شرح نقاشی ادوارد مانه «بار در فولی برگر. تاریخچه یک نقاشی. نوار در Folies Bergère Manet اشعه ایکس از نقاشی

امروز در مورد نقاشی Edouard Manet BAR IN FOLY-BERGERRE 1882 صحبت خواهیم کرد که به یکی از شاهکارهای مشهور هنر جهان تبدیل شده است.
در سال 1881، در سالن فرانسوی، E. Manet جایزه دوم را برای پرتره یک شکارچی شیر دریافت کرد. Pertuise. پس از آن، مانه از رقابت خارج می شود و می تواند نقاشی های خود را بدون اجازه هیئت داوران سالن به نمایش بگذارد.

شکوهی که مدت ها انتظارش را می کشید می آید، اما بیماری او به سادگی غیرقابل پیشروی می شود و او در مورد آن می داند و بنابراین، اشتیاق او را می بلعد.
در سپتامبر 1879، مانه اولین حمله حاد روماتیسمی خود را تجربه کرد. به زودی معلوم شد که او مبتلا به آتاکسی است - نقض هماهنگی حرکات. این بیماری به سرعت پیشرفت کرد و امکانات خلاقانه هنرمند را محدود کرد. مانه سعی می کند در برابر یک بیماری جدی مقاومت کند. آیا او نمی تواند بر بیماری غلبه کند؟

روی تصویر کار کنید.

مانه تصمیم می گیرد تمام قدرت و اراده خود را جمع کند، آنها هنوز در تلاش هستند تا او را زودتر دفن کنند. او را می توان در کافه "آتن جدید"، در کافه بد، در تورتونی، در فولیس برگر و در دوستانش دید. او همیشه سعی می کند شوخی کند و طعنه آمیز باشد، از «نقاط ضعف» خود لذت می برد و با پای خود شوخی می کند.
او تصمیم می گیرد ایده جدید خود را پیاده کند: صحنه ای از زندگی روزمره پاریسی را ترسیم کند و منظره ای از بار معروف Folies Bergère را به تصویر بکشد که در آن دختر دوست داشتنی سوزون پشت پیشخوان، مقابل بطری های متعدد ایستاده است. این دختر توسط بسیاری شناخته شده است. بازدیدکنندگان دائمی بار

نقاشی "Bar at the Folies Bergère" اثری با شجاعت فوق العاده و ظرافت زیبا است: یک دختر بلوند پشت میله ایستاده است، پشت او یک آینه بزرگ است که سالن بزرگ موسسه را با تماشاگران نشسته در آن منعکس می کند. او زینتی بر روی مخمل مشکی به گردن دارد، نگاهش سرد است، او به طرز شگفت انگیزی بی حرکت است، او با بی تفاوتی به اطرافیانش نگاه می کند.
این طرح پیچیده بوم به سختی به جلو می رود.

هنرمند با آن دست و پنجه نرم می کند و بارها آن را بازسازی می کند. در اوایل ماه مه 1882، مانه نقاشی را کامل می کند و از فکر کردن به آن در سالن خوشحال می شود. دیگر هیچ کس به نقاشی های او نمی خندد ، همه نقاشی های او با جدیت زیادی در نظر گرفته می شوند ، آنها شروع به بحث در مورد آنها به عنوان آثار هنری واقعی می کنند.

او آخرین اثر خود را خلق کرد، Bar at the Folies Bergère، گویی با زندگی خداحافظی کرد که بسیار گرامی داشت، بسیار تحسین می کرد و در مورد آن بسیار فکر می کرد. این اثر همه چیزهایی را که هنرمند برای مدت طولانی در یک زندگی غیرقابل توجه به دنبال و یافتن آن بود جذب کرد.

بهترین تصاویر به هم تنیده شده اند تا در این دختر جوان که در یک میخانه پر سر و صدا در پاریس ایستاده تجسم یابد. در این مؤسسه مردم با تماس با همنوعان خود به دنبال شادی هستند، به ظاهر سرگرمی و خنده در اینجا حکمفرماست، استادی جوان و حساس تصویر زندگی جوانی را که غرق در غم و تنهایی است، آشکار می کند.

به سختی می توان باور کرد که این اثر توسط هنرمندی در حال مرگ نوشته شده باشد که هر حرکت دست برای او درد و رنج می آورد. اما حتی قبل از مرگش، ادوارد مانه یک مبارز واقعی باقی می ماند. او باید مسیر زندگی دشواری را طی می کرد تا اینکه زیبایی واقعی را که در تمام عمر به دنبال آن بود کشف کند و آن را در افراد عادی بیابد و در روح آنها ثروت درونی را پیدا کند که قلب خود را به آن بخشیده است.

شرح تصویر
این بوم یکی از معروف ترین کاباره های پاریس، پایان قرن نوزدهم را به تصویر می کشد. این مکان مورد علاقه هنرمند است.
چرا او اینقدر دوست داشت آنجا باشد؟ زندگی پر جنب و جوش پایتخت ترجیح مانه بر نظم روزمره آرام بود. او در این کاباره احساس بهتری نسبت به خانه داشت.

ظاهراً مانه طرح ها و جاهای خالی عکس را درست در نوار انجام داده است. این بار در طبقه همکف واریته شو بود. هنرمند در سمت راست صحنه نشسته بود و شروع به ساختن قسمت های خالی برای بوم کرد. پس از آن، او رو به خدمتکار و دوست خوبش کرد و از او خواست که در استودیوی خود برای او ژست بگیرد.

اساس ترکیب این بود که یک دوست مانه و یک خدمتکار، روبروی یکدیگر باشند. آنها باید علاقه زیادی به برقراری ارتباط با یکدیگر داشته باشند. طرح های یافت شده توسط مانه این ایده استاد را تأیید می کند.

اما مانه تصمیم گرفت صحنه را کمی مهم‌تر از آنچه که بود بسازد. در پس‌زمینه، آینه‌ای وجود داشت که انبوه مردمی را که بار را پر می‌کردند منعکس می‌کرد. جلوی همه این افراد، یک ساقی بود، او به فکر خودش بود، پشت پیشخوان بار. اگرچه در اطراف سرگرمی و سر و صدا وجود دارد، اما ساقی به ازدحام بازدیدکنندگان اهمیتی نمی دهد، او در افکار خود معلق است. اما در سمت راست می توانید ببینید، گویی انعکاس خودش، فقط او با یک بازدیدکننده صحبت می کند. چگونه آن را درک کنیم؟

ظاهراً عکس در آینه اتفاقات دقایق گذشته است، اما در واقعیت آنچه به تصویر کشیده شده این است که دختر به گفتگوی چند دقیقه پیش فکر کرده است.
اگر به بطری های روی میله سنگ مرمر نگاه کنید، متوجه خواهید شد که انعکاس آنها در آینه با اصل مطابقت ندارد. بازتاب ساقی نیز غیر واقعی است. او مستقیماً به بیننده نگاه می کند، در حالی که در آینه رو به مرد است. همه این ناهماهنگی ها بیننده را به این فکر می اندازد که آیا مانه دنیای واقعی را به تصویر می کشد یا خیالی؟

اگر چه تصویر در طرح بسیار ساده است، اما هر بیننده ای را وادار می کند که به چیزی فکر کند و به چیزی برای خود بیاندیشد. مانه تضاد بین جمعیتی شاد و دختری تنها را در میان جمعیت به نمایش گذاشت.

