رنسانس - رنسانس ایتالیایی (نقاشی). تیتان ها و شاهکارهای فرهنگ رنسانس - مقاله هنر اوایل رنسانس ایتالیا
همان تکامل مجسمه سازی در نقاشی اوایل رنسانس می گذرد. هنرمندان قرن پانزدهم با غلبه بر انتزاع گوتیک تصاویر، توسعه بهترین ویژگی های نقاشی جوتو، مسیر گسترده ای از رئالیسم را آغاز کردند. نقاشی دیواری یادبود شکوفایی بی‌سابقه‌ای را تجربه می‌کند.
ماساچیو اخراج از بهشت، 1426-1427
کلیسای سانتا ماریا دل کارمین
کلیسای برانکاچی، فلورانس
اوچلو پرتره یک بانو، 1450
موزه متروپولیتن، نیویورک
کاستانو. پرتره یک لرد، 1446
گالری ملی، واشنگتن
ماساچیو اصلاح‌کننده نقاشی، که همان نقشی را در توسعه معماری برونلسکی و در مجسمه‌سازی - دوناتلو ایفا کرد، ماساچیو فلورانسی (1401–1428) بود که عمر کوتاهی داشت و آثار شگفت‌انگیزی از خود به جای گذاشت که در آن جستجو برای یک تعمیم یافت. تصویر قهرمانانه یک شخص، انتقالی صادقانه از محیط پیرامون، ادامه یافت. با بیشترین وضوح، این جستجوها خود را در نقاشی های دیواری کلیسای برانکاچی در کلیسای سانتا ماریا دل کارمین در فلورانس "معجزه با استاتر" و "اخراج از بهشت" (هر دو بین 1427-1428) نشان دادند.
ماساچیو از تزئینات و روایت کوچکی که بر نقاشی در نیمه دوم قرن چهاردهم حاکم بود، می شکند. با پیروی از سنت جوتو، هنرمند Masaccio بر روی تصویر یک شخص تمرکز می کند و انرژی و فعالیت خشن او و انسان گرایی مدنی را تقویت می کند. ماساچیو با معرفی پرسپکتیو هوایی برای اولین بار گامی تعیین کننده در یکپارچه سازی شکل و منظر برمی دارد. در نقاشی های دیواری ماساچیو، منطقه کم عمق - صحنه در نقاشی های جوتو - با تصویری از یک فضای عمیق واقعی جایگزین شده است. مدل سازی نور و سایه پلاستیکی چهره ها قانع کننده تر و غنی تر می شود، ساختار آنها قوی تر است، ویژگی های آنها متنوع تر است. و علاوه بر این، ماساچیو قدرت اخلاقی عظیم تصاویر را حفظ می کند که در هنر جوتو مجذوب خود می شود.
آنجلیکو مدونا فیزوله، 1430
صومعه سن دومنیکو، فیزوله
لیپی زن و مرد، دهه 1460
موزه متروپولیتن، نیویورک
دومنیکو مدونا و کودک
1437، گالری برنسون، فلورانس
مهمترین نقاشی‌های دیواری ماساچیو «معجزه با استاتر» است، یک ترکیب چند پیکره که طبق سنت، قسمت‌های مختلفی از این افسانه را در بر می‌گیرد که چگونه در ورودی شهر، از مسیح و شاگردانش خواسته شد تا پرداخت هزینه - یک استر (سکه)؛ چگونه به دستور مسیح، پطرس ماهی را در دریاچه صید کرد و در دهان آن یک استاتر یافت که آن را به نگهبان سپرد. هر دوی این قسمت های اضافی - گرفتن ماهی و ارائه استاتر - توجه را از صحنه مرکزی منحرف نمی کند - گروهی از رسولان وارد شهر می شوند. چهره های آنها با شکوه، عظیم، چهره های شجاع دارای ویژگی های فردی افراد از مردم است، در شخص راست افراطی، برخی از محققان پرتره ای از خود ماساچیو را می بینند. اهمیت آنچه اتفاق می افتد توسط حالت کلی هیجان مهار شده تأکید می شود. طبیعی بودن ژست ها، حرکات، معرفی یک موتیف ژانر در صحنه جستجوی پیتر برای یک سکه، منظره با دقت نقاشی شده به نقاشی دیواری شخصیتی سکولار و عمیقاً حقیقت می بخشد.
تفسیر صحنه "اخراج از بهشت" کمتر واقع گرایانه نیست، جایی که برای اولین بار در نقاشی رنسانس، چهره های برهنه به تصویر کشیده می شوند که با قدرت از نور جانبی الگوبرداری می شوند. حرکات، حالات چهره آنها بیانگر سردرگمی، شرم، پشیمانی است. اصالت و قانع‌کننده بودن تصاویر ماساچیو به ایده انسان‌گرایانه کرامت و اهمیت شخصیت انسان قدرت خاصی می‌بخشد. این هنرمند با جستجوهای نوآورانه خود راه را برای توسعه بیشتر نقاشی رئالیستی باز کرد.
اوچلو یک آزمایشگر در مطالعه و استفاده از پرسپکتیو، پائولو اوچلو (1397-1475)، اولین نقاش نبرد ایتالیایی بود. سه بار اوچلو ترکیب‌بندی‌های متنوعی با قسمت‌هایی از نبرد سن رومانو (اواسط دهه 1450، لندن، گالری ملی؛ فلورانس، اوفیزی؛ پاریس، لوور) داشت که با شور و شوق اسب‌ها و سواران رنگارنگ را در طیف گسترده‌ای از برش‌ها و پیچ‌ها به تصویر می‌کشید.
کاستانو. در میان پیروان ماساچیو، آندریا دل کاستانو (حدود 1421 - 1457) برجسته بود که نه تنها به شکل پلاستیکی و ساختارهای پرسپکتیو مشخصه نقاشی فلورانسی آن زمان، بلکه به مشکل رنگ نیز علاقه نشان داد. بهترین تصاویر خلق شده از این هنرمند بی ادب، شجاع، ناهموار طبیعتاً با قدرت قهرمانانه و انرژی غیرقابل مهار متمایز می شود. چنین هستند قهرمانان نقاشی های دیواری ویلا پاندولفینی (حدود 1450، فلورانس، کلیسای سانتا آپولونیا) - نمونه ای از راه حل یک موضوع سکولار. در زمینه‌های سبز و قرمز تیره، چهره‌های چهره‌های برجسته رنسانس خودنمایی می‌کنند، که از جمله آنها می‌توان به کاندوتی‌های فلورانس اشاره کرد: Farinata degli Uberti و Pippo Spano. دومی محکم روی زمین می ایستد، پاها را از هم باز کرده، زره پوشیده، با سر بدون پوشش، با شمشیری در دستانش. این یک فرد سرزنده، پر از انرژی دیوانه وار و اعتماد به توانایی های خود است. مدل سازی قدرتمند نور و سایه به تصویر قدرتی پلاستیکی می بخشد، بیانگر بودن، بر وضوح ویژگی های فردی تأکید می کند، پرتره ای واضح که قبلاً در نقاشی ایتالیایی دیده نشده است.
در میان نقاشی های دیواری کلیسای سانتا آپولونیا، شام آخر (1445-1450) به دلیل گستردگی و وضوح ویژگی هایش برجسته است. این صحنه مذهبی - غذای مسیح در محاصره شاگردان - توسط بسیاری از هنرمندان نقاشی شده است که همیشه از نوع خاصی از ترکیب بندی پیروی می کردند. از این نوع ساخت و ساز و کاستانو دور نشد. در یک طرف میز، واقع در امتداد دیوار، هنرمند حواریون را قرار داد. از جمله آنها در مرکز مسیح است. در طرف دیگر میز، چهره تنهای یهودای خائن نمایان است. و با این حال، کاستانو به نیروی تأثیرگذار و نوآورانه آهنگسازی خود دست می یابد. این با شخصیت واضح تصاویر، ملیت انواع رسولان و مسیح، درام عمیق بیان احساسات، طرح رنگ غنی و متضاد تأکید شده تسهیل می شود.
آنجلیکو زیبایی تصفیه شده و خلوص هارمونی های رنگی درخشان، که جلوه تزئینی خاصی را در ترکیب با طلا به دست می آورد، هنر فرا بیتو آنجلیکو (1387–1455) پر از شعر و افسانه را مجذوب خود می کند. روحی عرفانی که با دنیای ساده انگارانه عقاید دینی پیوند خورده است، با شعر یک داستان عامیانه دمیده شده است. تصاویر نافذ تاج گذاری مریم (حدود 1435، پاریس، لوور)، نقاشی های دیواری صومعه سن مارکو در فلورانس، که توسط این هنرمند عجیب و غریب - یک راهب دومینیکن ایجاد شده است، روشن شده است.
دومنیکو ونزیانو. مشکلات رنگی همچنین دومینیکو ونزیانو (حدود 1410-1461)، اهل ونیز را که عمدتاً در فلورانس کار می کرد، جذب کرد. تصنیف های مذهبی او (ستایش مجوس، 1430-1440، برلین-داهلم، گالری هنری)، ساده لوحانه و افسانه آمیز در تفسیر خود از موضوع، هنوز هم نشان از سنت گوتیک. ویژگی‌های رنسانس به وضوح در پرتره‌هایی که او خلق می‌کرد نمود پیدا کرد. در قرن پانزدهم، ژانر پرتره اهمیت مستقلی پیدا کرد. ترکیب پروفایل، با الهام از مدال های عتیقه و امکان تعمیم و تجلیل تصویر شخصی که به تصویر کشیده می شود، گسترده شده است. یک خط دقیق نمایه مشخصه واضحی را در "پرتره یک زن" ترسیم می کند (اواسط قرن 15، برلین-دالم، گالری هنری). این هنرمند به یک شباهت مستقیم زنده و در عین حال یک وحدت رنگی ظریف در هماهنگی نور، رنگ های درخشان، شفاف، مطبوع و نرم کننده خطوط دست می یابد. این نقاش اولین کسی بود که استادان فلورانسی را با تکنیک رنگ روغن آشنا کرد. دومنیکو ونزیانو با معرفی لاک ها و روغن ها، خلوص و غنای رنگ های بوم های خود را افزایش داد.
