مزرعه خشخاش مونه در آرژانتوی. "زمین خشخاش" - اینستالیشن با الهام از نقاشی های کلود مونه. مفهوم هنری نقاشی و پیشینه خلق آن

امپرسیونیسم در دهه 1860 در فرانسه ظاهر شد و ایده های سنتی در مورد نقاشی را زیر و رو کرد. با نگاهی به نقاشی‌های آفتابی، جان‌بخش و پر نور هنرمندان این گرایش، به سختی می‌توان باور کرد که آثار آن‌ها برای مدت طولانی شناخته نمی‌شد و انحرافی از قوانین نقاشی کلاسیک به حساب می‌آمد. «دور دنیا» از شما دعوت می‌کند به دور فرانسه سفر کنید و ببینید که چگونه بخش‌های مختلف این کشور در آثار هنرمندان امپرسیونیست اسیر شده است.

کلود مونه. مزرعه خشخاش در آرژانتوی (1873)

تابلوی "مزارع خشخاش..." توسط مونه در آرژانتوی کشیده شده است که تنها در 10 کیلومتری پاریس قرار دارد و در قرن نوزدهم محل تعطیلات مورد علاقه ساکنان پایتخت بود. مونه و خانواده اش هفت سال در این حومه زندگی کردند و بسیاری از بوم های روشن، پر از رنگ ها و رنگ ها را خلق کردند.

در Argenteuil ، هنرمند در فضای باز بسیار کار کرد: او همیشه مجذوب این فرصت بود که قطعه خاصی از زمان ، عمل و مکان را روی بوم به تصویر بکشد. نقاشی "مزرعه خشخاش در Argenteuil" منعکس کننده اشتیاق دیگر هنرمند است - عشق به گل. یک بار مونه حتی باغ خود را شاهکار اصلی خود نامید.

این نقاشی به وضوح به چندین قسمت تقسیم شده است که مهمترین آن قسمتی است که گلهای قرمز مایل به قرمز را به تصویر می کشد که با سمت راست خالی تر بوم تضاد دارد. ما همچنین دو زوج را می بینیم که از همسر این هنرمند کامیل و پسر بزرگش ژان نقاشی شده اند. مکان آنها به ساختار فضای تصویر و انتقال حرکت ثبت شده کمک می کند.

مونه در حین کار روی نقاشی، رنگ ها را با هم ترکیب نکرد، بلکه از رنگ های مختلف استفاده کرد که چشم انسان آنها را به عنوان سایه های رنگی متفاوت درک می کند. در عین حال، هنرمند موارد مهم تری را با دقت بیشتری تجویز می کرد. بنابراین، لهجه‌ها در اینجا بر روی گل‌ها و قسمت بالای پیکره‌های انسانی در پیش‌زمینه ایجاد می‌شوند، در حالی که میدان سمت راست تصویر و آسمان کمتر مشخص شده‌اند.

پیر آگوست رنوار. "پل به شاتو" (1875)

Chatou یکی دیگر از گوشه های زیبا از فرانسه است که مورد علاقه هنرمندان مسیر جدید است. اغلب به آن جزیره امپرسیونیست ها می گویند، زیرا در این نقطه سن به دو بازو تقسیم می شود. همانطور که در همسایه Argenteuil، در قرن نوزدهم شهر Chatou، فضایی از راحتی شاد و انیمیشن پر سر و صدا حاکم بود.

مردم برای شنا، قایق سواری یا پیک نیک به اینجا می آمدند و این موضوعات ساده در نقاشی های امپرسیونیست ها منعکس شد. مکان پدر فورنیز در زیر پونت چاتو، جایی که می‌توان نه تنها شب را در آن سپری کرد، بلکه اتاق‌هایی را نیز اجاره کرد، مکان مورد علاقه رنوار بود. در این موسسه بود که این هنرمند نقاشی خود "صبحانه پاروزنان" را خلق کرد که در آن آشنایان و دوستان خود را به تصویر کشید. در سال 1990، رستوران "Dom Fournaise" بازسازی شد، در حال حاضر یک موزه کوچک وجود دارد.

تابلوی «پل در چاتو» با بیشتر آثار رنوار تفاوت دارد. بر خلاف مونه، هنرمند بسیار علاقه مند به به تصویر کشیدن مردم بود و همچنین پالت رنگ اشباع تری را ترجیح می داد. و با این حال، "پل به شاتو" منظره ای است که در آن مردم چهره های تاریک مبهم هستند. پل با دقت بیشتری نسبت به سایر عناصر ترسیم شده است، علاوه بر این، چنین قایقرانی محبوب در اینجا به تصویر کشیده شده است. این منظره با خطوط مبهم و نور و هوای دودآلود مشخص می شود. فقدان پیکره های انسانی که به وضوح ردیابی شده اند، احساس دوری را برمی انگیزد، و پالت نور و رنگ به دیدن شادی در حالت عادی کمک می کند.

فردریک باسیل. "منظره در سواحل لز" (1870)

به لطف چشم انداز باسیل، ما از بخش مرکزی فرانسه به سمت جنوب، به منطقه بومی این هنرمند حرکت کردیم. نام باسیل بسیار کمتر از نام دوستانش مونه و رنوار شناخته شده است، زیرا او در سن 28 سالگی درگذشت. "منظره در سواحل لز" یکی از آخرین کارهای این هنرمند است: بلافاصله پس از اتمام کار روی بوم، باسیل داوطلب جنگ فرانسه و پروس شد، جایی که به زودی درگذشت.

