امپرسیونیسم در هنر فرانسه Impressi - تاریخچه ظهور امپرسیونیسم. روش هنری امپرسیونیست ها

امپرسیونیسم گرایشی در نقاشی است که در قرن 19 تا 20 در فرانسه شکل گرفت، که تلاشی هنری برای به تصویر کشیدن هر لحظه از زندگی با همه تنوع و تحرک آن است. نقاشی های امپرسیونیستی مانند یک عکس از نظر کیفی شسته شده هستند که ادامه داستان دیده شده را در فانتزی زنده می کنند. در این مقاله نگاهی داریم به 10 تا از مشهورترین امپرسیونیست های جهان. خوشبختانه، بیش از ده، بیست یا حتی صد هنرمند با استعداد وجود دارد، بنابراین بیایید بر روی نام هایی تمرکز کنیم که باید مطمئن باشید.

برای اینکه هنرمندان یا تحسین کنندگان آنها توهین نشوند، لیست به ترتیب حروف الفبای روسی ارائه شده است.

1. آلفرد سیسلی

این نقاش فرانسوی انگلیسی الاصل مشهورترین نقاش منظره نیمه دوم قرن نوزدهم به حساب می آید. بیش از 900 نقاشی در مجموعه او وجود دارد که از معروف ترین آنها می توان به "کوچه روستا"، "یخبندان در لووسین"، "پل در آرژنتویل"، "برف اولیه در لووسین"، "چمنزارها در بهار" و بسیاری دیگر اشاره کرد.

2. ون گوگ

وانگ گون که برای تمام دنیا به خاطر داستان غم انگیز گوشش شناخته می شود (به هر حال، او تمام گوش را قطع نکرد، بلکه فقط لوب را برید)، وانگ گون تنها پس از مرگش محبوب شد. و در زندگی خود توانست 4 ماه قبل از مرگش یک تابلو را بفروشد. گفته می شود که او هم کارآفرین و هم کشیش بود، اما اغلب به دلیل افسردگی به بیمارستان های روانی می رفت، بنابراین تمام سرکشی های وجود او به آثار افسانه ای منجر شد.

3. کامیل پیسارو

پیسارو در جزیره سنت توماس در خانواده ای یهودی بورژوا به دنیا آمد و یکی از معدود امپرسیونیست هایی بود که والدینش سرگرمی او را تشویق کردند و خیلی زود او را برای تحصیل به پاریس فرستادند. این هنرمند بیشتر از همه طبیعت را دوست داشت و آن را در همه رنگ ها به تصویر می کشید و به طور دقیق تر، پیسارو استعداد خاصی در انتخاب لطافت رنگ ها، سازگاری داشت و پس از آن به نظر می رسید هوا در تصاویر ظاهر می شود.

4. کلود مونه

از کودکی، پسر تصمیم گرفت که با وجود ممنوعیت های خانواده، هنرمند شود. کلود مونه که به تنهایی به پاریس نقل مکان کرد، وارد زندگی روزمره خاکستری یک زندگی سخت شد: دو سال خدمت در نیروهای مسلح در الجزایر، دعوی قضایی با طلبکاران به دلیل فقر، بیماری. با این حال، احساس می شود که مشکلات ظلم نکردند، بلکه الهام بخش هنرمند برای خلق نقاشی های زنده مانند "تأثیر، طلوع خورشید"، "ساختمان پارلمان در لندن"، "پل به اروپا"، "پاییز در آرژانتیو"، " در ساحل تروویل، و بسیاری دیگر.

5. کنستانتین کرووین

خوب است بدانید که در میان فرانسوی ها، والدین امپرسیونیسم، می توان با افتخار هموطن خود را کنستانتین کورووین قرار داد. عشق پرشور به طبیعت به او کمک کرد تا به لطف ترکیب رنگ های مناسب، عرض سکته ها، انتخاب موضوع، به طور شهودی به یک تصویر ایستا سرزندگی غیرقابل تصوری بدهد. نمی توان از کنار تابلوهای او «اسکله در گورزوف»، «ماهی، شراب و میوه»، «منظره پاییز»، «شب مهتابی» گذر کرد. زمستان» و مجموعه ای از آثار او تقدیم به پاریس.

6. پل گوگن

پل گوگن تا سن 26 سالگی حتی به نقاشی فکر نمی کرد. او یک کارآفرین بود و خانواده ای پرجمعیت داشت. با این حال، وقتی برای اولین بار نقاشی های کامیل پیسارو را دیدم، تصمیم گرفتم که مطمئناً نقاشی را شروع کنم. با گذشت زمان، سبک هنرمند تغییر کرده است، اما مشهورترین نقاشی های امپرسیونیستی عبارتند از: باغ در برف، کنار صخره، در ساحل در دیپ، برهنه، نخل در مارتینیک و غیره.

7. پل سزان

سزان بر خلاف بسیاری از همکارانش در زمان حیات خود به شهرت رسید. او موفق شد نمایشگاه خود را برپا کند و درآمد قابل توجهی از آن به دست آورد. مردم چیزهای زیادی در مورد نقاشی های او می دانستند - او مانند هیچ کس دیگری یاد گرفت که بازی نور و سایه را با هم ترکیب کند ، تأکید بلندی بر اشکال هندسی منظم و نامنظم داشت ، شدت موضوع نقاشی های او با عاشقانه هماهنگ بود.

8. پیر آگوست رنوار

رنوار تا سن 20 سالگی به عنوان دکوراتور برای برادر بزرگترش کار می کرد و تنها پس از آن به پاریس نقل مکان کرد و در آنجا با مونه، باسیل و سیسلی آشنا شد. این آشنایی به او کمک کرد تا در آینده راه امپرسیونیسم را در پیش بگیرد و در آن شهرت پیدا کند. رنوار به عنوان نویسنده یک پرتره احساساتی شناخته می شود که از برجسته ترین آثار او می توان به «روی تراس»، «پیاده روی»، «پرتره بازیگر زن جین سامری»، «لژ»، «آلفرد سیسلی و همسرش»، در چرخش، «قورباغه» و بسیاری دیگر.