همچنین در تصویر می توانید جامعه ای از هنرمندان را با موزها، زیبایی شناسان و بانوانشان ببینید. این افراد در گوشه سمت چپ روی بوم هستند. یک زن دوربین دوچشمی در دست دارد. این نشان دهنده ماهیت جامعه ای است که می خواهد به دیگران نگاه کند و خود را در معرض آنها قرار دهد. در گوشه سمت چپ بالا می توانید پاهای آکروبات را ببینید. هم آکروبات و هم انبوه مردمی که در حال تفریح ​​هستند نمی توانند تنهایی و غم ساقی را روشن کنند.

تاریخ و امضای استاد بر روی برچسب یکی از بطری ها که در گوشه سمت چپ پایین قرار دارد نمایش داده می شود.

ویژگی این تابلوی مانه در معنای عمیق، نمادهای فراوان و پنهان کاری. معمولاً نقاشی های هنرمند در چنین ویژگی هایی تفاوتی نداشت. همین تصویر اعماق بسیاری از افکار انسان را منتقل می کند. در کاباره افراد با پیشینه ها و موقعیت های مختلف حضور دارند. اما همه مردم در آرزوی تفریح ​​و خوشگذرانی برابرند.

متن با تصویرسازی و بحث در مورد نقاشی.http://maxpark.com/community/6782/content/3023062

تابلوی ژاک لویی دیوید "سوگند هوراتی ها" نقطه عطفی در تاریخ نقاشی اروپاست. از نظر سبکی، هنوز به کلاسیک گرایی تعلق دارد. این سبکی است که به دوران باستان گرایش دارد و در نگاه اول این جهت گیری توسط دیوید حفظ شده است. سوگند هوراتی ها بر اساس این داستان است که چگونه میهن پرستان رومی، سه برادر هوراس، برای مبارزه با نمایندگان شهر متخاصم آلبا لونگا، برادران کوریاتی، انتخاب شدند. تیتوس لیویوس و دیودور سیکولوس این داستان را دارند؛ پیر کورنیل در طرح آن تراژدی نوشت.

«اما این دقیقاً سوگند هوراتی است که در این متون کلاسیک غایب است.<...>این دیوید است که سوگند را به قسمت اصلی تراژدی تبدیل می کند. پیرمرد سه شمشیر در دست دارد. او در مرکز می ایستد، او محور تصویر را نشان می دهد. در سمت چپ او سه پسر وجود دارد که در یک چهره ادغام شده اند، در سمت راست او سه زن هستند. این تصویر به طرز شگفت انگیزی ساده است. قبل از دیوید، کلاسیک گرایی، با همه جهت گیری هایش به رافائل و یونان، نمی توانست چنین زبان مردانه خشن و ساده ای برای بیان ارزش های مدنی بیابد. دیوید به نظر می‌رسید که دیدرو چه می‌گوید، که وقت دیدن این بوم را نداشت: "باید همانطور که در اسپارت گفتند بنویس."

ایلیا دورونچنکوف

در زمان داوود، باستان برای اولین بار از طریق کشف باستان شناسی پمپئی ملموس شد. قبل از او، دوران باستان مجموع متون نویسندگان باستان - هومر، ویرژیل و دیگران - و چند ده یا صدها مجسمه ناقص حفظ شده بود. اکنون به مبلمان و مهره ها ملموس شده است.

اما هیچ کدام از اینها در عکس دیوید نیست. در آن، باستان به طرز چشمگیری نه به محیط اطراف (کلاه ایمنی، شمشیرهای نامنظم، توگا، ستون)، بلکه به روح سادگی خشمگین بدوی کاهش می یابد.

ایلیا دورونچنکوف

دیوید با دقت ظاهر شاهکار خود را به نمایش گذاشت. او آن را نقاشی کرد و در رم به نمایش گذاشت و در آنجا مورد انتقاد مشتاقانه قرار گرفت و سپس نامه ای برای حامی فرانسوی فرستاد. در آن ، این هنرمند گزارش داد که در مقطعی نقاشی برای پادشاه را متوقف کرد و شروع به نقاشی آن برای خود کرد و به ویژه تصمیم گرفت آن را همانطور که برای سالن پاریس لازم است مربع نباشد، بلکه مستطیل کند. همانطور که هنرمند انتظار داشت، شایعات و نامه هیجان عمومی را برانگیخت، این نقاشی در مکانی مناسب در سالنی که قبلا افتتاح شده بود رزرو شد.

و بنابراین، با تأخیر، تصویر در جای خود قرار می گیرد و به عنوان تنها خودنمایی می کند. اگر مربع بود، در ردیف دیگری آویزان می شد. و با تغییر اندازه، دیوید آن را به یک منحصر به فرد تبدیل کرد. این یک حرکت هنری بسیار قدرتمند بود. از یک طرف، او خود را به عنوان اصلی ترین در خلق بوم اعلام کرد. از طرفی او توجه همه را به این تصویر جلب کرد.

ایلیا دورونچنکوف

این تصویر معنای مهم دیگری نیز دارد که آن را به یک شاهکار برای همیشه تبدیل می کند:

"این بوم برای فرد جذاب نیست - به شخصی اشاره دارد که در صفوف ایستاده است. این یک تیم است. و این امری است به کسی که اول عمل کند و سپس فکر کند. دیوید به درستی دو دنیای غیر متقاطع و کاملاً غم انگیز از هم جدا شده را نشان داد - دنیای مردان بازیگر و دنیای زنان رنج کشیده. و این کنار هم قرار گرفتن - بسیار پرانرژی و زیبا - وحشتی را نشان می دهد که در واقع پشت داستان هوراتی ها و پشت این تصویر وجود دارد. و از آنجایی که این وحشت جهانی است، "سوگند هوراتی ها" ما را جایی رها نمی کند.

ایلیا دورونچنکوف 

خلاصه

در سال 1816، ناو فرانسوی مدوزا در سواحل سنگال غرق شد. 140 مسافر بریگ را روی یک قایق ترک کردند، اما تنها 15 نفر فرار کردند. آنها مجبور شدند برای زنده ماندن از سرگردانی 12 روزه روی امواج به آدمخواری متوسل شوند. رسوایی در جامعه فرانسه شعله ور شد. کاپیتان بی‌کفایت، یک سلطنت‌طلب به‌طور مجرم، در این فاجعه مقصر شناخته شد.

برای جامعه لیبرال فرانسه، فاجعه ناوچه مدوسا، غرق شدن کشتی، که برای یک فرد مسیحی نماد جامعه (اول کلیسا و اکنون ملت) است، به یک نماد تبدیل شده است، نشانه بسیار بدی از آغاز. رژیم بازسازی جدید.»

ایلیا دورونچنکوف

در سال 1818، هنرمند جوان تئودور ژریکو، در جستجوی موضوعی شایسته، کتاب بازماندگان را خواند و دست به کار نقاشی خود شد. در سال 1819، این نقاشی در سالن پاریس به نمایش گذاشته شد و به یک نماد رمانتیسم در نقاشی تبدیل شد. ژریکو به سرعت قصد خود برای به تصویر کشیدن اغوا کننده ترین صحنه آدم خواری را رها کرد. او خنجر زدن، ناامیدی یا همان لحظه رستگاری را نشان نداد.

او به تدریج تنها لحظه مناسب را انتخاب کرد. این لحظه حداکثر امید و حداکثر عدم اطمینان است. این لحظه ای است که افرادی که روی قایق زنده مانده اند برای اولین بار بریگ آرگوس را در افق می بینند که ابتدا از قایق عبور کرد (او متوجه آن نشد).
و تنها پس از آن، رفتن به یک مسیر برخورد، به طور تصادفی با او برخورد کرد. در طرح، جایی که ایده قبلاً پیدا شده است، "آرگوس" قابل توجه است و در تصویر به یک نقطه کوچک در افق تبدیل می شود که ناپدید می شود، که چشم را به خود جلب می کند، اما، همانطور که بود، وجود ندارد.