هنر ایتالیایی دائماً در امتداد یک خط صعودی، از سطح پایین تر به سطح بالاتر، توسعه نمی یافت. خط توسعه فرهنگی در دوران رنسانس پیچیده تر و انعطاف پذیرتر بود. در طول سه قرن، با حرکت بی امان رو به جلو، چندین صعود برجسته شد. رادیکال ترین آنها در قرن پانزدهم در ایتالیا رخ داد. این دوره از رنسانس اولیه است که با شدت فوق العاده ای از جستجو مشخص شده است. کانون نوآوری در تمام اشکال هنر در این زمان، مانند زمان جوتو، فلورانس بود. فعالیت بنیانگذاران اوایل رنسانس در اینجا صورت گرفت: نقاش ماساچیو، مجسمه ساز دوناتلو، معمار برونلسکی.
یکی از مهمترین دستاوردهای هنر کواتروسنتو که دارای اهمیت تاریخی بود، دکترین پرسپکتیو بود.چشم انداز - این تصویری از اجسام مطابق با تغییر ظاهری در اندازه و شکل آنها است که به دلیل درجه دوری آنها از بیننده است. اولین تلاش ها برای ساختن پرسپکتیو قبلاً در یونان باستان مورد استفاده قرار گرفت، اما در شکل کلاسیک آن، همانطور که از نظر علمی اثبات شد، پرسپکتیو توسط استادان کواتروسنتو ایتالیایی توسعه داده شد. فیلیپو برونلسکی اولین کسی بود که قوانین آن را کشف کرد و به این ترتیب یک برنامه توسعه جدید برای تمام هنرهای فلورانسی ایجاد کرد.
برونلسکی یک نتیجه گیری قاطع برای هنرهای زیبا انجام داد: اگر پرتوهای مستقیمی که از یک نقطه انتخاب شده در فضا به جسم تصویر شده می رسد توسط یک صفحه عبور داده شود، یک طرح دقیق از این شی در این صفحه به دست می آید. به احتمال زیاد، مطالعه قوانین نوری برونلسکی با مطالعه ویرانه‌های رومی انجام شد که او با دقت اندازه‌گیری و کپی کرد.
یکی از دوستان برونلسکی، مجسمه‌ساز دوناتلو، پرسپکتیو خطی را در نقش برجسته‌های مجسمه‌سازی به کار برد."نبرد St. جورج با اژدها" ، 1416)، دستیابی به تصوری از عمق فضایی. Ma-zaccio معاصر آنها از این کشف در نقاشی (فرسکو"ترینیتی" ، 1427). سرانجام، معمار و نظریه پرداز هنر آلبرتی در رساله نقاشی خود (1435) توسعه نظری مفصلی از قوانین پرسپکتیو ارائه کرد.
گرایش های جدید در هنرهای تجسمی ابتدا خود را درمجسمه سازی . قبلاً عمدتاً در فضای داخلی متمرکز شده بود ، اکنون در نمای کلیساها و ساختمانهای عمومی ، در میادین شهر اجرا می شود و دیگر از معماری پیروی نمی کند.
نقطه شروع تاریخ مجسمه سازی اولیه رنسانس به طور سنتی سال 1401 در نظر گرفته می شود، زمانی که جواهرساز جوان لورنزو گیبرتی در رقابت مجسمه سازانی که برای حق ساخت درهای برنزی غسل تعمید فلورانس رقابت می کردند، برنده شد. . گیبرتی از مجسمه سازان برجسته زمان خود بود. او صاحب یکی از مشهورترین آثار اوایل رنسانس است - دومین درهای شرقی غسل تعمید که بعدها توسط میکل آنژ "دروازه های بهشت" نامیده شد. نقش برجسته آنها به موضوعات عهد عتیق اختصاص دارد.
درخشان ترین مجسمه ساز کواتروچنتو دوناتو دی نیکولو دی بتو بردی بود که با نام دوناتلو (1386-1466) وارد تاریخ فرهنگ جهان شد. او یکی از جسورترین اصلاح طلبان هنر ایتالیایی است. یکی از دستاوردهای اصلی دوناتلو احیای مجسمه گرد ایستاده بود. توسط او اعدام شدمجسمه دیوید پیروز (فلورانس) اولین مجسمه رنسانس بود که با معماری مرتبط نبود و از تنگی طاقچه رها شد و از همه طرف قابل دسترسی بود. دوناتلو با خلق تصویری از چوپان افسانه ای که جالوت غول پیکر را شکست داد، که برای بسیاری از جمهوری های شهر ایتالیا به نماد آزادی تبدیل شد، دوناتلو به دنبال نزدیک شدن به نمونه های بزرگ هنرهای پلاستیکی باستانی بود. داوود او مانند یک قهرمان باستانی برهنه ارائه شده است. حتی یک مجسمه‌ساز دوره رنسانس نیز این اختیار را نداشته است که شخصیت کتاب مقدسی را به این شکل نشان دهد.
یکی دیگر از ساخته های معروف دوناتلو، بنای یادبود فرمانده شجاع اراسمو دی نارنی، با نام مستعار گاتاملاتا ("گربه حیله گر") است. مردی از مردم، اراسمو، با قدرت ذهن، استعداد خود، خالق سرنوشت خود شد، به یک دولتمرد برجسته تبدیل شد. و مجسمه ساز با حفظ شباهت پرتره، تصویری کلی از مرد زمان جدید را نشان داد، گویی سخنان پترارک را تأیید می کند: "خون همیشه یک رنگ است. انسان بزرگوار با اعمالش خود را بزرگ می کند.
جذابیت سنت های باستانی حتی گسترده تر بودمعماری . طرح ها و اندازه گیری های سازه های روم باستان، مطالعه رساله ویترویوس، در آغازXVقرن ها، به جایگزینی سریع فرم های گوتیک با آنتیک کمک کرد. نظم باستانی احیا شده و خلاقانه بازاندیشی می شود که تناسب و هماهنگی منطقی را در معماری زمان جدید به ارمغان می آورد. اگر دیدن کلیسای جامع گوتیک در حال حاضر به دلیل اندازه غول پیکر آن دشوار است، بناهای دوره رنسانس، همانطور که بود، با یک نگاه پوشیده شده اند. آنها با تناسب شگفت انگیز متمایز می شوند.
اولین بنای مهم معماری رنسانس - ساخته شده توسط برونلسکیگنبد کلیسای جامع سانتا ماریا دل فیوره در فلورانس از نظر اندازه، فقط کمی کمتر از گنبد پانتئون رومی است، اما بر خلاف آن، نه بر روی یک گرد، بلکه بر روی یک پایه هشت ضلعی قرار دارد.
همزمان با ساخت گنبد، برونلسکی ساخت یتیم خانه را هدایت می کند.خانه آموزشی . این اولین بنای سبک رنسانس است که از نظر ساختار، وضوح ظاهر و سادگی فرم بسیار نزدیک به بناهای باستانی است. قابل توجه ترین چیز در مورد آن نما است که با رواقی به شکل ایوان قوسی تزئین شده است. رواق در تمام عرض ساختمان باز می شود و جلوه ای از وسعت و آرامش ایجاد می کند و غلبه خطوط افقی را تقویت می کند. نتیجه، ساختمانی است که کاملاً مخالف آرزوی گوتیک به آسمان است. فقدان تزئینات مجسمه ای غنی که مشخصه کلیساهای گوتیک است نیز جدید است.
نوع ایوان مورد استفاده در یتیم خانه با طاق های نیم دایره ای و ستون های نازک با فاصله وسیع بعدها در معماری دوره رنسانس تثبیت شد.پالازو .
کاخ یک قصر-عمارت شهری است که در آن افراد ثروتمند زندگی می کردند. معمولا این یک ساختمان سه طبقه رو به خیابان است. طبق نقشه آنها، کاخ به میدانی نزدیک شد که در مرکز آن حیاطی بود که توسط گالری های قوسی احاطه شده بود.
رنگ آمیزی Quattrocento ایتالیایی با Masaccio (1401-1428، نام واقعی Tommaso di Giovanni di Simone Cassai) شروع می شود. ماساچیو یکی از مستقل ترین و ثابت ترین نابغه های تاریخ هنر اروپا بود. او مانند بسیاری دیگر از هنرمندان این دوره در زمینه نقاشی یادبود فعالیت می کرد که با تکنیک فرسکو بر روی دیوارها اجرا می شد. ماساچیو در ادامه جست‌وجو برای جوتو، اصالت بی‌سابقه‌ای به این تصاویر داد.
نقاشی های دیواری اوج کار اوست.کلیسای برانکاچی کلیسای سانتا ماریا دل کارمین در فلورانس. آنها داستان پیتر رسول و همچنین داستان کتاب مقدس "اخراج از بهشت" را ارائه می دهند که با قدرت نمایشی استثنایی تفسیر شده است.
همه چیز در این نقاشی های دیواری مملو از تأثیرگذاری خاص، قدرت حماسی، قهرمانی است. همه چیز به طور تاریخی تأکید می شود: به نظر نمی رسد هنرمند فرم ها را ترسیم کند، بلکه آنها را با کمک کیاروسکورو مجسمه سازی می کند و به یک نقش برجسته تقریباً مجسمه ای دست می یابد. نمونه فوق العاده ای از شیوه خلاقانه Masaccio می تواند خدمت کند"معجزه با استاتر" (داستانی در مورد سکه ای که به طور معجزه آسایی در دهان ماهی پیدا شد و دسترسی مسیح و شاگردانش را به شهر کپرناحوم باز کرد).
سرنوشت ظهور یک نابغه را در سن 27 سالگی کوتاه کرد، اما آنچه او توانست انجام دهد او را به عنوان بنیانگذار یک هنر جدید به شهرت رساند. پس از مرگ ماساچیو، کلیسای برانکاچی به مدرسه همه نقاشان بعدی تبدیل شد و به زیارتگاه تبدیل شد.
