رمانتیسم ویکتور هوگو. تبلور ایده های عاشقانه و فرم های هنری در عصر بازسازی. لامارتین ویگنی ناظر اولیه هوگو: دستیار وزارت جهان

تحولات تاریخی در مقیاس تمام اروپایی، که در برابر چشمان یک نسل رخ داد، طبیعتاً توجه رمانتیک های فرانسوی را به تاریخ جلب کرد و باعث تعمیم و مقایسه تاریخی با زمان حال شد. در گذشته آنها به دنبال کلید برای امروز بودند. در طول مرمت، شکوفایی سریع همه ژانرهای تاریخی وجود دارد. بیش از صد رمان تاریخی ظاهر می‌شود، درام‌های تاریخی یکی پس از دیگری بیرون می‌آیند، تصاویری از گذشته و تأملات درباره موضوعات تاریخی به شعر، نقاشی ("مرگ سارداناپالوس" اثر ای. دلاکروا، 1827)، در موسیقی (اپرا) نفوذ می‌کنند. توسط روسینی و مایربیر). تعدادی از مورخان دانشمند (آگوستین تیری، فرانسوا گیزو و دیگران) صحبت می کنند که در آثار خود ایده توسعه مداوم بشر را مطرح می کنند.

برخلاف روشنگران، مورخان مرمت نه بر مفاهیم ثابت خیر و شر، بلکه بر ایده نظم تاریخی تکیه کردند. روند تاریخی برای آنها معنای اخلاقی دارد که شامل بهبود تدریجی انسان و جامعه است. در نظر این متفکران بورژوایی، نظم تاریخی پیروزی نظام بورژوایی بر نظام فئودالی را توجیه می‌کرد و در سال‌های بازگشت توهم‌آمیز نظم قدیم، خوش‌بینی تاریخی را در آنها برانگیخت. آنها تاریخ را به مثابه حالت مبارزه می دانستند و قبلاً به مفهوم طبقات اجتماعی رسیده بودند. مورخان مرمت در عین حال نظریه پردازان ادبی بودند و در توسعه زیبایی شناسی رمانتیک مشارکت داشتند.

تأثیر تعیین کننده بر تفکر تاریخی در فرانسه توسط کار والتر اسکات اعمال شد که از سال 1816 در اینجا شناخته شد. کشف اصلی رمان نویس انگلیسی این بود که وابستگی یک فرد را به محیط اجتماعی-تاریخی که او را به وجود آورده و در اطراف او ایجاد کرده است، ایجاد کند. به گفته بلینسکی، «والتر اسکات مشکل پیوند زندگی تاریخی با زندگی خصوصی را از طریق رمان های خود حل کرد. این برای ادبیات فرانسه بسیار مثمر ثمر بود، زیرا راه هایی را برای ترکیب داستان با حقیقت تاریخ باز کرد. در مرکز آثار رمانتیک های فرانسوی، معمولاً شخصیت های داستانی در کنار شخصیت های تاریخی قرار می گیرند که توجه اصلی به آنها معطوف است و در کنار وقایع اصیل تاریخی، رویدادهای زندگی شخصیت های داستانی نیز به تصویر کشیده می شود که البته همیشه همراه است. با زندگی ملی چیزی که در مقایسه با والتر اسکات جدید بود این بود که شور عشق رمانتیک نقش اساسی در رمان های تاریخی رمانتیک های فرانسوی ایفا می کرد.

از والتر اسکات، رمانتیک های فرانسوی مفهوم عصر را نوعی وحدت اجتماعی-سیاسی و فرهنگی درک کردند که مشکل تاریخی خاصی را حل می کند و طعم محلی خود را دارد که در آداب و رسوم، ویژگی های زندگی، ابزارها، لباس ها بیان می شود. آداب و رسوم و مفاهیم در اینجا جذابیت رمانتیک ها به چیزهای عجیب و غریب، به احساسات زیبا، روشن و شخصیت های غیرعادی، که در حال و هوای زندگی روزمره بورژوازی آرزوی آن را داشتند، تحت تأثیر قرار گرفت. رستاخیز پلاستیکی گذشته، بازآفرینی رنگ های محلی به بارزترین ویژگی رمان تاریخی فرانسوی دهه 1820 و درام رمانتیکی که در اواسط این دهه به وجود آمد، عمدتاً به شکل تاریخی تبدیل شد. به زودی مبارزه رمانتیک ها در تئاتر - سنگر اصلی کلاسیک گرایی - برای یک رپرتوار رمانتیک جدید، برای یک فرم درام آزاد، برای لباس ها و مناظر تاریخی، برای اجرای بازیگری طبیعی تر، برای لغو تقسیم بندی طبقاتی ژانرها آغاز شد. ، سه وحدت و دیگر کنوانسیون های تئاتر قدیم. در این مبارزه، علاوه بر والتر اسکات، رمانتیک ها بر شکسپیر تکیه کردند.

در نوشته‌های تاریخی رمانتیک‌ها، دوران نه به‌عنوان ایستا، بلکه به‌عنوان یک مبارزه، جنبش ارائه می‌شد؛ آنها به دنبال درک ماهیت درگیری‌های تاریخی - علل این جنبش بودند. رویدادهای متلاطم اخیر کاملاً برای آنها روشن کرده است که توده های مردم نیروی فعال تاریخ هستند. تاریخ در درک آنها زندگی مردم است و نه شخصیت های برجسته. شخصیت‌های عامیانه، صحنه‌های عامیانه توده‌ای تقریباً در هر رمان تاریخی حضور دارند، و در درام‌ها، حضور مردم، حتی در پشت صحنه، غالباً تعیین‌کننده پایان است (مانند درام V. Hugo Mary Tudor، 1833).

اولین رمان مهم تاریخی رمانتیسیسم فرانسوی، سنت مار (1826) توسط آلفرد دو وینی (1797-1863) نوشته شد. آلفرد دو وینی که از یک خانواده اصیل قدیمی آمده بود، جوانی خود را در خدمت سربازی گذراند، اما زود بازنشسته شد و خود را وقف نوشتن کرد، هم روی روایت تاریخی و هم برای تئاتر (درام Chatterton، 1835) و به عنوان شاعر کار کرد. پس از آنکه تلاش‌ها برای دستیابی به موقعیتی برجسته در محافل ادبی، هنری و سیاسی پاریس ناموفق بود، وینی بقیه روزهای خود را در گوشه‌نشینی سپری کرد و افکار خود را به دفتر خاطرات شاعر که پس از مرگش منتشر شد، سپرد.

نفرت و تحقیر وینی از نظم نوین بورژوایی به وضوح در سنت مارس بیان شد و از سوی دیگر درک عذاب جبران ناپذیر گذشته فئودالی که او سعی کرد آرمان خود را با آن مرتبط سازد.

داستان این رمان در قرن هفدهم فرانسه می گذرد. وینی تصویری رنگارنگ از دوران ترسیم می‌کند: استان و پاریس، قلعه نجیب، خیابان‌های شهر، اعدام در ملاء عام یک کشیش «شیطان‌دار» و مراسم توالت صبحگاهی ملکه... شخصیت‌های تاریخی زیادی در رمان - پادشاه لوئی سیزدهم، ملکه آن اتریش، کاردینال ریشلیو و عاملش کاپوچین ژوزف، نمایشنامه نویس فرانسوی کورنیل و شاعر انگلیسی میلتون، اعضای خاندان سلطنتی و رهبران نظامی. ظاهر، آداب، لباس آنها بر اساس اسناد تاریخی که به دقت مطالعه شده اند به تفصیل شرح داده شده است.

اما وظیفه ویگنی بازآفرینی طعم محلی نیست (اگرچه این کار با بیان هنری چشمگیر انجام می شود)، بلکه مهمتر از همه، الهام بخشیدن به خواننده با درک خود از تاریخ است. وینی در مقدمه خود بین حقیقت واقعیت و حقیقت تاریخی تمایز قائل شده است. به خاطر دومی، هنرمند این حق را دارد که آزادانه با واقعیات برخورد کند، نادرستی و نابهنگامی را مجاز کند. اما ویگنی حقیقت تاریخی را به شیوه ای ذهنی-عاشقانه تفسیر می کند. بر اساس مطالب گذشته، او به دنبال حل مسئله سوزان سرنوشت اشراف است که برای او بسیار نگران بود. افول اشراف برای او به معنای زوال جامعه است. و به خاستگاه این جریان می پردازد که به نظر او در دوره پیروزی سلطنت مطلقه در فرانسه اتفاق افتاده است. خالق مطلق گرایی، کاردینال ریشلیو، که آزادی های فئودالی را نابود کرد و اشراف قبیله را به اطاعت رساند، در رمان بدون قید و شرط منفی به تصویر کشیده شده است. این کاردینالی است که نویسنده به خاطر این واقعیت که "یک سلطنت بدون پایه، همانطور که ریشلیو آن را ساخته بود" در جریان انقلاب فروپاشید، سرزنش می کند. تصادفی نیست که در پایان رمان صحبتی در مورد کرامول وجود دارد که "از آنچه ریشلیو رفته فراتر خواهد رفت."

در تاریخ رمانتیسم فرانسوی، الکساندر دوما (1803-1870) چهره ای رنگارنگ است. برای سال‌های متمادی این سنت وجود داشت که با دوما به‌عنوان نویسنده‌ای درجه دوم برخورد می‌شد. با این حال، نوشته های او موفقیت خارق العاده ای با معاصران بود. بسیاری از نسل های فرانسوی، و نه تنها فرانسوی، دانش آموزان مدرسه ابتدا با تاریخ فرانسه از رمان های دوما آشنا شدند. رمان های دوما مورد علاقه بزرگ ترین شخصیت های ادبی کشورها و زمان های مختلف بود. این رمان ها تا به امروز در همه جای دنیا با اشتیاق خوانده می شود.

الکساندر دوما پسر یک ژنرال جمهوری خواه و دختر مهمانخانه دار بود که خون سیاهپوستان در رگ های او جاری بود. در جوانی مدتی کارمند کوچکی بود و در پاریس در بحبوحه نبردهای رمانتیک علیه کلاسیک ظاهر شد. در ادبیات، او به عنوان یکی از اعضای غیور حلقه ویکتور هوگو عمل کرد. موفقیت دومای جوان درام تاریخی "هنری سوم و دربارش" (1829) را به ارمغان آورد - یکی از اولین درام های عاشقانه که آغاز پیروزی های یک جهت جدید در تئاتر بود. پس از آن، "آنتونی" (1831)، "برج نلسکایا" (1832) و بسیاری دیگر. از اواسط دهه 1830، رمان های تاریخی دوما یکی پس از دیگری ظاهر شد که توسط او در تعداد زیادی خلق شد و نام او را تجلیل کرد. بهترین آنها به دهه 1840 برمی گردد: سه تفنگدار (1844)، بیست سال بعد (1845)، ملکه مارگو (1845)، کنت مونت کریستو (1845-1846).

آثار دوما با عناصر ژانرهای دموکراتیک و مردمی رمانتیسیسم مرتبط است - با ملودرام تبلوید و رمان ماجراجویی اجتماعی روزنامه-فیلتون. بسیاری از آثار او، از جمله کنت مونت کریستو، برای اولین بار در روزنامه ها منتشر شد، جایی که آنها به صورت فیلیتون جداگانه با دنباله ای منتشر شدند. دوما به زیبایی‌شناسی رمان فِیتون نزدیک است: سادگی، حتی ساده‌سازی شخصیت‌ها، طوفانی، احساسات اغراق‌آمیز، جلوه‌های ملودراماتیک، طرحی جذاب، مبهم بودن ارزیابی‌های نویسنده و در دسترس بودن کلی ابزارهای هنری. رمان‌های تاریخی دوما در سال‌هایی خلق شدند که رومانتیسم رو به پایان بود. او از تکنیک‌های هنری رمانتیک که رایج شده بود، عمدتاً برای مقاصد سرگرمی استفاده کرد و توانست ژانر تاریخی رمانتیسم را به مالکیت گسترده‌ترین خوانندگان تبدیل کند.

دوما مانند دیگر نویسندگان فرانسوی، با تکیه بر والتر اسکات، به هیچ وجه ادعا نمی کند که بینشی عمیق به تاریخ دارد. رمان های دوما در درجه اول پرماجرا هستند، در تاریخ او جذب حکایات روشن و دراماتیکی می شود که در خاطرات و اسناد به دنبال آن ها می گشت و مطابق میل تخیل خود رنگ می کرد و زمینه را برای ماجراهای سرگیجه آور قهرمانانش ایجاد می کرد. در همان زمان، او به طرز ماهرانه ای پیشینه تاریخی رنگارنگ، طعم محلی آن دوران را بازتولید کرد، اما وظیفه افشای درگیری های مهم آن را بر عهده خود قرار نداد.

رویدادهای مهم تاریخی: جنگ‌ها، تحولات سیاسی، معمولاً در دوما با انگیزه‌های شخصی توضیح داده می‌شوند: ضعف‌های کوچک، هوس‌های حاکمان، دسیسه‌های دربار، احساسات خودخواهانه. بنابراین، در سه تفنگدار، درگیری بر سر دشمنی شخصی بین ریشلیو و دوک باکینگهام، بر رقابت بین کاردینال و شاه لوئی سیزدهم استوار است. مبارزه بین مطلق گرایی و اربابان فئودال، که جایگاه اصلی را در سنت مارس ویگنی اشغال می کرد، در اینجا کنار گذاشته شده است. شانس در تاریخ حاکم است: صلح یا جنگ با انگلیس بستگی به این دارد که آیا داارتانیان بتواند آویزهای الماس ملکه را به موقع بیاورد یا خیر. قهرمانان داستانی دوما نه تنها درگیر وقایع تاریخی هستند، بلکه فعالانه در آنها دخالت می کنند و حتی طبق میل خود آنها را هدایت می کنند. د" آرتاگنان و آتوس به چارلز دوم کمک می کنند تا پادشاه انگلیس شود؛ شاه لوئی چهاردهم به دلیل دسیسه آرامیس تقریباً جای خود را به برادرش زندانی باستیل داد. در یک کلام، قوانین ملودرام در رمان تاریخی دوما حاکم است. با این حال، باید توجه داشت که ارزیابی کلی از وقایع حرکت در دوما با حقیقت تاریخی منافات ندارد. دموکراسی نویسنده، اعتقادات جمهوری‌خواهانه او.

جذابیت رمان های تاریخی دوما در درجه اول در این است که او می داند چگونه گذشته را به خوانندگان نزدیک کند. تاریخ به نظر رنگارنگ، زیبا، هیجان انگیز جالب، شخصیت های تاریخی، گویی زنده، روی صفحات آن ایستاده اند، از پایه های خود حذف شده اند، از پتینه زمان پاک شده اند، به عنوان مردم عادی نشان داده شده اند، با احساسات قابل درک برای همه، خصلت ها، ضعف ها، از نظر روانی اقدامات موجه دوما که یک داستان نویس عالی است، به طرز ماهرانه ای طرحی جذاب را می سازد، اکشنی که به سرعت در حال توسعه است، به طرز ماهرانه ای گیج می شود، و سپس همه گره ها را باز می کند، توصیف های رنگارنگ را باز می کند، دیالوگ های درخشان و شوخ طبعی خلق می کند. قهرمانان مثبت بهترین رمان های او از نظر درخشندگی دست کمی از شخصیت های تاریخی ندارند و گاه در برجستگی شخصیت ها و سرزندگی از آنها پیشی می گیرند. چنین هستند گاسکونی دی "آرتگنان و دوستانش، با انرژی، شجاعت، نبوغ، نگرش فعال به دنیا. ماجراهای عاشقانه آنها بر این اساس استوار است که آنها در کنار ضعیفان و آزرده ها، علیه شر و شر می جنگند. فریب رمان های دوما حاوی یک اصل انسان گرایانه است، آنها با زندگی مردم ارتباط دارند و این تضمین طول عمر آنهاست.

زیبایی شناسی V. هوگو. پیشگفتار درام «کرامول» به عنوان مانیفست رمانتیسم فرانسوی.

مانیفست واقعی رمانتیسم فرانسوی پیشگفتار کرامول (1827) بود. کلاسیک گرایی جایگاه ویژه ای در تئاتر داشت. و اگرچه درام های عاشقانه از قبل وجود داشت، هیچ یک از آنها روی صحنه نرفتند. هوگو تصمیم گرفت به تجربه شکسپیر (که با روحیه رمانتیک درک می شود) روی آورد. او اثری نه در ژانر تراژدی، بلکه در ژانر درام تاریخی رمانتیک خلق کرد. درام "کرامول" در مورد انقلاب بورژوایی انگلیس در قرن هفدهم گفت. رهبر آن کرامول به عنوان یک شخصیت قوی نشان داده شد. اما، بر خلاف قهرمانان جامد کلاسیک، کرامول یک تناقض اخلاقی را تجربه می کند: با سرنگونی پادشاه، او آماده است انقلاب را تغییر دهد و پادشاه شود. درام نوآورانه بود، اما به اندازه کافی منظره نبود. با این حال، "پیشگفتار" آن نقش بزرگی در پیروزی رمانتیسم داشت.

هوگو در پیشگفتار کرامول ایده های خود را در مورد تاریخ جامعه و ادبیات بیان می کند. شاعر معتقد است که بشر در تکامل خود سه دوره را پشت سر گذاشته است.

در دوران ابتدایی، مردی که طبیعت او را به عنوان مخلوق خدا تحسین می کرد، به افتخار او سرودها و قصیده هایی می ساخت. بنابراین ادبیات با غزلی آغاز می شود که رأس آن کتاب مقدس است.

در دوران باستان (آنتیک)، حوادث (جنگ ها، پیدایش و نابودی دولت ها) داستانی را خلق می کنند که در شعر حماسی منعکس می شود. اوج آن هومر است. هوگو خاطرنشان می کند که تئاتر یونان باستان نیز حماسی است، "تراژدی فقط حماسه را تکرار می کند."

دوره سوم (بعد از جوانی و بلوغ، آن دوران پیری بشر) با استقرار مسیحیت آغاز می شود. این به شخص نشان داد که دو زندگی دارد: «یکی گذرا، دیگری جاودانه. یکی زمینی است، دیگری آسمانی. مسیحیت دو اصل متخاصم را در انسان کشف کرد - فرشته و جانور. در ادبیات، عصر جدید با تضادها و تضادهایش در درام منعکس می شود. اوج ادبیات مدرن شکسپیر است.

طرح توسعه تاریخ، که توسط هوگو ارائه شده است، اکنون ساده لوحانه و اشتباه به نظر می رسد. اما اهمیت آن در مبارزه با کلاسیکیسم بسیار زیاد بود. اساس زیبایی شناسی کلاسیک گرایی - ایده تغییرناپذیری آرمان زیبایی شناختی و اشکال هنری بیانگر آن را از بین برد. به لطف این طرح، هوگو توانست ثابت کند که پیدایش رمانتیسیسم طبیعی است. علاوه بر این، از نظر رمانس، کلاسیک، حتی در زمان اوج خود، حق وجود نداشت. در واقع، تراژدی کلاسیک توسط درام‌های باستانی هدایت می‌شد که به گفته هوگو، آثاری حماسی بودند و دوران مدرن مستلزم درام است.

هوگو معتقد است که «ویژگی درام واقعیت است». بنابراین، برخلاف ادعای کلاسیک گرایان که فقط باید طبیعت «دلپذیر» را به تصویر کشید، هوگو خاطرنشان می کند: «... هر چیزی که در طبیعت است در هنر نیز هست». او خواستار از بین بردن مرزهای بین ژانرها، ترکیب کمیک و تراژیک، عالی و پست، کنار گذاشتن وحدت زمان و وحدت مکان است، زیرا این واحدها که فقط اعتبار بیرونی به درام می بخشد، نویسنده را وادار می کند. عقب نشینی از یک تصویر واقعی از واقعیت شکسپیر در درام‌هایش نمونه‌ای عالی از چنین هنری، فارغ از قواعد مرسوم، ارائه می‌کند. با این حال، هوگو معتقد است که تقلید از شکسپیر موفقیتی برای عاشقانه به همراه نخواهد داشت. خود نویسنده به سنت ملی به ویژه مولیر نزدیکتر است.

دعوت به تقلید از طبیعت، هوگو را به رئالیسم نمی کشاند. با تأکید بر اصول رمانتیک نوع‌سازی مشخص می‌شود. هوگو در مقایسه درام با آینه می نویسد: «... درام باید یک آینه متمرکز باشد». اگر کلاسیک گرایان نمونه هر یک از اشتیاق انسانی بودند، پس هوگو در هر تصویر تلاش می کند تا دو چنین شوری را به هم بریزد، که یکی از آنها ایده آل، والا را در یک شخص آشکار می کند و دیگری - پایه.

گروتسک. تئوری امر متعالی توسط کلاسیک گرایان مطرح شد. هوگو نظریه گروتسک را به عنوان وسیله ای برای تقابل ذاتی در ادبیات جدید و نقطه مقابل امر متعالی توسعه می دهد. گروتسک بیان متمرکزی است، از یک سو، زشت، وحشتناک، و از سوی دیگر، کمیک و دلقک. گروتسک به اندازه خود زندگی متنوع است. زیبا فقط یک شکل دارد. زشت هزار تا از آنها دارد... "گروتسک به ویژه زیبایی را به نمایش می گذارد، این هدف اصلی آن در یک اثر عاشقانه است.

ایده های مطرح شده در "پیشگفتار کرامول" اساس زیبایی شناسی رمانتیک های فرانسوی در اواخر دهه 20 و 30 قرن نوزدهم شد.

36. درام رمانتیک اثر وی هوگو ("ماریون دلورم" یا "روی بلاس")

در سال 1829، هوگو درام "Marion Delorme" ("Marion de Lorme"، 1831) را نوشت، که در آن برای اولین بار در یک فرم بسیار هنری، اصول "پیشگفتار" کرامول را تجسم کرد.

هوگو طرح را از دوران باستان نگرفت، اما آن را در تاریخ ملی یافت. او "رنگ" تاریخی را با نشان دادن دقیق زمان عمل (1638) و درگیر کردن شخصیت‌های تاریخی در طرح (لوئیس سیزدهم، کاردینال ریشلیو، خود ماریون دلورم قهرمان و غیره) ایجاد کرد. میل به ایجاد یک "طعم محلی" در درام با از بین بردن وحدت مکان ترکیب شد (اکشن اکنون در بلوآ رخ می دهد، سپس در Chambord و سپس در مکان های دیگر). وحدت زمان هم از بین می رود، اما وحدت عمل حفظ می شود.

تعدادی از ویژگی ها درام را به تراژدی کلاسیک نزدیک می کند. تقسیم قهرمانان به مثبت (ماریون، دیدیه محبوبش) و منفی (ریشلیو، جاسوسش قاضی لافماس) حفظ شده است. با این وجود، اولا، در میان چیزهای خوب، هیچ ایده آلی وجود ندارد. هر کدام از آنها اشتباهات اخلاقی بزرگی در زندگی مرتکب شدند. ایده آل بودن این قهرمانان فقط به عنوان یک روند حفظ می شود. ثانیاً، در کلاسیک گرایی، پادشاهان و اشراف چیز خوبی بودند، در هوگو - برعکس، ماریون دلورم - یک جلیقه زن سابق که به عنوان شادی برای فاسقان نجیب خدمت می کرد. دیدیه یتیم است، او نمی داند والدینش چه کسانی هستند. افراد نجیب کمتر توانایی ایده آلیسم را دارند. بنابراین، مارکی دو ساورنی، رقیب دیدیه در عشق، قادر به پستی است و فقط در حساس ترین لحظه نجیبانه عمل می کند. اما در جامعه استبداد، اشراف محکوم به نابودی است، اما ظلم و بی اخلاقی شکوفا می شود. با این ویژگی ها است که افراد نجیب - کاردینال ریشلیو و حتی پادشاه - وقف شده اند.

هوگو به پیروی از کلاسیک ها معتقد بود که درام باید به صورت شعر نوشته شود. با این حال، شاعر در بیت اسکندریه که با آن «ماریون دلورمه» را نوشت، تغییراتی ایجاد کرد (آنها مربوط به مکان مکث، قافیه و غیره بودند). سردی کلاسیک سبک با زبان احساسی شخصیت ها جایگزین شد.

هوگو بهترین درام خود "روی بلاس" ("روی تعصب") را در سال 1818 نوشت. ای. زولا در مورد این نمایشنامه چنین صحبت کرد: "بدبینانه ترین و خشن ترین درام های هوگو." هوگو در مقدمه درام به بررسی مشکل تماشاگر می پردازد. زنان در تئاتر به دنبال لذت برای قلب، قدردانی از احساسات، تلاش برای تراژدی. متفکرانی که به دنبال خوراکی برای فکر هستند، آن را در شخصیت قهرمانان، در کمدی می یابند. جمعیت به دنبال لذت برای چشم است. او جذب اکشن روی صحنه شده است، بنابراین ملودرام را دوست دارد. در Ruy Blazy، هوگو تصمیم گرفت ویژگی های تراژدی، کمدی و ملودرام را با هم ترکیب کند تا همه تماشاگران بازی او را تحسین کنند.

طرح داستان بر اساس اتفاقات استثنایی است: روی بلاس پیاده‌روی عاشق ملکه اسپانیایی شد. یک چرخش غیرمنتظره سرنوشت به روی بلاس، تحت نام اشراف زاده دون سزار د بازان، اجازه داد تا لطف ملکه را به دست آورد و وزیر شود. در این موقعیت، انحصار رمانتیک شخصیت روی بلاس آشکار می شود. معلوم شد لاکی یک متفکر برجسته دولتی است. تصمیمات او با خرد و انسانیت شگفت زده می شود. اما ظهور روی بلاس تنها بخشی از دسیسه دون سالوستیوس د بازان بود که از ملکه آزرده خاطر شده بود. دسیسه علیه ملکه شکست خورد، اما او حقیقت را در مورد منشاء روی بلاس فهمید و او را تحقیر کرد. روی بلاس مسموم شده است.

فرانسه پس از سقوط ناپلئون زندگی سیاسی پرتنشی دارد. قرن نوزدهم با طغیان های انقلابی جدید مشخص شد. احیای قدرت سلطنتی (سلسله بوربون) در سال 1815 منافع کشور را برآورده نکرد. این قدرت توسط اشراف زمین دار و کلیسای کاتولیک حمایت می شد. نارضایتی اجتماعی اکثریت قریب به اتفاق جمعیت کشور، اعتراضات علیه این حکومت منجر به انقلاب ژوئیه 1830 شد. اعتراضات اجتماعی، انتقاد از نظم موجود، آشکار یا پنهان، به اشکال مختلف بیان می شد: در مقالات روزنامه ها، در نقد ادبی. و البته در تئاتر.

در طول دهه 20. در فرانسه، رمانتیسم به عنوان گرایش هنری پیشرو در حال ظهور است: نظریه ادبیات رمانتیک و درام رمانتیک در حال توسعه است.

