دایره المعارف مدرسه. نقاشی شوروی - تاریخ هنر مدرن نقاشی های دهه 30

اینها اصلاً کار عکاسان حرفه ای نیست که بتوان آنها را به یک طرفه بودن متهم کرد. اینها عکس هایی از آلبوم های خصوصی هستند - زندگی واقعی که مردم عادی شوروی در دهه 20 تا 50 زندگی می کردند.
البته نمی توان آنها را با سطح کار عکاسان حرفه ای مقایسه کرد، بیشتر آنها توسط آماتورها ساخته شده اند. اما آنها زندگی را همانطور که دیدند منعکس می کنند، آن مردم و تا حدی توانستند آن را در عکس های خانوادگی نجات دهند ...
پشت صحنه چیزهای زیادی باقی مانده است. مثلاً برنامه های آموزشی که در آن 80 درصد از جمعیت بی سواد کشور خواندن و نوشتن آموزش داده می شد - دهقانان آن سال ها دوربین را از کجا می آوردند؟ اما این نیست. نگاه کنید که مردم شوروی آن سالها را احاطه کرده است، لباس ها، چهره هایی که زمان آنها را منعکس می کند. گاهی آنها بهتر از هر مورخ، مبلغ و تحلیلگر از زمان خود صحبت می کنند.

بچه های اواسط دهه 20
کتاب های درسی مدرسه - برای اولین بار در زندگی من. آموزش برای همه برای اولین بار در جهان توسط قدرت شوروی داده شد.


1926 Cherepovets. جشن اول اردیبهشت
کودکان بی خانمان در کنار تریبون - عواقب جنگ داخلی. بی خانمانی تنها تا آغاز دهه 30 از بین خواهد رفت.


1928 منطقه کراسنویارسک کنگره کارگران حزب.
ببینید کارگران حزب چگونه لباس می پوشند - درست مثل افراد عادی در آن سال ها.
در دهه 1920، همه کت و شلوار نداشتند. و کارگران حزب 2 تونیک، یا حتی یکی، در کمد لباس معمول خود داشتند.


جشن خانوادگی، 20-30

عکس یک زن. 1930 مسکو


گروه افراد 1930. مکان نامعلوم


شورای روستا دهه 30 منطقه Pavlo-Posadsky، منطقه مسکو


ماشین چوب سوز (!) مسافت پیموده شده ماشین 1931
طراحان مشتاق دهه 30. در آن زمان، نفت در اتحاد جماهیر شوروی خیلی خوب نبود - تقریباً تمام ذخایر اکتشاف شده در قفقاز متمرکز بود. میادین نفتی تاتاریا و سیبری تنها در دهه های 1940 و 1950 کشف شدند، زمانی که پایگاهی برای بررسی های زمین شناسی ایجاد شد. قبل از این، کشور به شدت کمبود زمین شناس، تجهیزات، مهندس، حمل و نقل ... عملاً هیچ چیز وجود نداشت. همه اینها در دهه 30 ایجاد شد.


1931 بهترین تیم در ساخت کارخانه آهن و فولاد کوزنتسک، نووکوزنتسک.
شالوده صنایع سنگین در حال پی ریزی است.
به چهره این افراد نگاه کنید. آنها بدون اینکه از خود دریغ کنند، برای فرزندان خود، برای ما، کارخانه ها و شهرها ساختند. 10 سال دیگر، آنها از کاری که در وحشتناک ترین جنگ تاریخ بشر انجام داده اند دفاع می کنند و می میرند تا ما بتوانیم زندگی کنیم. و ما اجازه دادیم که همه آن دزدیده و نابود شود. آیا می توانیم در چشمان آنها نگاه کنیم؟


یک خانواده. لنینگراد 1930-31
روشنفکران و متخصصان در آن سالها درآمد بسیار خوبی داشتند.


روی آب استراحت کنید. منطقه کیروف 1932 - 1936


18 آوریل 1934. «تیپ کار». Neverovsko-Sloboda artel کشاورزی "عهد لنین" S.Neverovo-Sloboda Ver.Landeh. منطقه شویسک env
کارگران کشاورزی در یک استان دورافتاده سیبری. آرتل یک سازمان غیردولتی و تعاونی از کارآفرینان متحد است که خود با دولت و سایر تعاونی ها قراردادهایی منعقد کرده و مالیات پرداخت کرده اند و غیره.
جنبش تعاونی در اتحاد جماهیر شوروی استالینیستی بسیار توسعه یافت. علاوه بر مزارع جمعی که سازمان های تعاونی بودند، در آن زمان بیش از 114000 کارگاه صنعتی وجود داشت که حدود 2 میلیون نفر را در آن مشغول به کار بودند. آنها تقریباً 6٪ از تولید ناخالص صنعتی اتحاد جماهیر شوروی را در ترکیب آن تولید کردند: 40٪ از کل مبلمان کشور، 70٪ از تمام ظروف فلزی، 35٪ از لباس بافتنی، تقریبا 100٪ از اسباب بازی ها.
در آرتل های تعاونی روستایی، کارگران (اعم از کشاورزان جمعی و کشاورزان انفرادی) معمولاً به صورت پاره وقت مشغول به کار بودند. آنها در دهه 30 تا 30 میلیون نفر را شامل می شدند.
جنبش تعاونی در اتحاد جماهیر شوروی توسط خروشچف همزمان با آشکار شدن هیستری ضد استالینیستی نابود شد.

1934 سفر کمپینگ در امتداد بزرگراه نظامی گرجستان
آیا می توانید کارگری را در روسیه تزاری تصور کنید که با هزینه دولت به پیاده روی رفته باشد؟ همانطور که G. Wells گفت، این تنها کشور در جهان است که موسیقی کلاسیک برای کارگران پخش می شود.

"پس از حمام کردن" اواسط دهه 30.
"مردم شوروی را مرعوب کرد. » © ببینید آیا ترس در این چهره ها وجود دارد؟ در هر یک از عکس ها چهره های باز، خوش بین و روشن.


کشاورزان دسته جمعی منطقه کیروف بین سالهای 1932 و 1936
کشاورزان جمعی شوروی در مزرعه یونجه.


منطقه کولومنا اواسط دهه 30


1935، منطقه اوریول، خانه استراحت بوگدانوفسکی.
کل کشور درگیر ورزش بود. اینها دختران معمولی شوروی هستند، اصلاً یک تیم ژیمناستیک نیستند. سعی کنید کارهایی که انجام می دهند را تکرار کنید.

دانشجویان یک کالج آموزشی، 1935، منطقه کیروف
یونیفورم توسط دولت شوروی به دانش آموزان داده شد. این کشوری است که چندین سال پیش کفش های ضخیم می پوشید و نمی توانست بخواند و بنویسد.


مردان جوان دهه 30، منطقه کیروف.
نشان ها - استانداردهای TRP (آماده برای کار و دفاع) و GTSO (همان، اما بهداشتی) را گذرانده اند. در آن سال ها دریافت چنین نشانی برای پسری که به خود احترام می گذاشت کاملاً ضروری بود. یک شخص با ویژگی های شخصی ارزش گذاری می شد و نه با کیف پول و ارتباطات والدین. کسانی که از ارتباطات استفاده می کردند تحقیر می شدند.
چنین افرادی ظرف چند سال در جنگ پیروز خواهند شد، تقریباً از ابتدا یک قدرت جهانی می سازند، مردی را به فضا پرتاب می کنند.
به چهره جمع شده، با اراده و بالغ این پسرها توجه کنید - آنها حدود 16 سال دارند. و آنها را با نمونه های فعلی مقایسه کنید.


بازی "نیمکت پیشگام". اردوگاه پیشگامان 1937
تقریباً رایگان، هر کودک می‌توانست برای کل تابستان به یک کمپ پیشگام برود، جایی که در آنجا بزرگ شده، آموزش دیده و آموزش داده شود. در کشورهای غربی این امر هنوز قابل تصور نیست. و این از دهه 30 رایج بوده است.


ماشین برفی روی یخ ولگا در نزدیکی پل کانودینسکی. اواسط دهه 30
فناوری پیشرفته آن سال ها. آنها نقش مهمی در توسعه فن آوری های هوانوردی ایفا کردند و به طور گسترده در توسعه شمال، فنلاند و جنگ های جهانی مورد استفاده قرار گرفتند.

ورا ولوشینا، 1 اکتبر 1941. دو ماه بعد، در 29 نوامبر، این دختر فوق العاده زیبا خواهد مرد.
مجسمه هشت متری دختر با پارو توسط مجسمه ساز فوق العاده ایوان شادر (ایوانوف)، مدل آن ورزشکار فوق العاده شوروی ورا ولوشینا بود که در نوامبر 1941 در جریان یک عملیات خرابکارانه در پشت خطوط دشمن ناپدید شد.
یک ماه قبل از مرگ او، این مجسمه توسط یک بمب آلمانی از بین رفت. تنها یک ربع قرن بعد، جزئیات مرگ او مشخص شد - او هنگام بازگشت از مأموریت به شدت مجروح شد، توسط آلمانی ها اسیر شد و پس از شکنجه های طولانی، در جنگل به دار آویخته شد. این اتفاق در 10 کیلومتری محل مرگ زویا کوسمودمیانسکایا در همان روز رخ داد. ورا ولوشینا، که همان شاهکار را انجام داد، سازماندهی گروه شناسایی و خرابکاری کومسومول بود که شامل زویا بود.
ورا همچنین یک چترباز عالی بود و مجسمه ساز به طور نیمه شوخی گفت که او را به طور خاص قرار داده است تا به برج چتر نجات نگاه کند.


دانشجویان زمین شناسی 1937


موضوع عکس از روی کتیبه بالا مشخص است. توجه کنید - تقریباً همه مردان جوان نشان TRP دارند. عضو دیستروفیک کمسومول بودن به سادگی وحشیانه بود. اعضای کومسومول و کمونیست ها می توانستند سلاح های شخصی داشته باشند.


خانواده معمولی مسکو 1939-1940


1939 خاکاسیا. دهکده
دوچرخه در سرزمین شوروی عادی شد - تقریباً همه و فرزندانشان می توانستند آن را بخرند. مثلاً در غرب در آن سال ها همه توان خرید دوچرخه را نداشتند. برنامه پنج ساله کالاهای مصرفی آغاز شد و با موفقیت استثنایی اجرا شد. سطح زندگی مردم شوروی از سال 1939 ... تا 22 ژوئن 1941 به سرعت رشد کرد.

1942، دو ماه دیگر در نبردهای نزدیک ویازما خواهد مرد.

در ویرانه های خانه بومی 1942. منطقه مسکو.


سوگند - دشنام. 1944


1947 مدرسه روستایی در منطقه Vologda.
در عکس‌های سال‌های اول پس از جنگ، حتی در چهره کودکان نیز آثاری از استرس شدید و زندگی سخت نمایان است. آثار جنگ حتی در اوایل دهه 50 بر روی چهره انسان ها قابل مشاهده است و سپس به تدریج ناپدید می شوند و چهره کودکان 10 ساله دیگر بزرگسالان بی کودکی نیست.
تقریباً همه آنها یکی از افراد نزدیک خود را از دست دادند یا به شدت مجروح کردند، اگر نه از خانواده، از دوستان، خانواده ها، همکلاسی های خود. بسیاری از مادران آنها بیوه بودند.


پسران کشور 1947


4 کلاس "A"، اواخر اکتبر 1948، روستایی در نزدیکی اسمولنسک.


"ترینیتی، 1949". منطقه کیروف
در 20 سال گذشته، "همه می دانند" که مناسک مذهبی در اتحاد جماهیر شوروی اکیدا ممنوع بود و ترور به ویژه در زمان استالین وحشیانه بود. همانطور که ما مطمئن هستیم: یک صلیب روی قبر بگذارید، یک درخت کریسمس را بپوشید - و در یک ستون به سمت کولیما حرکت کنید. و اینجوری شد


کلاس 1950. یکی از مدارس مسکو.


"تفریح ​​در فضای باز" - اواخر دهه 40 - اوایل دهه 50


پشت میز در موسسه. 1949، منطقه کیروف


تعطیلات انقلاب اکتبر. اوایل دهه 50


چاپ روزنامه محلی. اخبار را بشنوید. منطقه ولادیمیر، آغاز دهه 50


ساکنان کاوناس 1950


دانشجو، دهه 50

مرد جوان اوفا، 1953.


دهکده پسران، vil. چوپاخینو، منطقه اوریول 1953
به نوعی آنها در تلویزیون گفتند که "زیپ" فقط در دهه 60 در اتحاد جماهیر شوروی ظاهر شد ، در کالاهای مصرفی بسیار عقب تر از "کشورهای متمدن" بود. این به این معنی بود که "اگر نمی توانیم رعد و برق بسازیم چرا به فضا نیاز داریم." ظاهراً مرد سمت چپ تصویر پوست مرده آمریکایی را کنده است.


1954. آماده برای کار و دفاع. گذراندن استانداردهای GTO

"نادیا" - اواسط دهه 50، مسکو
چهره آنها دیگر منعکس کننده جنگ نیست، آنها بی خیال و شیطون می شوند. کودکانی که در دهه 50 پس از سال های جنگ گرسنه سعی کردند بهتر "چاق شوند".

ریگا-50.

در خط تیره انجمن دینامو 1955


در آپارتمان نوساز پرسنل کارخانه "اکتبر سرخ" Shubin A.I. مسکو، توشینو، 1956


پسران، کلومنا، 1958.


کیسلوودسک مراسم نوشیدن آب معدنی. 1957 نویسنده - جواد باقروف


آپارتمان کیف 1957

باکو، خسته راه برو. 1959 نویسنده - جواد باقروف


دستگاه فروش عطر و ادکلن. دهه 50
از دهه 50، امکان "پف کردن" خود با عطر یا ادکلن در فروشگاه های بزرگ وجود داشت. قبل از "اصلاحات خروشچف" 15 کوپک هزینه داشت.

نمایشگاه "هنرمندان مسکو. دهه 20-30» که توسط سازمان مسکو اتحادیه هنرمندان RSFSR و اتحادیه هنرمندان اتحاد جماهیر شوروی سوسیالیستی سازماندهی شده است، تصویری از زندگی هنری مسکو در دو دهه اول پس از انقلاب را به بیننده ارائه می دهد.

در این نمایشگاه نقاشی ها، طراحی ها، مجسمه هایی از مجموعه های قدیمی ترین هنرمندان مسکو، وارثان و مجموعه داران آنها به نمایش گذاشته می شود.

دوران بازاندیشی عمیق ما در تاریخ کشور، فرهنگ و هنر آن مستلزم مطالعه گذشته بدون قید و بند و کلیشه و تنها با هدف شناخت حقیقت است. این نمایشگاه چنین فرصتی را فراهم می کند و طیف گسترده ای از ایده های تصویری و پلاستیکی، انواع جهت های خلاقانه را نشان می دهد. آثار هنرمندان درخشان و اصیل را معرفی می کند که برای مدت طولانی برای عموم مردم و حتی گاهی برای متخصصان ناشناخته بودند. آثار M. B. Verigo، L. N. Agalakova، M. F. Shemyakin، M. V. Lomakina، D. E. Gurevich، N. I. Prokoshev و بسیاری از هنرمندان فراموش شده دیگر در نمایشگاه جایگاه شایسته ای را در کنار آثار نقاشان، گرافیست ها، مجسمه سازان مشهور به خود اختصاص داده اند.

این نمایشگاه مطالعه هنر مسکو را ادامه می دهد و با نمایشگاه هایی که به 30 و 50 سالگی اتحادیه هنرمندان مسکو RSFSR اختصاص داده شده است، آغاز شده است.

علاقه به آوانگارد روسی که در سال های اخیر بیدار شده است، منجر به نمایشگاه های بنیادی گسترده و نمایشگاه های انفرادی اساتید برجسته شده است. این نمایشگاه در موضوعات بسیاری با این موضوع مرتبط است و باید با پس‌زمینه نمایش‌های مختلف که هنر سال‌های اول پس از انقلاب را برجسته می‌کنند، درک شود.

مسکو قرن ها مرکز فرهنگی و معنوی این کشور بوده است. او نه تنها حافظ سنت ها، بلکه زادگاه جدیدترین ایده ها در هنر اوایل قرن بیستم است که با شورش درخشان و جسورانه جک الماس، با کار خالقان آخرین روندها در ارتباط است. کوبو- فوتوریسم، سوپرماتیسم، رایونیسم. در مسکو در دهه 1920، یک پیرزن مو خاکستری هنوز زندگی می کرد که در معماری، شیوه زندگی عامیانه حفظ شده بود. و در همان زمان، اینجا بود که S. I. Shchukin و I. A. Morozov اولین مجموعه های کشور از آخرین نقاشی اروپایی را جمع آوری کردند. در مسکو، مهم ترین مسائل فرهنگ و هنر عصر به شکل متمرکز خاصی تجلی یافت و در عین حال، متنوع ترین پدیده ها طعم مسکوی عجیبی پیدا کردند. هر آنچه در مسکو اتفاق افتاد در هنر کل کشور منعکس شد. مسکو به عنوان یک مرکز هنری با تمام منحصر به فرد بودن و منحصر به فرد بودنش، هنوز به اندازه کافی مورد مطالعه قرار نگرفته است.

ما در مورد بسیاری از رویدادهای مهم آن سالها که به طور مستقیم یا غیرمستقیم بر فرهنگ و هنر تأثیر گذاشته اند، اطلاعات کاملی نداریم و در واقع در ابتدای خلقت تاریخ هنر شوروی هستیم، زمانی که هنوز چیزهای زیادی برای جمع آوری و کشف وجود دارد. . و مطالعه هنر مسکو ضروری است، و این باید فوراً انجام شود، نه تنها برای معاصران، بلکه به خاطر نسل های آینده، که ما را به خاطر غفلت از میراث گرانبهایی که هنوز در دستان ماست نخواهند بخشید. زمان ناگسستنی است، آثار دوران پیشین را محو می کند، آثار هنری را ویران می کند، آثار هنرمندان را در مجموعه های خصوصی و گاه ناشناخته پراکنده می کند و حتی اگر به موزه های کشور برود، دسترسی به آن ها سخت می شود. با گذشت زمان، بازسازی تصویری کامل از زندگی هنری مسکو، بازیابی پتانسیل خلاقانه منحصر به فرد آن، که در آغاز قرن بیستم متولد شد، در دهه 1920 رشد کرد و به تدریج محو شد، دشوارتر خواهد شد. هنوز در دهه 1930 وجود داشت.

طبیعتاً، چنین موضوع عظیم و تقریباً بی حد و حصری مانند زندگی هنری مسکو را نمی توان با یک نمایشگاه به پایان رساند، به خصوص که فقط کمی بیش از دو دهه را در بر می گیرد. برخی از پدیده ها به طور کامل نشان داده می شوند، برخی دیگر فقط به صورت تکه ای. سرنوشت خود هنرمندان و آثارشان یکی نبود. میراث برخی با دقت حفظ شد، میراثی که دیگران ایجاد کردند فقط در آثار پراکنده فرود آمد و گاه یکی دو مورد که تصادفاً در سرنوشت دشوار هنرمند جان سالم به در بردند. مروری بر زندگی هنری مسکو، که برای معرفی یک نمایشگاه بزرگ و چند وجهی ضروری است، ادعا نمی کند که جامع باشد. او فقط نقاط عطف اصلی را ترسیم می کند و پدیده هایی را برجسته می کند که قابل توجه و مشخصه مسکو هستند.

