کلاسیک هنر عصر روشنگری است. کلاسیک چیست؟ نشانه های کلاسیک در هنر جهان و روسیه سیستم ژانر نقاشی روسی عصر کلاسیک

- سبکی هنری در هنر اروپایی قرن هفدهم تا اوایل قرن نوزدهم که یکی از مهم ترین ویژگی های آن جذابیت به اشکال هنر باستانی به عنوان معیار زیبایی شناختی و اخلاقی ایده آل بود. کلاسیک گرایی که در تعامل شدید جدلی با باروک توسعه یافت، به یک سیستم سبک یکپارچه در فرهنگ هنری فرانسه در قرن هفدهم تبدیل شد. اصول فلسفه خردگرای زیربنای کلاسیک گرایی، دیدگاه نظریه پردازان و دست اندرکاران سبک کلاسیک را در مورد یک اثر هنری به عنوان ثمره ای از عقل و منطق تعیین می کند که بر هرج و مرج و سیال زندگی حسی ادراک شده پیروز می شود.

اصول فلسفه خردگرای زیربنای کلاسیک گرایی دیدگاه نظریه پردازان و دست اندرکاران کلاسیک گرایی را در مورد یک اثر هنری به عنوان ثمره ای از عقل و منطق تعیین می کند که بر هرج و مرج و سیال زندگی حسی ادراک شده پیروز می شود. جهت گیری به یک شروع معقول، به الگوهای پایدار، هنجاری محکم الزامات اخلاقی (تکین امر شخصی به کلی، امیال - عقل، وظیفه، قوانین جهان) و خواسته های زیبایی شناختی کلاسیک گرایی، تنظیم قواعد هنری را تعیین می کند. ; تحکیم آموزه های نظری کلاسیک توسط فعالیت های آکادمی سلطنتی تأسیس شده در پاریس - نقاشی و مجسمه سازی (1648) و معماری (1671) تسهیل شد. در نقاشی کلاسیک، خط و کیاروسکورو به عناصر اصلی مدل‌سازی فرم تبدیل شدند، رنگ محلی به وضوح شکل پذیری چهره‌ها و اشیاء را آشکار می‌کند، نقشه‌های فضایی تصویر را جدا می‌کند (مشخص شده با تعالی محتوای فلسفی و اخلاقی، هماهنگی کلی اثر N. Poussin، بنیانگذار کلاسیک گرایی و بزرگترین استاد کلاسیک گرایی قرن هفدهم؛ "مناظر ایده آل" اثر K. Lorrain). کلاسیک گرایی قرن 18 - اوایل قرن 19. (در تاریخ هنر خارجی اغلب از آن به عنوان نئوکلاسیک یاد می شود)، که به یک سبک پان اروپایی تبدیل شد، همچنین عمدتاً در آغوش فرهنگ فرانسه و تحت تأثیر شدید ایده های روشنگری شکل گرفت. در معماری، انواع جدیدی از یک عمارت نفیس، یک ساختمان عمومی جلویی، یک میدان شهر باز (J.A. Gabriel، J.J. Souflot)، جستجو برای اشکال جدید و نامنظم معماری مشخص شد. تلاش برای سادگی شدید در کار K.N. لدوکس معماری آخرین مرحله کلاسیک گرایی - امپراتوری را پیش بینی کرد. ترحم مدنی و غزلیات ترکیب شده در شکل پذیری J.B. پیگالیا و ج.ا. هودون، مناظر تزئینی توسط جی رابرت. درام شجاعانه تصاویر تاریخی و پرتره در آثار رئیس کلاسیک فرانسه، نقاش J.L. دیوید