نظریه پردازان رمانتیسم وارد مبارزه ای قاطع با کلاسیک گرایی می شوند که ارتباط خود را با تفکر اجتماعی پیشرفته کاملاً از دست داده و به سبک رسمی سلطنت بوربون تبدیل شده است. اکنون او با ایدئولوژی ارتجاعی بوربن ها همراه بود و به عنوان یک روتین، بی اثر و به عنوان مانعی برای توسعه روندهای جدید در هنر تلقی می شد. رمانتیک ها علیه او شورش کردند.

در رمانتیسم این زمان نیز ویژگی های رئالیسم با رنگ آمیزی انتقادی آن به چشم می خورد.

نظریه پردازان اصلی رمانتیسم، رمانتیست «ناب» وی. هوگو و استاندال واقع گرا بودند. پرسش‌های نظری رمانتیسیسم در مجادلات با کلاسیک‌ها مطرح می‌شوند: هوگو در «پیشگفتار» درام «کرامول» و استاندال در مقاله «راسین و شکسپیر» این کار را انجام می‌دهند.

نویسندگان برجسته این زمان - مریمه و بالزاک - به عنوان رئالیست عمل می کنند، اما رئالیسم آنها با لحن های رمانتیک ترسیم شده است. این امر به ویژه در نمایشنامه های آنها مشهود است.

درام عاشقانه به سختی وارد صحنه شد. کلاسیک گرایی در تئاترها حاکم بود. اما درام عاشقانه یک متحد در چهره داشت ملودرامملودرام به عنوان یک ژانر دراماتیک جای خود را در کارنامه تئاترهای بلوار تثبیت کرده است. او تأثیر زیادی بر ذائقه مردم، درام مدرن و به طور کلی هنرهای نمایشی داشت.

ملودرام محصول مستقیم رمانتیسم است. قهرمانان او افرادی هستند که توسط جامعه و قانون طرد شده اند و از بی عدالتی رنج می برند. در پلات ملودرام ها تضاد شدید خیر و شر وجود دارد. و این تعارض به خاطر عموم مردم همیشه به نفع خیر یا کیفر منکر حل شده است. از محبوب ترین ملودرام ها می توان به «ویکتور یا بچه جنگل» اثر پیکسرکور، «زاغی دزد» اثر کنی، «سی سال یا زندگی قمارباز» اثر دوکانژ اشاره کرد. دومی وارد کارنامه بازیگران بزرگ تراژیک قرن نوزدهم شد. در خلاصه داستان آن آمده است: قهرمان ابتدای نمایش، جوانی پرشور است که به بازی ورق علاقه دارد و در آن توهم مبارزه و پیروزی بر راک را می بیند. اما، تحت قدرت هیپنوتیزم هیجان، او همه چیز را از دست می دهد، تبدیل به یک گدا می شود. او که از فکر مداوم کارت ها و بردها غرق شده بود، مرتکب جنایت می شود و در نهایت می میرد و تقریباً پسر خود را می کشد.

همه اینها با افکت های صحنه ای که بیانگر وحشت هستند همراه است. اما، با وجود این، ملودرام مضمون جدی و قابل توجهی از محکومیت جامعه مدرن را نشان می دهد، جایی که آرزوهای جوانی، انگیزه های قهرمانانه به احساسات شیطانی و خودخواهانه تبدیل می شود.

پس از انقلاب 1830، سلطنت بوربن با سلطنت بورژوازی لوئی فیلیپ جایگزین شد. حال و هوای انقلابی و سخنرانی های انقلابی متوقف نشد.

رمانتیسم دهه 30-40. به تغذیه از روحیه نارضایتی عمومی ادامه داد و جهت گیری سیاسی آشکاری پیدا کرد: او بی عدالتی نظام سلطنتی را محکوم کرد و از حقوق بشر دفاع کرد. این زمان (یعنی دهه 30-40 قرن نوزدهم) بود که اوج تئاتر رمانتیک بود.هوگو، دوما پر، دو وینی، دو موسه نمایشنامه نویسان رمانتیسم هستند. مکتب عاشقانه بازیگری توسط Bocage، Dorval، Lemaitre نمایندگی شد.

ویکتور هوگو(1802-1885) در خانواده یک ژنرال ارتش ناپلئونی به دنیا آمد، مادرش از یک خانواده ثروتمند بورژوا بود. دیدگاه های سلطنتی در خانواده یک امر عادی است.

تجارب ادبی اولیه هوگو او را به عنوان یک سلطنت طلب و کلاسیک نشان داد. اما فضای سیاسی دهه 20. به طور جدی او را تحت تأثیر قرار داد، او عضو جنبش رمانتیک شد، و سپس - رهبر رمانتیسیسم مترقی.

نفرت از بی عدالتی اجتماعی، حمایت از ستمدیدگان و محرومان، محکومیت خشونت، موعظه انسان گرایی - همه این ایده ها باعث تغذیه رمان ها، دراماتورژی، روزنامه نگاری، جزوه های سیاسی او شد.

آغاز درام او درام «کرامول» (1827) است. وی در مقدمه آن بیان کرد باور زیبایی‌شناختی رمانتیسمایده اصلی در اینجا شورش علیه کلاسیک گرایی و قوانین زیبایی شناختی آن است. او با اعتراض به «نظریه ها»، «شاعر»، «مدل ها»، آزادی خلاقیت هنرمند را اعلام می کند. او تأکید می کند که «نمایش آینه ای است که طبیعت در آن منعکس می شود. اما اگر این یک آینه معمولی باشد، با سطح صاف و صاف، بازتابی کسل کننده و صاف، درست، اما بی رنگ می دهد ... درام باید یک آینه متمرکز باشد که سوسو زدن را به نور و نور را به شعله تبدیل کند. V. Hugo. منتخب درام T.1.-L.، 1937، ص 37.41).

هوگو نقاط عطف کلیدی را ارائه می دهد نظریه های گروتسک رمانتیک، توسعه و تجسم آن - در تمام کارهای او.

"گروتسک یکی از زیبایی های درام است." از طریق گروتسک، که او نه تنها به عنوان اغراق، بلکه به عنوان ترکیبی، ترکیبی از جنبه های متضاد و، به قولی، متقابل متقابل واقعیت درک می کند، است که بالاترین کاملی از افشای این واقعیت به دست می آید. از طریق ترکیب بالا و پایین، غم انگیز و خنده دار، زیبا و زشت، تنوع زندگی را درک می کنیم.

برای هوگو، شکسپیر الگوی هنرمندی بود که به طرز هوشمندانه ای از گروتسک در هنر استفاده می کرد. او گروتسک شکسپیر را همه جا می بیند. شکسپیر «حالا خنده را وارد سنت می کند، اکنون وحشت. او ترتیب ملاقات بین داروساز و رومئو، سه جادوگر با مکبث، گورکن ها با هملت را می دهد.

شورش هوگو همچنین در این واقعیت بود که او بدون دست زدن مستقیم به سیاست، با کلاسیک گرایی مخالفت می کند و آن را رژیم ادبی قدیمی می نامد: "در حال حاضر، یک رژیم ادبی قدیمی به عنوان یک رژیم قدیمی سیاسی وجود دارد". بنابراین او کلاسیک گرایی را با سلطنت مرتبط می کند.

هوگو 7 درام عاشقانه نوشت: "کرامول"(1827), "ماریون دلورم"(1829), "ارنانی"(1830), "پادشاه در حال تفریح ​​است"(1832), "مری تودور"(1833) "روی بلاس"(1838). اما نه "کرامول" و نه "ماریون دلورم" نتوانستند روی صحنه بروند: "کرامول" - به عنوان یک "درام متهورانه صادقانه" و "ماریون دلورم" - به عنوان درامی که در آن درگیری تراژیک عشق بلند و شاعرانه یک جوانی بی ریشه و یک اطلسی با قوانین غیرانسانی سلطنت بیان می شود. در آن، هوگو شاه را منفی نشان داد.

اولین درامی که این صحنه را دید ارنانی (1830) بود. در آن، هوگو اسپانیا قرون وسطی را به تصویر می کشد. کل سیستم ایدئولوژیک - عاطفی آزادی احساسات، حق یک فرد برای دفاع از ناموس را تأیید می کند. قهرمانان خود را در کردار و در عشق فداکارانه و در سخاوت نجیبانه و در قساوت انتقام نشان می دهند. در یک کلام، این یک درام عاشقانه معمولی با موقعیت های استثنایی، احساسات استثنایی، رویدادهای ملودراماتیک است. شورش در تصویر سارق ارنانی، یک انتقام جوی عاشقانه بیان می شود. درگیری غم انگیز با برخورد عشق متعالی و درخشان با دنیای تاریک اخلاق فئودالی-شوالیه ای از پیش تعیین شده است. درگیری ارنانی با شاه به رنگ‌های اجتماعی اضافه می‌شود.

درام «ارنانی» روی صحنه «کمدی فرانسه» روی صحنه رفت. این یک پیروزی بزرگ برای رمانتیسم بود.

پس از انقلاب 1830، رمانتیسیسم به جریان اصلی تئاتر تبدیل شد. در سال 1831 "ماریون دلورم" در صحنه ظاهر می شود. سپس - یکی پس از دیگری: "شاه سرگرم می کند" (1832)، "مری تودور" (1833)، "روی بلاس" (1838). همه آنها به دلیل توطئه های سرگرم کننده، جلوه های ملودراماتیک درخشان موفقیت بزرگی داشتند. اما دلیل اصلی محبوبیت در جهت گیری سیاسی-اجتماعی، شخصیت دموکراتیک است.

پاتوس دموکراتیک به ویژه در درام «روی بلاس» برجسته است. این اکشن در اسپانیا در پایان قرن هفدهم رخ می دهد. اما این نمایشنامه مانند نمایشنامه های دیگری که بر اساس مطالب تاریخی نوشته شده اند، یک درام تاریخی نیست. این بر اساس داستان های شاعرانه است. روی بلاس یک قهرمان رمانتیک، پر از نیات بالا و انگیزه های نجیب است. او آرزوی خیر کشورش را داشت و به انتصاب بلند خود ایمان داشت. اما او نتوانست چیزی در زندگی به دست آورد و مجبور می شود به یک نجیب زاده ثروتمند و نجیب نزدیک به دربار سلطنتی تبدیل شود. دون سالوست د بازان (این نام این نجیب زاده است) بدخواه و حیله گر می خواهد از ملکه ای که عشق او را رد کرده است انتقام بگیرد. برای انجام این کار، او به روی بلاس نام و تمام القاب خویشاوند خود - دون سزار د بازان - منحل شده را می دهد. با این نام، روی بلاس قرار است معشوق ملکه شود. این نقشه موذیانه سالوست است: ملکه مغرور معشوقه پیاده است. همه چیز طبق برنامه پیش می رود. اما روی بلاس نجیب ترین، باهوش ترین و شایسته ترین فرد در دادگاه است. در میان همه اشراف زادگانی که قدرت به آنها تعلق دارد، تنها مردی است که مردی با اندیشه دولتمردان است. در جلسه شورای سلطنتی، روی بلاس سخنرانی طولانی ای ارائه می کند که در آن دسته دربار را که کشور را ویران کرده و دولت را به آستانه مرگ رسانده، متهم می کند. این اولین باخت سالوست است و دومین باخت این است که او نتوانست ملکه را رسوا کند، اگرچه او عاشق روی بلاس شد. روی بلاس سم را می نوشد و راز نام او را از بین می برد.

هوگو در این نمایشنامه برای اولین بار از تکنیک های ترکیب تراژیک و کمیک استفاده می کند. این امر عمدتاً در چهره ترسناک دون سزار واقعی، یک اشراف ویران شده، مست، بدبین، و برادرش بیان می شود.

«روی بلاس» در تئاتر موفقیت متوسطی داشت. تماشاگران شروع به خنک شدن به سمت رمانتیسم کردند.

هوگو سعی کرد نوع جدیدی از درام رمانتیک خلق کند - تراژدی حماسی The Burgraves (1843). اما بدون صحنه بود و نه تنها موفقیتی نداشت، بلکه شکست خورد. پس از آن، هوگو از تئاتر دور شد.

الکساندر دوما(دوما-پدر) (1802-1870) نزدیکترین همکار هوگو بود. در دهه 20-30. یکی از اعضای فعال جنبش رمانتیک بود. او علاوه بر رمان (سه تفنگدار، کنت مونت کریستو، ملکه مارگو و...) در دهه های 1930 و 1940 66 نمایشنامه نوشت. شهرت تئاتر اولین نمایشنامه او "هنری سوم و دربارش" را به ارمغان آورد. در سال 1829 در تئاتر اودئون روی صحنه رفت. اجراهای زیر این موفقیت را تثبیت کردند: آنتونی (1831)، برج نلسکایا (1832)، کین، یا نابغه و هرزگی (1836) و دیگران. آن روحیه شورش را مانند هوگو نداشته باشید.

دوما از تکنیک های ملودرام نیز استفاده می کرد که به نمایشنامه هایش جلوه ای سرگرم کننده و صحنه ای خاص می بخشید، اما گاهی سوء استفاده از ملودرام او را به مرز بد سلیقه می رساند (تصویر وحشت - قتل، اعدام، شکنجه در آستانه طبیعت گرایی بود. ).

در سال 1847، دوما تئاتر تاریخی خود را با نمایش "ملکه مارگو" افتتاح کرد، که در آن نمایش هایی قرار بود که صحنه هایی از تاریخ ملی فرانسه را به نمایش بگذارند. او جایگاه برجسته ای در تاریخ تئاترهای بلوار پاریس به دست آورد. اما تئاتر تاریخی او تنها 2 سال دوام آورد و در سال 1849 تعطیل شد.

دوما نویسنده موفق مد از رمانتیسم دور می شود، آن را کنار می گذارد و از نظم بورژوایی دفاع می کند.

پرواسپر مریمی(1803-1870). گرایش های واقع گرایانه در آثار او بیان شده است. دیدگاه او تحت تأثیر فلسفه روشنگری شکل گرفت.

در آثار او، عصیان عاشقانه علیه واقعیت جای خود را به تصویری شدیدا انتقادی و حتی طنزآمیز از خود واقعیت داده است.

مریمی در مبارزه با کلاسیک گرایی شرکت کرد و در سال 1825 مجموعه ای از نمایشنامه ها به نام "تئاتر کلارا گاسول" را منتشر کرد. کلارا گاسول - بازیگر اسپانیایی؛ مریم با این نام رنگ نمایشنامه هایی را که به شیوه کمدی های تئاتر قدیمی اسپانیا نوشته شده بود توضیح داد. و رمانتیک ها، همانطور که می دانید، در تئاتر رنسانس اسپانیا ویژگی های یک تئاتر رمانتیک را دیدند - مردمی، آزاد، بدون اطلاع از قوانین کلاسیک.

مریمه در تئاتر کلارا گسول مثال درخشانی از اصل آزادی خلاقیت و امتناع از پیروی از قوانین زیبایی شناسی هنجاری کلاسیک ارائه داد. چرخه نمایشنامه‌های این مجموعه، گویی آزمایشگاهی خلاقانه برای نمایشنامه‌نویس بود که رویکردی نو در به تصویر کشیدن شخصیت‌ها و احساسات، ابزارهای جدید بیان و فرم‌های نمایشی یافت.

این مجموعه گالری از تصاویر روشن، واقعی، هرچند گاهی عجیب و غریب را نشان می دهد (شخصیت ها از همه طبقات هستند). یکی از موضوعات نکوهش روحانیت است. و اگرچه قهرمانان کمدی های مریمی افرادی قوی و پرشور هستند که در موقعیتی استثنایی قرار دارند و کارهای خارق العاده ای انجام می دهند، اما باز هم قهرمانان رمانتیک نیستند. زیرا به طور کلی تصویری از آداب و رسوم اجتماعی (که به واقع گرایی نزدیکتر است) ایجاد می کنند.

رنگ آمیزی رمانتیک موقعیت به عنوان کنایه (یا حتی تقلید از یک درام عاشقانه) عمل می کند. مثال: "عشق آفریقایی" - در این نمایش، مریمی به نامحتمل بودن احساسات "دیوانه" قهرمانان نمایش می خندد و ماهیت نمایشی و ساختگی آنها را آشکار می کند. یکی از قهرمانان درام، بادیه زین، عاشق غلام دوستش حاجی نعمان است، به طوری که نمی تواند بدون او زندگی کند. اما معلوم شد که این تنها عشق او نیست. حاجی نعمان او را می کشد و او در حال مرگ موفق می شود بگوید که زنی سیاهپوست است که از او بچه دار می شود. این مسئله حاجی نعمان را شوکه می کند و او یک غلام بی گناه را می کشد. در همین لحظه خادمی ظاهر می شود و اعلام می کند که «شام سرو شد، نمایش تمام شد». همه "کشته شدگان" بلند می شوند.

مریمی برای کاهش ترحم عاشقانه اغلب از تکنیک برخورد یک سبک بلند و رقت انگیز گفتار با زبان معمولی، محاوره ای و حتی مبتذل خیابانی استفاده می کند.

"کالسکه هدایای مقدس" (یک کمدی طنز از تئاتر کلارا گاسول) آداب و رسوم بالاترین اداره دولتی و "شاهزاده های کلیسا" (نایب السلطنه، دربار او و اسقف) را به سخره می گیرد. همه آنها به دستان بازیگر جوان چابک پریکولا ختم می شود.

مریمه آرزوی خلق یک درام تاریخی ملی را داشت. اینگونه بود که نمایشنامه "ژاکری" (1828) که به قیام دهقانان قرن چهاردهم اختصاص داشت ظاهر شد. این نمایشنامه در فضای یک خیزش انقلابی قبل از حوادث 1830 خلق شد. نوآوری مریمی در این نمایش آشکار شد: قهرمان درام مردم هستند. تراژدی سرنوشت او، مبارزه و شکست او اساس داستان نمایشنامه را تشکیل می دهد. و در اینجا با رمانتیک‌هایی که نه حقیقت زندگی، بلکه حقیقت شعر را نشان می‌دهند، بحث می‌کند. او به حقیقت زندگی وفادار است، آداب و رسوم بی ادبانه و بی رحمانه، خیانت مردم شهر بورژوای ثروتمند، افق محدود و تنگ دهقانان و اجتناب ناپذیر بودن شکست آنها را نشان می دهد. (مریمه نمایشنامه را «صحنه هایی از دوران فئودالی» تعریف کرد. پوشکین یک درام ناتمام دارد «صحنه هایی از دوران جوانمردی». و «بوریس گودونف» (1825) نیز یک درام تاریخی عامیانه است، مانند «ژاکری» مریمه).

اما ژاکری در رپرتوار تئاترها گنجانده نشد.

آلفرد دو وینی(1797-1863) - همچنین یکی از نمایندگان برجسته درام عاشقانه. او از یک خانواده اصیل قدیمی بود. اما او مرد عصر جدیدی است: او آزادی را بالاتر از همه چیز قرار داد، استبداد پادشاهان و ناپلئون را محکوم کرد. در عین حال، او نمی توانست جمهوری بورژوایی را بپذیرد، معنای قیام های انقلابی دهه 1930 را درک نمی کرد، اگرچه از عذاب تاریخی اشراف آگاه بود. خصلت بدبینانه رمانتیسیسم او از این روست. این با انگیزه های "غم جهانی"، تنهایی غرورآفرین یک فرد در میان جهانی بیگانه با او، آگاهی از ناامیدی و عذاب غم انگیز مشخص می شود.

بهترین کار او یک درام عاشقانه است "چاترتون" (1835).

چترتون، شاعر انگلیسی قرن هجدهم اما این یک نمایشنامه بیوگرافی نیست. دی وینی سرنوشت غم انگیز شاعری را به تصویر می کشد که می خواهد استقلال شعر، آزادی خلاقیت، آزادی شخصی را حفظ کند. اما این دنیا ربطی به شعر و آزادی ندارد. با این حال، نمایشنامه را گسترده تر و عمیق تر کرد. نمایشنامه نویس خصومت دوران جدید با آزادی و انسانیت را پیش بینی کرده بود. دنیا غیر انسانی است و انسان در آن به طرز غم انگیزی تنهاست. طرح عاشقانه درام سرشار از معنای درونی است، زیرا بازی دو وینی نیز تراژدی از زنانگی و زیبایی است که به قدرت یک خوار ثروتمند داده شده است.

پاتوس ضد بورژوایی درام با اپیزودی که از نظر ایدئولوژیک مهم است، تقویت می‌شود که در آن کارگران از سازنده می‌خواهند جایی را به رفیقشان که توسط ماشینی در کارخانه‌اش فلج شده است، بدهد. مانند بایرون، که از منافع کارگران در مجلس اعیان دفاع کرد، اشراف دی وینی در اینجا متحد جنبش کارگری دهه 1930 است.

ويژگي رمانتيسم دو ويني در غياب خشم و شور و شعف مشخصه هوگو و دوما است. شخصیت‌ها سرزنده، معمولی و از نظر روانی توسعه یافته هستند. پایان درام - مرگ چترتون و کیتی - با منطق شخصیت های آنها، رابطه آنها با جهان تهیه شده است و یک اثر ملودراماتیک نیست.

این درام برای اولین بار در سال 1835 اجرا شد و موفقیت زیادی داشت.

آلفرد دو موسه(1810-1857) جایگاه ویژه ای در تاریخ تئاتر رمانتیک و درام رمانتیک دارد. او ارتباط نزدیکی با بنیانگذاران رمانتیسیسم دارد. رمان او "اعترافات یک پسر قرن"- یک رویداد مهم در زندگی ادبی فرانسه. قهرمان رمان زمانی وارد زندگی می شود که وقایع انقلاب کبیر فرانسه و جنگ های ناپلئونی از بین رفته اند، زمانی که مقامات "بازیابی می شوند، اما ایمان به آنها برای همیشه ناپدید شده است." موسه با رقت مبارزه برای ایده های آزادی و اومانیسم بیگانه بود. او از نسل خود خواست که «ناامیدی را از بین ببرند»: مسخره کردن شهرت، مذهب، عشق، همه چیز در جهان برای کسانی که نمی دانند چه کنند، آرامش بزرگی است.

این نگرش به زندگی در دراماتورژی او بیان شده است. در کنار یک موقعیت تغزلی و دراماتیک قوی، اینجا خنده است. اما این طنز نیست، این یک کنایه شیطانی و ظریف است که علیه همه چیز است: علیه نثر روزمره زندگی بدون زیبایی، علیه قهرمانی، علیه انگیزه های عاشقانه بالا. او حتی به آنچه که خود اعلام کرده است - در مورد فرقه ناامیدی - تمسخر می کند: "احساس ناراحتی بسیار خوب است، اگرچه در واقعیت فقط پوچی و ملال داری."

کنایه نه تنها اصل کمدی رمانتیکی است که او خلق کرد، بلکه حاوی گرایش های ضد رمانتیک نیز بود، به خصوص در دهه های 40 و 50.

در دهه 30. ایجاد شده "شب ونیزی"، "هوس های ماریانا"، "فانتزی".اینها نمونه های درخشانی از نوع جدیدی از کمدی رمانتیک هستند. مثلا، "شب ونیزی"(1830): روزتا خوش‌گذران و قمارباز عاشق لورتا است. او متقابلاً به او پاسخ می دهد. اما سرپرست او او را به عقد یک شاهزاده ثروتمند آلمانی می‌سپارد. رازتا سرسخت نامه و خنجر برای معشوقش می فرستد - او باید شاهزاده را بکشد و همراه با رازتا از ونیز فرار کند. در غیر این صورت خودش را می کشد. اما ناگهان عقل سلیم پیروز می شود: لورتا، پس از فکر کردن به بهترین عملکرد، تصمیم می گیرد از معشوق دیوانه و به علاوه ویران شده خود جدا شود و همسر یک شاهزاده ثروتمند شود. رازتا نیز معقولانه استدلال می کند، او همچنین داستان های تخیلی در مورد قتل و خودکشی را کنار می گذارد و همراه با گروهی از چنگک های جوان، برای صرف شام در یک گوندولا به آنجا می رود. در پایان، او آرزو می کند که همه حماقت ها به همین خوبی پایان یابد.

کمدی "فانتزی"(1834) با کنایه غم انگیزی آغشته است.

گاهی اوقات کمدی ها به پایان تراژیک ختم می شوند. - "هوس های ماریان"، "بدون شوخی با عشق" (1834).

بدبینی اجتماعی موست در درام بیشتر نمایان است "لورنزاچیو"(1834). این درامی است که بازتابی از عذاب غم انگیز تلاش برای تغییر مسیر تاریخ به شیوه ای انقلابی را بیان می کند. موسه در تلاش است تا تجربه دو انقلاب و تعدادی قیام انقلابی را که در زندگی سیاسی فرانسه در اوایل دهه 30 غنی است، درک کند.

داستان بر اساس وقایع فلورانس قرون وسطایی است. لورنزو مدیچی (لورنزاچیو) از استبداد متنفر است. او که رویای شاهکار بروتوس را در سر می پروراند، نقشه می کشد تا الکساندر مدیچی ظالم را بکشد و به سرزمین پدری آزادی بدهد. این اقدام تروریستی باید توسط جمهوریخواهان حمایت شود. لورنزاچیو دوک را می کشد، اما چیزی تغییر نمی کند. جمهوری خواهان در اظهار نظر مردد هستند. و طغیان های فردی نارضایتی مردمی توسط سربازان سرکوب شد. جایزه ای بر سر لورنزاچیو وجود دارد. و او را می کشند و خائنانه از پشت به او خنجر می زنند. جسد لورنزاچیو به تالاب انداخته می شود (یعنی دفن نمی شود). تاج فلورانس به دوک جدید تقدیم می شود.

این درام از تکنیک های رمانتیسم استفاده می کند، به شیوه ای آزاد و با بی توجهی کامل به قوانین کلاسیک نویسی شده است. 39 صحنه-اپیزود کوتاه آن به گونه ای متناوب هستند که به اکشن پوشش سریع و گسترده ای از رویدادها می دهند. شخصیت های اصلی به خوبی ترسیم شده اند.

ایده اصلی در مورد عدم امکان انقلاب اجتماعی است. نویسنده به قدرت معنوی قهرمان ادای احترام می کند، اما رمانتیسم یک عمل انقلابی فردی را محکوم می کند. افرادی که با ایده آزادی همدردی می کنند، اما جرات پیوستن به مبارزه را ندارند، نیز محکوم می شوند. در درام، تأثیر شکسپیر قابل توجه است - تصویری گسترده از دوران در تضادهای اجتماعی آن، ظلم اخلاق.

پس از لورنزاچیو، موست به موضوعات بزرگ اجتماعی روی نمی آورد. از نیمه دوم دهه 30. او کمدی های ظریف و شوخ طبع از زندگی جامعه سکولار می نویسد - "شمعدان" (1835), "کاپریس"(1837). در اواسط دهه 40. ماست ژانر خاصی از کمدی های ضرب المثل را توسعه می دهد، اما این ها کمدی های سالنی-اشرافی هستند.

