نقاشی ادلفلت که گم شده در نظر گرفته می شد در موزه ریبینسک پیدا شد. نقاشی معاصر در فنلاند یک مورخ هنر فنلاندی به طور تصادفی یک اثر گم شده از آلبرت ادلفلت را در مجموعه های یک موزه منطقه ای روسیه کشف کرد. تحقیق کرد

نمایشگاه دائمی موزه آتنیومطبقه سوم ساختمان را اشغال می کند (نمایشگاه های موضوعی کوچکی نیز در آنجا ترتیب داده شده است) و نمایشگاه های موقت در طبقه دوم (پلان سالن ها) برگزار می شود. در این یادداشت درباره برخی از جالب‌ترین و مشهورترین نقاشی‌ها و مجسمه‌های مجموعه آتنیوم و همچنین نویسندگان آن‌ها صحبت خواهیم کرد. نقاشان و مجسمه سازان فنلاندی. اطلاعات بیشتر در مورد تاریخچه موزه آتنیوم و معماری ساختمان موزهقابل خواندن است. همچنین اطلاعات مفیدی در مورد قیمت بلیط، ساعات کارو روش بازدید از موزه آتنیوم. توجه: همیشه در موزه نمی توانید همه آثار معروف را به طور همزمان ببینید.

آثار مجسمه سازان فنلاندی

بیایید پیاده روی خود را از طریق موزه آتنیوم درست از ورودی شروع کنیم.

در لابی با یک گروه سنگ مرمر از ما استقبال می شود. آپولو و مارسیاس» (1874) توسط مجسمه ساز معروف فنلاندی والتر رونبرگ (والتر مگنوس رونبرگ) (1838-1920)، نویسنده یادبودهای یوهان رونبرگ و امپراتور الکساندر دوم در هلسینکی. پدر مجسمه‌ساز، شاعر یوهان رونبرگ، نماینده گرایش رمانتیک ملی در ادبیات، آرمان‌های تمدن یونانی و رومی را وارد فرهنگ فنلاند کرد، از جمله ارزش شجاعت و فداکاری. پسرش به بیان این آرمان ها ادامه داد، اما با مجسمه سازی. در 1858-62. والتر رونبرگ در آکادمی هنرهای زیبا در کپنهاگ زیر نظر مجسمه‌ساز دانمارکی، هرمان ویلهلم بیسن، شاگرد توروالدسن معروف، استاد مجسمه‌سازی نئوکلاسیک بین‌المللی، تحصیل کرد. در 1862-1876. رونبرگ در رم کار کرد و به مطالعه میراث کلاسیک ادامه داد.

در این گروه مجسمه‌سازی، رونبرگ خدای نور، آپولو را به تصویر کشید که با هنر خود ساتیر مارسیاس را شکست داد و تاریکی و خاکی را به تصویر کشید. شکل آپولو با روح ایده آل های باستانی ساخته شده است، در حالی که این تصویر به وضوح با چوپان وحشی باروک مارسیاس مخالف است. این ترکیب در ابتدا برای تزئین خانه دانشجویی جدید هلسینکی در نظر گرفته شده بود و به سفارش انجمن جمعی ساخته شد، اما پس از آن خانم ها ظاهراً به این نتیجه رسیدند که برهنگی بیش از حد در مجسمه رونبرگ وجود دارد. به هر شکلی، در پایان، این اثر به عنوان هدیه به انجمن هنر فنلاند ارائه شد - و بنابراین به مجموعه موزه آتنئوم رسید.

در ورودی سالن های اصلی نمایشگاه آتنیوم در طبقه سوم، آثار جالب دیگری را می توانید مشاهده کنید مجسمه سازان فنلاندی. مجسمه های مرمر و برنز، مجسمه های زیبا و گلدان های ساخته شده توسط ویل والگرن (ویل والگرن) (1855–1940).ویل والگرنیکی از اولین مجسمه سازان فنلاندی بود که پس از دریافت تحصیلات مقدماتی در فنلاند، تصمیم گرفت تحصیلات خود را نه در کپنهاگ، بلکه در پاریس ادامه دهد. انتخاب او تحت تأثیر هنرمند مشهور آلبرت ادلفلت، که او نیز اهل پوروو است، قرار گرفت. ادلفلت در سایر امور زندگی و حرفه ای به هموطن پرتحرک کمک کرد: به عنوان مثال، با کمک او بود که والگرن دستور تکمیل فواره معروف هاویس آماندا (1908) را در بلوار اسپلاناد در شهر دریافت کرد.

ویل والگرناو که تقریباً 40 سال در فرانسه زندگی کرد، بیشتر به خاطر چهره های زنانه خود شناخته شده است در سبک آرت نوو. با این حال، در مراحل اولیه کار خود، اغلب مردان جوان را به تصویر می کشید و به سبک کلاسیک تری پایبند بود (مثلاً مجسمه های مرمری شاعرانه است. اکو" (1887) و " پسر در حال بازی با خرچنگ(1884)، که در آن والگرن شخصیت های انسانی و جهان طبیعی را به هم متصل می کند.

در پایان قرن نوزدهم، ویل والگرن به عنوان استاد برجسته مجسمه های تزئینی، و همچنین گلدان ها، کوزه های تشییع جنازه و قطرات اشک، که با مجسمه های دختران عزادار تزئین شده بود، شهرت جهانی به دست آورد. اما والگرن با قانع‌کننده‌ای کم‌تر، شادی‌های زندگی، از جمله زنان عشوه‌گر و اغواگر، مانند همان هاویس آماندا را به تصویر کشید. علاوه بر مجسمه فوق الذکر "پسری در حال بازی با خرچنگ" (1884)، در طبقه سوم موزه آتنئوم می توانید ببینید. آثار برنزی توسط ویل والگرن: «اشک» (1894)، «بهار (رنسانس)» (1895)، «دو جوان» (1893) و یک گلدان (حدود 1894). این آثار نفیس با جزئیات کاملاً کار شده، اندازه کوچکی دارند، اما تأثیر احساسی قوی بر جای می‌گذارند و به خاطر زیبایی‌شان به یادگار مانده‌اند.

ویل والگرن راه درازی را برای رسیدن به حرفه مجسمه‌سازی طی کرده است، اما هنگامی که هدایت خود را پیدا کرد و از حمایت متخصصان برخوردار شد، به یکی از معتبرترین و شناخته‌شده‌ترین هنرمندان تاریخ تبدیل شد. هنر فنلاند. به عنوان مثال، او تنها فنلاندی بود که برای کارهایش در نمایشگاه جهانی پاریس مدال جایزه بزرگ را دریافت کرد (این اتفاق در سال 1900 رخ داد). والگرن برای اولین بار در نمایشگاه جهانی 1889 توجه همکاران و منتقدان را به خود جلب کرد، جایی که نقش برجسته او "مسیح" ارائه شد. بار دیگر، مجسمه ساز فنلاندی در سالن های نمادین پاریسی خود را معرفی کرد رز + کروکسدر 1892 و 1893. همسر والگرن هنرمند و مجسمه‌ساز سوئدی آنتوانت روسترم بود. آنتوانت راستروم) (1858-1911).

عصر طلایی هنر فنلاند: آلبرت ادلفلت، آکسلی گالن-کاللا، ایرو جرنفلت، پکا هالونن

در یکی از بزرگترین سالن های طبقه سوم موزه آتنیومنقاشی های کلاسیک ارائه شده است، از جمله کار دوست ویل والگرن - آلبرت ادلفلت (آلبرت ادلفلت) (1854-1905)، شناخته شده ترین در جهان هنرمند فنلاندی.

توجه مخاطب لزوماً توسط تصویر افسانه ای جلب می شود. ملکه بلانکا"(1877) - یکی از محبوب ترین و محبوب ترین نقاشی ها در فنلاند، یک سرود واقعی برای مادر شدن. نسخه‌های چاپی این نقاشی و گلدوزی‌های آن را می‌توان در هزاران خانه در سراسر کشور یافت. ادلفلت از داستان کوتاه «نه نقره‌ساز» نوشته زاخاریاس توپلیوس الهام گرفته شده است. De nio silverpenningarna) که در آن ملکه قرون وسطایی سوئد و نروژ، بلانکا از نامور، پسرش، شاهزاده هاکون مگنوسون، شوهر آینده مارگارت اول دانمارکی را با آهنگ هایی سرگرم می کند. نتیجه این ازدواج، سازمان یافته فقط ملکه بلانکا، تبدیل به اتحادیه سوئد، نروژ و دانمارک - اتحادیه کالمار (1397-1453) شد. بلانکا زیبا درباره همه این اتفاقات آینده برای پسر کوچکش آواز می خواند.

در عصر خلق این بوم، نقاشی تاریخی اصیل ترین شکل هنر محسوب می شد و مورد تقاضای بخش های تحصیل کرده جامعه فنلاند بود، زیرا هویت ملی در آن زمان تازه شروع به شکل گیری کرده بود. آلبرت ادلفلت تنها 22 سال داشت که تصمیم گرفت نقاشی با موضوع تاریخ قرون وسطی اسکاندیناوی خلق کند و ملکه بلانکا اولین اثر جدی او شد. این هنرمند به دنبال برآورده کردن انتظارات مردم خود و تجسم صحنه تاریخی تا حد امکان زنده و واقعی بود (در زمان نقاشی، ادلفلت در یک اتاق زیر شیروانی تنگ در پاریس زندگی می کرد و به اصرار استادش ژان لئون ژروم، به مطالعه پرداخت. لباس های آن دوره، خواندن کتاب در مورد معماری و مبلمان قرون وسطی، بازدید از موزه کلونی قرون وسطی). به مهارتی نگاه کنید که ابریشم درخشان لباس ملکه، پوست خرس روی زمین و بسیاری جزئیات دیگر نوشته شده است (هنرمند پوست خرس را به طور ویژه در فروشگاه بزرگ اجاره کرده است). اما نکته اصلی در تصویر، حداقل برای بیننده مدرن (و برای خود ادلفلت، که مادرش را بیشتر از هر کسی در دنیا دوست داشت)، محتوای عاطفی گرم آن است: چهره مادر و حرکات کودک، که بیانگر آن است. عشق، شادی و صمیمیت

یک دختر زیبا 18 ساله پاریسی به عنوان مدل ملکه بلانکا خدمت کرد و یک پسر زیبای ایتالیایی برای شاهزاده ژست گرفت. نقاشی "ملکه بلانکا"اولین بار در سال 1877 در سالن پاریس به عموم ارائه شد، موفقیت بزرگی بود و در نشریات هنری فرانسه تکرار شد. سپس او در فنلاند نشان داده شد و پس از آن بوم به Aurora Karamzina فروخته شد. پس از آن، این نقاشی به کلکسیون بزرگ Hjalmar Linder رسید که آن را اهدا کرد. موزه آتنیومدر سال 1920

نمونه دیگری از خلاقیت اولیه آلبرت ادلفلتنقاشی غمگین " تشییع جنازه یک کودک"("حمل و نقل تابوت") (1879). قبلاً گفتیم که ادلفلت در جوانی قصد داشت نقاش تاریخ شود. او هنگام تحصیل در آنتورپ و سپس در پاریس خود را برای این کار آماده کرد. اما در پایان دهه 1870، ایده‌آل‌های او تغییر کرد، او با هنرمند فرانسوی باستین-لپاژ دوست شد و واعظ نقاشی هوای آزاد شد. کارهای بعدی ادلفلتدر حال حاضر انعکاسی واقع بینانه از زندگی دهقانی و زندگی زنده سرزمین مادری خود هستند. اما نقاشی "تدفین یک کودک" فقط صحنه زندگی روزمره را منعکس نمی کند: یکی از احساسات اساسی انسان - غم و اندوه را منتقل می کند.

در آن سال، ادلفلت برای اولین بار از خانه ای که مادرش در املاک هایکو در نزدیکی پوروو اجاره کرده بود بازدید کرد (بعداً هنرمند هر تابستان به این مکان های زیبا می آمد). این تصویر کاملاً در هوای آزاد نقاشی شده بود که برای آن باید بوم بزرگی به تخته سنگ های ساحلی وصل می شد تا در باد تکان نخورد. ادلفلت به یکی از دوستانش گفت: «فکر نمی‌کردم نقاشی در فضای باز آنقدر سخت باشد. ادلفلت چهره های هوازده ساکنان مجمع الجزایر پوروو را ترسیم کرد، بیش از یک بار با ماهیگیران به دریا رفت و حتی یک قایق ماهیگیری اره شده را به طور ویژه در کارگاه خود قرار داد تا جزئیات را به دقت بازتولید کند. نقاشی ادلفلت « تشییع جنازه یک کودک» در سالن پاریس در سال 1880 به نمایش گذاشته شد و مدال درجه 3 (برای اولین بار) به او اعطا شد. هنرمند فنلاندیچنین افتخاری دریافت کرد). منتقدان فرانسوی به محاسن مختلف تصویر اشاره کردند، از جمله این واقعیت که این تصویر عاری از احساسات بیش از حد است، اما نشان دهنده وقار است که شخصیت ها با آن چیزهای اجتناب ناپذیر را می پذیرند.