9. ادگار دگا

اگر چیزی در مورد "رقصندگان آبی"، "تمرینات باله"، "مدرسه باله" و "آبسنت" نشنیده اید - برای کسب اطلاعات بیشتر در مورد کارهای ادگار دگا عجله کنید. انتخاب رنگ های اصلی، تم های منحصر به فرد برای نقاشی ها، احساس حرکت تصویر - همه اینها و بسیاری موارد دیگر، دگا را به یکی از مشهورترین هنرمندان جهان تبدیل کرد.

10. ادوارد مانه

مانه را با مونه اشتباه نگیرید - این دو فرد متفاوت هستند که در یک زمان و در یک جهت هنری کار می کردند. مانه همیشه مجذوب صحنه‌های روزمره، ظواهر و تیپ‌های غیرعادی می‌شد، گویی به طور تصادفی لحظاتی را «گرفتار» می‌کردند و متعاقباً برای قرن‌ها شکار می‌شدند. از جمله نقاشی های معروف مانه: "المپیا"، "صبحانه روی چمن"، "بار در فولیس برگر"، "فلوتیست"، "نانا" و دیگران.

اگر حتی کوچکترین فرصتی برای دیدن زنده نقاشی های این استادان داشته باشید، برای همیشه عاشق امپرسیونیسم خواهید شد!

در آغاز قرن 18 و 19، جهش جدیدی در توسعه علم و فناوری در اکثر کشورهای اروپای غربی رخ داد. فرهنگ صنعتی در تقویت بنیان های معنوی جامعه، غلبه بر رهنمودهای عقل گرایانه و پرورش انسان در انسان کار بزرگی انجام داده است. او به شدت احساس نیاز به زیبایی، برای تأیید شخصیتی زیباشناسانه توسعه یافته، برای تعمیق انسان گرایی واقعی، برداشتن گام های عملی برای تجسم آزادی، برابری و هماهنگی روابط اجتماعی داشت.

در این دوره فرانسه دوران سختی را پشت سر می گذاشت. جنگ فرانسه و پروس، قیام خونین کوتاه و سقوط کمون پاریس پایان امپراتوری دوم را رقم زد.

پس از پاکسازی ویرانه های به جا مانده از بمباران وحشتناک پروس و جنگ داخلی خشمگین، پاریس بار دیگر خود را مرکز هنر اروپا معرفی کرد.

از این گذشته ، در زمان پادشاه لوئیس چهاردهم ، هنگامی که آکادمی و نمایشگاه های سالانه هنری تأسیس شد ، که نام سالن ها را - از سالن به اصطلاح میدان در لوور ، جایی که در آن برگزار شد - به پایتخت زندگی هنری اروپا تبدیل شد. آثار جدید نقاشان و مجسمه سازان هر ساله به نمایش گذاشته می شد. در قرن نوزدهم، این سالن‌ها بودند، جایی که یک مبارزه هنری شدید در آن آشکار می‌شد که روندهای جدیدی را در هنر آشکار می‌کرد.

پذیرش نقاشی برای نمایشگاه، تایید هیئت داوران سالن، اولین قدم در جهت شناخت عمومی هنرمند بود. از دهه 1850، سالن ها به طور فزاینده ای به بررسی های باشکوهی از آثار انتخاب شده برای مطابقت با سلیقه رسمی تبدیل شده اند، به همین دلیل است که اصطلاح "هنر سالن" حتی ظاهر شد. تصاویری که به هیچ وجه با این "استاندارد" تعیین نشده مطابقت نداشتند، به سادگی توسط هیئت منصفه رد شدند. مطبوعات به هر نحوی بحث می کردند که چه هنرمندانی در سالن پذیرفته شده اند و چه هنرمندانی نه، و تقریباً هر یک از این نمایشگاه های سالانه را به یک رسوایی عمومی تبدیل کردند.

در سال‌های 1800-1830، نقاشان هلندی و انگلیسی شروع به تأثیرگذاری بر نقاشی منظره فرانسوی و به طور کلی هنرهای زیبا کردند. یوژن دلاکروا، نماینده رمانتیسیسم، درخشندگی جدیدی از رنگ ها و فضیلت نوشتن را به نقاشی های خود آورد. او از ستایشگران پاسبان بود که برای طبیعت گرایی جدید تلاش می کرد. رویکرد رادیکال دلاکروا به رنگ و تکنیک او در اعمال ضربه های بزرگ رنگ برای تقویت فرم بعداً توسط امپرسیونیست ها توسعه یافت.

مطالعات کنستابل مورد توجه خاص دلاکروا و معاصرانش بود. دلاکروا در تلاش برای به تصویر کشیدن خواص بی نهایت متغیر نور و رنگ، متوجه شد که آنها در طبیعت "هیچ وقت ساکن نمی مانند." بنابراین، رمانتیک های فرانسوی سریعتر به نقاشی با رنگ روغن و آبرنگ عادت کردند، اما به هیچ وجه طرح های سطحی صحنه های منفرد را نداشتند.

در اواسط قرن، رئالیست ها به رهبری گوستاو کوربه به مهم ترین پدیده در نقاشی تبدیل شدند. پس از سال 1850 در هنر فرانسه به مدت یک دهه، تکه تکه شدن بی‌سابقه‌ای از سبک‌ها، تا حدی مجاز بود، اما هرگز توسط مقامات تایید نشد. این آزمایش‌ها هنرمندان جوان را به مسیری سوق داد که ادامه منطقی روندهایی بود که قبلاً ظهور کرده بود، اما برای مردم و داوران سالن به طرز خیره‌کننده‌ای انقلابی به نظر می‌رسید.

هنری که در تالارهای سالن جایگاه غالبی را به خود اختصاص داد، معمولاً با مهارت بیرونی و مهارت فنی، علاقه به داستان‌های داستانی، داستان‌های سرگرم‌کننده با ماهیت تاریخی احساسی، روزمره، ساختگی و فراوانی توطئه‌های اساطیری متمایز بود. که انواع تصاویر بدن برهنه را توجیه می کند. این یک هنر التقاطی و سرگرم کننده غیر اصولی بود. پرسنل مربوطه تحت نظارت آکادمی توسط دانشکده هنرهای زیبا آموزش دیدند، جایی که اساتید آکادمیک متأخر مانند کوتور، کابانل و دیگران کل تجارت را اداره می کردند. هنر سالن با سرزندگی استثنایی، ابتذال هنری، وحدت معنوی و تطبیق دستاوردهای اصلی تلاش های خلاقانه زمان خود با سطح سلیقه مردم متمایز بود.