یکی از اولین اقدامات هنرمندان مسکو پس از انقلاب، مشارکت در نجات آثار هنری و آثار باستانی بود. این اثر استادان گروه ها و گرایش های مختلف را جمع کرد. آنها در حفاظت از کرملین شرکت کردند، جایی که ارزش های عظیم دولتی و هنری در طول جنگ جهانی اول (مجموعه هرمیتاژ، ذخایر طلا و غیره) متمرکز بود. آنها درگیر ثبت ارزش های هنری و تاریخی متعلق به افراد خصوصی بودند، آثار هنری دوره های مختلف را جستجو و به انبارهای دولتی منتقل کردند، آرشیوهایی که ممکن بود از بین بروند. کار نیاز به فداکاری داشت، زمان و تلاش زیادی را صرف کرد و گاهی اوقات با خطری برای زندگی همراه بود. شخصیت های فرهنگی و روشنفکران مسکو فعالیت و شهروندی زیادی از خود نشان دادند.

در پایان سال 1917، به منظور حفظ میراث، ایده ایجاد آکروپلیس هنر روسی در کرملین به منظور جمع آوری کتابخانه ها، موزه ها، آرشیوها در پشت دیوارهای آن مطرح شد. این ایده به گرمی مورد حمایت مردم مسکو قرار گرفت. اما حرکت دولت در مارس 1918 از پتروگراد به مسکو و تبدیل کرملین به اقامتگاه دولتی اجازه تحقق این ایده را نداد.

به ابتکار شخصیت های فرهنگی و آموزشی در اولین سال های پس از انقلاب، موزه های موسوم به پرولتاریا در مسکو ایجاد شد که بسیاری از آنها در حومه شهر قرار داشتند. آنها گاهی اوقات بر اساس کل مجموعه های هنری ملی شده بودند، به عنوان مثال، موزه A.V. Lunacharsky در عمارت کلکسیونر I.S. افتتاح شد. مجموعه‌های موزه‌های دیگر که از مجموعه‌های مختلف و نمایشگاه‌های پراکنده تشکیل شده بودند، از نظر کیفیت بسیار متفاوت بودند. به گفته برگزارکنندگان، چنین موزه هایی قرار بود فرهنگ را به توده ها بیاورند تا آنها را با هنر آشنا کنند. این وظایف ارتباط نزدیکی با ایده‌های تحول عمیق فرهنگی و هنری جامعه داشت که در آن زمان بسیار مرتبط بود. در سال 1919 در مسکو، به ابتکار هنرمندان، اولین موزه فرهنگ نقاشی کشور ایجاد شد. آنها خودشان فهرستی تهیه کردند که بر اساس آن دولت آثار هنرمندان روسی از تمام گرایشات چپ را در آغاز قرن به دست آورد. در آینده برنامه ریزی شده بود که نمایشگاه توسعه یابد و مجموعه با آثار همه زمان ها و مردم تکمیل شود. این موزه تا پایان دهه 1920 وجود داشت و یک مدرسه مهم برای هنرمندان، یک باشگاه مناظره، یک آزمایشگاه تحقیقاتی و خلاق بود. بسیاری از موزه‌های دیگر در مسکو به حیات خود ادامه دادند - عمومی و خصوصی، باز برای همه بازدیدکنندگان، با نمایشگاه‌های مختلف، از هنر باستانی روسیه تا نقاشی مدرن غربی.

یکی از صفحات درخشان و اولیه هنر شوروی و همچنین زندگی هنری مسکو، مشارکت هنرمندان در تبلیغات و هنرهای توده ای، ایجاد پوستر انقلابی، طراحی شهرها برای جشن ها بود. استادان تقریباً همه جهات در این کار نقش داشتند. این آثار شکننده و کوتاه مدت از دیرباز در اختیار آرشیوها، موزه ها و کتابخانه ها بوده است. فقط تعداد کمی از آنها در نمایشگاه نشان داده شده است، اما حتی آنها ایده ای از این حوزه فعالیت هنرمندان ارائه می دهند (پوسترهای V. A. و G. A. Stenberg، G. G. Klutsis، طراحی های هنرمندان مختلف).

زندگی هنری مسکو به دلیل اصالت، تنوع ایده‌ها و تنوع جسارت مدیون دوران پیش از انقلاب است. در سال‌های اول قدرت شوروی، گویی با انگیزه‌های دوران قبل به جلو حرکت کرد و همه آنچه را که از انقلاب معنوی اوایل قرن بیستم متولد شد، در خاکی جدید تکمیل کرد.

نیاز به اتحاد یک روند زمان بود و نه تنها در هنرمندان روسی، بلکه در هنرمندان اروپایی نیز ذاتی است. آنها گروه هایی از افراد همفکر را ایجاد کردند تا به طور مشترک برنامه های خلاقانه را تدوین کنند، نمایشگاه ها را سازماندهی کنند، از ایده های خود در بحث های داغ دفاع کنند.

در مسکو، از سال 1917 تا 1932، بیش از 60 انجمن با ماهیت، ترکیب و دوام متفاوت وجود داشت. برخی از آنها در دوره قبل از انقلاب به وجود آمدند، بعدها در شرایط یک جامعه جدید، بر اساس ایده های جدید شکل گرفتند. اما مهمتر از همه، همه چیز در فضای زندگی هنری مسکو جا افتاد، جای خود را پیدا کرد و چند صدایی خاص آن را مشخص کرد.

مبارزه ایده ها در هنر پیچیده و چند بعدی بود. از یک سو، تقابل رئالیست ها و هنرمندان آوانگارد ادامه یافت و رئالیسم را به عنوان تنها جریان واقعی انکار می کرد. با ادای احترام به استادان بزرگ ادوار گذشته، آنها در کار خود به دنبال راه های جدیدی در هنر، همسو با دوران بودند.

ورود به عرصه زندگی سازان، کارگران تولید و سازه گرایی که به دنبال دگرگونی جهان بودند، سایه جدیدی به مبارزه و تغییر تأکید داد. با شروع از ساخت و ساز در هنر، آنها آرزو داشتند که نه تنها به ساخت شهرهای جدید، پوشاک، مبلمان، بلکه حتی شیوه زندگی یک فرد ادامه دهند. ایده های آنها آرمان شهر بود. زندگی به آنها فرصت تحقق نداد. کارگران تولید و سازه گرایان حق وجود هنر سه پایه را هم در جامعه مدرن و هم در دنیای آینده ای که تصور می کردند انکار می کردند. در دفاع از او نه تنها حامیان رئالیسم، بلکه هنرمندان آوانگارد تشکیلات مختلف نیز حضور داشتند. A. V. Shevchenko در بحث با مخالفان هنر سه پایه وظایف خود را به طور واضح و مختصر بیان کرد: "اکنون است که نقاشی سه پایه می تواند بیش از هر زمان دیگری زنده بماند ، زیرا نقاشی سه پایه یک تصویر است ، تزئین نیست ، هنر کاربردی نیست ، زینت نیست. که امروز مورد نیاز است نه فردا.

یک عکس یک فکر است، شما می توانید جان یک نفر را بگیرید، اما نمی توانید او را مجبور به فکر کردن نکنید.

توجه به این نکته حائز اهمیت است که با وجود پیچیدگی رویارویی و درخشندگی رد ایده های یکدیگر، انجمن ها و گروه ها در حیطه هنر، به خاطر خود، برای زندگی آن مبارزه کردند. در آینده، مبارزه از هنر خارج شد - به سیاست. هنر، توسعه آن شروع به تحریف کرد و در امتداد یک کانال طبیعی هدایت نشد و به هیچ وجه توسط نیازهای خود هنر تعیین نشد، بلکه توسط ایده های سیاسی تعیین شد.

سیاستی که دولت در پنج سال اول دنبال کرد، مبتنی بر به رسمیت شناختن حق برابر هنرمندان از همه جهات برای مشارکت در خلق هنر جامعه جدید بود. این نه تنها در مطبوعات اعلام شد، بلکه در زندگی واقعی نیز انجام شد، همانطور که توسط کسب های دولتی از بهترین نمایندگان همه گروه ها به شیوه ای منصفانه گواه است. دولت نقش تنها حامی هنر را بر عهده گرفت. مجموعه های موزه را تکمیل کرد، نمایشگاه هایی ترتیب داد. در طول 1918-1919، بخش هنرهای زیبای کمیساریای آموزش مردمی بیش از 20 نمایشگاه - گذشته نگر و مدرن، شخصی و گروهی را افتتاح کرد. آنها میزبان هنرمندان گرایش های مختلف از رئالیست ها تا چپ های افراطی بودند. این اولین بررسی گسترده این کشور از هنر بود.

از سال 1922، ایالت نمایشگاه های بین المللی هنرهای زیبای شوروی را سازماندهی کرده است که در بسیاری از کشورهای اروپا و آمریکا و همچنین در ژاپن موفقیت زیادی داشته است. هنرمندان مسکو همیشه به اندازه کافی در آنها حضور داشته اند.

برای درک بهتر ویژگی‌های زندگی هنری مسکو در این سال‌ها، لازم است با گاه‌شماری نمایشگاه‌های انجمن‌های مختلف، که در آن هنرمندانی که عضو یک گروه یا گروه دیگری نبودند، آشنا شوید.

در پایان سال 1917، نمایشگاه های انجمن های تشکیل شده قبل از انقلاب در مسکو برگزار شد. برخی از آنها - "پیوند"، "خلاقیت رایگان" - در این مورد وجود نداشتند. دیگران - سالن مسکو، جک الماس، انجمن نمایشگاه های هنری مسافرتی، اتحادیه هنرمندان روسیه، دنیای هنر - به زندگی جدیدی پیوستند و به نمایش بیشتر ادامه دادند. به زودی تشکیلات کاملاً جدیدی بر اساس نیروهای مختلف متحد کننده شروع به ظهور کردند. صف بندی جدید نیروها ایجاد شده است.

در سال 1919 انجمن هنرمندان جوان (Obmohu) برای اولین بار اقدام کرد. فارغ‌التحصیلان وخوتماس، دانش‌آموزان A. V. Lentulov، A. M. Rodchenko، G. B. Yakulov، وظیفه انجام سفارشات تولیدی مهم اجتماعی مانند پوسترهای فیلم، استنسیل پوستر برای مبارزه با بی‌سوادی، نشان‌ها و غیره را بر عهده دارند. نمایش های تئاتر، خیابان ها و میدان ها برای جشن ها. در این نمایشگاه ترکیب بندی های انتزاعی و همچنین سازه های فضایی فلزی به نمایش گذاشته شد. Obmohu چهار نمایشگاه ترتیب داد و سپس بسیاری از شرکت کنندگان آن شروع به کار در تئاتر، صنعت چاپ کردند و دیگران به انجمن های تازه سازماندهی شده پیوستند. برادران G. A. و V. A. Stenberg از اعضای این انجمن در نمایشگاه حضور دارند.

در همان سال، 1919، انجمن "Tsvetodynamos و Tectonic Primitivism" به نمایش گذاشته شد. شاگردان A. V. Shevchenko و A. V. Grishchenko در کار خود از ضرورت و ماندگاری نقاشی سه پایه دفاع کردند. نقاشان جالب و درخشان، آنها خود را به عنوان یک پدیده جدی اعلام کردند. اما کار آنها به اندازه کافی شناخته شده و مطالعه نشده است (به جز رهبران برجسته). در سال 1923، این گروه نمایشگاهی از انجمن هنرمندان Easel ترتیب داد و سپس اساس انجمن کارگاه نقاشان شد که تا سال 1930 وجود داشت. اعضای انجمن R. N. Barto، N. I. Viting، B. A. Golopolosov، V. V. Kapterev، V. V. Pochitalov، K. N. Suryaev، G. M. Shegal و دیگران بودند.

انجمن های جدید اغلب توسط دانش آموزان Vkhutemas، یک موسسه آموزشی هنری جدید ایجاد می شد. بزرگترین هنرمندان کشور در اولین سال های پس از انقلاب در اصلاح آموزش هنر شرکت کردند و سیستم و روش های آموزشی را به طور اساسی به روز کردند. آنها در مؤسسات آموزشی جدیدی که ایجاد کردند، که بر آموزش هنرمندان جهانی متمرکز بود، کار کردند. آنها مجبور بودند در آینده در زمینه های مختلف هنری - نقاشی سه پایه، گرافیک، مجسمه سازی، و همچنین در چاپ، تئاتر، هنرهای یادبود و طراحی کار کنند. همانطور که زندگی بعداً نشان داد، دانش به دست آمده در این مؤسسه باعث شد تا استعداد او به طور گسترده و متنوع به کار رود. وخوتماس مسکو برای چندین سال توسط V. A. Favorsky اداره می شد. اکثر معلمان برجسته Vkhutemas-Vkhutein در این نمایشگاه حضور دارند: L. A. Bruni، P. V. Miturrich، R. R. Falk و دیگران. معلمان نسل های بعدی نیز نماینده هستند که سنت های خوتم های عالی را در کار خود حفظ کرده اند - P. G. Zakharov، V. V. Pochitalov، I. I. Chekmazov، V. V. Favorskaya.

مسکو همیشه برای هنرمندان جذاب بوده است. تا دهه 1920 به همین شکل باقی ماند. در اینجا یک زندگی هنری طوفانی وجود داشت ، بسیاری از استادان برجسته هنر کار کردند ، موسسات آموزشی و استودیوهای خصوصی افتتاح شدند ، موزه ها افتتاح شدند ، نمایشگاه های مختلفی ترتیب داده شد. از سراسر کشور پهناور، جوانانی به اینجا آمدند که مشتاق تحصیل هنر بودند و جریان تازه ای را به زندگی فرهنگی پایتخت وارد کردند. هنرمندان جوان به دنبال پیوستن به هنر معاصر اروپا بودند، اما سفرهای سنتی به خارج از کشور در این سال ها غیرممکن شد. و برای اکثر دانشجویان، مجموعه‌های هنر جدید روسی و غربی، که فقط در مسکو موجود بود، به دانشگاه اصلی تبدیل شد. در دهه 1920، این مجموعه ها توسط جوانان مورد مطالعه عمیق قرار گرفت و به آنها فرصتی داد تا با ایده های جدید تصویری و پلاستیکی آشنا شوند تا آثار خود را غنی کنند.

در سال 1921، گروهی از جوانان آینده نگر - A. A. Vesnin، L. S. Popova، A. M. Rodchenko، V. F. Stepanova، A. A. Exter - نمایشگاهی با عنوان "5x5 = 25" ترتیب دادند و با اعلام اعلامیه از هنر سه پایه، هنرمندان به سمت تولید حرکت کردند. آنها با ایده های گنجاندن خلاقیت خود در سازماندهی مجدد محیط و زندگی روزمره هدایت شدند، آنها شروع به فعالیت در معماری، تئاتر، فتومونتاژ، مبلمان، لباس کردند. حامیان جدید بیشتر و بیشتری مانند وی. ای. تاتلین و شاگردانش به کارگران تولید و فعالیت های آنها متصل شدند.

دوره جدیدی در زندگی کشور در سال 1922 پس از پایان جنگ داخلی آغاز شد. زندگی شروع به بهبود کرد، صنعت احیا شد، زندگی فرهنگی دوباره احیا شد. مسکو به عنوان پایتخت رسمی این کشور چند ملیتی تایید شده است. از این پس، هر چیزی که در هنر و فرهنگ کشور قابل توجه است، به نوعی با مسکو مرتبط خواهد شد.

فصل 1922-1923 با فراوانی و تنوع ویژه ای از نمایشگاه ها متمایز شد.

نمایشگاه های اتحادیه هنرمندان روسیه، دنیای هنر، انجمن نمایشگاه های مسافرتی برگزار شد. برای اولین بار اعضای انجمن های جدید "پیدایش"، KNIFE، AHRR، "Makovets" آثار خود را به نمایش گذاشتند.

"انجمن جدید نقاشان" (NOZh) تنها نمایشگاهی را برپا کرد که اعتراض عمومی را به همراه داشت. هنرمندان جوان، شاگردان V. E. Tatlin، K. S. Malevich، A. A. Esther با رها کردن جستجوهای بیهوده، با استفاده از تکنیک های مشخصه بدوی گرایی به موضوعات اجتماعی حاد روی آوردند. استقبال مبهم از این نمایشگاه شد. در لحن طنزآمیز آثار، مقامات مسخره ای از شیوه زندگی شوروی دیدند. در همان زمان، برخی از منتقدان به احیای تصویرسازی و احساسات در آثار هنرمندان اشاره کردند. A. M. Gluskin، N. N. Popov، A. M. Nurenberg، M. S. Perutsky اعضای این انجمن هستند. در سال های بعد، بسیاری از آنها وارد پیدایش شدند. "پیدایش"، گروهی از فارغ التحصیلان وخوتماس، سنت های مدرسه منظر مسکو را در کار خود تأیید کردند. دانش آموزان P. P. Konchalovsky و پیروان "Jack of Diamonds" به نقاشی منظره واقع گرایانه روی آوردند و در تلاش برای به دست آوردن قدرت خلاقانه در نزدیک شدن به زمین بودند ، پس از فارغ التحصیلی به منطقه ای زیبا در نزدیکی مسکو رفتند و پس از کار در آنجا برای تابستان ، اولین نمایشگاه خود را ترتیب دادند. این انجمن تا سال 1930 دوام آورد و هفت نمایشگاه برگزار کرد. پیدایش شامل: F. S. Bogorodsky، A. M. Gluskin، V. V. Kapterev، P. P. Konchalovsky، A. V. Kuprin، N. A. Lakov، A. A. Lebedev-Shuisky، S. G. Mukhin، A. A. Osmerkin، M. S. Perutsky، N.S. ، M. F. Shemyakin و دیگران.

"هنر زندگی است" یا "Makovets"، یکی از انجمن های هنری مهم آن سال ها، در سال 1921 به وجود آمد. یک سال بعد، در اولین نمایشگاه خود، گروهی از نقاشان و گرافیست های خوش ذوق و با استعداد را به نمایش گذاشت که بیشتر آنها در سال های پیش از انقلاب در نمایشگاه هایی مانند دنیای هنر، سالن مسکو و غیره شرکت داشتند. ترکیب انجمن پیچیده و ناهمگن بود. نیروهای مستحکم، ارادت عمیق به هنر بودند، تا حدی روابط دوستانه. انجمن مجله "Makovets" را منتشر کرد و دو شماره را منتشر کرد. در مانیفست منتشر شده «پرداخت ما» اعلام کردند: «ما با کسی دعوا نداریم، ما خالق هیچ «ایسم» نیستیم. زمانی از خلاقیت درخشان فرا می رسد، زمانی که هنر در حرکت بی پایان خود دوباره متولد می شود، فقط به خرد ساده الهام گرفته نیاز دارد.