نقاشی از دیوید تا دلاکروا نمایانگر دوره تسلط کلاسیک است. اولین نقاشی‌های دیوید هنوز چیزی اساساً انقلابی در هنر معاصر او ایجاد نکرده است، اما "سوگند هوراتی" او که در سال 1784 ظاهر شد، تأثیری ناشناخته نه تنها در جهان هنری، بلکه بر کل جامعه گذاشت. حال و هوای که این کار کاملاً با آن مطابقت داشت. صحت دقیق طرح، محتوای قهرمانانه، که تا حد زیادی با علاقه‌های کوچک روزمره متفاوت بود، و در نهایت، وفاداری باستان‌شناختی لباس‌ها، معماری و تمام محیط اطراف، بینندگان را به دنیای باستانی که قبلاً جذاب شده بود منتقل کرد. به آنها. این تصویر با «بروتوس و لیکتورها که اجساد پسرانش را آوردند که به دستور خودش اعدام شدند» دنبال شد. پس از آن، داوود نوشت (1787) "مرگ سقراط" (غلام کاسه ای زهر به او می دهد، روی برمی گرداند و گریه می کند). همه اینها آنقدر جدید و برخلاف سبک روکوکو بود، آنقدر عالی به نظر می رسید که فرصتی برای جامعه بود تا با اشتیاق در مورد دیوید به عنوان یک هنرمند و شهروند صحبت کند. به دلیل فضایل مدنی، ایرادات هنری آثار او حتی مورد توجه قرار نگرفت. چنین شیفتگی به نقاشی های او حتی برای زمان ما نیز قابل درک است، اگر آنچه را که هنرمند در ذهن داشت، که چنان قاطعانه، همانطور که فکر می کرد، دیدگاه های باستانی در مورد هنر را در نظر گرفته بود، در نظر بگیریم. دیوید وظیفه خود را به تصویر می کشد که فردی را به تصویر بکشد که انگیزه های قوی مطابق با عالی ترین لحظات زندگی دارد، شخصیتی بسیار دور از لحظات معمولی زندگی روزمره، چیزی که پست تلقی می شد. به گفته دیوید، شخصی با چنین اعتلای روحی را می‌توان تنها با کمالات پلاستیکی متناظر فرم‌ها، آن هم به دور از اشکالی که روزانه با آن مواجه می‌شود، به تصویر کشید. فقط هنر باستانی نمونه هایی از فرم های کامل را برای ما به جا گذاشت و بنابراین داوود لازم دانست که به قهرمانان خود شکل باستانی را بدهد که در مجسمه ها، گلدان ها و نقش برجسته ها مطالعه می کرد. چنین درک هنری از دیوید بود که توسط او در نقاشی‌هایی که قبلاً ذکر شد، و همچنین در سابین‌ها (1799) و سایر آثارش بیان شد. جامعه ایده‌های مدنی را در آثار دیوید در «هوراسیس» و «بروتوس» او یافت، شهروندانی ایده‌آل که پیوندهای خویشاوندی و خانوادگی را پایین‌تر از احساس وظیفه نسبت به سرزمین پدری خود قرار می‌دهند. در «سقراط» واعظی از حقایق والا را دیدند که از بی عدالتی ظالمان جان می داد. دیوید خود با چنین اعتقاداتی آغشته بود و هنگامی که در زمان وحشت یکی از هنرمندان، یکی از افراد نزدیک به داوود، از روبسپیر خواست که برای او شفاعت کند تا خواهر درخواست کننده را از گیوتین نجات دهد، دیوید به سردی پاسخ داد: «بروتوس را نوشتم. من می بینم که دولت منصف است و از روبسپیر نخواهم پرسید.» در نتیجه، نقاشی‌های دیوید، تا حدی گرایش‌آمیز، تنها در آن زمان و در جامعه‌ای که در آن ظاهر شدند، توانستند موفق باشند. در آن دوران، نسل جوان به او پاسخ دادند و اهمیت اجتماعی نقاشی های او بسیار زیاد بود: روح جمهوری خواهی از نقاشی ها دمید. به همان اندازه، اهمیت هنری آنها برای آن دوره بسیار زیاد بود: ظاهری، بازیگوشی و شهوانی نقاشی مدرن نمی توانست در برابر به تصویر کشیدن احساسات والا و اصیل، که انحصاری بودن آن را هیچ کس نمی توانست محکوم کند، مقاومت کند. علاوه بر این، دیوید هنر را نه تنها مطابق با زیبایی باستان، بلکه مطابق با طبیعت، به نقاشی صحیح بازگرداند، زیرا او یاد داد که بدون شکست با طبیعت مطابقت داشته باشد. آموزش هنری دیوید در واقع ادامه آموزه های وین است، اما دیوید با قاطعیت بیشتری عمل کرد و تمام ارتباط خود را با سبک روکوکو قطع کرد. او با داشتن اراده ای قوی و بهره گیری از روحیه روزگار، خودسرانه دیگران را وادار به پیروی از راهی می کرد که او نشان می داد. دیوید اعلام کرد که «هنری تا کنون تنها به لذت جاه‌طلبی و هوس سیباریانی که تا گردنشان طلا می‌نشستند، خدمت کرده است». او می‌گوید: «استبداد بخش‌های خاصی از جامعه، هر کسی را که می‌خواهد عقاید ناب اخلاقی و فلسفه را بیان کند، دور نگه می‌دارد. در این میان، لازم است که به تصویر کشیدن نمونه های قهرمانی و فضایل شهروندی، مردم را برق بخشد و عشق به تجلیل و افزایش رفاه میهن را در آنها برانگیزد. این گونه بود که شهروند و هنرمند دیوید، جمهوری خواه، نه تنها در کلام، بلکه همانطور که می دانید در عمل تقریباً صحبت کرد. نقاش بوکیه هنر قرن هجدهم را با شدت بیشتری محکوم کرد و تقریباً چنین گفت: «زمان آن رسیده است که به جای این آثار شرم آور (هنرمندان پیشین) آثار دیگری را در گالری ها قرار دهیم که می توانند چشمان جمهوری خواهان را بچرخانند و خیر را گرامی بدارند. اخلاق و فضیلت در گالری‌های ملی به جای نقاشی‌های اروتیک و منشی بوچر و پیروانش یا نقاشی‌های وانلو با قلم موی زنانه‌اش، باید آثاری به سبک مردانه قرار داد که نشان‌دهنده دلاوری‌های فرزندان آزادی باشد. برای بیان انرژی چنین مردمی، به یک سبک قوی، یک قلم مو جسور و یک نبوغ آتشین نیاز است. دیوید رئیس یک جهت جدید شد و جریان قدیم قبلاً توسط جریان انقلابی جامعه محکوم شده بود که هر چیزی را که تا آن زمان وجود داشت را نابود کرد و مسیر جدیدی را جایگزین آن کرد. هنرمندان مسیر سابق سعی کردند به روند جدید بپیوندند و از آنجایی که به دلیل ماهیت استعداد و عادات خود موفق نشدند یا به طور کامل فعالیت خود را متوقف کردند یا غیرقابل تشخیص تغییر کردند. رویاها و فراگونارد ناگهان اهمیت خود را از دست دادند، حمایت معنوی و مادی جامعه را از دست دادند و در فراموشی همه مردند. فراگونارد حتی مجبور شد در تلاش‌های دیوید برای تثبیت جایگاه مناسب هنر در نظام اجتماعی جدید شرکت کند و لازم بود که هنر آداب و رسوم جامعه را اصیل کند و آن را آموزش دهد. مجسمه‌سازان، حکاکی‌ها و حتی صنعتگران، هنرمندان، زرگران، منبت‌کاران - همه از داوود اطاعت کردند. قابل توجه است که مضامین جمهوری‌خواه نقاشی‌های داوود («هوراسیس»، «بروتوس») تأیید یا منصوب شد و این نقاشی‌ها توسط خود لویی شانزدهم خریداری شد، که با چنین امتیازی به افکار عمومی، به نظر می‌رسید که در کلیات مشارکت داشته باشد. جنبش عقاید، چرا که اهمیت اجتماعی این آثار برای همه روشن بود. پس از برکناری پادشاه و پس از محکوم کردن او به مرگ که داوود نیز با رای او در آن شرکت داشت و در تمام مدت وحشت تا سقوط و اعدام روبسپیر، فعالیت هنری داوود در دو تابلوی «ترور» بیان شد. پلتیه» و بعدها - «ترور مارات» که برای اهداف میهن پرستانه نوشته شد. با این حال، در آنها هنرمند بدون هیچ فکری به K. به موضوع خود پرداخت و تصویر دوم به گونه ای بیرون آمد که حتی اکنون نیز اهمیت هنری خود را از دست نداده است. پس از اعدام روبسپیر، دیوید به عنوان یکی از همدستانش به سختی از خطر مرگبار رهایی یافت و پس از آن زنان سابین را نوشت. در زمان ناپلئون چندین تابلوی رسمی برای تجلیل از او کشید، کمترین موفقیت را در این نوع به دست آورد و در حین ترمیم که به عنوان یک کشنده از فرانسه اخراج شد، دوباره در بروکسل خود را به موضوعات باستانی سپرد و تغییری نداد. جهت تا زمان مرگش آرزوهای هنری و تا حدی مدنی داوود، از آنجایی که دومی در نقاشی قابل بیان است، برای اولین بار در Belisarius (1781) او ظاهر شد - موضوعی که پس از آن مورد علاقه قرار گرفت زیرا یادآور ناسپاسی حاکمان بود. اکنون که فقط از جنبه هنری می توان نقاشی های او را قضاوت کرد، از نظر ترکیب بندی نمایشی و دکلمه ای به نظر می رسد. حتی در هوراس، قصد اصلی هنرمند این بود که رویداد را به گونه‌ای که در سال 1782 روی صحنه به تصویر کشیده شد، در آخرین عمل تراژدی کورنیل ارائه کند. فقط به توصیه دوستان دیوید لحظه ای را برای نقاشی مناسب تر به تصویر کشید، روحیه ای که مستقیماً با نمایشنامه کورنیل مطابقت داشت، اما در آن حضور نداشت. نقاشی دیوید سختگیرانه بود، خطوط عمدی، نجیب بود. در مدرسه او نه تنها عتیقه جات مورد مطالعه قرار گرفت، بلکه طبیعت نیز مورد مطالعه قرار گرفت، اما او توصیه کرد که تا آنجا که ممکن است تغییر کند تا به هنر مجسمه سازی باستانی نزدیک شود. به طور کلی، او در دستورالعمل های خود، مانند نقاشی های خود، وظایف مجسمه سازی را با وظایف نقاشی اشتباه می گرفت. در رابطه با «هوراسیس» او، یک نکته انتقادی درست بیان شد که فیگورهای نقاشی شده در تصویر می‌توانند بدون تغییر نقش برجسته را داشته باشند، و با این حال، رقت‌آمیز نمایشی فرم‌ها همچنان یک اشکال باقی می‌ماند. با توجه به رنگ، نقاشی های او کاملاً رضایت بخش به نظر نمی رسند، زیرا قهرمانان او شبیه افراد زنده نیستند، بلکه مانند مجسمه های کم رنگ به نظر می رسند. تكنيك نقاشي بيش از حد صاف و پيوسته و به شدت دور از آن شجاعت و اطمينان است كه درجه معيني از آن براي توصيف نوري اشياء لازم است. علاوه بر این، مبلمان، معماری و سایر چیزهای جزئی با همان دقتی که بدن شخصیت ها نوشته شده است. لازم به ذکر است که پرتره های داوود یا چهره های پرتره در نقاشی های او بسیار حیاتی تر از قهرمانان باستانی او هستند، اگرچه در پرتره ها او گاهی ژست های باستانی را دنبال می کرد، به عنوان مثال، در پرتره مادام رکامیه. عشق به عتیقه به دیوید یاد نداد که همانطور که دیدرو خواسته بود به طبیعت به درستی نگاه کند. دیوید، یک جمهوری خواه آزاداندیش، همین آزادی را نه در مخالفان سیاسی خود و نه در هنرمندان نگذاشت. با آزار و اذیت دانشگاهیان مکتب قدیم، دشمنان زیادی پیدا کرد. در آن زمان وقایع یکی پس از دیگری به سرعت دنبال می شدند که دیوید مجال بیان آنها را با قلم مو نداشت. بنابراین، تصویر عظیمی که او شروع کرد و توطئه گران را در Jedepaume (رویداد 1789) به تصویر می کشید، ناتمام ماند. در ژوئیه 1794، در کنوانسیون ملی یک سخنرانی اتهامی علیه خود دیوید ایراد شد که در آن، از جمله، او به عنوان یک ظالم هنر معرفی شد. در واقع، او یک سیستم دانشگاهی را سرکوب کرد تا سیستمی دیگر را ایجاد کند، آن هم استثنایی. در زمان او، کاستی‌های سیستم او آشکار نبود و شایستگی‌های آن نه تنها فرانسوی، بلکه نقاشان، حکاکی‌ها، مجسمه‌سازان خارجی را نیز جذب مکتب داوود کرد که بعداً آموزه‌های داوود را در سراسر اروپا گسترش دادند. در مدت نسبتاً کوتاهی او بیش از 400 شاگرد داشت و تأثیر او چندین دهه زنده ماند، اما با تغییرات مداوم. با این حال، در ابتدا به معنای محدود کلمه آکادمیک و شبه کلاسیک بود، زیرا زندگی باستانی را به گونه ای سرد و غیر قابل تحمل نشان می داد، و همچنین به این دلیل که K. باستان را به خاک مدرن برای آن غیرعادی منتقل می کرد (به تصاویر زندگی مدرن). ) سعی می کند فردیت مشخصه وضعیت ها، حرکات، فرم ها و بیان ها را بی شخصیت کند و به آنها انواعی بدهد که قوانین متعارف قابل یادگیری را برآورده کند، مانند قواعد هنر ساختمان. دیوید استعداد بالایی نداشت. او احتمالاً نمی توانست به بیان احساسات شکل واقعی خود را بدهد، او بازتاب بسیار بیشتری از تخیل و احساسات را در تصاویر خود آورده است، اما موفقیت او به دلایلی بود که در بالا توضیح داده شد. جامعه مجذوب چنین نمایش وفاداری از عتیقه شد. پودر کردن مو و لوازم جانبی فانتزی لباس روکوکو کنار گذاشته شد، لباس‌های زنانه، شبیه تونیک‌های یونانی، مد شد. برخی از شاگردان دیوید (les Primitives) شروع به پوشیدن لباس هایی مانند پاریس و آگاممنون کردند. در زمان دایرکتوری، نمایندگان مردم حتی یک برش لباس تجویز می کردند که در صورت امکان به لباس باستانی نزدیک می شد. هنگامی که دیوید نقاشی خود "زنان سابین" را نقاشی کرد، شیفتگی به عتیقه به حدی بود که سه خانم از بهترین جامعه برای این هنرمند برای مدل ژست گرفتند. در پایان تصویر، دیوید آن را به طور جداگانه به نمایش گذاشت و توضیحات مفصلی را برای عموم توضیح داد که چرا قهرمانان تصویر برهنه به تصویر کشیده شدند. نویسنده مطمئن بود که یونانی ها و رومی ها تصویر او را مطابق با آداب و رسوم خود می یافتند. این نمایشگاه به مدت 5 سال مورد بازدید قرار گرفت، بیش از 65000 فرانک و ستایش عمومی به هنرمند تحویل داده شد. با این حال، ناپلئون، که نقاشی را نمی فهمید، اما جنگ و سرباز را می شناخت، کاملاً به درستی متوجه شد که رومیان داوود بیش از حد بی رحمانه می جنگیدند. در پایان سلطنت ناپلئون، دیوید (1814) نقاشی "لئونیداس در ترموپیل" را که مدتها تصور کرده بود و شروع کرد - یک اثر آکادمیک، بدون زندگی و حقیقت، تکمیل کرد. آنچه دیوید می خواست و آنچه باید در چهره و چهره لئونیداس بیان می شد بسیار فراتر از توان هنرمندی بود که همیشه در بیان احساسات سطحی بود. با این حال ، او خود از بیان سر لئونید خوشحال بود و مطمئن بود که هیچ کس دیگری نمی تواند آنچه را که او بیان می کند در آن بیان کند.