تصویر با حال و هوای کاملا متفاوت، آفتابی و بی دغدغه آغشته شده است. آلبرت ادلفلت « باغ لوکزامبورگ» (1887). وقتی ادلفلت این بوم را نقاشی کرد، قبلاً یک چهره بسیار مشهور در دنیای هنر پاریس بود. او که مجذوب پارک های پاریس با تعداد زیادی از کودکان و دایه هایی بود که از آب و هوای خوب لذت می بردند، تصمیم گرفت این زیبایی را به تصویر بکشد. در آن زمان، این نقاش بیش از ده سال در پاریس زندگی کرده بود و حتی عجیب است که این نقاشی تنها اثر اصلی او است که زندگی پاریسی را به تصویر می کشد. این احتمالاً به دلیل رقابت شدید بین هنرمندان است: با کار کردن بر روی موضوعات فنلاندی "عجیب‌تر" در این محیط راحت‌تر می‌توانستید متمایز شوید. نقاشی "باغ های لوکزامبورگ" نیز غیرمعمول است زیرا ادلفلت از بسیاری از تکنیک های امپرسیونیسم در آن استفاده کرده است. در عین حال، برخلاف امپرسیونیست ها، بیش از یک سال روی این بوم چه در فضای باز و چه در استودیو کار کرد. کار اغلب به دلایل پیش پا افتاده کند می شد: به دلیل آب و هوای بد یا مدل های دیرهنگام. ادلفلت خودانتقادگر بارها و بارها بوم را دوباره کار کرد و تا آخرین لحظه که زمان بردن اثر به نمایشگاه بود تغییراتی ایجاد کرد.

این نقاشی برای اولین بار در نمایشگاهی در این شهر به نمایش درآمد گالری پتیتدر ماه مه 1887 خود ادلفلت از نتیجه خیلی راضی نبود: در پس زمینه انفجارهای رنگی در نقاشی های امپرسیونیست های فرانسوی، بوم او همانطور که به نظر او کم خون و "مایع" به نظر می رسید. با این حال، این اثر با استقبال خوبی از سوی منتقدان و مردم مواجه شد. پس از آن، این نقاشی به نوعی نماد پیوندهای نزدیک هنر فنلاند - و به ویژه ادلفلت - با پاریس شد که در آن زمان کانون جهان هنری بود.

تصویر" زنان در کلیسا در Ruokolahti» (1887) آلبرت ادلفلتدر کارگاه تابستانی خود در هایکو نوشت - در آنجا تقریباً تمام آثار خود را با موضوع زندگی عامیانه خلق کرد. اگرچه این نقاشی منعکس کننده برداشت های سفر به فنلاند شرقی است، اما مشخص است که زنان هایکو مدل های نقاشی بودند (عکس هایی از آنها که در استودیوی او برای ادلفلت ژست گرفته اند حفظ شده است). مانند دیگر ترکیب‌های بزرگ، این یکی یک شبه ایجاد نشد، طرح‌های اولیه دقیق همیشه ساخته می‌شد. با این حال، هدف اصلی هنرمند همیشه دستیابی به یک اثر خودانگیخته و زنده از "عکس فوری" بوده است.

در کنار آثار آلبرت ادلفلت در موزه آتنئوم، می‌توانید نقاشی‌هایی از یکی دیگر از نمایندگان عصر طلایی هنر فنلاند را مشاهده کنید. ایرو جارنفلتا (Eero Järnefelt) (1863-1937). Järnefelt پس از پایان تحصیلات خود در فنلاند به آنجا رفت سن پترزبورگجایی که در آن تحصیل کرد فرهنگستان هنربا عمویش میخائیل کلودت به رپین و کورووین نزدیک شد و سپس برای ادامه تحصیل به پاریس رفت. با وجود تأثیرات خارجی، کار ژرنفلت منعکس کننده جستجوی هویت ملی، میل به تأکید بر ماهیت خاص فرهنگ بومی او است. بیشتر در مورد خلاقیت ایرو جارنفلتاخواندن ).

Jarnefelt بیشتر به عنوان یک نقاش پرتره و نویسنده مناظر باشکوه منطقه کولی و اطراف دریاچه Tuusulanjärvi، جایی که استودیوی ویلایی او Suviranta در آن قرار داشت شناخته می شود (در همسایگی خانه Ainola، جایی که آهنگساز سیبلیوس با همسرش زندگی می کرد، خواهر جارنفلت).

اما مهمترین و مشهورترین اثر Eero Järnefelt البته نقاشی است "زیر یوغ" ("سوختن جنگل")(1893) (انواع دیگر نام - " خم شدن پشت برای پول», « کار اجباری"). طرح بوم با روش کشاورزی باستانی مرتبط است که شامل سوزاندن جنگل برای به دست آوردن زمین های زراعی (به اصطلاح کشاورزی بریده بریده و سوزان) است. این نقاشی در تابستان 1893 در مزرعه ای خلق شد رانان پورولادر Lapinlahti، در منطقه Savo شمالی. در آن سال سرما برای دومین بار محصول را خراب کرد. یارنفلت در مزرعه یک خانواده ثروتمند کار می کرد و شرایط سخت زندگی و کار کارگران بی زمین را مشاهده می کرد که تنها در صورتی که برداشت خوب بود برای کارشان دستمزد می گرفتند. به موازات آن، Järnefelt طرح هایی از یک منظره جنگلی در حال سوختن ساخت، رفتار آتش و دود را مورد مطالعه قرار داد، و همچنین از روستاییان فیلم گرفت، که در نهایت به شخصیت های اصلی تصویر او تبدیل شدند.

فقط یک شخصیت در تصویر مستقیماً به بیننده نگاه می کند: این دختری است که برای مدتی کار را قطع کرد و با ابراز سرزنش به ما نگاه می کند. شکمش از گرسنگی متورم شده بود، صورت و لباسش از دوده سیاه شده بود، و جارنفلت دور سرش دودی شبیه هاله را نشان می داد. این هنرمند این تصویر را از دختری 14 ساله به نام یوهانا کوکونن ترسیم کرده است. یوهانا کوکونن)، خدمتکاران در مزرعه. شخص در پیش زمینه Heikki Puurunen است ( هیکی پورونن) برادر کشاورز و صاحب مزرعه در پس زمینه به تصویر کشیده شده است.

با نگاه کردن به تصویر، می توانید به معنای واقعی کلمه گرمای آتش را احساس کنید، صدای خفه شعله و خراش شاخه ها را بشنوید. این عکس دارای تعابیر متعددی است، اما معنای اصلی آن انتقاد شدید از مردم مظلوم است. دختری که از تصویر گرفته شده است به تصویری کلی از همه کودکان فقیر و گرسنه، همه مردم محروم فنلاند تبدیل شده است. این بوم برای اولین بار در سال 1897 به عموم ارائه شد.

کل سالن بزرگ موزه آتنیومتقدیم به کار یکی دیگر از نمایندگان مشهور عصر طلایی هنرهای زیبا فنلاند - Akseli Gallena-Kallela (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). مانند دیگر هنرمندان مهم فنلاندی آن دوره، او در آن دوره تحصیل کرد. گالن-کاللا در طول نمایشگاه جهانی 1900 مورد توجه ویژه مردم پاریس قرار گرفت، زمانی که او تعدادی نقاشی دیواری را برای غرفه فنلاند بر اساس حماسه فنلاندی Kalevala اجرا کرد.

در حین تحصیل در پاریسگالن-کاللا اغلب صحنه هایی را که در خیابان ها و کافه ها مشاهده می کرد ترسیم می کرد. نمونه ای از خلاقیت های این دوره نقاشی است "برهنه" ("بدون ماسک") (دماسکی ) (1888) - تقریباً تنها بوم وابسته به عشق شهوانی در کار گالن-کاللا. مشخص است که توسط یک هنرمند 23 ساله به سفارش مجموعه دار فنلاندی و بشردوست Fridtjof Antell، که می خواست مجموعه نقاشی های جنسی خود را دوباره پر کند، ایجاد شده است. با این حال، زمانی که آنتل نقاشی را دید، از بردن آن امتناع کرد و ظاهراً نقاشی را حتی برای ذائقه خود بسیار زشت می دانست.

این نقاشی یک زن برهنه پاریسی (ظاهراً روسپی) را به تصویر می کشد که در استودیوی هنرمند روی مبل پوشیده شده با فرش سنتی فنلاندی نشسته است. این تصویر ایده ای از سبک زندگی بوهمیایی را ارائه می دهد، اما در عین حال اشاره می کند که شادی های او مملو از مرگ، سقوط است. این هنرمند یک زنبق را به تصویر می کشد که نماد بی گناهی است، که با یک مدل کاملاً احساسی و یک گیتار در تضاد است که شکل آن احساس اروتیک را بیشتر می کند. زن هم فریبنده و هم ترسناک به نظر می رسد. صلیب، مجسمه بودا و فرش آنتیک فنلاندی رویو، که در کنار گوشت زن از خود راضی به تصویر کشیده شده است، اشاره ای به هتک حرمت به قدیس دارد. جمجمه ای که روی میز در پس زمینه پوزخند می زند - یک عنصر مکرر در نقاشی های ژانر Vanitas است که به بیننده ضعف لذت های زمینی و اجتناب ناپذیر بودن مرگ را یادآوری می کند. بوم دماسکیاولین بار در به نمایش گذاشته شد موزه آتنیومدر سال 1893

بسیاری از آثار بعدی گالینا-کاللااختصاصی "Kalevale". هنگام به تصویر کشیدن قهرمانان حماسه فنلاند مانند Väinämöinen و Lemminkäinen، هنرمند از سبک خاصی استفاده می کند، خشن و رسا، پر از رنگ های بی نظیر روشن و تزئینات سبک. از این چرخه، شایان ذکر است که تصویر خیره کننده " مادر لمینکاینن» (1897). اگرچه این نقاشی تصویری از حماسه است، اما صدایی جهانی تر و جهانی دارد و می توان آن را نوعی پیتای شمالی در نظر گرفت. این آهنگ نافذ عشق مادرانه یکی از خیره کننده ترین آثار گالن کاللا با موضوع " کالوالا».

مادر لمینکاینن- یک پسر شاد، یک شکارچی باهوش و اغواگر زنان - پسرش را در رودخانه سیاه مرگ (رودخانه توئنلا) پیدا می کند، جایی که او سعی کرد به قو مقدس شلیک کند. قو در آب تاریک در پس زمینه به تصویر کشیده شده و جمجمه ها و استخوان ها در ساحل سنگی پراکنده شده و گل های مرگ جوانه می زنند. Kalevala می گوید که چگونه یک مادر آب را با چنگک بلند شانه می کند، تمام قطعات را با چنگک جمع می کند و پسرش را دوباره از بین می برد. او با کمک طلسم ها و پمادها، لمینکاینن را زنده می کند. تصویر لحظه ای را به تصویر می کشد که قبل از رستاخیز است. به نظر می رسد که همه چیز از بین رفته است، اما پرتوهای خورشید به قلمرو مردگان نفوذ می کند و امید می بخشد و زنبور برای رستاخیز قهرمان، مرهم الهی را با خود حمل می کند. رنگ‌های تیره و خاموش، سکون این دنیای زیرین را تشدید می‌کنند، در حالی که خزه‌های قرمز خونی شدید روی صخره‌ها، سفیدی مرگ‌بار گیاهان و پوست لمینکاینن، با رنگ طلایی الهی زنبور عسل و پرتوهایی که از آسمان سرازیر می‌شوند در تضاد است.

برای این نقاشی، این هنرمند توسط مادر خودش ژست گرفته شده است. او موفق شد با نگاهی پر جنب و جوش و شدید تصویری بسیار واقعی خلق کند (این یک احساس واقعی است: گالن-کالالا عمداً در مورد چیزی غم انگیز با مادرش صحبت کرد که باعث گریه او شد). در عین حال ، تصویر تلطیف شده است ، که امکان ایجاد یک فضای اسطوره ای خاص را فراهم می کند ، این احساس که وقایع "در طرف دیگر" واقعیت اتفاق می افتد. برای افزایش تأثیر احساسی، گالن-کاللا به جای رنگ روغن از تمپرا استفاده کرد. فرم های ساده شده، خطوط واضح شکل ها و صفحات رنگی بزرگ به ایجاد یک ترکیب قدرتمند کمک می کند. برای انتقال بهتر حال و هوای غم انگیز تصویر، این هنرمند یک اتاق کاملا سیاه را در خانه استودیوی خود در Ruovesi تجهیز کرد که تنها منبع نور در آن یک نورگیر بود. علاوه بر این، او از خود در حالی که برهنه روی زمین دراز کشیده بود عکاسی کرد و از این تصاویر در هنگام نقاشی فیگور Lemminkäinen استفاده کرد.