"Makovets" در کار خود حرفه ای بودن ، معنویت ، تداوم بی وقفه سنت ها در هنر را تأیید کرد ، از دوران باستان تا امروز در تمام دوران بزرگ. هنر روسیه باستان برای آنها ارزشی ماندگار و منبع ایده های هنری داشت. "رئالیسم عمیق" - چنین تعریفی از کار این گروه بود که توسط منتقدان برجسته ارائه شد. رهبر آن هنرمند با استعداد V. N. Chekrygin بود که زود درگذشت. "Makovets" سه نمایشگاه نقاشی و یک طراحی ترتیب داد. بسیاری از شرکت کنندگان آن بعداً به انجمن هنر 4، OMX و دیگران نقل مکان کردند. شرکت کنندگان آن T. B. Aleksandrova، P. P. Babichev، E. M. Belyakova، L. A. Bruni، S. V. Gerasimov، L. F. Zhegin، K. K. Zefirov، K. N. Istomin، N. K. Maksimov، V. E. Pestel، M. S. Rodionovh N.E.-E.S. N. V. Sinezubov، R. A. Florenskaya، A. V. Fonvizin، V. N. Chekrygin، N. M. Chernyshev، A. V. Shevchenko، A. S. Yastrzhembsky و دیگران. در سال 1926 گروهی از هنرمندان از او جدا شدند و انجمن "مسیر نقاشی" را ایجاد کردند.

در سال 1922، برای اولین بار، انجمن هنرمندان انقلابی روسیه (AHRR) با یک برنامه فعال اجتماعی، از سال 1928 انجمن هنرمندان انقلاب (AHR) نمایشگاه هایی را یکی پس از دیگری ترتیب داد. AHRR چیز جدیدی به زندگی هنری آورد. دوره اولیه فعالیت او دارای نکات مثبت زیادی بود: اتحادیه هنرمندان مستعد، ایجاد شعبه در شهرهای مختلف، برپایی نمایشگاه های سیار. برنامه AHRR بر اساس وظیفه مستندسازی واقعیت انقلابی بود، اما رئالیسم تاریخی قهرمانانه ای که آنها اعلام کردند همیشه در بوم های نقاشی آنها مجسم نمی شد. به تدریج، هنر مستند بدون بال و بدون بال در آثار هنرمندان AHRR-AHR شروع به غلبه کرد.

AHRR از زمان پیدایش خود برای رهبری در زندگی هنری مبارزه کرده است و تلاش می کند به سخنگوی دولت تبدیل شود، داور سرنوشت هنر. انجمن هنر را ابزار مبارزه ایدئولوژیک اعلام کرد. F. S. Bogorodsky, V. K. Byalynitsky-Birulya, B. A. Zenkevich, B. V. Ioganson, E. A. Katsman, P. I. Kotov, S. M. Luppov, I. I. Mashkov, V. N. Meshkov, N. M. Nikonov, A. M., N. یوون، V. N. Yakovlev. AHRR انتشارات، کارگاه های هنری و تولیدی خود را داشت. همه اینها برای محبوبیت گسترده خلاقیت اعضای انجمن در بازتولید پرتیراژ نقاشی ها، کپی های آنها استفاده شد. او اغلب از شورای نظامی انقلاب برای برپایی نمایشگاه ها یارانه و دستور دریافت می کرد. اساس فنی و مادی AHRR-AHR به طرز بی‌اندازه‌ای قدرتمندتر از همه انجمن‌های دیگر بود و هنرمندان گروه‌های دیگر را در شرایط نابرابر زندگی و کار قرار می‌داد. این شرایط و از همه مهمتر، ادعای رهبری انجمن باعث شد تا تقریباً همه گروه‌هایی که به مفهوم خلاقانه دیگری تعلق داشتند، به شدت منفی و مخالفت شود.

سال بعد، در سال 1923، هنرمندان جک الماس در نمایشگاه نقاشی با گروهی نزدیک به دوره کلاسیک (1910-1914)، بلکه به سال‌های بعد، در نمایشگاه نقاشی اجرا کردند و در سال 1925 نقاشان مسکو را سازمان دادند. جامعه، و سه سال بعد آنها اساس انجمن بزرگ "انجمن هنرمندان مسکو" (OMH) شدند.

در مبارزه انجمن های هنری، "جک الماس" به نمایندگی از دروین، کنچالوفسکی، کوپرین، لنتولوف، اوسمرکین، اودالتسووا، فالک، فدوروف مرکز بود. طیف وسیعی از ایده های او از اکسپرسیونیسم تا بدوی گرایی هم در کار خود اعضای این جامعه و هم در انجمن ها و گروه های دیگر وجود داشت.

در سال 1923، انجمن های کمتر قابل توجهی نیز به نمایش گذاشته شد - "مجمع"، "جامعه هنرمندان مدرسه مسکو" و دیگران.

در سال 1924، "1 نمایشگاه قابل بحث از انجمن های هنر انقلابی فعال" بیننده را با فارغ التحصیلان وخوتماس آشنا کرد که در سال 1925 بعدی در انجمن نقاشان Easel (OST) متحد شدند - یکی از مهم ترین در دهه 20. هنرمندان A. O. Barshch، P. V. Williams، K. A. Vyalov، A. D. Goncharov، A. A. Deineka، A. N. Kozlov، A. A. Labas، S. A. Luchishkin، Yu I. Pimenov، N. A. Shifrin، D. N. Shterenberg - یکی از بنیانگذاران بعدی این انجمن، یکی از بنیانگذاران بعدی این انجمن بود. استادان - M. M. Axelrod، V. S. Alfeevsky، G. S. Berendhof، S. N. Bushinsky، M. E. Gorshman، M. S. Granavtsev، E. S. Zernov، I. V. Ivanovsky، S. B. Nikritin، A. V. Shchipitsen و دیگران.

OST در برنامه و کار خود ارزش نقاشی سه پایه را به معنایی جدید تأیید کرد، نه به عنوان یک انعکاس آینه ای غیرفعال از واقعیت، بلکه به عنوان یک بازتاب خلاقانه دگرگون شده، اشباع از تفکر و احساسات وجود در ذات، غنا و پیچیدگی آن. مفهوم آنها دستاوردهای هنر چپ را با ادراک تیز رنگ، فرم و ریتم و با افزایش احساسات همراه می کرد. همه اینها با مضامین جدید نقاشی های آنها، منظر شهری، موضوع تولید و ورزش مطابقت داشت. هنرمندان این گروه در تئاتر، چاپ (پوستر، تصویرسازی) بسیار کار کردند. متعاقباً ، در سال 1931 ، گروه ایزوبریگاد از OST - ویلیامز ، ویالوف ، زرنووا ، لوچیشکین ، نیکریتین ظاهر شد.

در سال 1925، یک انجمن جدی و قابل توجه جدید "4 هنر" وارد عرصه نمایشگاه شد که شامل نمایندگان "دنیای هنر"، "انجمن هنرمندان مسکو"، "رز آبی"، "Makovets" و دیگران بود.

برنامه اتحاد شامل فرمول‌بندی‌ها و درخواست‌های تند نبود و با خویشتنداری متمایز بود. شروع مشترک اول از همه حرفه ای بودن بالا بود. این منجر به طیف گسترده ای از جستجوهای خلاقانه شد که در انجمن هنرمندان گنجانده شد - M. M. Axelrod، V. G. Bekhteev، L. A. Bruni، A. D. Goncharov، M. E. Gorshman، E. V. Egorova، I. V. Ivanovsky، K. N. Istomin، P. V. Kuznetsov، N.Kuznetsov، N. ماتویف، وی. ام. میدلر، وی. آ. میلاسفسکی، پی. وی. میتوریچ، وی. آی. موخینا، آی. آی. نیوینسکی، پی. یا. پاولینوف، ن. آی. پادالیتسین، اس. ام. رومانوویچ، ن. یا. سیمونوویچ-افیمووا، ام. ام. V. A. Favorsky و دیگران. تا سال 1928 انجمن چهار نمایشگاه برگزار کرد.

در سال 1926، برای اولین بار، مجسمه سازان مسکو نمایشگاهی از مجسمه سازی ترتیب دادند، سپس انجمن مجسمه سازان روسی (ORS) را تشکیل دادند که آثار خود را چهار بار در نمایشگاه ها به نمایش گذاشتند.

در اولین سال های پس از انقلاب، مجسمه سازان مسکو در اجرای طرح تبلیغات یادبود شرکت کردند. آنها بیست و پنج بنای تاریخی را در پایتخت و همچنین در شهرهای دیگر برپا کردند. بسیاری از آنها زنده نمانده اند، زیرا مجسمه از مواد شکننده ساخته شده است و برخی بناهای تاریخی عمدا تخریب شده اند. در سالهای بعد، مجسمه سازان در مسابقات مختلفی شرکت کردند: برای بنای یادبود کارل مارکس در میدان خودینسکویه در مسکو (1919)، "کار رهایی یافته"، برای بنای یادبود A.N. Ostrovsky در مسکو (1924). مجسمه سازان آثار خود را در نمایشگاه های انجمن های مختلف به نمایش گذاشتند.

S. F. Bulakovsky، A. S. Golubkina، I. S. Efimov، A. E. Zelensky، L. A. Kardashev، B. D. Korolev، S. D. Lebedeva، V. I. Mukhina، A. I. Teneta، I. G. Frikh-Har، D. A. Yakerson - اعضای این نمایشگاه با طرح و طرح OPC ارائه شده اند. کارهای کوچک

در سال 1926، با ادامه روند ایجاد گروه های جدید هنرمندان، تعدادی انجمن مانند "انجمن هنرمندان رئالیست" (OHR)، - V. P. Bychkov، V. K. Byalynitsky-Berulya، P. I. Kelin، E V. Oranovsky، به نمایش گذاشته شد. P. I. Petrovichev، L. V. Turzhansky و دیگران.

گروه راه نقاشی از ماکوتس جدا شد. این گروه جالب اما کمتر شناخته شده از هنرمندان دو نمایشگاه (1927، 1928) برگزار کردند. این شامل T. B. Aleksandrova، P. P. Babichev، S. S. Grib، V. I. Gubin، L. F. Zhegin، V. A. Koroteev، G. V. Kostyukhin، V. E. Pestel بود.

در سال 1928، گروهی از جوانان، شاگردان R. R. Falk، نمایشگاهی از جامعه روست ترتیب دادند. این شامل: E. Ya. Astafieva، N. V. Afanasyeva، L. Ya. Zevin، N. V. Kashina، M. I. Nedbaylo، B. F. Rybchenkov، O. A. Sokolova، P. M. Pusher، E. P. Shibanova، A. V. Shchipitsyn.

یکی از بزرگترین و مهم ترین در آهنگسازی، "انجمن هنرمندان مسکو" (OMH) در سال 1928 تشکیل شد که نمایندگان "جک الماس"، "ماکوتس" و سایر انجمن ها را که تا آن زمان از هم پاشیده بودند، تشکیل داد. OMX پایه تولید و فنی خود را داشت. پس از ترتیب دادن دو نمایشگاه (1928، 1929)، سپس مانند سایر انجمن ها منحل شد. ترکیب OMC شامل هنرمندانی بود: S. V. Gerasimov، A. D. Drevin، K. K. Zefirov، V. P. Kiselev، A. V. Kuprin، P. P. Konchalovsky، B. D. Korolev، A. V. Luntulov، A. A. Lebedev-Shuisky، N. I. Kh. Maksi. Osmerkin، M. S. Rodionov، S. M. Romanovich، G. I. Rublev، S. M. Taratukhin، N. A. Udaltsova، R. R. Falk، G. V. Fedorov، A. V. Fonvizin، V. V. Favorskaya، I. I. Chekmazov، N. M.، M.. Sheekmazov، N. در سال 1929، گروه هنرمندان 13 - گرافیست ها و نقاشان، افراد خلاقی که با هنر مدرن اروپایی هدایت می شدند و در کار خود یک طراحی و نقاشی زنده روان از طبیعت را پرورش می دادند - هنرمندان گرافیک و نقاشان را به نمایش گذاشت . ظاهر این انجمن با استقبال عمومی مواجه شد. اما هنرمندان این فرصت را داشتند که حملات انتقاد مبتذل خصمانه علیه جریانات چپ و هرگونه توسل به هنر غرب را به طور کامل تجربه کنند. "13" دو نمایشگاه (1928، 1929) برگزار کرد. این گروه شامل دی. N. A. Udaltsova. در سال 1930 انجمن های "اکتبر" و "اتحادیه هنرمندان شوروی" ایجاد شدند. Oktyabr شامل A. A. Daineka، G. G. Klutsis، D. S. Moor، A. M. Rodchenko، V. F. Stepanova بود.

اتحادیه هنرمندان شوروی توسط هنرمندان V.K. Byalynitsky-Birulya، K. S. Eliseev، P. I. Kotov، M. V. Matorin، A. A. Plastov، V. S. Svarog، V. N. Yakovlev و دیگران. انجمن یک نمایشگاه داشت (1931).

در اواخر دهه 1920 و 1930، ایده ایجاد فدراسیونی از گروه های خلاق به طور مداوم شروع به توسعه کرد. یکی از تلاش ها انجمن هنرمندان پرولتری روسیه (RAPH) بود که شامل AHR، OMAHR و OKhS بود. فدراسیون انجمن های هنرمندان شوروی (FOSH) که در سال 1931 بوجود آمد، شامل AHR، RAPH، OKhK، MAHR، OMKh، ORS، OST، Izobrigad، ORP بود. FOSH "نمایشگاه ضد امپریالیستی" را به مناسبت روز جهانی سرخ ترتیب داد.

در سال 1932 آخرین نمایش های انجمن های خلاق هنرمندان برگزار شد.

در پایان دهه 1920، حضور در مطبوعات به شدت شخصیت آنها را تغییر داد، ابتذال به طور فزاینده ای در صفحات بسیاری از مجلات، مانند بریگاد هنرمندان، برای هنر پرولتری و دیگران نفوذ کرد. هنرمندان و چهره‌های فرهنگی مورد انتقاد گستاخانه‌ای قرار گرفتند و بی‌مورد و بدون اساس اتهامات سیاسی به آنها وارد شد.

این اتهامات در حوزه فرهنگ مستقیماً ناشی از تغییرات سیاسی در کشور بود. در سالهای 1927-1928، یک سبک توتالیتر جدید برای اداره زندگی کشور شروع به توسعه کرد و بوروکراسی استالینیستی به طور فعال در حال شکل گیری بود. یک زیبایی شناسی معمولی جدید در حال شکل گیری بود که بر اساس آن هنرمندان و شخصیت های فرهنگی نقش تصویرگر آن مواضع ایدئولوژیکی را که مستقیماً توسط استالین و اطرافیانش بیان می شد، تعیین کردند. هنرمندان باید در تبلیغ اندیشه های حزب شرکت می کردند، بدون اینکه در پاسخگویی به پدیده های لحظه ای زندگی کوتاهی کنند. همه اینها نه تنها در مورد هنر تبلیغاتی- توده ای با واکنش پویای آن به رویدادهای واقعیت، بلکه در مورد هنر سهل نیز صدق می کرد. بنابراین، هنرمندان از حق درک عمیق فردی خلاقانه از واقعیت، مشکلات معنوی آن، برای بیان افکار و احساسات خود محروم شدند. نمایشگاه های موضوعی مانند «ضد الکل»، «هنر سومین سال تعیین کننده برنامه پنج ساله» و... شروع به برپایی کردند که برای این گونه نمایشگاه ها هنرمندان باید در کمترین زمان ممکن آثاری را خلق می کردند.

در مورد نمایشگاه های موضوعی اختصاص داده شده به هر پدیده، رویداد، سالگرد خاص، این افتتاحیه دهه 1920 است. اعضای AHRR اولین کسانی بودند که آنها را سازماندهی کردند، به عنوان مثال، "از زندگی و زندگی ارتش سرخ کارگران و دهقانان" و "زندگی و زندگی کارگران" (1922)، سپس نمایشگاه های اختصاص داده شده به سالگردها. ارتش سرخ که سنتی شد. شورای نظامی انقلابی تا دهمین سالگرد تأسیس خود، موضوعات آثار را توسعه داد و با هنرمندان قرارداد امضا کرد. برای توسعه هنر اتحاد جماهیر شوروی، نمایشگاه "هنر خلق های اتحاد جماهیر شوروی" که در سال 1927 توسط آکادمی دولتی هنر برگزار شد، مهم بود، که در آن آثار بسیاری از ملیت های کشور به طور کامل ارائه شد.

در اواخر دهه 1920، طرح ها و طرح هایی از طبیعت، پرتره های کارگران و دهقانان، معدنچیان و ماهیگیران در نمایشگاه ها ظاهر شد. آنها حاصل سفر هنرمندان مسافرتی در سفرهای کاری برای مطالعه زندگی کشور بودند. هنرمندان غنی ترین مواد را برای خلاقیت دریافت کردند، با فرآیندهای تولید در کارخانه ها و معادن، در مزارع و هنرهای ماهیگیری آشنا شدند. با افراد جالبی آشنا شد. اما هنرمندان نتوانستند از این ماده با فداکاری خلاقانه واقعی استفاده کنند. برنامه‌ریزی ایدئولوژیک قبلاً شروع به تأثیرگذاری کرده است - برای دیدن و به تصویر کشیدن یک زندگی زیبا، بدون درگیری و شاد.

از اواسط دهه 1920، روندهای منفی در زمینه فرهنگ و هنر بیش از پیش در مسکو آشکار شده است. آنها شروع به شلوغ کردن و حتی تخریب مؤسسات فرهنگی کردند. یکی یکی موزه های پرولتاریا منحل شدند. اولین موزه نقاشی جدید غربی تعطیل شد و ساختمان آن به ادارات نظامی منتقل شد. با وجود درخواست گالری ترتیاکوف، خانه گالری Tsvetkova که مخصوص موزه ساخته شده بود، به مسکن واگذار شد. موزه عمومی و رومیانتسف مسکو با انتقال محل و مجموعه کتاب آن به کتابخانه اتحاد جماهیر شوروی بسته شد. V. I. لنین. و مجموعه‌های نقاشی و گرافیک، و همچنین مجموعه‌های موزه‌های منحل‌شده، به گالری دولتی ترتیاکوف و موزه دولتی هنرهای زیبا در اتاق‌های شلوغ و شلوغ، عمدتاً در انبارها، منتقل شدند. در سال 1928 موزه فرهنگ نقاشی منحل شد. همه اینها نمی توانست زندگی هنری کشور و مسکو را در سال های بعدی به منفی ترین شکل تحت تأثیر قرار دهد. موزه ها نه تنها ضروری ترین مدرسه برای هنرمندان بودند، بلکه نقش مهمی در شکل گیری مخاطب جدید داشتند. موزه های مسکو از نظر شخصیت، مجموعه و مقیاس متنوع بودند. به تدریج، آنها دستخوش یکسان سازی و استانداردسازی شدند، فعالیت پرشور آنها بعداً در چارچوبی سختگیرانه که توسط مقامات هنری تعیین شده بود، وارد شد. انحلال موزه ها و سایر اقدامات در عرصه فرهنگ مردم را از هنر اصیل و فرهنگ عالی طرد کرد.