ایلیا دورونچنکوف

جرکو از طبیعت گرایی چشم پوشی می کند: او به جای بدن های نحیف، ورزشکاران شجاع زیبایی را در تصویر خود دارد. اما این ایده آل سازی نیست، این جهانی سازی است: تصویر مربوط به مسافران خاص مدوزا نیست، بلکه مربوط به همه است.

«ژریکو مردگان را در پیش‌زمینه پراکنده می‌کند. او آن را اختراع نکرد: جوانان فرانسوی در مورد اجساد کشته شده و مجروح غوغا کردند. هیجان زده شد، به اعصاب ضربه زد، قراردادها را از بین برد: یک کلاسیک نویس نمی تواند زشت و وحشتناک را نشان دهد، اما ما این کار را خواهیم کرد. اما این اجساد معنای دیگری دارند. به آنچه در وسط تصویر رخ می دهد نگاه کنید: یک طوفان وجود دارد، یک قیف وجود دارد که چشم در آن کشیده شده است. و بر فراز اجساد، بیننده، درست در مقابل عکس ایستاده، به این قایق قدم می گذارد. ما همه آنجا هستیم."

ایلیا دورونچنکوف

نقاشی ژریکو به شیوه‌ای جدید کار می‌کند: خطاب آن نه ارتشی از تماشاگران، بلکه خطاب به هر فردی است، همه به قایق دعوت شده‌اند. و اقیانوس فقط اقیانوسی از امیدهای از دست رفته در سال 1816 نیست. این سرنوشت انسان است.

خلاصه

در سال 1814، فرانسه از ناپلئون خسته شده بود و ورود بوربن ها با آسودگی پذیرفته شد. با این حال، بسیاری از آزادی های سیاسی لغو شد، بازسازی آغاز شد، و در پایان دهه 1820، نسل جوان شروع به درک متوسط ​​هستی شناختی قدرت کرد.

اوژن دلاکروا متعلق به آن قشری از نخبگان فرانسوی بود که در زمان ناپلئون برخاستند و بوربون‌ها او را کنار زدند. با این وجود، او مورد توجه قرار گرفت: او برای اولین نقاشی خود در سالن، قایق دانته، در سال 1822 مدال طلا دریافت کرد. و در سال 1824 نقاشی "کشتار در خیوس" را ساخت که پاکسازی قومی را به تصویر می کشد، زمانی که جمعیت یونانی جزیره کیوس در جریان جنگ استقلال یونان تبعید و نابود شدند. این اولین نشانه لیبرالیسم سیاسی در نقاشی است که کشورهای هنوز بسیار دور را لمس کرد.

ایلیا دورونچنکوف

در ژوئیه 1830، چارلز دهم چندین قانون را تصویب کرد که به شدت آزادی های سیاسی را محدود می کرد و نیروهایی را برای غارت چاپخانه یک روزنامه مخالف فرستاد. اما پاریسی ها با تیراندازی پاسخ دادند، شهر با سنگرها پوشانده شد و در طی "سه روز باشکوه" رژیم بوربون سقوط کرد.

تابلوی معروف دلاکروا که به وقایع انقلابی 1830 اختصاص دارد، اقشار مختلف اجتماعی را نشان می‌دهد: یک شیک پوش با کلاه بالا، یک پسر ولگرد، یک کارگر با پیراهن. اما اصلی ترین، البته، یک زن جوان زیبا با سینه های برهنه و یک شانه است.

دلاکروا در اینجا با چیزی موفق می شود که تقریباً هرگز در مورد هنرمندان قرن نوزدهم اتفاق نمی افتد، که بیشتر و بیشتر واقع بینانه فکر می کنند. او در یک تصویر - بسیار رقت انگیز، بسیار عاشقانه، بسیار پرصدا - موفق می شود واقعیت، از نظر فیزیکی ملموس و وحشیانه (به اجساد در پیش زمینه مورد علاقه رمانتیک ها نگاه کنید) و نمادها را ترکیب کند. چون این زن تمام قد البته خود آزادی است. توسعه سیاسی از قرن هجدهم، هنرمندان را ملزم به تجسم آنچه که دیده نمی شود، کرده است. چگونه می توان آزادی را دید؟ ارزش های مسیحی از طریق چیزی بسیار انسانی - از طریق زندگی مسیح و رنج او - به شخص منتقل می شود. و انتزاعات سیاسی مانند آزادی، برابری، برادری شکلی ندارند. و اکنون دلاکروا، شاید اولین و به طور کلی نه تنها کسی که به طور کلی با موفقیت از عهده این کار برآمد: اکنون می دانیم که آزادی چگونه به نظر می رسد.

ایلیا دورونچنکوف

یکی از نمادهای سیاسی در این نقاشی، کلاه فریجی بر سر دختر است که نمادی دائمی از دموکراسی است. یکی دیگر از موتیف های سخنگو، برهنگی است.

برهنگی از دیرباز با طبیعی بودن و طبیعت همراه بوده است و در قرن هجدهم این ارتباط اجباری شد. تاریخ انقلاب فرانسه حتی یک اجرای منحصر به فرد را می شناسد، زمانی که یک بازیگر تئاتر برهنه فرانسوی طبیعت را در کلیسای نوتردام به تصویر کشید. و طبیعت آزادی است، طبیعی است. و این همان چیزی است که معلوم می شود، این زن ملموس، شهوانی و جذاب به این معناست. این به معنای آزادی طبیعی است.»

ایلیا دورونچنکوف

اگرچه این نقاشی باعث شهرت دلاکروا شد، اما به زودی برای مدت طولانی از دید خارج شد و دلیل آن نیز مشخص است. تماشاگری که در مقابل او ایستاده است خود را در جایگاه کسانی می یابد که مورد هجوم آزادی قرار می گیرند و مورد حمله انقلاب قرار می گیرند. نگاه کردن به حرکت غیرقابل توقفی که شما را در هم می ریزد بسیار ناراحت کننده است.

خلاصه

در 2 مه 1808، یک شورش ضد ناپلئونی در مادرید آغاز شد، شهر در دست معترضان بود، اما در عصر سوم، اعدام های دسته جمعی شورشیان در مجاورت پایتخت اسپانیا انجام شد. این وقایع خیلی زود منجر به جنگ چریکی شد که شش سال به طول انجامید. پس از پایان، دو تابلو از نقاش فرانسیسکو گویا برای بزرگداشت قیام سفارش داده می شود. اولی «قیام 2 مه 1808 در مادرید» است.

گویا واقعاً لحظه شروع حمله را به تصویر می کشد - اولین حمله ناواهو که جنگ را آغاز کرد. این فشردگی لحظه است که در اینجا بسیار مهم است. به نظر می‌رسد او دوربین را نزدیک‌تر می‌کند، از پانوراما به یک پلان فوق‌العاده نزدیک می‌رود که قبل از او نیز تا این حد وجود نداشت. یک چیز هیجان انگیز دیگر وجود دارد: احساس هرج و مرج و چاقو زدن در اینجا بسیار مهم است. اینجا کسی نیست که شما برایش متاسف باشید. قربانیان و قاتلان هستند. و این قاتلان با چشمان خون آلود، وطن پرستان اسپانیایی، به طور کلی، مشغول قصابی هستند.

ایلیا دورونچنکوف

در تصویر دوم، شخصیت ها جای خود را عوض می کنند: کسانی که در تصویر اول بریده شده اند، در تصویر دوم، کسانی که آنها را برش داده اند تیراندازی می شوند. و دوگانگی اخلاقی مبارزه خیابانی با وضوح اخلاقی جایگزین می شود: گویا در کنار کسانی است که شورش می کنند و می میرند.