این هنرمند این منظره را در زمان بی سابقه ای کامل کرد، کمی بیش از دو ماه طول کشید. در طول کار، بستگان ریحان دور بودند و او را از تصویر منحرف نکردند. علاوه بر این، او منطقه را به خوبی می شناخت. بنابراین، در نامه ای به برادرش، او دقیقاً نشان داد که کدام مکان را به تصویر کشیده است: "کرانه رودخانه لز در نزدیکی آسیاب در ناویلاو و جاده کلاپیر."

این نقاشی با مناظر مونه و رنوار بسیار متفاوت است، زیرا باسیل ترجیح می داد خورشید را در اوج خود نقاشی کند و همچنین نوری خشن را متفاوت از نور بی وزن و دودی روی بوم های دوستانش به تصویر بکشد. ریحان همچنین از رنگ های متضاد روشن استفاده می کند و در کار بر روی جزئیات تصویر دقیق تر و دقیق تر است. با تشکر از این، ما می توانیم روی بوم "منظره در سواحل Lez" درختان و پوشش گیاهی مشخصه قسمت جنوبی فرانسه را تشخیص دهیم.

کامیل پیسارو. Pont Boildieu در روئن در یک روز بارانی (1896)

کامیل پیسارو به عنوان استاد منظر شهری وارد تاریخ امپرسیونیسم شد. او چندین نقاشی کشید که روآن واقع در شمال فرانسه را به تصویر می کشد. پیسارو پس از دیدن چرخه کلود مونه که به کلیسای جامع روئن اختصاص یافته بود به این شهر رفت.

پیسارو مانند مونه از نور و هوا برای خلق بوم استفاده می کند. او مجذوب امکان به تصویر کشیدن شهر به عنوان یک موجود زنده است که دائماً در حرکت است. او از رنگ‌های تیره‌تر و خطوط ضخیم‌تر استفاده می‌کند، اما نقاشی‌هایش واقعی‌تر به نظر می‌رسند. زاویه غیرمعمول اغلب با این واقعیت توضیح داده می شود که پیسارو در حال نقاشی از پنجره هتل بود.

این هنرمند به دنبال آن بود تا ویژگی های صنعتی را که به تدریج در ظاهر شهر ظاهر می شد، روی بوم منعکس کند. این همان چیزی است که روئن را برای پیسارو جالب می کند، که با وجود معماری نفیس، در پایان قرن نوزدهم به شهر بندری و مرکز صنعتی تبدیل شد.

پل سزان. "نمای خلیج مارسی از ایستاک" (1885)

منظره پل سزان دوباره ما را به جنوب فرانسه بازمی گرداند، اما در عین حال کاملاً متفاوت از نقاشی هایی است که قبلاً در نظر گرفته شده است. بوم سزان، حتی برای یک بیننده ناآماده، جسورتر از آثار امپرسیونیست های دیگر به نظر می رسد. تصادفی نیست که این هنرمند اغلب پدر هنر مدرن نامیده می شود.

سزان که در جنوب کشور متولد شد، اغلب مناظر جنوبی را در نقاشی های خود به تصویر می کشید. اطراف دهکده ماهیگیری Estac به یکی از موضوعات مورد علاقه او برای مناظر تبدیل شد. در دهه 1880، سزان، در تلاش برای فرار از مشکلات خانوادگی، به استاک آمد و حدود ده نقاشی کشید که خلیج مارسی را به تصویر می کشید.

یکی از نکات برجسته این دوره، نمای خلیج مارسی از استاک، یکی از نکات برجسته نقاشی سزان است که بر پابلو پیکاسو تأثیر گذاشت. این در درجه اول در مورد ضربه های افقی متراکم خاص هنرمند و همچنین استفاده از رنگ های عمیق و اشباع شده مانند زرد نارنجی است. سزان موفق می شود با استفاده از سایه های مختلف آبی و همچنین لکه های سبز و بنفش به تصویری سه بعدی از آب دست یابد. سزان مانند دیگر امپرسیونیست ها دوست داشت دریا، آسمان و کوه ها را نقاشی کند، اما در تصویر او متراکم تر و واضح تر به نظر می رسد.

مونه «مزرعه خشخاش» را در فضای باز، روی یک بوم کوچک قابل حمل نقاشی کرد. اگرچه نقاشی حسی طبیعی و خودانگیخته را منتقل می کند، اما با دقت ترکیب شده است. این نه تنها در این واقعیت بیان می شود که هنرمند دو بار چهره های روی آن را تکرار کرده است، بلکه در انتخاب زاویه نیز به گونه ای تنظیم شده است که خشخاش های درخشانی که سمت چپ ترکیب را پر می کنند به صورت مورب در امتداد آن قرار دارند. کامیل و ژان طوری راه می روند که گویی از عکس خارج می شوند. شکوفه و حرکت غنی که این بخش از تصویر را پر می کند در تضاد اندازه گیری شده با زنگ های آرام لبه سمت راست بالای بوم است، جایی که سقف سفالی خانه به طرز ماهرانه ای پس زمینه را با پیش زمینه ترکیب پیوند می دهد.