هنر سالن با گرایش های مختلف واقع گرایانه مخالف بود. نمایندگان آنها بهترین استادان فرهنگ هنری فرانسه در آن دهه بودند. آثار هنرمندان رئالیست با آنها همراه است و در شرایط جدید سنت های موضوعی رئالیسم دهه 40-50 را ادامه می دهند. قرن 19 - باستین-لپاژ، لرمیت و دیگران. برای سرنوشت توسعه هنری فرانسه و اروپای غربی در کل، جست‌وجوهای واقع‌گرایانه بدیع ادوارد مانه و آگوست رودن، هنر بیانگر تند ادگار دگا، و در نهایت، کار گروهی از هنرمندان اهمیت تعیین‌کننده‌ای داشتند. به طور مداوم اصول هنر امپرسیونیستی را تجسم می بخشید: کلود مونه، پیسارو، سیسلی و رنوار. این کار آنها بود که آغاز توسعه سریع دوره امپرسیونیسم بود.

امپرسیونیسم (از فرانسوی impression-impression)، گرایشی در هنر ثلث پایانی قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم، که نمایندگان آن در صدد بودند تا به طور طبیعی و بی طرفانه دنیای واقعی را در تحرک و تنوع آن به تصویر بکشند تا برداشت های زودگذر خود را منتقل کنند.

امپرسیونیسم در نیمه دوم قرن نوزدهم عصری را در هنر فرانسه تشکیل داد و سپس در تمام کشورهای اروپایی گسترش یافت. او سلایق هنری را اصلاح کرد، ادراک بصری را بازسازی کرد. در اصل، این تداوم و توسعه طبیعی روش واقع بینانه بود. هنر امپرسیونیست ها به اندازه هنر پیشینیان مستقیم آنها دموکراتیک است، بین طبیعت "بالا" و "کم" تمایز قائل نمی شود و کاملاً به شهادت چشم اعتماد می کند. نحوه "نگاه کردن" تغییر می کند - هدفمندترین و در عین حال غنایی تر می شود. ارتباط با رمانتیسیسم در حال از بین رفتن است - امپرسیونیست ها و همچنین رئالیست های نسل قدیم می خواهند فقط به مدرنیته بپردازند و از موضوعات تاریخی، اسطوره ای و ادبی اجتناب کنند. برای اکتشافات زیبایی شناختی بزرگ، ساده ترین نقوش مشاهده شده روزانه برای آنها کافی بود: کافه های پاریس، خیابان ها، باغ های ساده، کرانه های رود سن، روستاهای اطراف.

امپرسیونیست ها در دوران مبارزه بین مدرنیته و سنت زندگی می کردند. ما در آثار آنها یک گسست رادیکال و خیره کننده برای آن زمان با اصول سنتی هنر را می بینیم، اوج، اما نه پایان جستجوی یک نگاه جدید. انتزاع‌گرایی قرن بیستم از آزمایش‌های هنری که در آن زمان وجود داشت، زاده شد، درست همانطور که نوآوری‌های امپرسیونیست‌ها از آثار کوربه، کورو، دلاکروا، پاسبان و همچنین استادان قدیمی پیش از آنها رشد کردند.

امپرسیونیست ها تمایز سنتی بین مطالعه، طراحی و نقاشی را کنار گذاشتند. آنها کار را درست در هوای آزاد - در هوای آزاد - شروع کردند و به پایان رساندند. اگر مجبور بودند کاری را در استودیو به پایان برسانند، باز هم سعی می‌کردند حس لحظه‌ای ثبت شده را حفظ کنند و فضای نوری را که اشیا را در بر می‌گیرد، منتقل کنند.

هوای معمولی کلید روش آنهاست. به این ترتیب آنها به یک ظرافت استثنایی از ادراک رسیده اند. آنها توانستند در رابطه نور، هوا و رنگ چنان جلوه های دلربایی را آشکار کنند که قبلاً متوجه آن نشده بودند و بدون نقاشی امپرسیونیست ها احتمالاً متوجه نمی شدند. بدون دلیل، آنها گفتند که مونه مه های لندن را اختراع کرد، اگرچه امپرسیونیست ها چیزی را اختراع نکردند، تنها با تکیه بر شهادت چشم، بدون افزودن دانش قبلی به آنها.

در واقع، امپرسیونیست ها بیش از همه به تماس روح با طبیعت اهمیت می دادند و به تأثیر مستقیم، مشاهده پدیده های مختلف واقعیت اطراف اهمیت زیادی می دادند. جای تعجب نیست که آنها صبورانه منتظر روزهای گرم و روشن برای نوشتن در هوای آزاد در هوای آزاد بودند.

اما سازندگان نوع جدیدی از زیبایی هرگز به دنبال تقلید، کپی کردن و عینی "پرتره" طبیعت نبودند. در آثار آنها فقط یک عملیات زیبا از دنیای ظاهرهای چشمگیر وجود ندارد. جوهر زیبایی شناسی امپرسیونیستی در توانایی شگفت انگیز برای متراکم کردن زیبایی، برجسته کردن عمق یک پدیده منحصر به فرد، واقعیت و بازآفرینی شاعرانه یک واقعیت دگرگون شده است که با گرمای روح انسان گرم شده است. بنابراین، دنیایی از لحاظ کیفی متفاوت و از نظر زیبایی‌شناختی جذاب، اشباع شده از درخشش معنوی، پدیدار می‌شود.