«دشمنان اکنون طلاق گرفته اند. در سمت راست کسانی هستند که زندگی خواهند کرد. این یک سری از افراد یونیفرم پوش با اسلحه است، دقیقاً مشابه، حتی بیشتر از برادران هوراس دیوید. چهره‌های آن‌ها نامرئی است، و شاکوهایشان آنها را شبیه ماشین‌ها، مانند روبات‌ها می‌کند. اینها چهره های انسانی نیستند. آنها در یک شبح سیاه در تاریکی شب در پس زمینه یک فانوس که سیلابی کوچکی را در بر می گیرد، خودنمایی می کنند.

در سمت چپ کسانی هستند که می میرند. حرکت می کنند، می چرخند، اشاره می کنند و به دلایلی به نظر می رسد که از جلادانشان بلندتر هستند. اگرچه شخصیت اصلی و مرکزی - مردی مادریدی با شلوار نارنجی و پیراهن سفید - روی زانو نشسته است. او هنوز بلندتر است، کمی روی تپه است.

ایلیا دورونچنکوف

شورشی در حال مرگ در ژست مسیح می ایستد و برای اقناع بیشتر، گویا کلاله هایی را روی کف دستش به تصویر می کشد. علاوه بر این، هنرمند شما را مجبور می کند همیشه یک تجربه دشوار را پشت سر بگذارید - به آخرین لحظه قبل از اعدام نگاه کنید. سرانجام گویا درک واقعه تاریخی را تغییر می دهد. پیش از او یک رویداد با جنبه‌ی آیینی و بلاغی‌اش به تصویر کشیده می‌شد؛ در گویا، رویداد یک آنی است، یک شور، یک فریاد غیرادبی.

در اولین تصویر از دیپتیخ، می توان دید که اسپانیایی ها فرانسوی ها را سلاخی نمی کنند: سوارانی که زیر پای اسب افتاده اند، لباس های مسلمان بر تن دارند.
واقعیت این است که در نیروهای ناپلئون یک دسته از ماملوکس، سواره نظام مصری وجود داشت.

عجیب به نظر می رسد که این هنرمند مبارزان مسلمان را به نمادی از اشغال فرانسه تبدیل کند. اما این به گویا اجازه می دهد تا یک رویداد معاصر را به پیوندی در تاریخ اسپانیا تبدیل کند. برای هر ملتی که خودآگاهی خود را در طول جنگ های ناپلئونی ایجاد کرد، بسیار مهم بود که متوجه شود این جنگ بخشی از یک جنگ ابدی برای ارزش هایش است. و چنین جنگ اسطوره ای برای مردم اسپانیا Reconquista بود، یعنی فتح مجدد شبه جزیره ایبری از پادشاهی های مسلمان. بنابراین گویا ضمن وفادار ماندن به مستندسازی، مدرنیته، این رویداد را در پیوند با اسطوره ملی قرار می دهد و ما را وادار می کند تا مبارزه 1808 را به عنوان مبارزه ابدی اسپانیایی ها برای ملی و مسیحیت درک کنیم.

ایلیا دورونچنکوف

این هنرمند موفق به ایجاد یک فرمول نمادین از اعدام شد. هر بار که همکارانش - چه مانه، چه دیکس یا پیکاسو - به موضوع اعدام روی آوردند، گویا را دنبال کردند.

خلاصه

انقلاب تصویری قرن نوزدهم، حتی ملموس تر از تصویر رویداد، در منظره رخ داد.

چشم انداز به طور کامل اپتیک را تغییر می دهد. انسان مقیاس خود را تغییر می دهد، انسان خود را به گونه ای دیگر در دنیا تجربه می کند. منظره، تصویری واقع گرایانه از آنچه در اطراف ما است، با حس هوای مملو از رطوبت و جزئیات روزمره که در آن غوطه ور هستیم، است. یا می تواند فرافکنی از تجربیات ما باشد، و سپس در بازی غروب خورشید یا در یک روز آفتابی شاد، وضعیت روح خود را می بینیم. اما مناظر قابل توجهی وجود دارد که به هر دو حالت تعلق دارند. و خیلی سخت است که بدانیم کدام یک غالب است."

ایلیا دورونچنکوف

این دوگانگی به وضوح توسط هنرمند آلمانی کاسپار دیوید فردریش آشکار شده است: مناظر او هم در مورد ماهیت بالتیک به ما می گوید و هم در عین حال بیانگر یک بیانیه فلسفی است. در مناظر فریدریش حسی ماندگار از مالیخولیا وجود دارد. یک فرد به ندرت به آنها از پس زمینه نفوذ می کند و معمولاً به بیننده پشت می کند.

در آخرین نقاشی او، دوران زندگی، خانواده ای در پیش زمینه به تصویر کشیده شده است: فرزندان، والدین، یک پیرمرد. و بیشتر، پشت شکاف فضایی - آسمان غروب خورشید، دریا و قایق های بادبانی.

«اگر به نحوه ساخت این بوم نگاه کنیم، پژواک چشمگیری بین ریتم پیکره های انسانی در پیش زمینه و ریتم قایق های بادبانی در دریا خواهیم دید. اینجا چهره های بلند هستند، اینجا چهره های کم هستند، اینجا قایق های بادبانی بزرگ هستند، اینجا قایق های زیر بادبان هستند. طبیعت و قایق های بادبانی - این همان چیزی است که به آن موسیقی کره ها می گویند، ابدی است و به انسان وابسته نیست. انسان در پیش زمینه وجود محدود اوست. دریا در فردریش اغلب استعاره ای از غیریت، مرگ است. اما مرگ برای او که مؤمن است وعده حیات جاودانی است که ما از آن اطلاعی نداریم. این افراد در پیش زمینه - کوچک، دست و پا چلفتی، نه چندان جذاب - ریتم یک قایق بادبانی را با ریتم خود دنبال می کنند، همانطور که یک پیانیست موسیقی کره ها را تکرار می کند. این موسیقی انسانی ماست، اما همگی با همان موسیقی ای که برای فردریش طبیعت را پر می کند همخوانی دارد. بنابراین، به نظر من در این بوم، فردریش وعده می دهد - نه بهشت ​​پس از مرگ، بلکه وجود محدود ما هنوز با جهان هماهنگ است.

ایلیا دورونچنکوف 

خلاصه

پس از انقلاب فرانسه، مردم متوجه شدند که گذشته ای دارند. قرن نوزدهم، با تلاش زیباشناسان رمانتیک و مورخان پوزیتیویست، ایده مدرن تاریخ را ایجاد کرد.

«قرن 19 نقاشی تاریخ را آنطور که ما می شناسیم ایجاد کرد. قهرمانان یونانی و رومی بدون حواس پرتی، در یک محیط ایده آل عمل می کنند، با انگیزه های ایده آل هدایت می شوند. تاریخ قرن نوزدهم نمایشی و ملودراماتیک می شود، به انسان نزدیک می شود و ما اکنون می توانیم نه با کارهای بزرگ، بلکه با بدبختی ها و تراژدی ها همدلی کنیم. هر ملت اروپایی تاریخ خود را در قرن نوزدهم خلق کرد و با ساختن تاریخ، به طور کلی، پرتره و برنامه های خود را برای آینده خلق کرد. از این نظر، مطالعه نقاشی تاریخی اروپایی قرن نوزدهم بسیار جالب است، اگرچه، به نظر من، آن را ترک نکرد، تقریباً آثار واقعاً بزرگی از خود به جای نگذاشت. و در میان این آثار بزرگ، من یک استثنا را می بینم که ما روس ها به حق می توانیم به آن افتخار کنیم. این "صبح اعدام استرلتسی" اثر واسیلی سوریکوف است.