سه‌گانه گالن-کالالا به سبکی کاملاً متفاوت، بت‌وار و تقریباً بی‌اهمیت. افسانه آینو» (1891). این آهنگ به طرح داستانی از Kalevala در مورد دختر جوان Aino و حکیم قدیمی Väinämöinen اختصاص دارد. آینو، با تصمیم والدینش، قرار بود با واینامونن ازدواج کند، اما او از او فرار می کند و ترجیح می دهد خود را غرق کند. در سمت چپ سه‌گانه، اولین ملاقات پیرمرد و دختری با لباس سنتی کارلیایی در جنگل نشان داده شده است و در سمت راست آینه غمگین را می‌بینیم. در حال آماده شدن برای انداختن خود به آب، او در ساحل گریه می کند و به صدای دختران دریایی که در آب بازی می کنند گوش می دهد. در نهایت، تابلوی مرکزی پایان داستان را به تصویر می‌کشد: واینامونن با قایق به دریا می‌رود و به ماهیگیری می‌رود. او با صید یک ماهی کوچک، دختری را که به تقصیر او غرق شده است، در آن نمی شناسد و ماهی را دوباره به آب می اندازد. اما در آن لحظه، ماهی تبدیل به Aino می شود - پری دریایی که به پیرمردی که دلتنگ او شده می خندد و سپس برای همیشه در امواج ناپدید می شود.

اوایل دهه 1890 گالن-کاللااز طرفداران طبیعت گرایی بود و قطعاً به مدل های اصیل برای تمام چهره ها و اشیاء موجود در تصویر نیاز داشت. بنابراین، برای تصویر Väinämöinen با ریش بلند و زیبایش، یکی از ساکنان یکی از روستاهای کارلیا برای این هنرمند ژست گرفت. علاوه بر این، این هنرمند برای دستیابی به دقیق ترین تصویر از ماهی ترسیده شده توسط یک پیرمرد، سوف ها را خشک کرد. حتی دستبند نقره‌ای که روی دست آینو می‌درخشد در واقعیت وجود داشت: گالن-کالالا این جواهرات را به همسر جوانش مری تقدیم کرد. او ظاهراً به عنوان یک مدل برای Aino خدمت می کرد. مناظر سه‌گانه توسط این هنرمند در طول ماه عسل خود در کارلیا ترسیم شد.

این ترکیب توسط یک قاب چوبی با زیورآلات و نقل قول هایی از Kalevala که توسط خود Gallen-Kallela نوشته شده است قاب شده است. این سه‌گانه نقطه شروع جنبش شد رمانتیسیسم ملی در فنلاند- نسخه فنلاندی Art Nouveau. این هنرمند اولین نسخه از این نقاشی را در سال 1888-1889 در پاریس ساخت. (اکنون متعلق به بانک فنلاند است). هنگامی که این نقاشی برای اولین بار در هلسینکی ارائه شد، با اشتیاق فراوان روبرو شد و سنا تصمیم گرفت نسخه جدیدی را با هزینه عمومی سفارش دهد. چنین ایده‌ای در پی جنبش Fennomani که ملت فنلاند را ایده‌آل و رمانتیک کرد، کاملاً طبیعی به نظر می‌رسد. علاوه بر این، هنر به عنوان وسیله ای قدرتمند برای بیان آرمان های ملی فنلاند تلقی می شد. در همان زمان، سفرهای هنرمندان به کارلیا در جستجوی یک "سبک واقعی فنلاندی" آغاز شد. کارلیا به عنوان تنها سرزمین دست نخورده تلقی می شد که در آن آثاری از کالوالا حفظ شده بود، و خود گالن-کالالا این حماسه را به عنوان داستانی درباره دوران گذشته عظمت ملی، به عنوان تصویری از بهشت ​​گمشده درک کرد.

نقاشی گالن کاللا " نفرین کولروو"(1899) در مورد قهرمان دیگری از Kalevala می گوید. کولروو جوانی بود با قدرت فوق العاده، یتیمی که به بردگی سپرده شد و برای گله گاو به بیابان فرستاده شد. معشوقه بد، همسر آهنگر ایلمارینن، نانی برای سفر به او داد که در آن سنگی پنهان شده بود. کولروو در تلاش برای بریدن نان، چاقو را که تنها خاطره پدرش بود، شکست. او با عصبانیت گله جدیدی از گرگ ها، خرس ها و سیاه گوش ها را جمع می کند که معشوقه را از هم می پاشند. کولروو پس از اطلاع از زنده بودن خانواده اش از بردگی می گریزد و به خانه باز می گردد. با این حال، ماجراهای ناگوار Kullervo به همین جا ختم نمی شود. یک مارپیچ بی پایان از انتقام نه تنها خانواده تازه یافته اش، بلکه خودش را نیز نابود می کند. او ابتدا با دختری که معلوم می شود خواهرش است آشنا می شود و او را اغوا می کند و به خاطر همین رابطه گناه آلود خواهر خودکشی می کند. به زودی تمام بستگان او می میرند. سپس کولروو با انداختن خود بر روی شمشیر خود را می کشد.

نقاشی گالن-کاللا اپیزودی را نشان می‌دهد که کولروو هنوز به عنوان چوپان خدمت می‌کند (گله او در پس‌زمینه قابل مشاهده است و نانی با یک سنگ پخته در جلوی آن به تصویر کشیده شده است). مرد جوان مشت خود را تکان می دهد و نذر می کند که از دشمنانش انتقام بگیرد. این هنرمند قهرمان خشمگین را در پس زمینه منظره آفتابی اوایل پاییز به تصویر کشید، اما ابرها از قبل در پس زمینه جمع شده اند و رووانی که قرمز ریخته شده است به عنوان یک هشدار عمل می کند، پیشگویی از خونریزی آینده. در این تصویر، تراژدی با زیبایی طبیعت کارلیا ترکیب شده است و قهرمان انتقام‌جو را می‌توان به یک معنا نمادی از روحیه جنگجوی فنلاند و آگاهی ملی رو به رشد دانست. از سوی دیگر، پرتره ای از خشم و ناامیدی را پیش روی خود داریم، ناتوانی مردی که توسط غریبه هایی که خانواده اش را نابود کردند، در فضایی پر از خشونت و انتقام تربیت کردند و این اثر غم انگیزی در سرنوشت او به جای گذاشت.

بیشتر در مورد خلاقیت گالینا-کاللاخواندن .

این بخش را با داستانی در مورد کار یکی دیگر از نمایندگان برجسته رمانتیسیسم ملی فنلاند در نقاشی، هنرمند مشهور عصر طلایی فنلاند - Pekka Halonen به پایان می بریم. پکا هالونن (پکا هالونن) (1865-1933) در دهه 1890 به شهرت رسید و ثابت کرد که استاد تمام عیار است. مناظر زمستانی. یکی از شاهکارهای این ژانر نقاشی " کاج های جوان زیر برف"(1899)، یک مثال در نظر گرفته شده است ژاپنی گرایی فنلاندیو هنر نو در نقاشی. برف نرم و کرکی که نهال ها را پوشانده است، بازی با سایه های مختلف سفید، فضایی آرام از یک افسانه جنگلی را ایجاد می کند. هوای مه آلود با مه سرد زمستانی اشباع شده است و لایه های سرسبز برف بر زیبایی شکننده کاج های جوان تاکید دارد. درختان به طور کلی یکی از نقوش مورد علاقه در خلاقیت بودند. پکی هالونا. او در طول زندگی خود با اشتیاق درختان را در زمان های مختلف سال به تصویر می کشید و بهار را به ویژه دوست داشت، اما با این وجود دقیقاً به عنوان یک استاد مشهور شد. مناظر زمستانی- تعداد کمی از نقاشان جرات ایجاد در سرما را داشتند. پکا هالونن از زمستان نمی ترسید و در طول زندگی خود در هر شرایط آب و هوایی در فضای باز کار می کرد. او که طرفدار کارهای معمولی بود، هنرمندانی را که «از پنجره به دنیا نگاه می‌کنند» تحقیر می‌کرد. در نقاشی‌های هالونن، شاخه‌ها از یخبندان می‌شکنند، درخت‌ها زیر سنگینی کلاهک‌های برفی آویزان می‌شوند، خورشید سایه‌های مایل به آبی روی زمین می‌اندازد، و جنگل‌نشینان ردپایی بر روی یک فرش نرم سفید بر جای می‌گذارند.

مناظر زمستانی به نوعی نماد ملی فنلاند تبدیل شد و پکا هالونن دوازده بوم با موضوع طبیعت فنلاند و زندگی مردمی برای غرفه فنلاند در نمایشگاه جهانی پاریس در سال 1900 ساخت. این چرخه برای مثال شامل نقاشی " در سوراخ"(شستن روی یخ") (1900). علاقه هالونن به به تصویر کشیدن «غیرت گرایی شمالی» هنگام مطالعه با پل گوگن در پاریس در سال 1894 به وجود آمد.

به طور معمول، هنرمندان عصر طلایی نقاشی فنلانداز طبقه متوسط ​​شهری آمده است. چیز دیگر پکا هالونن است که از خانواده ای از دهقانان و صنعتگران روشن فکر بود. او در Lapinlahti (در شرق فنلاند) به دنیا آمد و خیلی زود به هنر - نه تنها نقاشی، بلکه موسیقی نیز علاقه مند شد (مادر هنرمند یک نوازنده با استعداد کانتل بود؛ او همچنین نگرش مراقبت و عشق به طبیعت را در پسرش القا کرد و بعدها. این عشق تقریباً به دین تبدیل شد). این مرد جوان کمی دیرتر از همسالان خود شروع به مطالعه نقاشی کرد، اما پس از چهار سال تحصیل در مدرسه طراحی انجمن هنر فنلاند و فارغ التحصیلی عالی از آن، هالونن توانست بورسیه تحصیلی دریافت کند که به او اجازه رفتن به تحصیل در مکه هنری آن زمان. او ابتدا در آکادمی جولیان تحصیل کرد و سپس در سال 1894 شروع به گذراندن دروس خصوصی کرد. پل گوگنبه همراه دوستش واینو بلومستد. در این دوره هالونن با نمادگرایی، سنتز و حتی تئوسوفی آشنا شد. با این حال، آشنایی با آخرین روندهای هنری، او را به سمت رها کردن شیوه واقع گرایانه سوق نداد و او پالت روشن گوگن را به عاریت نگرفت، با این حال، تحت تأثیر گوگن، هالونن به یک خبره عمیق هنر ژاپن تبدیل شد و شروع به جمع آوری کرد. کپی از حکاکی های ژاپنی

به عنوان مثال، آثار او اغلب دارای یک درخت کاج منحنی است که یک موتیف محبوب در هنر ژاپنی است. علاوه بر این، هالونن در بسیاری از نقاشی‌ها به جزئیات، نقش‌های تزئینی شاخه‌ها یا الگوی خاصی از برف توجه ویژه‌ای دارد و موضوع مناظر زمستانی به خودی خود در هنر ژاپن غیر معمول نیست. همچنین، هالونن با ترجیح بوم های باریک عمودی مانند "کاکمونو"، ترکیب بندی های نامتقارن، نمای نزدیک و زوایای غیر معمول مشخص می شود. او برخلاف بسیاری از نقاشان منظره، مناظر پانورامای معمولی را از بالا ترسیم نکرد. مناظر او در اعماق جنگل، نزدیک به طبیعت نقاشی شده است، جایی که درختان به معنای واقعی کلمه بیننده را احاطه کرده و او را به دنیای خاموش خود دعوت می کنند. این گوگن بود که الهام بخش هالونن برای کشف سبک خاص خود در به تصویر کشیدن طبیعت بود و او را تشویق کرد که مضامین خود را در ریشه های ملی جستجو کند. مانند گوگن، هالونن به دنبال یافتن چیزی اولیه و اولیه با کمک هنر خود بود، اما تنها در صورتی که فرانسوی به دنبال ایده آل خود در جزایر اقیانوس آرام بود، پس هنرمند فنلاندی به دنبال احیای "بهشت گمشده" مردم فنلاند بود. در جنگل های بکر، وحشی مقدس که در Kalevala توصیف شده است.

کار Pekka Halonen همیشه با جستجوی صلح و هماهنگی متمایز بوده است. این هنرمند معتقد بود که "هنر نباید مانند کاغذ سنباده اعصاب را تحریک کند - باید احساس آرامش ایجاد کند." هالونن حتی با به تصویر کشیدن کار دهقانان به ترکیب بندی های آرام و متعادلی دست یافت. بنابراین، در کار پیشگامان در کارلیا» (« ساخت و ساز جاده در کارلیا(1900) او دهقانان فنلاندی را کارگرانی مستقل و باهوش معرفی کرد که نیازی به تلاش بیش از حد برای انجام کار نداشتند. علاوه بر این، این هنرمند تأکید کرد که او در تلاش است تا یک تصور تزئینی کلی ایجاد کند. این پاسخ او به معاصرانی بود که از "حال و هوای آرام یکشنبه" غیرواقعی تصویر انتقاد کردند و از لباس های بیش از حد تمیز کارگران، مقدار کمی براده های روی زمین و ظاهر عجیب قایق در وسط تصویر شگفت زده شدند. جنگل. اما هنرمند ایده کاملاً متفاوتی داشت. پکا هالونن نمی خواست تصویری از کار سخت و طاقت فرسا خلق کند، بلکه می خواست ریتم آرام و سنجیده کار دهقانی را منتقل کند.