سرنوشت صحنه نمایش موسه بسیار مشخصه تئاتر فرانسه در دوره سلطنت جولای است: نمایشنامه های اولیه موسه که از نظر ایدئولوژیک مهم ترین و در فرم بدیع بودند، مورد پذیرش تئاتر فرانسه قرار نگرفتند. صحنه پردازی نمایشنامه های موسه در روسیه کشف شد. در سال 1837، کمدی "Caprice" در سن پترزبورگ (با عنوان "ذهن یک زن بهتر از هر فکری است") روی صحنه رفت. موفقیت بزرگ این نمایش، تئاتر فرانسوی در سنت پترزبورگ را مجبور کرد که به آن روی بیاورد: به نفع آلن بازیگر به روی صحنه رفت که پس از بازگشت به فرانسه، آن را در کارنامه کمدی فرانسه گنجاند.

اما به طور کلی، نمایشنامه های موسه جایگاه برجسته ای در کارنامه تئاتر فرانسه نداشت و تأثیر محسوسی بر ظاهر ایدئولوژیک و زیبایی شناختی آن نداشت. آنها به عنوان نمونه ای از درام بدیع در تاریخ ماندند که تجسم صحنه ای تمام عیار در تئاتر زمان خود پیدا نکرد.

آگوستین یوجین اسکریب(1791-1864) نویسنده بورژوازی است. «... او را دوست دارد، او را دوست دارد، با مفاهیم و سلیقه‌های او سازگار شد تا خودش همه دیگران را از دست داد. اسکریب درباری، نوازشگر، واعظ، عارف، معلم، شوخی و شاعر بورژوازی است. بورژواها در تئاتر گریه می کنند، تحت تأثیر فضیلت خود، نقاشی توسط اسکریب، تحت تأثیر قهرمانی منشی و شعر پیشخوان» (هرزن).

او نمایشنامه نویسی پرکار، دارای استعداد، سخت کوشی بود، "قوانین" یک "نمایشنامه خوش ساخت" را به خوبی درک می کرد. او حدود 400 نمایشنامه نوشت. محبوبترین "برتراند و راتون" (1833), "نردبان شکوه" (1837), "لیوان آب" (1840), "آدرین لکوورر" (1849).

ب در باره بیشتر نمایشنامه ها با موفقیت بی نظیر روی صحنه تئاتر فرانسه رفتند و در خارج از فرانسه به شهرت رسیدند.

نمایشنامه های اسکریب از نظر محتوایی سطحی هستند، اما روحیه خوش بینانه و سرگرمی دارند. آنها برای عموم مردم بورژوا ایجاد شدند، اما طبقات دیگر نیز موفقیت داشتند. او در دهه 1930 در وودویل شروع به کار کرد. کمدی‌های وودویلی را با فتنه‌ای پیچیده و ماهرانه طراحی کرده و تعدادی از ویژگی‌های اجتماعی و روزمره زمان خود را به‌طور ظریفی می‌نویسد.

فلسفه ساده آنها به این واقعیت خلاصه می شود که شما باید برای موفقیت و سعادت مادی تلاش کنید ، زیرا فقط خوشبختی در آن نهفته است.

قهرمانان او بورژواهای مبتکر شادی هستند که هیچ فکری در مورد معنای زندگی، در مورد وظیفه، در مورد مسائل اخلاقی و اخلاقی ندارند. همه اینها برای آنها خالی است، آنها وقت ندارند، آنها باید به طرز ماهرانه ای امور خود را ترتیب دهند: ازدواج، ایجاد یک شغل سرگیجه آور سودآور است، و هر وسیله ای برای این وجود دارد - استراق سمع، ردیابی، کاشت نامه یا رهگیری یک نامه همه اینها هنجار رفتار است و زمانی برای نگرانی وجود ندارد.

بهترین بازی او این است "لیوان آب یا علت و معلول"(1840) که روی صحنه های تمام تئاترهای جهان رفت. این به نمایشنامه های تاریخی تعلق دارد، اما تاریخ فقط یک بهانه است: نام های تاریخی، تاریخ ها، جزئیات آبدار و هیچ چیز دیگری به نویسنده می دهد. نویسنده تلاشی برای آشکارسازی یا ردیابی الگوهای تاریخی ندارد. فتنه بر اساس مبارزه دو مخالف سیاسی ساخته شده است: لرد بولینگبروک و دوشس مارلبرو، مورد علاقه ملکه آن. کل «فلسفه تاریخ» اسکریب چنین است: «...فاجعه‌های سیاسی، انقلاب‌ها، سقوط امپراتوری‌ها اصلاً ناشی از دلایل عمیق و مهم نیستند. پادشاهان، رهبران، ژنرال‌ها خودشان در دام هوس‌ها، هوس‌ها، بیهودگی‌هایشان هستند، یعنی. کوچکترین و بدترین احساسات انسانی

تماشاگر بورژوایی که اسکریب روی او حساب می کرد، بی نهایت متملق بود که از قهرمانان و پادشاهان مشهور بدتر نیست. بنابراین اسکریب داستان را به یک حکایت صحنه ای درخشان تبدیل کرد. ریختن یک لیوان آب روی لباس ملکه انگلیس منجر به انعقاد صلح بین انگلیس و فرانسه شد. بولینگ بروک به این دلیل که در رقص سارابند مهارت داشت، وزارت را دریافت کرد، اما به دلیل سرماخوردگی آن را از دست داد. اما این همه پوچی در قالب نمایشی درخشانی پوشیده شده است، ریتمی عفونی به آن داده شده است و نمایشنامه بیش از 100 سال است که صحنه را ترک نکرده است.

فلیکس پیا(1810-1889) - خالق ملودرام اجتماعی. بر اساس دیدگاه های او، او یک جمهوری خواه، از اعضای کمون پاریس است. آثار او بر زندگی تئاتری در دوره 1830-1848 تأثیر گذاشت. (رشد احساسات انقلابی).

درام تاریخی ضد سلطنتی "آنگو"در تئاتر آمبیگو-کمیک در سال 1835 روی صحنه رفت، علیه پادشاه فرانسیس اول کارگردانی شد، که نامش با افسانه قهرمان ملی - شاه شوالیه، روشنگر و انسان دوست همراه بود. درام این "جذاب ترین پادشاه" را به نمایش می گذارد.

ملودرام اجتماعی «پاریسی کهنه زن» شاخص ترین اثر پیا است. در سال 1847 در تئاتر "Porte Saint-Martin" به روی صحنه رفت و موفقیت بزرگ و ماندگاری داشت. هرزن از این درام که بیانگر اعتراض اجتماعی علیه جامعه عالی سلطنت جولای است، بسیار قدردانی کرد. خط اصلی داستان، داستان ظهور و سقوط هافمن بانکدار است. در پیش درآمد نمایشنامه، پیر گاروس، ویران شده و تمایلی به کار ندارد، دست به سرقت و قتل می زند. در اولین اقدام، قاتل و سارق یک فرد محترم است. با پنهان کردن نام و گذشته خود، او به طرز ماهرانه ای از غارت استفاده کرد و اکنون یک بانکدار برجسته - بارون هافمن است. اما پدر کهنه‌چین، ژان، یک مرد فقیر صادق، یک قهرمان عدالت، به طور تصادفی شاهد جنایتی بود که آغاز کار هاروس هافمن بود. در پایان نمایش، هافمن لو می رود و مجازات می شود. و اگرچه پایان با حقیقت زندگی مطابقت نداشت ، اما خوش بینی ذاتی در ملودرام - ایمان به قانون پیروزی خیر را بیان کرد.

آنوره دابالزاک(1799-1850). در آثار او آرزوهای واقع گرایانه درام فرانسوی دهه 30 و 40 با بیشترین قدرت و کمال تجلی یافت.

کار بالزاک مهمترین مرحله در بسط و درک نظری روش رئالیسم انتقادی است.

بالزاک به دقت واقعیات زندگی، اساس پدیده های اجتماعی را مطالعه کرد، آنها را تجزیه و تحلیل کرد تا معنای کلی آنها را به دست آورد و تصویری از "انواع، احساسات و رویدادها" ارائه دهد.

او متقاعد شده بود که نویسنده باید یک مربی و مربی باشد. و وسیله برای این کار، تئاتر، دستیابی به آن و قدرت تأثیرگذاری بر تماشاگر است.

بالزاک منتقد تئاتر معاصر بود. او درام رمانتیک و ملودرام را به عنوان نمایشنامه هایی به دور از زندگی محکوم کرد. او در پی آن بود که اصول رئالیسم انتقادی، حقیقت زندگی را وارد تئاتر کند. اما مسیر خلق یک نمایشنامه واقعی دشوار بود. در نمایشنامه های اولیه او وابستگی به تئاتر رمانتیک وجود دارد. در دهه 40. پربارترین و پخته ترین دوره کار خود را آغاز می کند.

او 6 نمایشنامه نوشت: مدرسه ازدواج (1839)، واترین (1839)، امیدهای کینولا (1841)، پاملا ژیرو (1843)، تاجر (1844)، نامادری (1848).

کمدی "تاجر"- این یک تصویر طنز صادقانه و واضح از اخلاق معاصر است. همه قهرمانان کمدی تشنه غنی شدن هستند و همه وسایل برای این کار خوب است. اینکه یک فرد کلاهبردار و مجرم باشد یا یک تاجر محترم، با موفقیت یا شکست کلاهبرداری او تعیین می شود.

شخصیت اصلی یک تاجر Mercade است. او باهوش، بصیر، با اراده و بسیار جذاب است. بنابراین به راحتی می توان از شرایط سخت و حتی ناامید کننده خارج شد. طلبکاران قیمت او را می دانند و آماده اند او را به زندان بیاندازند، اما تسلیم اراده، جذابیت او می شوند و از قبل حاضرند نه تنها او را باور کنند، بلکه در ماجراجویی های او نیز کمک کنند. او کاملاً درک می کند که بین مردم پیوندهای دوستی، نجابت وجود ندارد، بلکه فقط یک مبارزه رقابتی برای سود وجود دارد. همه چیز برای فروش است!

واقع گرایی بالزاک خود را در تصویری صادقانه از آداب اجتماعی، در تحلیلی بی رحمانه از جامعه مدرن تجار به عنوان یک پدیده اجتماعی نشان داد.

شاخص ترین آن از نظر ایدئولوژیک و هنری درام بالزاک است "مادر خوانده"،که در آن او به وظیفه خلق یک نمایشنامه "راستی" نزدیک شد. او این نمایشنامه را «درام خانوادگی» نامید، زیرا روابط خانوادگی را عمیقاً تحلیل می کرد. و این به درام معنای اجتماعی بزرگی داد.

در پس رفاه بیرونی و آرامش مسالمت آمیز یک خانواده مرفه بورژوایی، تصویری از مبارزه احساسات، اعتقادات سیاسی، نمایشی از حسادت، عشق، نفرت، استبداد خانواده و نگرانی پدرانه برای شادی فرزندان به تدریج آشکار می شود.

اکشن نمایشنامه در خانه یک سازنده ثروتمند، ژنرال سابق ناپلئونی، کنت دو گراندشان، اتفاق می افتد. شخصیت های اصلی زن کنت گرترود، دختر او از ازدواج اولش، پولینا، و کنت ویران شده فردیناند د مارکاندال هستند که اکنون مدیر کارخانه ژنرال است. پولینا و فردیناند همدیگر را دوست دارند، اما موانع غیر قابل حلی بر سر راه عشق آنها وجود دارد. ژنرال، در اعتقادات سیاسی خود، یک بناپارتیست سرسخت است، او از همه کسانی که شروع به خدمت به بوربن ها کردند متنفر است. و پدر فردیناند همین کار را کرد. فردیناند با نام جعلی زندگی می کند، زیرا می داند که ژنرال هرگز دخترش را به پسر "خائن" نمی دهد. مانع دوم این است که گرترود معشوقه فردیناند حتی قبل از ازدواج او بود. وقتی با ژنرال ازدواج کرد، امیدوار بود که او پیر شود و به زودی بمیرد و او، ثروتمند و آزاد، نزد فردیناند بازگردد. او برای عشق خود می جنگد، دسیسه ای بی رحمانه را برای جدا کردن عاشقان هدایت می کند. این درام روان‌شناختی حاوی عناصر ملودراماتیک و رمانتیک است: سرقت نامه‌ها، تهدید به افشای راز قهرمان، خودکشی عاشقان. اما نکته اصلی این است که در قلب همه وقایع غم انگیز "نامادری" پدیده های واقعیت اجتماعی نهفته است - ویرانی یک اشراف، دشمنی مخالفان سیاسی، ازدواج راحت.

بالزاک می خواست تراژیک زندگی روزمره را آشکار کند. این در دراماتورژی اواخر قرن نوزدهم تجسم یافت.

«نامادری در سال 1848 در تئاتر تاریخی به روی صحنه رفت. از میان تمام نمایش‌های بالزاک، او موفق‌ترین نمایشنامه را در میان مردم داشت.

موسسه آموزشی دولتی

آموزش عالی حرفه ای

موسسه دولتی زبان روسی

به نام A.S. Pushkin

دانشکده فلسفه

گروه ادبیات جهان

کار دوره ای در مورد تاریخ خارجی

ادبیاتنوزدهم قرن ها

انجام شد: دانشجوIIIدوره

دانشکده فیلولوژی

مشاور علمی: دستیار وزارت جهان

ادبیات.

مقطع تحصیلی:

مسکو 2006

مقدمه……………………………………………………………………………………………………………….

قسمت اصلی……………………………………………………………………………………………

فصلمن. رمانتیسم ویکتور هوگو…………………………………………………………………

فصلII.

هجوم به کلیسای جامع در عین حال نشان دهنده سیاست حیله گرانه پادشاه فرانسه در رابطه با طبقات اجتماعی مختلف پادشاهی خود است. شورش اوباش پاریسی که در ابتدا با قیامی علیه قاضی که از امتیازات و حقوق فئودالی گسترده ای برخوردار بود اشتباه گرفته می شود، توسط پادشاه با شادی محدودی درک می شود: به نظر می رسد که "مردم خوب" او به او کمک می کنند تا مبارزه کند. دشمنان او اما به محض اینکه پادشاه متوجه شد که اوباش نه به کاخ قاضی، بلکه به کلیسای جامعی که در اختیار اوست یورش می برند، آنگاه «روباه به کفتار تبدیل می شود». اگرچه مورخ لویی یازدهم، فیلیپ دو کومینس، او را «پادشاه مردم عادی» نامیده است، اما هوگو که به هیچ وجه تمایلی به باور چنین ویژگی هایی ندارد، به خوبی نشان می دهد که آرزوهای واقعی پادشاه چیست. فقط برای پادشاه مهم است که از مردم برای اهداف خود استفاده کند، او فقط تا جایی می تواند از اوباش پاریس حمایت کند.

زیرا او در مبارزه او علیه فئودالیسم به نفع او بازی می کند، اما به محض اینکه در راه منافع او قرار می گیرد، به طرز وحشیانه ای او را سرکوب می کند. در چنین لحظاتی، پادشاه و اربابان فئودال خود را همراه با کلیساها در یک طرف سنگرها می بینند، در حالی که مردم در طرف دیگر باقی می مانند. پایان تراژیک رمان منجر به این نتیجه تاریخی درست می شود: شکست جمعیت شورشی توسط سربازان سلطنتی و اعدام کولی، همانطور که کلیسا خواسته است.

پایانی کلیسای نوتردام، که در آن تمام قهرمانان رمانتیک آن با مرگی وحشتناک می میرند - کوازیمودو، کلود فرولو، اسمرالدا و مدافعان متعدد او از کاخ معجزات - بر درام رمان تأکید می کند و مفهوم فلسفی نویسنده را آشکار می کند. جهان برای شادی، شادی، مهربانی و خورشید چیده شده است، همانطور که رقصنده کوچک اسمرالدا آن را درک می کند. اما جامعه فئودالی این جهان را با دادگاه های ناعادلانه، ممنوعیت های کلیسا، خودسری های سلطنتی اش خراب می کند. طبقات بالا در مقابل مردم در این امر مقصرند. به همین دلیل است که نویسنده کلیسای نوتردام انقلاب را به عنوان پاکسازی و تجدید جهان توجیه می کند.

مفهوم فلسفی هوگو در دهه 1930 - دنیایی که بر خلاف چیزهای زیبا، آفتابی، شاد و بد، زشت، غیرانسانی و به طور مصنوعی توسط مقامات سکولار و روحانی به او تحمیل شده است - به طور ملموس در ابزار هنری رمانتیک نوتردام منعکس شده است. کلیسای جامع.

فصلIII.

ویکتور هوگو در روسیه.

در قرن سوم اکنون توجه محققان درگیر در ادبیات روسیه و اروپای غربی را به خود جلب کرده است. کار عظیمی انجام شده است: تأثیر هوگو بر نویسندگان روسی (پوشکین، لرمانتوف، نکراسوف، هرزن، داستایوفسکی، ال. تولستوی و دیگران) ردیابی شده است. تعداد قابل توجهی از آثار انتقادی بر روی آثار خود رمانتیست فرانسوی نوشته شده، آثار منظوم، نمایشی و منثور او ترجمه شده است.

ویکتور هوگو در مورد روسیه چه می دانست؟

روس‌هایی که در پاریس زندگی می‌کردند به هوگو درباره فرهنگ روسیه گفته شد. هوگو می توانست از دهه 1920 با روس ها در پاریس در سالن های سوفیا گی، خانم رکامیر، خانم آنسلوت ملاقات کند (سالن او 40 سال از 1824 تا 1864 دوام آورد). در دهه 30، روس ها شروع به دیدار هوگو در خانه او کردند: از سال 1839، شاهزاده مشچرسکی از او دیدن کرد، دانش آموز واسیلی پتروویچ بوتکین برای دیدن بت او آمد، نویسنده نیکلای پتروویچ گرچ یک نسخه امضا شده از "صداهای درونی" به نویسنده ارائه شد. در دهه 40، هرزن با نویسنده مورد علاقه خود، دارگومیژسکی، اپرای اسمرالدا (1839) را به لیبرتوی خود هوگو (برای آهنگساز لوئیز برتین در نظر گرفته شده بود) بر اساس رمان کلیسای جامع نوتردام آورد.

برای اولین بار، ویکتور هوگو در سال 1824 در روسیه شناخته شد: نشریه Vestnik Evropy ترجمه مقاله ای از مقاله نویس فرانسوی Journal de Debs توسط هافمن را منتشر کرد که ویکتور هوگو "درباره قصیده های جدید" و شعر رمانتیک نامیده بود. مترجم مقاله اظهارات خود را در مورد هوگو بیان کرد و خاطرنشان کرد که "شاعر بی استعداد نیست، او به شوخی های عاشقانه متعهد است" و اضافه کرد که "هوگون های ما" در روسیه ظاهر شدند و رویای سستی عاشقانه و آزادی های شاعرانه را در سر داشتند. زبان اما در آن زمان هیچ کس نمی توانست هوگو را در روسیه تقلید کند. تا دهه 1920، الگوها می‌توانستند کورنیل، راسین، مولیر و در بهترین حالت، ولتر باشند. آثار این نویسندگان فرانسوی برای جامعه روسیه که فرانسوی می خواندند شناخته شده بود.

در اواخر دهه 1920 و آغاز دهه 1930، حلقه کوچکی از افراد تحصیلکرده این ایده را داشتند که ادبیات جدید اروپای غربی را به عموم مردم روسیه معرفی کنند. ویازمسکی انتشار تعدادی از مجموعه های ادبیات اروپایی (انگلیسی، فرانسوی، آلمانی) را پیشنهاد می کند. در این زمان، بولتن مسکو، تلسکوپ و پسر میهن ظاهر شد. پولووی ادبیات فرانسه را ترجیح می دهد و اولین ترجمه از آثار شنیر، شاتوبریان، لامارتین، کنستان، وینی، بالزاک، هوگو، مقالات انتقادی درباره این نویسندگان در تلگراف مسکو منتشر می شود. همه اینها به این واقعیت منجر می شود که ادبیات رمانتیک جوان فرانسوی تحسین کنندگان خود را در بین مردم روسیه در دهه 30 پیدا می کند. متعاقباً، پانایف، بوتورلین، وولف، کوچل بکر در خاطرات ادبی خود خواهند نوشت که چگونه دانش آموزان لیسه دهه 30 به شعر هوگو علاقه داشتند، چگونه دو دوست کتابخوان می توانستند بر سر هرنانی گریه کنند و در کتابفروشی ها مادرانشان برای بردن کتاب های فرانسوی "مشترک" می شدند. عاشقانه برای خود و فرزندانشان، از جمله دختران. (Wulf. M., 1829; Küchelbeker. L., 1929; Panaev memories. St. Petersburg, 1876؛ و دیگران).

در این زمان، آلبوم هایی که در آن اشعار عاشقانه محبوب کپی می شد، به مد آمد. در آنها می توانید اشعاری از هوگو مانند "شوق"، "لادزارا"، "وداع زن عرب"، "میل" از "نقوش شرقی" را بیابید. این مجموعه های شعری بسیار مورد علاقه بود. این علاقه به نسل های بعدی منتقل شد. ابیات عاشقانه با همان دست خط مهره ای در آلبوم های دهه 60 نوشته می شد. در برخی از آنها، به عنوان مثال، در آلبوم 1865 توسط ناتالیا میخائیلوونا سولوگوب، گزیده های بیشتری از "افسانه اعصار"، قطعاتی از "دریا زحمتکشان" و "بیچارگان" ظاهر شد. بنابراین، ذوق آثار عاشقانه هوگو به بخشی جدایی ناپذیر از خوانش ادبی خصوصی، خانوادگی و مدرسه ای تبدیل شد، البته نه بدون تلاش روزنامه نگاران، منتقدان و مترجمان. طرفداران کارهای هوگو در روسیه روز به روز بیشتر می شدند.

بستوزف-مارلینسکی هوگو را "تکریم" می کند. او در او هیجان دارد

حسادت خلاق، اشتیاق به شکوه ادبی. پوشکین در مورد هوگو محتاط تر بود. او درباره «نقوش شرقی» چنین گفت: «درخشان، هرچند پرتنش»، اما در عین حال نسخه‌ای از این مجموعه با یادداشت‌هایی از یک شاعر روسی حفظ شده است. پس درس خواند. پوشکین «ارنانی» را ستود، اما «کرامول» را محکوم کرد.

تورگنیف که در پاریس زندگی می‌کرد و چیزی از نوآوری‌های رمانتیسیسم در صحنه فرانسه از دست نداد، بیشتر به تقلیدهای هرنانی علاقه داشت تا درام هوگو.

با این حال، کار هوگو برای خواننده روسی یک رویداد اجتماعی مهم است، آن را با عصر جدید ادبیات فرانسه همراه بود. از نظر احساسی، آنها به درام او علاقه مند بودند: هر دو "کرامول" و "ارنانی" به سرعت در روسیه مشهور شدند. در دهه بعد، مطبوعات روسی از اولین نمایش هایی بر اساس نمایشنامه های هوگو در پاریس گزارش دادند و نقدهای منتقدان فرانسوی ترجمه شدند. نگرش مشتاقانه نسبت به آثار هوگو ادامه داد: رمان کلیسای نوتردام او موفقیت فوق العاده ای داشت. حتی خشن ترین منتقدان، به عنوان مثال، پانایف، خوشحال شدند، و با این حال او با عصبانیت شروع به خواندن رمان کرد. تأثیر سودمند هوگو توسط نویسندگان روسی (ال. تولستوی) تجربه شد که فتوحات زیبایی‌شناختی رمانتیسیسم را با وظایف هنری خود پیوند زدند و از هوگوی رمانتیک آموختند که «زندگی واقعی را با سختی‌های واقعی‌اش» نشان دهد. در اتحاد جماهیر شوروی، آثار ویکتور هوگو آنقدر محبوب بود که آثار او در برنامه درسی مدرسه گنجانده شد. کدام یک از بچه های مدرسه "پشت سنگرها، در یک خیابان خالی"، شعری از مجموعه شعر "سال وحشتناک" (1871) یا "روز به سختی خواهد گرفت" از "تفکرات" (1856) را از روی قلب نمی دانستند. که تا همین اواخر با ماجراهای گاوروش و کوزت از رمان بدبختان خود آشنا نبود. شاید این رمان که در سال 1882 به روسی ترجمه شد، مشهورترین اثر در اتحاد جماهیر شوروی بود.

نتیجه.

امروزه پس از گذشت دویست سال از تولد ویکتور هوگو () شاهد این هستیم که آثار این نویسنده بزرگ فرانسوی قدرت و اهمیت خود را از دست نداده است. و نه تنها به این دلیل که در سراسر جهان ملودی هایی از موزیکال "کلیسای جامع نوتردام" می خوانند، و اروپا متحد می شود و تقریباً به ایالات متحده اروپا تبدیل می شود، که رمانتیک بزرگ از سال 1848 رویای آن را در سر می پروراند، که سرانجام اتفاق افتاد و یکی دیگر از رویای او. : در بسیاری از کشورهای جهان مجازات اعدام لغو شده است، اما همچنین به این دلیل که اثر او که هیچ مانع و مرزی نمی شناسد، کتابی است باز که در آن هر خواننده ای می تواند آنچه را که فقط به آن علاقه دارد بیابد. و این یعنی هوگو مدرن است. من می خواهم به مردی ادای احترام کنم که به ذره ای از قرن 19، 20 و اکنون 21 تبدیل شده است، که نبوغ قدرتمندش متعلق به همه بشر است و آثار او بخشی از فرهنگ جهانی شده است.

کتاب‌های هوگوی رمانتیک، به لطف انسانیت، تلاش مداوم برای ایده‌آل اخلاقی، تجسم هنری روشن و جذاب خشم طنزآمیز و رویاهای الهام‌بخش، همچنان هم بزرگسالان و هم خوانندگان جوان در سراسر جهان را به هیجان می‌آورند.

اصل مطلب فوق به شرح زیر است:

§ در این اثر رمان ویکتور هوگو «کلیسای نوتردام» مورد تحلیل قرار گرفت.

§ طیف وسیعی از مشکلات آشکار شد: مشکل خیر و شر.

§ تصاویر شخصیت های اصلی رمان مورد توجه قرار گرفت و بر اساس تصاویر آنها ناهماهنگی دنیای بیرونی و درونی یک شخص نشان داده شد.

§ ثابت شده است که ویکتور هوگو اثر خود را در روسیه بر جای گذاشته و بر ادبیات روسیه تأثیر گذاشته است.

بنابراین، هدف اصلی کار من با حل مجموعه ای از وظایف خاص، مانند بررسی و تحلیل معنای رمان، محقق شده است. شناسایی ارتباط آن

کتابشناسی - فهرست کتب:

1. ویکتور هوگو. م.، 1976.

2. کلیسای نوتردام. م.، 2005.

3. ویکتور هوگو: مسیر خلاقانه نویسنده. - مجموعه آثار، 1965، ج 6، ص. 73-118.

4.، وی. هوگو و آشنایان روسی اش ...، «میراث ادبی»، م.، 1937، شماره 31-32.

5. Reizov رمانی تاریخی در عصر رمانتیسم است. - L.، 1958.

6.، V. هوگو و جنبش انقلابی فرانسه در قرن 19، M.، 1952

7. تاریخ ادبیات فرانسه، ج 2، م.، 1956م

8. مجموعه آثار در 15 جلد.مقاله مقدماتی از V. Nikolaev. - م.،

9. . شاهد قرن ویکتور هوگو. سوبر. cit., v.1. م: درست، 1988.

