) یا «عید در خانه لاوی» (1573) مشاهده کرد.

یاکوپو روبوستی، که در هنر به عنوان Tintoretto (1518-1594) شناخته می شود ("tintoretto" - رنگرز: پدر هنرمند یک رنگرز ابریشم بود)، بر خلاف ورونز، نگرش تراژیکی داشت که خود را در کار او نشان داد. او که شاگرد تیتیان بود، از مهارت رنگی معلمش بسیار قدردانی کرد، اما سعی کرد آن را با توسعه نقاشی میکل آنژ ترکیب کند. تینتورتو برای مدت بسیار کوتاهی در کارگاه تیتیان ماند، با این حال، به گفته معاصران، این شعار بر درهای کارگاه او آویزان بود: "طراحی میکل آنژ، رنگ آمیزی تیتیان". ایل اس. 146 بیشتر آثار تینتورتو عمدتاً بر روی طرح های معجزات عرفانی نوشته شده است، او در آثار خود اغلب صحنه های جمعی را با کنش شدید دراماتیک، فضای عمیق، چهره هایی در زوایای پیچیده به تصویر می کشد. ساخته های او با پویایی استثنایی و در اواخر دوره نیز با تضادهای قوی نور و سایه متمایز می شوند. در اولین نقاشی که برای او شهرت به ارمغان آورد، معجزه سنت مارک (1548)، او چهره قدیس را در منظری پیچیده نشان می دهد و مردم را در وضعیتی از حرکت خشونت آمیز که در هنر کلاسیک غیرممکن است، نشان می دهد. رنسانس بالا. تینتورتو همچنین نویسنده آثار تزئینی بزرگ بود، چرخه ای عظیم از نقاشی ها که دو طبقه از محوطه Scuolo di San Rocco را اشغال می کرد، که او از 1565 تا 1587 روی آن کار می کرد. در آخرین دوره کار خود، تینتورتو برای کاخ دوج (ترکیب "بهشت"، پس از 1588) کار می کند، جایی که پیش از او، پائولو ورونزه معروف، موفق به کار شده بود.

با صحبت از رنسانس ونیزی، نمی توان بزرگ ترین معمار را که در ویچنزا نزدیک ونیز به دنیا آمد و کار کرد - آندریا پالادیو (1508-1580) به یاد آورد، او با استفاده از نمونه ساختمان های ساده و ظریف خود، نشان داد که چگونه دستاوردهای دوران باستان و ... رنسانس بالا را می توان خلاقانه پردازش و استفاده کرد. او موفق شد زبان کلاسیک معماری را در دسترس و جهانی قرار دهد.

دو حوزه مهم فعالیت او ساخت خانه های شهری (پالازو) و اقامتگاه های روستایی (ویلا) بود. در سال 1545، پالادیو برنده رقابت برای حق بازسازی کلیسای ویچنزا شد. توانایی تأکید بر هماهنگی ساختمان، قرار دادن ماهرانه آن در پس زمینه مناظر زیبای ونیزی، برای او در کار آینده اش مفید بود. این را می توان در نمونه ویلاهایی که او Malcontenta (1558)، Barbaro-Volpi در مازر (1560-1570)، کورنارو (1566) ساخت، مشاهده کرد. ویلا "روتوندا" (یا کاپرا) در ویچنزا (1551-1567) به درستی کامل ترین ساختمان معمار در نظر گرفته می شود. ساختمانی مربع شکل با رواق های شش ستون یونی در هر نما است. هر چهار رواق به یک تالار مرکزی گرد منتهی می شود که با گنبدی کم ارتفاع زیر سقفی کاشیکاری پوشیده شده است. در طراحی نمای ویلاها و پالازوها، پالادیو معمولاً از نظم بزرگی استفاده می کرد، همانطور که در نمونه Palazzo Chiericati در ویچنزا (1550) مشاهده می شود. ستون‌های عظیم بر روی استایلوبات‌های معمولی بالا می‌آیند، مانند کاخ والمارانا (شروع در سال 1566) و در لاجیا دل کاپیتانیو ناتمام (1571)، یا بسیار بلند، که به طور کامل طبقه اول را جذب می‌کند، مانند Palazzo Thiene (1556). پالادیو در پایان کار خود به معماری کلیسا روی آورد. او مالک کلیسای سن پیترو در کاستلو (1558)، و همچنین سان جورجیو ماگیوره (1565-1580) و ایل ردنتور (1577-1592) در ونیز است.

پالادیو نه تنها به عنوان یک معمار، بلکه به عنوان نویسنده رساله "چهار کتاب در معماری" که به بسیاری از زبان ها ترجمه شد، شهرت زیادی به دست آورد. کار او تأثیر زیادی بر توسعه جهت کلاسیک در معماری اروپایی قرن 17-18 و همچنین بر روی معماران روسیه در قرن 18 گذاشت. پیروان استاد یک گرایش کامل در معماری اروپایی به نام «پالادیانیسم» تشکیل دادند.

نتیجه

رنسانس در زندگی بشر با رشد عظیم هنر و علم مشخص شد. رنسانسی که بر اساس اومانیسم به وجود آمد و انسان را بالاترین ارزش زندگی اعلام کرد، بازتاب اصلی خود را در هنر داشت. هنر رنسانس پایه های فرهنگ اروپایی عصر جدید را پایه گذاری کرد و تمام انواع اصلی هنر را به طور اساسی تغییر داد. اصول اصلاح شده خلاقانه سیستم نظم باستانی در معماری ایجاد شد و انواع جدیدی از ساختمان های عمومی شکل گرفت. نقاشی با چشم انداز خطی و هوایی، دانش آناتومی و تناسبات بدن انسان غنی شد. محتوای زمینی در مضامین مذهبی سنتی آثار هنری نفوذ کرد. افزایش علاقه به اساطیر باستان، تاریخ، صحنه های روزمره، مناظر، پرتره ها. همراه با نقاشی های دیواری به یاد ماندنی که سازه های معماری را زینت می دهند، یک تصویر ظاهر شد، نقاشی رنگ روغن پدید آمد. در وهله اول در هنر، فردیت خلاق هنرمند، به عنوان یک قاعده، یک فرد با استعداد جهانی بود. و همه این روندها به وضوح و به وضوح در هنر رنسانس ونیزی قابل مشاهده است. در همان زمان، ونیز، در زندگی خلاقانه خود، تفاوت قابل توجهی با بقیه ایتالیا داشت.