در نتیجه لمس امپرسیونیستی در جهان، همه چیز، در نگاه اول، معمولی، عروضی، پیش پا افتاده، لحظه ای به شاعرانه، جذاب، جشن تبدیل شد، همه چیز را با جادوی نافذ نور، غنای رنگ ها، برجسته های لرزان، ارتعاش تبدیل کرد. از هوا و چهره هایی که پاکی ساطع می کنند. برخلاف هنر آکادمیک، که متکی به قوانین کلاسیک است - قرار دادن اجباری شخصیت های اصلی در مرکز تصویر، سه بعدی بودن فضا، استفاده از یک طرح تاریخی به منظور یک جهت گیری معنایی بسیار خاص. بیننده - امپرسیونیست ها از تقسیم اشیاء به اصلی و فرعی، عالی و پایین دست کشیدند. از این به بعد، این تصویر می تواند سایه های چند رنگی از اشیاء، انبار کاه، بوته یاس بنفش، جمعیتی در بلوار پاریس، زندگی رنگارنگ یک بازار، لباسشویی ها، رقصنده ها، زنان فروشنده، نور چراغ های گازی، راه آهن را به تصویر بکشد. خط، گاوبازی، مرغ دریایی، سنگ، گل صد تومانی.

ویژگی امپرسیونیست ها علاقه شدید به تمام پدیده های زندگی روزمره است. اما این به معنای نوعی همه چیز خوار و هرزگی نیست. در پدیده‌های معمولی و روزمره، لحظه‌ای انتخاب می‌شد که هماهنگی دنیای اطراف خود را به طرز چشمگیری نشان می‌داد. جهان بینی امپرسیونیستی به شدت به ظریف ترین سایه های همان رنگ، وضعیت یک شی یا پدیده پاسخ می داد.

در سال 1841، جان گفراند، پرتره‌نگار آمریکایی مقیم لندن، برای اولین بار ایده لوله‌ای برای اکسترود کردن رنگ را مطرح کرد و فروشنده‌های رنگ، Winsor و Newton به سرعت این ایده را انتخاب کردند. پیر آگوست رنوار، به گفته پسرش، می گوید: "بدون رنگ در لوله ها، نه سزان، نه مونه، نه سیسلی، نه پیسارو، هیچ یک از کسانی که روزنامه نگاران بعدها آنها را امپرسیونیست ها لقب دادند، وجود نخواهد داشت."

رنگ در لوله ها قوام روغن تازه داشت، ایده آل برای اعمال ضربه های ضخیم و خمیری قلم مو یا حتی کاردک روی بوم. هر دو روش توسط امپرسیونیست ها استفاده می شد.

در لوله های جدید، طیف وسیعی از رنگ های روشن و پایدار در بازار ظاهر شد. پیشرفت در شیمی در آغاز قرن، رنگ های جدیدی را به ارمغان آورد، به عنوان مثال، آبی کبالت، اولترامارین مصنوعی، کروم زرد با نارنجی، قرمز، سبز، رنگ، سبز زمردی، روی سفید، سرب سفید بادوام. در دهه 1850، هنرمندان پالتی از رنگ‌های روشن، قابل اعتماد و راحت را در اختیار داشتند. .

امپرسیونیست ها از اکتشافات علمی اواسط قرن در مورد اپتیک و تجزیه رنگ عبور نکردند. رنگ های مکمل طیف (قرمز - سبز، آبی - نارنجی، یاسی - زرد) در مجاورت یکدیگر را تقویت می کنند و در صورت مخلوط شدن، بی رنگ می شوند. به نظر می رسد هر رنگی که روی پس زمینه سفید قرار می گیرد با هاله ای جزئی از یک رنگ مکمل احاطه شده است. در همان مکان و در سایه‌هایی که اجسام ایجاد می‌کنند، هنگامی که توسط خورشید روشن می‌شوند، رنگی به غیر از رنگ جسم ظاهر می‌شود. هنرمندان تا حدی به طور شهودی و تا حدودی آگاهانه از چنین مشاهدات علمی استفاده می کردند. برای نقاشی امپرسیونیستی، آنها اهمیت ویژه ای داشتند. امپرسیونیست ها قوانین ادراک رنگ را از راه دور در نظر گرفتند و در صورت امکان با اجتناب از مخلوط کردن رنگ ها در پالت، خطوط رنگارنگ خالص را طوری ترتیب دادند که در چشم بیننده مخلوط شوند. تن های نور طیف خورشیدی یکی از دستورات امپرسیونیسم است. آنها از رنگ های سیاه و قهوه ای خودداری کردند، زیرا طیف خورشیدی آنها را ندارد. آنها سایه ها را با رنگ و نه سیاهی منتقل می کردند، از این رو هارمونی نرم و درخشان بوم هایشان. .

به طور کلی، نوع زیبایی امپرسیونیستی منعکس کننده واقعیت مخالفت شخص معنوی با روند شهرنشینی، عمل گرایی، بردگی احساسات است که منجر به افزایش نیاز به افشای کامل تر اصل عاطفی، فعلیت بخشیدن به معنویت می شود. ویژگی های فرد و میل به تجربه حادتری از ویژگی های مکانی-زمانی وجود را برانگیخت.

هنر اروپایی اواخر قرن نوزدهم با ظهور هنر مدرنیستی غنی شد و بعدها تأثیر آن بر موسیقی و ادبیات نیز گسترش یافت. آن را "امپرسیونیسم" می نامیدند زیرا بر اساس ظریف ترین برداشت های هنرمند، تصاویر و حالات بود.

خاستگاه و تاریخچه وقوع

چند هنرمند جوان در نیمه دوم قرن نوزدهم گروهی را تشکیل دادند. آنها یک هدف مشترک و منافع منطبق داشتند. نکته اصلی برای این شرکت کار در طبیعت، بدون دیوارهای کارگاه و عوامل بازدارنده مختلف بود. آنها در نقاشی های خود به دنبال این بودند که تمام حس و حال، تأثیر بازی نور و سایه را منتقل کنند. مناظر و پرتره ها منعکس کننده وحدت روح با جهان، با جهان اطراف بودند. نقاشی های آنها شعر واقعی رنگ هاست.

در سال 1874 نمایشگاهی از این گروه از هنرمندان برپا شد. منظره اثر کلود مونه “Impression. طلوع آفتاب» توجه منتقدی را به خود جلب کرد که در نقد خود برای اولین بار این سازندگان را امپرسیونیست نامید (از برداشت فرانسوی - "Impression").