ده . . سوبر. cit., v.13. M.-L.، 1930.

سخنرانی 5

رومانتیسم فرانسوی ویکتور هوگو

1. توسعه ادبیات رمانتیک در فرانسه در قرن نوزدهم.

2. وی هوگو نویسنده برجسته رمانتیک فرانسوی است. ویژگی های رمانتیسم و ​​نوآوری V. Hugo. میراث شاعرانه و نمایشی نویسنده.

3. رومانا اثر وی هوگو است: «مردی که می خندد»، «93»، «بیچارگان».

1. توسعه ادبیات رمانتیک در فرانسه در قرن 19.

رمانتیسم در فرانسه در ابتدا به عنوان یک پدیده خارجی تلقی می شد که توسط خود رمانتیک ها که به شکسپیر و شیلر، کالدرون و مانزونی اشاره می کردند بسیار تسهیل شد. اما رمانتیسیسم ریشه های قوی در تاریخ و فرهنگ فرانسه داشت، بنابراین تأثیر زیادی بر سرنوشت هنر ملی گذاشت و خالقان بزرگی را مطرح کرد: هوگو در ادبیات، دلاکروا در نقاشی، برلیوز در موسیقی.

رمانتیسیسم فرانسوی در اشکال مختلف هنری به طور نابرابر توسعه یافت. آغاز رمانتیسیسم ادبی به پایان قرن هجدهم برمی گردد. به طور کلی پذیرفته شده است که رمانتیسیسم به عنوان واکنشی به روشنگری به وجود آمد، اگرچه شواهد مستقیمی وجود داشت که نشان می داد هیچ گسست کاملی بین روشنگری و رمانتیک در فرانسه وجود نداشت.

دوره‌بندی رمانتیسم در ادبیات فرانسه هم بر اساس پیشینه تاریخی و هم بر اساس گاه‌شماری رشد زیبایی‌شناختی، تکامل فرآیند ادبی تعیین شد.

1795 - 1815 - دوره ورود به ادبیات اولین رمانتیک ها، ظهور یک جنبش رمانتیک که بنیانگذاران آن ژرمن دو استال و فرانسوا رنه دو شاتوبریان بودند. بنابراین، 2 مکتب در رمانتیسیسم اولیه فرانسوی به وجود آمد - مکتب دو استال و مکتب شاتوبریاند.

مکتب دو استال و پیروانش کوشیدند تا عقل گرایی را شکست دهند، اما برخلاف مکتب شاتوبریاند که معنویت کاتولیک مسیحی را در مقابل اعتقاد روشنگری به تقدم عقل مخالفت می کرد، توصیف احساسات فردی را مطرح کردند. جایی که استیل خواستار آن شد که احساسات نه ویژگی های جهانی، بلکه رنگ ملی را ارائه دهند (به عنوان مثال، رومئو و ژولیت شکسپیر).

اولین رمانتیک ها در درجه اول فیلسوفان و سیاستمداران بودند، بنابراین سؤالات نظری و زیبایی شناسی رمانتیسیسم فرانسوی از همان ابتدا در ارتباط با طرح سؤالات کلی فلسفی شکل گرفت. رمانتیک ها زیبایی شناسی خود را بر ضدیتی بنا نهادند که وی هوگو آن را توانایی دیدن دو طرف یک شی یا پدیده تعریف کرد. در واقع، نویسندگان فرانسوی این دوره عاشق ترکیب متضادها بودند: خوب و بد، تراژیک و کمیک، بالا و پایین، مادی و ایده آل، واقعی و خیالی، زندگی و مرگ و غیره.

این تضاد همچنین زیربنای تقسیم تمام هنرها به کلاسیک و رمانتیک است، که اولین بار توسط ژرمن دو استال در رساله "درباره آلمان" ارائه شد، که به مانیفست رمانتیک های فرانسوی تبدیل شد. ادبیات کلاسیک شامل ادبیات جنوب بود که مبتنی بر دوران باستان یونانی-رومی بود. ادبیات رمانتیک در کشورهای شمال اروپا توسعه یافت و بر قرون وسطی، مسیحیت و سنت های عامیانه تمرکز داشت.

با این حال ، در مرحله اول توسعه عاشقانه ، آنها هنوز با کلاسیک ها به معنای کامل مخالفت نکردند. مشخص است که رمانتیسیسم در این مرحله فقط در ژانرهای نثر توسعه یافته است، زیرا این حوزه تقریباً هرگز توسط کلاسیک گرایان گرفته نشده است.

دستاورد مهم رمانتیک های اول، کشف «شخص خصوصی» (شبیه به «شخص طبیعی» عصر روشنگری) بود. علاقه به دنیای درونی او انگیزه ای برای توسعه روانشناسی ایجاد کرد که بیان خاص آن افشای مفهوم "مالیخولیا" است. شاتوبریاند اولین کسی بود که این مفهوم را معرفی کرد، بعدها توسط جی توسعه یافت. سعید و موست.

1815 - 1827 - زمان ظهور یک جنبش گسترده عاشقانه، که در آن جنبش ها، مدارس، گروه ها، محافل تشکیل شد. ظهور شعر عاشقانه (لامارتین، دی وینی، وی. هوگو)، رمان رمانتیک تاریخی (وی. هوگو، دی وینی)، اولین درام‌های عاشقانه («درام‌هایی برای خواندن» توسط P. Mérimée، Vite، Hugo). باید به خاطر داشت که جنبش رمانتیک هنوز با یک روش هنری مشترک متحد نشده بود، بلکه بر اساس وحدت جهت هنری بود. بنابراین، علاوه بر جریان های رمانتیک (غنایی-فلسفی (لامارتین)، تاریخی-نقاشی (هوگو)) روندی از جهت واقع گرایانه نیز وجود داشت که در راس آن اف. استاندال قرار داشت. روابط با کلاسیک گرایان به گونه ای متفاوت توسعه یافت که تا حد زیادی با رمانتیک ها همکاری داشتند.

1827 - 1835 - در این زمان، رمانتیسیسم به طور مستقیم ویژگی هایی را به دست می آورد (یعنی رمانتیک ها با تنها روش هنری متحد می شوند) و این روند در ادبیات فرانسه پیشرو شد. آغاز این مرحله با ظهور مانیفست اصلی زیبایی شناسی رمانتیک های فرانسوی - "پیشگفتار" کرامول "v. هوگو این شاعر برجسته رئیس تأثیرگذارترین انجمن ادبی رمانتیک - "سناکل" شد. ماست و جی وارد ادبیات شدند. ماسه، و با آنها - یک جریان روانی ایجاد شد. رمانتیسیسم در عرصه نمایش بر کلاسیک گرایی پیروز شد.

1835 - 1843 - در این زمان، یک جریان گرایش واقع گرایانه به رهبری استاندال از رمانتیسم متمایز شد، بنابراین این دوره را "دوره بین الملل" نیز نامیدند، زمانی که 2 جهت در ادبیات غالب بود. اما آنها هنوز با یکدیگر مخالف نبودند، حتی به اندازه کافی متمایز نبودند. تفاوت رمانتیسم و ​​رئالیسم در درجه اول در حل مسئله تأثیر شرایط و جامعه در شکل گیری یک شخص ظاهر شد ، واقع گرایان از آن دفاع کردند و رمانتیک ها منکر شدند. تأثیر متقابل رمانتیسم و ​​رئالیسم انتقادی وجود داشت که مثبت بود (تقویت انگیزه های اجتماعی در کارهای جی. سند در اوایل دهه 40). استاندال، بالزاک، مریمه، برانگر با انتخاب مواضع زیباشناختی نزدیک به اولین نمایندگان رئالیسم انتقادی تبدیل شدند.

1843 - 1848 بحران رمانتیسم رساله V. Hugo V. شکسپیر تبدیل به مانیفست رمانتیسم متأخر شد. فقط جنبش رمانتیک با موفقیت توسعه یافت که با سوسیالیسم اتوپیایی مرتبط بود (J. Sand، Sainte-Beuve، Hugo، و غیره)، رمان ها نیز بسیار محبوب بودند - feuilletons O. Dumas père، E. Xu.

شکست انقلاب 1848، که پایانی بر تاریخ رمانتیسم به عنوان یک جنبش ادبی بود. تضاد بین دیدگاه رمانتیک ها و رئالیست ها آشکار شد. در این دوره، ایده های عاشقانه مطرح شده در آغاز قرن در مورد اهمیت اصل نویسنده در ادبیات، موقعیت یک نویسنده فعال، با قدرتی تازه به صدا درآمد.

تا سال 1870، روند رمانتیک سرانجام پوسیده شد، نمادگرایی و نئورمانتیسم بر اساس آن پدید آمد.

نظام هنری رمانتیسیسم فرانسوی دارای تفاوت های قابل توجهی است: روند فولکلور-فولکلور توسعه نیافته است، اما روند بایرونیک به شدت توسعه یافته است، توسعه فعال گرایش های اتوپیایی اجتماعی، توسعه فشرده گرایش های واقع گرایانه، که در دهه 30-40 منجر به یک روند واقع گرایانه در آثار بالزاک، استاندال، مریمی. رمانتیسیسم فرانسوی زودتر به آثار منثور نفوذ کرد، کمی دیرتر به شعر گسترش یافت، تصنیف ها به ویژه موفق بودند و ژانر مرثیه محبوبیت داشت. آنها در اواخر دهه 1920 به تئاتر عاشقانه متوسل شدند. ژانر اصلی تراژدی نبود، بلکه درام مبتنی بر توطئه های تاریخی یا مشروط تاریخی بود. رمان تاریخی به شدت توسعه یافت.

ویکتور هوگو تنها کسی در اروپا است که تا پایان عمر خود به مسیر رمانتیک وفادار ماند، در حالی که به طور کلی جنبش رمانتیک در ادبیات فرانسه در دهه 50-40 قرن نوزدهم خشک شد و در ادبیات آلمان در قرن نوزدهم. دهه 20 او یکی از بسیاری از کسانی است که انقلاب فرانسه، ایده انقلاب را به طور کلی نفرین نکرد، که ایمان و خوش بینی به امکان پیشرفت معقول و پتانسیل خلاق انسان و بشر را حفظ کرد. به لطف ویکتور هوگو بود که رمانتیسیسم فرانسوی به عنوان اجتماعی‌گراترین و دارای ایده‌های اجتماعی تلقی شد: دلسوزی برای فقرا و محرومان، تقاضای عدالت اجتماعی، در حالی که رمانتیسم انگلیسی، حداقل در آثار بایرون و شلی، باعث شد. عظمت روح انسان و قدرت خلاقیت اصلی ترین آسیب آن است.من مبارزه را بیشتر در انگیزه شخصی یک فرد می دیدم تا در آرایش اجتماعی. رمانتیسیسم آلمانی بیشتر توسط متافیزیک و معنویت گرایی پذیرفته شد، فانتزی گروتسک، و در قلمرو مافوق محسوس فرو رفت.

2. V. Hugo - نویسنده برجسته رمانتیک فرانسوی. ویژگی های رمانتیسم و ​​نوآوری V. Hugo

ویکتور هوگو (1802 - 1885)- رهبر رمانتیسیسم فرانسوی، نظریه پرداز آن. او نقش مهمی در خلق رمان عاشقانه، در اصلاح شعر فرانسوی، در توسعه تئاتر رمانتیک ایفا کرد.

ویکتور ماری هوگو در 26 فوریه 1802 در بزانسون به دنیا آمد. این پسر به نام پدرخوانده - ویکتور لاگوری و ماری دزیر - نامگذاری شد. پدرش که از یک خانواده طبقه کارگر آمده بود، افسر ارتش فرانسه در زمان ناپلئون بود، سرتیپ و فرمانروای استان های ایتالیا شد. مادر نویسنده آینده، برعکس، از ناپلئون متنفر بود و از طرفداران سلسله سلطنتی بوربون بود. ازدواج لئوپولد هوگو و سوفیا فرانسوا گریت خوشحال نبود. لئوپولد هوگو - مردی پرشور - عاشق همسرش بود و اغلب از او خواسته بود. انجام وظایف زناشویی او که به زودی منجر به رسوایی در خانواده شد.مادام هوگو نمی خواست همیشه در انتظار تکمیل خانواده باشد و یک فرد خوش بین بر این عقیده بود: هر چه بیشتر بهتر. این ویژگی از پدرش و ویکتور به ارث رسیده بود. گسست کامل روابط خانوادگی در مادرید اتفاق افتاد، جایی که پدر هوگو فرماندار بود.

ویکتور کوچک با مادر و دو برادرش در پاریس زندگی می کرد. این پسر از سن 9 سالگی کاملاً تحت تأثیر مادرش بود که او را به عنوان حامی سلطنت بزرگ کرد.

به درخواست پدرش ، ویکتور به همراه برادرش یوجین باید در پانسیون برای پذیرش در مدرسه پلی تکنیک آماده شوند - این پسر توانایی های زیادی در ریاضیات داشت ، اما او به ترجمه آیات لاتین توجه کرد ، زیاد خواند. و سپس خودش شروع به نوشتن قصیده ها کرد ، نمایشنامه هایی که روی صحنه مدرسه گذاشت (او همچنین نقش های اصلی را در آنها بازی کرد).

وی هوگو در 13 سالگی شروع به نوشتن کرد. قبلاً در اولین آیات آن پسر ، دیدگاه های سیاسی او ملموس شد. او کاملاً موقعیت مادرش را گرفت - او بوربن ها را تجلیل کرد و ناپلئون را نفرین کرد. قبلاً در پانزده سالگی برنده آکادمی های تولوز و فرانسه شد و در 17 سالگی با قصیده "برای ترمیم مجسمه هانری چهارم" توجه مقامات را به خود جلب کرد و از پادشاه مستمری گرفت. .

در سال 1821، مادر شاعر به طور غیرمنتظره ای درگذشت و بچه ها بدون معیشت ماندند. ویکتور جوان رویای ازدواج با دختر مورد علاقه خود از خانواده ای ثروتمند به نام ادل فوچه را در سر داشت. اما پدرش خواستار رضایت برای ازدواج پدر ویکتور شد. از این زمان بود که بازسازی رابطه پدر و پسر آغاز شد. داستان های جنگجوی قدیمی به هوگو جونیور کمک کرد تا نگاهی تازه به دوران انقلاب و امپراتوری داشته باشد.

یوجین و ویکتور هر دو عاشق ادل فوشه، دختر دوستان خانوادگی خود بودند، اما ادل ویکتور را ترجیح داد، آنها مکاتبات مخفیانه داشتند، عشق خود را پنهان کردند. وقتی مادر از رابطه آنها باخبر شد گفت تا زمانی که او زنده است این اتفاق نخواهد افتاد. ویکتور 18 ساله بود و ازدواج ناممکن بود و حزب او باید عنوان بیشتری داشته باشد، زیرا او فرزند ژنرال، برنده چندین جایزه، از نوادگان عنوان کنت است. ویکتور گریه کرد، اما سعی کرد در ادبیات آرامش پیدا کند. او از عشق رنج می برد. پس از مرگ مادرش، ویکتور دوباره در خانه فوشه ظاهر شد، اما آنها از ترس آزار و اذیت ویکتور، آدل را به دره بردند. هوگو علیرغم اینکه پول نداشت، با پای پیاده آمد و 80 کیلومتر را طی کرد. او اعتراف کرد که عاشق ادل بوده و آرزوی ازدواج با او را داشته است. به جوانان اجازه مکاتبه و ملاقات داده شد.

در ژوئیه 1822 به هوگو کمک مالی 1000 فرانک برای مجموعه قصیده ها و اشعار دیگر اختصاص یافت و تنها پس از آن پدرش به درخواست ویکتور با نامه ای رسمی به پیر فوشه مراجعه کرد و در آن از او درخواست کرد. دختر برای پسرش والدین ادل بدشان نمی آمد. در شب عروسی آنها، یوجین برادر ویکتور دیوانه شد. او در بیمارستان روانی سنت موریس بستری شد که تنها پس از مرگش توانست آن را ترک کند.

در سال 1822، عروسی برگزار شد. ادل هوگو فوشه اولین و تنها همسر قانونی شاعر، مادر فرزندانش و قربانی شوهر درخشانش شد. ادل به پیروی از مادرشوهرش، نمی خواست درگیر نگرانی های خانوادگی شود و تمام وقت خود را در رختخواب زناشویی بگذراند. او ایده خود را از یک زندگی مناسب و یک رابطه "بالا" داشت، در حالی که مردی سعی کرد او را به رختخواب بکشاند. او اغلب موفق شد و به زودی این زوج صاحب چهار فرزند شدند.

در سال 1825، هوگو در تاجگذاری چارلز X شرکت کرد، قصیده ای به افتخار او نوشت، نشان لژیون افتخار را از پادشاه جدید دریافت کرد، اما دیدگاه های سیاسی او قبلاً به طور قابل توجهی مورد بازنگری قرار گرفته بود. جدایی رسمی با سلطنت طلبان در سال 1828 اتفاق افتاد. دلیل آن یک حادثه در یک پذیرایی دیپلماتیک در سفارت بود که در آن مارشال های امپراتوری فرانسه توهین شدند. ویکتور این را توهین شخصی به پدرش، ژنرال نظامی ناپلئونی، تلقی کرد.

نویسنده "قصیده به ستون وندوم" را نوشت، جایی که او رک و پوست کنده پیروزی های ناپلئون را تجلیل کرد. روزنامه ها و مجلات مخالف سر و صدا به پا کردند.

از سال 1830، هوگو به طور جدی به شعر و معرفی روند رمانتیک در ادبیات فرانسه پرداخت. در این زمان او رمان کلیسای نوتردام، درام های عاشقانه هرنانی، مری تودور، روی بلاس، کرامول و دیگران را نوشت و استعداد این هنرمند رسما به رسمیت شناخته شد.

یکی از دوستان خانواده، نویسنده سنت بیو، اغلب شروع به بازدید از خانه نویسنده می کرد. در او بود که ادل مرد ایده آل خود را دید. و ویکتور بدون تردید یک "دوست دختر" - بازیگر ژولیت دروئت - به دست آورد. آنها در تئاتر پورت سنت مارتین در سال 1833 در جریان تمرین نمایش جدید هوگو، لوکرزیا بورجیا، ملاقات کردند، جایی که به ژولیت نقش کوچک پرنسس نگرونی داده شد. چند سال بعد او نوشت: «من دو تولد دارم، هر دو در فوریه. اولین بار که در 28 فوریه 1802 به دنیا آمدم، در آغوش مادرم بودم، بار دوم به لطف عشق تو در 16 فوریه 1833 در آغوش تو متولد شدم. اولین تولد به من زندگی داد. دوم - اشتیاق. در زمان آشنایی، او 26 سال داشت و از قبل به توجه مردانی که زیبایی و خلق و خوی او را تحسین می کردند، عادت کرده بود. زنی که فقط یک معشوق داشته باشد یک فرشته است و کسی که دو معشوق داشته باشد یک هیولاست. زنی که سه معشوق داشته باشد یک زن واقعی است." او هر سه مرحله را پشت سر گذاشت و تبدیل به یک زن معمولی پاریسی شد که از طرفداران ثروتمندش زندگی می کرد. هوگو برای او مسکن اجاره کرد، هزینه های او را پرداخت کرد، او را در سفرهای طولانی همراهی کرد، پیش نویس های شاعر را بازنویسی کرد.

نام اصلی جولیت جوون است. نام خانوادگی Drouet (از نام خانوادگی عمویش که دختر را بزرگ می کرد) یک نام هنری بود. به زودی این معشوقه تصادفی موز و همراه وفادار شاعر تا مرگ شد. ویکتور در کنار ژولیت آرامش یافت و برای او تئاتر را ترک کرد ، حامیان خود را فراموش کرد و به سایه یک هنرمند درخشان تبدیل شد.

V. هوگو با شور و شوق انقلاب 1830 را پذیرفت. در سال 1841 به عضویت آکادمی هنر فرانسه درآمد. این شاعر از پادشاه جدید لوئی فیلیپ حمایت کرد که او را همتای فرانسه کرد (1845). با این حال، منافع شخصی نمی تواند از هوگو مخمصه مردم عادی را پنهان کند.

در آغاز سال 1843، بلوند جوان Leonie d "Oke، همسر نقاش دربار، آگوست بیارد، بانوی دیگری از قلب نویسنده شد. یک روز، به درخواست شوهرش، که شروع به مشکوک شدن همسرش به خیانت کرد، پلیس به آپارتمان هوگو یورش برد.از آنجایی که در آن زمان در فرانسه روابط عاشقانه خارج از ازدواج ممنوع بود، لئون دستگیر شد و ویکتور آزاد شد زیرا او وضعیت مصونیت قلم را داشت.پادشاه به او توصیه کرد که برای مدتی پاریس را ترک کند. همیشه آنجا بود. Drouet بود که او را برای مدت معینی پنهان کرد.

در سال 1848 این نویسنده به عضویت مجلس درآمد و چندین سخنرانی در دفاع از مردم و انقلاب ایراد کرد. او یک قهرمان ملی به حساب می آمد. پس از امتناع از حمایت از نامزدی پادشاه آینده لوئی بناپارت ناپلئون سوم، او مجبور شد به مخفی کاری برود، زیرا توسط حامیان امپراتور ناپلئون سوم (برادرزاده ناپلئون) تعقیب شد.

در 9 ژانویه 1852، ویکتور هوگو رسماً تبعیدی سیاسی اعلام شد و نویسنده برجسته مجبور شد تا 20 سال وطن خود را ترک کند. همراه با ژولیت که چشمانش را بر خیانت های او بسته بود (طبق تخمین او، هوگو تنها در 2 سال گذشته حدود 200 معشوقه داشت)، ابتدا در بلژیک و سپس در جزایر انگلیسی ساکن شد. در سال 1868، همسر نویسنده درگذشت، اما قبل از آن ادل از شوهرش و میوزش طلب بخشش کرد و در آخرین ماه زندگی خود به ژولیت اجازه داد تا وارد حلقه خانواده آنها شود. ادل با دخترش لئوپولدینا به خاک سپرده شد. روی سنگ قبر نوشته شده است: «آدل، همسر ویکتور هوگو». او عکسی از او در بستر مرگ داشت. روی آن نوشته بود "مرحوم عزیزی که او را بخشیدم." سه سال بعد، وی هوگو به همراه ژولیت به فرانسه بازگشتند.

او آخرین سال های عمر خود را در هاله ای از شکوه سپری کرد. او به لطف تجدید چاپ های متعدد کتاب هایش بسیار ثروتمند بود. اما این سال‌ها نیز تلفات سنگینی بود: پسر دوم فرانسوا-ویکتور درگذشت، کوچک‌ترین دختر آدل در بیمارستانی برای بیماران روانی بستری شد. سلامتی نویسنده رو به وخامت گذاشت. در ژوئن 1878، او دچار خونریزی مغزی شد و پس از آن چیزی ننوشت. این هنرمند شروع به سبک زندگی منزوی کرد ، اگرچه گاهی اوقات میزبان خارجی های نجیب بود که می خواستند با غرور ملی آشنا شوند.

28 فوریه 1882 هوگو هشتادمین سالگرد تولد خود را جشن گرفت. یک سال بعد، در ماه آوریل، ژولیت محبوبش درگذشت. نویسنده چنان شگفت زده شده بود که به دلیل ضعف، حتی نتوانست در مراسم تشییع جنازه او شرکت کند. سرنوشت برای ویکتور هوگو غیرقابل تحمل بود - او همه افراد نزدیک خود را از دست داد: دختر بزرگ لئوپولدینا در یک کشتی غرق شد، کوچکترین آدل برای همیشه در بیمارستان روانی ماند، همسرش بر اثر حمله قلبی درگذشت، و سپس - یک معشوقه وفادار. در سال 1882 او به سرطان معده بیمار شد و از دسامبر از رختخواب بلند نشد. در 1 ژانویه 1882، ژولیت برای آخرین بار سال نو را به هوگو تبریک گفت: "عزیز من، محبوب من، نمی دانم سال آینده در این زمان کجا خواهم بود، اما خوشحالم و افتخار می کنم که می توانم امضا کنم. گواهی زندگی در دو کلمه: "دوستت دارم"". در 11 مه 1883 درگذشت. او گریه. مرگ همچنین دو پسر را به همراه داشت - چارلز و فرانسوا. در سال های افول خود، او پدربزرگ تنها دو نوه باقی ماند: ژرژ و ژان.

در تابستان 1884 نویسنده آخرین سفر خود را به سوئیس انجام داد. در 15 می 1885، هوگو پس از سکته قلبی، به ذات الریه مبتلا شد. 22 مه 1885 درگذشت. تشییع جنازه هوگو به نمایشی برای به رسمیت شناختن و قدردانی مردم فرانسه از نویسنده ملی خود تبدیل شد.

فعالیت خلاقانه این هنرمند شناخته شده بیش از 60 سال طول کشید و مرسوم است که آن را به 3 دوره تقسیم کنید.

من دوره - 1820-1850 این دوره با گذار نویسنده به موقعیت رمانتیسم و ​​نوشتن آثار شاعرانه و نمایشی، خلق یکی از بهترین رمان های نویسنده - کلیسای نوتردام مشخص شد. در دهه 20. هوگو در اصلاح شعر فرانسه شرکت کرد که با قدرت خاصی در مجموعه شعر شرقی خود را نشان داد. 30 - 40 سال - دوره بزرگترین فعالیت خلاقانه نویسنده. در این زمان، 4 مجموعه شعر "برگ های پاییز" (1831)، "آوازهای گرگ و میش" (1835)، "صداهای درونی" (1837)، "پرتوها و سایه ها" (1841) ظاهر شدند. مجموعه "برگ های پاییزی" خطاب به قلب انسان است ، انگیزه ها و خلق و خوی صمیمی بر آن غالب بود ، به ویژه با مشکلات زندگی شخصی ، به ویژه با همسرش ادل همراه بود.

II دوره - 1851 - 1870 - با اخراج شاعر از فرانسه آغاز شد. در این دوره از خلاقیت، جهت گیری سیاسی و اجتماعی آثار به شدت افزایش یافت، لحن اتهامی ایجاد شد. هوگو به مواد معاصر روی آورد، اگرچه روش رمانتیک حفظ شد. این نویسنده رمان های برجسته خود را خلق کرد - Les Misérables، Toilers of the Sea، The Man Who Laughs.

III دوره - 1870 - 1885 - با بازگشت هوگو به فرانسه در روز اعلام آن توسط جمهوری فرانسه (4 سپتامبر 1870) مشخص شد. در پاریس از او به عنوان یک قهرمان ملی استقبال شد. یک سال بعد، پسرش را به خاک سپرد و شعر "تدفین" را نوشت که در آن این روز را توصیف کرد:

یک قهرمان و یک مرد صالح، مردمی با شکوه افسارگسیخته -

عشق پیروز شد

و او تحسین کرد که پسرش در تابوت خوابیده است،

با دیدن اینکه آماده ای دوباره بجنگی...