اگر در ایتالیای مرکزی در دوران رنسانس، هنر یونان باستان و روم تأثیر زیادی داشت، در ونیز تأثیر هنر بیزانس و هنر جهان عرب با این امر آمیخته شد. این هنرمندان ونیزی بودند که رنگ های روشن پر صدا را به آثار خود آوردند، رنگ نویسان بی نظیری بودند که معروف ترین آنها تیتان است. آنها توجه زیادی به طبیعت اطراف انسان، منظره داشتند. یک مبتکر در این زمینه جورجیونه با تابلوی معروفش «طوفان رعد» بود. او انسان را به عنوان بخشی از طبیعت به تصویر می کشد و توجه زیادی به منظره دارد. آندریا پالادیو که زبان کلاسیک معماری را عمومی و جهانی کرد، سهم بزرگی در معماری داشت. کار او پیامدهای گسترده ای تحت عنوان "پالادیانیسم" داشت که خود را در معماری اروپایی قرن های 17 - 18 نشان داد.

متعاقباً ، افول جمهوری ونیزی در آثار هنرمندان آن منعکس شد ، تصاویر آنها کمتر والا و قهرمانانه ، زمینی تر و تراژیک تر شد ، که به وضوح در کار تیتیان بزرگ دیده می شود. با وجود این، ونیز بیش از دیگران به سنت های رنسانس وفادار ماند.

کتابشناسی - فهرست کتب

1. Bragin L.م.،واریاش Oو.،ولودارسکی AT.M.تاریخ فرهنگ کشورهای اروپای غربی در رنسانس. - م.: دبیرستان، 1999. - 479 ص.

2. گوکوفسکی م.ولی.رنسانس ایتالیایی - L.: انتشارات دانشگاه لنینگراد، 1990. - 624 ص.

3. ایلین تی.AT.تاریخ هنر. هنر اروپای غربی - م.: مدرسه عالی، 2000. - 368 ص.

4. فرهنگ شناسی: کتاب درسی / ویرایش. سرمقاله ولی.ولی.رادوجینا. - م.: مرکز، 2001. - 304 ص.

میزبانی شده در Allbest.ru

اسناد مشابه

کشف شخصیت، آگاهی از منزلت و ارزش توانایی های آن در قلب فرهنگ رنسانس ایتالیا. دلایل اصلی ظهور فرهنگ رنسانس به عنوان کانون کلاسیک رنسانس. جدول زمانی رنسانس ایتالیا.

مقاله ترم، اضافه شده 10/09/2014


مشخصات کلی رنسانس و چارچوب زمانی آن. آشنایی با ویژگی های اصلی فرهنگ احیا. مطالعه مبانی سبک های هنری مانند شیوه گرایی، باروک، روکوکو. توسعه معماری رنسانس اروپای غربی.

تست، اضافه شده در 1393/05/17


چارچوب زمانی تقریبی رنسانس شمالی - قرون XV-XV. تراژدی اومانیسم رنسانس در آثار دبلیو. شکسپیر، اف. رابله، ام. د سروانتس. نهضت اصلاح طلبی و تأثیر آن در توسعه فرهنگ. ویژگی های اخلاق پروتستانتیسم.

چکیده، اضافه شده در 1394/04/16


چارچوب زمانی رنسانس، ویژگی های متمایز آن. سکولار بودن فرهنگ و علاقه آن به انسان و فعالیت های او. مراحل توسعه رنسانس، ویژگی های تجلی آن در روسیه. احیای نقاشی، علم و جهان بینی.

ارائه، اضافه شده در 2015/10/24


ویژگی های کلی رنسانس، ویژگی های متمایز آن. دوره های اصلی و انسان رنسانس. توسعه سیستم دانش، فلسفه رنسانس. ویژگی های شاهکارهای فرهنگ هنری دوره بالاترین شکوفایی هنر رنسانس.

کار خلاقانه، اضافه شده در 2010/05/17


توسعه فرهنگ جهانی. رنسانس به عنوان یک انقلاب فرهنگی اجتماعی در اروپا در قرون 13-16. اومانیسم و ​​عقل گرایی در فرهنگ رنسانس. دوره‌سازی و شخصیت ملی رنسانس. فرهنگ، هنر، بزرگترین استادان رنسانس.

تست، اضافه شده در 08/07/2010


مردم رنسانس از دوران قبل چشم پوشی کردند و خود را در میان تاریکی ابدی به عنوان یک درخشش درخشان از نور معرفی کردند. ادبیات رنسانس، نمایندگان و آثار آن. مدرسه نقاشی ونیزی. بنیانگذاران نقاشی اوایل رنسانس.

چکیده، اضافه شده در 2010/01/22


مفهوم اصلی اصطلاح "رنسانس شمالی" و تفاوت های اساسی با رنسانس ایتالیایی. برجسته ترین نمایندگان و نمونه های هنر رنسانس شمالی. مدرسه دانوب و جهات اصلی آن. شرح نقاشی هلندی.

مقاله ترم، اضافه شده 11/23/2008


پیشینه اجتماعی-اقتصادی، خاستگاه های معنوی و ویژگی های بارز فرهنگ رنسانس. توسعه فرهنگ ایتالیایی در دوره های رنسانس اولیه، اوایل، عالی و اواخر رنسانس. ویژگی های دوره رنسانس در کشورهای اسلاو.

چکیده، اضافه شده در 2011/05/09


مشکل رنسانس در مطالعات فرهنگی مدرن. ویژگی های اصلی رنسانس. ماهیت فرهنگ رنسانس. اومانیسم رنسانس. آزاداندیشی و فردگرایی سکولار. علم رنسانس. دکترین جامعه و دولت.

هنر ونیز بیانگر نسخه خاصی از توسعه اصول فرهنگ هنری رنسانس و در ارتباط با سایر مراکز هنر رنسانس در ایتالیا است.

از نظر زمانی، هنر رنسانس در ونیز کمی دیرتر از سایر مراکز عمده ایتالیا در آن دوران شکل گرفت. به ویژه دیرتر از فلورانس و به طور کلی در توسکانی شکل گرفت. شکل گیری اصول فرهنگ هنری رنسانس در هنرهای زیبای ونیز تنها در قرن پانزدهم آغاز شد. این امر به هیچ وجه توسط عقب ماندگی اقتصادی ونیز مشخص نشد. برعکس، ونیز به همراه فلورانس، پیزا، جنوا، میلان، یکی از پیشرفته ترین مراکز اقتصادی ایتالیا در آن زمان بود. این دقیقاً تبدیل اولیه ونیز به یک قدرت تجاری بزرگ و به‌علاوه، عمدتاً تجاری، به جای یک قدرت تولیدی است که از قرن دوازدهم آغاز شد و به ویژه در طول جنگ‌های صلیبی شتاب گرفت، مقصر این تاخیر است.