وین، که شایستگی‌هایش در بالا ذکر شد، تنها کسی نبود که درک کرد که هنر قرن هجدهم خود برای سقوط در نهایت تلاش می‌کرد. تقریباً همزمان با وین و پیر پرون (1744-1815) تلاش کردند تا هنر را به مطالعه عتیقه‌جات و طبیعت بازگردانند. در همان سال با دیوید، او همچنین مرگ سقراط را به نمایش گذاشت، اما در این اثر با بسیاری از آثار قدیمی، هم از نظر ترکیب و هم در تفسیر فرم‌ها و پارچه‌ها، باقی ماند. ژان ژوزف تاگلیاسون، دانش‌آموز وین، جهان باستان را مانند راسین و کورنیل در تراژدی‌هایشان درک کرد و به تصویر کشید. Guillaume Guillon Lethierre (1760-1832)، ده سال مدیر آکادمی فرانسه در رم، بروتوس (1801) را مانند دیوید نوشت، اما در لحظه ای متفاوت. بدن های برهنه و پارچه های پارچه ای پس از مجسمه های رومی با روح اصلاحات داوودی ساخته شده اند. تصویر دیگری - "مرگ ویرجینیا" که در سال 1795 تصور شد، تنها در سال 1831 تکمیل شد، زمانی که روند K. قبلاً منسوخ شده بود. گیوم مناجو (1744-1816) که مدت ها مدیر آکادمی رم نیز بود، با تردید بین قدیم و جدید توقف کرد. تنها هنرمندانی که زیر سایه دیوید ناپدید نشدند، ژان باپتیست رگنو (1754-1829) و فرانسوا آندره وینسنت (1746-1816) بودند. اولین آنها، اگرچه او در تمام زندگی خود تمایل به موهبت ها و پوره های قرن 18 را حفظ کرد، اما با رسیدن به رم از سنین پایین، در گرایش عمومی به عتیقه شرکت کرد. کتاب «آموزش آشیل» (1783) او را نامگذاری کرد. به طور کلی او قول داد با دیوید رقابت کند که در ابتدا حتی از نظر رنگ از او پیشی گرفت. از دیگر نقاشی های او در دنیای باستان، «مرگ کلئوپاترا»، «الکیبیادس و سقراط»، «پیگمالیون»، «توالت زهره»، «هرکول و آلسست» را نام می بریم. رگنو همچنین نقاشی های تاریخی مدرن را با پایبندی به دیدگاه های دیوید کشید. وینسنت، یکی از شاگردان وین، مانند دیوید، قبل از اینکه دیوید با آثار اصلی خود ظاهر شود، نامی برای خود دست و پا کرد. وینسنت تحت هدایت وین نیز به بهبود طراحی و مطالعه فرم ها کمک کرد، اما کاستی های مسیر جدید را در رابطه با نمایشی بودن ژست ها و بی روح بودن رنگ ها به اشتراک گذاشت. موضوعات مورد علاقه او برگرفته از تاریخ ملی است، او پیشرو و رئیس هنرمندان بعدی از این دست و به هر حال هوراس ورنت بود. از نقاشی های وینسنت نام خواهیم برد: "بلیزاریوس در حال التماس"، "زوسکیس مدل خود را بین دختران کروتون انتخاب می کند"، "هنری چهارم و سالی"، "نبرد زیر اهرام". قهرمان قاطع‌تر جهت کلاسیک پیر گورین (1774-1833) بود که از مدرسه رگن بیرون آمد. نقاشی او "مارک سکستوس در حال بازگشت از تبعید" (1799) تقریباً همان تأثیر قوی "هوراسیس" چند سال پیش را در جامعه ایجاد کرد، زیرا ظاهر آن همزمان با دوران بازگشت مهاجران فرانسوی به سرزمین مادری بود. قابل توجه است که این تصویر ابتدا بلیزاریوس نابینا را در حال بازگشت به خانواده خود نشان می داد، سپس چشمان شخصیت اصلی باز شد و او را به Sextus تبدیل کردند. در سال 1802، نقاشی هیپولیتوس، فدرا و تسئوس، سپس آندروماش (1808)، آئنیاس و دیدو (1817) به نمایش گذاشته شد. شخصیت اصلی آثار گوئرین تلفیق سبک نمایشی آن زمان با مجسمه سازی است و در این نوع هنرمند بسیار مبتکر بود. نقاشیش سرد بود از میان این نقاشی‌ها که در آن‌ها برای شخصیت‌های اصلی از مشاهیر تئاتر، بازیگر تالما و دوچنوا، الگو گرفته است، دومی هنوز بهتر از بقیه است.