ایلیا دورونچنکوف

نقاشی تاریخ قرن نوزدهم، که به سمت باورپذیری بیرونی گرایش دارد، معمولاً از یک قهرمان می گوید که تاریخ را هدایت می کند یا شکست می خورد. نقاشی سوریکوف در اینجا یک استثناء قابل توجه است. قهرمان او جمعیتی با لباس های رنگارنگ است که تقریباً چهار پنجم تصویر را به خود اختصاص می دهد. به همین دلیل، به نظر می رسد تصویر به طرز چشمگیری آشفته است. در پشت جمعیت در حال چرخش زنده، که بخشی از آنها به زودی خواهند مرد، کلیسای جامع رنگارنگ و آشفته سنت باسیل ایستاده است. پشت پیتر یخ زده، یک صف از سربازان، یک ردیف چوبه دار - صفی از نبردهای دیوار کرملین. تصویر توسط دوئل دیدگاه های پیتر و کماندار ریش قرمز کنار هم نگه داشته شده است.

«در مورد تضاد بین جامعه و دولت، مردم و امپراتوری چیزهای زیادی می توان گفت. اما به نظر من این چیز معانی دیگری دارد که آن را منحصر به فرد می کند. ولادیمیر استاسوف، تبلیغ کننده آثار سرگردان و مدافع رئالیسم روسی، که مطالب زائد زیادی در مورد آنها نوشت، در مورد سوریکوف بسیار خوب صحبت کرد. او نقاشی هایی از این دست را «کرال» نامید. در واقع، آنها فاقد یک قهرمان هستند - آنها فاقد یک موتور هستند. مردم نیروی محرکه هستند. اما در این تصویر نقش مردم به وضوح نمایان است. جوزف برادسکی در سخنرانی نوبل خود کاملاً گفت که تراژدی واقعی زمانی نیست که قهرمان می میرد، بلکه زمانی است که گروه کر می میرد.

ایلیا دورونچنکوف

وقایع در نقاشی های سوریکوف به گونه ای اتفاق می افتد که گویی برخلاف میل شخصیت هایشان – و در این میان مفهوم تاریخ هنرمند آشکارا به مفهوم تولستوی نزدیک است.

«جامعه، مردم، ملت در این تصویر به نظر تقسیم شده اند. سربازان پیتر در لباسی که سیاه به نظر می رسد و کمانداران با لباس سفید در تضاد خوب و شر هستند. چه چیزی این دو قسمت نابرابر ترکیب را به هم متصل می کند؟ این یک تیرانداز با پیراهن سفید است که به اعدام می رود و یک سرباز یونیفرم پوش که از روی شانه او را حمایت می کند. اگر ما به طور ذهنی همه چیزهایی را که آنها را احاطه کرده است حذف کنیم، هرگز نمی توانیم تصور کنیم که این شخص به اعدام کشیده شده است. آنها دو دوستی هستند که در حال بازگشت به خانه هستند و یکی دوستانه و گرم از دیگری حمایت می کند. وقتی پتروشا گرینیف توسط پوگاچوی ها در دختر کاپیتان به دار آویخته شد، آنها گفتند: "در نزن، در نزن"، انگار واقعاً می خواستند او را تشویق کنند. این احساس که مردمی که بر اساس اراده تاریخ تقسیم شده اند، در عین حال برادر و متحد هستند، کیفیت شگفت انگیز بوم سوریکوف است که من آن را در هیچ جای دیگری نیز نمی شناسم.

ایلیا دورونچنکوف 

خلاصه

در نقاشی، اندازه مهم است، اما نمی توان هر موضوعی را روی یک بوم بزرگ ترسیم کرد. سنت‌های تصویری مختلف روستاییان را به تصویر می‌کشیدند، اما اغلب نه در نقاشی‌های عظیم، اما این دقیقاً "تدفین در اورنانس" اثر گوستاو کوربه است. اورنان یک شهر استانی مرفه است که خود هنرمند از آنجا آمده است.

کوربه به پاریس نقل مکان کرد اما به بخشی از نهاد هنری تبدیل نشد. او تحصیلات آکادمیک ندید، اما دستی قدرتمند، چشمی بسیار سرسخت و بلندپروازی داشت. او همیشه احساس می کرد که یک استان است و در خانه، در اورنان، بهترین بود. اما او تقریباً تمام عمرش را در پاریس زندگی کرد، با هنری که از قبل در حال مرگ بود مبارزه کرد، با هنری که ایده‌آل می‌کرد و در مورد کلیات، از گذشته، از زیباها صحبت می‌کرد، بدون توجه به حال. چنین هنری که بیشتر ستایش می کند، که بیشتر خوشحال می شود، معمولاً تقاضای بسیار زیادی پیدا می کند. کوربه واقعاً در نقاشی انقلابی بود، اگرچه اکنون این ماهیت انقلابی او برای ما چندان روشن نیست، زیرا او زندگی می نویسد، نثر می نویسد. اصلی‌ترین چیزی که در او انقلابی بود این بود که از ایده‌آل‌سازی طبیعت خود دست کشید و شروع کرد به نوشتن آن دقیقاً آن‌طور که می‌بیند، یا همانطور که معتقد بود می‌بیند.

ایلیا دورونچنکوف

حدود پنجاه نفر در یک تصویر غول پیکر تقریباً در حال رشد کامل به تصویر کشیده شده اند. همه آنها اشخاص حقیقی هستند و کارشناسان تقریباً همه شرکت کنندگان در تشییع جنازه را شناسایی کرده اند. کوربه هموطنان خود را نقاشی کرد و آنها خوشحال بودند که دقیقاً همانطور که هستند وارد تصویر شوند.

اما زمانی که این نقاشی در سال 1851 در پاریس به نمایش گذاشته شد، رسوایی ایجاد کرد. او مخالف هر چیزی بود که مردم پاریس در آن لحظه به آن عادت داشتند. او هنرمندان را با فقدان یک ترکیب واضح و نقاشی خشن و متراکم برانگیخت که مادیات چیزها را منتقل می کند، اما نمی خواهد زیبا باشد. او یک فرد معمولی را از این واقعیت ترساند که او واقعاً نمی توانست بفهمد کیست. از هم گسیختگی ارتباطات بین مخاطبان استانی فرانسه و پاریسی ها قابل توجه بود. پاریسی ها تصویر این جمعیت محترم ثروتمند را به عنوان تصویر فقرا در نظر گرفتند. یکی از منتقدان گفت: بله این ننگ است اما این ننگ استان است و پاریس هم رسوایی خودش را دارد. در زیر زشتی، در واقع، حقیقت نهایی درک می شد.

ایلیا دورونچنکوف

کوربه از ایده آل سازی امتناع ورزید، که او را به یک هنرمند آوانگارد واقعی قرن نوزدهم تبدیل کرد. او بر روی چاپ های رایج فرانسوی، و روی یک پرتره گروهی هلندی، و بر جشن عتیقه تمرکز می کند. کوربه به ما می آموزد که مدرنیته را در اصالت، در تراژدی و زیبایی اش درک کنیم.