در این دوره از خلاقیت، آخرین رمان هوگو، اختصاص داده شده به انقلاب، خلق شد - "93" (1874). این با تأملات نویسنده در مورد وقایع رخ داده در فرانسه در 1869-1971 متولد شد. (جنگ فرانسه و پروس، کمون پاریس و شکست آن)، و افکاری در مورد همبستگی انسانیت و خشونت انقلابی.

این هنرمند در آخرین سال های زندگی خود روی مجموعه های شعر هنر پدربزرگ بودن (1875)، افسانه اعصار (1883)، اشعار طنز پاپا (1878)، الاغ (1880) و غیره کار کرد.

اولین مجموعه شعر V. Hugo - "Odes and Various Poems" (1822) که شامل اشعاری بود که عمدتاً طبق قوانین کلاسیک خلق شده بودند. مرحله انتقالی در جهان بینی و کار نویسنده با مجموعه شعر زیر "قصیده ها و تصنیف ها" نشان داده شد: قصیده ها (ژانر پیشرو شعر کلاسیک) با تصنیف ها ترکیب می شود که ژانر مشخص شعر عاشقانه است. در این مجموعه، بیشتر تصنیف ها بر اساس صحنه هایی از قرون وسطی فرانسه ساخته شده اند، برخی از آنها رنگ آمیزی فولکلور نسبتاً گویا داشتند. هوگو با رد هنجارگرایی کلاسیک، فرم ها و اندازه های جدیدی را وارد شعر فرانسوی کرد، سیستم جدیدی از شعرسازی ایجاد کرد، توجه زیادی به سازمان دهی شعر، ریتم و ملودی آن کرد.

کار شاعرانه وی. هوگو در دهه 20 با مجموعه جهت گیری ها (1829) تاج گذاری شد که موفقیت بزرگی بود. 14 تجدید چاپ را در 2 ماه تحمل کرد و باعث شهرت نویسنده به عنوان یک شاعر بزرگ شد. مشخصه این مجمع عبارت است از:

تمرکز بر دنیای خارجی و عینی؛

میل به به تصویر کشیدن زیبایی و اشکال واقعیت مادی و حسی.

گروه جداگانه ای در مجموعه شعر اختصاص داده شده به مبارزه ملی آزادیبخش مردم یونان علیه یوغ ترکیه در دهه 20 قرن گذشته تشکیل شد. در اینجا هوگو قهرمانی مبارزات آزادیبخش یونان را خواند ("کاناریس"، "ناوارین" و غیره)، جنایات فاتحان را افشا و محکوم کرد ("شهر تسخیر شده"، "کودک"، "سرها در سراگلیو")، از مردم اروپا خواست تا به کمک پاره‌شدگان قیام کنند، اما نه به سرعت یونان ("شوق" و غیره).

در دوره 1830 - 1848. چنین مجموعه های شعری پدید آمد که شکل گیری مهارت شاعر را تکمیل کرد و مرحله مهمی از بلوغ خلاق را تشکیل داد.

مجموعه "برگ های پاییزی" (1831):

تسلط بر انگیزه ها و حالات صمیمی؛

شعر متمرکز بر احساسات انسانی.

مجموعه "آوازهای گرگ و میش" (1835):

موضوع اصلی فلسفی و تاریخی است.

شاعر در تلاش است تا درکی کلی از دوران خود داشته باشد.

اشعار مدنی جایگاه قابل توجهی را اشغال کردند.

برای اولین بار در اشعار، مضمون شرارت و بی عدالتی اجتماعی، مضمون «اخراجی ها» به صدا درآمد.

حضور غزل مدنی، اما تسلط صمیمی است.

در ابیات غزلیات «من» محسوس است;

رشد نقش عنصر غنایی، ایجاد فضای غنایی;

احساس پیوند روح قهرمان غنایی با زندگی تمام جهان.

مجموعه "تفکر" (1856):

به دو بخش "قبل" و "اکنون" تقسیم می شود.

هر بخش به 3 کتاب تقسیم می شود و هر کدام مرحله ای از زندگی شاعر با آرمان های پیشرو و غالب آن است.

برابری موضوعات

وی. هوگو در طول زندگی خود به دراماتورژی روی آورد. اما از سال 1827 تا 1837 به حوزه اصلی فعالیت خلاقانه او تبدیل شد. اولین تلاش در ژانر دراماتیک درام «کرامول» (1827) بود که نشان از مهارت بالای نویسنده در این ژانر داشت. موفقیت در میان خوانندگان درام اول، نویسنده را بر آن داشت تا موارد زیر را بنویسد: "ماریون دلورم" (1829)، "ارنانی" (1830)، "شاه در حال تفریح ​​است" (1832).

هوگو طرح تمام این درام ها را از تاریخ فرانسه و دیگر کشورهای اروپای غربی در قرون 16-17 گرفته است. و تصادفی نبود این قرن‌ها نقطه عطف بزرگی در تاریخ اروپاست، پر از تضادها و کشمکش‌های شدید که نویسنده را بسیار مورد توجه قرار داده است.

هوگو ویژگی اصلی درام را واقعیت دانست، خواستار از بین بردن مرزهای بین ژانرها، پیوند کمیک و تراژیک، عالی و پست، کنار گذاشتن وحدت عمل، مکان و زمان بود. او تئوری گروتسک را دقیقاً برعکس امر خوش‌بینانه و متضاد توسعه داد. نمایشنامه نویس هدف اصلی گروتسک در آثار عاشقانه را در برجسته کردن زندگی زیبا می دید. تئوری درام عاشقانه در خدمت نویسنده بود تا یک درام بدیع خلق کند.

دراماتورژی هوگو سرشار از آزادی و دموکراسی است.

ویژگی های دراماتورژی هوگو:

1. تقریباً همه درام ها بر اساس درگیری بین نمایندگان طبقه سوم (مردم عادی) و اشراف و سلطنت فئودال بودند.

2. در هر درام، هوگو ایده اجتماعی، سیاسی یا اخلاقی خاصی را مطرح کرد.

3. نمایشنامه‌نویس از ساختن طرح‌های درام‌هایش بر اساس رویدادهای واقعی تاریخی اجتناب کرد. طرح‌های درام‌های او کاملاً ساختگی است و اگر شخصیت‌های تاریخی واقعی در آنها تنیده شود، اعمال و کردار آنها در درام‌ها افسانه است و نه تاریخ به معنای دقیق کلمه.

4. بازیگران به وضوح به مثبت و منفی تقسیم می شوند، حامل خوب و بد. هر شخصیت دارای یک شور و اشتیاق غالب است که شخصیت و سرنوشت او را تعیین می کند.

5. ترکیبی از عناصر و تکنیک های ژانرهای «بالا» و «کم» در درام.

یکی از بهترین آثار دراماتیک وی هوگو درام «روی بلاس» اوست.

طرح داستان بر اساس چنین وقایعی است: روی بلاس پای پیاده عاشق ملکه اسپانیایی شد. یک چرخش غیرمنتظره وقایع به روی، به نام نجیب زاده دن سزار د بازان، اجازه داد تا به لطف ملکه دست یابد و وزیر شود. در این شرایط انحصار رمانتیک شخصیت روی بلاس آشکار شد. لاکی یک متفکر برجسته دولتی شد. تصمیم او به هوش، انسانیت و هوش ضربه زد. اما ظهور روی بلاس تنها بخشی از دسیسه دون سالوست د بازان بود که از ملکه خشمگین شده بود. دسیسه علیه ملکه شکست خورد. او حقیقت را در مورد روی بلاس دریافت و او را دور کرد و پس از آن خود را مسموم کرد. پیروزی این نمایش شاهد برپایی درام عاشقانه روی صحنه بود.

3. خلاقیت رومانا. هوگو: مردی که می خندد، 93، Les Misérables

در تاریخ ادبیات جهان. هوگو قبل از هر چیز به عنوان یک رمان نویس برجسته مطرح شد.

بدبختان (1862). ایده یک رمان اجتماعی بزرگ از V. Hugo در اواخر دهه 1920 مطرح شد، اما مشکلات زندگی اجرای آن را برای مدت طولانی به تاخیر انداخت. در سال 1840 اولین نسخه خطی این رمان با عنوان "فقر" و در سال 1845 - 1848 تدوین شد. نویسنده فعالانه روی پر کردن مطالب کار کرد و بیشتر آن را نوشت. او تنها در سال 1860 به این رمان روی آورد و نه تنها بخش ها و کتاب های جدیدی را اضافه کرد، بلکه آنچه را که قبلاً نوشته شده بود به طور کامل اصلاح کرد.

رمان «بیچارگان» از نظر ساختار هنری اثری غیرعادی است. این یک رمان فلسفی و نمادین است، اما با عناصر بیانی یک رمان تاریخی. این رمان درباره کسانی است که پای نردبان اجتماعی شده اند. موضوع اصلی اثر، موضوع بی عدالتی و قربانیان آن است. ژان ولژان به شخصیت اصلی رمان تبدیل شد و زندگینامه او خط اصلی داستان را تشکیل می داد. این پسر 25 ساله روستایی است که به هرس درختان مشغول بود. زمانی که یک خواهر و هفت فرزندش را در آغوش داشت، پدرشان را جایگزین آنها کرد. جوانی او به کار سپری شد، اما در آغاز یک زمستان بیکار ماند. خانواده حتی یک لقمه نان هم نداشتند. سپس شیشه نانوایی را شکست و نان را دزدید. او به مدت 5 سال به جرم دزدی محکوم شد، بنابراین او دیگر ژان ولژان نبود و شماره 24601 شد. او فقط یک بار در مورد بستگان خود شنید. یک نفر خواهرش را دید، او فقط 1 فرزند داشت، بقیه کجا رفته بودند، خودش هم نمی دانست. چندین بار زندانی قصد فرار داشت. او گرفتار شد و هر بار مجازاتش افزایش یافت که به ۱۹ سال رسید.

در زندان، قهرمان به طور فزاینده ای به زندگی خود فکر می کرد، او خود را به خاطر یک عمل جوانی محکوم کرد، زیرا متوجه شد که گرسنگی بهانه ای برای جنایت انجام شده نیست. قهرمان مدتهاست که به دنبال پاسخی برای این سؤال است: آیا او تنها مقصر سرنوشت خود است و در پایان به این تصمیم نهایی رسید که جامعه جنایت بزرگتری را علیه او مرتکب شده است. پس از حل این مسائل، او جامعه را محکوم کرد، خانواده خود را مقصر این سرنوشت ناگوار دانست و به خود قول داد که با او کنار بیاید. از زندان، قهرمان از نظر اخلاقی ویران، تلخ، پر از نفرت از تمام جهان بازگشت.

وقتی ژان از گرسنگی و خستگی از آنجا بیرون آمد، به دنبال پناهندگی رفت. اما هیچ کس اجازه نداد محکوم سابق حتی برای پول وارد شود. پیرزنی برای کمک به مرد ظاهر شد، که او را واداشت تا به مونسینور بینونو مراجعه کند. اسقف بود. از 15 هزار لیره سودش فقط 1 هزار لیره را برای خود نگه داشت و بقیه را به فقرا و مستمندان داد. تنها دارایی او لوازم نقره و شمعدان است. ولژان برای سرپناه به او پول بدی داد: شبانه به اتاقش رفت و نقره را دزدید، وقتی صبح ژاندارم ها دزد را آوردند، اسقف گفت که خودش نقره را به او داده است. عمل نیک مونسینور او را به یک مسیحی واقعی تبدیل کرد، به عضوی میدانی در جامعه. یک روز ژان ولژان برای همیشه درگذشت و در عوض شهردار مادلین به دنیا آمد. راه خیر را در پیش گرفت. او تحت نام مادلین، سرمایه خود را با کار صادقانه (بر اساس یک اختراع فنی) به دست آورد، او ثروت خود را در ساخت یک کارخانه اتوپیایی برای کمک به سایر افراد محروم سرمایه گذاری کرد.

در کارخانه، قهرمان با فانتین ملاقات کرد. از سن 10 سالگی، دختر مجبور به کار شد، او هرگز پدر و مادر خود را نمی شناخت. در سن 15 سالگی برای جستجوی ثروت خود به پاریس آمد. او برای زنده ماندن سخت کار کرد و با غیرت شرافت خود را حفظ کرد. پس از عاشق شدن ، دختر بسیار خوشحال بود. اما برای معشوق این رابطه چیزی بیش از یک رابطه عاشقانه نبود. او را ترک کرد، بخشدار، مشاور، پدر خانواده شد. فانتین از او فرزندی به دنیا آورد و او را به غریبه ها واگذار کرد، در حالی که خودش به وطن بازگشت. به این ترتیب او وارد کارخانه شد. او صادقانه کار کرد و هر چه داشت برای دخترش فرستاد. اما سرپرستان کودک هر بار بر خواسته های مادی مادر افزوده و او را تهدید به بیرون راندن می کنند. در کارخانه Fantine دشمنانی وجود داشتند، دختران به زیبایی زنانه او حسادت می کردند. از طریق دسیسه، او بدون شغل رها شد. او برای اینکه از طریق گرسنگی و گدایی برای تأمین معاش فرزندش پولی به دست بیاورد، به هیئت رفت. زندگی و نظم اجتماعی زنان را به سمت افراط سوق داده است، همانطور که زمانی ژان ولژان انجام داد.

یک بار در ایستگاه پلیس، فانتین در آنجا با آقای شهردار ملاقات کرد، صاحب کارخانه ای که او را بسیار اندوه آورد. او به اتهام دست داشتن در آزادی او به صورت او تف انداخت. این شهردار، محکوم سابق ژان ولژان بود. او از مشکلات زندگی خود به او گفت. به زن رحم کرد و او را آزاد کرد و تا آخرین نفس از او مراقبت کرد. قبل از مرگ، فانتین از او سخنی گرفت که به دخترش کمک خواهد کرد.

ژان کودک را در میخانه Thenarlier پیدا کرد، او فقط 8 سال داشت. او شست، تمیز کرد، آب حمل کرد. در زمستان، او پابرهنه می رفت، زیر پله ها در گوشه ای تاریک می خوابید. او بچه را از صاحبانش خرید و خود را پدرش معرفی کرد، زیرا او پدر و مادرش را نمی شناخت. شهردار کوزت را در یک صومعه تربیت کرد؛ او با یک جهیزیه غنی تبدیل به مادمازل ماریوس پونتمرسی شد. دختر با مردی نجیب و درستکار ازدواج کرد. ژان ولژان تا زمان مرگش با آنها زندگی می کرد. قبل از مرگش در مورد مادرش به او گفت که او به اندازه دخترش ناراضی است.

تمام زندگی ژان ولژان یک زهد به نام نیکی و رحمت است.

"مردی که می خندد" این رمان در پس پروبلماتیک ها همخوانی با The Dispossessed دارد. عمل این اثر در اواخر قرن هفدهم - آغاز قرن هجدهم در انگلستان آشکار شد، اما کل محتوای آن با زمان حال مرتبط است.

از همان صفحات اول رمان، فضایی از رمز و راز ایجاد شد: ساحل دریا زیر پوشش شب، عده ای با عجله رفتند و پسری تنها را ترک کردند. وحشت زده به چوبه دار برخورد کرد، حتی بیشتر به زنی که در برف یخ زده بود و در پسرش دختری زنده با چهره فرشته پیدا کرد، معلوم شد که او نابینا است. با فشار دادن او به سمت خود، در امتداد دشت قدم زد و با کلاژ عجیبی روبرو شد که در آن کمدین قدیمی اورسوس با یک خرس زندگی می کند. چهره نورانی آن پسر ابتدا شگفت زده شد و سپس پیر را ترساند: خنده های دیوانه کننده ای شاد روی آن یخ زد.

علاوه بر این، طرح بر افشای راز منشأ قهرمان داستان متمرکز است - گوین پلین، که معلوم شد پسر یک ارباب است و قربانی خودسری سلطنتی شده است. دو زن به طور مساوی با او رفتار کردند: دیا که او را با تمام وجود دوست داشت و اشراف زیبای جوینا که تنها شور و اشتیاق در احساساتش حاکم بود.

گوین پلین در دنیای مردم عادی عشق و انسانیت پیدا کرد. او اورسوس و دژا را با تمام وجود دوست داشت و اگر اصل و نسب نجیب او آشکار نمی شد هرگز آنها را ترک نمی کرد. او یک لرد است، کرسی در مجلس اعیان داشت که به حق او بود. اما در مجلس با خصومت مواجه شد: دلقک دیروز که در غرفه از مردم پذیرایی می کرد، جایی در بین آنها نداشت. لرد کلنچارلی تنها یک بار در پارلمان انگلیس سخنرانی کرد، او سیستم اجتماعی را که بر اساس بی عدالتی و ظلم به مردم ساخته شده بود، محکوم کرد. اربابان که از چنین سخنرانی خشمگین شده بودند او را از مجلس اخراج کردند.

هوگو با دفاع از موقعیت آرمان گرایانه خود، با این استدلال که تنها رحمت می تواند جامعه را تغییر دهد، از دفاع از محرومان، دشمن استبداد و برده داری دست برنداشت.

سال 93. خلق بوم حماسی با این واقعیت تسهیل شد که وی هوگو معاصر انقلاب های 1830، 1848 و 1870 بود، که خود او سال ها برای برپایی یک جمهوری در کشور مبارزه کرده بود.

سه شخصیت اصلی در رمان وجود دارد - مارکی دو لانتناک - رئیس ضدانقلاب 1793، برادرزاده بزرگش هوین، که در راس نیروهای انقلابی قرار داشت، نماینده کنوانسیون سیموردین، که نظارت بر آن را بر عهده داشت. فعالیت های Gauvin به نمایندگی از سازمان. لانتناک به عنوان یک فرد بسیار ظالم ظاهر شد، او تمام روستاها را به آتش کشید، زنان را تیرباران کرد. دلیل چنین ظلم قهرمان نفرت از انقلاب است. هوون یک مشتاق است، او معتقد بود که باید آشکارا با دشمن مبارزه کرد و وقتی دشمن شکست خورد باید به او کمک کرد. سیموردن تروریست است، او معتقد بود هر وسیله ای برای پیروزی انقلاب مفید است. خود هوگو معتقد بود که بالاتر از انقلاب و مبارزه طبقاتی - رحمت و عشق به انسان است. سه قهرمان اثر کم کم به همین نتیجه رسیدند.

لانتناک، پس از اینکه قلعه اش را گرفتند و خودش از زیرگذر فرار کرد، برگشت: بچه هایی در کتابخانه بودند که فقط او می توانست آنها را نجات دهد. او دستگیر شد و منتظر اعدام بود. اما هوون نمی توانست دشمنی را که معلوم شد تا این حد نجیب است اعدام کند. او را آزاد کرد و خود را تحویل دادگستری داد. نیروهای انقلابی که عاشق گووین بودند خواستار اخراج او شدند. سیموردین گووین را روی گیوتین اعدام کرد. اما در همان لحظه که چاقو بر سر گووین افتاد، خودکشی کرد، زیرا هوون مورد علاقه و شاگرد او بود. بنابراین هوگو تضاد انقلاب و قانون اخلاقی انسانی را نشان داد. جمهوری «رحمت» بر جمهوری «ترور» پیروز شده است.

رمان با داستانی در مورد مبارزه شدیدی شروع می شود که جمهوری جوان مجبور به انجام آن هم با دشمنان داخلی و هم با دشمنان خارجی است. در این اثر، هوگو یک رمانتیک باقی ماند، همانطور که توسط شخصیت ها و اتفاقات استثنایی گواه است. تمرکز انعکاس واقعیت، ذهنیت و باز بودن موقعیت نویسنده، تضاد خیر و شر، گروتسک.

ویکتور هوگو را پیامبری می نامیدند که با مدینه فاضله هایش دل ها را می لرزاند. شهرت او مدتهاست که از مرزهای ملی فراتر رفته است ، حتی در طول زندگی خود شروع به تعلق به تمام جهان کرد.

برای فرانسوی ها، وی. هوگو، اول از همه، یک شاعر بزرگ ملی، یک نمایشنامه نویس برجسته است، و برای آنها هوگو یک رمان نویس است. وی. هوگو در خارج از فرانسه، از جمله در اینجا، در درجه اول یک رمان نویس، نمایشنامه نویس و شاعر درخشان است. این در درجه اول با این واقعیت توضیح داده شد که ترجمه تمام عیار شعر چیز بسیار دشواری است و سرنوشت شاعران بزرگ ملی در کشورهای خارجی زبان به این بستگی دارد که آیا ترجمه های سطح بالای آنها در آنجا ظاهر می شود و آیا این ترجمه به مالکیت می رسد یا خیر. فرهنگ ملی به همین دلیل است. شعر هوگو چنین ترجمه‌هایی نداشت و در خارج از فرانسه به اندازه کافی شناخته شده و تسلط نداشت.

ویکتور هوگو یک بار گفت که "زندگی یک عبارت شکسته است." اما عبارتی که او در تمام عمرش نوشت، آنقدر طولانی، پیچیده، آنقدر پر از افکار و احساسات است که بعید است هرگز از بین برود. در این عبارت، تمام آثار او: اشعار، نمایشنامه ها، رمان ها و مقالات، جزوه ها و طرح های سفر، مقالات اوست. بشر هرگز کسی را فراموش نخواهد کرد که قبل از مرگش در جمع بندی فعالیت خلاقانه خود به درستی گفت: "در کتاب ها، نمایش ها، نثرها و شعرهایم به دفاع از کوچک و بدبخت برخاستم و با توانا و غیرقابل التماس دعا کردم. من حقوق مسخره، بدبخت، مجرم و فاحشه را اعاده کرده ام.»

روش هنری V. Hugo

او معتقد بود که لازم است نه روزمره، بلکه استثنایی به تصویر کشیده شود.

او تلاش کرد تا چشم انداز بزرگی از زندگی را در آثارش ترسیم کند.

از تکنیک کنتراست استفاده کرد.

من یک طرح تند و هیجان انگیز را برای ایجاد تنش در طرح انتخاب کردم.

او استدلال کرد که فقط رحمت می تواند جهان را تغییر دهد.

V. هوگو و اوکراین. لسیا اوکراینکا به شعر هوگو علاقه مند بود. او شعر-اعلامیه "شاعران لطیف، بخوان ..." و شعر "بینوایان" را از مجموعه شعر "افسانه های اعصار" ترجمه کرد. اولنا پچیلکا، مادر لسیا اوکراینکا، نیز به آثار شاعرانه این هنرمند برجسته فرانسوی علاقه داشت. شعر او را نیز ترجمه کرد. به طور کلی، بین دیدگاه‌های زیبایی‌شناختی و اجتماعی لسیا اوکراینکا، اولنا پچیلکا و ویکتور هوگو اشتراکات زیادی وجود داشت، آنها ضروری‌ترین پرسش‌های عصر خود را بر شعر مقدم داشتند. مضامین ابدیت، زندگی و مرگ عمیقاً آنها را تحت تأثیر قرار داد. در قرن XX. تمام رمان های وی. هوگو به زبان روسی ترجمه و منتشر شد. ام رایلسکی چندین درام و شعر از این نویسنده را ترجمه کرد. ژلایی، ده و شاعران و مترجمان دیگر در این امر مشارکت داشتند.

سوالاتی برای خودکنترلی

1. ویژگی های رمانتیسیسم فرانسوی؟

2. نوآوری V. Hugo چیست؟

3. جوهره اصلاح شعر فرانسوی نویسنده را آشکار کنید؟

4. ویژگی های خاص دراماتورژی وی. هوگو چیست؟

5. چرا در تاریخ ادبیات جهان. هوگو به عنوان رمان نویس وارد شد؟ شایستگی او چیست؟

در طول قرن سوم که از سقوط ناپلئون تا تأسیس جمهوری دوم در سال 1848 گذشت، فرانسه زندگی سیاسی شدیدی داشت. احیای قدرت سلطنتی و به قدرت رسیدن سلسله بوربون در تبعید (1815) منافع کشور را برآورده نکرد. افکار عمومی، که احساسات و افکار اکثریت قریب به اتفاق جمعیت فرانسه را بیان می کرد، به شدت نسبت به دولت بوربون که حامیان آن مرتجع ترین نیروهای اجتماعی - اشراف زمین دار و کلیسای کاتولیک بودند - منفی بود. دولت سلطنتی سعی کرد موج فزاینده نارضایتی اجتماعی را با سرکوب، ممنوعیت سانسور و ترور مهار کند. و با این حال، احساسات ضد فئودالی، انتقاد آشکار یا پنهان از نظم موجود، به اشکال مختلف بیان می شد: در مقالات روزنامه ها و مجلات، در نقد ادبی، در آثار داستانی، در آثار تاریخی و البته در تئاتر. .

در طول دهه 20 قرن 19، رمانتیسیسم در فرانسه به عنوان جنبش هنری پیشرو شکل گرفت، که چهره های آن نظریه ادبیات رمانتیک و درام رمانتیک را توسعه دادند و وارد مبارزه ای قاطع علیه کلاسیک شدند. با از دست دادن هرگونه ارتباط با تفکر اجتماعی پیشرفته، کلاسیک گرایی در طول سال های ترمیم به سبک رسمی سلطنت بوربون تبدیل شد. پیوند کلاسیک گرایی با ایدئولوژی ارتجاعی سلطنت مشروعیت گرا، بیگانگی اصول زیبایی شناختی آن با ذائقه اقشار گسترده دموکراتیک، روتین و بی تحرکی آن، که مانع از توسعه آزاد روندهای جدید در هنر شد - همه اینها باعث ایجاد آن خلق و خوی شد. و شور اجتماعی که مبارزه رمانتیک ها علیه کلاسیک ها را متمایز می کرد.

این ویژگی‌های رمانتیسیسم در کنار محکومیت مشخصه‌اش از واقعیت بورژوایی، آن را به رئالیسم انتقادی که در همان دوران شکل می‌گرفت، نزدیک می‌کرد که در این دوره، گویی بخشی از جنبش رمانتیک بود. جای تعجب نیست که بزرگ ترین نظریه پردازان رمانتیسم هم هوگوی رمانتیک و هم استاندال رئالیست بودند. می‌توان گفت که رئالیسم استاندال، مریمه و بالزاک با لحن‌های رمانتیک نقاشی می‌شد و این امر به‌ویژه در آثار دراماتیک دو اثر اخیر برجسته بود.

مبارزه رمانتیسیسم با کلاسیک در دهه 1920 عمدتاً در مجادلات ادبی بیان شد (کار استاندال "راسین و شکسپیر" ، مقدمه هوگو برای درام "کرامول"). درام رمانتیک به سختی در صحنه تئاترهای فرانسه نفوذ کرد. تئاترها هنوز سنگر کلاسیک گرایی بودند. اما درام عاشقانه در آن سالها در شخص ملودرام که خود را در رپرتوار تئاترهای بلوار پاریس تثبیت کرده بود و تأثیر زیادی بر ذائقه عموم مردم، درام و هنر صحنه مدرن داشت، متحدی داشت.