فرهنگ ونیز، این دریچه ایتالیا و اروپای مرکزی، که به کشورهای شرقی «بریده شده»، از نزدیک با عظمت باشکوه و تجمل باشکوه فرهنگ امپراتوری بیزانس، و تا حدی با فرهنگ تزئینی تصفیه شده جهان عرب مرتبط بود. قبلاً در قرن دوازدهم، یعنی در عصر تسلط سبک رومانسک در اروپا، یک جمهوری تجاری غنی که هنری را ایجاد می کرد که ثروت و قدرت خود را نشان می داد، به طور گسترده ای به تجربه بیزانس، یعنی غنی ترین، روی آورد. توسعه یافته ترین قدرت قرون وسطایی مسیحی در آن زمان. در اصل، فرهنگ هنری ونیز در اوایل قرن چهاردهم نوعی درهم آمیختن اشکال باشکوه و جشنی از هنر بیزانس بود که تحت تأثیر تزئینات رنگارنگ شرق و تجدید نظر خاص و ظریف در عناصر تزئینی زنده شده بود. هنر بالغ گوتیک

نمونه بارز تأخیر موقت فرهنگ ونیزی در گذار به دوره رنسانس در مقایسه با سایر مناطق ایتالیا، معماری کاخ دوج (قرن چهاردهم) است. در نقاشی، سرزندگی بسیار مشخص سنت های قرون وسطایی به وضوح در آثار گوتیک اواخر استادان اواخر قرن چهاردهم، مانند لورنزو و استفانو ونزیانو منعکس شده است. آنها حتی در کارهای چنین هنرمندان قرن پانزدهم که هنر آنها قبلاً یک شخصیت کاملاً رنسانس داشت احساس می کنند. چنین هستند «مدوناهای» بارتولومئو، آلویس ویوارینی، کار کارلو کریولی، استاد ظریف و ظریف رنسانس اولیه. در هنر او، خاطرات قرون وسطایی بسیار قوی تر از هنرمندان معاصر او در توسکانی و اومبریا احساس می شود. مشخصه این است که گرایش‌های اولیه رنسانس، مشابه هنر کاوالینی و جوتو، که در جمهوری ونیزی نیز کار می‌کردند (یکی از بهترین چرخه‌های او برای پادوآ ایجاد شد)، به‌طور پراکنده و ضعیف احساس می‌کردند.

تقریباً از اواسط قرن پانزدهم می توان گفت که روند اجتناب ناپذیر و طبیعی انتقال هنر ونیزی به موقعیت های سکولار ، مشخصه کل فرهنگ هنری رنسانس ، سرانجام شروع به اجرای کامل می کند. ویژگی کواتروسنتو ونیزی عمدتاً در میل به افزایش جشن رنگ، برای ترکیبی عجیب از رئالیسم ظریف با تزئینات در ترکیب بندی، در علاقه بیشتر به پس زمینه منظره، در محیط منظره اطراف یک فرد منعکس شد. علاوه بر این، مشخص است که علاقه به منظر شهری، شاید حتی بیشتر از علاقه به چشم انداز طبیعی توسعه یافته باشد. در نیمه دوم قرن پانزدهم بود که شکل گیری مکتب رنسانس در ونیز به عنوان یک پدیده مهم و بدیع که جایگاه مهمی در هنر رنسانس ایتالیا داشت، رخ داد. در این زمان بود که همراه با هنر کریولی باستانی، کار آنتونلو دا مسینا شکل گرفت و در تلاش برای ادراک جامع تر و کلی تر از جهان، ادراک شاعرانه-تزیینی و یادبود بود. چندی بعد، خط روایی بیشتری در توسعه هنر جنتیل بلینی و کارپاچیو ظاهر می شود.

این طبیعی است. ونیز در اواسط قرن پانزدهم به بالاترین درجه شکوفایی تجاری و سیاسی خود می رسد. متصرفات استعماری در پست تجاری "ملکه آدریاتیک" نه تنها کل ساحل شرقی دریای آدریاتیک را در بر می گرفت، بلکه به طور گسترده در سراسر مدیترانه شرقی گسترش یافت. در قبرس، رودس، کرت، پرچم شیر سنت مارک در اهتزاز است. بسیاری از خانواده‌های نجیب پدری که نخبگان حاکم الیگارشی ونیزی را تشکیل می‌دهند، در خارج از کشور به عنوان حاکمان شهرهای بزرگ یا کل مناطق عمل می‌کنند. ناوگان ونیزی تقریباً کل تجارت ترانزیت بین اروپای شرقی و غربی را کاملاً کنترل می کند.

درست است، شکست امپراتوری بیزانس توسط ترک ها، که با تصرف قسطنطنیه به پایان رسید، موقعیت های تجاری ونیز را متزلزل کرد. با این حال به هیچ وجه نمی توان از افول ونیز در نیمه دوم قرن پانزدهم صحبت کرد. فروپاشی عمومی تجارت شرق ونیزی خیلی دیرتر اتفاق افتاد. بازرگانان ونیزی وجوه هنگفتی را برای آن زمان سرمایه گذاری کردند که تا حدی از تجارت آزاد شد، در توسعه صنایع دستی و کارخانه های تولیدی در ونیز، تا حدی در توسعه کشاورزی منطقی در دارایی های خود واقع در شبه جزیره مجاور تالاب (به اصطلاح مزرعه ترا) ).

علاوه بر این، جمهوری ثروتمند و هنوز پر از سرزندگی در 1509-1516، با ترکیب نیروی اسلحه با دیپلماسی منعطف، از استقلال خود در یک مبارزه دشوار با ائتلاف متخاصم تعدادی از قدرت های اروپایی دفاع کرد. خیزش عمومی ناشی از نتیجه این مبارزه دشوار، که به طور موقت همه اقشار جامعه ونیزی را گرد هم آورد، باعث رشد ویژگی های خوش بینی قهرمانانه و جشن های تاریخی شد که بسیار مشخصه هنر رنسانس عالی در ونیز است، که از تیتان شروع می شود. . این واقعیت که ونیز استقلال و تا حد زیادی ثروت خود را حفظ کرد، مدت زمان اوج هنر رنسانس عالی در جمهوری ونیز را تعیین کرد. چرخش به اواخر رنسانس در ونیز کمی دیرتر از رم و فلورانس مشخص شد، یعنی تا اواسط دهه 40 قرن شانزدهم.

هنر

دوره بلوغ پیش نیازهای گذار به رنسانس عالی، مانند بقیه ایتالیا، با پایان قرن پانزدهم مصادف است. در همین سال ها بود که به موازات هنر روایی جنتیله بلینی و کارپاچیو، آثار تعدادی از استادان یک جهت هنری جدید، به اصطلاح: جووانی بلینی و سیما دا کونگلیانو شکل گرفت. اگرچه در طول زمان آنها تقریباً همزمان با جنتیله بلینی و کارپاچیو کار می کنند، اما نشان دهنده مرحله بعدی در منطق توسعه هنر رنسانس ونیزی هستند. اینها نقاشانی بودند که در هنرشان گذار به مرحله جدیدی در توسعه فرهنگ رنسانس به وضوح مشخص شد. این امر به‌ویژه در آثار جیووانی بلینی بالغ به وضوح آشکار شد، حداقل تا حدی بیشتر از نقاشی‌های هم‌عصر جوان‌ترش، «سیما دا کونگلیانو» یا برادر کوچک‌ترش، جنتیله بلینی.