از مکتب داوود دروئت (1763-1788) آمد که معلم به او امید زیادی داشت. نقاشی او "مری در مانتورن" موفقیت آمیز بود، اما اکنون بی روح و همچنین با چهره های تئاتری مشروط به نظر می رسد. در حال اجرا - نقاشی مانند نقاشی دیوید. یکی دیگر از شاگردان داوود - Girodet de Triozon (1767-1824) در ابتدا بیشتر از تاریخ روم به اساطیر یونان علاقه داشت. "Endymion خفته" او که در آن نور مهتاب مقداری رنگ به وجود می آورد، مورد استقبال مردم قرار گرفت، اما کمبود مدرسه در شکل قابل مشاهده است. در بقراط او نمایشی بودن حرکات قابل مشاهده است. در سال 1806 او صحنه‌ای از سیل را به نمایش گذاشت که مصیبت‌های در حال مرگ گروهی از مردم را به تصویر می‌کشد که به دنبال نجات بودند. برای این کار، این هنرمند در سال 1810 جایزه ناپلئون را دریافت کرد که برای بهترین اثر دهه گذشته منصوب شد. نقد مدرن ترکیبی از میکل آنژ و رافائل را در هنرمند می دید و اکنون به نظر می رسد که تصویر او ترکیبی آکادمیک و مصنوعی است، اما با شور و اشتیاق. حالا "آتالا و شاکتاش" او را بیشتر دوست دارم. جرارد (1770-1830) - همچنین شاگرد دیوید - اولین شهرت خود را با نقاشی "بلیساریوس (طرح مورد علاقه آن زمان)، حمل همراه خود" (1791) به دست آورد - یکی از بهترین آثار جهت کلاسیک. موفقیت بزرگی بود، اما روان او کمتر مورد استقبال قرار گرفت. جرارد به عنوان یک نقاش پرتره معروف شد و در واقع، مقایسه پرتره های آثار او با پرتره های قرن هجدهم، به عنوان مثال، Hyacinthe Rigaud (1659-1743)، نشان دهنده گام بزرگی به سوی سادگی و طبیعی بودن است، زیرا ریگو از او الگوبرداری می کند. پرتره‌ها، گاه مصنوعی و زیبا، گاهی موقر، اغلب حتی ویژگی‌های خدایان اساطیری را به هم متصل می‌کنند. حتی پرتره‌های گروز و لوئیز ویگی-لبرون، به دلیل فقدان فردیت مشخص در چهره به تصویر کشیده شده و برخی تعمیم انواع ناهمگون، پرتره‌هایی از جرارد را مطرح کردند. رابرت لوفور و کیانسوم، معاصران جرارد، نقاشان شیک پرتره که سعی می‌کردند مدل‌های خود را بیش از آنکه حقیقت را دنبال کنند، راضی نگه دارند، اکنون فراموش شده‌اند، جرارد هنوز اهمیت دارد، اگرچه سرزندگی پرتره‌های او به اندازه آثار پرتره‌های او عمیق نیست. اساتید بزرگ . . ایزابا، نقاش پرتره، از مکتب داوود، طراحی خوبی را مدیون اوست، اما نقاشی های او شایستگی زیادی ندارند. مهم‌ترین هنرمندی که از کارگاه دیوید بیرون آمد، گروس (1771-1835) است، اما شهرت او بر اساس آثاری است که در آن‌ها به توصیه‌های معلمش عمل نکرده است. نقوش کلاسیک او: «سافو خود را به دریا می‌اندازد»، «آریادنه و باکوس»، «هرکول اسبش را به سوی دیومدس پرتاب می‌کند» (1835) ناتوانی او را در این جنس نشان می‌دهد، در حالی که «نبرد ابوکر»، «طاعون در یافا» آنها در یک زمان حرکت بزرگی را به سمت درک واقعیت نشان می دهند، استعداد، مشاهده و قدرت بازنمایی آنچه در طبیعت دیده می شود را نشان می دهند. شگفت آور است که چگونه گرو ماهیت استعداد او را درک نمی کند و با اطاعت کامل از نظرات معلم خود، همراه با او محتوای تصاویر زندگی مدرن را امری تصادفی می داند و علاقه آنها به هنر گذرا است. دیوید بارها گفت: «پلوتارک را بخوانید» و به او نوشت، «در آنجا نمونه‌هایی را خواهید یافت که شایسته قلم مو هستند.» گرو بسیار مورد احترام هموطنان خود بود، برخی از منتقدان به طور اغراق آمیز در او ترکیبی از روبنس و ورونز را دیدند، مدرسه او تا 400 هنرمند را تشکیل داد. اما هنگامی که گرو از بهترین آثار خود چشم پوشی کرد و آموخت که در همه چیز از دیوید پیروی کند و خود در اولین فرصت به موضوعات کلاسیک بازگشت که با این حال، با آن بسیار ناموفق کنار آمد، برای معاصران خود اهمیت خود را از دست داد. یکی دیگر از شاگردان با استعداد دیوید، فرانسوا خاویر فابر (1766-1837) که در ژانر کلاسیک نوشت: "ادیپ در ستون"، "مرگ نرگس"، "نئوپتولم و اولیس" و غیره، امیدها را توجیه نکرد. از معلمانش در نقاشی‌های تاریخی که دائماً با یادآوری درس‌های مدرسه نقاشی می‌کرد، او نیز بالا نرفت و در سال‌های آخر فعالیت خود را به مناظر و پرتره محدود کرد. ژان باپتیست ویکارد (1762-1834) که از جمله "اورستس و پیلادس" و "الکترا"، "ویرژیل آئنید را برای آگوستوس می خواند" نوشت، بیشتر عمر خود را در ایتالیا گذراند، تأثیر مستقیمی نداشت. در مورد هنر فرانسه با آثارش، اما فعالیت او از جنبه دیگری مورد توجه قرار گرفته است (به ویکار مراجعه کنید). از دیگر پیروان K. - لوئیس دوچی (1773-1847) روی نقوشی از اساطیر نوشت. فیلیپ آگوست هنکین (1763-1833)، کلود گوترو (1765-1825)، چارلز تیونین (1760-1838)، ژان باپتیست دبری (1763-1845)، چارلز مونیر (1768-1832) و برخی دیگر ، بخشی از نقاشی های تاریخی، بخشی پرتره. تقریباً همه این هنرمندان که به دنیای آرمانی پایبند بودند، از نظر آکادمیک ک.، فرم ها، استعداد کافی برای دمیدن زندگی واقعی در آنها را نداشتند. برخی از آنها نقاشان رسمی کلیساها و صومعه ها و پلاتوهای لوور بودند. برخی از آنها و گروهی دیگر در ابعادی تاریخی نبردها، صحنه های نظامی و رژه، افراد حاکم را در دوره های مختلف زندگی و فعالیت های خود به تصویر می کشیدند. همین را می توان در مورد شاگردان رگنو و وینسنت گفت، اما همه آنها در اکثر موارد دارای مدل هایی از دیوید و گروس بودند که پس از اخراج دیوید از فرانسه در سال 1815، نماینده رسمی نقاشی فرانسه شدند. هیچ کس استعداد خاصی نداشت و هیچ کس جرات نداشت اصالت داشته باشد، به استثنای استثناهای نادر و ضعیف.