سالن‌های فرانسوی تصاویری از کار سخت دهقانان، دهقانان فقیر را می‌شناختند. اما حالت تصویر به طور کلی پذیرفته شد. دهقانان باید مورد ترحم قرار گیرند، دهقانان نیاز به همدردی داشتند. منظره ای از بالا بود. فردی که همدردی می کند، بنا به تعریف، در اولویت قرار دارد. و کوربه تماشاگر خود را از امکان چنین همدلی حمایتی محروم کرد. شخصیت‌های او با شکوه، یادبود هستند، تماشاگران خود را نادیده می‌گیرند و اجازه نمی‌دهند با آن‌ها چنان ارتباطی برقرار کنید که آنها را بخشی از دنیای آشنا کند، کلیشه‌ها را بسیار قدرتمند می‌شکنند.

ایلیا دورونچنکوف 

خلاصه

قرن نوزدهم خود را دوست نداشت، ترجیح داد زیبایی را در چیز دیگری جستجو کند، چه دوران باستان، چه قرون وسطی یا شرق. چارلز بودلر اولین کسی بود که یاد گرفت زیبایی مدرنیته را ببیند و هنرمندانی که بودلر قرار نبود آنها را ببیند در نقاشی تجسم یافت: به عنوان مثال، ادگار دگا و ادوارد مانه.

مانه یک تحریک کننده است. مانه در عین حال نقاش درخشانی است که جذابیت رنگ‌ها، رنگ‌هایی که به‌طور متناقضی با هم ترکیب شده‌اند، باعث می‌شود بیننده از خود سؤالات واضحی نپرسد. اگر به نقاشی‌های او دقت کنیم، اغلب مجبور می‌شویم اعتراف کنیم که نمی‌فهمیم چه چیزی این افراد را به اینجا آورده، در کنار یکدیگر چه می‌کنند، چرا این اشیا روی میز به هم متصل شده‌اند. ساده ترین پاسخ این است: مانه در درجه اول یک نقاش است، مانه در درجه اول یک چشم است. او به ترکیب رنگ ها و بافت ها علاقه مند است و تلفیق منطقی اشیا و افراد دهمین مورد است. چنین تصاویری اغلب بیننده‌ای را که به دنبال محتوا است و به دنبال داستان است، گیج می‌کند. مانه داستان نمی گوید. اگر آخرین شاهکار خود را در آن سال‌ها که دچار بیماری مرگباری شده بود خلق نمی‌کرد، می‌توانست چنان دستگاه نوری شگفت‌انگیز و دقیقی باقی بماند.

ایلیا دورونچنکوف

نقاشی "The Bar at the Folies Bergère" در سال 1882 به نمایش گذاشته شد، ابتدا مورد تمسخر منتقدان قرار گرفت و سپس به سرعت به عنوان یک شاهکار شناخته شد. موضوع آن کافه کنسرت است، یک پدیده قابل توجه از زندگی پاریسی در نیمه دوم قرن. به نظر می رسد که مانه به طور واضح و قابل اعتماد زندگی Folies Bergère را به تصویر کشیده است.

اما وقتی شروع به بررسی دقیق کارهایی که مانه در عکسش کرده است، خواهیم فهمید که تعداد زیادی تناقض وجود دارد که ناخودآگاه نگران کننده هستند و به طور کلی، وضوح واضحی دریافت نمی کنند. دختری که می بینیم یک فروشنده است، او باید با جذابیت ظاهری خود، بازدیدکنندگان را وادار به توقف کند، با او معاشقه کند و نوشیدنی های بیشتری سفارش دهد. در همین حال، او با ما معاشقه نمی کند، بلکه از طریق ما نگاه می کند. چهار بطری شامپاین روی میز است، گرم، اما چرا روی یخ نه؟ در تصویر آینه ای، این بطری ها در همان لبه میز نیستند که در پیش زمینه هستند. شیشه با گل رز از زاویه ای متفاوت دیده می شود که از آن همه اشیاء روی میز دیده می شود. و دختر در آینه دقیقاً شبیه دختری نیست که به ما نگاه می کند: او تنومندتر است، شکل های گرد تری دارد، به سمت بازدید کننده خم شد. به طور کلی، او همانطور رفتار می کند که ما به آن نگاه می کنیم باید رفتار کند.

ایلیا دورونچنکوف

انتقاد فمینیستی توجه را به این واقعیت جلب کرد که دختر با طرح های خود شبیه یک بطری شامپاین ایستاده روی پیشخوان است. این یک مشاهده با هدف خوب است، اما به سختی کامل است: مالیخولیایی تصویر، انزوای روانی قهرمان با یک تفسیر ساده مخالف است.

این طرح نوری و معماهای روان‌شناختی تصویر، که به نظر می‌رسد پاسخ مشخصی ندارند، ما را وادار می‌کنند بارها و بارها به آن نزدیک شویم و این سؤالات را بپرسیم، ناخودآگاه از آن احساس زیبا، غم‌انگیز، تراژیک، زندگی مدرن روزمره که بودلر آرزو داشت و مانه را برای همیشه پیش ما گذاشت.»

ایلیا دورونچنکوف 

ادوارد مانه. بار در Folies Bergère

دشوار است که بدون ابهام ژانر آخرین نقاشی بزرگ مانه، Bar at the Folies Bergère را که در سالن 1882 به نمایش گذاشته شد، تعریف کنیم. کمتر کسی می داند که پس از حراجی پاریس، جایی که هیچ کس نمی خواست آن را بخرد، در سال 1912 به روسیه سرازیر شد و اگر هموطنان ما دوراندیش تر بودند، به زودی به انگلستان نمی رفتند، جایی که در آن قرار دارد. در نقاشی "Bar in the Folies Bergère"، به تصویر کشیدن زندگی روزمره، و پرتره، و طبیعت بی جان به شیوه ای عجیب و غریب با هم ترکیب شده اند، که در اینجا کاملا استثنایی، هرچند نه از اهمیت بالایی برخوردار است. همه اینها در صحنه ای از زندگی مدرن با یک انگیزه داستانی بسیار پیش پا افتاده (چه چیزی می تواند پیش پا افتاده تر از یک زن فروشنده در بار باشد؟) ترکیب شده است، تصویری از کمال هنری بالا که توسط هنرمند تحقق یافته است. به نظر می رسد "بار در فولیز برگر" تلاش خلاقانه مانه را خلاصه می کند. و در مقایسه با شاهکارهای اولیه او، در درجه اول با المپیا، ایده ای از مسیری می دهد که این هنرمند در 18 سالی که این آثار را از هم جدا کرده است، طی کرده است. "Bar at the Folies Bergère" حس بسیار فوری تری از زندگی را در بر می گیرد. آینه پشت میله ای که قهرمان بی نام و نشان بوم در پشت آن ایستاده است، سالنی شلوغ، لوستری نورانی، پاهای آکروبات آویزان از سقف، تخته مرمری با بطری ها و خود دختری را منعکس می کند که آقا در یک کلاه بالا نزدیک می شود. برای اولین بار، آینه پس زمینه کل تصویر را تشکیل می دهد. فضای نوار که در آینه پشت فروشنده منعکس شده است، تا بی نهایت گسترش می یابد، به گلدسته ای درخشان از چراغ ها و برجسته های رنگی تبدیل می شود. و بیننده ای که در مقابل تصویر ایستاده به این محیط دوم کشیده می شود و به تدریج حس خط بین دنیای واقعی و دنیای بازتابی را از دست می دهد. این دنیای ناپایدار و تکه تکه، که به شکلی زیبا به عنوان یک مه سوسو زننده درک می شود، محیطی است که یک دختر به تنهایی و تقریباً در آن وجود دارد. شکل بی حرکت او دقیقاً در مرکز قرار دارد و کانون معنادار و تصویری ترکیب را تشکیل می دهد. رنگ ضخیم می شود، خطوط مشخص می شوند، قلم مو حرکت را کند می کند و متراکم تر روی بوم قرار می گیرد. به نظر می رسد او چهره لطیف دختر، موهای بلوند، پوست روشن، مخمل مشکی با سایه های آبی خالص و توری آبی شفاف را نوازش می دهد. دختر جدا از همه چیز اطرافش، حتی از همکارش، با ناراحتی، کمی غیبت و گیج به روبرو نگاه می کند. به نظر می رسد که نوار در همان زمان او را به دنیای مبتذل زندگی روزمره زنجیر می کند و از او در برابر آن محافظت می کند، زیرا قلم موی مانه مبتذل ترین اشیاء را تغییر می دهد. و خود دختر - تجسم زنانگی و لطف - به نظر می رسد مانند یک پری افسانه ای، بیگانه با محیط اطرافش، و این با بیان چهره لطیف او تأکید می شود: رویایی و غمگین. اما، که در آینه منعکس شده است، شکل او با ظرافت آموخته شده به سمت بازدید کننده نزدیک می شود. کمال "بار در فولیس برگر" که در سالن 1882 نمایش داده شد، چنان آشکار بود که در نهایت، هیچ کس سعی نکرد آن را به چالش بکشد. پس از بسته شدن سالن، مانه در نهایت به طور رسمی به عنوان قهرمان لژیون افتخار معرفی شد.