ماساچیو، برونلسکی، دوناتلو در تلاش خود تنها نبودند. در همان زمان، بسیاری از استادان اصلی در شهرهای مختلف ایتالیا کار کردند: فرا آنجلیکو، پائولو اوچلو، پیرو دلا فرانچسکا، آندره آ مانتنیا.
با پایان کواتروسنتو، ماهیت آرزوهای نقاشی ایتالیایی به طور قابل توجهی تغییر می کند: مطالعه چشم انداز، نسبت ها در پس زمینه محو می شوند، در حالی که مطالعه طبیعت انسان به منصه ظهور می رسد. به دنبال ادبیات و شعر، نقاشی زندگی شدید روح، حرکت احساسات را آشکار می کند. این به توسعه ژانر پرتره و نوع جدید آن در یک چرخش سه ربع کمک می کند و نه مانند قبل.
هنرمندی که ایده های هنری جدید در آثارش هماهنگ ترین بیان را پیدا کرد، بودساندرو بوتیچلی (1445-1510، نام واقعی الساندرو فیلیپی).
بوتیچلی نماینده مکتب نقاشی فلورانس است. او به دربار لورنزو مدیچی نزدیک بود. یک سیاستمدار و دیپلمات با استعداد، فردی با تحصیلات عالی، شاعری با استعداد، عاشق ادبیات و هنر که توانسته بسیاری از انسان‌گرایان، شاعران و هنرمندان بزرگ را به خود جذب کند.
بوتیچلی که با حلقه‌ای از محققان فلورانسی مرتبط بود، با کمال میل در آثارش به برنامه‌های شاعرانه‌ای که توسط آنها تنظیم می‌شد تکیه کرد. آنها با الهام از دوران باستان و شعر رنسانس، ماهیت تمثیلی داشتند. تصویر زهره، تجسم عشق به عنوان بالاترین احساسات انسانی، نقش ویژه ای در آنها داشت.
زهره تصویر مرکزی نقاشی هایی است که بوتیچلی را تجلیل می کنند:"بهار"و "تولد زهره". در این ترکیبات اساطیری بود، جایی که عشق حاکم است، جذابیت اسرارآمیز آرمان زیبایی بوتیسل شکوفا شد. در این زیبایی یک پالایش خاص، بی دفاعی شکننده وجود دارد. و در عین حال، نیروی درونی عظیمی، قدرت زندگی معنوی، در آن نهفته است.
همان ثروت دنیای درونی یک فرد با پرتره های هنرمند به بیننده نشان داده می شود: "پرتره یک جواهرساز" ، "جولیانو مدیچی" و دیگران.
عمیق ترین تجربیات شخصی مرتبط با زندگی اجتماعی فلورانس در پایانXVقرن ، تراژدی بالای آثار بعدی بوتیچلی را شناسایی کرد: "مرثیه مسیح"، "رها شده".
در ثلث پایانی قرن پانزدهم، همراه با مکتب فلورانس، مدارس هنری در اومبریا (پینتوریکیو)، ونیز (جنتیل و جووانی بلینی، کارپاچیو)، فرارا، لمباردی راه اندازی شد و با این حال فلورانس همچنان مرکز فرهنگی پیشرو ایتالیاست. . در اینجا، در دهه 1470، فعالیت خلاقانه لئوناردو داوینچی آغاز شد، میکل آنژ در اینجا به دنیا آمد و بزرگ شد و با ایجاد مجسمه داوود به عنوان اولین هنرمند به شهرت رسید (آن را به عنوان نمادی از فلورانس در مقابل کاخ Signoria قرار دادند. ). فلورانس همچنین نقش بزرگی در رشد خلاق رافائل ایفا کرد، که در اینجا مجموعه گسترده ای از مدونای خود را نوشت (زمانی که او به فلورانس رسید، لئوناردو و میکل آنژ هر دو در آنجا کار می کردند). کار این استادان درخشان، همراه با هنر برامانته، جورجیونه، تیتیان، دوره رنسانس عالی را مشخص کرد.
مدیچی خانواده ای از بانکداران ثروتمند هستند کهXVقرن، در واقع، متعلق به قدرت در فلورانس بود.
قیام مردمی علیه مدیچی ها به رهبری راهب دومینیکن ساوونارولا، حمله شدید طرفداران ساوونارولا به «پلیدگی گناه آلود» فرهنگ سکولار و سرانجام تکفیر ساوونارولا از کلیسا و مرگ او در خطر.
بوتیچلی با تجربه تأثیر قوی ساوونارولا، از مرگ او شوکه شد.
رنسانس تغییرات بزرگی در هنر نقاشی ایجاد کرد. هنرمندان بر توانایی انتقال ظریف نور و سایه مسلط شده اند، فضا، ژست ها و ژست های شخصیت هایشان طبیعی شده است. آنها با مهارت زیادی احساسات پیچیده انسانی را در نقاشی های خود به تصویر می کشیدند.
در نقاشی‌های رنسانس اولیه یا کواتروسنتو (قرن پانزدهم)، نت‌های اصلی معمولاً به صدا در می‌آیند. با رنگ‌های خالص متمایز می‌شود، شخصیت‌ها با خطوط تیره که آنها را از پس‌زمینه و پس‌زمینه‌های روشن جدا می‌کند، ردیف و مشخص می‌شوند. تمام جزئیات بسیار دقیق و دقیق است. اگرچه نقاشی کواتروسنتو هنوز به اندازه هنر رنسانس عالی و اواخر رنسانس کامل نیست، اما با خلوص و صمیمیت خود بیننده را تا حد زیادی لمس می کند.
اولین نقاش مهم رنسانس اولیه ماساچیو بود. اگرچه این هنرمند تنها 28 سال زندگی کرد، اما توانست سهم قابل توجهی را نه تنها در نقاشی رنسانس، بلکه در تمام هنرهای جهان به جای بگذارد. نقاشی های او با رنگ های عمیق متمایز می شوند، چهره ها متراکم و به طرز شگفت انگیزی زنده به نظر می رسند. Masaccio به خوبی چشم انداز و حجم را منتقل می کند، دارای جلوه های کیاروسکورو است. او اولین نقاش رنسانس اولیه بود که بدن برهنه انسان را به تصویر کشید و قهرمانان خود را زیبا و قوی و شایسته احترام و تحسین معرفی کرد. بعدها، استادان بزرگ رنسانس عالی مانند لئوناردو داوینچی، میکل آنژ و رافائل بر روی آثار ماساچیو ("اخراج از بهشت"، "معجزه با هزینه") مطالعه کردند.
در این دوره، بسیاری از هنرمندان شگفت انگیز آثار خود را خلق کردند. پائولو اوچلو در فلورانس کار می‌کرد که صحنه‌های جنگ را نقاشی می‌کرد و به دلیل توانایی‌اش در به تصویر کشیدن اسب‌ها و سواران در زوایای پیچیده و ژست‌ها مشهور بود. جورجیو وازاری، هنرمندی متوسط و زندگی‌نامه‌نویس و مورخ هنر برجسته که در قرن شانزدهم زندگی می‌کرد، گفت که اوچلو نمی‌توانست هفته‌ها و حتی ماه‌ها خانه‌اش را ترک کند و سخت‌ترین مشکلات چشم‌اندازی را که با آن روبرو بود حل کرد. به عزیزانش که از او التماس می‌کردند که این مطالعات را قطع کند، پاسخ داد: مرا رها کن، چیزی شیرین‌تر از چشم‌انداز نیست.
فیلیپو لیپی نقاش در فلورانس کار می کرد. او در جوانی راهب صومعه برادران کارملیت بود، اما به زودی آن را ترک کرد و خود را وقف نقاشی کرد. در مورد زندگی او افسانه های زیادی وجود دارد. آنها می گویند که کل فلورانس امور عشقی راهب سابق را با علاقه دنبال می کرد. این هنرمند همسر آینده خود، لوکرزیا بوتی را از صومعه ربود. در آینده ، او بیش از یک بار او را در تصویر مدونا نوشت ("تاج گذاری مریم" ، 1447؛ "مدونا زیر حجاب"). نقاشی های فیلیپو لیپی فقط به طور رسمی با مضامین مذهبی مرتبط است: آنها از درام و ترحم خالی هستند ، هیچ عظمت و یادبودی در آنها وجود ندارد. در عین حال، فرشته های شاداب با موهای مجعد، کودکان زیبا و زنان دوست داشتنی با جذابیت خود بیننده را مجذوب خود می کنند. این هنرمند با مهارت بسیار، مناظر جنگلی دنج و با طراوت را نقاشی می کند که پس زمینه صحنه های کتاب مقدس است. در میان معاصران، آثار فیلیپو لیپی بسیار محبوب بود؛ او هنرمند مورد علاقه کوزیمو دی مدیچی، که در آن زمان حاکم فلورانس بود، بود.
در همان زمان، یک استاد فلورانسی دیگر، راهب دومینیکن و راهب صومعه سن مارکو، فرا بیتو آنجلیکو، کار کرد که آثارش سرشار از احساس عمیق مذهبی است. تمام زندگی من فرا
آنجلیکو به ایجاد آیکون ها و نقاشی های دیواری برای صومعه ها اختصاص یافته است. نقاشی او با رنگ های روشن و خالص، تذهیب درخشان متمایز می شود. به نظر می‌رسد که پیکره‌های گوتیکی کشیده مدون‌های او معنوی شده و از هر چیز زمینی جدا شده‌اند. یکی از بهترین آثار فرا آنجلیکو، ترکیب محراب «تاج گذاری مریم» (حدود 1435-1436) است. مادر خدای او مظهر شاعرانه، زنانگی ناب، شادی آور و آرام است. در نقاشی استاد فلورانسی عرفان غم انگیزی وجود ندارد. حتی در محراب چند پیکره با موضوع آخرین داوری در سمت چپ، هنرمند بهشتی سعادتمند را با چهره هایی از فرشتگان شاد در لباس های زیبا به تصویر کشید.