در 23 آوریل 1932، کمیته مرکزی حزب کمونیست اتحاد بلشویک ها قطعنامه ای "در مورد تجدید ساختار سازمان های ادبی و هنری" را تصویب کرد که همه انجمن های هنری را منحل کرد و سازمان جدیدی را جایگزین آنها کرد - اتحادیه هنرمندان شوروی. با ساختار و مدیریتی همگن، مشابه هر دستگاه استاندارد بوروکراتیک برای نظارت بر فعالیت هنرمندان و اجرای تصمیمات از بالا. به خصوص آسیب بزرگی به مسکو وارد شد ، جایی که زندگی معنوی از زمان های بسیار قدیم با روح آزادی ، استقلال و تنوع متنوع ترین پدیده ها مشخص می شد.

دهه 1930 غم انگیزترین سالهای زندگی مردم ما بود. زمان بی تفاوتی فرا رسیده است. با یک غلتک ایدئولوژیک سنگین، همه چیز در فرهنگ خرد و یکسان شد و به یکنواختی رسید. از این پس، همه چیز باید از دستورات اداری برخاسته از بالا پیروی کند که مسئولان هنری با عصبانیت آن را در زندگی پیاده کردند.

از اواخر دهه 1920، سرکوب هنرمندان را ربود، اکنون آنها با قدرت بیشتری به چهره های فرهنگی ضربه می زنند. بسیاری از هنرمندان در اردوگاه ها جان خود را از دست دادند و آثار آنها بدون هیچ ردی در روده های دستگاه تحقیق ناپدید شد. در این نمایشگاه آثاری از هنرمندانی که تحت سرکوب قرار گرفتند - A. I. Grigoriev، A. D. Drevin، A. K. Vingorsky، L. L. Kvyatkovsky، G. I. Klyunkov، G. D. Lavrov، E. P. Levina-Rozengolts، Z. I. Oskolkova، P. F. Oskolkova، P. F. E. V. Safonova، M. K. Sokolov، Ya. I. Tsirelson، A. V. Shchipitsyn.

فعالیت‌ها و ژانرهای معتبر اجتماعی در هنر تشویق شدند: یک نقاشی موضوعی که مطابق با قوانین ایدئولوژیک ساخته شده است، پرتره‌های اعضای دولت، رهبران حزب و غیره.

شور و شوق زحمتکشان برای ساختن زندگی جدید به هر طریقی در کشور برانگیخته شد. به همین ترتیب از شور و شوق هنرمندان و هنرمندانی که در جوانه های ضعیف نو، مشتاق دیدن آینده ای خوش برای کشور و همه بشریت بودند که از تریبون رهبر حزب وعده داده بود، بهره برداری شد. آنها به دنبال تجسم این رویاها در آثار خود بودند و زندگی شاد خیالی را به تصویر می کشند، بدون اینکه به زندگی واقعی مردم نگاه کنند. نمایشگاه‌ها تحت سلطه بوم‌هایی مملو از ترس‌های کاذب، محتوای جعلی، جدا از زندگی، درخشیدن با وسایل تازه نقاشی شده بودند. افسانه های خارق العاده غیر واقعی در مورد شادی و سعادت عمومی مردم تحت رهبری خردمندانه حزب و رهبر آن شروع به تولد و به طور مصنوعی در جامعه ایجاد کردند.

حال و گذشته کشور، تاریخ، قهرمانان آن تحریف شد. یک فرآیند تغییر شکل شخصیت وجود داشت، یک فرد جدید "جعل" شد، یک چرخ دنده در ماشین، عاری از نیازهای معنوی فردی. فرامین اخلاق عالی انسانی مملو از موعظه های مبارزه طبقاتی بود. همه اینها پیامدهای غم انگیزی برای هنر و فرهنگ کشور داشت.

ماهیت نمایشگاه های مسکو در دهه 1930 به طرز چشمگیری تغییر کرد. نمایش‌های منحصر به فرد و بدیع گروه‌ها و هنرمندان منفرد، آغشته به انرژی اکتشافات خلاقانه، جای خود را به نمایشگاه‌های بی‌شکل مانند «پاییز»، «بهار»، نمایشگاه‌های مناظر، پیمانکاران، زنان هنرمند و غیره دادند. ، آثار با استعداد. با این حال، آنها لحن را تعیین نکردند، بلکه "از نظر ایدئولوژیک تایید شده بودند"، حتی اگر به اندازه کافی هنری نباشند. نمایشگاه های موضوعی هنوز ترتیب داده می شد. در میان آنها، نمایشگاه های قابل توجه و جالب بودند: "هنرمندان RSFSR برای 15 سال" (1933)، که هنوز هم تا حد زیادی به دوره قبل تبدیل شده است، و همچنین "صنعت سوسیالیسم" (1939).

بیشتر آثار نمایشگاه های بزرگ به دستور دولت انجام شد. مبارزه برای نظم، و در نتیجه، برای شناخت، برای رفاه مادی اشکال زشتی به خود گرفت. اکنون "حمایت" دولتی برای بسیاری از هنرمندان با استعدادی که هدایت رسمی در هنر و دستورات بخش پیشرو را نپذیرفتند ، تراژدی تکفیر از بیننده ، از به رسمیت شناختن کار خود روی آورده است.

بسیاری از هنرمندان مجبور بودند زندگی مضاعفی داشته باشند و کارهایی را طبق سفارش طبق "دستورالعمل" تنظیم شده اجرا کنند و برای خود در خانه، مخفیانه از همه، آزادانه و بدون ممانعت، بدون نمایش بهترین آثار خود و امید به نمایش آنها کار کنند. نام آنها برای مدت طولانی از صفحات کاتالوگ نمایشگاه خارج شد. T. B. Aleksandrova, B. A. Golopolosov, T. N. Grushevskaya, L. F. Zhegin, A. N. Kozlov, V. A. Koroteev, G. V. Kostyukhin, E. P. Levina-Rozengolts, M. V. Lomakina, V. E. Pestel, I. K. Postel, M.K. ، محروم از کارگاه ها، سفارش ها و گاه حتی ابزار وجود، گرسنه، اما در اراده خلاق خود آزادند. آنها جدا از جامعه و حتی از یکدیگر، جدا از هم، شاهکار خلاق خود را به تنهایی انجام دادند. آنها با تدریس، کار در صنعت چاپ، تئاتر، سینما امرار معاش می کردند و حرفه ای، ذوق و مهارت بالا را به هر زمینه ای از فعالیت می رساندند.

آثار هنرمندان رسمی شناخته شده اغلب در موزه ها به پایان می رسد و فضای داخلی موسسات رسمی در رده های مختلف را تزئین می کند. در این نمایشگاه چنین آثاری وجود ندارد. آثار هنرمندانی که از انجام سفارشات دور شده‌اند، سال‌ها در خانه نگهداری می‌شد.

این نقاشی ها، به عنوان یک قاعده، بزرگ نیستند، بر روی بهترین بوم ها ساخته نشده اند، رنگ ها از بالاترین کیفیت برخوردار نیستند. اما آنها زندگی واقعی می دمند، دارای جذابیت پایدار هستند و تجربه معنوی عظیم زمان خود را در خود حمل می کنند. آنها جهان بینی پیچیده و گاه تراژیک یک نسل کامل را بیان می کنند، نه در ظاهر، نه به صورت توصیفی، بلکه با تمام ابزارهای هنری اصیل. اگر محتوای نقاشی‌های رسمی به سوی آینده‌ای شاد ناشناخته هدایت می‌شود، با دور زدن امروز، هنرمندان واقعی زندگی واقعی معاصران خود را در آن فضای دشوار فقدان آزادی، آزار و اذیت و نه در بهشت ​​موعود شادی جهانی آینده نشان دادند. آنها قهرمانی روزمره غلبه بر مشکلات بی شمار، تحقیرها، غیرانسانی بودن را آشکار کردند، ارزش های واقعی را تأیید کردند - مهربانی و عشق به همسایه، ایمان، صلابت.

مناظر K. N. Istomin، V. A. Koroteev، A. I. Morozov، O. A. Sokolova، B. F. Rybchenkov غنایی، صنعتی، شهری، پر از احساسات عمیق، تأملات فلسفی است. حتی طبیعت بی جان M. M. Sinyakova-Urechina، A. N. Kozlov، I. N. Popov به طرز شگفت آوری جالب است و افکاری در مورد سرنوشت و زمان دارد. این پرتره درخشان ترین و مهم ترین در آثار E. M. Belyakova، D. E. Gurevich، L. Ya. Zevina، K. K. Zefirova، E. P. Levina-Rozengolts، A. I. Rubleva، R. A. Florenskaya، بسیاری از استادان دیگر است. اینها بیشتر پرتره های افراد نزدیک، اقوام هستند. به عنوان یک قاعده، آنها یک احساس تماس عمیق بین فرد به تصویر کشیده شده و هنرمند منتقل می کنند. آنها گاهی با نیروی زیادی لایه های درونی زندگی معنوی را آشکار می کنند. اغلب هنرمندان آن سال ها به موضوعات کتاب مقدس روی آوردند. شاید آنها سعی کردند که دوران و اعمال آن را از طریق منشور ارزش های جهانی درک کنند (L. F. Zhegin، S. M. Romanovich، M. K. Sokolov).

در سال‌های اخیر، آثار این هنرمندانی که زمانی رسماً شناخته نشده بودند، در نمایشگاه‌های زیادی به نمایش درآمده است. آنها با بیرون آمدن از زیرزمین، تصاویر پلان رسمی را کنار زدند، به لطف کمال هنری بالا، انرژی معنوی قدرتمندی که در کمین آنها بود، حس حقیقتی که در بیننده بیدار می شود. اینها آثار هنرمندان R. N. Barto، B. A. Golopolosov، A. D. Drevin، K. K. Zefirov، L. F. Zhegin، K. N. Istomin، M. V. Lomakina، A. I. Rubleva، G. I. Rubleva، N. V. Sinezubova، N. Yaf. R. A. Florenskaya و دیگران.

این نمایشگاه مطالب زیادی را برای تأمل فراهم می کند، مشکلات زیادی را مطرح می کند که نیاز به تحقیقات دقیق بیشتری دارد. همچنین مهمترین سوال را در مورد سرنوشت آینده هنر مسکو به عنوان یک کل مطرح می کند. مسکو، یک مولد قدرتمند ایده های هنری، یک مدرسه هنر و آموزش، یک مرکز موزه کشور، در حال حاضر فرصت ایستادن در برابر بیننده را با تمام غنا و یکپارچگی خود ندارد. او سال هاست که به طور خستگی ناپذیر کشور را غنی می کند، موزه های همه مناطق را با آثار هنرمندان خود پر می کند، همه چیز را می بخشد و چیزی برای خود باقی نمی گذارد. از این دست هنرمندان بسیارند که آثارشان کاملاً در موزه های مختلف کشور پراکنده است و اصلاً در پایتخت نمایندگی ندارند.

آثار به نمایش گذاشته شده در این نمایشگاه موادی هستند که می توانند مبنای ایجاد موزه هنر مسکو شوند. این صندوق بالقوه اوست. اما همچنین می تواند بدون هیچ ردی ناپدید شود و در انبارهای موزه های مختلف و مجموعه های خصوصی پراکنده شود. مسکو باید از ایجاد موزه خود مراقبت کند و فوراً این کار را انجام دهد.

L. I. Gromova

از دهه 1930 قرن XX. هنر رسمی در روسیه مطابق با رئالیسم سوسیالیستی توسعه یافت. تنوع سبک های هنری پایان یافت.

دوره جدید هنر شوروی با کنترل شدید ایدئولوژیک و عناصر تبلیغاتی مشخص شد.
در سال 1934، در اولین کنگره سراسری نویسندگان شوروی، ماکسیم گورکی اصول اساسی رئالیسم سوسیالیستی را به عنوان روشی در ادبیات و هنر شوروی تدوین کرد:

ملیت
ایدئولوژی
بتن ریزی.

اصول رئالیسم سوسیالیستی نه تنها اعلام شد، بلکه توسط دولت نیز حمایت شد: دستورات دولتی، سفرهای تجاری خلاقانه برای هنرمندان، نمایشگاه های موضوعی و سالگرد، احیای هنر تاریخی به عنوان یک مستقل، زیرا. منعکس کننده "چشم انداز بزرگ برای توسعه جامعه سوسیالیستی".
مهمترین نمایندگان نقاشی سه پایه این دوره بوریس یوگانسون، سرگئی گراسیموف، آرکادی پلاستوف، الکساندر دینکا، یوری پیمنوف، نیکولای کریموف، آرکادی رایلوف، پیوتر کنچالوفسکی، ایگور گرابار، میخائیل نستروف، پاول کورین و دیگران بودند. مقالاتی برای برخی از هنرمندان

بوریس ولادیمیرویچ یوگانسون (1893-1973)

ب. آیوگانسون. سلف پرتره

یکی از نمایندگان برجسته رئالیسم سوسیالیستی در نقاشی. او در سنت های نقاشی روسی قرن نوزدهم کار کرد، اما "محتوای انقلابی جدید، همخوان با دوران" را به آثار خود وارد کرد.
او همچنین معلم نقاشی، مدیر گالری دولتی ترتیاکوف در 1951-1954، دبیر اول اتحادیه هنرمندان اتحاد جماهیر شوروی، سردبیر دایره المعارف "هنر کشورها و مردمان جهان" بود. جوایز و عناوین دولتی بسیاری داشت.
دو تا از نقاشی های او به ویژه معروف هستند: "بازجویی از کمونیست ها" و "در کارخانه قدیمی اورال" (1937).

B. Ioganson "بازجویی از کمونیست ها" (1933). بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 211 × 279 سانتی متر (مسکو)
تاریخچه ایجاد تصویر در این مورد برای درک ایده آن ضروری است. «من شخصاً با ایده کنار هم قرار دادن طبقات، با تمایل به بیان تضادهای طبقاتی آشتی ناپذیر در نقاشی دنبال شدم.
گارد سفید یک محصول خاص در تاریخ است، این گارد بزرگی است که در آن بقایای افسران قدیمی، سودجویان با لباس نظامی و راهزنان آشکار و غارتگران جنگ با هم مخلوط شده اند. کمیسرهای نظامی ما، کمونیست‌ها، که رهبران ایدئولوژیک و مدافعان میهن سوسیالیستی خود و زحمتکشان بودند، چه تضاد قابل توجهی با این باند داشتند. این وظیفه خلاقانه من بود که این تضاد را بیان کنم، مقایسه کنم» (بی. یوگانسون).
یکی از افسران گارد سفید روی یک صندلی طلاکاری شده و پشتش به بیننده نشسته است. بقیه افسران سفید روبه رو هستند. برای تقویت جلوه دراماتیک، هنرمند نور مصنوعی در شب می دهد. شکل اسکورت در لبه تاریک بالای گوشه سمت چپ قرار گرفته است و شبح به سختی قابل توجه است. در گوشه سمت راست پنجره ای با پرده وجود دارد که نور شب اضافی از آن عبور می کند.
به نظر می‌رسد که کمونیست‌ها در مقایسه با سفیدپوستان در سطح بالایی قرار دارند.
کمونیست ها یک دختر و یک کارگر هستند. آنها در نزدیکی ایستاده اند و با آرامش به چهره دشمنان خود نگاه می کنند، هیجان درونی آنها پنهان است. کمونیست های جوان نماد نوع جدیدی از مردم شوروی هستند.

سرگئی واسیلیویچ گراسیموف (1885-1964)

اس. گراسیموف. سلف پرتره (1923). بوم، روغن. 88 × 66 سانتی متر موزه هنر خارکف (خارکوف، اوکراین)
هنرمند روسی، نماینده امپرسیونیسم روسی، به ویژه در مناظر خود آشکار می شود. او همچنین تعدادی نقاشی استاندارد سوسیالیستی رئالیستی خلق کرد.

S. Gerasimov "بهار. مارس". بوم، روغن
در ژانر تاریخی مشهورترین اثر او سوگند پارتیزان های سیبری است.

S. Gerasimov "سوگند پارتیزان های سیبری" (1933). بوم، روغن. موزه دولتی روسیه (پترزبورگ) 173 × 257 سانتی متر
تصویر از نظر محتوا شدید، اما رسا و رسا است. دارای ترکیب مشخص و جهت گیری ایدئولوژیک است.
ژانر نقاشی S. Gerasimov "تعطیلات مزرعه جمعی" (1937) یکی از برجسته ترین آثار هنر شوروی دهه 30 قرن بیستم محسوب می شود.

S. Gerasimov "تعطیلات مزرعه جمعی" (1937). بوم، روغن. 234 x 372 سانتی متر گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)
یکی از معروف ترین نقاشی های مربوط به جنگ، نقاشی اس. گراسیموف "مادر یک پارتیزان" بود.

S. Gerasimov "مادر یک پارتیزان" (1943-1950). بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)
خود این هنرمند در مورد ایده این نقاشی چنین صحبت کرد: "من می خواستم تمام مادرانی را که پسران خود را به جنگ فرستادند در تصویر او نشان دهم."
زن در حق خود استوار است، او قدرت عظیم خشم مردم را به تصویر می کشد. او رنج می برد، اما این رنج یک فرد مغرور و قوی است، بنابراین چهره او در این لحظه غم انگیز آرام به نظر می رسد.

آرکادی الکساندرویچ پلاستوف (1893-1972)

پی.بندل. پرتره هنرمند Plastov

هنرمند A. Plastov "خواننده دهقانان شوروی" نامیده می شود. تمام نقاشی های ژانر او در پس زمینه یک منظره خلق شده اند. طبیعت روسی این هنرمند همیشه غنایی و متحرک است. نقاشی های او با بیان شاعرانه و تقریباً بدون درگیری متمایز است.

A. Plastov "اولین برف" (1946)
این هنرمند قطعه کوچکی از زندگی روستایی را به تصویر کشید. در آستانه یک خانه چوبی، دو بچه دهقان، به احتمال زیاد یک خواهر و یک برادر، قرار دارند. صبح که از خواب بیدار شدند، برف را دیدند و به ایوان دویدند. دختر حتی وقت نداشت یک شال زرد گرم ببندد، فقط آن را روی یک لباس مجلسی روشن انداخت و پاهایش را داخل چکمه های نمدی گذاشت. بچه ها با تعجب و لذت به اولین برف نگاه می کنند. و این شادی، این لذت کودکانه از زیبایی طبیعت به مخاطب منتقل می شود.
پلاستوف یک رئالیست سرسخت است. جستجو برای چیزی کاملاً جدید و بی سابقه برای او بیگانه بود. او در دنیا زندگی می کرد و زیبایی آن را تحسین می کرد. پلاستوف معتقد بود: مهمترین چیز برای یک هنرمند دیدن این زیبایی و انتقال آن بر روی بوم است. نیازی به زیبا نوشتن نیست، باید حقیقت را بنویسید و از هر خیالی زیباتر خواهد بود.