پیش نیازهای تولد سبک امپرسیونیسم که نقاشی های نمایندگان آن به زودی موفقیت باورنکردنی پیدا خواهند کرد، آثار رنسانس بود. کار اسپانیایی‌ها ولاسکوز، ال گرکو، ترنر انگلیسی، پاسبان بدون قید و شرط بر فرانسوی‌ها که بنیان‌گذاران امپرسیونیسم بودند، تأثیر گذاشت.

پیسارو، مانه، دگا، سیسلی، سزان، مونه، رنوار و دیگران نمایندگان برجسته این سبک در فرانسه شدند.

فلسفه امپرسیونیسم در نقاشی

هنرمندانی که به این سبک نقاشی می‌کردند، وظیفه جلب توجه عمومی به مشکلات را بر عهده نداشتند. در آثار آنها نمی توان توطئه هایی در مورد موضوع روز پیدا کرد، نمی توان اخلاقی سازی کرد یا متوجه تضادهای انسانی شد.

نقاشی هایی به سبک امپرسیونیسم با هدف انتقال یک حال و هوای لحظه ای، ایجاد طرح های رنگی با ماهیت اسرارآمیز است. در آثار تنها جایی برای شروع مثبت وجود دارد، تاریکی امپرسیونیست ها را دور زد.

در واقع، امپرسیونیست‌ها به خود زحمت ندادند که درباره طرح و جزئیات فکر کنند. عامل اصلی این نبود که چه چیزی را ترسیم کنید، بلکه این بود که چگونه روحیه خود را به تصویر بکشید و منتقل کنید.

تکنیک نقاشی

تفاوت فاحشی بین سبک آکادمیک طراحی و تکنیک امپرسیونیست ها وجود دارد. آنها به سادگی بسیاری از روش ها را کنار گذاشتند، برخی غیرقابل تشخیص تغییر کردند. در اینجا نوآوری هایی است که آنها انجام دادند:

1. کانتور رها شده آن را با سکته مغزی - کوچک و متضاد جایگزین شد.
2. ما استفاده از پالت ها را متوقف کردیم، رنگ هایی را انتخاب کردیم که مکمل یکدیگر هستند و برای به دست آوردن جلوه خاصی نیازی به ادغام ندارند. مثلاً زرد بنفش است.
3. رنگ مشکی را متوقف کنید.
4. کار کاملاً رها شده در کارگاه ها. آنها منحصراً در مورد طبیعت می نوشتند تا ثبت یک لحظه، یک تصویر، یک احساس آسان تر باشد.
5. فقط از رنگ هایی با کدورت خوب استفاده شد.
6. منتظر خشک شدن لایه بعدی نباشید. بلافاصله اسمیر تازه اعمال شد.
7. آنها چرخه هایی از آثار را ایجاد کردند تا تغییرات نور و سایه را دنبال کنند. به عنوان مثال، "Haystacks" اثر کلود مونه.

البته همه هنرمندان دقیقاً ویژگی های سبک امپرسیونیسم را اجرا نکردند. به عنوان مثال، نقاشی های ادوارد مانه هرگز در نمایشگاه های مشترک شرکت نکرد و خود او خود را به عنوان یک هنرمند مجزا معرفی کرد. ادگار دگا فقط در کارگاه ها کار می کرد، اما این به کیفیت آثار او لطمه ای وارد نکرد.

نمایندگان امپرسیونیسم فرانسه

اولین نمایشگاه آثار امپرسیونیستی مربوط به سال 1874 است. پس از 12 سال، آخرین نمایشگاه آنها برگزار شد. اولین اثر در این سبک را می توان "صبحانه روی چمن" اثر E. Manet نامید. این تصویر در سالن رد شدگان ارائه شده است. با خصومت مواجه شد، زیرا بسیار متفاوت از قوانین آکادمیک بود. به همین دلیل است که مانه به چهره ای تبدیل می شود که حلقه ای از پیروان این جهت سبکی دور آن جمع می شوند.

متأسفانه، معاصران از سبکی مانند امپرسیونیسم قدردانی نکردند. نقاشی ها و هنرمندان بر خلاف هنر رسمی وجود داشتند.

کم کم کلود مونه در تیم نقاشان به میدان می آید که بعدها رهبر آنها و ایدئولوگ اصلی امپرسیونیسم می شود.

کلود مونه (1840-1926)

کار این هنرمند را می توان سرود امپرسیونیسم توصیف کرد. این او بود که اولین کسی بود که از استفاده از رنگ سیاه در نقاشی هایش امتناع کرد، با این استدلال که حتی سایه ها و شب نیز رنگ های دیگری دارند.

جهان در نقاشی های مونه خطوط مبهم، سکته های حجیم است که با نگاهی به آن می توان طیف بازی رنگ های روز و شب، فصل ها، هارمونی دنیای زیر قمری را احساس کرد. تنها لحظه ای که از جریان زندگی ربوده شد، در درک مونه، امپرسیونیسم است. به نظر می رسد نقاشی های او هیچ مادیتی ندارند، همه آنها از پرتوهای نور و جریان هوا اشباع شده اند.

کلود مونه آثار شگفت انگیزی خلق کرد: "ایستگاه سنت لازار"، "کلیسای جامع روئن"، چرخه "پل کراس کراس" و بسیاری دیگر.

آگوست رنوار (1841-1919)

خلاقیت‌های رنوار حس سبکی، هواپذیری و اثیری فوق‌العاده را القا می‌کنند. طرح به طور تصادفی متولد شد، اما مشخص است که این هنرمند با دقت در تمام مراحل کار خود فکر کرده و از صبح تا شب کار می کند.

یکی از ویژگی های بارز کار O. Renoir استفاده از لعاب است که تنها زمانی امکان پذیر است که نگارش امپرسیونیسم در آثار هنرمند در هر ضربه ظاهر شود. او یک شخص را به عنوان ذره ای از طبیعت درک می کند، به همین دلیل است که بسیاری از نقاشی های برهنه وجود دارد.

سرگرمی مورد علاقه رنوار تصویر یک زن با تمام زیبایی جذاب و جذابش بود. پرتره ها جایگاه ویژه ای در زندگی خلاقانه هنرمند دارند. "چترها"، "دختری با یک پنکه"، "صبحانه پاروزنان" تنها بخش کوچکی از مجموعه شگفت انگیز نقاشی های آگوست رنوار هستند.