جووانی بلینی (ظاهراً پس از 1425 و قبل از 1429 متولد شد؛ درگذشته در 1516) نه تنها دستاوردهای انباشته شده توسط اسلاف بلافصل خود را توسعه داد و بهبود بخشید، بلکه هنر ونیزی و به طور گسترده تر، فرهنگ رنسانس را به عنوان یک کل به سطح بالاتری ارتقا داد. هنرمند حس شگفت انگیزی از اهمیت تاریخی فرم، محتوای فیگوراتیو-عاطفی درونی آن دارد. در نقاشی های او پیوند بین حال و هوای ایجاد شده توسط منظره و حالت روحی قهرمانان ترکیب زاده می شود که به طور کلی یکی از دستاوردهای چشمگیر نقاشی مدرن است. در عین حال، در هنر جووانی بلینی - و این از همه مهمتر است - اهمیت دنیای اخلاقی شخصیت انسان با نیرویی خارق العاده آشکار می شود.

در مراحل اولیه کار او، شخصیت های ترکیب هنوز بسیار ایستا هستند، طراحی تا حدی خشن است، ترکیب رنگ ها تقریباً تیز هستند. اما احساس اهمیت درونی وضعیت معنوی یک فرد، آشکار شدن زیبایی تجارب درونی او، در این دوره به یک نیروی چشمگیر فوق العاده می رسد. در مجموع، به تدریج، بدون جهش های تند بیرونی، جیوانی بلینی، با توسعه ارگانیک اساس انسان گرایانه کار خود، خود را از لحظات هنر روایی پیشینیان و معاصران خود رها می کند. طرح در ساخته های او نسبتاً به ندرت پیشرفت دراماتیک دقیقی دریافت می کند، اما بیشتر از طریق صدای احساسی رنگ، از طریق بیان ریتمیک طراحی و سادگی واضح ترکیب ها، اهمیت فوق العاده فرم و در نهایت، از طریق تقلید مهارشده اما سرشار از قدرت درونی، عظمت دنیای معنوی انسان آشکار می شود.

علاقه بلینی به مسئله نورپردازی، به مسئله رابطه پیکره های انسان با محیط طبیعی آنها، علاقه او را به دستاوردهای استادان رنسانس هلند نیز مشخص کرد (ویژگی که عموماً مشخصه بسیاری از هنرمندان شمال هنر ایتالیا است. نیمه دوم قرن 15). با این حال، انعطاف پذیری واضح فرم، میل به اهمیت به یاد ماندنی تصویر یک شخص با تمام حیات طبیعی تفسیر او - به عنوان مثال، "دعا برای جام" - تعیین کننده تفاوت قاطع بین بلینی به عنوان یک استاد است. رنسانس ایتالیایی با اومانیسم قهرمانانه خود از هنرمندان رنسانس شمالی، اگرچه در اولین دوره خلاقیت خود، هنرمند در جستجوی شخصیت‌پردازی روان‌شناختی و روایی گاه به شدت تند و تیز تصویر، به شمال‌ها و به‌طور دقیق‌تر به هلند روی آورد. «پیتا» از برگامو، حدود 1450). ویژگی مسیر خلاقانه ونیزی، در مقایسه با مانتگنا و اربابان شمال، به وضوح در "مدونا با کتیبه یونانی" او (1470، میلان، بررا) آشکار می شود. این تصویر مریم غمگینی که به آرامی کودکی غمگین را در آغوش می‌گیرد و از راه دور یادآور یک نماد است، همچنین از سنت دیگری سخن می‌گوید که استاد از آن دوری می‌کند - سنت بیزانس و به طور گسترده‌تر، تمام نقاشی‌های قرون وسطایی اروپا. معنویت بر ریتم های خطی و آکوردهای رنگی نماد به طور قاطع غلبه می کند. رنگ ها واقعی هستند، قالب گیری جامد از فرم مدل سه بعدی بسیار واقعی است. غم و اندوه ماهرانه ریتم های شبح، از بیان حیاتی مهار شده حرکت خود فیگورها، از انسان زنده جدایی ناپذیر است، و نه بیان معنوی انتزاعی چهره غمگین، سوگوار و متفکر مریم، از لطافت غم انگیز مریم. چشمان کاملا باز کودک احساسی الهام گرفته از شعر، عمیقاً انسانی و نه دگرگون شده عرفانی در این ترکیب ساده و متواضعانه بیان می شود.

در طول دهه 1480، جیوانی بلینی گامی تعیین کننده در کار خود برمی دارد و یکی از بنیانگذاران هنر رنسانس عالی می شود. اصالت هنر جیووانی بلینی بالغ در مقایسه «تغییر شکل» او (دهه 1480) با «تغییر شکل» اولیه او (ونیز، موزه تصحیح کننده) به وضوح نمایان می شود. در «تغییر شکل» موزه کورر، پیکره‌های مسیح و پیامبران بر روی صخره‌ای کوچک قرار گرفته‌اند که یادآور یک پایه بزرگ برای بنای یادبود و نماد نمادین «سیم» است. چهره‌هایی که در حرکاتشان تا حدودی زاویه‌دار هستند، که در آن‌ها هنوز یگانگی ویژگی زندگی و نشاط شاعرانه ژست به دست نیامده است، با نمایش تصویری متمایز می‌شوند. رنگ‌های روشن و سرد و تقریباً درخشان شکل‌های مدل‌سازی‌شده حجمی توسط فضایی سرد و شفاف احاطه شده‌اند. خود فیگورها، علیرغم استفاده جسورانه از سایه های رنگی، هنوز با یکنواختی روشنایی و یک شخصیت ثابت خاص متمایز می شوند.

مرحله بعدی پس از هنر جووانی بلینی و سیما دا کونگلیانو، کار جورجیونه، اولین استاد مکتب ونیزی بود که تماماً به رنسانس عالی تعلق داشت. جورجیو باربارلی دل کاستلفرانکو (1477/78 - 1510)، ملقب به جورجیونه، معاصر و شاگرد جووانی بلینی بود. جورجیونه، مانند لئوناردو داوینچی، هارمونی تصفیه شده یک فرد از نظر روحی غنی و از نظر جسمی کامل را آشکار می کند. درست مانند لئوناردو، کار جورجیونه با روشنفکری عمیق و به نظر می رسد عقلانیت متبلور متمایز است. اما بر خلاف لئوناردو که غزل عمیق هنرش بسیار پنهان است و به قولی تابع ضایعات روشنفکری عقلانی است، در جورجیونه اصل غنایی، در تطابق آشکارش با اصل عقلانی، خود را مستقیم‌تر و با هم احساس می‌کند. نیروی بیشتر

در نقاشی جورجیونه، طبیعت، محیط طبیعی، نقش مهم تری نسبت به آثار بلینی و لئوناردو ایفا می کنند.