اشتیاق به گل

مونه زمانی اعتراف کرد که دو علاقه بزرگ در زندگی او نقاشی و باغبانی است. وقتی او گل ها را نقاشی می کرد، هر دوی این علاقه ها با هم ترکیب می شدند. مونه در فیلد خشخاش، مانند بسیاری از بوم های دیگرش، از گل های وحشی و پر جنب و جوش لذت می برد. چندین طبیعت بی جان زیبا از مونه با گل های بریده شناخته شده است، اما بیشتر از همه دوست داشت گل هایی را که در باغ هایش رشد می کردند، ابتدا در آرژانتوی و بعداً در گیورنی نقاشی کند. در سال 1871، مونه به همراه خانواده اش به آرژانتوی نقل مکان کرد تا اولین خانه و اولین باغ خود را در آنجا به دست آورد. با این حال، شور اصلی در زندگی این هنرمند باغ او در Giverny بود. مونه گل هایی را برای باغ خود انتخاب کرد به طوری که آنها به ترتیب خاصی چیده شده بودند، رنگ متضاد داشتند و در تمام طول سال شکوفا می شدند. او در باغ خود گل های غیرمعمول زیادی کاشت. اشتیاق مونه به رنگ‌ها در میان بسیاری از هنرمندان امپرسیونیست، به‌ویژه گوستاو کایلبوت، مشترک بود. او به دوستش مونه نوشت: "حتما طبق توافق روز دوشنبه بیایید." "همه عنبیه های من فقط شکوفا خواهند شد."

وسواس نور و رنگ

تصاویر مونه باعث ایجاد گرایش جدیدی در نقاشی، امپرسیونیسم شد و خود مونه به عنوان بزرگترین و نمونه ترین نماینده این گرایش شناخته می شود. مونه در طول زندگی طولانی خود به طور پیوسته از قوانین اساسی امپرسیونیسم پیروی می کرد - برای گرفتن صحنه هایی از زندگی مدرن روی بوم (برای مونه، اینها مناظر هستند) و کار در فضای باز.

کار در هوای ساده تمرین یک هنرمند که در هوای آزاد کار می کند چیز کاملا جدیدی نبود. در اوایل قرن نوزدهم، جان کنستبل، هنرمند انگلیسی، اغلب طرح ها و مطالعات روغن خود را در طبیعت نقاشی می کرد. در دهه 1840، به پیروی از او، گروهی از هنرمندان فرانسوی با هدف نقاشی مناظری که قرار بود «طبیعت واقعی» را به تصویر بکشند، در روستای باربیزون در نزدیکی جنگل فونتنبلو گرد هم آمدند. کامیل کورو، که توسط بسیاری از امپرسیونیست‌ها به دلیل دیدگاه غیرایده‌آلی‌اش از طبیعت مورد توجه قرار می‌گیرد، همچنین با رنگ‌های روغنی در هوا نقاشی می‌کرد و از هنرمندان می‌خواست که «اولین برداشت خود را دنبال کنند».

مهمترین چیز برای پیشرفت مونه به عنوان یک هنرمند، دوستی جوانی او با نقاش منظره اوژن بودین بود که در مناظر کوچک و مطبوع ساحلی که در فضای باز خلق می کرد تخصص داشت. بودین اصرار داشت که مونه در یکی از این جلسات در لو هاور به او بپیوندد. مونه بعداً نوشت: "ناگهان پرده از چشمانم افتاد."

در آنجا، در لو هاور، مونه با هنرمند هلندی یوهان بارتولد جونکیند ملاقات کرد، که سعی کرد ظریف ترین سایه های هوا و حال و هوا را در مناظر دریایی خود منتقل کند. مونه بعداً در مورد او گفت: "او مردی بود که در نهایت بینایی من را توسعه داد."

آنچه که چشم واقعاً می بیند مونه آموخت که یک تابلوی نقاشی که در فضای باز نقاشی می شود طراوت و سرزندگی منحصر به فردی دارد که نمی توان با کار در استودیویی که هنرمند از قبل اثری را که قرار است خلق کند تصور کند به دست آورد. توصیه مونه به هنرمندان به وضوح رویکرد خود او را به نقاشی نشان می دهد: «سعی کنید آنچه را که در مقابل خود می بینید فراموش کنید - یک درخت، یک خانه، یک مزرعه، هر چیز دیگری. فقط فکر کنید که یک مربع آبی کوچک در آنجا وجود دارد، یک شکل مستطیل صورتی در آنجا وجود دارد، و آنقدر ادامه دهید که تصور ساده لوحانه ای از تصویری که در مقابل چشمان شما قرار دارد داشته باشید. بنابراین، برداشت یک انگیزه بصری است که توسط آنچه در این لحظه خاص دیده می شود ایجاد می شود.

ایده ای انقلابی برای همه امپرسیونیست ها، و به ویژه برای مونه، هدف اصلی هنر به دست آوردن تأثیری زودگذر و گریزان بود. در آن زمان، چنین ایده ای انقلابی به نظر می رسید و نه کمتر از واقع گرایی پنهان کوربه در تکنیک جدید شوکه می کرد تا هنرمند برای رسیدن به اهداف خود به تکنیک های جدید نقاشی نیاز داشت. مونه، به‌ویژه، تکنیک نوشتن خود را توسعه داد و با استفاده از یک قلم موی کوتاه، خطوط گسترده و درشت، نقاط پراکنده پررنگ، خط تیره، زیگزاگ‌ها و خطوط ضخیم را روی بوم به کار برد. مونه به طور همزمان روی کل فضای نقاشی کار کرد و همانطور که بعداً گفت معتقد بود که "نخستین لایه رنگ باید تا حد امکان بیشتر از بوم را بپوشاند و مهم نیست که چقدر زمخت اعمال شود."