A. Plastov "لبه طلایی" (1952). بوم، روغن. 57 × 76 سانتی متر موزه ایالتی کرملین روستوف-رزرو

A. Plastov "Haymaking" (1945). بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 193 × 232 سانتی متر (مسکو)
این هنرمند مجموعه ای از نقاشی ها را در مورد جنگ بزرگ میهنی خلق کرد. بوم "فاشیست پرواز کرد" مملو از تراژدی است، آن را شاهکار هنر شوروی دوره نظامی و پس از جنگ می دانند.

A. Plastov "فاشیست پرواز کرد" (1942). بوم، روغن. 138 × 185 سانتی متر گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)
هنرمند A. Deineka به کار بر روی موضوعات مورد علاقه خود ادامه می دهد.

یوری ایوانوویچ پیمنوف (1903-1977)

معروف به نقاش، هنرمند تئاتر، طراح صحنه و گرافیست، هنرمند پوستر، معلم.
مشهورترین نقاشی او مسکو جدید است.

Y. Pimenov "مسکو جدید" (1937). بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 140 × 170 سانتی متر (مسکو)
نوشته شده در بحبوحه بازسازی پایتخت. یک زن پشت فرمان برای آن سال ها اتفاق نسبتاً نادری است. این نماد زندگی جدید است. راه حل ترکیبی نیز غیرمعمول است: تصویر شبیه یک قاب دوربین است. زن از پشت نشان داده می شود و این زاویه، انگار که بیننده را به تماشای شهر صبحگاهی از چشم او دعوت می کند. احساس شادی، طراوت و حال و هوای بهاری را ایجاد می کند. این امر با سبک نگارش امپرسیونیستی هنرمند و رنگ آمیزی ملایم نقاشی تسهیل می شود. تصویر آغشته به نگرش خوش بینانه، مشخصه آن زمان است.
این هنرمند هنگام نقاشی نقاشی "جاده جلو" نیز از این تکنیک استفاده کرد. محتوای عاطفی تصویر بر روی تضاد بین تصویر مسکو صلح آمیز و در حال تغییر و شهر غارت شده و ویران شده در نتیجه تهاجم فاشیست ها ساخته شده است که در نقاشی "جاده جلو" به تصویر کشیده شده است.

Y. Pimenov "جاده جلویی" (1944)
پیمنوف در اوایل کارش تحت تأثیر اکسپرسیونیسم آلمانی قرار گرفت، که تا حد زیادی وضوح دراماتیک بهترین نقاشی‌های او را در این سال‌ها توضیح می‌دهد: «Invalids of War»، «Give Heavy Industry!» (1927)، "سربازان به طرف انقلاب می روند" (1932). او به تدریج به سمت امپرسیونیسم رفت و به اصل خلاقانه "لحظه زیبا" پایبند بود.

یو پیمنوف "معتبران جنگ" (1926). موزه دولتی روسیه (پترزبورگ)

گئورگی گریگوریویچ نیسکی (1903-1987)

گئورگی نیسکی در این دوره به طور فعال در هنر منظره مشغول بود. نقاشی های او به دلیل لاکونیسم زیبا، پویایی، ترکیب بندی روشن و راه حل های ریتمیک قابل توجه است. طبیعت هنرمند همیشه به دست انسان دگرگون می شود.

G. Nissky "پاییز. سمافورها" (1932)

G. Nissky "منطقه مسکو. فوریه» (1957). بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)
از نقاشان منظره نسل قدیم می توان به نیکولای کریموف اشاره کرد.

نیکولای پتروویچ کریموف (1884-1958)

نیکولای کریموف (1921)
N.P. کریموف در خانواده یک هنرمند دوره گرد متولد شد، بنابراین جهت اصلی کار او یکسان بود. در سال های تحصیل (1905-1910) او به تصویری امپرسیونیستی از طبیعت تمایل داشت، رنگ های لطیف پاستلی و ضربه های روشن به بوم های نقاشی او جلوه ای معنوی و بی وزن می بخشید. در دهه 1920 او یکی از طرفداران نقاشی رئالیستی روسی شد.

N.P. کریموف "صبح در پارک مرکزی فرهنگ و اوقات فراغت به نام I. ام گورکی در مسکو» (1937). بوم، روغن. 81 × 135 سانتی متر گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)
آخرین دوره کار این نقاش با رودخانه اوکا و شهر کوچک تاروسا، جایی که کریموف برای بازدید از آن آمده است، مرتبط است. او مجذوب مناظر محلی و رودخانه اوکا بود که «دم از آزادی می زد».

N. Krymov "خیابان در تاروسا" (1952)
نقاشی های "پیش از گرگ و میش"، "Polenovo. رودخانه اوکا "و تعدادی دیگر. این هنرمند مناظر زمستانی زیادی دارد.

N. Krymov "زمستان. سقف ها" (1934)

آرکادی الکساندرویچ رایلوف (1870-1939)

A. Rylov. سلف پرتره با سنجاب (1931). کاغذ، جوهر، مداد ایتالیایی. گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)

نقاش منظره، گرافیست و معلم روسی و شوروی.
مشهورترین نقاشی او «لنین در رازلیو» است.

A. Rylov "V.I. لنین در رازلیو در سال 1917 (1934). بوم، روغن. 126.5 × 212 سانتی متر. موزه دولتی روسیه (پترزبورگ)
این یکی از بهترین آثار این هنرمند در اواخر دوره خلاقیت او است. هنرمند در این تابلو منظره را با ژانر تاریخی ترکیب می کند. اقامت لنین در رازلیو در تابستان 1917 یکی از موضوعات اصلی موضوع لنینیستی در هنرهای زیبای شوروی است. در منظر و در چهره پویای رهبر می توان هیجان و تنش لحظه را احساس کرد. ابرها بر فراز آسمان هجوم می آورند، باد درختان نیرومند را خم می کند، در مبارزه با این نیروهای طبیعی، چهره لنین با عزمی راسخ برای پیروزی به نام آینده به سوی باد می تازد.
دریاچه طوفانی و آسمان پریشان نماد طوفان است. گرگ و میش روی زمین فرود می آید. لنین که متوجه هیچ یک از اینها نمی شود، به شدت به دوردست ها نگاه می کند. این تعبیر از تصویر رهبر، نظم ایدئولوژیک دوران شوروی است.
ژانر پرتره شوروی در این زمان به طور فعال در حال توسعه است، که در آن پیوتر کونچالوفسکی، ایگور گرابار، میخائیل نستروف به وضوح خود را نشان می دهند.

P. Konchalovsky. پرتره سرگئی سرگیویچ پروکوفیف آهنگساز (1934). بوم، روغن. 181 × 140.5 سانتی متر گالری دولتی ترتیاکوف (مسکو)

P. Konchalovsky. پرتره V.E. میرهولد (1938). بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 211 × 233 سانتی متر (مسکو)
در دوره سرکوب جمعی، اندکی قبل از دستگیری و مرگ میرهولد، پی. کنچالوفسکی پرتره ای از این شخصیت برجسته تئاتر خلق کرد. در 7 ژانویه 1938، کمیته هنرها قطعنامه ای را برای انحلال تئاتر ایالتی Meyerhold تصویب کرد.
این هنرمند تضاد شخصیت با واقعیت اطراف را از طریق یک راه حل ترکیبی پیچیده منتقل کرد. این بوم نه یک رویاپرداز، بلکه مردی را به تصویر می کشد که سرنوشت او در تعادل است و او آن را می داند. کنچالوفسکی از طریق کنار هم قرار دادن یک فرش روشن، پوشیده از زیورآلات متراکم، و چهره تک رنگ کارگردان، تصویر تراژیک کارگردان- اصلاح طلب را آشکار می کند.

من. گرابار. پرتره آکادمیسین N.D. زلینسکی (1935). بوم، روغن. گالری دولتی ترتیاکوف 95 × 87 سانتی متر (مسکو)

من. گرابار. پرتره ولادیمیر ایوانوویچ ورنادسکی (1935)

پاول دیمیتریویچ کورین (1892-1967)

پاول کورین (1933)
نقاش روسی و شوروی، نقاشی دیواری، استاد پرتره، مرمتگر و معلم، استاد.
او در پالخ بزرگ شد و با نقاشی نمادها شروع کرد. او در مدرسه مجسمه سازی و معماری مسکو تحصیل کرد، در نهایت به یکی از مهمترین استادان پرتره اولیه شوروی تبدیل شد، یک گالری کامل از پرتره های روشنفکران زمان خود را ایجاد کرد.
ویژگی آثار این هنرمند به یاد ماندنی بودن، دامنه خشن و فرم‌های به وضوح مجسمه‌سازی شده است.
معروف ترین آثار پی کورین: سه گانه "الکساندر نوسکی"، پرتره های گئورگی ژوکوف و ماکسیم گورکی.

پی کورین. سه گانه "الکساندر نوسکی"
این سه‌گانه در سال جنگ بزرگ میهنی به این هنرمند سفارش داده شد، زمانی که موضوع مقابله با مهاجم در هنر اصلی بود.
در سمت چپ و راست سه‌گانه، سربازان به جنگ می‌روند. آنها توسط زنان اسکورت می شوند: یک مادر پیر، یک همسر که یک کودک کوچک را در آغوش گرفته است. آنها و همچنین سرزمین مادری خود نیاز به محافظت دارند.

در وسط تصویر یک جنگجو دیده می شود. الکساندر نوسکی در دوران باستان شوالیه های آلمانی را متوقف کرد، بنابراین او می تواند مدافعان را برای مبارزه با مهاجمان فاشیست الهام بخشد. شکل او به یاد ماندنی است - این خاطره قهرمانان روسی است. بنر با چهره مسیح تقدس سرزمین روسیه را به یاد می آورد. او با تکیه بر شمشیر ایستاده است - دشمنان باید از شمشیری که با آن آمده اند بمیرند.
پشت سر او سرزمین مادری اوست که باید از آن محافظت کرد.
نقاشی های موضوعی و پرتره های اجرا شده توسط استاد با معنویت و ترکیب تصاویر، سخت گیری ترکیب و طراحی مشخص می شود.
علاقه به شخصیت های خلاق از ویژگی های فضای این دوره است.

هنرمندان دهه 30

هنرمندان Deineka، Pimenov، Williams، S. Gerasimov، Kuprin، Konchalovsky، Lentulov، Mashkov، Ulyanov، Mukhina، Kuznetsov، Saryan

من اولین بار Deineka را در لنینگراد ملاقات کردم. وقتی نمایشگاه را از قبل آویزان کرده بود، در آخرین روزهای قبل از افتتاح، وارد شد، همه آثارش را از دیوار برداشت و به روش خودش آویزان کرد و خیلی کم کرد: چیزهای ناموفق او را آوردند و او. آنها را حذف کرد. بالاخره دفاع از پتروگراد، پسر خفته با گل ذرت، مجموعه کاملی از قطعات درجه یک وجود داشت. سپس دینکا تأثیر عجیب و نسبتاً منفی روی من گذاشت. او رک بود، کمی بی ادب بود. اکثر مردم او را به این شکل درک می کردند - به عنوان نوعی ورزشکار، بازیکن فوتبال یا بوکسور. اما من خوشبختانه خیلی سریع شخصیت واقعی او را کشف کردم. چیزی از این نوع در خودش نداشت، این یک رفتار با بیگانگان بود، با غریبه ها. من قبلاً در اواسط دهه 30 با او صمیمی شدم ، هنگامی که در Detizdat شروع به کار کردم ، بعداً در مورد این صحبت خواهیم کرد. و هر چه زمان بیشتر می گذشت، او به من نزدیکتر و نزدیکتر می شد. آخرین ملاقات غیابی ما، دو روز قبل از مرگ او، رد و بدل شدن لطیف ترین حرف های تلفنی از طرفین بود.

با یکی دیگر از اعضای OST، یوری ایوانوویچ پیمنوف، نه در لنینگراد ملاقات کردم. تعداد بسیار کمی از آثار او در لنینگراد وجود داشت و من او را برای اولین بار در مسکو دیدم، زمانی که معاون موزه روسیه، دوبیچینا، آمد تا به هنرمندان برای آثار خریداری شده از آنها در لنینگراد پول بدهد. همه آنها در Volkhonka جمع آوری شدند، در یکی از آن خانه های کوچکی که بین خیابان فرونزه و موزه قرار دارد. همه هنرمندان در راهرو نشستند و گپ زدند و به نوبت به اتاقی دعوت شدند. و آنجا بود که برای اولین بار پیمنوف را دیدم و به یاد آوردم. او نشان داد که چگونه سه هنرمند منظره‌هایی را برای فروش می‌سازند: یکی بسیاری از بوم‌های یکسان را پهن می‌کند و آنها را با رنگ آبی که دریا را به تصویر می‌کشد پر می‌کند، دومی عبور می‌کند و قایق‌هایی را با رنگ سیاه می‌کشد، و آخرین بادبان‌ها را با یک ضربه سفید سفید می‌کشد. او آن را به طرز غیرمعمولی با خلق و خو و بسیار رسا به تصویر کشید.

ما به سرعت با او ارتباط برقرار کردیم، اما نه در محوطه موزه، زیرا او هیچ گرافیکی انجام نمی داد - نه حکاکی، نه طراحی، نه خیلی، او یک نقاش خالص بود. قبلاً در سال 1932، ما یک دوستی بسیار لطیف را ایجاد کردیم. در همین فاصله بین سالهای 1930 تا 1932 بود که او دچار یک بیماری مغزی بسیار شدید شد که یا با ضربه مغزی یا حتی نوعی بیماری روانی مرتبط بود و وقتی سرانجام از شر آن خلاص شد، او به کلی شخصیت او را تغییر داد. به حدی که او بیشتر آثار اولیه‌اش را نابود کرد، بسیار تشدید شده، رسا، طرح‌واره، حتی در موزه‌ها برای آنچه که از او می‌خرند، مبادله می‌شد. و او کاملاً متفاوت شد، همانطور که تا پایان عمر باقی ماند: درخشان، روشن، آفتابی، پر از نوعی بزرگ ترین حرص برای زندگی واقعی. هر سال دوستی ما بیشتر و بیشتر می شد و در نهایت او از همسالان من به اندازه شمارینوف به من نزدیک شد. در واقع، من باید اول از همه آنها را از نزدیکترین دوستانم نسل خودم نام ببرم. من یک سال و نیم از پیمنوف و یک سال و نیم از شمارینوف کوچکتر بودم.

من همچنین در اوایل دهه 1930 با ویلیامز دوست شدم. او در آن زمان یک نقاش بود و یک نقاش بسیار قوی و خوب. او آثار بسیار خوبی داشت: پرتره ای از میرهولد، پرتره کارگردان بارنت، نقاشی بزرگ "ملوانان از شفق قطبی" که به نمایشگاهی در ونیز فرستاده شد و در آنجا به سازمان کمونیستی آنجا ارائه شد. او آنجا ماند. اما من یک کپی از آن دارم. این خیلی چیز خوبی است، من آن را به خوبی به یاد دارم. اما پس از آن، در اواسط دهه 30، او به تئاتر علاقه مند شد، موفقیت خارق العاده ای داشت، به عنوان مثال، طراحی باشگاه Pickwick در تئاتر هنر مسکو را با مناظر غیرمعمول عجیب و غریب انجام داد، که در آن چهره های انسانی معرفی شدند. و سپس او تبدیل به شیک ترین هنرمند تئاتر بولشوی شد و حتی لباس مناسب یک چهره تئاتر موفق را شروع کرد: نوعی کت خز غیر معمول تقریباً به زمین با خز از یقه تا ته آن، یک کلاه خز مانند سنگ آسیاب روی آن. سرش که از نظر خصوصیات مورد بزرگترین تمسخر من و پیمنوف بود. او فقط لبخندی افتضاح زد. به طور کلی، او کاملاً وارد محیط تئاتر، زندگی تئاتری شد.

من یک خاطره بسیار شیرین از ویلیامز دارم. در اواسط دهه 30، من و ناتاشا به قفقاز رفتیم تا Tegenekli - مکانی بالای رودخانه باکسان در پای البروس. آنجا استراحتگاهی بود که متعلق به شخصی بود - نمی دانم، اما برای روشنفکران خلاق در نظر گرفته شده بود. در هر صورت باید از صندوق هنر اتحادیه مسکو کوپن تهیه می شد و وقتی به آنجا رسیدم به من گفتند که ویلیامز به تازگی آنجا بوده است و همچنین قرار است با همسرش به آنجا برود.

در Tegenekli آشنایان زیادی وجود داشت. دوست نزدیک ما با ناتاشا - دانشمند - جغرافیدان لازار شولوموویچ گوردونوف بود که در واقع با او موافقت کردیم که به آنجا برویم. کارگردان فیلم الکساندروف با همسرش لیوبوف اورلووا در آنجا بود. شاعری نیکلای تیخونوف بود. یک مترجم بی حوصله وجود داشت - فرض بر این بود که خارجی ها وجود داشته باشند، اما آنها نبودند و او با ناراحتی بدون انجام کاری سرگردان بود. یک روز غروب او به هوش آمد: بالاخره آقای ویلیامز انگلیسی باید بیاید! او پودر، لب هایش را رنگ کرد، به طور کلی، آماده کرد. اما وقتی این آقای ویلیامز ظاهر شد، معلوم شد که این دوست من پیتر ولادیمیرویچ ویلیامز است که اصلاً یک کلمه انگلیسی بلد نیست. پدرش، در واقع، اصالتاً انگلیسی بود، به نظر من، نوعی دانشمند برجسته کشاورزی بود، اما او خودش هیچ ربطی به انگلیس نداشت، بنابراین مترجم ناامید شد.

به یاد دارم که چگونه یک بار به البروس رفتیم، البته نه به اوج، بلکه به افق، جایی در نیمه راه است، قبلاً بالای ابرها - یک سکو و یک هتل کوچک. از میان ابر در مسیری شیب دار بالا رفتیم و با بیرون آمدن از این ابر، کاملاً خیس در آنجا ظاهر شدیم. خانم ها به هتل رفتند تا لباس هایشان را عوض کنند، خودشان را مرتب کنند و من و ویلیامز در محل پرسه زدیم. و ناگهان کسی فریاد زد: "البروس باز می شود!" کاملاً پوشیده از ابر بود و ناگهان ابرها شکستند و در پس زمینه آسمان کاملاً سبز، مخروطی سفید برفی از بالای البروس ظاهر شد. ویلیامز به دنبال کاغذ و مداد وارد خانه شد - چیز دیگری با خود نبرد - و زیر بارانی که در آن زمان از بالا می بارید ایستاد و تمام خطوط را ترسیم کرد و رنگ هایی را نوشت. او را با موهایی که به پیشانی‌اش چسبیده بود، به یاد می‌آورم که با تشنج همین رنگ‌ها را می‌کشید و یادداشت می‌کرد. اما، متأسفانه، چیزی از آن حاصل نشد: وقتی در مسکو او یک مطالعه از این طرح را به من نشان داد، همه چیز کاملاً متفاوت بود. بله، و او این را به خوبی می دانست. یادم می آید که خانم های ما برای تحسین البروس کاملاً نیمه لباس بالا رفتند. «پدیده البروس» تماشایی زودگذر بود، برای همه چیز فقط دو سه دقیقه وقت گذاشتند.