هالونن همچنین تحت تأثیر سفرهایش به ایتالیا (1896-1897 و 1904) از جمله شاهکارهای اولیه رنسانس که در فلورانس دیده بود، قرار گرفت. متعاقباً، پکا هالونن با همسر و فرزندانش (این زوج در مجموع هشت فرزند داشتند) به دریاچه تووسولا نقل مکان کردند، که محیط آرام و زیبای آن به عنوان منبعی تمام نشدنی الهام بخش و کار پربار دور از هلسینکی، "منبع همه چیزهای ناپسند و زشت" بود. " در اینجا، با اسکی روی دریاچه، این هنرمند به دنبال مکانی برای خانه آینده خود بود و در سال 1899 این زوج زمینی را در ساحل خریداری کردند، جایی که چند سال بعد خانه استودیویی پکا هالونن بزرگ شد - ویلا به نام او. هالوسنیمی (هالوسنیمی) (1902). این خانه چوبی دنج با روحیه رمانتیک ملی توسط خود هنرمند طراحی شده است. امروزه این خانه موزه پکا هالونن را در خود جای داده است.

سمبولیست های فنلاندی

یکی از جالب‌ترین بخش‌های مجموعه موزه آتنیوم، اثر بی‌نظیر هوگو سیمبرگ و دیگر نمادگرایان فنلاندی است.

در اتاق جداگانه ای از موزه آتنئوم، تابلوی معروف « فرشته زخمی» (1903) هنرمند فنلاندی هوگو سیمبرگ. این بوم غمگین صفوفی عجیب را به تصویر می کشد: دو پسر عبوس دختری را که لباس سفید پوشیده، فرشته ای، چشم بسته و با بال زخمی بر برانکارد حمل می کنند. پس زمینه تصویر منظره ای از اوایل بهار است. در دست فرشته دسته گلی از برف است، اولین گل های بهار، نمادهای شفا و زندگی جدید. . راهپیمایی توسط پسری که لباس سیاه پوشیده است، رهبری می شود که شبیه یک مرده کش (احتمالاً نماد مرگ) است. نگاه پسر دیگری به سمت ما می چرخد ​​و مستقیماً در روح بیننده نفوذ می کند و به ما یادآوری می کند که موضوعات زندگی و مرگ به هر یک از ما مربوط است. فرشته سقوط کرده، اخراج از بهشت، افکار در مورد مرگ - همه این موضوعات مورد توجه ویژه هنرمندان بود - نمادگرایان. خود این هنرمند از ارائه هرگونه تفسیر آماده از نقاشی خودداری کرد و بیننده را به نتیجه گیری خود واگذار کرد.

هوگو سیمبرگ برای مدت طولانی روی این نقاشی کار کرد: اولین طرح ها در آلبوم های او از سال 1898 یافت می شود. برخی از طرح ها و عکس ها منعکس کننده تکه های جداگانه ترکیب هستند. گاهی اوقات یک فرشته در چرخ دستی سوار می شود، گاهی اوقات نه پسران، اما شیاطین کوچک به عنوان باربر نشان داده می شوند، در همان زمان، شکل یک فرشته همیشه در مرکز باقی می ماند و پس زمینه یک منظره واقعی است. روند کار روی نقاشی زمانی که سیمبرگ به شدت بیمار شد متوقف شد: از پاییز 1902 تا بهار 1903، این هنرمند در بیمارستان موسسه دیاکونس در هلسینکی تحت درمان قرار گرفت. هلسینگین دیاکونیسالایتوس) در منطقه کالیو. او یک بیماری عصبی شدید داشت که توسط سیفلیس تشدید شد (که هنرمند متعاقباً درگذشت).

مشخص است که سیمبرگ از مدل های خود (کودکان) در کارگاه و پارک Eleintarcha واقع در مجاورت بیمارستان فوق الذکر عکس گرفته است. مسیری که در تصویر نشان داده شده است هنوز وجود دارد - این مسیر در امتداد ساحل خلیج Töölönlahti قرار دارد. در زمان سیمبرگ، پارک Eleintarcha یک منطقه تفریحی محبوب طبقه کارگر بود. علاوه بر این، بسیاری از مؤسسات خیریه از جمله یک مدرسه دخترانه برای نابینایان و یک یتیم خانه برای معلولان در آنجا مستقر بودند. هنگامی که سیمبرگ در بهار 1903 به آنجا رفت و از یک بیماری جدی خارج شد، بارها ساکنان پارک را مشاهده کرد. ظاهراً در طول این پیاده روی های طولانی، سرانجام ایده تصویر شکل گرفت. علاوه بر تفاسیر فلسفی از تابلوی "فرشته زخمی" (نماد اخراج از بهشت، روح بیمار، درماندگی شخص، رویای شکسته)، برخی آن را تجسم حالت دردناک هنرمند و حتی جسمی خاص می دانند. علائم (طبق برخی گزارش ها، سیمبرگ نیز از مننژیت رنج می برد).

نقاشی سیمبرگ فرشته زخمیبلافاصله پس از اتمام آن یک موفقیت بزرگ بود. این ارائه در نمایشگاه پاییز انجمن هنر فنلاند در سال 1903 انجام شد. در ابتدا، بوم بدون عنوان به نمایش گذاشته شد (به طور دقیق تر، به جای عنوان یک خط تیره وجود داشت)، که به عدم امکان هر گونه تفسیر اشاره داشت. برای این کار عمیقا فردی و احساسی، این هنرمند در سال 1904 جایزه دولتی دریافت کرد. نسخه دوم فرشته زخمی توسط سیمبرگ در حالی که فضای داخلی کلیسای جامع تامپره را با نقاشی های دیواری تزئین می کرد، اجرا شد، جایی که او با مگنوس انکل کار می کرد.

طبق نظرسنجی انجام شده در فنلاند در سال 2006، فرشته زخمی"به عنوان محبوب ترین اثر در مجموعه Ateneum، محبوب ترین "نقاشی ملی" فنلاند و نماد هنری این کشور شناخته شد.

هوگو سیمبرگ (هوگو سیمبرگ) (1873-1917) در شهر حمینه به دنیا آمد، سپس در آنجا زندگی و تحصیل کرد و سپس در آنجا به مدرسه انجمن هنر فنلاند رفت. او اغلب تابستان ها را در املاک خانوادگی در نیمنلاوتا (Syakkijärvi) در ساحل خلیج فنلاند می گذراند. سیمبرگ سفرهای زیادی به اروپا کرد، از لندن و پاریس دیدن کرد، از ایتالیا و قفقاز دیدن کرد. مرحله مهمی در پیشرفت او به عنوان یک هنرمند زمانی رخ داد که سیمبرگ، سرخورده از تحصیلات آکادمیک کلیشه ای، شروع به خواندن درس های خصوصی از Akseli Gallen-Kallela در منطقه ای دورافتاده در Ruovesi کرد، جایی که Gallen-Kallela خانه کارگاه خود را ساخت. گالن-کاللا برای استعداد شاگردش ارزش زیادی قائل بود و آینده بزرگی را برای او در دنیای هنر پیش بینی کرد و کار سیمبرگ را با موعظه های صادقانه و پرشور مقایسه کرد که همه باید بشنوند. سیمبرگ سه بار بین سالهای 1895 و 1897 از رووسی بازدید کرد. اینجا در فضای آزادی هنری به سرعت زبان خودش را پیدا کرد. مثلاً در اولین پاییز اقامتش در رووسی اثر معروف « انجماد(1895)، تا حدودی یادآور فیلم جیغ مونک است. در این مورد، پدیده آب و هوا، ترس کشاورزان در سراسر جهان، تجسم، چهره و شکل قابل مشاهده ای دریافت کرده است: یک پیکره رنگ پریده مرگبار با گوش های درشت، که بر بالای غلاف نشسته و با نفس مرگبار خود همه چیز اطراف را مسموم می کند. . برخلاف فریاد مونک که چند سال پیش به پایان رسید، فراست سیمبرگ نه وحشت و ناامیدی کامل، بلکه احساس عجیبی از تهدید و ترحم را در عین حال تداعی می کند.

یک لحظه مهم در زندگی سیمبرگ نمایشگاه پاییز 1898 بود که پس از آن او در اتحادیه هنرمندان فنلاند پذیرفته شد. سیمبرگ سفرهای زیادی به اروپا کرد، تدریس کرد و در نمایشگاه ها شرکت کرد. با این حال ، مقیاس استعداد این هنرمند فقط پس از مرگ او واقعاً قدردانی شد. تمرکز بر چیزهای خزنده و ماوراء طبیعی برای همه منتقدان و بینندگان آن زمان به دور از درک بود.

هوگو سیمبرگیکی از بزرگترین ها بود سمبولیست های فنلاندی. او توسط موقعیت های پیش پا افتاده روزمره جذب نشد - برعکس، او چیزی را به تصویر کشید که درهایی را به واقعیت دیگری باز کرد، ذهن و روح بیننده را تحت تأثیر قرار داد. او هنر را "به عنوان فرصتی برای انتقال یک فرد در وسط زمستان به یک صبح زیبای تابستانی و احساس اینکه چگونه طبیعت از خواب بیدار می شود و شما خود با آن هماهنگ هستید" درک می کرد. این چیزی است که من در یک اثر هنری به دنبال آن هستم. باید در مورد چیزی با ما صحبت کند و با صدای بلند صحبت کند تا ما را به دنیای دیگری برد.

سیمبرگ مخصوصاً به به تصویر کشیدن آنچه فقط در تخیل قابل مشاهده است علاقه داشت: فرشتگان، شیاطین، ترول ها و تصاویر خود مرگ. با این حال، حتی این تصاویر او به نرمی و انسانیت. مرگ در سیمبرگ اغلب خیرخواهانه و سرشار از همدردی است و وظایف خود را بدون اشتیاق انجام می دهد. اینجا او با سه گل سفید آمد تا پیرزن را بردارد. با این حال، مرگ عجله ای ندارد، او می تواند به پسری که ویولن می نوازد گوش دهد. فقط ساعت روی دیوار نشانگر گذر زمان است (" مرگ گوش می دهد"، 1897).

سر کار " باغ مرگ"(1896) که در اولین سفر مطالعاتی به پاریس ایجاد شد، سیمبرگ، همانطور که خودش گفت، مکانی را به تصویر کشید که روح انسان بلافاصله پس از مرگ، قبل از رفتن به بهشت ​​در آنجا می رود. سه اسکلت در لباس‌های مشکی با همان عشقی که راهبان از باغ صومعه مراقبت می‌کنند از روح‌های گیاهی مراقبت می‌کنند. این اثر برای هنرمند از اهمیت بالایی برخوردار بود. تقریباً ده سال بعد، سیمبرگ آن را در قالب یک نقاشی دیواری بزرگ در کلیسای جامع تامپر تکرار کرد. جذابیت عجیب این اثر در جزئیات زیبای روزمره (یک آبپاش، حوله آویزان از قلاب)، فضایی آرام و تصویری ملایم از خود مرگ نهفته است که نه نیروی تخریب، بلکه تجسم مراقبت است. جالب اینجاست که در افسانه هانس کریستین اندرسن "داستان یک مادر" نیز تصویر مشابهی را می یابیم: داستان نویس گلخانه ای عظیم از مرگ را توصیف می کند - گلخانه ای که در آن روح انسانی پشت هر گل یا درخت "ثابت" می شود. مرگ خود را باغبان خدا می‌نامد: «گل‌ها و درختان او را می‌گیرم و در باغ بزرگ عدن، به سرزمینی ناشناخته پیوند می‌زنم».

اولین تصویر مرگدر کار سیمبرگ ظاهر شد " مرگ و دهقان» (1895). یک شنل سیاه کوتاه و یک شلوار کوتاه به Death ظاهری ملایم و پایین می‌دهد. این کار توسط سیمبرگ در رووسی و در حین تحصیل نزد آکسلی گالن-کاللا انجام شد. در آن بهار، کوچکترین دختر معلم بر اثر بیماری دیفتری درگذشت و «مرگ و دهقان» را می توان ابراز همدردی با مردی دانست که فرزندی را از دست داده است.

فرشتگان هوگو سیمبرگ نیز مانند شیاطین انسان شده و در نتیجه آسیب پذیر هستند. آنها سعی می کنند مردم را به راه خیر هدایت کنند، اما واقعیت با ایده آل فاصله دارد. کار " رویا” (1900) سوالاتی را از بیننده ایجاد می کند. چرا زنی گریه می کند در حالی که فرشته با شوهرش می رقصد؟ شاید شوهر همسرش را به دنیای دیگری رها می کند؟ نام دیگر این اثر «توبه» بود، بنابراین می توان آن را به گونه های مختلف تفسیر کرد.