مونه به روشی کاملاً جدید و انقلابی از رنگ استفاده کرد که بدون شک از اکتشافات اوژن شورل در مورد روش ادراک بصری الهام گرفته شده بود. شورول ثابت کرد که رنگ های اصلی مجاور چرخه رنگ یکدیگر را نرم می کنند و بیشترین کنتراست زمانی حاصل می شود که رنگ های مکمل مجاور باشند. کشف مهم دیگر این بود که رنگ ویژگی ذاتی اشیا نیست. رنگ به سادگی روشی است که نور هنگام جهش از سطح یک جسم مخلوط می شود. مونه مانند دیگر امپرسیونیست‌های خود معمولاً از یک پالت محدود استفاده می‌کرد و رنگ‌های خالص و ترکیب نشده را ترجیح می‌داد و روی بوم‌هایی که از قبل با پرایمرهای سفید یا کرم پوشانده شده بودند، نقاشی می‌کرد که رنگ‌های اعمال شده را روشن‌تر و روشن‌تر می‌کرد.

کشف مهم دیگری که بر بینش هنرمندان تأثیر گذاشت، عکاسی بود. در عکس‌های آن زمان، اجسام متحرک به‌عنوان نقاط تار در نظر گرفته می‌شوند و فقط اجسام ساکن دارای خطوط واضح هستند. این تأثیر به وضوح در چهره های مورچه مانند مردمی که ما در نقاشی مونه Boulevard des Capucines (1873) می بینیم، منعکس شد.

تغییر شیء تصویر

ردیابی اینکه چگونه نگرش مونه نسبت به اشیاء به تصویر کشیده شده در طول یک عمر طولانی تغییر کرده است بسیار جالب است. علیرغم این واقعیت که او دائماً در بازی نور جذب می شد، مونه در نقاشی های اولیه خود اغلب چهره های انسانی را به تصویر می کشید که به روش معمول در پس زمینه منظره نقاشی می شدند.

با این حال، نزدیک به دهه 1880، مونه به طور فزاینده ای جذب طبیعت در خالص ترین شکل آن می شود. اگر فیگورها یا اشیای بی جان در نقاشی های این دوره ظاهر شوند، معمولاً نقش تکیه گاه دارند و در پس زمینه محو می شوند.

سری نقاشی

علیرغم این واقعیت که هنرمندان در همه زمان‌ها مجموعه‌ای از طرح‌های یک صحنه را خلق می‌کردند، قبل از مونه کسی وجود نداشت که یک شی را چندین بار تحت نورهای مختلف و شرایط آب و هوایی مختلف نقاشی کند. نقاشی‌های مونه مجموعه‌ای کامل را نشان می‌دهد که انبارهای کاه، صنوبر، کلیسای جامع روئن، منظره لندن از رودخانه تیمز و در نهایت نیلوفرهای آبی را به تصویر می‌کشد.

مناظر لندنی مونه که در سال‌های 1901-1899 نقاشی شده‌اند، با نور پراکنده و رنگ پراکنده‌شان، آثار هنری فاخر و دراماتیکی هستند که از آن‌ها می‌توان سیر تکامل سبک هنرمند را به سمت شیوه‌ای تقریباً انتزاعی دنبال کرد. آنها پیشرفت تدریجی هنرمند را به سمت شیئی نشان می دهند که او در تمام سالهای باقی مانده از زندگی خود نقاشی خواهد کرد و باغ های خود را ایجاد می کند و آنها را به آثار هنری کمیاب تبدیل می کند.

از حدود سال 1905 تا پایان روزگارش، مونه کاملاً روی نیلوفرهای آبی متمرکز بود. این نقاشی‌ها که در آنها فنجان‌های نیلوفر آبی به معنای واقعی کلمه روی سطح آب که خط افق ندارد، قرار می‌گیرند، به مطالعاتی تبدیل شده‌اند که تنوع بی‌پایان و تکرار نشدنی رنگ و نور را به تصویر می‌کشند. در واقع، این سری از نقاشی ها، مانند هر اثر هنری درخشان، از توضیح سرپیچی می کنند. اینها آثار شاعری است که طبیعت را با ظرافت حس می کند و می تواند زیبایی آن را در نقاشی خود منتقل کند.

کلود مونه. خشخاش. 1773 موزه اورسی، پاریس

«خشخاش»، یکی از معروف‌ترین آثار کلود مونه را دیدم. با این حال، در آن زمان، او به درستی به آن نگاه نکرد. به عنوان یک طرفدار، چشمانم از تمام آن شاهکارهایی که در این موزه هستند، دوید!

البته بعداً «مکی» را به درستی در نظر گرفته ام. و متوجه شدم که در موزه حتی به چند جزئیات جالب توجه نکردم. اگر با دقت بیشتری به تصویر نگاه کنید، احتمالا حداقل سه سوال برای شما پیش خواهد آمد:

1. چرا خشخاش اینقدر بزرگ است؟
2. چرا مونه دو جفت چهره تقریباً یکسان را به تصویر کشید؟
3. چرا هنرمند آسمان را در تصویر نکشید؟

من به ترتیب به این سوالات پاسخ خواهم داد.

1. چرا خشخاش اینقدر بزرگ است؟

خشخاش بسیار بزرگ نشان داده شده است. بیشتر آنها به اندازه سر کودک تصویر شده است. و اگر خشخاش ها را از پس زمینه بردارید و آنها را به چهره های موجود در پیش زمینه نزدیک کنید، در این صورت آنها حتی از سر کودک و زن تصویر شده بزرگتر خواهند بود. چرا اینقدر غیر واقعی است؟

به نظر من، مونه عمداً اندازه خشخاش ها را افزایش داد: اینگونه بود که او یک بار دیگر ترجیح داد یک برداشت بصری واضح را به جای واقع گرایی اشیاء به تصویر کشیده منتقل کند.

اتفاقاً در اینجا می‌توان با تکنیک او در به تصویر کشیدن نیلوفرهای آبی در آثار بعدی‌اش، تشابهی قائل شد.