ویلیامز مردی ساده، مهربان، خوب بود، با شور و شوق نمایشی شیک خود کمی بامزه بود.

من همچنین روابط خوبی با سایر اعضای OST داشتم - هم با لباس و هم با شیفرین، اما آنها چندان نزدیک نبودند. شیفرین مردی جذاب، تئاتری بسیار خوب، استاد تئاتری درخشان بود. لاباس همیشه شخصیتی دیوانه و ضعیف بوده است. اما که، البته، یک شخص فوق العاده و یک هنرمند فوق العاده بود، این تایشلر است. اما آشنایی و دوستی با او متعلق به آخرین زمان‌ها، پس از جنگ است. به نوعی معلوم شد که او در لنینگراد نماینده ای نداشت و پس از آن مجبور نشدم با او ملاقات کنم. قبل از جنگ او را می شناختم اما از راه دور. فقط پس از جنگ یک دوستی بسیار لطیف برقرار شد که فقط عمیق تر و بهبود یافت. او یکی از دوست داشتنی ترین موجوداتی است که در زندگی ام دیده ام.

بعد از OST البته اگر از گروه های هنری دهه 1920 صحبت کنیم، لازم است دو مورد را نام ببریم که دوستان بسیار صمیمی برای من به ارمغان آوردند. اول از همه ، اینها "4 هنر" هستند که شامل فاوورسکی و اولیانوف و پاول کوزنتسوف و ساریان و تعدادی از نزدیکترین افراد به من بودند. و دوم - انجمن هنرمندان مسکو - "OMH" که یکی از عزیزترین دوستی ها را به من داد - با سرگئی واسیلیویچ گراسیموف، و همچنین با رودیونوف، با اوسمرکین و دیگران.

سرگئی واسیلیویچ را برای اولین بار در لنینگراد ملاقات کردم، او یکی از برگزارکنندگان نمایشگاه بود، در میان سرکارگران بود و نقاشی های خود و هنرمندان نزدیک به او را آویزان کرد. اگرچه او طراحی در VKHUTEIN تدریس می کرد، اما من خیلی دیرتر با گرافیک او آشنا شدم و مجبور نشدم آنها را برای موزه بخرم. اما در لنینگراد ما مجبور بودیم هر روز با یکدیگر برخورد کنیم، در یک کار مشترک همدیگر را ملاقات کنیم و مهمتر از همه، ما با هم در یک شرکت رفتیم تا شام بخوریم: او، من، کوپریانوف و ایستومین. آنقدر اتفاق می افتاد که من خیلی سریع شخصیت، شوخ طبعی، شوخی ها و تمسخرهای او را که فقط دفاعی در برابر غریبه ها بود، تشخیص دادم. حتی در آن زمان از شخصیت شگفت انگیز و هنر فوق العاده او قدردانی کردم. اگرچه در دوره او هنوز خیلی زود بود، اما کار فقط در دهه 20 بود، همان ابتدای دهه 30، آنها قبلاً خیلی خوب بودند. و سپس این آشنایی کم کم به صمیمیت بیشتر و بیشتر تبدیل شد و البته در دوران پس از جنگ یکی از نزدیک ترین افراد به من بود. و با کمال میل باید بگویم که ظاهراً من یکی از نزدیکترین افراد به او بودم ، از وکالت کامل او برخوردار بودم ، تمام دستورات او را انجام می دادم ، به ویژه هنگامی که او رئیس اتحادیه هنرمندان اتحاد جماهیر شوروی شد. در واقع، حتی قبل از آن، او را به عنوان چنین تلقی می کردند، که توسط همه، اگرچه کاملا غیر رسمی رئیس هنر شوروی شناخته می شد. اما وقتی اولین کنگره سراسری هنرمندان در سال 1957 برگزار شد، کاملاً طبیعی بود که سرگئی واسیلیویچ در راس اتحادیه قرار گیرد.

شاید آشنایی من با اوسمرکین، یکی از شرکت کنندگان اصلی جک الماس، که در دهه 1930 به یک نقاش منظره غنایی بسیار ساده، ظریف و ملایم تبدیل شده بود، توسط روابط خارجی تر، اما بسیار دوستانه من نیز مورد توجه قرار گرفت. و خودش مردی خوب، جذاب و ظریف بود. اما من کمتر با او ملاقات می کردم، و این هنوز یک دوستی حاشیه ای بود و نه یک دوستی اصلی و ریشه ای.

در مورد اعضای سابق گروه Jack of Diamonds باید به یک شخص ملایم، شیرین و جذاب تر، الکساندر واسیلیویچ کوپرین اشاره کرد. کوپرین کوتاه قد، با ریش کوچک، مردی بسیار ساکت و خجالتی، لباس پوشیدن بسیار متواضعانه، بدون هیچ گونه تأثیر بیرونی، مشغول به نوعی افکار و خلاقیت خود بود. Osmerkin و Kuprin شاید دو هنرمند ظریف در کل این گروه باشند.

با کوپرین و همچنین با اوسمرکین دوستانه ترین و شاید بتوان گفت صمیمانه ترین روابط را داشتم. نه مثل کنچالوفسکی که برایش احترام عمیقی قائل بودم و به من لطف داشت، اما هنوز فاصله زیادی بین ما وجود داشت.

روابط من با پیوتر پتروویچ کونچالوفسکی بسیار دوستانه بود، درباره او نوشتم و او از شیوه نوشتن من خوشش آمد. اما صمیمیت نمی توانست خاص باشد، او خیلی متفاوت بود. اول از همه، او یک جنتلمن بود، کمی به سبک بازرگانی، که در مقیاس بزرگ، غیرمعمول خلق و خوی، با یک "اقتصاد" هنری عظیم زندگی می کرد. یک بار که در استودیوی او بودم، گفت: من هزار و هشتصد شماره دارم. این فقط در مورد نقاشی های او صدق می کرد. او حتی آبرنگ و نقاشی را هم به حساب نمی آورد. در هر صورت، روابط ما دوستانه بود، که سپس به دلیل لطف دختر و دامادش - ناتالیا پترونا کونچالوفسایا، شاعر و همسرش میخالکوف، بسیار سرد شد. اما پیوتر پتروویچ هیچ ربطی به این موضوع نداشت، همانطور که او تا حدی با فحاشی اربابی خانه‌اش کاری نداشت - همسرش، بانویی با شخصیت دشوار، که دختر سوریکوف بود، او را کاشته بود. چیزهای زیادی در مورد خودش فهمید و به شدت از شأن کونچالوفسکی محافظت کرد. وقتی به درخواست او مقاله ای برای آخرین نمایشگاه مادام العمرش در سال 1956 نوشتم، این مقاله شرم آور بود. آن را به پیتر پتروویچ دادم تا بخواند. او به گرمی او را تأیید کرد، او را بسیار دوست داشت. و سپس نیکولای جورجیویچ ماشکوفتسف، مورخ قدیمی هنر و کارمند موزه، که در آن زمان در آکادمی هنر کار می کرد و یکی از اعضای متناظر همین آکادمی بود، با خجالت به من آمد که اولگا واسیلیونا مقاله من را وتو کرده است، زیرا من از کونچالوفسکی به خاطر برخی چیزها انتقاد می کنم. پیتر پتروویچ به این موضوع توجهی نکرد و همسرش اجازه چاپ این انتقاد را نداد. گفتم مقاله را پس می گیرم، آن را به کاتالوگ نمی دهم، یک جوری آن را به صورت اصلاح نشده چاپ می کنم. وقتی بعد از آن با پیوتر پتروویچ ملاقات کردم، او سرش را تکان داد و پشیمان شد که چگونه اینقدر بد شده است. اما به او اطمینان دادم، دلداریش دادم، گفتم قبلاً آن را به مجله «هنر» داده بودم و به همان شکلی که نوشتم چاپ می شود. اما او در جریان این نمایشگاه درگذشت، بنابراین مقاله من را چاپ شده ندید. و آنقدر موفق شد که بعداً بدون اطلاع من، به ویژه در جلد عظیم «میراث هنری کنچالوفسکی» تجدید چاپ شد و حتی بدون اینکه از من بپرسم، به عنوان یک مقاله مقدماتی درج شد. او آشکارا به هدف خود عمل کرد. اما با این حال، این روابط نزدیک، اگرچه خوب، دوستانه نبود.

فاورسکی یک قسمت خنده دار را به من گفت که مربوط به کار او بر روی طراحی شعر دختر پیوتر پتروویچ، ناتالیا پترونا کونچالوفسکایا، "پایتخت باستانی ما" بود. او برای مدت طولانی مجبور شد به خانه کونچالوفسکی ها برود: "پایتخت باستانی ما" از سه کتاب کامل تشکیل شده بود، او مجبور شد بسیاری از تصاویر را بسازد. ناتالیا پترونا در اشعار خود اغلب به سادگی به او اشاره می کند: هنرمند بقیه را به شما نشان می دهد.

در حالی که آنها با ناتالیا پترونا کار می کردند ، پیوتر پتروویچ وارد اتاق شد ، به برگه های پهن نگاه کرد و گفت: "هیچ وقت فکر نمی کردم از ناتاشکای احمق من چیز ارزشمندی بیرون بیاید."

از آن زمان، او به عنوان یک "احمق - ناتاشا" در خانه ما باقی مانده است. این نام محکم و ناامیدانه ریشه دوانده است. در مورد میخالکوف، وقتی صحبت از دتیزدات می شود، به نوبه خود درباره او صحبت خواهیم کرد، جایی که او برای اولین بار در آنجا ظاهر شد و در آنجا، در مقابل چشمان من، به عنوان یک شاعر رسمی موفق دوران کیش شخصیت رشد کرد و رشد کرد.

دیگر "جک های الماس" ماهیت بسیار متفاوتی داشتند. لنتولوف یک فرد دور افتاده بود. بنابراین می توان تصور کرد که چگونه او در یک تاکسی بی پروا در حالتی کاملاً شاد پرواز می کند تا تا صبح در نوعی "یار" وحشی شود. شاید خودنمایی بود، اما او چنین رفتار می کرد - روحش کاملاً باز بود، طبیعتی گسترده. در اصل، او بسیار جدی و یک استاد واقعی بود، اگرچه او، همانطور که در نمایشگاه مسکو-پاریس می‌توان دید، با چیزهای بسیار خشونت‌آمیز، که در آن کوبیسم در نیمه است و با آینده‌نگاری، و با میراث نقاشی روسی از نقاشی‌های روسی شروع کرد. قرن 19. و همه به شکلی بسیار خشن روی بوم های بزرگ. در واقع با همه اینها او هنرمند بسیار ظریفی بود. لنتولوف با پیمنوف بسیار دوستانه بود و در واقع رابطه من با او عمدتاً از طریق پیمنوف شکل گرفت. او مردی دلپذیر و خوب بود.

من رابطه خوبی با ماشکوف نداشتم. او بسیار با استعداد بود. اما از همان اولین ملاقات با او، من شروع به تعجب کردم که چگونه خداوند خداوند می تواند استعداد را در چنین دست و پاچه، در چنین فرد ناامیدکننده ای احمق قرار دهد. این زمانی که او سعی در ترسیم پیکره های انسانی داشت بسیار مشهود بود. او وارد آکادمی هنر شد و تعدادی از پیشگامان را در سواحل دریای سیاه ترسیم کرد - این چیزی کاملاً غیرممکن بود، ابتذال لخت، از مبتذل ترین و احمقانه ترین نوع. و طبیعت بی جان، با این وجود، او در تمام زندگی خود عالی نوشت. نمیتونستم بهش نزدیک بشم و وقتی در یکی از مقاله‌هایم مراسم تشریفاتی او «پرتره پارتیزان‌ها» را سرزنش کردم، جایی که پارتیزان‌هایی با دکلته، تفنگ، باندولر و کمربند مسلسل در اطراف یک فیکوس باشکوه، عظیم و مجلل به تصویر کشیده شدند، گویی در یک نقاشی محبوب. چاپ یک عکاس استانی - گویی صورت خود را در سوراخ های پس زمینه تمام شده فرو کرده اند - البته ماشکف از من کاملاً آزرده شد و رابطه ما کاملاً متوقف شد.

من با یکی دیگر از جک های الماس سابق، فالک، رابطه ای نداشتم. اما بعداً در مورد او خواهم گفت، وقتی صحبت از سالهای جنگ می شود - فقط پس از آن او را در تخلیه، در سمرقند ملاقات کردم. این یک ملاقات بسیار ناخوشایند بود و من نگرش بسیار خوبی نسبت به او دارم - و به هنر او و به ویژه با شخص خودش. فردی بسیار از خود راضی، بسیار مغرور، فحاشی و به شدت غیر دوستانه نسبت به مردم.

در مورد 4 Arts Society، من دوستان خوبی را در آنجا پیدا کردم. این نه تنها فاوورسکی، بلکه پس از او اولیانوف است. من اولین بار با نیکولای پاولوویچ اولیانوف ملاقات کردم که نمایشگاهی از گرافیک را در مسکو ترتیب دادم. غرفه‌اش آنجا بود که نقاشی‌های خیلی خوبی از او، بیشتر پرتره، انتخاب شده بود. به یاد دارم که یک پرتره از Mashkovtsev وجود داشت، یک پرتره از Efros. از آن زمان، ما شروع به برقراری روابط نزدیک تری کردیم که در نهایت به دوستی بسیار مهمی برای من تبدیل شد. من دائماً به دیدن او می رفتم، او برای من نامه می نوشت، اگرچه هر دو در مسکو زندگی می کردیم. و در سمرقند که هر دوی ما را تخلیه کردند، تقریباً هر روز او را می دیدم. در آغاز جنگ، او به همراه گروهی از نویسندگان، هنرمندان، هنرمندان برجسته به نالچیک و سپس به تفلیس فرستاده شد. در پاییز 1942، همه آنها به آسیای مرکزی منتقل شدند، اما بیشتر آنها به تاشکند رفتند، در حالی که او در سمرقند ماند.

هر روز که به رجستان که مؤسسه هنری مسکو در آن قرار داشت می آمدم، برای دلجویی از او می رفتم، زیرا زندگی او در سمرقند بسیار سخت بود. در حیاط شیردور، بدون اثاثیه، یک هوجره کاملاً زشت، ناخوشایند و مخروبه به او دادند. و همسر در حال مرگ خود را از قفقاز آورد که قبلاً بی حرکت دراز کشیده بود. او در آنجا در سمرقند درگذشت.

نیکلای پاولوویچ اولیانوف، و پس از مرگ او، همسر دومش ورا اوگنیونا، بسیاری از آثار درجه یک اولیانوفسک را به پدرم هدیه داد: پرتره ای از ویاچسلاو ایوانف، آبرنگ "Didro at Catherine"، یکی از بهترین نقاشی های پوشکین او، طرح های لباس. برای "مولیر" و تعدادی دیگر. ما همچنین یک اثر نادر را نگه می داریم - منظره ای از همسر اول او، هنرمند گلاگولووا، که در سمرقند درگذشت. یک داستان کامل با یک چیز بزرگ توسط اولیانوف، "مدل و اسب سیلنا" مرتبط است. اولیانوف جوان این مطلب را زمانی نوشت که دستیار سروف در دانشکده نقاشی، مجسمه سازی و معماری بود - این یک "صحنه سازی" آموزشی بود که سروف به شاگردانش ارائه کرد. اولیانوف پس از بازگشت از تخلیه به مسکو، متوجه شد که همسایگان از این بوم برداشته شده از برانکارد استفاده کرده و آنها را با یک سبد برای نگهداری سیب زمینی پوشانده اند. تصویر یک توده ترک خورده سیاه بود که به سختی می شد چیزی را روی آن تشخیص داد. اولیانوف آن را به پدرش داد و با ناراحتی گفت: اگر می توانی آن را حفظ کنی، آن را برای خودت نگه دار. پدر بوم را به مرمتگر فوق العاده GM II استپان چوراکوف داد و او کار را نجات داد! من آن را روی یک بوم جدید کپی کردم، آن را تمیز کردم - تقریباً هیچ اثری از ترمیم وجود ندارد و "مدل و اسب سیلنا" که با تمام زیبایی واقعاً "سروف" خود می درخشد، بر روی مبل پدرش آویزان شده است. دفتر برای نیم قرن

سایر افراد نزدیک به من، مانند ورا ایگناتیونا موخینا، مجسمه‌ساز فوق‌العاده و فردی فوق‌العاده، با قدرت، قدرت و انرژی فوق‌العاده، استقلال مطلق، با آرامش ذهنی فوق‌العاده عالی و دامنه معنوی بزرگ، از همین گروه آمده‌اند. 4 هنر». این امر هم به شکل‌پذیری عظیم به یاد ماندنی و هم در چیزهای غنایی منجر شد - گروه مشهوری که برای نمایشگاهی در پاریس در سال 1937 ساخته شد، با آثاری مانند "نان" که یکی از شاعرانه‌ترین و ظریف‌ترین مجسمه‌های موجود در هنر شوروی است همراه بود. او همچنین یک نقاش پرتره عالی بود.

از همان جامعه، در واقع، سارا دیمیتریونا لبدوا، زمانی همسر ولادیمیر واسیلیویچ لبدف، یکی از بهترین مجسمه سازانی که داشتیم، و فردی جذاب، بسیار خویشتن دار، بسیار ساکت، بسیار آرام و با نوعی تحسین برانگیز آمد. افزایش حس شخصیت و حرکت در هنر او. هر کاری که انجام می دهد، مجسمه بزرگش «دختری با پروانه»، یکی از بهترین کارهایش، خواه پرتره باشد، مثلاً یک پرتره تمام قد، ​​هرچند مینیاتوری، از تاتلین، با او. پاهای باز شده، شکل ظاهری اسب بلند - به طور غیرعادی قابل توجه و بسیار با استعداد بود. دیدار با سارا لبدوا و روابط خوب با او نیز از جمله خاطراتی است که برای من بسیار عزیز است.

روابط بسیار خوب، اگرچه هرگز نزدیکی معنوی خاصی وجود نداشت، اما من با پاول وارفولومیویچ کوزنتسوف، فردی بسیار از خود راضی، کمی تنگ نظر نیز ایجاد کردم. با این حال، شاید این نوعی رفتار بود که چیزی بیشتر در پشت آن پنهان بود. با این حال کوپریانوف او را کلماتی نه چندان محبت آمیز خواند: "مهر که سعی می کند وانمود کند که یک شیر است." شاید این با شخصیت او همخوانی داشت.