تصاویر فرشتگان برای اولین بار در کار سیمبرگ در پاییز 1895 ظاهر شد (کار " تقوا"). در این قطعه شیطنت آمیز، فرشته-دختر دعاکننده متوجه نمی شود که فرشته همسایه چیزی کاملاً متفاوت در ذهن دارد. و در واقع، بال های این فرشته دوم بسیار سفید است. کشمکشی بین نفس گرایی و معنویت وجود دارد.

خاکریز در منطقه Niemenlautta، جایی که سیمبرگ تقریباً همیشه تابستان خود را در خانه خانواده می گذراند، محل ملاقات جوانان در عصرهای تابستان بود. مردان و زنان جوان که جذب صداهای آکاردئون شده بودند، حتی از راه دور با قایق برای رقصیدن به اینجا رفتند. سیمبرگ بارها طرح هایی از رقصندگان می ساخت. اما سر کار در اسکله برقصید(1899) دختران با پسرها نمی رقصند، بلکه با چهره های مرگ می رقصند که اغلب در سیمبرگ یافت می شود. شاید مرگ این بار برای یک برداشت وحشتناک نیامده است، بلکه به سادگی می خواهد در یک سرگرمی عمومی شرکت کند؟ به دلایلی آکاردئون نمی نوازد.

همانطور که می بینید هوگو سیمبرگ- هنرمندی بسیار اصیل که آثارش خالی از طنز خاص نیست، اما در عین حال سرشار از عرفان است و بر مضامین خیر و شر، زندگی و مرگ، ویژگی هنر متمرکز است. نمادگرایان. در آثار سیمبرگ، سؤالات عمیق فلسفی با طنز ملایم و همدردی عمیق در هم آمیخته است. "شیطان بیچاره"، "مرگ ملایم"، پادشاه براونی ها - همه این شخصیت ها از رویاها و افسانه ها به کار او آمدند. بدون قاب های طلاکاری شده و بوم های براق: «تنها عشق است که آثار هنری را واقعی می کند. اگر درد زایمان بدون عشق اتفاق بیفتد، کودک ناراضی به دنیا می آید.

موزه آتنئوم علاوه بر آثار هوگو سیمبرگ، آثاری از او را به نمایش می گذارد نقاش نمادگرا فنلاندی مگنوس انکل (مگنوس انکل) (1870-1925)، مانند سیمبرگ، که روی نقاشی های دیواری کلیسای جامع تامپره (1907) کار می کرد. انکل در خانواده ای کشیش در شهر همینا به دنیا آمد، در رشته نقاشی تحصیل کرد و در سال 1891 به پاریس رفت و در آکادمی جولیان تحصیلات خود را ادامه داد. در آنجا به نمادگرایی و ایده‌های عرفانی رزیکلاس J. Peladan علاقه مند شد. از دومی، مگنوس انکل ایده آل آندروژن زیبایی را پذیرفت که شروع به استفاده از آن در آثارش کرد. انکل مجذوب ایده بهشت ​​گمشده، خلوص گمشده انسان بود و پسران بسیار جوان با زیبایی آندروژنی خود ناب ترین شکل یک انسان را برای هنرمند نشان می دادند. همچنین نباید فراموش کرد که انکل یک همجنس گرا بود و اغلب پسران و مردان برهنه را با ظاهری رک و پوست کنده شهوانی و شهوانی نقاشی می کرد. در 1894-95. این هنرمند در سراسر ایتالیا سفر کرد و در آغاز قرن بیستم، تحت تأثیر هنر کلاسیک ایتالیایی و همچنین پسا امپرسیونیسم، پالت او رنگارنگ تر و سبک تر می شود. در سال 1909، همراه با رنگ نویسان ورنر توم و آلفرد فینچ، گروه را تأسیس کرد. سپتامبر.

آثار اولیه مگنوس انکل، برعکس، با یک محدوده خاموش، زهد رنگ مشخص شده است. در آن زمان، پالت این هنرمند به سایه های خاکستری، سیاه و اخر محدود بود. یک نمونه نقاشی است بیداری"(1894)، نوشته انکل در دومین بازدید هنرمند از. بوم با مینیمالیسم رنگی، ترکیب ساده شده و خط زیر خط کشیده مشخص می شود - همه اینها برای تأکید بر اهمیت تصویر استفاده می شود. جوانی که به سن بلوغ رسیده است از خواب بیدار شده و برهنه روی تخت نشسته و سرش را خم کرده با حالتی جدی روی صورتش غوطه ور در افکارش است. وضعیت پیچ خورده بدن او فقط یک ژست آشنا برای بلند شدن از تخت نیست. این نقش که اغلب در میان هنرمندان نمادگرا یافت می شود، پیچیده تر است. بلوغ و بیداری جنسی/از دست دادن معصومیت مضامینی بودند که بسیاری از معاصران انکل را به خود جذب کردند (برای مثال، به نقاشی نگران کننده بلوغ مونک (1894/95) مراجعه کنید. گامای سیاه و سفید بر حال و هوای مالیخولیایی دیدار با جهان ستمگر تأکید دارد.

یکی دیگر نقاش نمادگرا فنلاندی، اگرچه شناخته شده ترین نیست Väinö Bloomstedt (Blomstedt) (واینو بلومشتد) (1871-1947). بلومستد هنرمند و طراح پارچه بود و به ویژه از هنر ژاپنی تأثیر پذیرفته بود. او ابتدا در فنلاند و سپس همراه با پکا هالونن در. همانطور که می دانیم، این هنرمندان فنلاندی در سفر خود به پاریس، با گوگن که اخیراً از تاهیتی بازگشته بود ملاقات کردند و شروع به آموختن از او کردند. بلومستدت تکانشی فوراً تحت تأثیر گوگن و بوم های رنگارنگ او قرار گرفت. جستجوی بهشت ​​گمشده در آثار گوگن بسیار به بلومستد نزدیک بود. فقط اگر گوگن به دنبال این بهشت ​​در کشورهای عجیب و غریب بود، پس Väinö Bloomstedt، مانند بسیاری از هنرمندان فنلاندی آن زمان، هدفش جستجوی منشاء سرزمین خود، سرزمین بکر Kalevala بود. قهرمانان نقاشی های بلومستد اغلب شخصیت های خیالی یا اسطوره ای هستند.

بلومستد پس از آشنایی با گوگن، نقاشی رئالیستی را در اواسط دهه 1890 رها کرد و به نمادگراییو چند رنگ روشن مصنوعیجعبه رنگ نقاشی. بر اساس ایدئولوژی نمادگرایی، هنر واقع گرایانه، مبتنی بر مشاهده بصری، بسیار محدود است و اجازه نمی دهد مهمترین چیز در یک فرد، جوهر عاطفی و معنوی او، راز خود زندگی را درک کند. فراتر از واقعیت روزمره، دنیای دیگری نهفته است و هدف سمبولیست ها بیان این جهان از طریق هنر است. هنرمندان نمادگرا به جای تلاش برای ایجاد یک توهم سه بعدی از واقعیت، به سبک سازی، ساده سازی، تزئینی بودن متوسل شدند و به دنبال یافتن چیزی ناب و شاعرانه بودند. از این رو علاقه آنها به اوایل رنسانس ایتالیایی، استفاده از تکنیک های تمپر و نقاشی های دیواری است. یکی از واضح ترین نمونه ها نمادگرایی در آثار هنرمندان فنلاندییک عکس است واینو بلومستد « فرانچسکا«(1897)، غوطه ور شدن بیننده در دنیای خواب و فراموشی، فضایی ایستا و جادویی با بوی مست کننده خشخاش.

الهام‌بخش این نقاشی، کمدی الهی دانته بود که در آن شاعر در جهنم با فرانچسکا دا ریمینی ملاقات می‌کند و او داستان عشق غم انگیز خود را به پائولو برای او تعریف می‌کند. تصویر دختری که یادآور مدونا است، منظره «رنسانس» با سروهای تیره و سطح رنگی شفاف نقاشی (بوم به وضوح از میان رنگ ها می درخشد) نقاشی های دیواری قدیمی در کلیساهای ایتالیایی را نشان می دهد. علاوه بر این، به دلیل تکنیک خاص اجرا، تصویر تا حدی شبیه یک ملیله کهنه است. این نقاشی توسط بلومستد در سفری به ایتالیا کشیده شده است. همچنین تأثیر هنر پیش رافائلیت ها را می بیند.

زنان در هنر: هنرمندان فنلاندی

موزه آتنیومهمچنین به این دلیل قابل توجه است که بخش قابل توجهی از مجموعه او را آثار تشکیل می دهد هنرمندان زن، از جمله معروف های جهانی مانند هنرمند فنلاندی هلنا شجرفبک. در سال 2012، موزه آتنئوم میزبان نمایشگاه گسترده ای از آثار هلنا شورفبک بود که به 150 سالگرد تولد او اختصاص داشت. موزه آتنیوم بزرگترین و کاملترین مجموعه از آثار هلنا شورفبک در جهان (212 نقاشی، طراحی، کتاب طرح) را در خود جای داده است.

هلنا شجرفبک (هلنا شجرفبک) (1862-1946) در هلسینکی به دنیا آمد، در اوایل شروع به مطالعه نقاشی کرد و قبلاً در جوانی به مهارت قابل توجهی دست یافت. زندگی هلنا با آسیب شدید لگن به دنبال سقوط از پله ها در دوران کودکی مشخص شد. به همین دلیل ، دختر آموزش خانگی دریافت کرد - او به مدرسه عادی نرفت ، اما زمان زیادی برای نقاشی داشت و در سنین پایین غیرمعمول در یک مدرسه هنری پذیرفته شد. (متاسفانه جراحت لگن تا آخر عمر با لنگیدن خود را به یاد می آورد). شورفبک پس از تحصیل در فنلاند، از جمله در آکادمی خصوصی آدولف فون بکر، بورسیه تحصیلی دریافت کرد و به آنجا رفت که در آکادمی کولاروسی تحصیل کرد. در 1881 و 1883-84. او همچنین در مستعمرات هنرمندان در بریتانی کار کرد (نقاشی " پسری که به خواهر کوچکش غذا می دهد(1881) که در این منطقه از فرانسه نوشته شده است، اکنون حتی سرآغاز مدرنیسم فنلاندی تلقی می شود. در بریتانی، او با یک هنرمند ناشناس انگلیسی آشنا شد و با او ازدواج کرد، اما نامزد در سال 1885 نامزدی را قطع کرد (خانواده او معتقد بودند که مشکلات لگن هلنا مربوط به سل است که پدرش در اثر آن درگذشت). هلنا شورفبک هرگز ازدواج نکرد.

در دهه 1890، Schjerfbeck در مدرسه انجمن هنر، که خودش زمانی از آن فارغ التحصیل شده بود، تدریس می کرد. در سال 1902، به دلیل مشکلات سلامتی، تدریس را ترک کرد و به همراه مادرش به استانی دورافتاده در هیوینکا نقل مکان کرد. این هنرمند که به سکوت نیاز داشت، زندگی منزوی داشت، اما به شرکت در نمایشگاه ها ادامه داد. "کشف" Schjerfbeck برای عموم در سال 1917 اتفاق افتاد: اولین نمایشگاه انفرادی این هنرمند در سالن هنری Ëst Stenman در هلسینکی برگزار شد که موفقیت بزرگی با بینندگان و منتقدان بود و وجود منزوی او را نقض کرد. نمایشگاه بزرگ بعدی در سال 1937 در استکهلم برگزار شد و نظرات مثبتی داشت و به دنبال آن مجموعه ای از نمایشگاه های مشابه در سراسر سوئد برگزار شد. در سال 1935، هنگامی که مادرش فوت کرد، هلنا برای زندگی در Tammisaari نقل مکان کرد و آخرین سالهای زندگی خود را در سوئد، در یک آسایشگاه در Saltsjöbaden گذراند. در فنلاند، نگرش نسبت به آثار Schjerfbeck برای مدت طولانی بحث برانگیز بود (استعداد او فقط در نیمه دوم قرن بیستم شناخته شد)، در حالی که در سوئد هنر او بسیار زود با اشتیاق فراوان پذیرفته شد. اما در سال 2007، زمانی که نمایشگاه‌های گذشته‌نگر بزرگی از آثار او در پاریس، هامبورگ و لاهه برگزار شد، شهرت بین‌المللی واقعاً گسترده‌ای برای شجرفبک حاصل شد.

در میان تمام نقاشی‌های هلنا شورفبک، مشهورترین نقاشی‌های جهان، خودنگاره‌های متعدد از خود انتقادی هستند که امکان ردیابی تکامل سبک او و تغییرات در خود هنرمند را فراهم می‌کند که بی‌رحمانه چهره پیر او را اصلاح کرد. در مجموع، Schjerfbeck حدود 40 سلف پرتره نوشت که اولین آنها در 16 سالگی و آخرین در 83 سالگی بود. شش مورد از آنها در مجموعه آتنیوم قرار دارند.