برای وضوح، به قطعات نقاشی با نیلوفرهای آبی از سال های مختلف (1899-1926) نگاه کنید. اثر بالا قدیمی ترین است (1899)، پایین ترین اثر (1926). بدیهی است که با گذشت زمان، نیلوفرهای آبی بیشتر و بیشتر انتزاعی شدند و جزئیات کمتری داشتند.

ظاهرا "خشخاش" - این فقط پیشگویی از غلبه هنر انتزاعی در نقاشی های بعدی مونه است.

نقاشی های کلود مونه. 1. بالا سمت چپ: نیلوفرهای آبی. 1899 د- مجموعه خصوصی. 2. بالا سمت راست: نیلوفرهای آبی. 1908 د- مجموعه خصوصی. 3. در وسط: حوضی با نیلوفرهای آبی. 1919 موزه هنر متروپولیتن، نیویورک. 4. پایین: نیلوفرهای. 1926 موزه هنر نلسون-اتکینز، کانزاس سیتی.

2. چرا دو جفت شکل یکسان در تصویر وجود دارد؟

به نظر می رسد که برای مونه نشان دادن حرکت در نقاشی خود نیز مهم بوده است. او به روشی غیرمعمول به این امر دست یافت و مسیری را که به سختی قابل مشاهده است بر روی تپه ای در میان گل ها به تصویر می کشد که گویی بین دو جفت شکل زیر پا گذاشته شده است.

در پایین تپه ای با خشخاش، همسرش کامیل و پسرش ژان به تصویر کشیده شده اند. کامیلا به طور سنتی با یک چتر سبز به تصویر کشیده می شود، درست مانند نقاشی "زنی با یک چتر".

در طبقه بالا روی یک تپه زن و شوهر دیگری از یک زن و یک کودک هستند که به احتمال زیاد کامیلا و پسرش نیز برای آنها ژست گرفته اند. بنابراین، این دو جفت بسیار شبیه هستند.

این جفت فیگور روی یک تپه، شاید صرفاً برای جلوه بصری حرکت، که مونه آرزوی آن را داشت، به تصویر کشیده شده است.

3. چرا مونه آسمان را نقاشی نکرد؟

نکته قابل توجه دیگر در: توجه کنید که آسمان تا چه حد ضعیف تا قسمت های خالی بوم سمت چپ کشیده شده است.

کلود مونه نقاش بزرگ امپرسیونیست فرانسوی اسکار-کلود مونه، (1840-1926) به نقاشی گل علاقه زیادی داشت. او در طول زندگی خود، در دوره های مختلف خلاقیت، گل نقاشی کرد. بیشتر اوقات گلهای باغچه و مزرعه ، کمتر - گلهای بریده شده در گلدانها.

گل ها اشتیاق او بودند. مونه گفت که بیشتر از همه در زندگی دو چیز را دوست دارد: نقاشی و باغبانی. از این رو وقتی گل ها را در نقاشی هایش به تصویر می کشید، بیشترین لذت را تجربه می کرد.

حتی اعضای خانواده اش همیشه در احاطه گل می نوشت و از این طریق بر عشق صمیمانه خود به آنها تأکید می کرد.

کلود مونه در مورد خود گفت: "شاید به لطف گل ها بود که هنرمند شدم."

یکی از کارهای اولیه کلود مونه، زنان در باغ، 1866-1867، موزه اورسی، پاریس.

بر روی این بوم پیکره های زنان به شکلی بسیار شیک به تصویر کشیده شده است. هنرمند تمام تأکید خود را بر بازی نور و سایه، بر شاخ و برگ درختان و گل ها می کند. مونه همچنان به دنبال سبک خاص خود است، پنج سال دیگر تا تاریخ رسمی تولد امپرسیونیسم باقی مانده است.
مدل هر سه زن، کامیل دونسیه 19 ساله، همسر آینده کلود مونه بود.

بوم بسیار بزرگ است، ابعاد آن 2.05 در 2.55 متر است.
این هنرمند قصد داشت این نقاشی را در سال 1967 در سالن پاریس به نمایش بگذارد، اما هیئت داوران آن را رد کردند.

در اواخر عمر کلود مونه، زمانی که او قبلاً استادی شناخته شده و برجسته بود، در سال 1921 دولت فرانسه تابلوی "زنان در باغ" را به مبلغ 200 هزار فرانک از این هنرمند خرید.

سنت آندرس

"تراس در سنت آندرس"، حدود. 1867، موزه هنر متروپولیتن، نیویورک. این نقاشی خانواده هنرمند را به تصویر می کشد که در شهر بندری کوچک سنت آندرس در نزدیکی لو هاور در ساحل نرماندی زندگی می کردند. پدر مونه و عمه‌اش مادام لکادر روی صندلی‌های راحتی نشسته‌اند. کنار نرده یکی از اقوام دور مونه ژان مارگاریتا با مرد جوانی ایستاده است. می توان گفت که این یک صحنه خانوادگی در پس زمینه یک منظره دریایی است. اما نگاه کنید که چگونه گل ها در پیش زمینه تصویر کشیده شده اند! مونه چقدر خوب بافت گل و بازی نور و سایه را منتقل کرد.
باغ شکوفه در سنت آندرس، ج. 1866، موزه اورسی، پاریس.
«خواندن آدولف مونه در باغ لو کوتو در سنت آندرس»، ج. 1866
"بانوی در باغ"، 1867، موزه دولتی ارمیتاژ، سنت پترزبورگ. این نقاشی یکی از بستگان دور کلود مونه، ژان مارگریت لکادر را در باغی در سنت آندرس به تصویر می کشد.