در این زمان، رنگ‌های روغنی در هلند اختراع شد که به نقاشان اجازه می‌داد تا انتقال رنگ را ظریف‌تر انجام دهند و آزادانه‌تر از نور برای احیای رنگ استفاده کنند. آنها همچنین به دستیابی به یک تن رنگی کمک کردند. دومینیکو ونزیانو، نماینده مکتب فلورانسی، ونیزی الاصل، اولین هنرمند ایتالیایی بود که با رنگ روغن نقاشی کرد. قبلاً در کارهای اولیه او ("ستایش مجوس" ، 1434) استعداد رنگارنگی هنرمند به وضوح آشکار شده است. رنگ های خالص و تقریبا شفاف، اشباع شده با نور، یک محدوده تونال واحد را تشکیل می دهند. آثار بعدی با انتقال عالی محیط نور-هوا شگفت زده می شود - اعتقاد بر این است که دومینیکو ونزیانو یکی از اولین کسانی بود که آن را بر روی بوم های خود به تصویر کشید.
مهارت نقاش به ویژه در پرتره های معروف فلورانسی دومنیکو ونزیانو به طور کامل بیان شد.
بیشتر اوقات، او چهره زنان را در نمایه (اسم اکثر مدل ها مشخص نیست) در برابر آسمان یا منظره نقره ای به تصویر می کشید. هنرمند در تلاش برای تمیزتر و روشن تر کردن رنگ ها، روغن بذر کتان را به آنها اضافه کرد.
دستاوردهای دومینیکو ونزیانو توسط شاگرد و پیرو او پیرو دلا فرانچسکا، که توسط معاصرانش به عنوان "سلطان نقاشی" شناخته می شد، توسعه یافت. او که اهل توسکانی بود و در فلورانس کار می کرد، آثار جوتو، ماساچیو و پائولو اوچلو را مطالعه کرد. نقاشی هلندی نیز بر او تأثیر داشت. پیرو دلا فرانچسکا نه تنها یک هنرمند، بلکه یک محقق مشهور هنر نیز رساله های نظری - "درباره دیدگاه در نقاشی" و کتابچه "درباره پنج بدن صحیح" نوشت.
آثار پیرو دلا فرانچسکا با ترکیب شفاف و دقیق، انتقال ماهرانه نور و هوا، رنگ‌های تمیز و تازه متمایز می‌شوند. شخص در نقاشی هایش از آن تضاد درونی که بعداً در نقاشی اواخر رنسانس و باروک ظاهر می شود خالی است. قهرمانان پیرو دلا فرانچسکا آرام، باشکوه و شجاع هستند. این خصوصیات ذاتی در تصاویر دوک و دوشس اوربینو - فدریگو دا مونتفلترو و همسرش، باتیستا اسفورزا، در پرتره جفت معروف است.
فرمانده، سیاستمدار و بشردوست، حاکم اوربینو فدریگو دا مونتفلترو از دوستان نزدیک این هنرمند بود. پیرو دلا فرانچسکا دوک را در نقاشی معروف دیگری به تصویر کشید - "مدونا با قدیسان و فرشتگان و مشتری فدریگو دا مونتفلترو".
پیرو دلا فرانچسکا که کاملاً قادر به انتقال چشم انداز بود، ودوتا معماری باشکوهی نوشت (veduta - تصویری از "شهر ایده آل") که تأثیر زیادی بر کار معماران معاصر داشت.
در دوران رنسانس عالی، هنر پیرو دلا فرانچسکا منسوخ به نظر می رسید و پاپ از رافائل دعوت کرد تا دیوارهای واتیکان را که با نقاشی های دیواری پیرو دلا فرانچسکا پوشانده شده بود، نقاشی کند. رافائل موافقت کرد و استادانه با کار کنار آمد.
واضح‌ترین ایده‌آل‌های هنری کواتروچنتو متاخر توسط استاد مکتب نقاشی اومبریا، پیترو پروژینو، ارائه شد. نقاشی آرام، متفکرانه و تغزلی او مملو از تصاویر شکننده و برازنده است که توسط مناظر تپه ای شاعرانه Umbria احاطه شده است. هماهنگی واضح نقاشی های پروژینو، نقاشی او را به هنر رنسانس عالی نزدیک می کند ("مرثیه مسیح"، حدود 1494-1495؛ "مدونا با مقدسین، 1496). نقاش
تأثیر زیادی بر شاگردش - رافائل معروف - داشت.
تقریباً در تمام شهرهای ایتالیا یک مدرسه هنری وجود داشت که شخصیت خاص خود را داشت.
اما همه آنها به دنبال این بودند که در هنر خود زیبایی زمین و انسان را نشان دهند. در این دوره یکی از مهمترین مراکز فرهنگی پادوا با دانشگاه معروف آن بود. در این شهر در قرن پانزدهم. فرانچسکو اسکواریونه، خبره هنر زندگی می کرد. او سکه‌های باستانی، مدال‌ها، تکه‌هایی از نقش برجسته‌ها را در مجاورت پادوآ و همچنین دورتر از شهر جمع‌آوری کرد. شور و شوق او به نقاشان، مجسمه سازان، زرگران پادوآیی منتقل شد که او را احاطه کرده و او را معلم خود می دانستند.
Squarcione نقاش بزرگ آندره آ مانتنیا را بزرگ کرد که در یک پسر ده ساله به خانه او آمد. کار Mantegna که عمر طولانی داشت، به طور غیرمعمول چند وجهی است: او علاوه بر نقاشی و حکاکی، به هندسه، اپتیک و باستان شناسی علاقه داشت. نقاش که در خانه Squarcione عاشق هنر روم باستان شده بود (در دوران رنسانس در ایتالیا هنوز از هنر یونان باستان اطلاعی نداشتند) ، این نقاش از تصاویر خود در آثار خود استفاده کرد و به آنها ویژگی های قهرمانانه-عاشقانه داد. قدیسان، فرمانروایان، جنگجویان او، که در پس زمینه یک منظره صخره ای تاریک نقاشی شده اند، احساس عظمت و قدرت می دهند. بسیاری از آثار مانتنیا با درام عمیق نفوذ کرده است. چنین آهنگ معروف او "مسیح مرده" است که با احساسات خود معاصران را تحت تأثیر قرار داد.
Mantegna همچنین به عنوان یک حکاکی با استعداد مس مشهور شد. او اولین کسی بود که قلم زنی را شکلی برابر از هنرهای زیبا ساخت.
نقاشی پروتو-رنسانس در آثار بوتیچلی به اوج خود رسید.
ساندرو بوتیچلی
اطلاعات زیادی در مورد زندگی ساندرو بوتیچلی و تاریخچه خلق آثار او که بعدها به مروارید هنرهای زیبای جهان تبدیل شدند به دست ما نرسیده است. منتقدان و مورخان هنر تنها از برخی حقایق از زندگینامه استاد بزرگ مطلع شده اند.
بوتیچلی در سال 1444 به دنیا آمد. او نقاشی را در کارگاه هنری فیلیپو لیپی آموخت. آثار اولیه بوتیچلی با تأثیر هنر لیپی و همچنین ایده های شکل گرفته در دربار لورنزو د مدیچی مشخص شده است. با این حال، با اطمینان بسیار می توان گفت که تصاویر خلق شده توسط این هنرمند بزرگ از آثار نقاشانی که زیر نظر مدیچی ها کار می کردند، حجیم تر و پرمعناتر بود.
پرتره های اولیه بوتیچلی دارای ردپایی از تأثیر سبک نقاشی فیلیپو لیپی و همچنین آندره آ وروکیو و پولائولو است. در آثار بعدی، فردیت استاد خود را عمیق‌تر نشان می‌دهد. بنابراین، بوم معروف The Adoration of the Magi اعضای خانواده مدیچی و یک پرتره از خود هنرمند را به تصویر می کشد. این ترکیب با غنا، روشنایی و در عین حال لطافت رنگ ها، و همچنین لطف و سبکی ظریف متمایز می شود. تصاویر خلق شده توسط بوتیچلی مملو از غزل و زیبایی خارق العاده ای است که از اعماق روح می آید.
در دهه 70. قرن 15 اولین نقاشی بوتیچلی ظاهر می شود که نقاش را در بین معاصران خود شهرت زیادی به ارمغان آورد و قرن ها یاد استاد را به یادگار گذاشت. این بوم "بهار" است که اکنون در گالری اوفیزی در فلورانس نگهداری می شود. این اثر پس از خواندن یکی از شعرهای پولیزیانو توسط هنرمند نوشته شد. تصاویر - تمثیل ها در پس زمینه یک منظره جنگلی شگفت انگیز ارائه شده است. مانند بهشت، باغ با غیرمعمول بودن و زیبایی غیرمعمول خود شگفت زده می شود. جایگاه مرکزی در ترکیب به زهره داده شده است. در سمت راست آن فلور است که گل های افسانه ای را پراکنده می کند، در سمت چپ - رقصان لطف، نور و هوا، شبیه به ابرهای سفید و تقریبا شفاف. پویایی دقیقاً به دلیل تصویر فیض ها در حال حرکت در یک رقص گرد ایجاد می شود.
کل تصویر با زیبایی و لطافت فوق العاده متمایز می شود. علیرغم اینکه نام آن "بهار" است، با نگاه کردن به تصویر، احساس اندوه جزئی ایجاد می شود که ما عادت به شناسایی بهار با آن نداریم. در ذهن هر شخصی، بهار تجدید جهان، شادی، لذت است. از سوی دیگر، بوتیچلی در حال بازاندیشی در مورد تصاویر شناخته شده و پذیرفته شده عمومی است.
در سال 1481 ساندرو بوتیچلی به رم رفت و در آنجا دیوارهای کلیسای سیستین را نقاشی کرد. از دیگر نقاشی های دیواری قلم موی او، «زندگی موسی» معروف است.