اما شاید معروف ترین نقاشی هلنا شجرفبکبوم است دوران نقاهت"(1888)، که اغلب به عنوان جواهر شناخته می شود موزه آتنیوم. این نقاشی از این هنرمند 26 ساله که بسیار مورد استقبال مردم قرار گرفت، در نمایشگاه جهانی پاریس در سال 1889 (جایی که این بوم با عنوان "نخستین سبز" به نمایش گذاشته شد، مدال برنز دریافت کرد. سرسبزی برتر) - این همان چیزی است که خود Schjerfbeck در ابتدا این تصویر را نامیده است). موضوع کودکان بیمار در هنر قرن 19 رایج بود، اما Schjerfbeck نه تنها یک کودک بیمار، بلکه کودکی را به تصویر می کشد که در حال بهبودی است. او این تصویر را در شهر ساحلی زیبای سنت ایوز، در کورنوال، در جنوب غربی انگلستان، جایی که این هنرمند به توصیه دوست اتریشی خود در 1887-1888 و دوباره در 1889-1890 رفت، نقاشی کرد.

این اثر اغلب آخرین نمونه از نقاشی نور طبیعت گرایانه در آثار Schjerfbeck نامیده می شود (بعدها او به مدرنیسم سبک و اکسپرسیونیسم تقریباً انتزاعی با پالت زاهدانه نقل مکان کرد). در اینجا هنرمند به طرز ماهرانه ای با نور کار می کند و چشم بیننده را به چهره دختری در حال بهبودی با موهای ژولیده و گونه های سرخ آلود می کشاند که لیوانی با یک شاخه گل شکننده در دست دارد - نمادی از بهار و زندگی جدید. لبخندی بر لبان کودک نقش می بندد و ابراز امیدواری برای بهبودی می کند. این تصویر هیجان انگیز بیننده را جذب می کند، او را به احساس همدلی وا می دارد. به تعبیری می توان این عکس را سلف پرتره هنرمندی نامید که در آن زمان فقط در تلاش بود تا پس از فروپاشی نامزدی خود بهبود یابد. همچنین ممکن است در این تصویر، Schjerfbeck خود را در کودکی به تصویر بکشد، و از آنچه که خودش احساس می‌کرد، به ما گفت، اغلب در بستر بود و از اولین نشانه‌های بهار خوشحال بود.

لطفا توجه داشته باشید که در حال حاضر مشهورترین آثار هلنا شجرفبک "در تور" در سوئد هستند. یکی از نمایشگاه ها در استکهلم برگزار می شود و تا پایان فوریه 2013 ادامه خواهد داشت، دیگری - در گوتنبرگ (تا اوت 2013).

یکی بیشتر هنرمند فنلاندی، که آثار آن در موزه آتنیوم یافت می شود، می باشد مشکل Shernschanz (Sternshantz)(Beda Stjernschantz) (1867–1910). به هر حال، نمایشگاه بزرگی از آثار این هنرمند در سال 2014 در موزه برنامه ریزی شده است. Beda Shernschanz نماینده مهم این نسل بود هنرمندان نمادگرا فنلاندیدر آستانه قرن 19 و 20. او در یک خانواده اشرافی در شهر پوروو به دنیا آمد. در سال 1886، پدرش درگذشت و خانواده با مشکلات مالی مواجه شدند. بر خلاف دیگر هنرمندان زن، شرنشانتز مجبور بود برای امرار معاش کار کند. در سال 1891، همزمان با یکی دیگر از هنرمندان مشهور فنلاندی، الن تسلف، به پاریس آمد و دختران با هم در آکادمی کولاروسی ثبت نام کردند. مرشد Bede مگنوس انکل بود که تحت تأثیر او ایده های نمادگرایی را جذب کرد. نمایندگان این جریان متقاعد شده بودند که هنر نباید به طور برده ای از طبیعت کپی کند، بلکه باید به خاطر زیبایی، بیان احساسات و تجربیات ظریف پاک شود. به دلیل بی پولی، شرنشانز تنها یک سال در پاریس زندگی کرد. پس از بازگشت به فنلاند، او نتوانست جایی برای خود پیدا کند و در سال 1895 به جزیره استونیایی ورمسی رفت، جایی که یک سکونتگاه قدیمی سوئدی وجود داشت که زبان، آداب و رسوم و لباس های خود را حفظ کرده بود. در آنجا هنرمند تصویر را نقاشی کرد همه جا ما را صدا می خوانند» (1895). عنوان نقاشی نقل قولی از "آوازهای فنلاند" معروف آن زمان است ( سومن لاولو، کلماتی که توسط شاعر Emil Kwanten نوشته شده است. همانطور که می بینید، نه تنها کارلیا مکانی بود که هنرمندان فنلاندی در جستجوی طبیعت و مردم بکر بودند.

این هنرمند روی این بوم شاعرانه گروهی از کودکان سوئدی را به تصویر کشیده است که توانسته اند سنت ها و زبان ملی خود را در محیطی بیگانه حفظ کنند. به همین دلیل، برخی از منتقدان معنای میهن پرستانه ای را در تصویر دیدند، به خصوص که ساز کانتل که توسط یکی از دختران نواخته می شود، جایگاه مهمی در ترکیب بندی دارد. دختر دیگری آواز می خواند و این صداها منظره زاهدانه را پر از آسیاب های بادی می کند. به دلیل ژست های کاملاً ایستا و یخ زده و خالی بودن منظره اطراف، بیننده، همانطور که بود، شروع به گوش دادن به موسیقی که در بوم به صدا در می آید نیز می کند. گویا باد هم خاموش شده است، نه برگ ها تکان می خورند و نه آسیاب های بادی، گویی در پادشاهی مسحور شده ای هستیم، جایی که زمانش از بین رفته است. اگر از تفسیر نمادین تصویر پیش برویم، چهره های متدین و متمرکز کودکانه در پس زمینه این منظره عرفانی راهی برای انتقال حالت معصومیت است. علاوه بر این، مانند بسیاری از آثار دیگر سمبولیست ها، نقش ویژه ای به موسیقی، اثیری ترین و اصیل ترین هنرها، اختصاص داده شده است.

در 1897-98. Beda Shernschanz با دریافت کمک هزینه از دولت فنلاند، برای سفر به ایتالیا رفت، اما فعالیت خلاقانه او پس از این دوره بی نتیجه ماند. اگرچه میراث این هنرمند اندک است، اما توجه محققان را به خود جلب می کند و انتظار می رود تعدادی کنفرانس و انتشارات در آینده برگزار شود که این امکان را فراهم می کند تا در مورد اهمیت کار او در زمینه بین المللی که نوبت به دنیا آمده است بیشتر بدانیم. قرن.

یکی دیگر از هنرمندان جالب فنلاندی همان دوره است الین دانیلسون-گامبوگی (الین دانیلسون-گامبوگی) (1861-1919). الین دانیلسون-گامبوگیمتعلق به نسل اول فنلاندی است زنان هنرمندکه تحصیلات حرفه ای دریافت کردند. او عمدتاً در ژانر پرتره واقع گرایانه کار می کرد و هم در زندگی و هم در کارش در رهایی و سبک زندگی غیرمعمول با همکارانش تفاوت داشت. او از موقعیت زنان در جامعه انتقاد می کرد، شلوار می پوشید و سیگار می کشید، زندگی ضد کنفورمیسمی داشت و با بسیاری از هنرمندان از جمله مجسمه ساز نروژی گوستاو ویگلاند (آنها در سال 1895 رابطه نامشروع داشتند) ارتباط داشت. نقاشی های او از زنان در موقعیت های روزمره توسط بسیاری از منتقدان مبتذل و ناشایست تلقی می شد.

« سلف پرترهالین دانیلسون-گامبوگی (1900) در زمانی نقاشی شد که این هنرمند در اروپا به رسمیت شناخته شد. این هنرمند در استودیوی خود با قلم مو و پالت در دست به تصویر کشیده شده است و نور از پرده مقابل پنجره عبور می کند و هاله ای در اطراف سر او ایجاد می کند. فرمت بزرگ بوم، ژست و نگاه هنرمند - همه اینها ماهیت مستقل و با اعتماد به نفس را بیان می کند. برای این نقاشی، دانیلسون گامبوگی در سال 1900 در فلورانس مدال نقره دریافت کرد.

الین دانیلسون-گامبوجی در روستایی در نزدیکی شهر پوری به دنیا آمد. در سال 1871، مزرعه خانوادگی آنها ورشکست شد و پدرش یک سال بعد خودکشی کرد. با وجود این، مادر موفق به یافتن بودجه شد به طوری که الین در سن 15 سالگی به خانه رفت و شروع به مطالعه نقاشی کرد. دختر در فضایی آزاد و خارج از تابوهای سخت اجتماعی بزرگ شد. در سال 1883، دانیلسون-گامبوگی به آنجا رفت، جایی که تحصیلات خود را در آکادمی کولاروسی ادامه داد و در تابستان در بریتانی نقاشی خواند. سپس این هنرمند به فنلاند بازگشت و در آنجا با نقاشان دیگر ارتباط برقرار کرد و در مدارس هنر تدریس کرد و در سال 1895 بورسیه تحصیلی دریافت کرد و به فلورانس رفت. یک سال بعد به روستای آنتیگنانو نقل مکان کرد و با نقاش ایتالیایی رافائلو گامبوگی ازدواج کرد. این زوج در نمایشگاه های متعددی در سراسر اروپا شرکت کرده اند. آثار آنها در نمایشگاه جهانی 1900 پاریس و دوسالانه ونیز 1899 به نمایش گذاشته شد. اما در آغاز قرن بیستم، مشکلات خانوادگی و مشکلات مالی، خیانت ها و بیماری شوهرش آغاز شد. الین دانیلسون-گامبوگی بر اثر ذات الریه درگذشت و در لیورنو به خاک سپرده شد.

در نهایت، در میان هنرمندان زن فنلاندینمی توان نام برد الن تسلف (الن تسلف) (1869-1954). تعداد کمی از نویسندگان فنلاندی چنین شناسایی اولیه را دریافت کرده اند. قبلاً در سال 1891 ، تسلف جوان با کار فوق العاده خود در نمایشگاه انجمن هنر فنلاند شرکت کرد. اکو» ( کایکو) (1891) مورد تحسین منتقدان قرار گرفت. در آن زمان، او به تازگی از آکادمی خصوصی گونار برنتسون فارغ التحصیل شده بود. گوناربرنتسون) و اولین سفر خود را به آنجا می رفت، جایی که دختر با دوستش Beda Shernschanz وارد آکادمی Colarossi شد. در پاریس با نمادگرایی آشنا شد، اما از همان ابتدا راه مستقل و مستقل خود را در هنر انتخاب کرد. در این دوره، او شروع به ایجاد نقاشی در رنگ های زاهدانه کرد.

مهمترین منبع الهام النا تسلف هنر ایتالیایی بود. قبلاً در سال 1894 ، او به میهن اوایل رنسانس ، به فلورانس رفت. در اینجا این هنرمند بسیاری از آثار زیبای نقاشی مذهبی از جمله آثار بوتیچلی را دید که آثار او را در موزه لوور تحسین می کرد. تسلف همچنین از نقاشی‌های دیواری صومعه کپی کرد. تأثیر نقاشی معنوی ایتالیایی اشتیاق او را به هنر شاعرانه و متعالی تقویت کرد و در سالهای بعد، زهد رنگی در آثار او حداکثر بیان را دریافت کرد. نقوش معمولی آثار او مناظر سخت و تیره رنگ و پیکرهای انسانی شبح‌آلود و مالیخولیایی است.

نمونه ای از آثار این دوره در اندازه متوسط ​​است. سلف پرتره» (1894-95) الن تسلف، با مداد کشیده شده است. این سلف پرتره که در فلورانس خلق شد، حاصل دو سال کار مقدماتی بود. چهره‌ای روح‌انگیز که از تاریکی بیرون می‌آید، چیزهای زیادی درباره هنرمند و آرمان‌های او در آن زمان به ما می‌گوید. او در راستای فلسفه نمادگرایی، سؤالات اساسی وجود را مطرح کرد و احساسات انسانی را مورد مطالعه قرار داد. در این سلف پرتره می توان تجسم مدرن هنر لئوناردو داوینچی را با پرسش ها و رازهای زندگی اش دید. در عین حال، تصویر بسیار شخصی است: این نشان دهنده غم و اندوه تسلف از مرگ پدر محبوبش است که دو سال قبل اتفاق افتاد.

تسلف در خانواده ای موزیکال بزرگ شد و از کودکی به آواز خواندن و نواختن موسیقی با خواهرانش علاقه داشت. یکی از متداول ترین نقوش در آثار او پژواک یا جیغ بود - ابتدایی ترین شکل موسیقی. او همچنین اغلب نواختن ویولن را به تصویر می کشید - یکی از عالی ترین و پیچیده ترین آلات موسیقی. به عنوان مثال، یک مدل برای نقاشی " ویولن نوازی" ("ویولونیست") (1896) توسط خواهر هنرمند، تیرا الیزاوتا، که اغلب در دهه 1890 برای او ژست گرفته بود، اجرا شد.