Argenteuil، 1872 - 1977

کلود مونه همیشه دوست داشت باغ خود را داشته باشد، جایی که بتواند در فضای باز در آرامش کار کند.

در پایان سال 1871، کلود مونه و خانواده اش در آرژانتوی مستقر شدند. سپس یک روستای تفریحی کوچک در نزدیکی پاریس، در 12 کیلومتری مرکز شهر، واقع در سواحل زیبای رود سن بود. Argenteuil اکنون بخشی از پاریس بزرگ است. در Argenteuil، مونه خانه خود و اولین باغ خود را داشت. به نظر من در Argenteuil بود که بهترین نقاشی های کلود مونه خلق شد. درخشان ترین دوره کار او بود. نقاشی مونه عموماً سبک است، اما در Argenteuil است که بوم های نقاشی او به سادگی از شادی می درخشد. ظاهراً این سالها شادترین سالهای زندگی او بوده است. تقریباً تمام بوم‌های نقاشی شده در Argenteuil، کامیل، همسر اول محبوب کلود مونه را نشان می‌دهند.

در آن سال‌ها، آرژنتویل محل تعطیلات مورد علاقه پاریسی‌ها بود؛ مسابقات قایقرانی معمولاً در آنجا برگزار می‌شد. یک راه آهن به Argenteuil منتهی می شد و رسیدن به آنجا از پاریس سریع و آسان بود. نه تنها مونه، بلکه سایر هنرمندان امپرسیونیست Manet، Renoir، Sisley، Caillebotte نیز مناظر خود را در Argenteuil نقاشی کردند.

یکی از دوستان هنرمند رنوار او را در محل کارش در آرژانتوی اسیر کرد و به لطف این می توانیم ببینیم که باغ کلود مونه چگونه بود و چگونه در فضای باز نقاشی می کرد. پیر آگوست رنوار، نقاشی مونه در باغش در آرژانتوی، 1873
و ادوارد مانه یک پرتره خانوادگی از هنرمند را در پس زمینه یک باغ گل کشیده است. ادوارد مانه، خانواده مونه در باغشان در آرژانتویل، 1874، موزه متروپولیتن، نیویورک. این نقاشی کلود مونه را در حال مراقبت از گل ها، همسرش کامیل و پسرش ژان به تصویر می کشد. باغ، گل و مرغ. 10 سال دیگر، کلود مونه همه اینها را در Giverny خواهد داشت.
پیر آگوست رنوار، مادام مونه و پسرش، 1974 گالری ملی، واشنگتن کامیل مونه و پسرش ژان. به نظر می رسد که ادوارد مانه و رنوار خانواده مونه را در یک روز و در یک مکان نوشته اند. این بوم در مجموعه کلود مونه در گیورنی نگهداری می شد. میشل مونه، پسر کوچکتر این هنرمند، آن را در سال 1952 در یک دوره ویرانی کامل در گیورنی فروخت. پس از چند بار فروش مجدد به وصیت آخرین مالک در سال 1970، این نقاشی وارد گالری ملی واشنگتن شد.

"خانه هنرمند در آرژانتوی"، 1873. موسسه هنر، شیکاگو
باغ مونه در Argenteuil، 1873
"خانه ها در آرژانتوی"، 1873، Alte Nationalgalerie، برلین. در تابستان، Argenteuil به معنای واقعی کلمه در گل دفن شد.
گل‌های کنار رودخانه در آرژانتویل، ۱۸۷۷، موزه هنر پولا، هاکون، ژاپن. رود سن در Argenteuil بسیار زیبا است، در این مکان یک خم زیبا را تشکیل می دهد. کلود مونه مجذوب رودخانه و طبیعت Argenteuil بود، او با اشتیاق در اینجا در هوای آزاد کار می کرد.
کامیل مونه روی نیمکت باغ. 1873 موزه متروپولیتن، نیویورک. مثل همیشه یک باغ و مثل همیشه گل. لطفا توجه داشته باشید: یک دسته گل روی نیمکت کنار کامیلا وجود دارد.
ژان مونه سوار بر اسب دوچرخه. 1872 موزه متروپولیتن، نیویورک. کلود مونه حتی با کشیدن پرتره پسرش گلها را فراموش نکرد. او ترجیح می داد تمام وقایع مهم زندگی را بر روی بوم هایش در پس زمینه گل ها ثبت کند.
"در علفزار"، 1876 این بوم همسر هنرمند، کامیل مونه، را در حال خواندن کتابی در یک علفزار، احاطه شده توسط گل‌های علفزار، نشان می‌دهد.
"درختان سیب در شکوفه"، 1873. شگفت انگيز!
"خانواده هنرمند در باغ"، 1875
"در باغ"، 1875 این تصویر، ظاهرا، همان گوشه باغ را به تصویر می کشد که تصویر قبلی، تنها چند ماه بعد - در پاییز. کلود مونه دوست داشت چرخه های نقاشی را نقاشی کند - اشیاء مشابه در شرایط نوری مختلف: در زمان های مختلف سال، در زمان های مختلف روز. او سعی کرد حالات زودگذر محیط نور-هوا را منتقل کند، تا نیم تنه های رنگی که به سختی قابل درک است را به تصویر بکشد. می بینیم که گوشه ای از باغ چگونه تغییر می کند، رنگ ها چگونه محو می شوند، نور در حال محو شدن است. گلهای تخت گل پژمرده شدند و شاخ و برگ درختان زرد شدند.
"زنی با چتر" ("راهپیمایی: کامیل مونه با پسرش ژان")، 1875، گالری ملی هنر، واشنگتن.
"کامیل مونه با پسرش"، 1875، موزه هنرهای زیبا، بوستون، ایالات متحده آمریکا.
گوشه باغ در Montgeron، حدود. 1876، موزه دولتی ارمیتاژ، سن پترزبورگ. مونتگرون شهر کوچکی در حومه پاریس است که در 18.5 کیلومتری جنوب شرقی مرکز شهر قرار دارد. اکنون یکی از حومه های جنوب شرقی پاریس است.