ژرژ سورات (1859-1891)

سورات فرآیند خلق نقاشی ها را با اثبات علمی نظریه رنگ مرتبط کرد. محیط نور-هوا بر اساس وابستگی صداهای اصلی و اضافی ترسیم شد.

علیرغم اینکه جی. سورات نماینده مرحله نهایی امپرسیونیسم است و تکنیک او از بسیاری جهات با بنیانگذاران متفاوت است، او به همین ترتیب با کمک ضربات تصویری توهمی از فرم عینی ایجاد می کند که می تواند فقط از راه دور قابل مشاهده و دیده شدن

شاهکارهای خلاقیت را می توان نقاشی "یکشنبه"، "Cancan"، "مدل ها" نامید.

نمایندگان امپرسیونیسم روسیه

امپرسیونیسم روسی تقریباً خود به خود بوجود آمد و بسیاری از پدیده ها و روش ها را در هم آمیخت. با این حال، اساس، مانند فرانسوی ها، یک چشم انداز تمام عیار از روند بود.

در امپرسیونیسم روسی، اگرچه ویژگی های فرانسوی حفظ شد، ویژگی های ماهیت ملی و وضعیت روحی تغییرات قابل توجهی ایجاد کرد. به عنوان مثال، دید برف یا مناظر شمالی با استفاده از یک تکنیک غیر معمول بیان شد.

در روسیه، تعداد کمی از هنرمندان به سبک امپرسیونیسم کار می کردند، نقاشی های آنها تا به امروز چشم را به خود جلب می کند.

دوره امپرسیونیستی را می توان در کارهای والنتین سرووف متمایز کرد. «دختری با هلو» او بارزترین نمونه و معیار این سبک در روسیه است.

نقاشی ها با طراوت و همخوانی رنگ های ناب خود پیروز می شوند. موضوع اصلی کار این هنرمند تصویر یک فرد در طبیعت است. "Idyll شمالی"، "In the Boat"، "Fyodor Chaliapin" نقاط عطف درخشان در فعالیت K. Korovin هستند.

امپرسیونیسم در دوران مدرن

در حال حاضر این جهت در هنر جان تازه ای گرفته است. در این سبک چندین هنرمند نقاشی های خود را می کشند. امپرسیونیسم مدرن در روسیه (آندره کوهن)، در فرانسه (لوران پارسلیه)، در آمریکا (دیانا لئونارد) وجود دارد.

آندره کوهن برجسته ترین نماینده امپرسیونیسم جدید است. نقاشی های رنگ روغن او در سادگی قابل توجه است. هنرمند زیبایی را در چیزهای معمولی می بیند. خالق بسیاری از اشیاء را از منشور حرکت تفسیر می کند.

آثار آبرنگ Laurent Parcelier در سراسر جهان شناخته شده است. مجموعه آثار او «دنیای عجیب» در قالب کارت پستال منتشر شد. زرق و برق دار، پر جنب و جوش و حسی، آنها نفس گیر هستند.

مانند قرن 19، نقاشی هوای معمولی در حال حاضر برای هنرمندان باقی مانده است. به لطف او، امپرسیونیسم برای همیشه زنده خواهد ماند. هنرمندان به الهام بخشیدن، تحت تاثیر قرار دادن و الهام بخشیدن ادامه می دهند.

امپرسیونیسم (فر. امپرسیونیسم، از جانب احساس؛ عقیده؛ گمان- تأثیر) - روندی در هنر در یک سوم پایانی قرن نوزدهم - اوایل قرن بیستم که در فرانسه سرچشمه گرفت و سپس در سراسر جهان گسترش یافت و نمایندگان آن به دنبال توسعه روش ها و تکنیک هایی بودند که به طور طبیعی و واضح به تصویر کشیده شدند. دنیای واقعی در تحرک و تنوع آن، برای انتقال برداشت های زودگذر خود. معمولاً اصطلاح "امپرسیونیسم" به جهتی در نقاشی اشاره می کند (اما این اول از همه یک گروه از روش ها است) ، اگرچه ایده های آن در ادبیات و موسیقی نیز تجسم یافته است ، جایی که امپرسیونیسم نیز در مجموعه ای از روش ها ظاهر شد. و تکنیک هایی برای خلق آثار ادبی و موسیقایی، که در آن نویسندگان به دنبال انتقال زندگی به شکلی احساسی و مستقیم، به عنوان بازتابی از برداشت های خود بودند.

وظیفه هنرمند در آن زمان معقول ترین تصویر واقعیت بود، نه نشان دادن احساسات ذهنی هنرمند. اگر به او یک پرتره رسمی سفارش داده شد، پس لازم بود که مشتری را در نور مطلوب نشان دهد: بدون تغییر شکل، حالات احمقانه صورت و غیره. اگر داستانی مذهبی بود، لازم بود احساس تکریم و حیرت را برانگیزد. اگر منظره - پس زیبایی طبیعت را نشان دهید. با این حال، اگر هنرمند مرد ثروتمندی را که این پرتره را سفارش داده بود تحقیر می‌کرد، یا کافر بود، چاره‌ای نبود و تنها چیزی که باقی می‌ماند این بود که تکنیک منحصربه‌فرد خود را توسعه دهد و امیدوار به موفقیت باشد. با این حال، در نیمه دوم قرن نوزدهم، عکاسی به طور فعال شروع به توسعه کرد و نقاشی واقع گرایانه به تدریج کنار رفت، زیرا حتی در آن زمان نیز انتقال واقعیت به همان باورپذیری در عکاسی بسیار دشوار بود.

از بسیاری جهات، با ظهور امپرسیونیست ها، روشن شد که هنر می تواند به عنوان بازنمایی ذهنی نویسنده ارزشمند باشد. از این گذشته، هر فردی واقعیت را متفاوت درک می کند و به روش خود به آن واکنش نشان می دهد. دیدن اینکه چگونه واقعیت در چشمان افراد مختلف منعکس می شود و چه احساساتی را همزمان تجربه می کنند جالب تر است.