اگر هنوز نمی توانیم بگوییم که جورجیون یک محیط هوایی واحد را به تصویر می کشد که چهره ها و اشیاء منظره را به یک کل هوای منفرد متصل می کند، در هر صورت، ما حق داریم ادعا کنیم که فضای احساسی فیگوراتیو که در آن شخصیت‌ها و طبیعت در جورجیونه زندگی می‌کنند، فضایی که هم برای پس‌زمینه و هم برای شخصیت‌های تصویر از نظر نوری رایج است. یک نمونه عجیب از معرفی چهره ها به محیط طبیعی و ذوب مجدد تجربه بلینی و لئوناردو به چیزی ارگانیک جدید - "Giorgionev"، نقاشی او "St. Elizabeth with Baby John" است که در آن تا حدودی خاص است. فضای کریستالی شفاف و خنک بسیار ظریف با استفاده از گرافیک منتقل می شود، بنابراین در خلاقیت های جورجیونه ذاتی است.

آثار کمی از خود جورجیونه و حلقه او تا امروز باقی مانده است. تعدادی از انتساب ها بحث برانگیز هستند. با این حال، لازم به ذکر است که اولین نمایشگاه کامل آثار جورجیونه و جورجیونسکوها که در سال 1958 در ونیز برگزار شد، این امکان را فراهم کرد که نه تنها توضیحاتی در دایره آثار استاد داده شود، بلکه به جورجیونه نیز نسبت داده شود. تعدادی از آثار جنجالی که قبلاً بحث برانگیز بود، به ارائه کاملتر و واضحتر شخصیت خلاقیت او به طور کلی کمک کردند.

آثار نسبتاً اولیه جورجیونه که قبل از سال 1505 تکمیل شد، شامل ستایش چوپانان در موزه واشنگتن و ستایش مغان در گالری ملی لندن است. در «ستایش مجوس» (لندن)، با وجود پراکندگی شناخته شده نقاشی و سفتی غیرقابل عبور رنگ، علاقه استاد به انتقال دنیای معنوی درونی شخصیت ها از قبل احساس می شود. دوره اولیه خلاقیت جورجیونه آهنگ فوق العاده خود را "Madonna of Castelfranco" کامل می کند (حدود 1504، Castelfranco، کلیسای جامع).

از سال 1505، دوره بلوغ خلاقانه این هنرمند آغاز شد که به زودی با بیماری کشنده او قطع شد. در این پنج سال کوتاه، شاهکارهای اصلی او خلق شدند: "جودیت"، "رعد و برق"، "زهره خفته"، "کنسرت" و بسیاری از معدود پرتره ها. در این آثار است که تسلط بر امکانات خاص رنگ‌آمیزی و بیانی تصویری نقاشی رنگ روغن که در ذات نقاشان بزرگ مکتب ونیزی نهفته است، آشکار می‌شود. باید گفت که ونیزی ها که اولین خالق و توزیع کننده نقاشی رنگ روغن نبودند، در واقع جزو اولین کسانی بودند که به امکانات و ویژگی های خاص نقاشی رنگ روغن پی بردند.

لازم به ذکر است که ویژگی های بارز مکتب ونیزی دقیقاً توسعه غالب نقاشی رنگ روغن و توسعه بسیار ضعیف تر نقاشی دیواری بود. در طول گذار از سیستم قرون وسطی به سیستم رئالیستی رنسانس نقاشی یادبود، ونیزی ها، به طور طبیعی، مانند اکثر مردمانی که از قرون وسطی به مرحله رنسانس در توسعه فرهنگ هنری گذر کردند، تقریباً به طور کامل موزاییک ها را رها کردند. رنگی بودن بسیار درخشان و تزئینی آن دیگر نمی تواند به طور کامل با چالش های هنری جدید پاسخ دهد. البته استفاده از تکنیک موزاییک ادامه یافت، اما نقش آن کمتر و کمتر به چشم می خورد. با استفاده از تکنیک موزاییک، هنوز هم می‌توان به نتایجی در رنسانس دست یافت که نیازهای زیبایی‌شناختی آن زمان را نسبتاً برآورده کند. اما فقط ویژگی‌های خاص اسمالت موزاییکی، درخشندگی صوتی منحصر به فرد آن، درخشش سورئال و در عین حال افزایش تزئینی جلوه کلی نمی‌تواند تحت شرایط ایده‌آل هنری جدید به طور کامل اعمال شود. درست است، افزایش تابش نور نقاشی موزاییک درخشان کمانی، گرچه به طور غیرمستقیم دگرگون شد، اما بر نقاشی رنسانس ونیز تأثیر گذاشت، که همیشه به سمت وضوح صدا و غنای درخشان رنگ جذب می شد. اما همان سیستم سبکی که موزاییک با آن همراه بود و در نتیجه تکنیک آن، به جز چند استثنا، باید از حوزه نقاشی بزرگ یادبود خارج می شد. خود تکنیک موزاییک، که اکنون بیشتر برای اهداف خصوصی و باریک استفاده می شود، بیشتر جنبه تزئینی و کاربردی دارد، به طور کامل توسط ونیزی ها فراموش نشد. علاوه بر این، کارگاه‌های موزاییک ونیزی یکی از آن مراکزی بودند که سنت‌های فناوری موزاییک، به‌ویژه اسمالت را به زمان ما آوردند.

نقاشی ویترای نیز به دلیل "درخشندگی" خود اهمیت خاصی را حفظ کرد، اگرچه باید پذیرفت که هرگز در ونیز و یا در کل ایتالیا به اندازه فرهنگ گوتیک فرانسه و آلمان اهمیتی نداشت. ایده ای از بازاندیشی پلاستیک رنسانس در مورد درخشش رویایی نقاشی های شیشه ای رنگی قرون وسطایی توسط «سنت جورج» (قرن شانزدهم) توسط موچتو در کلیسای سن جیووانی پائولو ارائه شده است.

به طور کلی، در هنر رنسانس، توسعه نقاشی یادبود یا به شکل نقاشی دیواری یا بر اساس توسعه نسبی مزاج و عمدتاً بر اساس استفاده یادگاری و تزئینی از نقاشی رنگ روغن (پانل های دیواری) پیش می رفت. .