"زنی با چتر در باغی در آرژنتوی"، 1875.	"پیاده روی، آرژنتویل"، 1875.	"پیاده روی در آرژانتوی"، 1875، موزه مارموتان مونه، پاریس.
"باغ"، 1872.	کامیل مونه در باغ، 1873	"کامیل مونه در پنجره. آرژانتوی"، 1873.
"کرانه سن در نزدیکی پل در Argenteuil"، 1874.	"کامیل و ژان مونه در باغ آرژانتوی"، 1873.	"کامیل مونه در باغ در آرژانتوی"، 1876، موزه متروپولیتن، نیویورک.
"گلادیول". خوب. 1876. موسسه هنر، دیترویت، ایالات متحده آمریکا	"دختران در باغ"، 1875، گالری ملی در پراگ.	"کامیل با یک چتر سبز"، 1876.
"دروازه باغ در Vethea"، 1876.	"باغ"، 1876.	"باغ، مالو"، 1877.

سریال بسیار جالب "یاسی". مقایسه کنید:

مزارع خشخاش

یکی از معروف ترین نقاشی های کلود مونه، میدان خشخاش (1873، موزه اورسی، پاریس)، در آرژانتوی، نه چندان دور از خانه هنرمند نقاشی شده است. این نقاشی همسر مونه کامیل و پسرش ژان را به تصویر می کشد. احتمالاً همسر و پسر او نیز به عنوان الگوی چهره های یک خانم با یک فرزند در پس زمینه خدمت کرده اند.
ببینید این هنرمند چگونه خشخاش‌های قرمز مایل به قرمز و کره‌های زرد را به وضوح نقاشی کرده است. کامیل و ژان به معنای واقعی کلمه در خشخاش غرق می شوند و هماهنگی کاملی با طبیعت یک روز تابستانی آفتابی ایجاد می کنند.
مونه زاویه بسیار خوبی را برای نقاشی خود انتخاب کرد - خشخاش های قرمز مایل به قرمز در قسمت پایین سمت چپ تصویر قرار دارند که به صورت مورب در امتداد آن کامیل و ژان راه می روند. به نظر می رسد که خشخاش فراتر از بوم است.

مزارع خشخاش مونه را مجذوب خود کرد. او بارها در کار خود به آنها بازگشت. او توسط تضاد خشخاش قرمز و چمن سبز جذب شد.

"تابستان. مزرعه خشخاش"، 1875، مجموعه خصوصی.

"زمین خشخاش در نزدیکی Vetey" 1879.

"مزرعه ای از خشخاش در حفره ای نزدیک گیورنی"، 1885. موزه هنرهای زیبا، بوستون.

"مزارع خشخاش"، حدوداً 1890. ارمیتاژ ایالتی، سن پترزبورگ.

مزرعه جو با خشخاش، 1890. موزه هنر مدرن، استراسبورگ.

"مزرعه خشخاش در گیورنی". 1890-1891 موسسه هنر، شیکاگو

"مزرعه ای از خشخاش قرمز در نزدیکی گیورنی"، 1895. موزه هنرهای زیبای ویرجینیا، ریچموند، ایالات متحده آمریکا.

مزارع لاله

کلود مونه چندین بار از هلند دیدن کرد. و البته نمی توانست نسبت به لاله ها بی تفاوت بماند. او مجموعه ای از نقاشی ها را خلق کرد که جاذبه های اصلی هلند - مزارع لاله ها و آسیاب های بادی را به تصویر می کشد.

لاله فیلدز در ساسنهایم، نزدیک لیدن، 1886، موسسه هنر کلارک، ویلیامزتاون، ماساچوست، ایالات متحده آمریکا.

"مزارع لاله و آسیاب های بادی در راینزبورگ"، 1886، مجموعه خصوصی.

لاله‌ها در هلند، 1886. موزه اورسی، پاریس.

"مزارع لاله ها در هلند". 1886، موزه مارموتان مونه، پاریس.

Vetheuil، 1879 - 1881

"باغ هنرمند در Vetheuil"، 1880. گالری ملی، واشنگتن

در سال 1879، خانواده مونه به Vetheuil، روستای کوچکی در کرانه رود سن، در 65 کیلومتری شمال غربی پاریس نقل مکان کردند. در اینجا، کلود مونه پسر دومی به نام میشل داشت، اما متأسفانه همسر اولش کامیل به زودی درگذشت.
خانواده مونه تا سال 1881 در Vetheuil زندگی می کردند.

کلود مونه با خانواده آلیس هوشده که چندین سال است او را می شناسد ملاقات می کند. آنها با هم زندگی می کنند، بعدها آلیس همسر دوم او شد. اما در نقاشی های کلود مونه، آلیس گوشید برخلاف کامیل بسیار نادر است. دختران او، دخترخوانده های کلود مونه، به عنوان مدل برای بوم های این هنرمند خدمت کردند.

"گلها در سواحل سن در نزدیکی Vetheuil"، 1880.	"آلیس گوشه در باغ"، 1881. همسر دوم آینده کلود مونه.	"پلکان در Vethea"، 1881.
"جزیره گلها در نزدیکی وتهئوس"، 1880، موزه هنر متروپولیتن، نیویورک.	"گلها در وتیا"، 1881.	"گلها در وتیا"، 1881.