ملودرام با از دست دادن شخصیت انقلابی مستقیم که نمایشنامه‌های مونول و لامارتلیه را در طول سال‌های کنسولگری و امپراتوری از دست داد، ویژگی‌های ژانری که توسط تئاتر دموکراتیک پاریس متولد شد را حفظ کرد. این امر هم در انتخاب قهرمانانی که معمولاً توسط جامعه و قوانین طرد می‌شوند یا از بی‌عدالتی رنج می‌برند و هم در ماهیت توطئه‌هایی که معمولاً بر اساس برخورد شدید اصول خوب و بد به تصویر کشیده می‌شوند، بیان می‌شود. این تعارض، به خاطر احساس اخلاقی عموم مردم دموکراتیک، همیشه با پیروزی خیر، یا در هر صورت، با مجازات رذیلت حل شده است. دمکراسی این ژانر همچنین در دسترس پذیری عمومی ملودرام آشکار شد، که مدت ها قبل از ظهور مانیفست های ادبی و نمایشی رمانتیک ها، تمام قوانین محدود کننده کلاسیک را رد کرد و عملاً یکی از اصول اساسی نظریه رمانتیک را تأیید کرد - اصل آزادی کامل خلاقیت هنری. نصب تئاتر ملودراماتیک نیز دموکراتیک بود و هدف آن جلب حداکثری تماشاگر از وقایع نمایش بود. به هر حال، سرگرمی به عنوان ویژگی دسترسی عمومی به هنر، بخشی از مفهوم تئاتر عامیانه بود، سنت‌هایی که نظریه‌پردازان و دست اندرکاران رمانتیسم می‌خواستند آن را احیا کنند. تئاتر ملودرام با تلاش برای بیشترین قدرت تأثیر عاطفی بر بیننده، به شدت از ابزارهای مختلفی از زرادخانه جلوه های صحنه استفاده کرد: "تغییرات خالص" مناظر، موسیقی، سر و صدا، نور و غیره.

درام رمانتیک از تکنیک های ملودرام استفاده گسترده ای خواهد کرد، که به نوبه خود در دهه 1920، از نظر ماهیت پروبلماتیک ایدئولوژیک، به تدریج به درام رمانتیک نزدیک شد.

خالق ملودرام پس از انقلاب و یکی از "کلاسیک های" این ژانر گیلبرت دو پیکسرکور (1773 - 1844) بود. نمایشنامه های متعدد او قبلاً با عناوین فریبنده خود عموم را به خود جلب کرده بود: "ویکتور، یا کودک جنگل" (1797)، "سلینا، یا کودک اسرارآمیز" (1800)، "مرد سه نفره" (1801) و توطئه ها و جلوه های صحنه ای، خالی از گرایش های اومانیستی و دموکراتیک نبود. در درام "ویکتور یا کودک جنگل" پیکسرکور تصویر جوانی را ارائه داد که پدر و مادر خود را نمی شناسد، اما این مانع از احترام جهانی به فضایل خود نمی شود. علاوه بر این، در پایان معلوم می‌شود که پدرش نجیب‌زاده‌ای است که رهبر گروهی از دزدان شد و برای مجازات بد و محافظت از ضعیفان، این راه را در پیش گرفت. در نمایشنامه «مرد سه نفره»، یک قهرمان با فضیلت و شجاع، یک پاتریسیون ونیزی که به ناحق توسط دوژ و سنا محکوم شده و مجبور به مخفی شدن به نام های مختلف شده است، یک توطئه جنایتکارانه را افشا می کند و در نهایت میهن خود را نجات می دهد.

Pixerekur عموماً مجذوب تصاویر قهرمانان قوی و نجیب شد که مأموریت والای مبارزه با بی عدالتی را بر عهده می گیرند. او در ملودرام «تکلی» (1803) به تصویر قهرمان جنبش آزادیبخش ملی در مجارستان اشاره می کند. پژواک درگیری های اجتماعی در ملودرام های Pixerecour به صدا درآمد که با اخلاقی کردن تعلیم و تأکید بر نمایش بیرونی ملایم تر شد.

از میان آثار یکی دیگر از نویسندگان مشهور ملودرام، لوئی چارلز کوسنیر (1762 - 1842)، نمایشنامه "دزد زاغی" (1815) بیشترین موفقیت را در فرانسه و خارج از کشور داشت. در آن، گرایش های دموکراتیک ملودرام تقریباً با بیشترین قدرت خود را نشان داد. با همدردی بسیار، مردم عادی مردم در نمایشنامه به تصویر کشیده می شوند - قهرمان نمایش، آنت، خدمتکار در خانه یک کشاورز ثروتمند، و پدرش، سربازی که به دلیل توهین به یک افسر مجبور به فرار از ارتش شد. . آنت متهم به سرقت ظروف نقره است. قاضی ناعادل او را به اعدام محکوم می کند. و تنها کشف تصادفی نقره گم شده در لانه زاغی قهرمان را نجات می دهد. ملودرام کنی در روسیه به خوبی شناخته شده بود. داستان M. S. Shepkin درباره سرنوشت غم انگیز بازیگر نقش آنت توسط A. I. Herzen در داستان "The Thieving Magpie" استفاده شد.

در طول دهه 1920، ملودرام به طور فزاینده ای تیره و تار می شود و به اصطلاح رمانتیک می شود.

بنابراین، در ملودرام معروف ویکتور دوکانژ (1783 - 1833) "سی سال، یا زندگی یک قمارباز" (1827)، موضوع مبارزه انسان با سرنوشت متشنج به نظر می رسد. قهرمان او، یک مرد جوان پرشور، خود را به یک بازی ورق می اندازد و در آن توهم مبارزه با سرنوشت را می بیند. تحت قدرت هیپنوتیزم هیجان بازی، همه چیز را از دست می دهد، گدا می شود. غرق در فکر مداوم کارت ها و بردها، او تبدیل به یک جنایتکار می شود و در نهایت می میرد و تقریباً پسر خود را می کشد. این ملودرام از طریق انبوهی از وحشت و انواع جلوه های صحنه، مضمونی جدی و قابل توجه را نشان می دهد - محکومیت جامعه مدرن، جایی که آرزوهای جوانی، انگیزه های قهرمانانه برای مبارزه با سرنوشت تبدیل به احساسات شیطانی و خودخواهانه می شود. این نمایشنامه وارد کارنامه بزرگترین بازیگران تراژیک نیمه اول قرن نوزدهم شد.

در 1830 - 1840 مضامین جدیدی در دراماتورژی و رپرتوار تئاتر فرانسه ظاهر شد که زاده مرحله جدیدی در توسعه اقتصادی و سیاسی کشور بود. توده های مردمی و روشنفکران دموکراتیک که انقلاب 1830 را به وجود آوردند، جمهوری خواه بودند و ایجاد سلطنت جولای را مظهر واکنشی خصمانه علیه منافع مردم و کشور می دانستند. نابودی نظام سلطنتی و اعلام جمهوری به شعار سیاسی نیروهای دموکراتیک فرانسه تبدیل می شود. ایده‌های سوسیالیسم اتوپیایی، که توسط توده‌ها به عنوان ایده‌های برابری اجتماعی و حذف تضادهای بین غنی و فقیر تلقی می‌شود، شروع به تأثیر قابل توجهی بر افکار اجتماعی می‌کند.

موضوع ثروت و فقر در زمینه غنی‌سازی بی‌سابقه نخبگان بورژوایی و تباهی و فقیر شدن محافل و کارگران خرده‌بورژوایی، که مشخصه‌ی سلطنت جولای بود، اهمیت خاصی پیدا کرد.

دراماتورژی محافظ بورژوایی مشکل فقر و ثروت را به عنوان یک مشکل فضایل شخصی انسانی حل کرد: ثروت به عنوان پاداشی برای تلاش، صرفه جویی و زندگی با فضیلت تفسیر شد. نویسندگان دیگری که به این موضوع پرداختند، در صدد برانگیختن همدردی و همدردی با فقرای درستکار و محکوم کردن ظلم و زشتی‌های ثروتمندان بودند.

البته بی ثباتی ایدئولوژیک دموکراسی خرده بورژوایی در چنین تفسیر اخلاقی از تضادهای اجتماعی منعکس شد. و در این مورد، اهمیت تعیین کننده ای به ویژگی های اخلاقی یک فرد داده شد و پاداش فقر صادقانه در چنین نمایشنامه ها اغلب به ثروت غیر منتظره تبدیل شد. و با این حال، علیرغم ناهماهنگی آنها، چنین آثاری دارای جهت گیری دموکراتیک خاصی بودند، آغشته به مظاهر محکومیت بی عدالتی اجتماعی بودند و همدردی را برای مردم عادی برانگیختند.

مضمون ضد سلطنتی و انتقاد از نابرابری اجتماعی به نشانه های مسلم تبدیل شده است ملودرام اجتماعی، در دهه 30 - 40 با سنت های دموکراتیک تئاتر فرانسه در دهه های گذشته مرتبط بود. خالق آن فلیکس پیا (1810 - 1899) بود. آثار یک نویسنده دموکرات، یک جمهوری‌خواه و یکی از اعضای کمون پاریس، تأثیر زیادی بر زندگی تئاتری در سال‌های سلطنت جولای گذاشت. بهترین نمایشنامه های او نشان دهنده رشد احساسات انقلابی بین دو انقلاب 1830-1848 است.

در سال 1835 در یکی از تئاترهای دموکراتیک پاریس، Ambigue-Comique، درام تاریخی آنگو، نوشته پیا با همکاری آگوست لوچه، روی صحنه رفت. پیا با خلق این درام ضد سلطنتی، آن را علیه پادشاه فرانسیس اول کارگردانی کرد، که تاریخ نگاری نجیب به نام او افسانه قهرمان ملی - شاه شوالیه، روشنگر و اومانیست را به هم مرتبط می کند. پیا نوشت: "ما به قدرت سلطنتی در شخص درخشان ترین، جذاب ترین پادشاه حمله کردیم." درام مملو از اشارات تند سیاسی به سلطنت لویی فیلیپ و حملات جسورانه علیه قدرت سلطنتی بود - "دربار یک مشت رذل است که در راس آنها بی شرمان ترین آنها - شاه!" و غیره.

علیرغم علاقه زیاد تولید، پس از سی اجرا ممنوع شد.

مهمترین اثر پیا ملودرام اجتماعی او مرد ژنده پوش پاریسی بود که برای اولین بار در پاریس در تئاتر پورت سن مارتین در ماه مه 1847 ارائه شد. این نمایش یک موفقیت بزرگ و ماندگار بود. او توجه هرزن را به خود جلب کرد که در «نامه‌هایی از فرانسه» به تحلیل دقیق ملودرام و بازی بازیگر مشهور پرداخت! فردریک لماتر که نقش اصلی را بازی کرد. آسیب ایدئولوژیک نمایش بیانگر اعتراض فزاینده توده های دموکراتیک علیه جامعه عالی سلطنت جولای، علیه بانکداران، دلالان سهام، ثروتمندان و کلاهبرداران عنوان شده است که در عطش غنی سازی غرق شده اند، غرق در هرزگی و تجمل هستند.

خط داستانی اصلی نمایشنامه داستان ظهور و سقوط هافمن بانکدار است. در پیش‌گفتار نمایشنامه، پیر گاروس، ویران‌شده و تمایلی به کسب درآمد از راه کار نداشت، یک کارگر آرتل را در خاکریز سن می‌کشد و غارت می‌کند. در اولین اقدام، قاتل و سارق در حال حاضر یک فرد مهم و محترم است. با پنهان کردن نام و گذشته خود، او به طرز ماهرانه ای از طعمه خود استفاده کرد، به یک بانکدار برجسته تبدیل شد - بارون هافمن. اما او رفتار سابق یک جنایتکار را فراموش نکرد.

بارون هافمن و دنیای ثروتمندان، آغشته به خون، در ملودرام با یک فقیر صادق، یک پدر ژنده پوش، ژان، مدافع بیگناهی و قهرمان عدالت، که شاهد تصادفی این جنایت بود، مخالفت می کنند. آغاز کار هاروس هافمن بود. در پایان نمایش، هافمن لو می رود و مجازات می شود.

پایان خوش نمایشنامه، اگرچه با حقیقت زندگی مطابقت نداشت، خوش بینی اجتماعی ذاتی ملودرام دموکراتیک - اعتقاد به منظم بودن پیروزی خیر و عدالت بر نیروهای شر را نشان می داد.

ملودرام در مجموع بدون کاوش در ماهیت و بدون درک عمیق از تضادهای اجتماعی زندگی، فراتر از همدردی بشردوستانه برای طبقات ستمدیده پیش نرفت. مهمترین دستاوردهای ایدئولوژیک و هنری توسط آن نمایشنامه نویسانی به تئاتر فرانسه آورده شد که آثارشان وظایف بزرگ ایدئولوژیکی را که توسط مبارزه نیروهای دمکراتیک مطرح شده بود حل کرد. اولین آنها ویکتور هوگو بود.

هوگو

بزرگترین نمایشنامه نویس رمانتیک و نظریه پرداز تئاتر رمانتیک ویکتور هوگو بود. او در خانواده یک ژنرال در ارتش ناپلئونی به دنیا آمد. مادر نویسنده از یک خانواده ثروتمند بورژوازی بود که به طرز مقدسی به دیدگاه های سلطنتی پایبند بود. تجارب ادبی اولیه هوگو او را به عنوان یک سلطنت طلب و کلاسیک مشهور کرد. با این حال، تحت تأثیر فضای سیاسی فرانسه پیش از انقلاب در دهه 1920، هوگو بر محافظه کاری ایدئولوژیک و زیبایی شناختی خود غلبه کرد، به عضوی از جنبش رمانتیک و سپس رئیس رمانتیسیسم مترقی و دموکراتیک تبدیل شد.

آسیب ایدئولوژیک آثار هوگو با ویژگی های اصلی جهان بینی او تعیین می شد: نفرت از بی عدالتی اجتماعی، حمایت از همه ستمدیدگان و مستضعفان، محکومیت خشونت و موعظه اومانیسم. این ایده ها به رمان های هوگو، شعر، دراماتورژی، روزنامه نگاری و جزوه های سیاسی او می خورد.

به جز تراژدی های اولیه منتشر نشده ای که هوگو در جوانی اش نوشته بود، آغاز درام او درام عاشقانه کرامول (1827) است که مقدمه آن به «الواح رمانتیسم» تبدیل شد. ایده اصلی پیشگفتار، شورش علیه کلاسیک و قوانین زیبایی شناختی آن است. نویسنده می گوید: «زمان فرا رسیده است، و عجیب است اگر در عصر ما آزادی، مانند نور، به همه جا نفوذ کند، به جز آنچه که طبیعتاً آزادتر از همه جهان است، به جز حوزه اندیشه. ما با چکش به تئوری ها و شعرها و سیستم ها می کوبیم! بیایید این گچ قدیمی را که نمای هنر را پنهان می کند براندازیم! نه قاعده ای وجود دارد، نه الگوی! .. نمایش آینه ای است که طبیعت در آن منعکس می شود. اما اگر یک آینه معمولی، با سطح صاف و صاف، انعکاس کسل کننده و صافی خواهد داد، درست، اما بی رنگ؛ ... نمایش باید آینه متمرکزی باشد که... سوسو زدن را به نور و نور را به شعله تبدیل کند. هوگو در بحث با کلاسیک گرایی استدلال می کند که هنرمند «باید در دنیای پدیده ها... نه زیبا، بلکه ویژگی را انتخاب کند» 1 .

1 (Hugo V. درام های منتخب. L., 1937, v. 1, p. 37، 41.)

جایگاه بسیار مهمی در پیشگفتار، نظریه گروتسک رمانتیک است که در آثار هوگو تجسم و توسعه یافت. هوگو می نویسد: «گروتسک یکی از زیبایی های بزرگ درام است. از طریق گروتسک است که توسط نویسنده نه تنها به عنوان اغراق، بلکه به عنوان ترکیبی، ترکیبی از جنبه های متضاد و، به قولی، متقابل متقابل واقعیت درک می شود، که بالاترین کاملی از افشای این واقعیت به دست می آید. . از طریق ترکیب بالا و پایین، غم انگیز و خنده دار، زیبا و زشت، تنوع زندگی را درک می کنیم. برای هوگو، شکسپیر الگوی هنرمندی بود که به طرز هوشمندانه ای از گروتسک در هنر استفاده می کرد. گروتسک "به همه جا نفوذ می کند، گویی پست ترین طبیعت ها اغلب انگیزه های بلندی دارند، سپس بالاترین ها اغلب به مبتذل و مضحک ادای احترام می کنند. بنابراین، او همیشه در صحنه حضور دارد ... خنده را وارد می کند، سپس وحشت را به تراژدی می آورد. او با رومئو یک داروخانه، سه جادوگر با مکبث، یک گورکن با هملت ملاقات می کند.

هوگو مستقیماً به مسائل سیاسی نمی پردازد. اما لحن سرکش مانیفست او در برخی مواقع آشکار می شود. معنای اجتماعی نقد کلاسیک گرایی به ویژه در بیانیه هوگو برجسته می شود: "در حال حاضر یک رژیم قدیمی ادبی، مانند یک رژیم قدیمی سیاسی وجود دارد."

"کرامول" - این "درام گستاخانه حقیقت"، همانطور که هوگو آن را نامید - نتوانست روی صحنه بیاید. نویسنده در این نمایشنامه سعی کرد به اصلاح هنری که در پیشگفتار اعلام کرده بود دست بزند. با این حال، عدم قطعیت ایدئولوژیک و ناپختگی نمایشی کار مانع از او شد. شکنندگی، دست و پا گیر بودن و ناکارآمدی ترکیب بندی به مانعی غیرقابل عبور در مسیر کار هوگو به صحنه تبدیل شد.

«نبرد» در اولین نمایش «ارنانی». حکاکی توسط J. Granville

نمایشنامه بعدی هوگو، ماریون دلورم (1829)، تجسم درخشانی از اصول ایدئولوژیک و خلاقانه رمانتیسم است. در این درام، هوگو برای اولین بار تصویری رمانتیک از قهرمانی با منشأ «کم» دارد که در تقابل با جامعه درباری-اشرافی است. طرح نمایشنامه بر اساس تضاد تراژیک عشق بلند و شاعرانه جوانی بی ریشه دیدیه و باتجربه ماریون دلورمه با غیرانسانی بودن قدرت سلطنتی است. هوگو زمان عمل را بسیار دقیق تعیین می کند - این 1638 است. نویسنده به دنبال افشای موقعیت تاریخی است، نمایشنامه در مورد جنگ با اسپانیا، کشتار هوگنوت ها، اعدام دوئل ها صحبت می کند، در مورد "سید" کورنیل که در پایان سال 1636 نمایش داده شد، اختلاف وجود دارد و غیره.

دیدیه و ماریون با دشمنان قدرتمند روبرو می شوند - پادشاه ظالم و ترسو لوئیس سیزدهم، "جلاد در لباس قرمز" - کاردینال ریشلیو، گروهی با عنوان "جوانان طلایی"، عاشقان مسخره کننده. نیروهای آنها نابرابر هستند و مبارزه جز با مرگ قهرمانان نمی تواند پایان یابد. اما با وجود این، زیبایی اخلاقی و خلوص دنیای معنوی دیدیه و ماریون، نجابت، فداکاری و شجاعت آنها در مبارزه با شر، کلید پیروزی نهایی خیر است.

تصویر ریشلیو با مهارت خاصی توسط نویسنده نوشته شده است. کاردینال هرگز به مخاطب نشان داده نمی شود، اگرچه سرنوشت همه قهرمانان درام به او بستگی دارد، همه شخصیت ها، حتی پادشاه، با وحشت درباره او صحبت می کنند. و فقط در فینال، در پاسخ به درخواست ماریون برای لغو مجازات اعدام، صدای شوم کاردینال نامرئی، پنهان شده در پشت سایبان برانکارد، به گوش می رسد: "نه، او لغو نمی شود!"

«ماریون دلورمه» نمونه بارز غزلیات قرن نوزدهم است. زبان هوگو در این نمایشنامه پر جنب و جوش و متنوع است، گفتار محاوره ای با طبیعی بودنش جای خود را به صحنه های عاشقانه والایی می دهد که مطابق با عشق تراژیک دیدیه و ماریون است.

این درام که ماهیت ضد سلطنتی داشت، ممنوع شد.

اولین درام هوگو که این صحنه را دید هرنانی (1830) است. این معمولی است درام عاشقانه. وقایع ملودراماتیک نمایشنامه در پس زمینه تماشایی اسپانیا قرون وسطایی رخ می دهد. در این نمایشنامه هیچ برنامه سیاسی به وضوح بیان نشده است، اما کل سیستم ایدئولوژیک و عاطفی آزادی احساسات را تأیید می کند، از حق یک شخص برای دفاع از ناموس خود دفاع می کند. قهرمانان دارای شور و صبوری استثنایی هستند و آنها را در عمل و عشق فداکارانه و در سخاوت نجیبانه و در قساوت انتقام به کمال نشان می دهند. انگیزه های سرکش در تصویر شخصیت اصلی - سارق ارنانی، یکی از کهکشان های انتقام جویان عاشقانه بیان می شود. کشمکش بین دزد نجیب و شاه و برخورد عشق متعالی و درخشان با دنیای تیره و تار اخلاق فئودالی-شوالیه ای که نتیجه تراژیک درام را رقم می زند، بار اجتماعی نیز دارد. مطابق با الزامات رمانتیسم، همه مهم ترین رویدادهایی که توسط پیام رسان ها در تراژدی های کلاسیک گزارش شده است، در اینجا روی صحنه اتفاق می افتد. عمل نمایشنامه توسط هیچ وحدت کلاسیکی محدود نشد. ریتم های تند گفتار احساسی شخصیت ها صدای آرام آرام شعر اسکندریه درام کلاسیک را شکست.

درام «ارنانی» در آغاز سال 1830 توسط تئاتر «کمدی فرانسه» روی صحنه رفت. اجرا در فضایی از شور و شوق طوفانی و کشمکشی که در سالن بین «کلاسیک ها» و «رمانتیک ها» در جریان بود، ادامه یافت. ساخت هرنانی در بهترین تئاتر پاریس یک پیروزی بزرگ برای رمانتیسم بود. او اعلام کرد در مورد تایید اولیهدرام عاشقانه روی صحنه فرانسه

پس از انقلاب ژوئیه 1830، رمانتیسم به جریان اصلی تئاتر تبدیل شد. در سال 1831 درام «ماریون دلورم» هوگو روی صحنه رفت که در سال های آخر بوربن ها ممنوع شد. و پس از آن، یکی پس از دیگری، نمایشنامه های او وارد کارنامه می شود: پادشاه خود را سرگرم می کند (1832)، مری تودور (1833)، روی بلاس (1838). توطئه های سرگرم کننده، پر از جلوه های ملودراماتیک واضح، درام های هوگو موفقیت بزرگی بودند. اما دلیل اصلی محبوبیت آنها جهت گیری سیاسی-اجتماعی بود که ویژگی دموکراتیک بارز داشت.

صحنه ای از درام «روی بلاس» اثر وی هوگو. تئاتر "رنسانس"، 1838

ترحم دموکراتیک دراماتورژی هوگو به طور کامل در درام روی بلاس بیان شده است. این اکشن در اسپانیا در پایان قرن هفدهم رخ می دهد. اما مانند دیگر نمایشنامه های هوگو که با موضوعات تاریخی نوشته شده است، «روی بلاس» یک درام تاریخی نیست. این نمایشنامه بر اساس داستان های شاعرانه است که جسارت و جسارت آن ماهیت باورنکردنی وقایع و تضاد تصاویر را مشخص می کند.

روی بلاس یک قهرمان رمانتیک، پر از نیات بالا و انگیزه های نجیب است. او یک بار آرزوی خیر کشورش و حتی همه بشریت را در سر می پروراند و به انتصاب بلند خود ایمان داشت. اما از آنجایی که هیچ چیز در زندگی به دست نیاورده است، مجبور می شود به یک نجیب زاده ثروتمند و نجیب نزدیک به دربار سلطنتی تبدیل شود. صاحب شرور و حیله گر Ruy Blaza مشتاق انتقام گرفتن از ملکه است. برای انجام این کار، او نام و تمام القاب خویشاوند خود - دون سزار د بازان - را به پای پیاده می‌دهد. دون سزار خیالی قرار است معشوق ملکه شود. ملکه مغرور - معشوقه لاکی - این نقشه موذیانه است. همه چیز طبق برنامه پیش می رود. اما معلوم می شود که پای پیاده نجیب ترین، باهوش ترین و شایسته ترین فرد در دادگاه است. در میان مردمی که قدرت فقط از روی حق مادری به آنها تعلق دارد، فقط یک لاکی مردی دولتمرد است. در جلسه شورای سلطنتی، روی بلاس سخنرانی بزرگی انجام می دهد.

او به گروه درباری که کشور را ویران کرد و دولت را به مرز مرگ رساند، انگ می‌زند. نمی توان ملکه را رسوا کرد، اگرچه او عاشق روی بلاس شد. او زهر را می نوشد و می میرد و راز نامش را با خود می برد.

این نمایشنامه غزل و شعر عمیق را با طنز تند سیاسی ترکیب می کند. ترحم دموکراتیک و تقبیح طمع و بی اهمیتی محافل حاکم، در اصل ثابت کرد که خود مردم می توانند کشورشان را اداره کنند. در این نمایش، هوگو برای اولین بار از روش رمانتیک آمیختن تراژیک و کمیک استفاده می کند و چهره دون سزار واقعی، یک اشراف خراب، یک همنوع شاد و مست، یک بدبین و یک برادر را وارد اثر می کند. .

در تئاتر "روی بلاس" موفقیت متوسطی داشت. تماشاگران شروع به خنک شدن به سمت رمانتیسم کردند. تماشاگر بورژوا که از انقلاب می ترسید، ادبیات رمانتیک «دیوانه» را با آن پیوند می داد، نگرش شدید منفی خود را نسبت به هر نوع سرکشی، مظهر نافرمانی و خودخواهی به آن منتقل می کرد.

هوگو سعی کرد نوع جدیدی از درام رمانتیک خلق کند - تراژدی حماسی The Burgraves (1843). اما شایستگی های شاعرانه نمایش نتوانست کمبود حضور صحنه ای را جبران کند. هوگو می خواست جوانانی که در سال 1830 برای هرنانی جنگیده بودند در اولین نمایش The Burgraves شرکت کنند. یکی از یاران سابق شاعر به او پاسخ داد: همه جوانان مردند. درام شکست خورد و پس از آن هوگو از تئاتر دور شد.

دوما

نزدیکترین همکار هوگو در مبارزه او برای درام رمانتیک، الکساندر دوما (دوما پری)، نویسنده سه گانه معروف درباره تفنگداران، رمان کنت مونت کریستو، و بسیاری دیگر از آثار کلاسیک ادبیات ماجراجویی بود. در اواخر دهه 1920 و اوایل دهه 1930، دوما یکی از فعال ترین شرکت کنندگان در جنبش رمانتیک بود.

دراماتورژی جایگاه قابل توجهی در میراث ادبی دوما دارد. او شصت و شش نمایشنامه نوشت که بیشتر آنها مربوط به دهه های 1930 و 1940 هستند.

شهرت ادبی و تئاتری اولین نمایشنامه خود را برای دوما به ارمغان آورد - "هنری سوم و دربارش" که در سال 1829 توسط تئاتر "Odeon" به صحنه رفت. موفقیت اولین درام دوما با تعدادی از نمایشنامه های بعدی او تضمین شد: "آنتونی" (1831)، "برج نلسکایا" (1832)، "بستگان، یا نابغه و هرزگی" (1836) و غیره.