این هنرمند فرصت های باورنکردنی برای ابراز وجود دارد. علاوه بر این، خود ابراز وجود بسیار آزادتر شده است: یک طرح، موضوع غیر استاندارد بگیرید، چیزی غیر از موضوعات مذهبی یا تاریخی بگویید، از تکنیک منحصر به فرد خود استفاده کنید و غیره. به عنوان مثال، امپرسیونیست ها می خواستند یک برداشت زودگذر، اولین احساس را بیان کنند. به همین دلیل است که کار آنها مبهم و گویی ناتمام است. این کار به منظور نشان دادن یک برداشت فوری انجام شد، زمانی که اشیاء هنوز در ذهن شکل نگرفته بودند و فقط سرریزهای جزئی نور، نیم تنه ها و خطوط مبهم قابل مشاهده بود. افراد نزدیک‌بین مرا درک خواهند کرد) تصور کنید هنوز کل شی را ندیده‌اید، آن را از دور می‌بینید یا به سادگی همتا نمی‌بینید، اما قبلاً نوعی تصور در مورد آن ایجاد کرده‌اید. اگر سعی کنید این را به تصویر بکشید، احتمالاً به چیزی مانند نقاشی های امپرسیونیستی دست خواهید یافت. چیزی شبیه طرح. به همین دلیل معلوم شد که برای امپرسیونیست ها مهم تر از این نیست که چه چیزی به تصویر کشیده می شود، بلکه چگونه است.

نمایندگان اصلی این ژانر در نقاشی عبارت بودند از: مونه، مانه، سیسلی، دگا، رنوار، سزان. به طور جداگانه، Umlyam Turner را باید به عنوان سلف آنها ذکر کرد.

صحبت از طرح داستان:

نقاشی‌های آنها تنها جنبه‌های مثبت زندگی را نشان می‌داد و بر مشکلات اجتماعی از جمله گرسنگی، بیماری، مرگ تأثیری نداشت. این بعدها به انشعاب در بین خود امپرسیونیست ها منجر شد.

طرح های رنگی

امپرسیونیست ها توجه زیادی به رنگ داشتند و اساساً از سایه های تیره به خصوص سیاه خودداری می کردند. چنین توجهی به رنگ کار آنها، خود رنگ را به جایگاه بسیار مهمی در تصویر می رساند و نسل های آینده هنرمندان و طراحان را بر آن داشت تا به رنگ به عنوان آن توجه کنند.

ترکیب بندی

ترکیب امپرسیونیست ها شبیه نقاشی ژاپنی بود، آنها از طرح های ترکیبی پیچیده، قوانین دیگر (نه نسبت طلایی یا مرکز) استفاده می کردند. به طور کلی، ساختار تصویر از این نظر اغلب نامتقارن، پیچیده تر و جالب تر شده است.

ترکیب امپرسیونیست ها معنای مستقل تری پیدا کرد، بر خلاف کلاسیک به یکی از موضوعات نقاشی تبدیل شد، جایی که اغلب (اما نه همیشه) نقش طرحی را ایفا می کرد که طبق آن هر اثری انجام می شد. ساخته شده. در پایان قرن نوزدهم، مشخص شد که این یک بن بست است و خود ترکیب می تواند احساسات خاصی را حمل کند و از طرح تصویر پشتیبانی کند.

پیشروان

ال گرکو - زیرا او از تکنیک های مشابه در رنگ آمیزی استفاده کرد و رنگ از او معنای نمادینی پیدا کرد. او همچنین خود را با شیوه ای بسیار بدیع، فردیت، که امپرسیونیست ها نیز در آرزوی آن بودند، متمایز کرد.

حکاکی ژاپنی - زیرا در اروپای آن سال ها محبوبیت زیادی به دست آورد و نشان داد که می توان یک تصویر را طبق قوانین کاملاً متفاوت از قوانین کلاسیک هنر اروپایی ساخت. این در مورد ترکیب، استفاده از رنگ، جزئیات و غیره صدق می کند. همچنین در نقشه ها و حکاکی های ژاپنی و به طور کلی شرقی، صحنه های داخلی بسیار بیشتر به تصویر کشیده می شد که تقریباً در هنر اروپایی وجود نداشت.

معنی

امپرسیونیست ها با توسعه تکنیک های نقاشی منحصر به فرد و تأثیر بسیار زیادی بر تمام نسل های بعدی هنرمندان با آثار درخشان و به یاد ماندنی خود، اعتراض به مکتب کلاسیک و آثار منحصر به فرد با رنگ ها، ردپایی درخشان بر هنر جهان گذاشتند. تلاش برای حداکثر فوریت و دقت در با انتقال دنیای مرئی، آنها شروع به نقاشی عمدتاً در هوای آزاد کردند و اهمیت مطالعه از طبیعت را مطرح کردند که تقریباً جایگزین نوع سنتی نقاشی شده بود که با دقت و به آرامی در استودیو ایجاد می شد.

امپرسیونیست ها با شفاف سازی پیوسته پالت خود، نقاشی را از لاک ها و رنگ های خاکی و قهوه ای رها کردند. سیاهی مشروط "موزه" در بوم های آنها جای خود را به بازی بی نهایت متنوع از رفلکس ها و سایه های رنگی می دهد. آنها امکانات هنرهای زیبا را بی اندازه گسترش دادند و نه تنها دنیای خورشید، نور و هوا، بلکه زیبایی مه های لندن، فضای بی قرار زندگی یک شهر بزرگ، پراکندگی نورهای شبانه و ریتم آن را نیز آشکار کردند. حرکت بی وقفه

به دلیل روش کار در هوای آزاد، منظره، از جمله منظر شهری که آنها کشف کردند، جایگاه بسیار مهمی را در هنر امپرسیونیست ها به خود اختصاص داد. با این حال، نباید تصور کرد که نقاشی آنها فقط با درک "منظره" از واقعیت مشخص می شود، که اغلب آنها را مورد سرزنش قرار می دادند. دامنه موضوعی و داستانی کار آنها بسیار گسترده بود. علاقه به انسان، و به ویژه به زندگی مدرن فرانسه، ذاتی تعدادی از نمایندگان این جریان به معنای وسیع بود. ترحمی که اساساً دموکراتیک مؤید زندگی او بود، آشکارا با نظم جهانی بورژوایی مخالف بود.