در سال 1482 این هنرمند دوباره در فلورانس ساکن شد. مورخان هنر و زندگی نامه نویسان، امسال را پربارترین سال برای شکل گیری و پیشرفت کار استاد نقاش می دانند. پس از آن بود که بوم معروف "تولد زهره" ظاهر شد که اکنون در گالری اوفیزی در فلورانس است.
هیچ تصویر مسطحی در تصویر وجود ندارد - بوتیچلی در اینجا به عنوان استاد انتقال خطوط فضایی عمل می کند.
آنها هستند که تصور عمق و حجم را ایجاد می کنند که برای نشان دادن پویایی حرکات شخصیت ها در روایت تصویری طراحی شده است. رنگ‌های پاستلی روشن بوم و ترکیب ماهرانه رنگ‌ها (آب‌های سبز شفاف دریا، شنل آبی گل ختمی، موهای طلایی ناهید، شنل قرمز تیره در دستان پوره) حس لطافت و سخن گفتن فوق‌العاده‌ای را ایجاد می‌کنند. از حس ظریف رنگ هنرمند.
شخصیت مرکزی این ترکیب زهره است که به تازگی از آب های دریای آبی بیرون آمده است. او برهنه است. با این حال، به لطف نگاه آرام و معنوی او، بیننده احساس ناهنجاری ندارد. الهه زیباست، به همان زیبایی که موجودی غیرزمینی که از بهشت فرود آمده است. تصویر زهره را می توان به راحتی بر روی بوم های ساخته شده توسط بوتیچلی بر اساس نقوش معروف کتاب مقدس تشخیص داد. در میان نقاشی‌هایی که محتوای مذهبی دارند، برجسته‌ترین آنها مدونا بر تخت نشسته (1484) و مدونا در شکوه (Magnificat) هستند.
هر دو در حال حاضر در گالری اوفیزی در فلورانس هستند. "Madonna in Glory" با غزلیات ظریف تصاویر متمایز می شود. پویایی ترکیب به لطف شکل گرد تصویر ایجاد می شود که ریتم های آن تکرار می شود.
در چینش فیگورهای متحرک منظره ای که در پس زمینه ترکیب آورده شده است، حجم و فضا را ایجاد می کند.
آثار پرتره این نقاش بزرگ نیز به طرز غیرمعمولی زیبا و غنایی هستند. از جمله آنها، مورد توجه خاص هستند
پرتره جولیانو مدیچی و "پرتره یک جوان". با این حال، در حال حاضر، برخی از مورخان هنر، تألیف آخرین اثر را به شاگرد ساندرو بوتیچلی، فیلیپینو لیپی (پسر فیلیپو لیپی) نسبت می دهند.
دهه 90 قرن 15 نقطه عطفی برای این هنرمند شد. این زمان با اخراج مدیچی ها و به قدرت رسیدن مشخص می شود
ساوونارولا که هدفش تقبیح پاپ و خانواده‌های ثروتمند فلورانسی بود. او
او همچنین از هنر سکولار انتقاد کرد و به گفته ساوونارولا، همه هنرمندان و شاعران پس از مرگ در انتظار جهنم آتشین بودند. برای پرهیز از این، باید هنر را ترک کرد و از گناهان توبه کرد...
این موعظه ها به طور قابل توجهی بر جهان بینی بوتیچلی تأثیر گذاشت که نمی توانست بر کار او تأثیر بگذارد. آثار نقاش که در این دوره خلق شده اند، با بدبینی عمیق غیرمعمول، ناامیدی و عذاب متمایز می شوند. نویسنده اکنون به طور فزاینده ای به موضوعات مسیحی روی آورده و دوران باستان را فراموش کرده است. اثر مشخص بوتیچلی در این زمان زن رها شده است که اکنون در مجموعه Pallavicini در رم نگهداری می شود. طرح تصویر بسیار ساده است: زنی گریان روی پله های سنگی مقابل دیواری با دروازه های محکم بسته نشسته است. اما با وجود سادگی محتوا، تصویر بسیار گویا است و حال و هوای دلگیر، غم انگیز و دلخراشی را در بیننده ایجاد می کند.
در دهه 1490 قرن 15 تصاویر بوتیچلی برای کمدی الهی دانته ظاهر می شود. تنها 96 طراحی تا به امروز باقی مانده است که اکنون در موزه های برلین و واتیکان هستند. همه تصاویر طرح ها به طور غیرمعمولی شکننده، مطبوع و سبک هستند که مشخصه همه کارهای بوتیچلی است.
در همان دهه 90. استاد بزرگ بوم "تهمت" را خلق کرد که در گالری اوفیزی در فلورانس ذخیره شده بود. تصویر به این دلیل قابل توجه است که نحوه نوشتن در اینجا تا حدودی در حال تغییر است. خطوطی که تصاویر را ایجاد می کنند واضح تر و تیزتر می شوند. این ترکیب مملو از رقت، احساسات و اطمینان بیشتر در مقایسه با سایر آثار، تصاویر است.
اوج تجلی تعصب مذهبی این هنرمند تابلویی به نام «مرثیه مسیح» بود. در حال حاضر انواعی از این بوم در موزه پولدی پتزولی در میلان و Alte Pinakothek در مونیخ نگهداری می شود. در اینجا تصاویری از نزدیکان مسیح وجود دارد که مملو از اندوه و اشتیاق عمیق است. تصور تراژدی با استفاده هنرمند از رنگ های متضاد، گاهی تیره و گاهی روشن تقویت می شود. بیننده دیگر تصاویری بی جسم، تقریباً بی وزن و نامرئی نیست، بلکه چهره هایی کاملا مشخص و واضح است.
یکی از درخشان ترین آثار مربوط به اواخر دوره کار بوتیچلی، تابلوی "صحنه هایی از زندگی سنت زنوبیوس" است که در حال حاضر در گالری هنر درسدن در آلمان نگهداری می شود. این ترکیب که به سبک نقاشی روی نمازخانه های محراب باستانی ساخته شده است، نوعی کولاژ است که از نقاشی های فردی تشکیل شده است که در مورد زندگی قدیس می گوید. با این حال، با وجود شباهت با هنر باستان، فردیت خلاق استاد نقاشی به وضوح در بوم متجلی شد. تصاویر او محکم و واضح هستند. آنها نه در یک فضای انتزاعی، بلکه در پس زمینه یک منظره بتنی قرار می گیرند. مکان عمل در Botticelli به وضوح مشخص است: اغلب اینها خیابان های معمولی شهر با جنگلی زیبا در دوردست هستند.
ترکیب رنگ‌هایی که نقاش به کار می‌برد، جالب توجه است. از این منظر، نحوه نگارش از بسیاری جهات شبیه به تکنیک نقاشی نمادهای باستانی است که رنگ آمیزی آن نه بر اساس کنتراست روشن، بلکه بر اساس انتخاب رنگ های آرام و نزدیک است.
ساندرو بوتیچلی در 17 مه 1510 درگذشت. آثار او نه تنها بر استادان قرون پانزدهم تا شانزدهم، بلکه بر بسیاری از نقاشان دوران بعدی نیز تأثیر زیادی گذاشت.
در عصر رنسانس اولیه، هنرمندان برجسته ای مانند نقاشان سینی که همزمان با دوچیو زندگی می کردند، برادران آمبروجیو و پیترو لورنتستی نیز کار می کردند. مازولینو فلورانسی و بنوززو گوتزولی، جنتیله اومبریایی دی فابریانو. پیسانلو نقاش و مدال آور؛ فیلیپینو لیپی فلورانسی (پسر فیلیپو لیپی) و پیرو دی کوزیمو. نمایندگان مکتب اومبریا نقاشان لوکا سیگنورلی، پینتوریچیو، ملوزو دا فورلی بودند. کوزیمو تورا، ارکوله روبرتی، فرانچسکو دل کوسا، لورنزو کوستا در فرارا کار می کردند.
در قرن پانزدهم. در فلورانس، ژانر تصویری دیگر بسیار محبوب بود. بسیاری از خانواده ها صندوقچه های ظریفی داشتند (کاسون) که دختران جهیزیه خود را در آن نگهداری می کردند. استادان آنها را با کنده کاری های ماهرانه و نقاشی ظریف پوشانده اند. اغلب هنرمندان از مضامین اساطیری برای نقاشی های دیواری استفاده می کردند.
نقاشی ونیزی
جایگاه ویژه ای در هنر کواتروسنتو متعلق به ونیز است. این شهر شگفت انگیز که در صد و هجده جزیره واقع شده بود و صد و شصت کانال از یکدیگر جدا می شد، در آن دوره یک دولت شهر بود. ونیز، جمهوری بازرگانان تجارت با مصر، یونان، ترکیه، سوریه، بغداد، هند، عربستان، شمال آفریقا، آلمان و فلاندر، به روی فرهنگ های دیگر باز بود.
نقاشی ونیزی برای به تصویر کشیدن تمام زیبایی، ثروت و شکوه این شهر بزرگ طراحی شده است. در نیمه دوم قرن پانزدهم به اوج خود رسید. آثار استادان ونیزی، تزئینات رنگارنگ و جشن، معابد آراسته، کاخ ها، اماکن مؤسسات مختلف عمومی، حاکمان و شهروندان عادی را به وجد می آورد.
نمونه بارز نقاشی ونیزی، کار ویتوره کارپاچیو است. ترکیب‌های روایی مبتکرانه او به طور شاعرانه ونیز را در طول مراسم رسمی ("پذیرایی از سفیران") نشان می دهد. این هنرمند همچنین زندگی روزمره شهر زادگاهش را به تصویر می کشد. او صحنه هایی از تاریخ مقدس را ترسیم می کند و آنها را از منظر مدرنیته تفسیر می کند. اینها "زندگی St. اورسولا (1490)، "صحنه هایی از زندگی مریم"، "زندگی سنت. استفان» (1511-1520).