فرسکو تکنیکی است که با آن شاهکارهایی مانند چرخه ماساچیو، بندهای رافائل و نقاشی‌های کلیسای سیستین میکل آنژ در اوایل و رنسانس عالی خلق شد. اما در آب و هوای ونیزی، خیلی زود ناپایداری خود را کشف کرد و در قرن شانزدهم گسترده نبود. بنابراین، نقاشی های دیواری ترکیب آلمانی "Fondaco dei Tedeschi" (1508) که توسط جورجیونه با مشارکت تیتیان جوان اجرا شده بود، تقریباً به طور کامل از بین رفت. تنها چند تکه نیمه محو، که توسط رطوبت خراب شده است، باقی مانده است، در میان آنها پیکره یک زن برهنه، پر از جذابیت تقریباً پراکسیتل، ساخته جورجیونه. از این رو، جای نقاشی دیواری به معنای واقعی کلمه را تابلوی دیواری روی بوم، برای اتاقی خاص طراحی و با تکنیک رنگ روغن اجرا می کرد.

با این حال، نقاشی رنگ روغن در ونیز توسعه وسیع و غنی پیدا کرد، با این حال، نه تنها به این دلیل که به نظر راحت‌ترین راه برای جایگزینی نقاشی دیواری با تکنیک نقاشی دیگری متناسب با آب و هوای مرطوب است، بلکه به دلیل تمایل به انتقال تصویر یک فرد در ارتباط تنگاتنگ با محیط طبیعی اطراف، علاقه به تجسم واقع گرایانه غنای آهنگی و رنگی جهان مرئی را می توان دقیقاً در تکنیک نقاشی رنگ روغن با کمال و انعطاف خاصی آشکار کرد. در این راستا، رنگ آمیزی با تمپر بر روی تخته ها در ترکیبات سه پایه، با قدرت رنگ بسیار دلپذیر و صدای درخشان روشن، اما طبیعت تزئینی تر، به طور طبیعی باید جای خود را به روغن بدهد، و این فرآیند جابجایی مزاج با رنگ روغن به ویژه به طور مداوم در ونیز نباید فراموش کرد که برای نقاشان ونیزی، یکی از ویژگی‌های ارزشمند نقاشی رنگ روغن، انعطاف‌پذیری بیشتر از مزاج و حتی نقاشی‌های دیواری، در انتقال سایه‌های رنگی روشن و فضایی محیط انسان، توانایی آن به آرامی و با صدای بلند بود. شکل بدن انسان را مجسمه سازی کنید برای جورجیونه، که نسبتاً کمی در زمینه ترکیب‌بندی‌های بزرگ یادگاری کار می‌کرد (نقاشی او در اصل، یا در طبیعت سه پایه بود، یا از نظر صدای کلی خود به یاد ماندنی بودند، اما با ساختار ترکیب معماری اطراف داخلی ارتباط نداشتند. این امکانات ذاتی در نقاشی رنگ روغن بسیار ارزشمند بود. مشخص است که قالب گیری نرم فرم با کیاروسکورو نیز در طراحی های او ذاتی است.

احساس پیچیدگی اسرارآمیز دنیای معنوی درونی یک شخص، پنهان در پشت زیبایی ظاهری شفاف ظاهری نجیب بیرونی او، در معروف "جودیت" (قبل از 1504، لنینگراد، هرمیتاژ) بیان می شود. "جودیت" به طور رسمی یک ترکیب با موضوع کتاب مقدس است. علاوه بر این، بر خلاف نقاشی‌های بسیاری از کواتروسنتیست‌ها، این اثر ترکیبی بر یک موضوع است و نه تصویری از یک متن کتاب مقدس. بنابراین، استاد هیچ لحظه اوج را از نقطه نظر توسعه رویداد به تصویر نمی کشد، همانطور که معمولاً استادان کواتروسنتو انجام می دادند (جودیت با شمشیر به هولوفرنس می زند یا سر بریده او را همراه با خدمتکار حمل می کند).

جودیت باریک، در پس زمینه منظره آرام قبل از غروب آفتاب، زیر سایه بان درخت بلوط، که متفکرانه به نرده تکیه داده است، ایستاده است. لطافت و لطافت شکل او در تضاد با تنه عظیم یک درخت قدرتمند قرار می گیرد. لباس‌هایی که رنگ قرمز ملایم دارند با ریتمی از چین‌خوردگی‌های ناآرام نفوذ می‌کنند، گویی پژواک دوردست یک گردباد در حال گذر. او در دستش شمشیر دو لبه بزرگی دارد که روی زمین قرار گرفته و نوک آن روی زمین قرار گرفته است که درخشش سرد و صاف بودن آن بر انعطاف پذیری پای نیمه برهنه ای که سر هولوفرنس را زیر پا می گذارد تأکید می کند. نیم لبخند نامحسوسی روی صورت جودیت می چرخد. این ترکیب، به نظر می رسد، تمام جذابیت تصویر یک زن جوان، سرد زیبا را منتقل می کند، که مانند نوعی همراهی موسیقی، با وضوح ملایم طبیعت آرام اطراف بازتاب می یابد. در همان زمان، لبه برش سرد شمشیر، ظلم غیرمنتظره انگیزه - پای برهنه لطیف که سر مرده هولوفرنس را زیر پا می گذارد - احساس اضطراب و اضطراب مبهم را به این تصویر به ظاهر هماهنگ و تقریباً شبیه به خلق و خوی وارد می کند.

در کل، البته، خلوص روشن و آرام خلق و خوی رویایی انگیزه غالب باقی می ماند. با این حال، مقایسه سعادت تصویر و ظلم اسرارآمیز نقش شمشیر و سر پایمال شده، پیچیدگی تقریباً ریبوس این حال و هوای دوگانه، می تواند بیننده مدرن را در نوعی سردرگمی فرو برد.

اما ظاهراً معاصران جورجیونه کمتر تحت تأثیر بی‌رحمی این تضاد قرار گرفتند (اومانیسم رنسانس هرگز بیش از حد حساس نبود)، به جای اینکه جذب آن انتقال ظریف پژواک طوفان‌های دوردست و درگیری‌های دراماتیک شوند، که در برابر آن، دستیابی به هارمونی دقیق، حالت آرامش روح زیبای انسانی رویایی.

در ادبیات، گاه تلاش می‌شود تا معنای هنر جورجیونه را به بیان آرمان‌های تنها نخبگان کوچک ونیز که از نظر اومانیستی روشن‌فکر بودند تقلیل دهند. با این حال، این کاملاً درست نیست، یا بهتر است بگوییم، نه تنها اینطور است. محتوای عینی هنر جورجیونه بی‌اندازه وسیع‌تر و جهانی‌تر از دنیای معنوی آن قشر باریک اجتماعی است که آثار او مستقیماً با آن در ارتباط است. احساس اشراف پاکیزه شده روح انسان، تلاش برای کمال ایده آل تصویر زیبای فردی که در هماهنگی با محیط زیست، با دنیای اطراف زندگی می کند، نیز برای توسعه فرهنگ اهمیت عمومی مترقی داشت.