در عین حال، امپرسیونیسم و، همانطور که بعداً خواهیم دید، پست امپرسیونیسم، دو طرف، یا بهتر است بگوییم، دو مرحله زمانی متوالی از آن تغییر اساسی هستند که مرز بین هنر مدرن و مدرن را مشخص کردند. به این معنا، امپرسیونیسم، از یک سو، تکامل همه چیز را پس از هنر رنسانس تکمیل می کند، که اصل اصلی آن انعکاس دنیای اطراف در اشکال قابل اعتماد بصری خود واقعیت بود، و از سوی دیگر، آن است. آغاز بزرگ‌ترین تحول در تاریخ هنرهای زیبا پس از رنسانس، که پایه‌های یک هنر کیفی جدید را بنا نهاد.

هنر قرن بیستم

امپرسیونیسم (امپرسیونیسم) سبکی از نقاشی است که در پایان قرن نوزدهم در فرانسه ظاهر شد و سپس در سراسر جهان گسترش یافت. ایده امپرسیونیسم در نام آن نهفته است: تأثیر - تأثیر. هنرمندانی که از تکنیک‌های سنتی آکادمیک نقاشی که به نظر آنها تمام زیبایی و سرزندگی جهان را منتقل نمی‌کرد، خسته شده بودند، شروع به استفاده از تکنیک‌ها و روش‌های کاملاً جدیدی در تصویرسازی کردند که قرار بود به بهترین شکل بیان شود. نه یک نگاه "عکاسی"، بلکه برداشتی از آنچه می بینید. هنرمند امپرسیونیست در نقاشی خود با استفاده از طبیعت سکته‌ها و پالت رنگ، سعی می‌کند فضا، گرما یا سرما، باد شدید یا سکوت آرام، صبح بارانی مه‌آلود یا بعدازظهر آفتابی روشن و همچنین تجربیات شخصی خود را از آنچه که دارد، منتقل کند. اره.

امپرسیونیسم دنیایی از احساسات، عواطف و برداشت های زودگذر است. این واقع گرایی یا طبیعی بودن بیرونی نیست که در اینجا ارزش دارد، بلکه واقع گرایی احساسات بیان شده، وضعیت درونی تصویر، فضای آن، عمق آن است. در ابتدا، این سبک به شدت مورد انتقاد قرار گرفت. اولین نقاشی های امپرسیونیستی در Salon des Les Misérables در پاریس به نمایش گذاشته شد، جایی که آثار هنرمندانی که توسط سالن رسمی هنری پاریس رد شده بودند به نمایش گذاشته شد. برای اولین بار اصطلاح "امپرسیونیسم" توسط منتقد لوئی لروی استفاده شد که در مجله "Le Charivari" نقدی تحقیرآمیز درباره نمایشگاه هنرمندان نوشت. به عنوان مبنای این اصطلاح، او نقاشی کلود مونه "Impression. خورشید در حال طلوع". او همه هنرمندان را امپرسیونیست نامید که تقریباً می توان آن را "امپرسیونیست" ترجمه کرد. در ابتدا ، نقاشی ها واقعاً مورد انتقاد قرار گرفتند ، اما به زودی طرفداران بیشتری از جهت جدید در هنر به سالن آمدند و خود این ژانر از یک طرد شده به یک شناخته شده تبدیل شد.

شایان ذکر است که هنرمندان اواخر قرن نوزدهم در فرانسه سبک جدیدی را از هیچ ابداع نکردند. آنها تکنیک های نقاشان گذشته، از جمله هنرمندان رنسانس را به عنوان مبنایی در نظر گرفتند. نقاشانی مانند ال گرکو، ولاسکوئز، گویا، روبنس، ترنر و دیگران، مدتها قبل از ظهور امپرسیونیسم، سعی در انتقال حال و هوای تصویر، سرزندگی طبیعت، بیان خاص آب و هوا با کمک زنگ های مختلف میانی داشتند. ، ضربه های روشن یا برعکس سکته های کسل کننده ای که شبیه چیزهای انتزاعی هستند. آنها در نقاشی های خود از آن بسیار کم استفاده کردند، بنابراین تکنیک غیر معمول برای بیننده مشهود نبود. از سوی دیگر امپرسیونیست ها تصمیم گرفتند این روش های تصویرسازی را مبنای آثار خود قرار دهند.

یکی دیگر از ویژگی های خاص آثار امپرسیونیست ها نوعی روزمرگی سطحی است که با این حال عمق باورنکردنی دارد. آنها سعی نمی کنند موضوعات عمیق فلسفی، وظایف اساطیری یا مذهبی، رویدادهای تاریخی و مهم را بیان کنند. نقاشی های هنرمندان این سمت ذاتاً ساده و روزمره هستند - مناظر، طبیعت های بی جان، افرادی که در خیابان راه می روند یا کارهای معمول خود را انجام می دهند و غیره. دقیقاً چنین لحظاتی است که در آن مضمون گرایی بیش از حد وجود ندارد که فرد را منحرف می کند ، احساسات و عواطف از آنچه می بیند به منصه ظهور می رسد. همچنین، امپرسیونیست ها، حداقل در آغاز وجود خود، موضوعات "سنگین" - فقر، جنگ ها، تراژدی ها، رنج ها و غیره را به تصویر نمی کشیدند. نقاشی‌های امپرسیونیستی اغلب مثبت‌ترین و شادترین آثار هستند، جایی که نور زیاد، رنگ‌های روشن، کیاروسکورو صاف، تضادهای صاف وجود دارد. امپرسیونیسم یک برداشت دلپذیر است، لذت زندگی، زیبایی هر لحظه، لذت، خلوص، صداقت.

مشهورترین امپرسیونیست ها هنرمندان بزرگی مانند کلود مونه، ادگار دگا، آلفرد سیسلی، کامیل پیسارو و بسیاری دیگر بودند.

نمی دانید چنگ واقعی یهودی را از کجا بخرید؟ شما می توانید بزرگترین انتخاب را در سایت khomus.ru پیدا کنید. طیف گسترده ای از آلات موسیقی قومی در مسکو.

آلفرد سیسلی - چمنزار در بهار

کامیل پیسارو - بلوار مونمارتر. بعد از ظهر، آفتابی.