گل در گلدان

کلود مونه بیشتر از همه عاشق باغ و گل های وحشی بود، اما گاهی اوقات طبیعت بی جان، دسته گل های بریده را نیز نقاشی می کرد.

"گل های بهاری"، 1864. محل نقاشی در حال حاضر مشخص نیست.
البته هنوز هم تشخیص هنرمند بزرگ امپرسیونیست آینده در این بوم دشوار است.

"گل داودی"، 1878. موزه اورسی، پاریس.

"دسته گل خطمی"، 1880.

"آفتابگردان"، 1881. موزه متروپولیتن، نیویورک.

"گل داودی" 1882. موزه متروپولیتن، نیویورک.

"خشخاش بنفش"، 1883. موزه Boijmans-van Beuningen، روتردام، هلند.

شقایق، حدود 1885، مجموعه خصوصی.

"دو گلدان با گل داوودی". 1888، مجموعه خصوصی.

Giverny 1883 - 1926

در سال 1883، خانواده کلود مونه به گیورنی نقل مکان کردند. این دهکده کوچک در منطقه ای زیبا در ساحل رودخانه اپته، در محل تلاقی آن با رود سن، در حدود 80 کیلومتری پاریس است. کلود مونه تا پایان عمر در گیورنی زندگی خواهد کرد.

در این زمان، او قبلاً به یک هنرمند شناخته شده و یک فرد ثروتمند تبدیل شده بود. در سال 1890، او توانست خانه ای را در Giverny که خانواده اش در آن زندگی می کردند، خریداری کند. در خانه او یک کارگاه بزرگ مجهز کرد.

کلود مونه باغ خود را به طور قابل توجهی گسترش داد، حوضچه ای در آن ترتیب داد که آب آن از یک مخزن آب مخصوص ساخته شده بر روی رودخانه Epte می آمد.

در آن سال ها، کلود مونه به فرهنگ ژاپنی، چاپ ژاپنی، به ویژه چاپ های هنرمند بزرگ ژاپنی هوکوسای علاقه مند شد.
برای نگهداری از باغ، مونه یک باغبان ژاپنی را استخدام کرد که به او کمک کرد تا باغ به سبک ژاپنی را ترتیب دهد. مونه خود مستقیماً در برنامه ریزی باغ نقش داشت. این هنرمند مشترک مجله Revue horticole (ژورنال باغبانی) شد و برای باغ خود گیاهان و گل هایی را از سراسر جهان سفارش داد.

همین باغ بود که در سال های آخر عمر این هنرمند به عشق اصلی تبدیل شد. او در آن کار می کرد، آن را در همه اشکال، از نقاط مختلف، در ساعات مختلف روز می نوشت. باغ منبع اصلی الهام این هنرمند شد.
مونه در باغ گل های مختلفی پرورش داد، نیلوفرهای آبی در حوضچه رشد کردند، پل معروف ژاپنی در سراسر حوض پرتاب شد. او می‌توانست ساعت‌ها باغش را تحسین کند، کوچک‌ترین تغییر در نور و آب و هوا را مشاهده کند.
در پاییز 1899، کلود مونه شروع به نقاشی مجموعه معروف نیلوفرهای آبی خود کرد، که تا پایان روزگارش روی آن کار کرد.

کلود مونه در باغش با حوضچه نیلوفر آبی در پس زمینه، 1905

کلود مونه در باغش، ج. 1917 عکس: Etienne Clementel.
تصاویر کمی "رنگی" و تار به نظر می رسند ، از آنجایی که آنها تصاویر استریوسکوپی بودند ، باید از طریق عینک های رنگی خاص مشاهده می شدند ، سپس تصویر حجیم شد.

کلود مونه (راست) در باغش در گیورنی. 1922 عکس از نیویورک تایمز.

روی اولین بوم‌های مجموعه نیلوفرهای آبی، کلود مونه حوضچه‌ای را با یک پل ژاپنی در پس‌زمینه پوشش گیاهی سرسبز باغ به تصویر کشید.

او در آخرین آثارش که حوضی با نیلوفرهای آبی را به تصویر می‌کشد، عمداً تمام قوانین پذیرفته شده پرسپکتیو را تحریف کرد، خط افق را رها کرد و فقط آب را با نیلوفرهای آبی نقاشی کرد. نیلوفرهای آبی شناور روی آب اغلب توسط مرزهای بوم بریده می شوند، به نظر می رسد که حوض واقعی چیزی بیشتر از آنچه در تصویر نشان داده شده است.
این سری از «آب ها» بیش از 60 بوم دارد.

"آب ها". 1906 موسسه هنر، شیکاگو
"آب ها"، 1916. موزه ملی هنر غربی، توکیو. این بوم بزرگ ۲ متری یکی از رساترین آثار مجموعه نیلوفرهای آبی است. جزایر صورتی و زرد نیلوفرهای آبی روی سطح آبی تیره، سبز تیره و حتی بنفش آب حوض قرار دارند. کل تصویر در حرکت است، ما ریشه های در هم تنیده نیلوفرهای آبی را می بینیم. خود گل های نیلوفر آبی به معنای واقعی کلمه از سطح آب بیرون زده اند. کلود مونه طبیعت را بسیار ظریف احساس می کرد و می توانست تمام ظرافت ها و تعدیل های آن را بر روی بوم هایش منتقل کند.
"آب ها". 1920-26 موزه Orangerie، پاریس.

در سال 1980، خانه و باغ کلود مونه در Giverny به روی عموم باز شد. اکنون یکی از محبوب ترین موزه ها در بین گردشگران در حومه پاریس است.