گرایش های واقع گرایانه نقاشی ونیزی اوایل رنسانس در آثار آنتونلو دا مسینا منعکس شد. یکی از معروف ترین نقاشی های او St. سباستین» (1476). موضوع شهادت سنت. سباستین، که قربانی دشمن مسیحیت دیوکلتیان شد، در میان هنرمندان رنسانس گسترده بود، اما آنتونلو دا مسینا آن را به شیوه‌ای خاص تفسیر می‌کند: در تصویر سباستین آن تعالی رنج‌آوری که مشخصه آثار نوشته‌شده بر روی آن باشد، وجود ندارد. موضوعی توسط نقاشان دیگر با این موضوع. هنرمند بیننده را به تحسین زیبایی بدن انسان و تحسین شجاعت و صلابت یک جوان زیبا وا می دارد. هوا و نور در منظره آرامی که سباستین در مقابل آن به تصویر کشیده شده است نفوذ می کند. ساختمان های شهری باشکوه پشت سر او برمی خیزند، ستونی عتیقه در پای او قرار دارد.
Antonello da Messina یک استاد پرتره فوق العاده است، بهترین آثار این سبک به اصطلاح هستند. "خودنگاره" (حدود 1473)، "کاندوتییر"، "پرتره یک مرد" (1470). این آثار با محدودیت و تعمیم مشخص می شوند، ویژگی هایی که توسط معاصران هنرمند بسیار قدردانی شده است. کار پرتره استاد کار جیووانی بلینی را پیش بینی می کرد.
جووانی بلینی، استاد بزرگ کواتروسنتو ونیزی، یکی از بنیانگذاران رنسانس عالی محسوب می شود. عظمت غم انگیز اثر او "مدونا با مقدسین" (1476)، "مرثیه مسیح" (1475) را نشان داد. مدونای دریاچه اسرارآمیز او (حدود 1500) با الهام از یک شعر فرانسوی توجه ها را به خود جلب می کند.
درباره دوران طلایی "زیارت روح". این تصویر ترکیبی از تصاویر زیبایی از دوران باستان و رویاهای یک بهشت مسیحی است.
تا به حال، محققان به طور کامل متوجه نشده اند که این هنرمند با به تصویر کشیدن مردم عادی در کنار باکره، رسولان و مقدسین چه می خواهد بگوید.
بلینی چندین پرتره شگفت انگیز ("پسر" ، "پرتره دوج لئوناردو لوردانو" و غیره) کشید که شکوفایی پرتره را در ونیز آغاز کرد. مهارت نقاش در به تصویر کشیدن طبیعت، که بخشی جدایی ناپذیر از همه آثار اوست (سنت فرانسیس، 1470)، تأثیر زیادی بر بسیاری از نقاشان منظره ونیزی نسل های بعدی داشت. شاگردان بلینی نقاشان معروفی چون جورجیونه و تیتیان بودند.
جورجیونه
جورجیونه، نه تنها یک نقاش بزرگ، بلکه یک موسیقیدان و شاعر با استعداد، به وضوح در میان نقاشان ونیزی برجسته است. واساری نوشته است که "عود نوازی و آواز او به عنوان الهی مورد احترام بود." احتمالاً از این رو موسیقی و شعر خاص نقاشی های جورجیونه است - از این رو او نه تنها در ایتالیایی، بلکه در هنر جهانی نیز مانندی ندارد.
اطلاعات کمی در مورد زندگی جورجیونه وجود دارد. نام اصلی او جورجیو باربارلی دا کاستلفرانکو است. همانطور که وازاری می نویسد،
نام مستعار Giorgione ("Big Giorgio") این هنرمند "برای عظمت روح" دریافت کرد.
جورجیونه در حدود سال 1478 در Castelfranco به دنیا آمد. در اوایل جوانی به ونیز آمد و در آنجا وارد کارگاه جیووانی بلینی شد. از آن زمان، نقاش تقریباً ونیز را ترک نکرد، جایی که در سال 1510 در طی یک اپیدمی طاعون درگذشت.
یکی از معروف ترین نقاشی های جورجیونه، نقاشی معروف "جودیت" است که در ارمیتاژ نگهداری می شود. افسانه می گوید که جودیت زیبا وارد چادر رهبر ارتش دشمن، هولوفرنس، شد و او را اغوا کرد. وقتی هولوفرنس به خواب رفت، دختر سر او را برید.
هنرمند روسی A. Benois در مورد این نقاشی مرموز نوشت: "نقاشی عجیب، درست به اندازه نقاشی های لئوناردو "مبهم" و "موذیانه". جودیت است؟ - می خواهم در مورد این زیبایی غمگین سخت با چهره زهره درسدن بپرسم که با آرامش سر بریده اش را زیر پا می گذارد. در واقع، این بوم حاوی نوعی تناقض و رمز و راز است: جودیت بی رحم کتاب مقدس در اثر جورجیونه در تصویر شاعرانه یک دختر رویایی در پس زمینه طبیعت آرام و ساکت ظاهر می شود.
و این تنها راز در کار جورجیونه نیست.
چه رازی در تصویر «رعد و برق» نهفته است که در آن در زیر آسمان طوفانی، در میان درختان و تکه‌های ستون‌های باستانی، زن جوانی را می‌بینیم که نشسته و به کودکی غذا می‌دهد و مرد جوانی را در حال راه رفتن می‌بینیم؟ همچنین مشخص نیست این هنرمند وقتی دو زن برهنه را در جمع دو نوازنده نشسته در سایه درختی روی بوم به نام "کنسرت کانتری" به تصویر می کشد، چه می خواست بگوید. جورجیونه در "کنسرت کشور" - آخرین کارش - وقت نداشت که منظره را در پس زمینه تمام کند و تیتیان این کار را برای او انجام داد. قبلاً در دوره ای دیگر، مفهوم ترکیب توسط E. Manet در معروف خود "Breakfast on the Grass" استفاده شد.
درختان، تپه‌ها، فاصله‌های روشن در آثار جورجیونه تنها پس‌زمینه‌ای نیستند که در آن چهره‌های مردم به تصویر کشیده شوند. چشم انداز به طور جدایی ناپذیری با شخصیت ها با ایده آثار استاد ونیزی پیوند خورده است. بنابراین، در ترکیب «سه فیلسوف»، پیرمردی با لباس عتیقه، مردی میانسال با عمامه شرقی و مرد جوانی که مراحل مختلف شناخت طبیعت را مجسم می کند، یک کل واحد را با آن نشان می دهد: سبزی لطیف. از یک دره کوه، یک توده سنگی، یک آسمان رنگ پریده که توسط پرتوهای نرم خورشید روشن شده است.
همین ایده از هماهنگی انسان و طبیعت در یکی از شاهکارهای جورجیون - بوم "زهره خفته" منعکس شد. برهنگی شهوانی و در عین حال پاکیزه زیبای خواب آلود به مظهر منظره لذت بخش و در عین حال ساده ایتالیایی تبدیل شد که رنگ های زرد طلایی آن در سایه های گرم بدن زهره تکرار می شود. بعدها، انگیزه "زهره خفته" توسط تیتین ("ناهید اوربینو")، سپس D. Velasquez ("زهره روبروی آینه")، F. Goya ("Mach") و E. Manet (") استفاده شد. المپیا").
علاقه عمیق جورجیونه به منظره به عنوان یک عنصر مستقل از ترکیب، ظهور ژانر جدیدی را در نقاشی ایتالیایی - منظره - آماده کرد.
آثار جورجیونه نه تنها بر نقاشی ونیزی، بلکه بر تمام نقاشی های ایتالیایی تأثیر بسزایی داشت. این هنرمند برجسته یکی از بنیانگذاران هنر رنسانس عالی شد. بعداً اصول و ایده های هنر او جورجیونه در آثار شاگرد تیتیان منعکس شد.
ویژگی های بارز در هنر رنسانس
چشم انداز.هنرمندان دوره رنسانس برای افزودن عمق و فضای سه بعدی به آثار خود، مفاهیم پرسپکتیو خطی، خط افق و نقطه ناپدید شدن را به عاریت گرفتند و تا حد زیادی گسترش دادند.
§ پرسپکتیو خطی نقاشی با پرسپکتیو خطی مانند این است که از پنجره به بیرون نگاه کنید و دقیقاً همان چیزی را که روی پنجره می بینید نقاشی کنید. اجسام در تصویر بسته به فاصله، ابعاد خاص خود را داشتند. آنهایی که از بیننده دورتر بودند کاهش یافتند و بالعکس.
§ خط افق. این خطی است در فاصله ای که در آن اجسام تا نقطه ای به ضخامت این خط کوچک می شوند.
§ نقطه ناپدید شدن این نقطه ای است که در آن خطوط موازی به نظر می رسد در دوردست ها، اغلب در خط افق، همگرا می شوند. این تأثیر را می توان مشاهده کرد اگر روی ریل راه آهن بایستید و به ریل هایی که به سمت بله می روند نگاه کنید.ل
سایه و نور.هنرمندان با علاقه بازی کردند که چگونه نور بر روی اجسام می افتد و سایه ایجاد می کند. از سایه و نور می توان برای جلب توجه به یک نقطه خاص در نقاشی استفاده کرد.
احساسات.هنرمندان رنسانس می‌خواستند بیننده، با نگاه کردن به اثر، چیزی را احساس کند، تجربه‌ای احساسی را تجربه کند. این نوعی لفاظی بصری بود که در آن بیننده الهام گرفت تا در چیزی بهتر شود.
واقع گرایی و طبیعت گرایی.علاوه بر پرسپکتیو، هنرمندان به دنبال این بودند که اشیا، به ویژه افراد، واقعی‌تر به نظر برسند. آنها آناتومی انسان را مطالعه کردند، نسبت ها را اندازه گرفتند و به دنبال شکل ایده آل انسان بودند. مردم واقعی به نظر می رسیدند و احساسات واقعی را نشان می دادند و به بیننده این امکان را می دادند که در مورد آنچه که افراد به تصویر کشیده شده اند، استنباط کند.