صحنه ای از نمایشنامه «آنتونی». نمایشنامه ای از A. Dumas Père

نمایشنامه های دوما نمونه های بارز درام رمانتیک هستند. او زندگی روزمره پرزرق و برق مدرنیته بورژوایی را با دنیای قهرمانان خارق العاده ای که در فضایی از احساسات خشونت آمیز، مبارزات شدید و موقعیت های دراماتیک حاد زندگی می کنند، مقایسه کرد. درست است، در نمایشنامه های دوما آن قدرت و اشتیاق، ترحم دموکراتیک و سرکشی وجود ندارد که آثار دراماتیک هوگو را متمایز کند. اما درام هایی مانند "هنری سوم" و "برج نلسکایا" جنبه وحشتناک دنیای فئودالی-سلطنتی را نشان می دهد ، در مورد جنایات ، ظلم و فساد پادشاهان و محافل درباری - اشرافی صحبت می کند. و نمایشنامه هایی از زندگی مدرن ("آنتونی"، "کین") با به تصویر کشیدن سرنوشت غم انگیز قهرمانان غرور و شجاع پلبی که در تضاد آشتی ناپذیر با جامعه اشرافی قرار گرفتند، عموم مردم دموکرات را به هیجان آورد.

دوما مانند دیگر نمایشنامه نویسان رمانتیک از تکنیک های ملودرام استفاده می کرد و همین امر به نمایشنامه های او حضور سرگرم کننده و صحنه ای خاصی بخشید، اگرچه سوء استفاده از ملودرام او را در هنگام به تصویر کشیدن قتل ها، اعدام ها، شکنجه ها به مرز بد ذوقی رساند. .

در سال 1847، دوما "تئاتر تاریخی" را که توسط او با نمایش "ملکه مارگوت" ایجاد شده بود افتتاح کرد، که قرار بود وقایع تاریخ ملی فرانسه در آن نمایش داده شود. و اگرچه این تئاتر چندان دوام نیاورد (در سال 1849 تعطیل شد)، اما جایگاه برجسته ای در تاریخ تئاترهای بلوار در پاریس به خود اختصاص داد.

در طول سال ها، گرایش های مترقی از دراماتورژی دوما فرسوده می شوند. دوما نویسنده موفق مد، سرگرمی های عاشقانه سابق خود را کنار می گذارد و از نظم بورژوازی دفاع می کند.

در اکتبر 1848، نمایشنامه "کاتیلینا" نوشته او به همراه آ. مکه روی صحنه تئاتر "تئاتر تاریخی" متعلق به دوما روی صحنه رفت. این اجرا که اعتراض شدید A. I. Herzen را برانگیخت، با استقبال پرشور مردم بورژوازی مواجه شد. او در این نمایش درسی تاریخی برای «شورشیان» و توجیهی برای کشتار وحشیانه اخیر شرکت کنندگان در قیام کارگری ژوئن دید.

Vigny

یکی از نمایندگان برجسته درام رمانتیک آلفرد دو وینی بود. او متعلق به یک خانواده اصیل قدیمی بود که اعضای آن علیه انقلاب فرانسه مبارزه کردند و برای ایده های سلطنت طلب به گیوتین رفتند. اما ویگنی مانند آن اشراف تلخی که به امکان احیای فرانسه سلطنتی پیش از انقلاب اعتقاد داشتند و کورکورانه از هر چیز جدید متنفر بودند، نبود. او که مرد عصر جدید بود، آزادی را بالاتر از هر چیز دیگری قرار داد، استبداد را محکوم کرد، اما نتوانست جمهوری بورژوایی معاصر را نیز بپذیرد. او را نه تنها با آگاهی از عذاب طبقه‌اش، بلکه تا حد زیادی با اظهار دستورات و آداب بورژوایی از واقعیت دور کرد. او همچنین نمی توانست معنای ضد بورژوازی قیام های انقلابی مردم و فرانسه در نیمه اول دهه 1930 را درک کند. همه اینها شخصیت بدبینانه رمانتیسیسم ویگنی را مشخص می کند. نقوش «غم جهانی» شعر وینی را به شعر بایرون نزدیک می کند. اما سرکشی و قدرت تایید کننده زندگی شعر تراژیک بایرون با وینی بیگانه است. بایرونیسم او تنهایی غرورآفرین انسان در میان جهانی بیگانه با او، آگاهی از ناامیدی، عذاب غم انگیز است.

وینی مانند بیشتر رمانتیک ها به سمت تئاتر گرایش داشت و شکسپیر را دوست داشت. ترجمه های وینی از شکسپیر نقش بزرگی در ترویج آثار نمایشنامه نویس بزرگ انگلیسی در فرانسه ایفا کرد، اگرچه وینی به طور قابل توجهی آثار او را رمانتیک کرد. اهمیت ترجمه های شکسپیر ویگنی نیز در استقرار رمانتیسیسم در صحنه فرانسه بسیار است. اجرای تراژدی "اتللو" در تئاتر "کمدی فرانسه" در سال 1829 پیش بینی آن دعواهای رمانتیک و کلاسیک بود که به زودی در اجرای درام "هرنانی" هوگو رخ داد.

بهترین اثر دراماتیک وینی درام رمانتیک او Chatterton (1835) بود. ویگنی هنگام خلق نمایشنامه از برخی حقایق از زندگینامه شاعر انگلیسی قرن هجدهم چترتون استفاده کرد، اما این درام بیوگرافی نیست.

این نمایشنامه سرنوشت غم انگیز شاعری را به تصویر می کشد که می خواهد استقلال شعر و آزادی شخصی را در دنیایی که نه شعر و نه آزادی برایش مهم است حفظ کند. اما معنای نمایشنامه گسترده تر و عمیق تر است. وینی به طرز درخشانی خصومت دوران جدید با انسانیت و خلاقیت اصیل را که تجسم آن شعر است پیش بینی کرد. تراژدی چترتون تراژدی مردی در دنیایی غیرانسانی است. طرح عشقی درام سرشار از معنای درونی است، زیرا بازی ویگنی در عین حال تراژدی زنانگی و زیبایی است که به قدرت یک ولگرد ثروتمند داده شده است (عذاب کیتی بل که توسط شوهرش به برده تبدیل شده است. سازنده ثروتمند، یک فرد بی ادب، حریص).

پاتوس ضد بورژوایی درام با اپیزودی که از نظر ایدئولوژیک مهم است، تقویت می‌شود، که در آن کارگران از سازنده می‌خواهند جایی را به رفیقشان که توسط ماشین در کارخانه فلج شده است، بدهد. مانند بایرون، که از منافع کارگران در مجلس اعیان دفاع می کرد، اشراف دی وینی در اینجا هم متحد ایدئولوژیک جنبش کارگری دهه 1930 است.

این نمایشنامه اصالت رمانتیسم ویگنی را آشکار می کند. از درام های هوگو و دوما، "چترتون" در غیاب خشم و شادی رمانتیک متفاوت است. شخصیت ها زنده هستند و از نظر روانی عمیقاً رشد یافته اند. پایان درام غم انگیز است - چترتون و کیتی می میرند. این با منطق شخصیت های آنها، رابطه آنها با جهان تهیه شده است و یک اثر ملودراماتیک نیست. خود نویسنده بر سادگی طرح و تمرکز کنش در دنیای درونی قهرمان تاکید کرد: «این داستان مردی است که صبح نامه ای نوشته و تا غروب منتظر پاسخ است؛ پاسخ. می آید و او را می کشد.»

ماست

جایگاه ویژه ای در تاریخ تئاتر رمانتیک فرانسه و درام رمانتیک متعلق به آلفرد دو موسه است. نام او از نام بنیانگذاران رمانتیسیسم جدایی ناپذیر است. رمان «اعترافات یک پسر قرن» اثر موسه یکی از بزرگترین رویدادهای زندگی ادبی فرانسه است. این رمان تصویر جوانی مدرن را خلق می‌کند که متعلق به نسلی است که در دوران بازسازی وارد زندگی شد، زمانی که وقایع انقلاب فرانسه و جنگ‌های ناپلئونی از بین رفته بودند، زمانی که «قدرت‌های خدا و انسان‌ها در واقع احیا شدند، اما ایمان به آنها برای همیشه ناپدید شد." ماست از نسل خود خواست که «ناامیدی را از خود دور کند»: «مسخره کردن شهرت، مذهب، عشق، همه چیز در جهان برای کسانی که نمی دانند چه کنند، آرامش بزرگی است».

این نگرش به زندگی در دراماتورژی موسه نیز بیان شده است. در کنار یک جت قوی غنایی و دراماتیک، اینجا خنده وجود دارد. اما این طنزی نیست که رذایل اجتماعی را محکوم کند - کنایه ای شیطانی و ظریف است که علیه همه چیز معطوف شده است: علیه نثر روزمره زمان ما، خالی از زیبایی، قهرمانی، فانتزی شاعرانه، و در برابر انگیزه های بلند و عاشقانه. ماست حتی به فرقه ناامیدی که از سوی او اعلام شده است به خنده می پردازد و به طعنه می گوید: "... خیلی خوب است که احساس ناراحتی کنی، اگرچه در واقعیت فقط پوچی و کسالت داری."

کنایه نه تنها اصل اصلی کمدی بود، بلکه حاوی گرایش های ضد رمانتیک بود که به ویژه در دراماتورژی دهه 40 و 50 او به وضوح نمایان شد.

نمایشنامه های موست که در دهه 1930 نوشته شده است (شب ونیزی، هوس های ماریان، فانتزیو) نمونه های درخشانی از نوع جدیدی از کمدی رمانتیک هستند. مثلاً «شب ونیزی» (1830) چنین است. طرح نمایشنامه، همانطور که بود، درام خونین سنتی برای این سبک را با عشق خشونت آمیز، حسادت و قتل پیش بینی می کند. رازتا، خوشگذران و قمارباز، عاشقانه عاشق لورتای زیباست که متقابلاً این کار را انجام داد. سرپرست دختر قرار است او را با یک شاهزاده آلمانی ازدواج کند. پرشور رستا قاطعانه عمل می کند. او برای معشوقش نامه و خنجر می فرستد - او باید شاهزاده را بکشد و با رازتا از ونیز فرار کند. اگر لورتا این کار را نکند، خودش را خواهد کشت. اما ناگهان قهرمانان شروع به رفتار مانند مردم عادی می کنند که تمایل دارند نه با دیکته های احساسات، بلکه با صدای عقل سلیم هدایت شوند. لورتا با تأمل تصمیم می گیرد از معشوق خشن خود جدا شود و همسر شاهزاده شود. رازتا همچنین تصمیم می گیرد داستان داستانی مربوط به قتل یک رقیب یا خودکشی را ترک کند. او به همراه گروهی از چنگک‌های جوان و دوست‌دخترش، برای صرف شام در یک گوندولا حرکت می‌کند و در پایان آرزو می‌کند که تمام زیاده‌روی‌های عاشقان به همین خوبی تمام شود.

کمدی Fantasio (1834) مملو از طنز غم انگیز است. این نمایشنامه غنایی است که محتوای آن افکار نویسنده است، بازی عجیب و غریب از افکار و احساسات، تجسم در تصاویر رنگارنگ، خنده دار و غم انگیز، اما همیشه گروتسک. قهرمان کمدی، با نامی رسا، فانتاسیو، چنگک زن مالیخولیایی و فیلسوفی شوخ، در میان دوستان عاقل خود تنهاست. با این حال، به نظر او، همه تنها هستند: هر فرد دنیایی است بسته در خود، غیرقابل دسترس برای دیگران. "این بدن انسان ها در چه تنهایی زندگی می کنند!" فریاد می زند و به جمعیت شاد جشن نگاه می کند. گاه دیوانه به نظر می رسد، اما دیوانگی او بالاترین حکمتی است که عقل سلیم مبتذل دنیوی را تحقیر می کند. تصویر فانتاسیو زمانی کامل می شود که او لباس یک شوخی سلطنتی می پوشد، شاهکاری جوانمردانه انجام می دهد و شاهزاده باواریایی السبت را از دست شاهزاده مضحک مانتوا که او را جلب می کند نجات می دهد. تبدیل فانتاسیو به یک شوخی سرانجام جوهر او را روشن می کند، گویی نزدیکی او را با شوخی های خردمند شکسپیر و شخصیت های نمایشی درخشان کمدی های گوزی تثبیت می کند.

اغلب، کمدی ها با یک پایان تراژیک به پایان می رسند - "هوس های ماریان" (1833)، "بدون شوخی با عشق" (1834).

اکشن در کمدی های ماست در کشورها و شهرهای مختلف می گذرد، زمان اکشن مشخص نشده است. در مجموع، یک دنیای نمایشی مشروط خاص در این نمایش‌ها پدیدار می‌شود که در آن نابهنگاری‌های خط‌دار توجه را به مدرنیته وقایع و تصاویر ترسیم شده جلب می‌کند.

در نمایشنامه «با عشق شوخی نمی‌کنند» اتفاقات مهم نیستند، بلکه تجربه‌های روان‌شناختی و دنیای معنوی شخصیت‌ها هستند که در همه پیچیدگی‌ها و ناهماهنگی انگیزه‌ها، عواطف و تأملات معنوی آشکار می‌شود. قهرمان نمایش، نجیب زاده جوان پردیکان، قرار است عروس کامیل باشد. جوانان بدون اینکه بدانند یکدیگر را دوست دارند. اما مانعی برای خوشبختی آنها، تربیت رهبانی کامیلا است که ایده فریبکاری مردان، وحشت ازدواج را به او الهام کرد. کامیلا پردیکن را رد می کند. طرد شده و مورد توهین قرار گرفته، او که می خواهد از مجرم انتقام بگیرد، شروع به خواستگاری با خواهر خوانده اش، دختر دهقان مبتکر رازتا می کند و حتی قول ازدواج با او را می دهد. در پایان کامیلا و پردیکن به عشق متقابل خود به یکدیگر اعتراف می کنند. شاهد این توضیحات، رازتا که نمی تواند فریب را تحمل کند، می میرد. کامیل و پردیکن که از اتفاقی که افتاده شوکه شده اند، برای همیشه از هم جدا می شوند.

این نمایشنامه که در اصل به یک درام روان‌شناختی تبدیل شده است، توسط ماست در قالبی اصیل و واقعاً نوآورانه از بازی پوشیده شده است. Musset گروه کری از دهقانان محلی را روی صحنه می آورد. این شخص کمکی و در عین حال مشروط است. گروه کر همه چیز را می داند، حتی آنچه در داخل دیوارهای قلعه اتفاق می افتد. گروه کر وارد یک گفتگوی معمولی با شخصیت های دیگر می شود و اعمال آنها را اظهار نظر و ارزیابی می کند. این روش ورود آغاز حماسی به درام، دراماتورژی را با ابزارهای بیانی جدید غنی کرد. تغزلی، ذهنی، که معمولاً در تصاویر عاشقانه وجود دارد، در اینجا در چهره گروه کر "عینیت یافته" می شود. قهرمانان نمایشنامه که از غزلیات نویسنده رها شده بودند، به نظر می رسید استقلالی از اراده نویسنده به دست آورده اند که به مرور زمان ذاتی درام رئالیستی خواهد شد.

بدبینی اجتماعی موست در درام لورنزاچیو (1834) بیشتر به چشم می خورد. این درام ثمره تأملات ماست در مورد عذاب غم انگیز تلاش برای تغییر مسیر تاریخ به شیوه ای انقلابی است. موسه در «لورنزاچیو» تلاش کرد تا تجربه دو انقلاب و تعدادی قیام انقلابی را که به ویژه در زندگی سیاسی فرانسه در اوایل دهه 30 غنی بود، درک کند. داستان بر اساس وقایعی از تاریخ قرون وسطی فلورانس است. لورنزو مدیچی (لورنزاچیو) از استبداد متنفر است. او با دیدن شاهکار بروتوس، نقشه می کشد تا الکساندرا مدیچی ظالم را بکشد و به سرزمین پدری آزادی بدهد. این اقدام تروریستی باید توسط جمهوریخواهان حمایت شود. لورنزاچیو دوک را می کشد، اما چیزی تغییر نمی کند. جمهوری خواهان در اظهار نظر مردد هستند. طغیان های جداگانه نارضایتی مردمی توسط سربازان سرکوب می شود. لورنزو که بر سرش جایزه ای دارد، با یک چاقو خائنانه از پشت کشته می شود. تاج فلورانس به دوک جدید تقدیم می شود.

تراژدی از ناممکن بودن یک انقلاب اجتماعی صحبت می کند. ادای احترام به قدرت معنوی قهرمان، عاشقانه یک عمل انقلابی فردی را محکوم می کند. تراژدی با قدرتی کم، افرادی را محکوم می کند که با ایده آزادی همدردی می کنند، اما جرات مبارزه برای آن را ندارند و قادر به رهبری مردم نیستند. سخنان لورنزو مستقیماً خطاب به هم عصرانش به نظر می رسد: "اگر جمهوری خواهان ... آنطور که باید رفتار کنند، برای آنها آسان خواهد بود که جمهوری ایجاد کنند، زیباترین از همه چیزهایی که تا به حال روی زمین شکوفا شده است. بگذارید مردم طرف آنها را بگیرند. " اما مردم فریب خورده، منفعل، محکوم به فنا...

درام "لورنزاچیو" به شیوه ای آزاد و با بی توجهی کامل به قوانین کلاسیک نوشته شده است. این نمایشنامه به سی و نه صحنه-اپیزود کوتاه تقسیم می شود که تناوب آنها به توسعه سریع عمل، وسعت پوشش رویدادها و همچنین افشای اقدامات مختلف، جنبه های شخصیت های شخصیت های اصلی کمک می کند. .

این درام دارای ویژگی‌های رئالیستی قوی و شکسپیر است که در تصویری گسترده و واضح از دوران بیان می‌شود، که در تضادهای اجتماعی آن با ظلم اخلاقی تعیین‌شده تاریخی نشان داده می‌شود. شخصیت‌های قهرمانان نیز واقع‌گرا هستند و از طرح‌واره‌سازی سرراست درام کلاسیک تهی هستند. با این حال، در شخص لورنزاچیو، اصل قهرمان زدایی به طور مداوم انجام می شود. تقصیر غم انگیز لورنزاچیو در این واقعیت نهفته است که به عنوان دشمن دنیای خشونت و فساد، خود بخشی از آن می شود. با این حال، این "حذف" اصل والا تنش دراماتیک زندگی پیچیده و درونی را تضعیف نمی کند. تصویر قهرمان داستان نشان دهنده نزدیکی او به پرتره ای است که توسط Musset از یک "پسر قرن" غمگین، ناامید و به طرز غم انگیزی ناامید شده است.

پس از لورنزاچیو، موست به موضوعات بزرگ اجتماعی روی نمی آورد. از نیمه دوم دهه 30، او کمدی های شوخ و ظریفی از زندگی جامعه سکولار می نویسد (Candlestick، 1835؛ Caprice، 1837). کنش بیرونی در کمدی‌هایی از این نوع تقریباً وجود ندارد و همه علاقه در کلمه نهفته است، علاوه بر این، این کلمه در اینجا نه در اشکال تئاتری تأکید شده درام کلاسیک یا رمانتیک، بلکه در قالب گفتگوها و دیالوگ‌هایی که گرمای زنده را حفظ می‌کنند، ظاهر می‌شود. از گفتار عامیانه گاه به گاه

Musset از اواسط دهه 1940 یک ژانر خاص از کمدی ضرب المثل را ایجاد کرد که یک شخصیت کاملاً سالنی-اشرافی داشت. توسل موسه به کمدی های ضرب المثل از کاهش خاصی در لحن خلاقانه نمایشنامه نویس خبر داد. اما احتمالاً، برای خود نویسنده رمانتیک، این وسیله ای بود برای فرار از دنیای منفور متوسط ​​بورژوایی، پیروزی احساسات درشت خودخواهانه دشمن زیبایی و شعر.

سرنوشت صحنه دراماتورژی موسه برای تئاتر فرانسوی دوره سلطنت جولای بسیار مشخص است. نمایشنامه‌های اولیه موسه که از نظر ایدئولوژیک مهم‌ترین و از نظر فرم بدیع‌ترین نمایشنامه‌ها بودند، توسط تئاتر فرانسه پذیرفته نشدند.

نمایشی بودن دراماتورژی موسه در روسیه کشف شد. در سال 1837 کمدی "Caprice" (تحت عنوان "ذهن زنان بهتر از هر فکری است") در سن پترزبورگ پخش شد. پس از موفقیت چشمگیر این نمایش در اجرای تئاترهای روسی، به نفع آلن بازیگر در تئاتر فرانسوی سن پترزبورگ به روی صحنه رفت که پس از بازگشت به فرانسه، آن را در رپرتوار تئاتر کمدی فرانسه گنجاند.

به طور کلی، آثار دراماتیک موسه بدون اینکه جایگاه برجسته ای در کارنامه تئاتر فرانسوی آن زمان داشته باشد، تأثیر زیادی بر تصویر ایدئولوژیک و زیبایی شناختی تئاتر فرانسه در قرن بیستم گذاشت.

مریمی

گرایش های واقع گرایانه در توسعه درام فرانسوی در آثار پروسپر مریمه بیان شده است. جهان بینی مریمی تحت تأثیر اندیشه های فلسفه روشنگری شکل گرفت. واقعیت پس از انقلاب، به ویژه دوران مرمت، احساس اعتراض و محکومیت را در نویسنده برانگیخت. این امر مریمی را به رمانتیسیسم جهت گیری دموکراتیک نزدیک کرد. اما برای رمانتیک‌هایی مانند هوگو و دوما، نکته اصلی سرکشی رمانتیک آنها، قهرمانان خشونت‌آمیزشان بود که مظهر آزادی روح انسانی بودند. در آثار مریمه، شورش رمانتیک با تصویری شدیدا انتقادی و حتی طنزآمیز از خود واقعیت جایگزین شده است.

مریمی در مبارزه رمانتیک ها علیه کلاسیک گرایی شرکت کرد و در سال 1825 مجموعه ای از نمایشنامه ها به نام "تئاتر کلارا گاسول" را منتشر کرد. مریمی که یک هنرپیشه اسپانیایی را نویسنده این مجموعه می خواند، رنگ نمایشنامه هایی را که به سبک کمدی های تئاتر قدیمی اسپانیا نوشته شده است، توضیح داد. و رمانتیک ها، همانطور که می دانید، در تئاتر رنسانس اسپانیا ویژگی های یک تئاتر رمانتیک را دیدند - مردمی، آزاد، بدون به رسمیت شناختن قوانین مدرسه و قوانین کلاسیک.

در تئاتر کلارا گسول، مریمی گالری از تصاویر روشن، گاهی عجیب و غریب، اما همیشه شبیه به زندگی را به نمایش گذاشت. افسران و سربازان، جاسوسان، اشراف از درجات و مناصب مختلف، راهبان، یسوعیان، زنان سکولار و دوست دختران سرباز، بردگان، دهقانان - اینها قهرمانان کمدی هستند. یکی از موضوعاتی که در این مجموعه رسوخ می کند، نکوهش اخلاق روحانیت است. در تصاویر به شدت گروتسک راهبان و کشیشان، غرق در احساسات نفسانی، می توان قلم پیروان دیدرو و ولتر را حس کرد.

شخصیت های کمدی مریمی افرادی قوی و پرشور هستند، در موقعیت های استثنایی قرار دارند و کارهای خارق العاده ای انجام می دهند. اما هنوز ناممکن است که آنها را قهرمانان یک درام عاشقانه بنامیم. در "تئاتر کلارا گاسول" هیچ فرقه ای از یک فرد قوی، مخالف جامعه وجود ندارد. قهرمانان این نمایشنامه ها خالی از ذهنیت رمانتیک هستند و بیانگر مستقیم افکار و احساسات نویسنده نیستند. علاوه بر این، غم و اندوه و ناامیدی عاشقانه برای آنها کاملاً بیگانه است. اگر درام رمانتیک تصاویری هذلولی از قهرمانان خارق‌العاده می‌داد، پس تصاویر متعدد نمایشنامه‌های مریمه تصویری از آداب و رسوم اجتماعی به‌عنوان یک کل ایجاد می‌کرد. با رنگ آمیزی رمانتیک شخصیت های مریمی، کنایه ای که از حال و هوای رمانتیک قهرمانان می کاهد به شدت در آنها احساس می شود.

بنابراین، مریمی در کمدی "عشق آفریقایی" به نامحتمل بودن احساسات "دیوانه" قهرمانانش می خندد و شخصیت نمایشی و ساختگی خشم عاشقانه را آشکار می کند. یکی از قهرمانان درام، بادیه زین، عاشق برده دوستش حاجی نعمان است، به طوری که نمی تواند بدون او زندگی کند. با این حال، معلوم می شود که این عشق تنها عشق آتشین آفریقایی نیست. دست حاجی نعمان زده، او در حال مرگ گزارش می دهد: «... زن سیاه پوستی هست... حامله است... از من». نعمان که از مرگ دوستش شوکه شده، غلام بی گناه را با خنجر می کوبد. اما در همین لحظه خادمی ظاهر می شود و می گوید: «... شام سرو شد، اجرا تمام شد». حاجی نعمان با خشنود بودن از چنین ارتکابی می گوید: آه! همه "کشته شدگان" برخاستند و بازیگر نقش یک برده از مردم درخواست می کند که نسبت به نویسنده اغماض کنند.

مریمی برای کاهش پاتوس رمانتیک، با کمال میل از تکنیک برخورد یک سبک بلند و رقت انگیز گفتار با زبان معمول، محاوره ای و حتی مبتذل خیابان استفاده می کند.

ویژگی های طنز شخصیت های "تئاتر کلارا گاسول" به طور کامل در کمدی "کالسکه هدایای مقدس" بیان شده است، جایی که اخلاق عالی ترین دولت دولتی و "شاهزاده های کلیسا" در شخص نایب السلطنه، درباریان او و اسقف، که همگی خود را در دستان بازیگر جوان چابک پریکولا می یابند.

در تئاتر کلارا گسول، مریمی نمونه ای درخشان از آزادی خلاق و امتناع از پیروی از قوانین زیبایی شناسی هنجاری کلاسیک را ارائه داد. چرخه نمایشنامه‌های متحد شده در این مجموعه، گویی آزمایشگاه خلاق نویسنده‌ای بود که به دنبال و یافتن رویکردی نو برای به تصویر کشیدن شخصیت‌ها و احساسات، ابزارهای جدید بیان و فرم‌های نمایشی بود.

ظهور نمایشنامه مریمه "ژاکری" (1828) که به تصویر قیام ضد فئودالی دهقانان فرانسوی - "ژاک" در قرن 14 اختصاص دارد، با افکاری در مورد درام تاریخی ملی مرتبط است.