زمانی که دیوید در اوج نفوذ خود، چه هنری و چه اجتماعی بود، هنرمندان کمی انزوای خود را حفظ کردند. پیر پل پرودون (1758-1823) اگرچه موضوعاتی را از اساطیر ("گریس"، "آفرودیت"، "روان"، "زفیرها"، "آدونیس" دریافت کرد، اما با احساس خود این مطالب را متحرک ساخت و صاحب رنگ زندگی نگرش او به مکتب دیوید از بررسی او درباره دروئت، یکی از تواناترین شاگردان دیوید، مشهود است. در تصاویر و در تئاتر می‌توان افرادی را دید که احساسات را به تصویر می‌کشند، اما بدون بیان شخصیت ذاتی در شیئی که نشان می‌دهند، طوری به نظر می‌رسند که گویی در حال بازی یک کمدی هستند و فقط آنچه را که باید باشند تقلید می‌کنند.» دیوید با شناخت استعداد پرودون، او را ناعادلانه یک بوچر مدرن نامید. پرودون درک درستی از اشکال و حرکات طبیعی برای بوچر داشت که اغلب نقاشی‌های پیچیده را بدون طبیعت می‌کشید، اما به این واقعیت که می‌توانست دست یا پا را به زیبایی خم کند، افتخار می‌کرد. از میان نقاشی‌های پرودون، یکی ("جنایت به دنبال عدالت و انتقام")، از نظر شور و قدرت بیان و رنگ، منادی مسیر جدیدی به حساب می‌آید که البته تنها پانزده سال بعد کشف شد. قابل توجه است که در همان سال (1808) عموم مردم با تابلوی ژیروده "آتالا و شاکتاس" آشنا شدند که طرح آن از شاتوبریاند گرفته شده بود و نه از تاریخ یا جهان باستان، همانطور که همه در آن دوره انجام دادند. نقاشی که از نظر رنگ با آثار معمولی مکتب داوود تفاوت داشت. اما تمام فعالیت های طولانی و استثنایی آن زمان پرودون به هیچ وجه مکتب داوود را متزلزل نکرد.

کلاسیک گرایی سبک پیشرو در هنر مطلق گرایی است. معماری و هنرهای زیبا کلاسیک.

به عنوان یک سبک هنری، کلاسیک (از لاتین classicus - نمونه) در هنر اروپایی در قرن هفدهم شکل گرفت.

مهمترین ویژگی آن توسل به اصول هنر باستانی بود:عقل گرایی، تقارن، جهت، خویشتن داری و مطابقت دقیق محتوای اثر با فرم آن.

این سبک در فرانسه توسعه یافت و منعکس کننده ادعای مطلق گرایی در این کشور بود. به موازات سبک باروک، کلاسیک گرایی وظایف زمان خود را از موقعیت های دیگر و با وسایل بصری دیگر - تجلیل از قدرت پادشاه مطلق - حل کرد.

در توسعه کلاسیک دو مرحله وجود دارد: قرن هفدهم. و هجدهم - اوایل قرن نوزدهم.

اصول کلاسیک گرایی مبتنی بر ایده های عقل گرایی فلسفی است که از ایده هایی در مورد قوانین عقلانی جهان و طبیعت زیبای نجیب حمایت می کند. بر اساس این مفهوم، یک اثر هنری ثمره عقل و منطق است که بر هرج و مرج و سیال زندگی درک شده توسط حواس پیروز یا غلبه می کند.

برای کلاسیک گرایان، فقط جاودانگی، یعنی ماندگار ارزش زیبایی شناختی دارد.

کلاسیک گرایی هنجارهای اخلاقی جدیدی را مطرح کرد، زیرا به عملکرد اجتماعی و آموزشی هنر اهمیت زیادی می داد.

قهرمانان آثار کلاسیک در برابر فراز و نشیب ها و ظلم سرنوشت مقاومت می کنند. برای آنها امر مشترک بالاتر از شخصی است، شهوات تابع وظیفه، عقل و مصالح عمومی است.

زیبایی شناسی کلاسیک با حرکت از جهت گیری به سمت یک شروع معقول، الزامات مربوطه، یعنی قوانین هنجاری را تعیین کرد. سلسله مراتب دقیقی از ژانرها ایجاد شد.بنابراین، در نقاشی، نقاشی های تاریخی، اسطوره ای، مذهبی به عنوان ژانرهای "بالا" شناخته شدند. "کم" شامل منظره، پرتره، طبیعت بی جان است.

برای مجسمه سازی و نقاشی، مرزبندی واضحی از پلان ها و صافی فرم ها ایجاد شد: اگر حرکتی در چهره ها وجود داشت، انزوای ایستا و پلاستیک آرام آنها را نقض نمی کرد. برای انتخاب واضح اشیاء، از رنگ محلی استفاده شد: قهوه ای - برای نزدیک، سبز - برای وسط، آبی - برای طرح دور.

در معماریساختمان‌های عمومی و کاخ‌ها، مجموعه‌های شهری، مجموعه‌های کاخ و پارک با روح شکوه و عظمت عجین شده‌اند. راه حل فضایی آنها با منطق روشن، نماها - با هماهنگی ساختار ترکیبی با تناسب قطعات، فرم های معماری - با سادگی و دقت متمایز می شود.

نظم دقیق حتی به طبیعت وارد می شود: استادان کلاسیک سیستمی به اصطلاح ایجاد کردند پارک معمولی. معماران کلاسیک به طور گسترده ای به میراث باستانی کشیده می شوند و اصول کلی معماری باستانی را مطالعه می کنند..

روح کلاسیک گرایی طرفدار بیان اندیشه های مذهبی و عرفانی نبود و بنابراین بناهای فرقه در معماری کلاسیک مانند باروک اهمیت زیادی ندارند.کلاسیک گرایی آثار شگفت انگیزی از ترکیب هنری مانند مجسمه سازی و هنرها و صنایع دستی را در یک مجموعه معماری به جا گذاشت.

در هنرهای زیباکلاسیک گرایی، یکی از مضامین اصلی، موضوع وظیفه، پیروزی عمومی بر شخصی، مضمون تأیید عالی ترین اصول اخلاقی بود: قهرمانی، شجاعت، خلوص اخلاقی، که تجسم هنری خود را در تصاویری مملو از زیبایی والا می یابند. عظمت کلاسیک گرایی با اصل عقلانیت و انضباط شدید با تضادها و نقص های واقعیت مقابله می کند که به کمک آن انسان باید بر موانع زندگی غلبه کند.