او بسیار زیرک بود و این خود را به اشکال مختلف نشان داد. به عنوان مثال، یک بار در سالنی که من حکاکی‌ها و حکاکی‌های نیوینسکی، کراوچنکو و چاپ‌های دیگر گرافیک‌ها را آویزان کردم، ناگهان کوزنتسوف ظاهر شد و بوم غول‌پیکر یکی از شاگردانش را پشت سر خود کشید - بی‌شکل، شل، کاملاً زیبا. و وقتی با تعجب می گویم: "خب، کجا می توانم آن را بگذارم؟"، پاول وارفولومیویچ پاسخ می دهد: "اما این گرافیک عالی است!" هیچ چیز کمتر شبیه به گرافیک را نمی توان اختراع کرد. او به شاگردانش اهمیت زیادی می داد. این بوم، به هر حال، داوودوویچ بود که در طول جنگ در شبه نظامیان جان باخت. اما من به سختی او را می شناختم.

در حین کار در لنینگراد، من و پاول وارفولومیویچ گاهی مجبور بودیم در خود موزه روسیه شام ​​بخوریم. غذای آنجا منزجر کننده بود، اما هیچ کاری نمی شد کرد - همیشه امکان بازنشستگی در هتل اروپایی یا خانه دانشمندان وجود نداشت. یادم می آید که با پاول وارفولومیویچ نشسته بودیم و او یک دم ماهی بلند را از سوپی که برایش سرو کردند بیرون آورد. پیشخدمت را صدا کرد و خیلی آرام از او پرسید: «چی به من دادی، سوپ ماهی یا سوپ کلم؟» گفت: شی. سپس دم ماهی را به او نشان داد و باعث شرمندگی او شد. من از علاقه جدی او به این که بدانم در واقع چه چیزی به او خدمت شده است، خیلی خوشم آمد.

ملاقات ما با او در گورزوف در اوایل دهه 50 برای من بسیار خوشایند بود، زمانی که او شروع به نقاشی پرتره من کرد. او چندین بار در مسکو به من این پیشنهاد را داد، اما در مسکو فرصتی برای ژست گرفتن نداشتم و در گورزوف هیچ بهانه ای برای امتناع نداشتم. او من را در بالای خانه کورووینسکایا در مقابل پس‌زمینه دریا نشاند و یک سر بزرگ قرمز روشن، شبیه به یک گوجه‌فرنگی باشکوه در پس زمینه دریای آبی خیره‌کننده نقاشی کرد. او این پرتره را با کمال میل کشید و من به شدت متاسفم که جایی توهین کرده است. اما اخیراً به من گفته شد که پس از مرگ کوزنتسوف و همسرش (آنها فرزندی نداشتند) هر آنچه در کارگاه باقی مانده بود به ساراتوف و به موزه رادیشچف رفت. ممکن است پرتره من به آنجا ختم شود. شباهت های آنجا، شاید، خیلی زیاد نبود، اما خود خاطره به سادگی دلپذیر است. من هنوز می توانم او را ببینم که چگونه می نشیند و با لذت بسیار همین تضاد قرمز روشن با آبی روشن را می نویسد. اما راستش را بخواهید نشستن برایم سخت بود، چون همسرش ببوتووا که او هم هنرمند بود تصمیم گرفت در این نشست مرا با صحبت های آموخته سرگرم کند. صحبت ها، با تمام تلاش های او برای یادگیری، طوری بود که من به سختی می توانستم از خنده خودداری کنم. او هم فردی ساده و بی گناه بود.

دوستی نزدیک با کوزنتسوف به سختی می توانست ایجاد شود - ما افراد بسیار متفاوتی بودیم. اما من از او با احترام فراوان یاد می کنم. و او هنرمند بسیار خوبی است که در نمایشگاه اخیر او به همراه ماتویف نشان داده شد.

اما ماتویف، آشنایی با او، که به روابط بسیار خوبی تبدیل شد، یکی از مهمترین "دستاوردهای" من بود. او مردی بسیار سختگیر، بسیار ساکت، بسیار خویشتن دار، گوشه گیر، آهسته و کم کار بود و سال ها از تک تک کارهایش مراقبت می کرد. بعد از او چیزهای زیادی باقی نمانده است، اما آنها فوق العاده هستند.

در همین زمان، نه دیرتر از اواسط دهه 1930، با ساریان آشنا شدم. این یکی از اتفاقات بسیار مهم در زندگینامه هنری من است. اصلاً یادم نیست کی و کجا او را دیدم، زیرا او برای دیدن من به موزه نیامده بود، چون در زمینه گرافیک فعالیت خاصی نداشت و در نمایشگاه هایی که من برگزار می کردم شرکت نمی کرد. . و خود او در سال 1932 در لنینگراد نبود. دیوار او وجود داشت، در ترکیب آن کاملاً تصادفی، به طور کلی با سطح و اهمیت آن مطابقت نداشت، اگرچه زیبا بود. اما در مقایسه با سه دیوار درخشان دیگر همان سالن - پتروف - وودکین ، شوچنکو و کوزنتسوف ، او متواضع تر به نظر می رسید ، اگرچه در نتایج مسیر خلاقانه خود با گل های زیادی از هر سه پیشی گرفت. من یک مقاله بسیار ستایش آمیز و صرفاً مشتاقانه در مورد او در سال 1936 نوشتم که قبلاً او را می شناختم و این مقاله شروع دوستی پایداری بود که تا پایان زندگی ساریان زنده ماند. اتفاقاً این مقاله در Literaturnaya gazeta 1936 باعث نارضایتی شدید Kemenov شد که در آن زمان مانند من در Literaturnaya Gazeta به عنوان منتقد کار می کرد. ما تقریباً به نوبه خود با او منتشر کردیم و بر مواضع کاملاً متضاد ایستادیم و با یکدیگر مخالفت کردیم.

پس از جنگ، من اغلب ساریان را می دیدم - هر بار که به مسکو می آمد. من بعداً چندین بار در مورد او نوشتم، قبلاً در دهه 60 و بعد از آن. هیچ چیزی برای توصیف ساریان وجود ندارد - همه او را می شناسند ، اما من همیشه تحت تأثیر نوعی کودکانه بودن این شخص قرار می گرفتم ، تحسین آشکار و مبتکرانه او برای زیبایی دنیای واقعی ، نگرش خوش اخلاق بی پایان او نسبت به مردم ، اگرچه او کاملاً فهمید که همه با او چگونه رفتار می کنند. در سال 1952، در بحث نمایشگاه سالگرد، بوریس ویمارن با طنزهای غیرمعمول پرشور صحبت کرد و از هیئت داوران غیراصولی که نقاشی های وحشتناک ساریان را به نمایشگاه بردند بسیار خشمگین شد. سپس، تنها پنج سال بعد، همین نقاشی‌ها جایزه لنین را به ساریان دادند، بنابراین ویمارن فقط این را به دست آورد که ساریان تا پایان روزگارش خود را جز «این وایمارن حرامزاده» بیان نکرده است. و این با همه مهربانی و نور خورشید او که نه تنها در نقاشی ساریان، بلکه در تمام رفتارش، در تمام ظاهرش - تجسم خورشید و حتی خورشید ارمنستان - بود. این یک خورشید بسیار خاص است. یکی از زیباترین کشورهای روی زمین ارمنستان است. این را در سال های پس از جنگ که دو بار آنجا بودم یاد گرفتم.

من به خوبی به یاد دارم که چگونه من و پدرم از ساریان در کارگاه او در ایروان در "خیابان ساریان" بازدید کردیم، چگونه او آثار خود را به ما نشان داد - چه در اوایل و چه اخیراً نقاشی های بسیار غم انگیز و قوی سه پایه ساخته شده است. از گرما ، پدرم شروع به خونریزی شدید بینی کرد ، - ساریان به شدت هیجان زده بود ، پدرش را روی کاناپه گذاشت ، با مراقبت لمسی از او مراقبت کرد. او قبلاً بسیار پیر بود و اگرچه هنوز باهوش بود ، اما بسیار غمگین بود - اندکی قبل از آن ، پسرش در یک تصادف رانندگی جان باخت. .

گوگول و هنرمندان شاد نویسنده ای است که در گذشته شخصیت های کسل کننده و زننده و در واقعیت غم انگیز خود به شخصیت هایی نزدیک می شود که وقار بالای یک فرد را نشان می دهد ... گوگول، "ارواح مرده" برای آیندگان، ارتباط گوگول با ایوانف حفظ شده است.

نقاشان و مجسمه سازان هنرمندانی هستند که من اکنون کارهایشان را تحسین می کنم، اما در جوانی یاد گرفتم که کارهای بسیاری از هنرمندان را تحسین کنم. بیشتر از همه من امپرسیونیست ها را دوست دارم. سزان خدای من است. او همیشه جایی برای تخیل باقی می گذارد. او بس است

هنرمندانی که اولین بار در سال 1904 با هنرمندان دنیای هنر آشنا شدم. یکی از کارمندان "راه نو" و یکی از دوستان نزدیک A. N. Benois مرا به ژورفیکس نزد این رهبر و معذرت خواهی استادان سن پترزبورگ برد. متعاقباً فهمیدم که در آن روزها هنرمندان به من نگاه می کردند

هنرمندان قلم موی هنرمند همه جا راه می یابد. و به وسوسه پلیس های نگهبان، هنرمندان ناشناس اروپا با رنگ روی سنگفرش های تاریک می نویسند. زیر کفی های دوران راهپیمایی نقاشی ها خوابیده، خندان و غمگین هستند. اما هم آنهایی که خوب هستند و هم آنهایی که بد هستند بعد از اولی ناپدید می شوند

هنرمندان یاکوف وینکووتسکی که خود یک هنرمند بود، اگرچه حرفه ای نبود، من را با دو نفر دیگر آشنا کرد - نه فقط حرفه ای، بلکه قهرمانان، قهرمانان هنر خود، که علیرغم مهارت و قهرمانی فوق العاده خود، هرگز موفق یا موفق نشدند.

هنرمندان کنستانتین کورووین در پاریس زندگی می کند. چقدر افکار در مورد نقاشی ملی روسیه با این نام مرتبط است. بسیاری از مردم آن را به عنوان نام یک دکوراتور بزرگ، مجری طیف گسترده ای از کارهای تئاتری به یاد می آورند. اما این تنها بخشی از ماهیت Korovin است.

هنرمندان مکزیکی زندگی فکری مکزیک تحت سلطه هنرمندان بود، این هنرمندان کل شهر مکزیکوسیتی را با صحنه هایی از تاریخ و جغرافیا، تصاویری با موضوعات مدنی، که در آن فلز جنجال به صدا درآمد، نقاشی کردند. Clemon-te Orozco، لاغر

هنرمندان در موزه آغاز آشنایی با هنرمندان - بازدیدکنندگان از کابینت حکاکی. رودیونوف، فاورسکی، اشترنبرگ، گونچاروف، کوپریانف، شوچنکو، برونی، تاتلی

هنرمندان پدرم ولادیمیر یک بازسازی دیگر در کلیسا داشت، آنها نقاشی ها را شستند و سقف ها را نقاشی کردند. معبد لوسینکا قدیمی نیست و در سال 1918 ساخته شده است. قبل از انقلاب وقت نداشتند دیوارهایش را رنگ کنند و بعد هم وقت زیبایی نبود. بنابراین پدرم که رئیس دانشگاه شد تصمیم گرفت

هنرمندان «ضد شوروی» تمرین بیش از 70 ساله (1991-1917) مبارزه به اصطلاح «بی‌رحمانه، سازش ناپذیر» علیه مخالفان سیاسی، مخالفان شوروی، مملو از بیش از صد نفر است. تبانی مخفیانه کارگزاران حزب با این دسته

هنرمندان عزیز اولگ لئونیدوویچ! یک منتقد هنری محلی با عجله از من می پرسد که هنرمندان در مسکو چگونه زندگی می کنند و درآمد واقعی آنها چقدر است؟ من این داده ها را ندارم شنیده ایم که نویسندگان پول خوبی به دست می آورند و دستمزد سالانه تولستوی و شولوخوف

هنرمندان مانند دیوانگان زیبا هستند امروز ما از سرگئی شوکین و ایوان موروزوف نه تنها به خاطر مجموعه آنها، بلکه به خاطر ذوق رویایی آنها و توانایی آنها در حدس زدن موج بعدی روند هنری ادای احترام می کنیم. و به دور از سادگی بود. همانطور که اشاره شد

هنرمندان علاقه به هنر، گوگول را به مستعمره هنرمندان روسی در رم نزدیک کرد. آنها در یک شرکت دوستانه زندگی می کردند و با یارانه های متوسطی که آکادمی هنر صادر می کرد زنده ماندند. در میان آنها استعدادهای برجسته ای بودند که به افتخار هنر روسیه تبدیل شدند. گوگول نیست

هنرمندان ایرینا برزسکا، هنرمند (استونی) "این پرتره روی جلد یک رکورد قرار گرفت" بازتولید نقاشی ایرینا برزکا از رکورد آنا آلمانی، 1977 بسیاری از مردم پرتره این هنرمند تالینی را می شناسند: این پرتره روی جلد یکی از بهترین ها را زینت می دهد. صفحه های گرامافون معروف

"بازیکنان کارت"

نویسنده

پل سزان

کشور فرانسه
سالهای زندگی 1839–1906
سبک پست امپرسیونیسم

این هنرمند در جنوب فرانسه در شهر کوچک اکس آن پروونس به دنیا آمد، اما نقاشی را در پاریس آغاز کرد. موفقیت واقعی پس از یک نمایشگاه انفرادی که توسط کلکسیونر Ambroise Vollard ترتیب داده شد، به او رسید. در سال 1886، 20 سال قبل از خروج، او به حومه شهر زادگاهش نقل مکان کرد. هنرمندان جوان سفر به او را "زیارت ایکس" نامیدند.

130x97 سانتی متر
1895
قیمت
250 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2012
در حراج خصوصی

کار سزان به راحتی قابل درک است. تنها قانون هنرمند انتقال مستقیم موضوع یا طرح به بوم بود، بنابراین نقاشی های او باعث سرگردانی بیننده نمی شود. سزان در هنر خود دو سنت اصلی فرانسوی را ترکیب کرد: کلاسیک و رمانتیسم. او با کمک بافت رنگارنگ، به شکل اجسام خاصیت شکل پذیری شگفت انگیزی بخشید.

مجموعه ای از پنج نقاشی "بازیکنان کارت" در سالهای 1890-1895 نوشته شد. طرح آنها یکسان است - چند نفر با اشتیاق در حال بازی پوکر هستند. آثار فقط در تعداد بازیکنان و اندازه بوم متفاوت است.

چهار تابلو در موزه‌های اروپا و آمریکا نگهداری می‌شود (موزه اورسای، موزه متروپولیتن، بنیاد بارنز و موسسه هنر کورتولد)، و پنجمین تا همین اواخر، زینت مجموعه خصوصی بود. جورج امبیریکوس، مالک کشتی میلیاردر یونانی. اندکی قبل از مرگش، در زمستان 2011، تصمیم گرفت آن را برای فروش بگذارد. خریداران بالقوه اثر «رایگان» سزان، دلال هنری ویلیام آکواولا و گالری دار مشهور جهان لری گاگوسیان بودند که حدود 220 میلیون دلار برای آن پیشنهاد کردند. در نتیجه این تابلو به مبلغ 250 میلیون به خانواده سلطنتی کشور عربی قطر رسید.بزرگترین معامله هنری در تاریخ نقاشی در فوریه 2012 بسته شد. این را الکساندرا پیرس روزنامه نگار به Vanity Fair گزارش کرد. او از هزینه نقاشی و نام صاحب جدید مطلع شد و سپس این اطلاعات در رسانه های سراسر جهان رخنه کرد.

در سال 2010، موزه هنر مدرن عرب و موزه ملی قطر در قطر افتتاح شد. اکنون مجموعه آنها در حال رشد است. شاید نسخه پنجم The Card Players توسط شیخ به همین منظور خریداری شده باشد.

بیشترینعکس گران قیمتدر جهان

مالک
شیخ حمد
بن خلیفه آل ثانی

خاندان آل ثانی بیش از 130 سال بر قطر حکومت کرده است. حدود نیم قرن پیش، ذخایر عظیم نفت و گاز در اینجا کشف شد که بلافاصله قطر را به یکی از غنی ترین مناطق جهان تبدیل کرد. به لطف صادرات هیدروکربن، این کشور کوچک بیشترین تولید ناخالص داخلی سرانه را به ثبت رساند. شیخ حمد بن خلیفه آل ثانی در سال 1995 در حالی که پدرش در سوئیس بود با حمایت اعضای خانواده قدرت را به دست گرفت. شایستگی حاکم فعلی، به گفته کارشناسان، در راهبرد روشن برای توسعه کشور، ایجاد تصویری موفق از دولت است. قطر هم اکنون دارای قانون اساسی و نخست وزیر است و زنان حق رای در انتخابات پارلمانی را به دست آورده اند. به هر حال، این امیر قطر بود که کانال خبری الجزیره را تأسیس کرد. مقامات کشور عرب توجه زیادی به فرهنگ دارند.

2

"شماره 5"

نویسنده

جکسون پولاک

کشور ایالات متحده آمریکا
سالهای زندگی 1912–1956
سبک اکسپرسیونیسم انتزاعی

جک آبپاش - چنین لقبی توسط مردم آمریکا به پولاک برای تکنیک خاص نقاشی او داده شد. هنرمند قلم مو و سه پایه را رها کرده و در حین حرکت مداوم در اطراف و داخل آنها، رنگ را روی سطح بوم یا تخته فیبر می‌ریخت. او از همان دوران کودکی به فلسفه جیدو کریشنامورتی علاقه داشت که پیام اصلی آن این است که حقیقت در خلال یک "سرریز" آزاد آشکار می شود.

122x244 سانتی متر
1948
قیمت
140 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج ساتبیز

ارزش کار پولاک در نتیجه نیست، بلکه در فرآیند است. نویسنده تصادفاً هنر خود را «نقاشی اکشن» نامیده است. با دست سبک او به سرمایه اصلی آمریکا تبدیل شد. جکسون پولاک رنگ را با ماسه، شیشه شکسته مخلوط کرد و با یک تکه مقوا، یک چاقوی پالت، یک چاقو، یک بیل نوشت. این هنرمند به قدری محبوب بود که در دهه 1950 حتی مقلدانی در اتحاد جماهیر شوروی وجود داشت. تابلوی "شماره 5" به عنوان یکی از عجیب ترین و گران ترین نقاشی های جهان شناخته می شود. یکی از بنیانگذاران DreamWorks، دیوید گفن، آن را برای یک مجموعه خصوصی خرید و در سال 2006 آن را در ساتبیز به قیمت 140 میلیون دلار به کلکسیونر مکزیکی دیوید مارتینز فروخت. با این حال، این شرکت حقوقی به زودی یک بیانیه مطبوعاتی از طرف موکل خود منتشر کرد که در آن اعلام کرد که دیوید مارتینز صاحب این نقاشی نیست. فقط یک چیز به طور قطع شناخته شده است: سرمایه دار مکزیکی واقعاً اخیراً آثار هنر معاصر را جمع آوری کرده است. بعید است که او چنین "ماهی بزرگ" مانند "شماره 5" پولاک را از دست داده باشد.