این تابستان را ادوارد در نزدیکی پاریس در روئیل گذراند، اما آنقدر بیمار بود که نمی‌توانست در کار هیجان‌انگیزی شرکت کند. پاستیل و آبرنگ کار می کرد. هنگامی که او در پاییز به پاریس بازگشت، دوستانش از وضعیت او نگران شدند. زمستان هیچ پیشرفتی نداشت. در اوایل سال 1883 قدرت او شروع به ناتوانی کرد و او مجبور شد در رختخواب دراز بکشد. بر اثر فلج شدن پای چپ وی تهدید به قانقاریا شد و برای جلوگیری از آن دو جراح پیشنهاد قطع عضو دادند. مانه موافقت کرد و در 19 آوریل 1883 در ساعت 10 عمل جراحی انجام شد. پا از بالای زانو قطع شد. مانه دردی احساس نمی کرد. عملیات نسبتاً خوب پیش رفت و هیچ خطری در چشم نبود. اما افسوس! این امید به سرعت از بین رفت: چند روز بعد بیمار با تب وحشتناکی همراه با تشنج های وحشتناک گرفتار شد. همان روز عصر، پزشکان هشدار دادند که بیمار یک روز زنده خواهد ماند. این پیش بینی غم انگیز به حقیقت پیوست ... 30 آوریل 1883 مانه درگذشت ....

ادوارد مانه. بار در Folies Bergère. 1882 موسسه هنر کورتال، لندن.

ادوارد مانه در اواخر عمرش که مردی بسیار بیمار بود، تابلوی بار را در فولیس برگر نقاشی کرد. او با وجود بیماری، تصویری را خلق کرد که با تمام کارهای قبلی اش متفاوت است.

اساساً کار او بدون ابهام و مختصر است. برعکس، بار در Folies Bergère حاوی تعدادی اسرار است که ناظر بی تفاوت را آزار می دهد.

این نقاشی یک زن فروشنده بار را در نمایش کافه-واریته هنوز معروف "Folies-Bergere" (پاریس، خیابان ریشت، 32) به تصویر می کشد.

در اینجا هنرمند دوست داشت وقت بگذراند ، بنابراین فضا برای او بسیار آشنا بود. این کافه در زندگی واقعی به نظر می رسد:

دختر واقعی و شیشه ای

رمز و راز اصلی در تفاوت بین نحوه ظاهر میله و فروشنده در پیش زمینه تصویر در مقایسه با نحوه ظاهر شدن آنها در آینه عقب نهفته است.

توجه کنید که خانم فروشنده چقدر متفکر و حتی غمگین است. حتی به نظر می رسد که اشک در چشمانش حلقه زده است. در یک محیط نمایش متنوع، او قرار است بیشتر با بازدیدکنندگان لبخند بزند و معاشقه کند.

اتفاقاً این همان چیزی است که در انعکاس آینه اتفاق می افتد. دختر کمی به سمت مشتری مرد خم شد و با توجه به فاصله کمی بین آنها، صحبت آنها صمیمی است.

امضای نقاشی غیرمعمول

بطری های روی میله نیز از نظر چیدمان با بطری های نمایش داده شده در آینه متفاوت است.

به هر حال، مانه تاریخ نقاشی و امضای خود را درست روی یکی از بطری ها (سمت چپ ترین بطری شراب رز) گذاشت: مانه. 1882.

مانه با این معماها چه چیزی می خواست به ما بگوید؟ چرا دختر روبروی ما حتی شکلی متفاوت از آن چیزی است که در آینه نشان داده شده است؟ چرا اجسام روی میله موقعیت خود را در بازتاب تغییر می دهند؟

چه کسی برای مانه ژست گرفت؟

این هنرمند توسط یک فروشنده واقعی به نام ساسون از کافه Folies Bergère ژست گرفته شد. دختر به خوبی با مانه آشنا بود. 2 سال قبل از نوشتن نقاشی اصلی، او پرتره او را کشید.

برای هنرمندان معمول بود که در صورت امتناع از ژست گرفتن، پرتره ای از یک مدل داشته باشند. تا همیشه بتوانید تصویر را تمام کنید.

شاید سوزن داستان زندگی خود را با مانه در میان گذاشت و مانه تصمیم گرفت حالت درونی او و نقش یک عشوه را به تصویر بکشد که مجبور است در بار بازی کند؟

یا شاید آنچه در مقابل ما اتفاق می افتد در زمان حال و در بازتاب - گذشته دختر گرفته شده است، بنابراین تصویر اشیا متفاوت است؟

اگر این فانتزی را ادامه دهیم، می توان حدس زد که در گذشته دختر خیلی به آقای تصویر شده نزدیک شده است. و او در موقعیت قرار گرفت. مشخص است که زنان فروشنده در چنین نمایش های متنوع، دخترانی نامیده می شدند که "هم نوشیدنی سرو می کنند و هم عشق".

استاد البته به خاطر دختر شروع به شکستن ازدواج قانونی خود نکرد. و همانطور که اغلب در چنین داستان هایی اتفاق می افتد، دختر تنها در آغوش خود با یک کودک بود.

او باید کار کند تا به نوعی زنده بماند. از این رو غم و اندوه در چشمان اوست.

اشعه ایکس از یک نقاشی

ما می توانیم یکی دیگر از جزئیات غیر معمول و پنهان تصویر را به لطف یک اشعه ایکس ببینیم. مشاهده می شود که در نسخه اصلی نقاشی، دختر دستانش را روی شکم خود ضربدری نگه داشته است.

امروز در مورد نقاشی ادوارد مانه صحبت خواهیم کرد نوار در فولی برگر 1882 که به یکی از شاهکارهای معروف هنر جهان تبدیل شده است.

در سال 1881 در سالن فرانسویای. مانه دومین جایزه مورد انتظار را برای پرتره یک شکارچی شیر اهدا کرد. Pertuise. پس از آن، مانه از رقابت خارج می شود و می تواند نقاشی های خود را بدون اجازه هیئت داوران سالن به نمایش بگذارد.

E. Manet پرتره یک شکارچی شیر.

شکوهی که مدت ها انتظارش را می کشید می آید، اما بیماری او به سادگی غیرقابل پیشروی می شود و او در مورد آن می داند و بنابراین، اشتیاق او را می بلعد.

در سپتامبر 1879، مانه اولین حمله حاد روماتیسمی خود را تجربه کرد. به زودی معلوم شد که او مبتلا به آتاکسی است - نقض هماهنگی حرکات. این بیماری به سرعت پیشرفت کرد و امکانات خلاقانه هنرمند را محدود کرد.