این ترکیب با رنگ‌های نیمه‌شفاف گرم و اوپال مادر از مروارید حفظ می‌شود. نوازنده ویولن از بیننده دور شد و روی بازی تمرکز کرد. موضوع موسیقی که به عنوان معنوی‌ترین و الهی‌ترین هنر مورد احترام قرار می‌گیرد، یکی از رایج‌ترین موضوعات در نمادگرایی بود، اما هنرمندان به ندرت نوازندگان زن را به تصویر می‌کشیدند.

الن تسلف مانند دوستش مگنوس انکل، در مراحل اولیه کارش، زهد رنگی را ترجیح می داد. اما بعد سبک او تغییر کرد. تحت تأثیر کاندینسکی و حلقه مونیخ او، این هنرمند اولین فوویست فنلاند شد و در سال 1912 از او برای شرکت در نمایشگاه انجمن فنلاند دعوت شد. سپتامبرکه برای رنگ های روشن و تمیز ایستاده بود.

با این حال، شرکت او فراتر از محدوده نمایشگاه نرفت: تسلف به هیچ گروهی نپیوست و تنهایی را حالت عادی یک شخصیت قوی می دانست. با دور شدن از طیف قدیمی خاکستری قهوه ای، در سنی بالغ تر، Thesleff شروع به ایجاد فانتزی های رنگارنگ و لایه ای رنگی کرد. او بارها به همراه خواهر و مادرش از توسکانی دیدن کرد و در آنجا مناظر آفتابی ایتالیایی را نقاشی کرد.

تسلف هرگز ازدواج نکرد، اما جای او را به عنوان یک فرد خلاق گرفت. این هنرمند عمر طولانی داشت و به رسمیت شناخته شد.

هنر خارجی در آتنئوم

مجموعه هنرهای خارجی موزه آتنئوم شامل بیش از 650 نقاشی، مجسمه و طراحی است که توسط استادان مشهوری مانند سزان، واگ گوگ، شاگال، مودیلیانی، مونک، رپین، رودن، زورن خلق شده است.

از مجموعه خارجی موزه آتنیومجدا کردن "خیابان در اوور سور اواز" ون گوگ(1890). ونسان ون گوگ این نقاشی را اندکی قبل از مرگش در شهر کوچک اوورز سور اوز کشید. Auvers-sur-Oiseواقع در دره یکی از شاخه های رود سن، در حدود 30 کیلومتری شمال غربی. ون گوگ که از دوره‌های بیماری روانی رنج می‌برد، به توصیه برادرش تئو برای معالجه توسط دکتر پل گچت به اور-سور-اواز رفت. در Auvers-sur-Oise کلینیک این دکتر وجود داشت - مردی که نسبت به هنر بی تفاوت نیست، با بسیاری از هنرمندان فرانسوی آشنا بود و همچنین با ون گوگ دوست شد.

شهر Auvers-sur-Oise سرانجام به محل مرگ این هنرمند تبدیل شد که احساس می کرد باری بر دوش برادر و خانواده اش بود. ون گوگ به خود شلیک کرد و سپس خونریزی کرد. این هنرمند 70 روز آخر عمر خود را در Auvers-sur-Oise زندگی کرد و در این مدت کوتاه 74 نقاشی را تکمیل کرد که یکی از آنها اکنون در موزه اصلی هنر هلسینکی است. ممکن است نقاشی ناتمام مانده باشد (پرایمر در بعضی جاها نمایان است). روشنایی آسمان رنگ سبز آرام‌تر زمین و رنگ مایل به قرمز سقف‌های کاشی‌شده را نشان می‌دهد. به نظر می رسد که کل صحنه در حرکتی معنوی است که با انرژی بی قراری نفوذ کرده است.

یک داستان بسیار جالب این است که چگونه نقاشی "خیابان در Auvers-sur-Oise" وارد شد موزه آتنیوم. مدتی پس از مرگ ون گوگ، این اثر متعلق به برادر هنرمند، تئو، و سپس به بیوه او بود که جولین لکلرک بوم را از او خرید. جولین لکلرک) شاعر و منتقد هنری فرانسوی است. مشخص است که در سال 1900 لکلرک حداقل 11 نقاشی ون گوگ را از بیوه تئو به دست آورد. یک سال بعد، او اولین نمایشگاه گذشته نگر ون گوگ را ترتیب داد، اما خیلی زود به طور غیرمنتظره ای درگذشت. همسر لکلرک فانی فلودین پیانیست ( فانیفلودینخواهر هنرمند و مجسمه ساز فنلاندی هیلدا فلودین ( هیلدا فلودین). در سال 1903، فانی یک نقاشی ون گوگ را به نمایندگان مجموعه دار فریتیوف آنتل، که بارها در بالا ذکر شد، به قیمت 2500 مارک (حدود 9500 یورو به پول امروزی) فروخت. این بوم شده است اولین نقاشی کلیسای قدیمی واگ گوگ

برای سالها اعتقاد بر این بود که پرتره برادرزاده های الکساندر سوم که توسط آلبرت ادلفلت کشیده شده بود گم شده یا از بین رفته است. عکس: Erkka Mikkonen / Yle

یک مورخ هنر فنلاندی به طور تصادفی یک اثر گمشده از آلبرت ادلفلت را در مجموعه های یک موزه منطقه ای روسیه کشف کرد. محقق می خواهد این نقاشی را به نمایشگاهی در فنلاند بیاورد.

بوم نقاش معروف فنلاندی آلبرت ادلفلت (1854-1905) که سال ها گم شده بود، در روسیه در موزه ریبینسک پیدا شد. سانی کونتولا وب، مورخ هنر فنلاندی، این نقاشی را که در سال 1881 کشیده شده بود، با استفاده از یک موتور جستجوی اینترنتی پیدا کرد.

– من به طور اتفاقی کار را دیدم، اما آن را شناسایی کردم زیرا قبلاً این موضوع را با دقت مطالعه کرده بودم.

یکی از فارغ التحصیلان آکادمی هنر سن پترزبورگ، کونتولا وب، طرح هایی از این اثر را در موزه هنر آتنیوم در هلسینکی دید. با کمک طرح ها، می توان هویت کودکان به تصویر کشیده شده در پرتره را نیز مشخص کرد: اینها برادرزاده های تزار روسیه الکساندر سوم هستند. در یکی از طرح ها، ادلفلت نام آنها را نشان داد.

پسران مو بلند در تصویر لباس هایی مطابق مد اواخر قرن نوزدهم می پوشند. موزه ریبینسک معتقد بود که دخترانی بر روی آن به تصویر کشیده شده اند. کارگران موزه از اطلاعات جدید در مورد این نقاشی خوشحال بودند.

معاون مدیر سرگئی اووسیانیکوف می گوید: "ما فکر می کردیم که اینها دختر هستند ، اما معلوم شد که پسران دوک بزرگ ولادیمیر بوریس و کریل به تصویر کشیده شده اند."

این نقاشی از تماس های ادلفلت با خانواده سلطنتی می گوید

این اثر پس از انقلاب در مجموعه موزه ریبینسک قرار گرفت. با توجه به امضای پشت تابلو، قبلاً در کاخ ولادیمیر در سن پترزبورگ قرار داشت.

اهمیت بیشتری به این یافته داده می شود که این نقاشی نشان دهنده تماس نزدیک هنرمند فنلاندی با شهر در نوا و خانواده سلطنتی است.

کونتولا وب خاطرنشان می کند: «احتمالاً این پرتره بود که از نظر پیشرفت درخشان حرفه ادلفلت در دربار سلطنتی تعیین کننده بود.

متعاقباً، ادلفلت پرتره ای از فرزندان الکساندر سوم، میخائیل و زنیا و همچنین چندین پرتره از آخرین تزار روسیه نیکلاس دوم کشید.

ارتباط هنرمندان فنلاندی با روسیه تاکنون کمی مورد بررسی قرار گرفته است.

زمانی Edelfelt در روسیه محبوب بود. آثار او در مجموعه‌های هرمیتاژ سن پترزبورگ و موزه پوشکین مسکو نگهداری می‌شوند.

امروزه ادلفلت و همچنین سایر هنرمندان دوره طلایی نقاشی فنلاند عملاً برای مخاطب روسی ناشناخته هستند. همچنین در مطالعات هنر فنلاند توجه خاصی به ارتباط هنرمندان فنلاندی با روسیه معطوف نشده است.

کنتولا وب در حال حاضر در حال آماده سازی پایان نامه ای در مورد پیوندهای آکادمی هنر سنت پترزبورگ با زندگی هنری فنلاند است.

امیدوارم که به لطف این یافته، ادلفلت دوباره در روسیه پیدا شود و فنلاند روابط مهم بین هنرمندان فنلاندی و روسیه را به خاطر بسپارد.

کونتولا وب از کارکنان موزه ریبینسک در مورد امکان آوردن تابلوی گمشده به نمایشگاهی در فنلاند پرسید. معاون مدیر سرگئی اووسیانیکوف به این ایده واکنش مثبت نشان داد.

- اگر فنلاند بخواهد یک نقاشی برای یک نمایشگاه دریافت کند، ما تمام تلاش خود را برای موفقیت پروژه انجام خواهیم داد.

با این وجود، به گفته اووسیانیکوف، برای سفر احتمالی به فنلاند، این نقاشی باید بازسازی شود.

فرهنگ و هنر میراث و دارایی هر کشوری است. «سرزمین هزار دریاچه» نه تنها بهشت ​​اسکی و ماهیگیری برای مسافران و گردشگران است، بلکه مکانی برای مورخان مختلف هنر و صرفاً خبره های خلاقیت است. هنر در فنلاند بسیار توسعه یافته است، به ویژه نقاشی. بسیاری از گالری‌های هنری، موزه‌ها و نمایشگاه‌ها حتی پیچیده‌ترین خبره‌های هنرهای زیبا را نیز خوشحال خواهند کرد.

هنرمندان کشور سوئومی که در قرن نوزدهم تحصیلات اروپایی را دریافت کردند، به عامل اصلی و محرکی تبدیل شدند که به توسعه هنرهای زیبا در فنلاند انگیزه داد. قبل از شروع آشنایی با نمایندگان نقاشی فنلاند، اجازه دهید با آثار «پدر هنر و نقاشی فنلاند» رابرت اکمن آشنا شویم.

رابرت ویلهلم اکمن

این هنرمند که در سال 1808 متولد شد ، در نقاشی های خود زندگی دهقانان عادی فنلاندی را به تصویر کشید ، تمام سختی های زندگی آنها را به تصویر کشید و توجه جامعه را بر سیاست اجتماعی دولت فنلاند در رابطه با مردم عادی متمرکز کرد. وقتی رابرت 16 ساله بود، برای تحصیل در آکادمی هنر سوئد به استکهلم رفت. به عنوان یک استعداد جوان و درخشان، اکمن برای استعداد خود بورسیه تحصیلی سوئدی دریافت کرد و بعداً حرفه او به عنوان یک هنرمند به این واقعیت کمک کرد که برای تحصیل به ایتالیا و فرانسه و سپس به هلند رفت. در این کشورها، استاد قلم مو هفت سال تمام از سال 1837 تا 1844 را سپری کرد.

رابرت ویلهلم در بازگشت به کشور سوئومی در شهر تورکو ساکن شد و در آنجا شروع به نقاشی کلیسای جامع محلی با نقاشی‌های دیواری و نقاشی‌های خود کرد. پس از آن یک مدرسه طراحی در شهر تأسیس کرد که تا سال 1873 ریاست آن را بر عهده داشت. او به وضوح ورطه ای را که بین اشراف و دهقانان بود ترسیم کرد. نقاشی های این نقاش با رئالیسم منحصر به فرد و اختراع نشده خود همه را شوکه کرد. "پدر نقاشی و هنر فنلاند" در سال 1873 درگذشت.

Akseli Waldemar Gallen Kallela (Gallen-Kallela Akseli)

Akseli Gallen Kallela در شهر کوچک فنلاند Bjorneborg (نام امروزی Pori) در آوریل 1863 متولد شد. مبارز برای استقلال فنلاند، این هنرمند در آثار خود تمام تلاش خود را کرد تا دعوتی از ملت برای مبارزه برای استقلال کشورشان را به تصویر بکشد. مدرنیسم ذاتی در نقاش به اکسل گالن کاللا اجازه داد تا نقاشی های بسیار واقع گرایانه خلق کند. پس از پایان جنگ داخلی فنلاند (1918)، این هنرمند در هرالدریک و طراحی پرچم مشغول شد. در اواسط قرن بیستم، این هنرمند مدتی در ایالات متحده آمریکا زندگی و کار کرد و در آنجا نمایشگاه هایی از آثار خود را با موفقیت برگزار کرد. این نقاش در سال 1931 در استکهلم درگذشت، او بر اثر ذات الریه درگذشت.