با توجه به زیبایی شناسی کلاسیک، عقل ملاک اصلی زیبایی است. هنرمند در کار خود باید از نمونه های کاملی که از آثار هنر باستانی و رنسانس عالی محسوب می شد، استفاده کند.

در ابزار زبان بصری، نظریه کلاسیک به طراحی ارجحیت می دهد و رنگ نقشی فرعی دارد. هنرمندان کلاسیک با شناخت زیبایی زندگی واقعی، زیبایی طبیعت، تصویر طبیعت را ترجیح می دهند، که نه تنها به عنوان پس زمینه فعال در ترکیب بندی های طرح عمل می کند، بلکه اغلب مبنای تعیین کننده در ساختار کلی تصویر را تشکیل می دهد.

هنرمندان: رهبر کلاسیک فرانسه در نقاشی ژاک لویی دیوید (1748-1825) است. "سوگند هوراتی ها"؛ "تاج گذاری ناپلئون"؛ «آندروماش در سوگ مرگ هکتور»؛ "مرگ مارات".

ژان آگوست اینگر (1780-1867) - استاد درخشان ترکیب بندی، طراحی دقیق. او نویسنده نقاشی هایی با موضوعات تاریخی و مذهبی است («نذر لویی سیزدهم»، «آپوتئوز هومر»). او به عنوان یک نقاش پرتره واقع گرای درجه یک وارد تاریخ هنر فرانسه شد. "پرتره برتین"؛ سریال "Odalisques"، "The Great Bather".

نیکلاس پوسین (1594-1665) - بنیانگذار نقاشی کلاسیک، جهت اصلی سبک در فرانسه. «تانکرد و ارمینیا»، «مرگ ژرمنیکوس». مناظر باشکوه قهرمانانه پوسین زیبا هستند: "منظره توسط پولیفموس"، "چوپان آرکادی".

کلاسیک (از لات. classicus - نمونه)، سبک و جهت در ادبیات و هنر 17 - اولیه. قرن 19، که به میراث باستانی به عنوان یک هنجار و یک الگوی ایده آل روی آورد. کلاسیکیسم در قرن هفدهم شکل گرفت. در فرانسه. اصول فلسفه خردگرای زیربنای کلاسیک گرایی دیدگاه نظریه پردازان و دست اندرکاران کلاسیک گرایی را در مورد یک اثر هنری به عنوان ثمره ای از عقل و منطق تعیین می کند که بر هرج و مرج و سیال زندگی حسی ادراک شده پیروز می شود. جهت گیری به یک شروع معقول، به الگوهای پایدار تعیین کننده استانداردسازی محکم الزامات اخلاقی است. تحکیم آموزه های نظری کلاسیک با فعالیت آکادمی های سلطنتی تأسیس شده در پاریس - نقاشی و مجسمه سازی و معماری تسهیل شد. کلاسیک گرایی قرن 18 - اوایل قرن 19. (در تاریخ هنر خارجی اغلب از آن به عنوان نئوکلاسیک یاد می شود)، که به یک سبک پان اروپایی تبدیل شد، همچنین عمدتاً در آغوش فرهنگ فرانسه و تحت تأثیر شدید ایده های روشنگری شکل گرفت.

در نقاشی کلاسیک، عناصر اصلی مدل‌سازی فرم خط و کیاروسکورو بودند، رنگ محلی به وضوح شکل پذیری چهره‌ها و اشیاء را آشکار می‌کند، نقشه‌های فضایی تصویر را از هم جدا می‌کند. با عظمت محتوای فلسفی و اخلاقی مشخص شده است. تنظیم دقیق رفتار قهرمانان. یک تعریف روشن در ارتباط با این استاندارد از وضعیت، ژست، حرکت، بیان چشم، حالات چهره. ریتم ترکیبی تعقیب شده را باید به عنوان بازتابی از آغاز معقول تلقی کرد که انگیزه های پایه را تعدیل می کند و به اعمال انسان عظمت می بخشد. سه پلان ساخت و راکر اجباری. الزامات طراحی دقیق: چشم انداز مرکزی. اشکال بیضی؛ خطوط موازی و زوایای یکسان را حذف کنید. اولویت خط بر رنگ، طرح کلی واضح است. عناصر "مجسمه ای". حذف تضادهای رنگی تند و تبعیت کامل رنگ از خط و فرم.

بزرگترین نمایندگان کلاسیک گرایی N. Poussin، C. Lorrain، J. L. David، J. O. D. Ingres هستند.

بنیانگذار کلاسیک گرایی و بزرگترین استاد کلاسیک گرایی قرن هفدهم - پوسین نیکلاس.از دهه 1620، نقاش نیکلاس پوسین نقاشی هایی با صدای مدنی بالا (نقاشی "مرگ ژرمنیکوس")، ترکیبات شاعرانه در مضامین ادبی و اساطیری، که با نظم عالی از تصاویر، عاطفی شدید، به آرامی هماهنگ شده است، خلق کرد. رنگ ریتم ترکیبی واضح حاکم بر آثار نیکلاس پوسین در دهه 1630 به عنوان بازتابی از یک اصل معقول تلقی می شود که به اعمال شریف یک شخص عظمت می بخشد (" چوپان آرکادی»؛"یافتن موسی"). از دهه 1650، پاتوس اخلاقی و فلسفی در آثار پوسین تشدید شده است. نیکلاس پوسین با توسعه اصول یک منظره ایده آل، طبیعت را تجسم مصلحت و کمال می کند ("منظره با پولیفموس"؛ مجموعه ای از مناظر "فصول"، "آپولو و دافنه"). معرفی شخصیت های اساطیری به منظره، شخصیت پردازی عناصر مختلف، با استفاده از قسمت هایی از داستان های کتاب مقدس. در یکی از بهترین آثار با موضوع باستان "پادشاهی فلورا"(هنرمند شخصیت های حماسه اووید را که پس از مرگ به گل تبدیل می شوند جمع آوری کرد (نرگس، سنبل و ...) فلور رقصنده در مرکز قرار دارد و بقیه چهره ها به صورت دایره ای چیده شده اند، حالات و حرکات آنها به صورت دایره ای است. با یک ریتم واحد - به لطف این، کل ترکیب با یک حرکت دایره ای نفوذ می کند.

کلود لورنیکی از بزرگترین استادان کلاسیک چشم انداز. شخصیت های آثار این هنرمند عمدتاً قهرمانان باستانی و قهرمانان داستان های کتاب مقدس هستند. این هنرمند با مهارت فراوان بازی پرتوهای خورشید در ساعات مختلف روز، طراوت صبح، گرمای نیمروز، شفافیت هوای پاک و مسافتی که با مه سبک پوشیده شده بود را به تصویر می کشید. در تصویر "ربوده شدن اروپا"تصویری کامل و غنی از طبیعت را منعکس می کرد. طرحی که این هنرمند در پس زمینه منظره فاش کرد، تنها به عنوان پایه ای برای نوشتن یک پانورامای دریا عمل کرد.

یکی دیگر از نقاشی های معروف لورن است آسیس و گالاتیا". این اثر به سبک کلاسیک نوشته شده است، نیاز به سختگیری دارد، فضا را به تعدادی پلان تقسیم می کند، نسبت های موجود در تصویر به دقت بررسی می شود، ترکیبات درختان تصویر را در دو طرف قاب می کنند، مانند پشت صحنه یا قاب.