عصر "رنسانس" به 4 مرحله تقسیم می شود:
پروتو-رنسانس (نیمه دوم قرن سیزدهم - قرن چهاردهم)
رنسانس اولیه (اوایل 15 تا اواخر قرن 15)
رنسانس عالی (اواخر 15 - 20 سال اول قرن 16)
اواخر رنسانس (اواسط 16 - 1590)
پروتو رنسانس
پروتو رنسانس ارتباط نزدیکی با قرون وسطی دارد، در واقع در اواخر قرون وسطی با سنت های بیزانسی، رومی و گوتیک ظاهر شد، این دوره پیشرو رنسانس بود. به دو دوره فرعی تقسیم می شود: قبل از مرگ جوتو دی بوندونه و بعد از آن (1337). هنرمند و معمار ایتالیایی، بنیانگذار عصر پروتو رنسانس. یکی از شخصیت های کلیدی در تاریخ هنر غرب. او با غلبه بر سنت نقاشی نمادهای بیزانسی، بنیانگذار واقعی مکتب نقاشی ایتالیایی شد و رویکردی کاملاً جدید برای به تصویر کشیدن فضا ایجاد کرد. آثار جوتو از لئوناردو داوینچی، رافائل، میکل آنژ الهام گرفته شده است. شخصیت اصلی نقاشی جوتو بود. هنرمندان رنسانس او را اصلاح کننده نقاشی می دانستند. جوتو مسیری را که توسعه آن طی کرده است بیان کرد: پر کردن فرم های مذهبی با محتوای سکولار، انتقال تدریجی از تصاویر مسطح به تصاویر سه بعدی و برجسته، افزایش رئالیسم، وارد کردن حجم پلاستیکی از چهره ها به نقاشی، به تصویر کشیدن فضای داخلی در نقاشی. .
در پایان قرن سیزدهم، ساختمان اصلی معبد، کلیسای جامع سانتا ماریا دل فیوره، در فلورانس ساخته شد، نویسنده آرنولفو دی کامبیو بود، سپس جوتو کار را ادامه داد.
مهمترین اکتشافات، درخشان ترین استادان در دوره اول زندگی و کار می کنند. بخش دوم مربوط به اپیدمی طاعون است که ایتالیا را درگیر کرده است.
هنر رنسانس اولیه برای اولین بار در مجسمه سازی ظاهر شد (نیکولو و جیووانی پیزانو، آرنولفو دی کامبیو، آندریا پیزانو). نقاشی توسط دو مدرسه هنری ارائه می شود: فلورانس و سینا.
رنسانس اولیه
دوره موسوم به "رنسانس اولیه" در ایتالیا از 1420 تا 1500 را در بر می گیرد. در طول این هشتاد سال، هنر هنوز به طور کامل از سنت های گذشته نزدیک (قرن وسطی) دست برنداشته است، اما سعی دارد عناصری را که از دوران باستان کلاسیک به عاریت گرفته شده است، در آنها بیامیزد. تنها بعدها، تحت تأثیر تغییرات روزافزون شرایط زندگی و فرهنگ، هنرمندان به طور کامل مبانی قرون وسطایی را رها کردند و جسورانه از نمونه هایی از هنر باستانی چه در مفهوم کلی آثار خود و چه در جزئیات آنها استفاده کردند.
در حالی که هنر در ایتالیا قاطعانه مسیر تقلید از دوران باستان کلاسیک را دنبال می کرد، در کشورهای دیگر مدت ها به سنت های سبک گوتیک پایبند بود. در شمال کوه‌های آلپ، و همچنین در اسپانیا، رنسانس تا پایان قرن پانزدهم رخ نمی‌دهد و دوره اولیه آن تا اواسط قرن بعد ادامه می‌یابد.
هنرمندان اوایل رنسانس
یکی از اولین و درخشان ترین نمایندگان این دوره را ماساچیو (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai) نقاش معروف ایتالیایی، بزرگترین استاد مکتب فلورانس، اصلاح کننده نقاشی عصر کواتروسنتو می دانند.
او با کار خود به گذار از گوتیک به هنر جدید کمک کرد و عظمت انسان و دنیای او را تجلیل کرد. مشارکت ماساچیو در هنر در سال 1988 تجدید شد خلقت اصلی او - نقاشی های دیواری در کلیسای برانکاچی در سانتا ماریا دل کارمین، فلورانس- به شکل اولیه خود بازگردانده شده اند.
- رستاخیز پسر تئوفیلوس، ماساچیو و فیلیپینو لیپی
- ستایش مجوس
- معجزه با استر
از دیگر نمایندگان مهم این دوره ساندرو بوتیچلی بودند. نقاش بزرگ ایتالیایی رنسانس، نماینده مکتب نقاشی فلورانس.
- تولد زهره
- زهره و مریخ
- بهار
- ستایش مجوس
رنسانس بالا
دوره سوم رنسانس - زمان شکوهمندترین توسعه سبک او - معمولاً "رنسانس عالی" نامیده می شود. تقریباً از 1500 تا 1527 به ایتالیا گسترش می یابد. در این زمان، مرکز تأثیر هنر ایتالیایی از فلورانس، به لطف الحاق به تاج و تخت پاپی ژولیوس دوم، به رم نقل مکان کرد - مردی جاه طلب، شجاع، مبتکر که بهترین هنرمندان ایتالیا را به دربار خود جذب کرد، آنها را اشغال کرد. با آثار متعدد و مهم و عشق به هنر را برای دیگران مثال زد. تحت این پاپ و در زمان جانشینان بلافصل او، رم به آتن جدید زمان پریکلس تبدیل می‌شود: بسیاری از ساختمانهای تاریخی در آن ساخته شده‌اند، آثار مجسمه‌سازی باشکوهی خلق می‌شوند، نقاشی‌های دیواری و نقاشی کشیده می‌شوند، که هنوز هم به عنوان یکی از بناهای یادبود در نظر گرفته می‌شوند. مروارید نقاشی; در عین حال، هر سه شاخه هنر به طور هماهنگ دست به دست هم می دهند و به یکدیگر کمک می کنند و متقابلاً به یکدیگر عمل می کنند. دوران باستان اکنون با دقت بیشتری مورد مطالعه قرار می گیرد و با دقت و قوام بیشتری بازتولید می شود. آرامش و وقار جایگزین زیبایی بازیگوشی می شود که آرزوی دوره قبل بود. خاطرات قرون وسطی به طور کامل ناپدید می شوند و اثری کاملا کلاسیک بر تمام آثار هنری می افتد. اما تقلید از پیشینیان استقلال آنها را در هنرمندان خفه نمی‌کند و با تدبیر و سرزندگی تخیل، آزادانه آنچه را که برای خود مناسب می‌دانند از هنر یونان روم باستان وام بگیرند، پردازش کرده و به کار می‌گیرند.
کار سه استاد بزرگ ایتالیایی اوج رنسانس را نشان می دهد، این لئوناردو داوینچی (1452-1519) است. لئوناردو دی سر پیرو داوینچینقاش بزرگ ایتالیایی رنسانس، نماینده مکتب نقاشی فلورانس. هنرمند ایتالیایی (نقاش، مجسمه ساز، معمار) و دانشمند (آناتومیست، طبیعت شناس)، مخترع، نویسنده، موسیقیدان، یکی از بزرگترین نمایندگان هنر رنسانس عالی، نمونه بارز "انسان جهانی"
شام آخر
مونالیزا،
-مرد ویترویی ,
- مدونا لیتا
- مدونا در صخره ها
-مدونا با دوک
میکل آنژ بووناروتی (1475-1564) میکل آنژ دی لودوویکو دی لئوناردو دی بووناروتی سیمونی.مجسمه ساز، نقاش، معمار ایتالیایی [⇨]، شاعر [⇨]، متفکر [⇨]. . یکی از بزرگترین استادان دوره رنسانس [⇨] و اوایل باروک. آثار او بالاترین دستاوردهای هنر رنسانس در طول زندگی خود استاد به حساب می آمد. میکل آنژ تقریباً 89 سال زندگی کرد، یک دوره کامل، از رنسانس عالی تا خاستگاه ضد اصلاحات. در این دوره، سیزده پاپ جایگزین شدند - او دستورات نه نفر از آنها را انجام داد.
خلقت آدم
آخرین قضاوت
و رافائل سانتی (1483-1520). نقاش، گرافیست و معمار بزرگ ایتالیایی، نماینده مکتب اومبریا.
- مدرسه آتن
-سیستین مدونا
- دگرگونی
- باغبان شگفت انگیز
اواخر رنسانس
رنسانس پسین در ایتالیا دوره ای از 1530 تا 1590-1620 را در بر می گیرد. ضد اصلاحات در اروپای جنوبی پیروز شد ( ضد اصلاحات(لات. تضاد اصلاحی; از جانب برعکس- علیه و اصلاح شکل- دگرگونی، اصلاح) - یک جنبش سیاسی-کلیسای کاتولیک در اروپا در اواسط قرن 16-17، علیه اصلاحات و با هدف بازگرداندن موقعیت و اعتبار کلیسای کاتولیک روم.)، که با احتیاط به هر آزاد نگاه می کرد. اندیشه، از جمله سرود بدن انسان و احیای آرمان های دوران باستان به عنوان سنگ بنای ایدئولوژی رنسانس. تضادهای جهان بینی و احساس کلی بحران در فلورانس به هنر "عصبی" رنگ های دور از ذهن و خطوط شکسته منجر شد - رفتارگرایی. در پارما، جایی که کورجو کار می‌کرد، شیوه‌گرایی تنها پس از مرگ این هنرمند در سال 1534 رسید. سنت های هنری ونیز منطق توسعه خاص خود را داشتند. تا پایان دهه 1570، پالادیو در آنجا کار می کرد (نام واقعی آندره آ دی پیترو).معمار بزرگ ایتالیایی اواخر رنسانس و شیوه‌گرایی. رفتارگرایی(از ایتالیایی مانیر, شیوه) - سبک ادبی و هنری اروپای غربی قرن شانزدهم - ثلث اول قرن هفدهم. مشخصه آن از بین رفتن هماهنگی رنسانس بین جسم و روح، طبیعت و انسان است.) بنیانگذار پالادیانیسم ( پالادیانیسمیا معماری پالادی- شکل اولیه کلاسیک گرایی که برخاسته از ایده های معمار ایتالیایی آندره آ پالادیو (1508-1580) است. این سبک مبتنی بر پایبندی دقیق به تقارن، با در نظر گرفتن دیدگاه ها و وام گرفتن از اصول معماری معابد کلاسیک یونان و روم باستان است.) و کلاسیک. احتمالاً تأثیرگذارترین معمار تاریخ.