مانه سعی می کند در برابر یک بیماری جدی مقاومت کند. آیا او نمی تواند بر بیماری غلبه کند؟

روی تصویر کار کنید.

مانه تصمیم می گیرد تمام قدرت و اراده خود را جمع کند، آنها هنوز در تلاش هستند تا او را زودتر دفن کنند. او را می توان در کافه "آتن جدید"، در کافه بد، در تورتونی، در فولیس برگر و در دوستانش دید. او همیشه سعی می کند شوخی کند و طعنه آمیز باشد، از «نقاط ضعف» خود لذت می برد و با پای خود شوخی می کند. مانه تصمیم می گیرد ایده جدید خود را پیاده کند: صحنه ای از زندگی روزمره پاریسی را ترسیم کند و منظره بار معروف Folies Bergère را به تصویر بکشد که در آن دختر دوست داشتنی سوزان پشت پیشخوان، مقابل بطری های متعدد ایستاده است.

این دختر توسط بسیاری از بازدیدکنندگان منظم بار شناخته شده است.
رنگ آمیزی «بار در Folies Bergère"اثری با شجاعت فوق العاده و ظرافت زیبا است: یک دختر بلوند پشت میله ایستاده است، پشت او یک آینه بزرگ است که سالن بزرگ موسسه را با تماشاگران نشسته در آن منعکس می کند. او زینتی بر روی مخمل مشکی به گردن دارد، نگاهش سرد است، او به طرز شگفت انگیزی بی حرکت است، او با بی تفاوتی به اطرافیانش نگاه می کند.
این طرح پیچیده بوم به سختی به جلو می رود.

هنرمند با آن دست و پنجه نرم می کند و بارها آن را بازسازی می کند. در اوایل ماه مه 1882، مانه نقاشی را کامل می کند و از فکر کردن به آن در سالن خوشحال می شود. دیگر هیچ کس به نقاشی های او نمی خندد ، همه نقاشی های او با جدیت زیادی در نظر گرفته می شوند ، آنها شروع به بحث در مورد آنها به عنوان آثار هنری واقعی می کنند.
او آخرین اثر خود را خلق کرد، Bar at the Folies Bergère، گویی با زندگی خداحافظی کرد که بسیار گرامی داشت، بسیار تحسین می کرد و در مورد آن بسیار فکر می کرد. این اثر همه چیزهایی را که هنرمند برای مدت طولانی در یک زندگی غیرقابل توجه به دنبال و یافتن آن بود جذب کرد.

بهترین تصاویر به هم تنیده شده اند تا در این دختر جوان که در یک میخانه پر سر و صدا در پاریس ایستاده تجسم یابد. در این مؤسسه مردم با تماس با همنوعان خود به دنبال شادی هستند، به ظاهر سرگرمی و خنده در اینجا حکمفرماست، استادی جوان و حساس تصویر زندگی جوانی را که غرق در غم و تنهایی است، آشکار می کند.
به سختی می توان باور کرد که این اثر توسط هنرمندی در حال مرگ نوشته شده باشد که هر حرکت دست برای او درد و رنج می آورد. اما حتی قبل از مرگش، ادوارد مانه یک مبارز واقعی باقی می ماند. او باید مسیر زندگی دشواری را طی می کرد تا اینکه زیبایی واقعی را که در تمام عمر به دنبال آن بود کشف کند و آن را در افراد عادی بیابد و در روح آنها ثروت درونی را پیدا کند که قلب خود را به آن بخشیده است.

شرح تصویر

این بوم یکی از معروف ترین کاباره های پاریس، پایان قرن نوزدهم را به تصویر می کشد. این مکان مورد علاقه هنرمند است.

چرا او اینقدر دوست داشت آنجا باشد؟ زندگی پر جنب و جوش پایتخت ترجیح مانه بر نظم روزمره آرام بود. او در این کاباره احساس بهتری نسبت به خانه داشت.

ظاهراً مانه طرح ها و جاهای خالی عکس را درست در نوار انجام داده است. این بار در طبقه همکف واریته شو بود. هنرمند در سمت راست صحنه نشسته بود و شروع به ساختن قسمت های خالی برای بوم کرد. پس از آن، او رو به خدمتکار و دوست خوبش کرد و از او خواست که در استودیوی خود برای او ژست بگیرد.

اساس ترکیب این بود که یک دوست مانه و یک خدمتکار، روبروی یکدیگر باشند. آنها باید علاقه زیادی به برقراری ارتباط با یکدیگر داشته باشند. طرح های یافت شده توسط مانه این ایده استاد را تأیید می کند.

اما مانه تصمیم گرفت صحنه را کمی مهم‌تر از آنچه که بود بسازد. در پس‌زمینه، آینه‌ای وجود داشت که انبوه مردمی را که بار را پر می‌کردند منعکس می‌کرد. جلوی همه این افراد، یک ساقی بود، او به فکر خودش بود، پشت پیشخوان بار. اگرچه در اطراف سرگرمی و سر و صدا وجود دارد، اما ساقی به ازدحام بازدیدکنندگان اهمیتی نمی دهد، او در افکار خود معلق است. اما در سمت راست می توانید ببینید، گویی انعکاس خودش، فقط او با یک بازدیدکننده صحبت می کند. چگونه آن را درک کنیم؟

ظاهراً عکس در آینه اتفاقات دقایق گذشته است، اما در واقعیت آنچه به تصویر کشیده شده این است که دختر به گفتگوی چند دقیقه پیش فکر کرده است.

اگر به بطری های روی میله سنگ مرمر نگاه کنید، متوجه خواهید شد که انعکاس آنها در آینه با اصل مطابقت ندارد. بازتاب ساقی نیز غیر واقعی است. او مستقیماً به بیننده نگاه می کند، در حالی که در آینه رو به مرد است. همه این ناهماهنگی ها بیننده را به این فکر می اندازد که آیا مانه دنیای واقعی را به تصویر می کشد یا خیالی؟

اگر چه تصویر در طرح بسیار ساده است، اما هر بیننده ای را وادار می کند که به چیزی فکر کند و به چیزی برای خود بیاندیشد. مانه تضاد بین جمعیتی شاد و دختری تنها را در میان جمعیت به نمایش گذاشت.

همچنین در تصویر می توانید جامعه ای از هنرمندان را با موزها، زیبایی شناسان و بانوانشان ببینید. این افراد در گوشه سمت چپ روی بوم هستند. یک زن دوربین دوچشمی در دست دارد. این نشان دهنده ماهیت جامعه ای است که می خواهد به دیگران نگاه کند و خود را در معرض آنها قرار دهد. در گوشه سمت چپ بالا می توانید پاهای آکروبات را ببینید. هم آکروبات و هم انبوه مردمی که در حال تفریح ​​هستند نمی توانند تنهایی و غم ساقی را روشن کنند.

تاریخ و امضای استاد بر روی برچسب یکی از بطری ها که در گوشه سمت چپ پایین قرار دارد نمایش داده می شود.

ویژگی این تابلوی مانه در معنای عمیق، نمادهای فراوان و پنهان کاری. معمولاً نقاشی های هنرمند در چنین ویژگی هایی تفاوتی نداشت. همین تصویر اعماق بسیاری از افکار انسان را منتقل می کند. در کاباره افراد با پیشینه ها و موقعیت های مختلف حضور دارند. اما همه مردم در آرزوی تفریح ​​و خوشگذرانی برابرند.

و شما چه فکر میکنید؟ برداشت شما از این نقاشی چیست؟