دیدگاه مریمه در مورد قوانین توسعه تاریخی و به ویژه در مورد اهمیت مردم در تاریخ به تاریخ نگاری رمانتیک فرانسوی و به ویژه به مفهوم تاریخی تیری نزدیک است که در نامه های خود درباره تاریخ فرانسه (1827) نوشته است: به نام قهرمان... باید عاشق یک ملت باشی و قرن ها سرنوشتش را دنبال کنی.»

این نمایشنامه در فضایی از خیزش انقلابی که پیش از وقایع سال 1830 بود خلق شد. «ژاکری» نمایشنامه ای ضد فئودالی و ضد اشراف است که ناگزیر بودن انفجار خشم مردمی را علیه نظم اجتماعی ناعادلانه و ظالمانه نشان می دهد.

در «ژاکری» شجاعت نوآورانه مریمه نمایشنامه نویس متجلی شد. قهرمان درام مردم هستند. تراژدی سرنوشت او، مبارزه و شکست او، اساس طرح داستانی نمایشنامه را تشکیل می دهد، که شامل انگیزه های بسیاری مرتبط با تصاویر و سرنوشت افراد، شرکت کنندگان در جنگ دهقانان، هم متحدان و هم دشمنان "ژاک ها" است. هر کدام دلیل خاص خود را برای پیوستن یا مخالفت با قیام دارند. سرنوشت قهرمانان فردی "ژاکری" تصویری کلی از سرنوشت غم انگیز مردم ایجاد می کند و از اجتناب ناپذیر بودن تاریخی شکست آن صحبت می کند. مریمی با صداقت بی رحمانه اخلاق بی رحمانه و بی ادبانه، غرور درنده و احمقانه شوالیه ها، خیانت مردم شهر بورژوای ثروتمند، افق های محدود و باریک دهقانان - "ژاک" را بازتولید می کند.

ایده جدید تراژدی که شخصیت اصلی آن مردم هستند، حفظ فرم کلاسیک قدیمی را غیرممکن کرد. بدون احتساب شرکت کنندگان در صحنه های دسته جمعی، حدود چهل بازیگر در ژاکری حضور دارند. این اکشن در مکان‌های مختلف اتفاق می‌افتد: در جنگل‌ها، در میدان‌های روستا، در میدان‌های جنگ، در قلعه‌های شوالیه‌ها، صومعه‌ها، در تالار شهر، در اردوگاه شورشیان و غیره. تمرکز بر شکسپیر، دنبال کردن «طوفان‌ها» و رمانتیک‌های آلمانی. مریمه پنج عمل سنتی تراژدی کلاسیک را با سی و شش صحنه جایگزین می کند. زمان عمل نیز بسیار فراتر از «وحدت زمان» است. همه اینها "شکل باریک" تراژدی کلاسیک را از بین برد و خواستار آزادی بود که نظریه پردازان هنر جدید در مورد آن صحبت کردند. ویژگی های هنری "ژاکری" به طور کامل الزامات تراژدی استاندال را در اثر "راسین و شکسپیر" (1825) برآورده می کند.

"ژاکری" در رپرتوار تئاتر فرانسه گنجانده نشد، اما ظاهر چنین نمایشنامه ای گواه قدرت خلاقانه تمایلات رئالیستی در توسعه درام رمانتیک فرانسوی در دهه 30 بود؟

اهمیت "ژاکری" در تاریخ درام دوران مدرن نیز بسیار زیاد است، جایی که همراه با "بوریس گودونوف" پوشکین (1825)، نمونه ای کلاسیک از یک تراژدی عامیانه است. تجربه "صحنه هایی از دوران فئودال"، همانطور که مریمه نمایشنامه خود را نامیده بود، توسط پوشکین در کار خود در یک درام ناتمام به نام "صحنه هایی از زمان شوالیه" استفاده شد.

علاقه مریمی به روسیه، تاریخ، ادبیات و زبان آن عالی بود. مجذوب خلق یک تراژدی تاریخی عامیانه، نمایشنامه نویس تعدادی از آثار تاریخی را به گذشته روسیه، اوکراین اختصاص می دهد - "قزاق های اوکراین و آخرین سردارانشان"، "شورش رازین" و غیره. مریمی فرانسوی ها را به بهترین ها معرفی کرد. آثار ادبیات مدرن روسیه، ترجمه "ملکه بیل"، "شات"، "کولی" و تعدادی از اشعار پوشکین، و همچنین "بازرس" گوگول و داستانهای تورگنیف. جامعه ادبی روسیه از شایستگی های نویسنده بسیار قدردانی کرد و او را به عنوان عضو افتخاری انجمن عاشقان ادبیات روسیه انتخاب کرد.

کاتب

شرایط اجتماعی در فرانسه نه تنها باعث نارضایتی عاشقانه از واقعیت شد. کشور به سرعت در مسیر توسعه سرمایه داری حرکت می کرد. بورژوازی به نیروی مهمتری تبدیل شد و به تناسب آن محافظه کاری آن تشدید شد.

ماهیت هوشیار و عملی بورژوا با رمانتیسیسم با انگیزه های سرکش و احساسات خشونت آمیزش بیگانه بود. ترحم مدنی کلاسیک گرایی برای او بیگانه نبود. دوران قهرمانی انقلاب های بورژوایی به پایان رسیده است. تماشاگر بورژوا می خواست یک وادویل بازیگوش را روی صحنه تئاتر ببیند، یک کمدی نه بدون ویژگی های طنز، اما نه خیلی شیطانی. او از تماشای درام تاریخی که معلوم شد محتوای آن با سطح ایدئولوژیک یک مرد مرفه بورژوا در خیابان اقتباس شده بود، مخالف نبود.

ویژگی های واجب این دراماتورژی سبکی و سرگرم کننده بود. نویسندگان ملزم به تسلط بر تکنیک های فنی، توانایی ساخت یک طرح جذاب و دیدنی و همچنین دانش روانشناسی مخاطبان تئاتر بودند. سازندگان این نوع "نمایشنامه های خوش ساخت" در تلاش برای سرگرم کردن بینندگان خود، روح و آرزوهای دوران معقول و عملی خود را تجلیل کردند، اخلاق بورژوای مدرن را تبلیغ کردند و تصویر منثور او را با هاله ای از فضیلت احاطه کردند و او را ستودند. ذهن، انرژی و شانس

با بیشترین کامل، سلیقه مخاطب بورژوا در آثار آگوستین اوژن اسکریب (1791 - 1861) تجسم یافت. هرزن تصویر اجتماعی اسکریب و معنای اجتماعی دراماتورژی او را به طرز فوق‌العاده‌ای تعریف می‌کند و او را نویسنده بورژوازی می‌خواند: «... او او را دوست دارد، او را دوست دارد، او را با مفاهیم و سلیقه‌های او تطبیق می‌دهد تا خودش. سایرین را از دست داد؛ اسکریب درباری، نوازنده، واعظ، غافلگیر، معلم، شوخی و شاعر بورژوازی است. بورژواها در تئاتر گریه می کنند، تحت تأثیر فضیلت خود، نقاشی اسکرایب، تحت تأثیر قهرمانی روحانی و شعر قرار گرفته اند. از پیشخوان "1. او نمایشنامه نویسی پرکار بود. اسکریب با داشتن استعداد بی قید و شرط، سخت کوشی و با هدایت اصول یک "نمایشنامه خوش ساخت" در مورد چهارصدآثار نمایشی

1 (هرزن A.I. Sobr. soch.، در 30 ج M.، 1955، ج 5، ص. 34.)

از محبوب ترین آثار اسکریب می توان به «برتراند و راتون» (1833)، «نردبان شکوه» (1837)، «لیوان آب» (1840)، «آندرین لکوورور» (1849) اشاره کرد.

بیشتر نمایشنامه های او با موفقیتی غیرقابل تغییر روی صحنه تئاتر فرانسه اجرا شد. دراماتورژی اسکایب در خارج از فرانسه نیز شهرت یافت.

نمایشنامه‌های اسکایب علی‌رغم سطحی‌ نگری‌شان، دارای محاسن غیرقابل انکار و سرگرم‌کننده هستند. کمدی های او همچنین با تماشاگرانی که به شدت از مخاطبان بورژوازی که نمایشنامه نویس نمایشنامه های خود را برای آنها خلق کرده است، موفق هستند.

با شروع با وودویل در دهه 1930، اسکریب به سمت کمدی‌ها می‌رود، وودویلی با فتنه‌های پیچیده و ماهرانه طراحی‌شده، با تعدادی از ویژگی‌های اجتماعی و روزمره که به طرز ماهرانه‌ای مورد توجه قرار گرفته بود. فلسفه ساده کمدی های او تلاش برای رفاه مادی بود که به گفته نویسنده تنها شادی را در خود دارد. قهرمانان اسکریب بورژواهای شاد و مبتکری هستند که خود را با هیچ فکری در مورد معنای زندگی، در مورد وظیفه، در مورد مسائل اخلاقی و اخلاقی به دوش نمی کشند. آنها زمانی برای فکر کردن ندارند، باید سریع و ماهرانه امور خود را ترتیب دهند: ازدواج سودآور، ایجاد مشاغل سرگیجه‌آور، کاشت و رهگیری نامه، استراق سمع، ردیابی. آنها زمانی برای افکار و تجربیات ندارند - آنها باید عمل کنند، خود را غنی کنند.

یکی از بهترین نمایشنامه‌های اسکریب کمدی معروف لیوان آب یا علل و معلول‌ها (1840) بود که در تمام صحنه‌های دنیا رفت. متعلق به نمایشنامه‌های تاریخی است، اما اسکریب فقط برای نام‌ها، تاریخ‌ها، جزئیات آبدار و نه برای آشکار کردن الگوهای تاریخی به تاریخ نیاز دارد. دسیسه نمایشنامه بر اساس مبارزه دو مخالف سیاسی است: لرد بولینگ بروک و دوشس مارلبرو، مورد علاقه ملکه آن. از زبان بولینگبروک، اسکریب "فلسفه" تاریخ خود را آشکار می کند: "شما احتمالاً مانند اکثر مردم معتقدید که فجایع سیاسی، انقلاب ها، سقوط امپراتوری ها ناشی از دلایل جدی، عمیق و مهم هستند ... اشتباه! قهرمانان، انسان های بزرگ بر دولت ها غلبه می کنند و آنها را هدایت می کنند، اما خود آنها، این بزرگان، در دام هوس ها، هوس ها، هوس هایشان هستند، یعنی کوچک ترین و رقت انگیزترین احساسات انسانی..."

تماشاگر بورژوایی که اسکریب روی او حساب می کرد، بی نهایت متملق بود که از قهرمانان و پادشاهان مشهور بدتر نیست. تبدیل داستان به یک حکایت صحنه ای با ساخت درخشان به خوبی برای این تماشاگر مناسب بود. ریختن یک لیوان آب روی لباس ملکه انگلیس منجر به انعقاد صلح بین انگلیس و فرانسه شد. بولینگ بروک به این دلیل که در رقص سارابند مهارت داشت، وزارت را دریافت کرد، اما به دلیل سرماخوردگی آن را از دست داد. اما این همه پوچی در چنان فرم تئاتری درخشانی پوشیده شده است، چنان ریتم شادی آور و تند زندگی به آن داده می شود که نمایشنامه سال هاست صحنه را ترک نکرده است.

بالزاک

آرزوهای واقع گرایانه درام فرانسوی دهه های 1930 و 1940 با بیشترین قدرت و کمال خود را در دراماتورژی بزرگ ترین رمان نویس فرانسوی آنوره دو بالزاک نشان داد. این هنرمند متفکر در آثار خود به تحلیلی از زندگی اجتماعی و تاریخ آداب و رسوم آن دوران پرداخت.

او به دنبال استفاده از قوانین دقیق علم در کار خود بود. بالزاک بر اساس موفقیت های علوم طبیعی و به ویژه بر اساس آموزه های سنت هیلر در مورد وحدت موجودات، در به تصویر کشیدن جامعه از این واقعیت که توسعه آن تابع قوانین خاصی است، اقدام کرد. او با در نظر گرفتن افکار و احساسات مردم به عنوان یک «پدیده اجتماعی»، به پیروی از روشنگران، استدلال کرد که یک شخص ذاتاً «نه خوب است و نه شر»، اما «میل به سود... تمایلات بد او را توسعه می دهد». بالزاک معتقد بود که وظیفه نویسنده این است که کنش این احساسات را به تصویر بکشد، مشروط به محیط اجتماعی، آداب و رسوم جامعه و شخصیت افراد.

کار بالزاک مرحله مهمی در توسعه و درک نظری روش رئالیسم انتقادی بود. مجموعه پرزحمت و مطالعه حقایق زندگی، به تصویر کشیدن آنها "آنگونه که واقعا هستند" در بالزاک به یک نوشته روزمره و طبیعی طبیعی تبدیل نشد. وی گفت: نویسنده با پایبندی به "بازتولید دقیق" باید "مبانی یا یک مبنای مشترک این پدیده های اجتماعی را مطالعه کند، معنای آشکار مجموعه عظیمی از انواع، احساسات و رویدادها را بپذیرد..."

تئاتر همیشه به بالزاک علاقه داشته است. بدیهی است که او که معتقد بود نویسنده باید مربی و مربی باشد، جذب و قدرت تأثیر هنر نمایش بر عموم مردم شده بود.

بالزاک منتقد تئاتر معاصر فرانسه و به ویژه رپرتوار آن بود. او درام رمانتیک و ملودرام را به عنوان نمایشنامه هایی که از حقیقت زندگی دور بودند محکوم می کرد. بالزاک نسبت به درام شبه رئالیستی بورژوایی منفی کمتری نداشت. بالزاک در پی آن بود که اصول رئالیسم انتقادی را وارد تئاتر کند، آن حقیقت بزرگ زندگی که خوانندگان در آن می دیدند. رمان های او

مسیر خلق یک نمایشنامه واقع گرایانه دشوار بود. در نمایشنامه های اولیه بالزاک، در اندیشه های دراماتیک او هنوز وابستگی آشکاری به تئاتر رمانتیک وجود دارد. نویسنده در دهه های 1920 و 1930 با رها کردن آنچه برنامه ریزی کرده بود، قانع نشدن به آنچه نوشته بود، به دنبال مسیر خود در دراماتورژی بود، او همچنان در حال توسعه سبک دراماتیک خود بود که در اواخر این دوره شروع به ظهور کرد. زمانی که اصول واقع گرایانه هنر بالزاک نثرنویس به وضوح مشخص شد.

از این زمان پربارترین و پخته ترین دوره کار بالزاک به عنوان نمایشنامه نویس آغاز می شود. در طی این سالها (1839 - 1848) بالزاک شش نمایشنامه نوشت: "مدرسه ازدواج" (1839)، "واترین" (1839)، "امیدهای کینولا" (1841)، "پاملا ژیرو" (1843)، "تاجر" 1844)، "نامادری" (1848). بالزاک با استفاده از تکنیک ها و فرم های ژانرهای مختلف دراماتیک حرکات هنری، به تدریج به سمت خلق درام واقع گرایانه پیش رفت.

بالزاک با تصور چندین اثر دراماتیک، برخلاف نمایشنامه‌هایی که در آن زمان صحنه تئاتر فرانسه را پر می‌کرد، نوشت: «در قالب یک بادکنک آزمایشی، درامی از زندگی خرده‌بورژوازی را بدون هیاهو و به‌عنوان چیزی می‌نویسم. ناچیز، برای اینکه ببینیم این موضوع چه شایعاتی را ایجاد خواهد کرد کاملاً "راست". با این حال ، این نمایشنامه "بی اهمیت" به موضوع بسیار مهمی اختصاص داشت - خانواده مدرن بورژوایی. "مدرسه ازدواج" داستان عاشقانه ای است از یک تاجر سالخورده جرارد و یک دختر جوان آدرین، کارمند شرکت او، و مبارزه شدید اعضای محترم خانواده و بستگانش در برابر این احساسات "جنایتکارانه" این مدافعان با فضیلت اخلاق افرادی محدود و ظالم هستند، مقصران. از نتیجه غم انگیز حوادث

چنین راه حلی برای موضوع خانوادگی، درام بالزاک را به شدت با یک «نمایشنامه خوش ساخت» در تضاد قرار داد. "مدرسه ازدواج"؛ به صحنه نرفت، اما جایگاه برجسته ای در تاریخ تئاتر فرانسه به خود اختصاص داد، که نشان دهنده اولین تلاش برای بازتاب واقع گرایانه زندگی جامعه مدرن در درام است.

بالزاک در نمایشنامه‌های بعدی ویژگی‌های ملودرام را که عموماً مشخصه دراماتورژی اوست، به‌طور چشمگیری افزایش می‌دهد.

در این راستا نمایش «واترین» گویاست. قهرمان این ملودرام محکوم فراری واترین است که تصویر او در آثاری از بالزاک مانند "پدر گوریوت"، "درخشش و فقر کورتزنان" و غیره شکل گرفته است. محافل اشراف پاریس. واترین با دانستن رازهای درونی او و ارتباط با دنیای اموات پاریس به شخصیتی واقعا قدرتمند تبدیل می شود. در جریان اکشن، واترین با تغییر ظاهر یا در نقش دلال سهام یا در پوشش یک اشراف یا فرستاده نفیس ظاهر می شود و در آخرین عمل که برای نتیجه دسیسه تعیین کننده است. حتی "مثل ناپلئون بازی می کند." همه این دگرگونی ها به طور طبیعی تصویر را "عاشقانه" می کنند. با این حال، آنها علاوه بر معنای مستقیم طرح، معنای دیگری نیز پیدا می کنند، گویی از شکنندگی خطوطی صحبت می کنند که راهزن را از ایده های محترم جامعه بورژوا-اشرافی جدا می کند. بدیهی است که معنای پنهان «تحولات» واترین توسط فردریک لمتر بازیگر به خوبی درک شده بود. او با بازی در این نقش، به قهرمان خود شباهت غیرمنتظره ای به شاه لوئی فیلیپ داد. این یکی از دلایلی بود که نمایشنامه را که با موفقیت چشمگیر تماشاگران تئاتر «پورت سن مارتین» (1840) روبرو شد، یک روز پس از نمایش اول نمایشنامه توقیف شد.

یکی از بهترین آثار بالزاک نمایشنامه نویس کمدی «تاجر» است. این یک تصویر طنز واقعی و واضح از آداب معاصر او است. تمام قهرمانان نمایش عطش غنی شدن را گرفته و از هر وسیله ای برای رسیدن به این هدف استفاده می کنند. و این که آیا یک مرد کلاهبردار و مجرم است یا یک تاجر محترم، با موفقیت یا شکست کلاهبرداری او تعیین می شود.

بازرگانان و دلالان سهام با اندازه ها و توانایی های مختلف، شیک پوشان جامعه ورشکسته، جوانان متواضعی که به عروس های ثروتمند تکیه می کنند، و حتی خدمتکارانی که توسط اربابان خود رشوه می گیرند و به نوبه خود با اسرار آنها معامله می کنند، در یک مبارزه شدید شرکت می کنند.

چهره اصلی نمایشنامه تاجر مرکید است. این مردی با ذهن نافذ، اراده قوی و جذابیت انسانی بزرگ است. همه اینها به او کمک می کند تا خود را از موقعیت های به ظاهر ناامیدکننده رهایی بخشد. مردمی که قیمت او را خوب می دانند، طلبکارانی که حاضرند او را به زندان بیاندازند، تسلیم اراده او شوند و متقاعد به پرواز متهورانه فکر، دقت محاسبات، آماده اند نه تنها او را باور کنند، بلکه حتی در او شرکت کنند. ماجراهای. قدرت مرکاد در فقدان هر گونه توهم است. او می داند که در دنیای مدرن او هیچ ارتباطی بین مردم وجود ندارد، مگر مشارکت در مبارزه رقابتی برای سود. تاجر اعلام می‌کند: «اکنون... احساسات از بین رفته‌اند، جای آن‌ها پول گرفته شده است. در جامعه ای که پیوندهای انسانی از هم می پاشد، مفهوم شرافت و حتی صداقت معنایی ندارد. مرکادا با نشان دادن یک سکه پنج فرانکی فریاد می زند: "اینجا افتخار فعلی است! بتوانید خریدار را متقاعد کنید که آهک شما شکر است و اگر در همان زمان موفق به ثروتمند شدن شوید ... معاون خواهید شد. یک همتای فرانسه، یک وزیر."

رئالیسم بالزاک در کمدی خود را در تصویری صادقانه از آداب و رسوم اجتماعی، در تحلیلی دقیق از جامعه مدرن «تجار» به عنوان یک ارگانیسم اجتماعی خاص نشان داد. بالزاک هنگام ایجاد "تاجر" به سنت های کمدی فرانسوی قرن 17 - 18 روی آورد. از این رو تعمیم تصاویر، فقدان زندگی روزمره، هارمونی و منطق توسعه کنش و قراردادی تئاتری شناخته شده ای است که در همان فضایی که شخصیت های نمایش به جای زندگی در آن نقش دارند، نهفته است. نمایشنامه با عقلانیت نسبتاً خشک و فقدان آن سایه‌های روان‌شناختی و ویژگی‌های فردی در تصاویر متمایز می‌شود که شخصیت تئاتری را به چهره‌ای پر جنب و جوش و به‌شدت پیچیده تبدیل می‌کند.

کمدی "تاجر" که در سال 1838 طراحی شد، تنها شش سال بعد به پایان رسید. در زمان حیات نویسنده، نمایشنامه اجرا نشد. بالزاک می خواست که فردریک لمتر نقش مرکاد را بازی کند، اما تئاتر پورت سن مارتین تغییرات قابل توجهی در متن نمایشنامه از نویسنده خواست که بالزاک با آن موافقت نکرد.

کار دراماتیک بالزاک با درام "نامادری" تکمیل می شود که در آن او به کار خلق یک "نمایشنامه واقعی" نزدیک شد. نویسنده ماهیت نمایشنامه را تعریف کرد و آن را یک «درام خانوادگی» نامید. بالزاک با تحلیل روابط خانوادگی، آداب و رسوم عمومی را مورد مطالعه قرار داد. و این معنای اجتماعی زیادی به «درام خانوادگی» داد، که به نظر به دور از هرگونه مشکل اجتماعی بود.

در پس رفاه بیرونی و آرامش صلح آمیز یک خانواده مرفه بورژوایی، تصویری از مبارزه احساسات، اعتقادات سیاسی به تدریج آشکار می شود، نمایشی از عشق، حسادت، نفرت، استبداد خانواده و نگرانی پدرانه برای شادی فرزندان آشکار می شود. .

اکشن این نمایشنامه در سال 1829 در خانه یک سازنده ثروتمند، ژنرال سابق ارتش ناپلئون، کنت دو گراندشان، اتفاق می افتد. شخصیت های اصلی نمایشنامه همسر کنت گرترود، دختر او از ازدواج اولش، پائولین و کنت ویران شده فردیناند دو مارکاندال هستند که اکنون مدیر کارخانه ژنرال است. پولینا و فردیناند عاشق یکدیگر هستند. اما آنها با موانع غیر قابل حلی روبرو هستند. واقعیت این است که فردیناند و پولینا رومئو و ژولیت مدرن هستند. ژنرال گراندشان، در اعتقادات سیاسی خود، یک بناپارتیست مبارز است که به شدت از همه کسانی که شروع به خدمت به بوربن ها کرده اند متنفر است. و این دقیقاً همان کاری است که پدر فردیناند انجام داد. خود فردیناند با نام جعلی زندگی می کند و می داند که ژنرال هرگز دخترش را به پسر "خائن" نمی دهد.

از عشق فردیناند و پائولین و نامادری اش گرترود جلوگیری می کند. حتی قبل از ازدواج، او معشوقه فردیناند بود. پس از ورشکستگی، گرترود برای نجات او از فقر، با یک ژنرال ثروتمند ازدواج کرد، به این امید که او به زودی بمیرد و او، ثروتمند و آزاد، نزد فردیناند بازگردد. گرترود که برای عشقش می جنگد، دسیسه بی رحمانه ای را رهبری می کند که باید عاشقان را از هم جدا کند.

تصویر نامادری در نمایشنامه ویژگی های یک بدجنسی ملودراماتیک را به خود می گیرد و با آن تمام درام در نهایت همان شخصیت را به خود می گیرد. نقوش تئاتر ملودراماتیک و عاشقانه وارد فضای درام روان‌شناختی می‌شود: لالیدن قهرمان زن با کمک تریاک، سرقت نامه‌ها، تهدید افشای راز قهرمان و در نهایت خودکشی. از دختر نیکوکار و معشوقش

با این حال، بالزاک وفادار به قانون خود در یافتن «پایه‌ای مشترک» برای پدیده‌ها و آشکار کردن معنای پنهان احساسات و رویدادها، این کار را در نمایشنامه‌اش نیز انجام می‌دهد. در قلب همه وقایع غم انگیز "نامادری" پدیده های زندگی اجتماعی - ویرانی یک اشراف زاده، ازدواج راحت مشترک در جهان بورژوازی، و دشمنی مخالفان سیاسی قرار دارد.

با آشنایی با نیت نویسنده «نامادری» می‌توانید اهمیت این نمایشنامه را در توسعه درام رئالیستی درک کنید. بالزاک گفت: "این در مورد ملودرام خام نیست... نه، من رویای درام سالنی را می بینم که در آن همه چیز سرد، آرام و مهربان است. مردها با رضایت از نور شمع هایی که بر فراز آباژورهای سبز ملایم برافراشته است سوت می زنند. گلدوزی. چای پدرسالارانه می نوشند. در یک کلام، همه چیز منادی نظم و هماهنگی است. اما آنجا، در درون، شور و شوق برانگیخته می شود، نمایش می دود، به طوری که بعداً در شعله های آتش فرو می ریزد. این چیزی است که من می خواهم نشان دهم.

بالزاک نتوانست این ایده را به طور کامل مجسم کند و خود را از ویژگی های "ملودرام خشن" رها کند، اما توانست خطوط درام آینده را به طرز درخشانی پیش بینی کند. ایده بالزاک برای آشکار کردن "وحشتناک"، یعنی تراژیک در زندگی روزمره، تنها در دراماتورژی اواخر قرن نوزدهم تجسم یافت.

نامادری در سال 1848 در تئاتر تاریخی روی صحنه رفت. از میان تمام آثار نمایشی بالزاک، او موفق‌ترین اثر را در میان مردم داشت.

بالزاک بیش از هر یک از نمایشنامه نویسان معاصر خود، برای خلق نوع جدیدی از درام اجتماعی واقع گرایانه که بتواند پیچیدگی کامل تضادهای واقعی یک جامعه بالغ بورژوایی را آشکار کند، بیشتر تلاش کرد. با این حال، او در آثار دراماتیک خود نتوانست به آن پوشش جامع از پدیده های زندگی که مشخصه بهترین رمان های رئالیستی اوست، برسد. حتی در موفق ترین نمایشنامه ها، قدرت واقع گرایانه بالزاک تا حدی ضعیف و کاهش یافته بود. دلیل این امر، عقب ماندگی کلی دراماتورژی فرانسوی اواسط قرن نوزدهم در پشت رمان، در تأثیر تئاتر تجاری بورژوازی است.

اما با همه اینها، بالزاک در میان مبارزان تئاتر واقع گرایانه جایگاه افتخاری دارد. فرانسه.