آخرین کار لورن - " منظره با تیراندازی آهو اسکانی»(موزه در آکسفورد) در سال مرگ این هنرمند تکمیل شد و یک شاهکار واقعی به حساب می آید.

بزرگترین نماینده "کلاسیکیسم جدید" بود ژاک لوئیس دیوید ; رنگ آمیزی "سوگند هوراتی ها"خواستار وظیفه مدنی است صحت دقیق طراحی، ژست واضح و مختصر، محتوای قهرمانانه، وفاداری باستان شناسی لباس ها، مدل سازی روشن و سایه روشن. استعداد داوود به طور کامل در سالهای انقلاب آشکار شد. زبان هنری بسیار لاکونیک و نمایشی او با موفقیت یکسانی برای ترویج آرمان ها خدمت کرد انقلاب فرانسه (« مرگ مارات »1793) و اولین امپراتوری (« تقدیس امپراتور ناپلئون اول » ). به عکس" مرگ مارات» هنرمند موفق شد ارگانیک‌تر از همیشه ویژگی‌های یک پرتره و یک نقاشی با موضوعی تاریخی را در این اثر ترکیب کند. دست راست مارات هنوز قلم را در چنگ می اندازد، اگرچه زندگی قبلاً او را رها کرده است، در دست چپ او نامه ای از شارلوت کوردی است. در لبه پایین بوم، هنرمند اسلحه قتل را به تصویر کشید - چاقوی آغشته به خون. دیوید به این فرم‌ها یک مجسمه‌ی یادبود واقعی بخشید. در سال 1804، این دیوید بود که "نخستین هنرمند ناپلئون" شد.

یکی از بزرگترین نمایندگان کلاسیک یاول. ژان آگوست دومینیک اینگر. نویسنده ترکیبات تاریخی، ادبی و اساطیری به عنوان یک نگهبان متقاعد از تخطی از ایده آل آکادمیک عمل کرد. نقش برجسته، طرح رنگ تابع نقاشی است. «مدونا در مقابل جام با راز» یکی از مشهورترین آثار این هنرمند است. این نقاشی توسط انگرس توسط امپراتور آینده روسیه الکساندر دوم سفارش داده شده است. ژست هیراتیک منجمد و ویژگی های صحیح رافائل مدونا نماد نگاری کاتولیک است. با تراز کامل و سازنده بودن تصویر تحت تاثیر قرار می دهد. سنت های کلاسیک متأخر نقاش تأثیر زیادی بر آکادمیک گرایی هنر فرانسه گذاشت. انگرس همیشه از سیاست دور بود و در رویدادهای 1830 فرانسه شرکت نکرد. اما در این زمان، او پرتره شگفت انگیزی از رئیس مطبوعات سیاسی آن زمان، صاحب روزنامه محبوب لوئیس فرانسوا برتن بزرگ، پیرمرد قدرتمند مو خاکستری با ظاهری باهوش و آرام ترسیم می کند. زندگی و شرایط."

یکی از شاخص ترین آثاری که انگرس در پایان عمر خود نوشته است "منبع".این تصویر از دختر جوانی که کوزه ای در دست دارد که آب از آن جاری می شود، نمادی تمثیلی از سرچشمه ابدی حیات است.

کلاسیک گرایی در روسیهدر قرن 18 شکل گرفت و نقش مهمی در توسعه فرهنگ ملی ایفا کرد. در هنرهای تجسمی، توسعه کلاسیک با آکادمی هنر سنت پترزبورگ که در سال 1757 تأسیس شد، ارتباط نزدیکی دارد. استادان روسی نقاشی تاریخی کلاسیک با حفظ تا حدودی ویژگی های ایده آل سازی، انتزاع و تمثیل گرایی - A . P. Losenko، G. I. Ugryumov، A. I. Ivanov، A. E. Egorov، V. K. Shebuev، در آثار اولیه - K. P. Bryullov و A. A. ایوانف- ترویج ایده های آموزشی انسان گرایی، خدمات مدنی میهن پرستانه.

بنیانگذار مکتب آکادمیک نقاشی کلاسیک روسی محسوب می شود A. Losenko. یکی از بهترین نقاشی های این نقاش، وداع هکتور با آندروماش است. این هنرمند با بهره گیری از انگیزه های فردی حماسه باستانی، محتوایی متفاوت و کاملاً مبتنی بر اصول کلاسیک را در اثر قرار داده است. ایده لوسنکو مبتنی بر ایده وظیفه در قبال وطن و ایثار قهرمانانه به نام وطن است.

با خواندن این مقاله همه چیز را در مورد نمایندگان کلاسیک یاد خواهید گرفت.

نمایندگان کلاسیک

کلاسیک گرایی چیست؟

کلاسیک گرایی- این یک سبک در هنر است که مبتنی بر تقلید از معیارهای دوران باستان است. دوران شکوفایی این جهت به قرن های XVII-XIX اشاره دارد. این نشان دهنده میل به یکپارچگی، سادگی، سازگاری است.

نمایندگان کلاسیک گرایی روسی

کلاسیک گرایی در روسیه در آغاز قرن 18 از لحظه تحولات پیتر اول و انتشار نظریه "سه آرامش" توسط لومونوسوف و اصلاح تردیاکوفسکی ظاهر شد. برجسته ترین نمایندگان این گرایش عبارتند از:

• انطاکیه دیمیتریویچ کانتمیر،
• الکساندر پتروویچ سوماروکف
• ایوان ایوانوویچ خمنیتسر.

معماری روسی فرهنگ باروک روسیه و بیزانس را در هم آمیخته است. اصلی نمایندگان کلاسیک در معماری -اروپکین، کازاکوف، زمتسوف، روسی، کروبوف، مونتفراند و استاسوف.

در نقاشی بر نرمی فرم ها تاکید می شود و کیاروسکورو و خط عناصر اصلی فرم هستند. نمایندگان کلاسیک در نقاشی: I. Akimov، P. Sokolov، K. Lorrain و N. Poussin. لورن مناظری خلق کرد که ارتباط بین طبیعت و انسان، هماهنگی و تعامل آنها را به تصویر می کشید. و پوسین شاهکارهایی را نقاشی کرد که اعمال قهرمانانه را به سبک تاریخی به تصویر می کشد.

نمایندگان کلاسیک گرایی در ادبیات روسیه

درخشان ترین نمایندگان کلاسیک گرایی در ادبیات: سوماروکف، تردیاکوفسکی، کانتمیر، لومونوسوف.کمی بیشتر در مورد هر یک از آنها. تردیاکوفسکی به عنوان مردی که جوهر کلاسیک گرایی را آشکار کرد در تاریخ ثبت شد. اما لومونوسوف در شکل هنری کار بزرگی انجام داد. سوماروکف بنیانگذار نظام نمایشی کلاسیک است. اثر معروف او «دیمیتری مدعی» مخالفت با رژیم تزاری را آشکار کرد.

شایان ذکر است که همه نمایندگان مشهور بعدی کلاسیک با لومونوسوف مطالعه کردند. او صاحب طراحی قواعد واژگان و پردازش گرامر زبان روسی است. این نویسنده اصول کلاسیک گرایی را وارد ادبیات روسیه کرد. او همه کلمات را به سه گروه اصلی تقسیم کرد ("سه آرامش"):

• گروه اول با وقار و عظمت متمایز می شوند. واژگان قدیمی روسی بر آن غالب است. قصیده ها، تراژدی ها، حماسه های قهرمانانه برای آن مناسب بود.
• گروه دوم شامل مرثیه، نمایشنامه، طنز بود.
• گروه سوم شامل کمدی ها و افسانه ها بود.