اسکار کلینه

مشهورترین نقاش منظره دریایی فنلاند در سپتامبر 1846 در پایتخت فنلاند متولد شد. ریشه های آلمانی اسکار "به کمک آمد" که به او اجازه داد در آلمان، یعنی در دوسلدورف، تحصیل کند. بعدها، کلاینک تحصیلات خود را در سن پترزبورگ و کارلسروهه ادامه داد. بیشترین محبوبیت این نقاش دریایی توسط نقاشی هایی حاصل شد که طبیعت و مناظر بی جان دریا را به تصویر می کشد، آثار یک نویسنده حتی در هرمیتاژ سن پترزبورگ به نمایش گذاشته شده است. این هنرمند در سال 1919 در شهر زادگاهش هلسینکی درگذشت.

آلبرت گوستاو آریستید ادلفلت (1854-1905)

آلبرت ادلفلت در سال 1854 در فنلاند در نزدیکی پوروو متولد شد. پدرش معمار بود. او از پدرش به موسیقی و طراحی علاقه داشت. با این حال ، مادر نزدیکترین فرد به هنرمند آینده بود. آلبرت ادلفلت از بسیاری جهات مخلوق مادر جاه طلب خود بود.

پرتره مادر هنرمند. 1883

این پسر اولین درس های نقاشی خود را در مدرسه انجمن هنر فنلاند در هلسینکی دریافت کرد. او که تصمیم می گیرد خود را وقف نقاشی کند، وارد آکادمی هنرهای زیبا در آنتورپ می شود، اما یک سال بعد به پاریس نقل مکان می کند و در آنجا از L. Jerome درس می گیرد.

نماینده رئالیست تأثیر امپرسیونیسم را تجربه کرد. نویسنده بوم های تاریخی، نقاشی هایی از زندگی عامیانه، مناظر، پرتره ها، که با آزادی و بیان فرم هنری، انتقال ظریف محیط نور-هوا، روشنایی جشن رنگ مشخص شده است.

پیش از این در سن بیست و سه سالگی، ادلفلت به برجسته ترین چهره در نقاشی فنلاند تبدیل شد و مبارزه نسل جوان هنرمندان برای رئالیسم و ​​کار از طبیعت را رهبری کرد. آلبرت در ابتدا قصد داشت نقاش تاریخ شود. از او نقاشی های میهنی انتظار می رفت. مشهورترین نقاشی این پلان، هتک حرمت بقایای سی فلمینگ (1878) اثر دوک کارل بود. این داستان مبارزه برای قدرت در فنلاند را برجسته می کند که در پایان قرن شانزدهم رخ داد.

هتک حرمت دوک چارلز بر بقایای ک. فلمینگ. 1878

بازی شگفت انگیز رنگ ها و طراوت جوانی نقاشی "ملکه بلانکا با یک کودک" (1877) را به خود جذب می کند.

اما به تدریج زندگی زنده سرزمین مادری او را بیش از پیش جذب می کند. آثار بعدی این نقاش قبلاً به سبک تصویری واقع گرایانه از زندگی عامیانه ایجاد شده است. آلبرت در خانه بیش از یک بار با ماهیگیران به دریای آزاد سفر کرد و سپس در استودیو در هایکو به طور ویژه یک قایق ماهیگیری اره شده را برای اجرای دقیق جزئیات راه اندازی کرد. موفقیت نقاشی "تدفین یک کودک" (1879) و همچنین موفقیت واقعی نقاشی "در دریا" (1883)، ادلفلت را به استاد شناخته شده ای در سرزمین خود تبدیل کرد.

تشییع جنازه یک کودک. 1879

روی دریا. 1883

شهرت A. Edelfelt به عنوان یک هنرمند ملی بیشتر توسط نقاشی های او از زندگی مردم عادی در فنلاند تأیید شد: "پسران در کنار آب" (1884)، "دختری با چنگک" (1886)، "زنان از Ruoholahti" ( 1887).

منتقد روسی V.V. استاسوف نوشت: "البته بهترین فنلاندی آنها ادلفلت است، و او چشمگیرترین عکس لباسشویی (1889) را دارد که سرشار از رئالیسم و ​​زندگی سالم و تازه است. این تصویر در روسیه باقی مانده است و از سال 1930 در ارمیتاژ بوده است.

خانم های لباسشویی 1889

توجه مخاطب را همیشه نقاشی واقعاً «روح پاریسی» «در باغ‌های لوکزامبورگ» (1887) جلب می‌کند. A. Edelfelt در کارهای plein air این سالها به مشکلات نور و رنگ توجه زیادی دارد.

در باغ های لوکزامبورگ 1887

ادلفلت پس از سفر به اروپا، برای مدت طولانی در سن پترزبورگ توقف کرد. او اولین بار در سال 1881 به سن پترزبورگ آمد. هنرمندان و جامعه روسی با اشتیاق از A.Edelfelt استقبال کردند.در سال 1881 نقاش جوان فنلاندی آثار خود را به دربار آکادمی سنت پترزبورگ ارائه کرد. او موفقیت بزرگی داشت: عنوان آکادمیک به او اعطا شد و یک نمایشگاه انفرادی در Tsarskoye Selo ترتیب داد. ادلفلت به خانواده سلطنتی معرفی شد. به درخواست تزار الکساندر سوم، او یک کپی از نقاشی "روی دریا" ساخت و تعدادی کار سفارشی ساخت. در همان دوره، این هنرمند چندین پرتره ژانر ایجاد می کند که محبوب ترین آنها پرتره خواهر هنرمند برتا با یک سگ در خانه ای در هایکو بود.

دوستان خوب. 1881

تحت عنوان "دوستان خوب" (1881)، نسخه هایی از این نقاشی در آتنئوم و در گوتنبرگ نگهداری می شود. تابلوی "در مهد کودک" (1885) با شخصیت نزدیک، توسط الکساندر سوم برای کاخ گاچینا خریداری شد. آتنیوم همچنین پرتره ای از سوفی منزی را که در این سال ها خلق شده است به نمایش می گذارد.

پرتره سوفی منزی.

به لطف محبوبیت و اقتدار A. Edelfelt، هنر فنلاند در روسیه به رسمیت شناخته شد. در سن پترزبورگ، ادلفلت با چهره‌های جوان هنر جدید روسیه، سرگئی دیاگیلف و الکساندر بنویس ملاقات کرد: بنویس بعداً نوشت: "ما به معنای واقعی کلمه به ادلفلت آویزان شدیم، در چشمان ما سر او با هاله ای از شناخت پاریس احاطه شده بود." نزدیکی هنرمندان فنلاندی و روسی با چندین نمایشگاه مشترک مشخص شد. بزرگترین آنها در سال 1898 در موزه مدرسه بارون استیگلیتز بود. آثار هنرمندان جوان در آن زمان در آنجا ارائه شد: سرووف، رپین، وروبل - از روسی. و M. Enkel، Gallen-Kallela، Yarnefeld - از طرف فنلاند. این نمایشگاه علاقه زیادی به فرهنگ فنلاند و خود فنلاند در بین عموم مردم روسیه برانگیخت.

اما شکل اصلی خلاقیت A. Edelfelt در سال های بلوغ، نقاشی پرتره بود. ادلفلت به طور گسترده و با موفقیت در ژانر پرتره کار کرد. پدر مورد دستور دولت فرانسه نوشتپرتره لویی پاستور (1885). در دهه های 1880 و 1890، ادلفلت به طور گسترده به دستور دربار سلطنتی روسیه کار کرد. اما علاوه بر پرتره های رسمی، او خلاقیت های زیبایی خلق کرد: "پرتره مادر"، "داستان نویس لارین پاراسکه"، پرتره هایی از هنرپیشه های بزرگ فنلاندی آینه آکته و ایدا آلبرگ.

منظره فضای نسبتا کمی را در آثار ادلفلت اشغال می کند. با این حال، هرمیتاژ آثار خود را دارد: "منظره پوروو"، آبرنگ "منظره دریاچه در کائوکولا"، حکاکی "درخت کاج در برف". ارمیتاژ همچنین دارای تعدادی طراحی و تصویر از استاد برجسته فنلاندی است.

طرحی از کار ادلفلت بدون ذکر آخرین اثر او ناقص خواهد بود: در سالهای 1900-1904، این هنرمند مشغول ایجاد تابلوی یادبود در سالن اجتماعات دانشگاه هلسینکی بود با موضوع: "گشایش بزرگ دانشگاه در تورکو در سال 1640 " این ترکیب در قالب یک راهپیمایی رژه در لباس های قرن هفدهم ساخته شد.

افتتاحیه بزرگ دانشگاه در تورکو در سال 1640 1902 (قابل کلیک)

آلبرت ادلفلت در اوت 1905 به طور ناگهانی در خانه ای در نزدیکی پوروو درگذشت. این ضربه ای به هنر فنلاند بود. اما نقاشی های او نیز برای ما جالب و قابل درک است، زیرا به هم عصرانش نزدیک بود.

ولادیمیر لوسف

زن جوان در بودوار. 1879

در شانزلیزه. 1886

پرتره خواهر هنرمند برتا ادلفلت. 1884

پرتره مادر هنرمند. 1902

زن زیر چتر 1886

فرزندان تزار الکساندر سوم

مدل پاریسی. 1885

مریم مجدلیه. 1891

وای 1894

ماهیگیران فنلاندی 1898

مسیح و مریم مجدلیه. 1890

پرتره لویی پاستور. 1885

پسرانی که در ساحل بازی می کنند. 1884

قایق کوچک. 1884

زنی در قایق 1886

همسایه ها بعد از مراسم عشای ربانی در کنار کلیسا نشسته اند. 1887

زنان کارلیایی 1887

دختر در حال بافتن جوراب 1886

توت فرنگی.

زن متفکر در کلیسا. 1893

Solveig

عبادت در مجمع الجزایر Uusimaa.

بازگشت از تعمید

پرتره یک زن جوان. 1891

خواندن پاریسی. 1880

پرتره مادام والری رادو. 1888

در سال 1933 در هلسینکی تاسیس شد. در ابتدا، 23 هنرمند با تخصص های مختلف را تا پایان دهه 1930 متحد کرد - حدود 45 نفر. اولین رئیس انجمن معمار و هنرمند داخلی L. E. Kurpatov بود، از سال 1934 این پست توسط E. A. Buman-Kolomiytseva اشغال شد، از سال 1935 - بارون R. A. Shtakelberg (در سال 1936 به عنوان عضو افتخاری انتخاب شد)، از سال 1936 - V. P. Shchepansky. انجمن میزبان نمایشگاه های سالانه آثار اعضای خود (با جوایز نقدی) و توپ های خیریه سالانه (معمولاً در هتل گراند) بود. صندوق منافع متقابل وجود داشت، شب های دوستانه برگزار شد و گزارش های عمومی در مورد هنر قرائت شد. از جمله گزارش هایی که در سال های مختلف خوانده شده است: "تئاتر روسی در 25 سال گذشته" اثر S. M. Veselov (1935)، "نقاشان منظره روسی" اثر V. P. Shchepansky (1936؛ تقدیم به یاد هنرمند M. A. Fedorova)، "فرهنگ در خانه". L. E. Kurpatova (1936) و دیگران. انجمن در سازماندهی روز سالانه فرهنگ روسیه شرکت کرد که در روز تولد A. S. Pushkin و در سال 1937 - در رویدادهای مربوط به صدمین سالگرد مرگ شاعر جشن گرفته شد. در سال 1934 تصمیم گرفته شد که یک کارگاه هنری سازماندهی شود و در تابستان به طور مشترک یک کلبه تابستانی برای کار بر روی طرح ها اجاره شود.

در نمایشگاه های انجمن حضور داشتند: M. Akutina-Shuvalova، N. P. Bely، A. P. Blaznov، N. Blinov، E. A. Buman-Kolomiytseva، P. Varlachev، V. A. Veiner، S. M. Veselov، V. I. Voutilainen-، H. V. Dippel. Shmakov، S. Dobrovolsky، P. S. Zakharov، S. G. Irmanova، I. M. Karpinsky، I. Krasnostovsky، L. Kratz، L. L. Kuzmin، N. G. Kuzmina، I. Kurkiranta، L. E. Kurpatov، O. Kurpatova، T. Kurto، A. Linden پی. لوماکین، بارونس ام. بی. میدل، ام. میلووا، ام. ام. فون مینگین، وی. میتینین، م.ن. Nemilova، M. Pets-Blaznova، L. Platan، G. Presas، Yu. I. Repin، V. I. Repina، M. Romanov، S. Rumbin، V. P. Semenov-Tyan-Shansky، M. A. Fedorova، T. Schwank، V. Shermanova -براون، M. N. Shilkin، A. L. von Schultz، G. Schumacher، M. N. Shchepanskaya، V. P. Shchepansky.

با شروع خصومت ها علیه فنلاند در سال 1939، فعالیت های جامعه متوقف شد و تنها پس از جنگ فعال تر شد. در سال 1945 انجمن به اتحادیه هنرمندان روسی در فنلاند به ریاست I.M. Karpinsky تبدیل شد. سال بعد، این سازمان به عضویت جمعی اتحادیه فرهنگی دموکراتیک روسیه درآمد و در سال 1947 اولین نمایشگاه آن در سالن هنری هارهامر برگزار شد.