همانطور که گفته شد، علاقه به وضوح پرتره از ویژگی های کار جورجیونه نیست. این به هیچ وجه به این معنی نیست که شخصیت های او، مانند تصاویر هنر کلاسیک عتیقه، از هر گونه اصالت فردی عینی خالی هستند. مغان او در «ستایش مجوس» اولیه و فیلسوفان در «سه فیلسوف» (حدود 1508، وین، موزه Kunsthistorisches) نه تنها از نظر سن، بلکه در ظاهر و شخصیتشان با یکدیگر تفاوت دارند. با این حال، آنها، و به ویژه "سه فیلسوف"، با همه تفاوت های فردی در تصاویر، توسط ما عمدتا نه به عنوان افراد منحصر به فرد و واضح، یا حتی بیشتر به عنوان یک تصویر سه ساله (یک مرد جوان) درک می شوند. ، یک شوهر بالغ و یک پیرمرد)، اما به عنوان تجسم جنبه های مختلف، جنبه های مختلف روح انسان است. این امر تصادفی و تا حدی موجه نیست که میل به دیدن تجسم سه وجه خرد در سه دانشمند: عرفان اومانیستی آوروئیسم شرقی (مردی در عمامه پوش)، ارسطویی (پیرمردی) و اومانیسم معاصر هنرمند. مرد جوانی که با کنجکاوی به دنیا نگاه می کند). کاملا محتمل است که جورجیونه این معنا را در تصویری که خلق کرده است قرار داده باشد.

اما محتوای انسانی، غنای پیچیده دنیای معنوی سه قهرمان تصویر از هر تفسیری یک طرفه از آنها گسترده تر و غنی تر است.

در اصل، اولین چنین مقایسه ای در چارچوب سیستم هنری نوظهور رنسانس در هنر جوتو - در نقاشی دیواری او "بوسه یهودا" انجام شد. با این حال، در آنجا مقایسه مسیح و یهودا بسیار واضح خوانده شد، زیرا با افسانه دینی شناخته شده جهانی آن زمان مرتبط بود، و این تقابل دارای ویژگی تضاد عمیق آشتی ناپذیر بین خیر و شر است. چهره خیانتکارانه و ریاکارانه یهودا به عنوان یک پادپوست در برابر چهره نجیب، متعالی و سختگیر مسیح عمل می کند. به دلیل وضوح طرح، تضاد این دو تصویر دارای محتوای اخلاقی بی‌درنگ آگاهانه است. برتری اخلاقی و اخلاقی (به طور دقیق تر، اخلاقی و اخلاقی در آمیختگی آنها) و علاوه بر این، پیروزی اخلاقی مسیح بر یهودا در این کشمکش برای ما غیر قابل انکار است.

در جورجیونه، کنار هم قرار گرفتن شخصیت ظاهرا آرام، بی قید و بند و اشراف یک شوهر نجیب و شخصیتی تا حدی شریر و پست که موقعیتی وابسته را در رابطه با او اشغال می کند، به هیچ وجه با یک موقعیت درگیری مرتبط نیست. ناسازگاری واضح شخصیت ها و مبارزه آنها، که معنای غم انگیز جوتو را بسیار بالا می بخشد، با بوسه خزنده یهودا و مسیح، زیبا در معنویت آرام آرام او گرد هم آمده است. جالب است که آغوش یهودا، که عذاب معلم را بر روی صلیب نشان می دهد، دوباره بازتاب می یابد، همانطور که بود، با موتیف ترکیبی ملاقات مریم با الیزابت، که توسط جوتو در چرخه کلی زندگی مسیح و پخش گنجانده شده است. در مورد تولد مسیح.).

روشن بین و هماهنگ در پیچیدگی و رمز و راز پنهان خود، هنر جورجیونه با درگیری ها و مبارزات شخصیت ها بیگانه است. و تصادفی نیست که جورجیونه احتمالات متضاد دراماتیک نهفته در موتیف به تصویر کشیده شده توسط او را درک نمی کند.

این تفاوت او نه تنها با جوتو، بلکه با شاگرد باهوشش تیتیان است، که در دوره اولین شکوفایی خلاقیت هنوز قهرمانانه و شاد خود، البته به روشی متفاوت از جوتو، در "دناریوس سزار" خود گرفتار شد. به اصطلاح، معنای اخلاقی تقابل زیبایی‌شناختی اشراف جسمانی و روحی مسیح با قدرت پست و بی‌رحم شخصیت فریسی. در عین حال، بسیار آموزنده است که تیتین به قسمت معروف انجیل نیز اشاره می کند که ماهیت خود طرح کاملاً متضاد است و این موضوع را البته از نظر پیروزی مطلق اراده عقلانی و هماهنگ حل می کند. شخصی که در اینجا ایده آل رنسانس و انسان گرایانه را بر ضد خود تجسم می بخشد.

با عطف به آثار پرتره واقعی جورجیونه، باید اذعان داشت که یکی از بارزترین پرتره های دوره پخته خلاقیت او، "پرتره آنتونیو بروکاردو" شگفت انگیز است (حدود 1508 - 1510، بوداپست، موزه هنرهای زیبا). در آن، البته، ویژگی های پرتره فردی یک جوان نجیب به دقت منتقل می شود، اما آنها به وضوح نرم می شوند و، همانطور که بود، در تصویر یک فرد کامل بافته می شوند.

حرکت آزادانه دست مرد جوان، انرژی احساس شده در بدن، نیمه پنهان شده در زیر لباس های گشاد، زیبایی نجیب چهره ای رنگ پریده، طبیعی بودن مهار شده کاشتن سر بر روی گردن محکم و باریک، زیبایی کانتور یک دهان با حالت ارتجاعی، رویاپردازی متفکرانه شخصی که از نگاه بیننده به دوردست و به طرف نگاه می کند - همه اینها تصویری از فردی پر از قدرت نجیب ایجاد می کند که توسط یک تصویر شفاف، آرام و عمیق تسخیر شده است. فکر. منحنی نرم خلیج با آب‌های ساکن، ساحل کوهستانی ساکت با ساختمان‌های کاملاً آرام، پس‌زمینه منظره‌ای را تشکیل می‌دهند. به دلیل تیره بودن زمینه نقاشی، منظره در بازتولیدها قابل تشخیص نیست.) که مثل همیشه با جورجیونه، به اتفاق آرا ریتم و حال و هوای شخصیت اصلی را تکرار نمی کند، بلکه به طور غیرمستقیم با این حال و هوا همخوانی دارد.

لطافت برش مجسمه سازی صورت و دست تا حدودی یادآور sfumato لئوناردو است. لئوناردو و جورجیونه به طور همزمان مشکل ترکیب ساختارهای پلاستیکی شفاف اشکال بدن انسان را با مدل سازی نرم شده خود حل کردند، که امکان انتقال تمام غنای سایه های پلاستیکی و کیاروسکورو آن را فراهم می کند - به اصطلاح، همان "نفس" از بدن انسان اگر با لئوناردو درجه بندی نور و تاریکی، بهترین سایه شکل است، پس با جورجیونه اسفوماتو ویژگی خاصی دارد - همانطور که بود، مدل سازی حجم های بدن انسان با جریان گسترده ای از نور ملایم است. .