اولین اثر مستقل آندریا پالادیو، به عنوان یک طراح با استعداد و معمار با استعداد، کلیسایی در ویچنزا است که در آن استعداد تکرار نشدنی اولیه او آشکار شد.
در میان خانه های روستایی، برجسته ترین ساخته استاد ویلا روتوندا است. آندریا پالادیو آن را در ویچنزا برای یک مقام بازنشسته واتیکان ساخت. این بنا به دلیل اینکه اولین ساختمان سکولار رنسانس است که به شکل یک معبد باستانی ساخته شده است قابل توجه است.
نمونه دیگر Palazzo Chiericati است که از این جهت غیرعادی است که طبقه اول ساختمان تقریباً به طور کامل به استفاده عمومی داده شده بود که با الزامات مقامات شهری آن زمان مطابقت داشت.
در میان ساخت‌وسازهای شهری معروف پالادیو، قطعاً باید به تئاتر المپیکو اشاره کرد که به سبک آمفی‌تئاتر طراحی شده است.
تیتیان ( تیتان وچلیو) نقاش ایتالیایی، بزرگترین نماینده مکتب ونیزی دوره رنسانس عالی و اواخر. نام تیتیان با هنرمندان رنسانس مانند میکل آنژ، لئوناردو داوینچی و رافائل همتراز است. تیتیان با موضوعات کتاب مقدس و اساطیری نقاشی می کشید، او به عنوان یک نقاش پرتره مشهور شد. او توسط پادشاهان و پاپ ها، کاردینال ها، دوک ها و شاهزادگان مأموریت یافت. تیتیان سی سال نداشت که به عنوان بهترین نقاش ونیز شناخته شد.
از محل تولدش (Pieve di Cadore در استان بلونو، جمهوری ونیز)، او گاهی اوقات به عنوان da cadore; همچنین به عنوان تیتیان الهی شناخته می شود.
- معراج مریم باکره
- باکوس و آریادنه
- دیانا و آکتائون
- ونوس اوربینو
- ربوده شدن اروپا
که آثارش با پدیده های بحران در هنر فلورانس و رم اشتراک چندانی نداشت.
در قرن پانزدهم. رنسانس ایتالیایی وارد دوره کواتروسنتو می شود، زمانی که اصول اساسی "سبک جدید" غالب می شود. رنسانس اولیه با ظهور و ظهور مکاتب هنری مختلف سرزمینی، تعامل و مبارزه فعال آنها مشخص می شود. در فرهنگ آن دوره کیش زیبایی به ویژه زیبایی انسان در حال شکل گیری است. نقاشی به شکل برجسته هنری تبدیل می شود و هنرمندان تلاش می کنند تا افراد زیبا و کامل را به تصویر بکشند. به طور کلی سطح بالای آثار هنری، فراوانی استعدادها و تنوع افراد خلاق چشمگیر است.
شکوفایی خارق العاده هنر کواتروسنتو دلایل زیادی داشت. اول از همه، شرایطی که اقشار اشرافی جامعه ایتالیا، از جمله پاپ، برای هنر ارزش زیادی قائل بودند و زیبایی را دوست داشتند، سهیم بودند. آنها یکدیگر را به چالش کشیدند تا از بهترین هنرمندان دعوت کنند تا برای خودشان کار کنند. بنابراین، در فلورانس، در زمان سلطنت مدیچی ها، مبارزه برای قدرت فروکش کرد و به مبارزه برای تصاحب شاهکارهای هنری، به رقابت در تجمل تبدیل شد. اما این یک علت خارجی بود. نکته اصلی این است که هنر مهمترین نقش را در زندگی جامعه ایفا می کند: در این امر پیش از علم و فلسفه عملکرد دانش جهانی را انجام می دهد. نگرش جدید انسان به جهان، تمایل به تسلط بر آن به عنوان عرصه واقعی اعمال خود، مطالعه آن را ضروری می کرد. اولین گام در این شناخت، دید روشن و هوشیارانه از جهان، درک ماهیت چیزها بود. به تصویر کشیدن جهان به گونه ای که یک شخص آن را می دید، اصل اولیه هنرمندان رنسانس بود - اصلی که تبدیل به یک انقلاب واقعی در فرهنگ شد و در رد کامل اصول قبلی بیان شد. دانش پرسپکتیو، نظریه تناسبات، ساختار بدن انسان و مکانیسم حرکات آن، توانایی انتقال حجم در یک هواپیما، و در حرکات بدن برای بیان حرکات روح - همه اینها هر دو می شود. شرط لازم برای خلاقیت و نیاز واقعی برای خود هنرمندان. بزرگترین استادان فرهنگ اولیه رنسانس معمار فیلیپو برونلسکی، مجسمه ساز Donatode Nicolò di Betti Bardi، با نام مستعار Donatello، هنرمندان Tomaso di Giovanni di Simone Cassai، ملقب به Masaccio، و Alessandro Filipepi، با نام مستعار Sandro Bottice هستند.
ماساچیو
ماساچیوبنیانگذار روند جدیدی در نقاشی ایتالیایی قرن پانزدهم شد. او سنت های جوتو را احیا کرد و پرحرفی ویژگی نقاشی را در پایان قرن چهاردهم - آغاز قرن پانزدهم کنار گذاشت. سبک هنری فردی ماساچیو در نقاشی های دیواری ترینیتی او بیشتر به چشم می خورد. ترکیب نقاشی دیواری شامل طاق پیروزی با طاق عمیق است. خدای پدر، روح القدس را به شکل کبوتر و مسیح مصلوب شده را به تصویر می کشد. در نزدیکی صلیب مریم و جان هستند و در مقابل طاق دو طرف مشتریان زانو زده قرار دارند. دگم مسیحی تثلیث مقدس وحدت پدر، پسر و روح القدس را به عنوان مرکز جهان آسمانی تأیید می کند. ماساچیو این تصاویر را به عنوان شخصیت های تاریخی واقعی تفسیر می کند. ترکیب بندی بر اساس اصل پرسپکتیو خطی ساخته شده است که ارقام را به یک کل واحد مرتبط و متصل می کند. در نقاشی دیواری ماساچیو، تمام چهره‌هایی که خدا و انسان را نشان می‌دهند در تصویری از جهان که توسط ذهن انسان خلق شده است ترکیب شده‌اند. کار اصلی ماساچیو نقاشی های دیواری کلیسای برانکاچی در کلیسای سانتا ماریا دل کارمین در فلورانس بود که قسمت هایی از زندگی سنت سنت را به تصویر می کشید. پیتر و دو داستان کتاب مقدس "سقوط" و "اخراج از بهشت". در نقاشی دیواری "اخراج از بهشت"، آدم و حوا در ناامیدی ناامید کننده غرق می شوند، به سرنوشت تسلیم می شوند، آنها توسط فرشته ای سر به فلک کشیده با شمشیری در دست تعقیب می شوند. این نقاشی دیواری از بسیاری جهات نوآورانه بود: بدن های برهنه از نظر تشریحی به درستی به تصویر کشیده می شوند. حجم آنها با استفاده از کیاروسکورو مدل سازی شده است. ارقام در حرکت طبیعی و آزاد ارائه می شوند. ژست های رسا، پر جنب و جوش، ژست ها و حالات چهره، وضعیت ذهنی شخصیت ها را نشان می دهد. آدم و حوا با وجود سقوط و رنج، احساس نکوهش را در مخاطب ایجاد نمی کنند.
روح رنسانس اولیه نیز خود را در علاقه به دوران باستان، به ایده ها و تصاویر آن، در توطئه های اساطیر بت پرستی، که توسل به آن در قرون وسطی ممنوع بود، نشان داد.
ساندرو بوتیچلی
ساندرو بوتیچلیتصاویر بت پرستی را در آثار خود مجسم کرد. معمولاً این مورد علاقه حاکم فلورانس، لورنزو مدیچی، آخرین هنرمند فرهنگ فلورانس در قرن پانزدهم نامیده می شود. ویژگی بارز آن جذابیت به دنیای درونی شخصیت ها، حالات و تجربیات آنهاست. معروف ترین نقاشی های او "بهار" و "تولد زهره" است. تا به حال، طرح نقاشی "بهار" یک راز باقی مانده است، جایی که شخصیت های اساطیری مختلف روی یک چمن گلدار حصار شده با درختان با میوه های نارنجی روی شاخه ها قرار دارند: عطارد، سه لطف، زهره، که کوپید بر فراز آن شناور است، الهه از بهار و گل فلورا، پوره جنگلی و خدای بادهای سبک زفیر. شخصیت ها با توسعه اکشن به هم پیوسته نیستند، آنها در خود غوطه ور هستند، ساکت، متفکر، تنها درونی. آنها حتی متوجه یکدیگر نمی شوند. این تصاویر زیبا و تصفیه شده غم و اندوه رویایی، شادی آرام، غم انگیز، مبهم و امید روشن را به وجود می آورد.
نقاشی "تولد زهره" در حال و هوای نزدیک است، جایی که یک الهه بت پرست عشق برهنه به آرامی تا ساحل شنا می کند، در پوسته ای ایستاده که توسط نفس سبکی از گل ختمی رانده شده است. زهره با یک پوره روبرو می شود که آماده است او را با یک حجاب سبک بپوشاند. چهره شگفت آور زیبای الهه، پر از اندوه پنهان. به گفته مورخان هنر، تولد زهره یک شعار بت پرستانه از زیبایی زنانه نیست. او زیبایی معنوی بیشتری دارد و برهنگی او به معنای طبیعی بودن و پاکی است.