نمایندگان برجسته کلاسیک قهرمانان خود را به شخصیت های مثبت (که همیشه برنده می شوند) و منفی تقسیم کردند. طرح، به عنوان یک قاعده، مبتنی بر یک مثلث عشقی بود، مبارزه مردان برای داشتن یک زن. اکشن آثار از نظر زمانی محدود است (بیش از 3 روز) و در یک مکان انجام می شود.

نمایندگان کلاسیک در ادبیات جهان

تمرین کنندگان کلاسیک در درجه اول نویسندگان فرانسوی بودند: شاعر مالهرب، نمایشنامه نویسان کورنیل، راسین،

کلاسیک گرایی بر آثار هنری باستانی متمرکز بود، اما این به معنای کپی برداری معمولی نبود. این جهت همچنین تداوم سنت‌های زیبایی‌شناختی رنسانس را در نظر گرفت که هنرمندان آن اغلب به موضوع دوران باستان روی آوردند.

کلاسیک گرایی در نقاشی هنرمندان کشورهای اروپای غربی در پایان قرن شانزدهم سرچشمه می گیرد. برادران کاراکی سهم بزرگی در نظام سازی و تثبیت دستاوردهای استادان بزرگ رنسانس، به ویژه میکل آنژ و رافائل داشتند. در دهه 1580 آنها آکادمی هنر را در بولونیا افتتاح کردند، آموزشی که در آن بر اساس مطالعه دقیق اصول کار نقاشان بزرگ (از اصول ساخت یک ترکیب تا طراحی) و تقلید از مهارت های آنها بود.

در آغاز قرن هفدهم. نقاشان تازه کار از کشورهای مختلف برای مطالعه نقاشی بر اساس آشنایی با شاهکارهای دوران باستان و رنسانس به رم می آیند. نیکلاس پوسین فرانسوی (1594-1664) به موفقیت های بزرگی دست یافت. متعاقباً آثار هنری فراوانی با مضامین باستان و اساطیر خلق کرد. آثار او با دقت بی‌نظیر ترکیب و تفکر طرح‌های رنگی متمایز شدند ("میداس و باکوس"، 1625؛ "پیروزی نپتون"، 1634).

یکی دیگر از هنرمندان فرانسوی کلود لورن (1600-1682) مجموعه ای از مناظر اطراف رم را نقاشی کرد. او اولین نقاشی بود که به طور جدی به موضوع به تصویر کشیدن نور صبح و عصر، اشباع نور علاقه مند شد. کار فیلیگرن با نور و تصاویر شبح ها، ایجاد اثر عمق فضا - همه اینها سبک کارهای لورن را ایجاد می کند ("منظره با بازرگانان"، 1628؛ "ربودگی اروپا"، 1655، و غیره).

کلاسیک گرایی در قرن هفدهم به اوج خود رسید. همراه با شکوفایی سلطنت مطلقه در فرانسه و افزایش چشمگیر هنر تئاتر. در راس این جهت، آکادمی هنر قرار دارد که در سال 1648 در پاریس افتتاح شد و مجموعه ای از قوانین و قوانین تزلزل ناپذیر برای نقاشی ایجاد کرد.

فقط زیبا و عالی می تواند موضوع هنر شود. دوران باستان ایده آل زیبایی شناختی باقی ماند (بنابراین، نمی توان فردی را با چهره ای بی شکل یا پوست شل و ول در آثار کلاسیک ها پیدا کرد). آکادمی همچنین اصولی را برای به تصویر کشیدن «شورها» وضع کرد. او همچنین ژانرهای هنری را به "بالا" (تاریخی، مذهبی، اساطیری) و "کم" (پرتره، منظره، طبیعت بی جان، ژانر روزمره) تقسیم کرد و ترکیب ژانرها در نقاشی ها مجاز نبود.

در آثار کلاسیک، اهمیت اصلی به: معنای منطقی طرح، ترکیب روشن و شایسته و انتقال صحیح حجم داده شد. خط و کیاروسکورو عناصر اصلی ساخت فرم شدند. تقسیم در نقشه های منظره با استفاده از رنگ انجام شد (پیش زمینه قهوه ای، وسط - سبز، دور - آبی).

نمایندگان برجسته «کلاسیسم متأخر» یا «نئوکلاسیک» اروپایی، هنرمندان فرانسوی ژاک لوئیس دیوید (1748-1825) و ژان آگوست-دومینیک اینگر (1780-1867) بودند. زبان تصویری ژاک لوئی داوید که به شدت خشک و پر از نمایش بود، با همان موفقیت آرمان های انقلاب کبیر فرانسه ("مرگ مارات"، 1793) را سرود و اولین امپراتوری در فرانسه را تجلیل کرد ("تقدیم امپراتور ناپلئون" من، 1805-07).

نقاشی‌های انگرس که اغلب به سوژه‌های رمانتیک روی می‌آورد، از حس سبک، ظرافت خطوط و بازی باشکوه رنگ و نور لذت می‌برد (Great Odalisque, 1814؛ Seated Bather, 1808).

به تدریج، نقاشی نئوکلاسیک اروپایی، علی رغم فعالیت نقاشان اصلی منفرد (ژاک-لوئیس دیوید و ژان آگوست-دومینیک اینگر)، به هنر رسمی سالنی عذرخواهی یا احساساتی تنزل می یابد.

کلاسیک گرایی روسی در روند اروپایی شدن روسیه در زمان کاترین دوم ظاهر شد و در پایان قرن 18 و در نیمه اول قرن 19 گسترش یافت. بر بوم‌های هنرمندان، اندیشه‌های شهروندی، آرمان‌های والای اخلاقی، میهن‌پرستی و ارزش انسانیت غالب می‌شود. فرهنگ عتیقه، و همچنین در کلاسیک گرایی اروپایی، به عنوان یک کلاسیک مطلق و یک میراث تاریخی ارزشمند تلقی می شود. هنر به عنوان وسیله‌ای تلقی می‌شود که باید احساسات درشت را رام کند و از طریق تأیید عاشقانه زیبایی به آموزش اخلاقی بپردازد.

نمایندگان کلاسیک گرایی روسی عمدتاً شامل نقاشان پرتره D. G. Levitsky (1735-1822)، F. Rokotov (1736-1808)، V. A. Tropinin (1776-1857)، O. Kiprensky (1782 -1836)، V. Borovikovsky (1757) هستند. ). نقاشان یک گالری کامل از پرتره های شگفت انگیز معاصران خود را ایجاد کردند - آثاری که زیبایی درونی و اصالت آرزوهای انسان را تجلیل می کند.

پرتره ها تصاویر افراد مشهور را به ما منتقل می کرد و پختگی و مهارت هنری هنرمندان را نشان می داد. از مشهورترین آثار می توان به «تاج گذاری پرتره کاترین دوم» اثر F. Rokotov، 1763 اشاره کرد. "پرتره E. I. Nelidova" توسط D. Levitsky، 1773; "پرتره M. I. Lopukhina" توسط V. Borovikovsky، 1797; "پرتره پوشکین" اثر V. Tropinin، 1827

کلاسیک نویس مشهور روسی K. A. Bryullov (1799-1852) است. در نقاشی های او کلاسیک آکادمیک با رمانتیسیسم ترکیب شد. مشهورترین نقاشی این هنرمند، "آخرین روز پمپئی" (1830-1833)، به دلیل طرح دراماتیک، اثر نمایشی انعطاف پذیری، پیچیدگی نور و اجرای فاخرش قابل توجه است.

این و سایر هنرمندان - نمایندگان کلاسیک - در کارهای خود از بسیاری جهات دستاوردهای رئالیسم روسی را در دهه های بعدی پیش بینی کردند.