پرتره های جورجیونه خط قابل توجهی از توسعه پرتره ونیزی دوره رنسانس عالی را آغاز می کند. ویژگی‌های پرتره جورجیونه توسط تیتیان توسعه می‌یابد، که با این حال، بر خلاف جورجیونه، حس بسیار واضح‌تر و قوی‌تری از منحصر به فرد بودن شخصیت انسانی به تصویر کشیده شده، درک پویاتری از جهان دارد.

کار جورجیونه با دو اثر به پایان می رسد - "زهره خفته" (حدود 1508 - 1510، درسدن، گالری هنری) و "کنسرت" لوور (1508). این نقاشی‌ها ناتمام ماندند و پس‌زمینه منظره در آن‌ها توسط دوست و شاگرد جوان جورجیونه، تیتیان بزرگ تکمیل شد. «زهره خفته» علاوه بر این، برخی از ویژگی های تصویری خود را به دلیل آسیب های متعدد و ترمیم های ناموفق از دست داده است. اما به هر حال، در این اثر بود که آرمان وحدت زیبایی جسمانی و روحی انسان با کمال انسانی بسیار و وضوح تقریباً باستانی آشکار شد.

غوطه ور در یک خواب آرام، زهره برهنه توسط جورجیونه در پس زمینه یک منظره روستایی به تصویر کشیده شده است، ریتم آرام آرام تپه ها بسیار با تصویر او هماهنگ است. فضای یک روز ابری همه خطوط را نرم می کند و در عین حال بیان پلاستیکی فرم ها را حفظ می کند. مشخص است که در اینجا دوباره همبستگی خاص فیگور و پس‌زمینه آشکار می‌شود، که به عنوان نوعی همراهی با وضعیت معنوی قهرمان داستان درک می‌شود. تصادفی نیست که ریتم آرام آرام تپه ها، ترکیب شده در منظره با ریتم های وسیع چمنزارها و مراتع، وارد تضادی همخوانی خاص با نرمی نرم و کشیده خطوط بدن می شود، که به نوبه خود، با چین‌های نرم بی‌قرار پارچه که زهره برهنه روی آن تکیه می‌کند، تضاد دارد. اگرچه این منظره توسط خود جورجیونه، بلکه توسط تیتین تکمیل شده است، وحدت ساختار فیگوراتیو تصویر به عنوان یک کل بدون شک بر این واقعیت استوار است که منظره فقط با تصویر زهره هماهنگ نیست و بی تفاوت با آن مرتبط نیست. اما در آن رابطه پیچیده ای است که در آن خط در موسیقی یافت می شود. ملودی های خواننده و گروه کر همراه او در مقابل. جورجیونه اصل تصمیم گیری را که یونانیان دوره کلاسیک در تصاویر مجسمه های خود به کار می بردند به حوزه رابطه "انسان - طبیعت" منتقل می کند و رابطه بین زندگی بدن و پارچه های لباس سبکی که روی آن پرتاب می شود را نشان می دهد. در آنجا، ریتم پرده‌ها، گویی، پژواک بود، پژواک زندگی و حرکت بدن انسان، که در حرکت خود در عین حال تسلیم ماهیت متفاوتی از وجود بی‌تحرکش نسبت به طبیعت کشسان-زنده بود. از بدن باریک انسان بنابراین در بازی پرده های مجسمه های قرن 5 - 4 قبل از میلاد. ه. ریتمی آشکار شد که به طور متضاد بر انعطاف پذیری شفاف و الاستیک "گرد" خود بدن سایه انداخته بود.

مانند دیگر ساخته های رنسانس عالی، زهره جورج در زیبایی کامل خود بسته است و، همانطور که گفته شد، "بیگانه"، و در عین حال "متقابل" هم با بیننده و هم با موسیقی طبیعت اطرافش، همخوان است. با زیبایی او تصادفی نیست که او در رویاهای روشن یک خواب آرام غوطه ور است. دست راست که پشت سر پرتاب می‌شود یک منحنی ریتمیک واحد ایجاد می‌کند که بدن را در بر می‌گیرد و همه فرم‌ها را در یک خط صاف می‌بندد.

پیشانی آرام، ابروهای کمانی آرام، پلک‌هایی که به آرامی پایین آمده و دهانی زیبا و سخت، تصویری از خلوص شفاف و غیرقابل توصیف را در کلمات ایجاد می‌کنند.

همه چیز مملو از آن شفافیت کریستالی است که تنها زمانی قابل دستیابی است که روحی شفاف و بدون ابر در بدنی کامل زندگی کند.

"کنسرت" در پس زمینه منظره ای آرام، دو مرد جوان با لباس های باشکوه و دو زن برهنه را به تصویر می کشد که گروهی آزادانه را تشکیل می دهند. تاج های گرد درختان، حرکت آرام ابرهای مرطوب با ریتم های آزاد و پهن لباس ها و حرکات مردان جوان، با زیبایی مجلل زنان برهنه هماهنگی شگفت انگیزی دارد. لاکی که با گذشت زمان تیره شده بود به تصویر رنگ طلایی گرم و تقریباً داغی داد. در واقع، نقاشی او در اصل با لحن کلی متعادل مشخص می شد. این با کنار هم قرار دادن هارمونیک دقیق و ظریف از زنگ های سرد و نسبتا گرم به دست آمد. این خنثی لطیف و پیچیده لحن کلی بود که از طریق تضادهای دقیق به دست آمده بود، که نه تنها ویژگی وحدت جورجیونه را بین تمایز ظریف سایه ها و وضوح آرام کل رنگی ایجاد کرد، بلکه تا حدودی آن حس لذت بخش را ملایم کرد. سرود زیبایی باشکوه و لذت بردن از زندگی که در تصویر مجسم شده است. .

به نظر می رسد که "کنسرت" تا حد بیشتری نسبت به سایر آثار جورجیونه ظاهر تیتیان را آماده می کند. در عین حال، اهمیت این اثر متاخر جورجیونه نه تنها در نقش مقدماتی آن است، بلکه در این واقعیت است که بار دیگر جذابیت عجیب خلاقیت او را آشکار می‌کند و هیچ‌کس در آینده تکرار نخواهد کرد. شخصیت شادی حسی از بودن در Titian نیز مانند یک سرود هیجان‌انگیز درخشان و شاداب برای خوشبختی انسان است، حق طبیعی آن برای لذت بردن. در جورجیونه، شادی حسی انگیزه با تأمل رویایی ملایم می شود و تابع هماهنگی روشن و متعادل روشنگرانه از دیدگاهی جامع از زندگی است.