3

"زن سوم"

نویسنده

ویلم دی کونینگ

کشور ایالات متحده آمریکا
سالهای زندگی 1904–1997
سبک اکسپرسیونیسم انتزاعی

او که اهل هلند بود، در سال 1926 به ایالات متحده مهاجرت کرد. در سال 1948 نمایشگاه شخصی این هنرمند برگزار شد. منتقدان هنری از ترکیبات پیچیده و عصبی سیاه و سفید قدردانی کردند و در نویسنده خود یک هنرمند مدرنیست بزرگ را تشخیص دادند. بیشتر عمرش از اعتیاد به الکل رنج می برد، اما لذت خلق هنر جدید در هر اثری احساس می شود. دی کونینگ با تکانشی بودن نقاشی، سکته‌های وسیع متمایز می‌شود، به همین دلیل است که گاهی اوقات تصویر در محدوده‌های بوم قرار نمی‌گیرد.

121x171 سانتی متر
1953
قیمت
137 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج خصوصی

در دهه 1950، زنانی با چشمان خالی، سینه های حجیم و ویژگی های زشت در نقاشی های دو کونینگ ظاهر می شوند. «زن سوم» آخرین اثر از این مجموعه شرکت کننده در حراج بود.

از دهه 1350 این تابلو در موزه هنرهای مدرن تهران نگهداری می شد، اما پس از اعمال قوانین سختگیرانه اخلاقی در کشور، به دنبال خلاصی از آن برآمدند. در سال 1994 این اثر از ایران خارج شد و 12 سال بعد صاحب آن دیوید گفن (همان تهیه کننده ای که «شماره 5» جکسون پولاک را فروخت) این نقاشی را به مبلغ 137.5 میلیون دلار به میلیونر استیون کوهن فروخت. جالب است که در یک سال گفن شروع به فروش مجموعه نقاشی های خود کرد. این باعث شایعات زیادی شد: به عنوان مثال، اینکه تهیه کننده تصمیم به خرید لس آنجلس تایمز گرفته است.

در یکی از انجمن های هنری، نظری در مورد شباهت "زن سوم" با نقاشی لئوناردو داوینچی "بانوی با ارمینه" بیان شد. در پشت لبخند دندان‌دار و چهره بی‌شکل قهرمان قهرمان، خبره نقاشی، لطف فردی با خون سلطنتی را تشخیص داد. این را نیز تاج ضعیفی که تاج سر یک زن را نشان می دهد، نشان می دهد.

4

"پرتره ادلبلوخ-بائر اول"

نویسنده

گوستاو کلیمت

کشور اتریش
سالهای زندگی 1862–1918
سبک نوین

گوستاو کلیمت در خانواده یک حکاکی به دنیا آمد و دومین فرزند از هفت فرزند بود. سه پسر ارنست کلیمت هنرمند شدند و تنها گوستاو در سراسر جهان مشهور شد. او بیشتر دوران کودکی خود را در فقر گذراند. پس از مرگ پدرش مسئولیت تمام خانواده بر عهده او بود. در این زمان بود که کلیمت سبک خود را توسعه داد. قبل از نقاشی های او، هر بیننده ای یخ می زند: زیر ضربات نازک طلا، اروتیسم صریح به وضوح قابل مشاهده است.

138x136 سانتی متر
1907
قیمت
135 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج ساتبیز

سرنوشت این نقاشی که "مونالیزای اتریشی" نامیده می شود، به راحتی می تواند مبنایی برای یک پرفروش شود. کار این هنرمند باعث درگیری کل ایالت و یک خانم مسن شد.

بنابراین، "پرتره آدل بلوخ-بائر اول" یک اشراف زاده، همسر فردیناند بلوخ را به تصویر می کشد. آخرین وصیت او انتقال نقاشی به گالری دولتی اتریش بود. با این حال، بلوخ در وصیت نامه خود این کمک مالی را لغو کرد و نازی ها این نقاشی را مصادره کردند. بعداً ، گالری به سختی آدل طلایی را خرید ، اما سپس وارث ظاهر شد - ماریا آلتمن ، خواهرزاده فردیناند بلوخ.

در سال 2005، دادگاه پرمخاطب "ماریا آلتمن علیه جمهوری اتریش" آغاز شد، در نتیجه این تصویر با او به لس آنجلس رفت. اتریش اقدامات بی سابقه ای انجام داد: وام ها مورد مذاکره قرار گرفت، مردم برای خرید پرتره پول اهدا کردند. خیر هرگز بر شر غلبه نکرد: آلتمن قیمت را به 300 میلیون دلار افزایش داد. در زمان محاکمه، او 79 ساله بود و به عنوان فردی که اراده بلوخ باوئر را به نفع منافع شخصی تغییر داد، در تاریخ ثبت شد. این نقاشی توسط رونالد لادر، صاحب گالری نیو در نیویورک خریداری شد و تا به امروز در آنجا باقی مانده است. نه برای اتریش، برای او آلتمن قیمت را به 135 میلیون دلار کاهش داد.

5

"جیغ"

نویسنده

ادوارد مونک

کشور نروژ
سالهای زندگی 1863–1944
سبک اکسپرسیونیسم

اولین نقاشی مونک که در سراسر جهان به شهرت رسید، "دختر بیمار" (در پنج نسخه موجود است) به خواهر این هنرمند که در سن 15 سالگی بر اثر بیماری سل درگذشت، تقدیم شده است. مونک همیشه به موضوع مرگ و تنهایی علاقه داشته است. در آلمان، نقاشی سنگین و شیدایی او حتی یک رسوایی را برانگیخت. با این حال، با وجود توطئه های افسرده، نقاشی های او دارای خاصیت مغناطیسی است. حداقل "جیغ" را بگیرید.

73.5x91 سانتی متر
1895
قیمت
119.992 میلیون دلار
فروخته شده در 2012
در حراج ساتبیز

نام کامل نقاشی Der Schrei der Natur (از آلمانی به عنوان "فریاد طبیعت" ترجمه شده است). چهره یک شخص یا یک بیگانه بیانگر ناامیدی و وحشت است - بیننده هنگام تماشای تصویر همان احساسات را تجربه می کند. یکی از آثار کلیدی اکسپرسیونیسم به مضامینی هشدار می دهد که در هنر قرن بیستم حاد شده اند. طبق یک نسخه، این هنرمند آن را تحت تأثیر یک اختلال روانی ایجاد کرد که در تمام زندگی خود از آن رنج می برد.

این تابلو دو بار از موزه های مختلف به سرقت رفت، اما پس داده شد. The Scream که پس از سرقت اندکی آسیب دیده بود بازسازی شد و آماده نمایش مجدد در موزه مونک در سال 2008 شد. برای نمایندگان فرهنگ پاپ، این اثر به منبع الهام تبدیل شد: اندی وارهول مجموعه ای از نسخه های چاپی آن را ایجاد کرد و ماسک فیلم "جیغ" به تصویر و شباهت قهرمان تصویر ساخته شد.

برای یک طرح، مونک چهار نسخه از این اثر را نوشت: نسخه ای که در یک مجموعه خصوصی است به رنگ پاستل ساخته شده است. پتر اولسن، میلیاردر نروژی، آن را در 2 می 2012 به حراج گذاشت. خریدار لئون بلک بود که برای فیلم «جیغ» رکوردی دریغ نکرد. بنیانگذار Apollo Advisors، L.P. و Lion Advisors، L.P. به خاطر عشقش به هنر معروف است. بلک حامی کالج دارتموث، موزه هنر مدرن، مرکز هنر لینکلن و موزه هنر متروپولیتن است. این مجموعه دارای بزرگترین مجموعه نقاشی های هنرمندان معاصر و استادان کلاسیک قرن های گذشته است.

6

"برهنه در پس زمینه نیم تنه و برگ های سبز"

نویسنده

پابلو پیکاسو

کشور اسپانیا، فرانسه
سالهای زندگی 1881–1973
سبک کوبیسم

در اصل او یک اسپانیایی است، اما از نظر روحی و محل زندگی او یک فرانسوی واقعی است. پیکاسو زمانی که تنها 16 سال داشت استودیوی هنری خود را در بارسلونا افتتاح کرد. سپس به پاریس رفت و بیشتر عمر خود را در آنجا گذراند. به همین دلیل استرس مضاعفی در نام خانوادگی او وجود دارد. سبک ابداع شده توسط پیکاسو بر اساس انکار این عقیده است که شی تصویر شده روی بوم را می توان تنها از یک زاویه دید.

130x162 سانتی متر
1932
قیمت
106.482 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2010
در حراج کریستیز

این هنرمند در طول کار خود در رم با رقصنده اولگا خوخلوا آشنا شد که به زودی همسر او شد. او به ولگردی پایان داد، با او به یک آپارتمان مجلل نقل مکان کرد. در آن زمان، شناخت یک قهرمان پیدا کرده بود، اما ازدواج از بین رفت. یکی از گران‌ترین نقاشی‌های جهان تقریباً به‌طور تصادفی خلق شد - به دلیل عشق زیاد، که مانند همیشه با پیکاسو، عمر کوتاهی داشت. در سال 1927، او به ماری ترز والتر جوان علاقه مند شد (او 17 ساله بود، او 45 ساله بود). او مخفیانه از همسرش به همراه معشوقه خود به شهری در نزدیکی پاریس رفت و در آنجا پرتره ای را کشید که ماری ترز را به تصویر دافنه نشان می داد. این تابلو توسط فروشنده نیویورکی پل روزنبرگ خریداری شد و در سال 1951 به سیدنی اف برودی فروخته شد. خانواده برودی ها این نقاشی را تنها یک بار به دنیا نشان دادند و آن هم فقط به این دلیل که هنرمند 80 ساله بود. پس از مرگ همسرش، خانم برودی این اثر را در مارس 2010 در حراج کریستی به حراج گذاشت. در شش دهه، قیمت بیش از 5000 برابر شده است! یک کلکسیونر ناشناس آن را به قیمت 106.5 میلیون دلار خرید. در سال 2011، "نمایشگاه تک نقاشی" در بریتانیا برگزار شد، جایی که برای دومین بار نور را دید، اما نام صاحب آن هنوز مشخص نیست.

7

"هشت الویس"

نویسنده

اندی وارهول

کشور ایالات متحده آمریکا
سالهای زندگی 1928-1987
سبک
هنر پاپ

اندی وارهول، هنرمند مشهور پاپ، کارگردان و یکی از بنیانگذاران مجله Interview، طراح، گفت: "سکس و مهمانی ها تنها مکان هایی هستند که باید شخصاً در آن ظاهر شوید." او با Vogue و Harper's Bazaar کار کرد، جلدهای ضبط را طراحی کرد و برای I.Miller کفش طراحی کرد. در دهه 1960، نقاشی هایی ظاهر شد که نمادهای آمریکا را نشان می داد: سوپ کمپبل و کوکاکولا، پریسلی و مونرو - که او را به یک افسانه تبدیل کرد.

358x208 سانتی متر
1963
قیمت
100 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج خصوصی

دهه 60 وارهول - به اصطلاح عصر هنر پاپ در آمریکا. در سال 1962، او در منهتن در استودیوی Factory، جایی که تمام مردم بوهمای نیویورک جمع شده بودند، کار کرد. درخشان ترین نمایندگان آن: میک جگر، باب دیلن، ترومن کاپوتی و دیگر شخصیت های مشهور جهان. در همان زمان، وارهول تکنیک چاپ سیلک را امتحان کرد - تکرارهای متعدد یک تصویر. او هنگام خلق «هشت الویس» نیز از این روش استفاده کرد: به نظر می رسد بیننده فریم هایی از فیلمی را می بیند که ستاره در آن زنده می شود. همه چیزهایی که این هنرمند خیلی دوست داشت اینجاست: یک تصویر عمومی برد-برد، رنگ نقره ای و پیشگویی از مرگ به عنوان پیام اصلی.

دو دلال هنری وجود دارند که آثار وارهول را در بازار جهانی امروز تبلیغ می کنند: لری گاگوسیان و آلبرتو موگرابی. اولین در سال 2008، 200 میلیون دلار برای خرید بیش از 15 اثر وارهول هزینه کرد. دومی نقاشی‌هایش را مانند کارت‌های کریسمس می‌خرد و می‌فروشد، فقط گران‌تر. اما این آنها نبودند، بلکه فیلیپ سگالو، مشاور هنری متواضع فرانسوی بود که به آنیبال برلینگیری، کارشناس هنر رومی کمک کرد تا هشت الویس را به خریدار ناشناس به قیمت رکورد وارهول 100 میلیون دلار بفروشد.

8

"نارنجی،زرد قرمز"

نویسنده

مارک روتکو

کشور ایالات متحده آمریکا
سالهای زندگی 1903–1970
سبک اکسپرسیونیسم انتزاعی

یکی از خالقان نقاشی میدان رنگی در دوینسک روسیه (در حال حاضر داوگاوپیلس، لتونی) در خانواده ای بزرگ از یک داروساز یهودی متولد شد. در سال 1911 آنها به ایالات متحده مهاجرت کردند. روتکو در بخش هنر دانشگاه ییل تحصیل کرد، بورسیه تحصیلی گرفت، اما احساسات ضدیهودی او را مجبور به ترک تحصیل کرد. با وجود همه چیز، منتقدان هنری این هنرمند را بت می‌دانستند و موزه‌ها او را در تمام زندگی تعقیب می‌کردند.

206x236 سانتی متر
1961
قیمت
86.882 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2012
در حراج کریستیز

اولین آزمایش‌های هنری روتکو جهت‌گیری سوررئالیستی بود، اما با گذشت زمان او طرح را ساده‌تر کرد تا لکه‌ها را رنگی کند و آنها را از هرگونه عینیت محروم کرد. در ابتدا رنگ‌های روشن داشتند و در دهه 1960 با رنگ‌های قهوه‌ای، ارغوانی و تا زمان مرگ هنرمند پر شدند. مارک روتکو هشدار داد که در نقاشی هایش به دنبال هر معنایی نباشید. نویسنده می خواست دقیقاً همان چیزی را که گفته است بگوید: فقط رنگی که در هوا حل می شود و نه بیشتر. او توصیه کرد از فاصله 45 سانتی متری به آثار نگاه کنید تا بیننده مانند داخل قیف به داخل رنگ «کشیده شود». احتیاط: مشاهده مطابق با تمام قوانین می تواند منجر به تأثیر مراقبه شود، یعنی آگاهی از بی نهایت به تدریج می آید، غوطه ور شدن کامل در خود، آرامش، پاکسازی. رنگ در نقاشی های او زندگی می کند، نفس می کشد و تأثیر عاطفی قوی دارد (گاهی گفته می شود که شفابخش است). این هنرمند گفت: "بیننده باید با نگاه کردن به آنها گریه کند" - و واقعاً چنین مواردی وجود داشت. طبق نظریه روتکو، در این لحظه مردم همان تجربه معنوی را که او در فرآیند کار روی تصویر داشت، تجربه می کنند. اگر توانستید آن را در چنین سطح ظریفی درک کنید، تعجب نکنید که این آثار انتزاعی گرایی اغلب توسط منتقدان با نمادها مقایسه می شوند.

اثر «نارنجی، قرمز، زرد» بیانگر ماهیت نقاشی مارک روتکو است. هزینه اولیه آن در حراج کریستیز در نیویورک 35 تا 45 میلیون دلار است. یک خریدار ناشناس قیمتی دو برابر تخمین زده است. نام صاحب خوشبخت این نقاشی، همانطور که اغلب اتفاق می افتد، فاش نشد.

9

"سه گانه"

نویسنده

فرانسیس بیکن

کشور
بریتانیای کبیر
سالهای زندگی 1909–1992
سبک اکسپرسیونیسم

ماجراهای فرانسیس بیکن، همنام کامل و علاوه بر این، از نوادگان دور فیلسوف بزرگ، زمانی آغاز شد که پدرش او را انکار کرد، زیرا نمی توانست تمایلات همجنس گرایی پسرش را بپذیرد. بیکن ابتدا به برلین، سپس به پاریس رفت و سپس ردپای او در سراسر اروپا گیج شده است. حتی در زمان حیاتش، آثار او در مراکز فرهنگی برجسته جهان از جمله موزه گوگنهایم و گالری ترتیاکوف به نمایش گذاشته شد.

147.5x198 سانتی متر (هر کدام)
1976
قیمت
86.2 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج ساتبیز

موزه‌های معتبر تلاش می‌کردند تا نقاشی‌های بیکن را در اختیار داشته باشند، اما عموم مردم انگلیسی اولیه عجله‌ای برای دستیابی به چنین هنری نداشتند. مارگارت تاچر، نخست وزیر افسانه ای بریتانیا درباره او گفت: مردی که این تصاویر وحشتناک را ترسیم می کند.

خود هنرمند دوره شروع کار خود را دوره پس از جنگ دانست. پس از بازگشت از خدمت، دوباره به نقاشی پرداخت و شاهکارهای اصلی را خلق کرد. پیش از شرکت «تریپتیک، 1976» در حراج، گران ترین اثر بیکن «مطالعه برای پرتره پاپ اینوسنت ایکس» (52.7 میلیون دلار) بود. در "تریپتیک، 1976" هنرمند طرح اسطوره ای آزار و اذیت اورست توسط خشم را به تصویر کشید. البته اورستس خود بیکن است و خشم عذاب اوست. برای بیش از 30 سال، این نقاشی در یک مجموعه خصوصی بود و در نمایشگاه ها شرکت نمی کرد. این واقعیت به آن ارزش ویژه ای می بخشد و بر این اساس هزینه را افزایش می دهد. اما چند میلیون برای یک هنرشناس و حتی سخاوتمند در زبان روسی چیست؟ رومن آبراموویچ شروع به ایجاد مجموعه خود در دهه 1990 کرد، در این مورد او به طور قابل توجهی تحت تأثیر دوست دختر خود داشا ژوکوا قرار گرفت که به یک گالری دار شیک در روسیه مدرن تبدیل شده است. بر اساس داده های غیررسمی، این تاجر صاحب آثاری از آلبرتو جاکومتی و پابلو پیکاسو است که به مبلغ بیش از 100 میلیون دلار خریداری شده است. در سال 2008، او صاحب سه گانه شد. به هر حال، در سال 2011، اثر ارزشمند دیگری از بیکن به دست آمد - "سه طرح برای پرتره لوسیان فروید". منابع پنهان می گویند که رومن آرکادیویچ دوباره خریدار شد.

10

"برکه با نیلوفرهای آبی"

نویسنده

کلود مونه

کشور فرانسه
سالهای زندگی 1840–1926
سبک امپرسیونیسم

این هنرمند به عنوان بنیانگذار امپرسیونیسم شناخته می شود که این روش را در بوم های خود "اختراع" کرد. اولین اثر قابل توجه نقاشی "صبحانه روی چمن" (نسخه اصلی کار ادوارد مانه) بود. او در جوانی کاریکاتور می کشید و در سفرهایش در ساحل و در هوای آزاد به نقاشی واقعی پرداخت. او در پاریس سبک زندگی غیرمعمولی داشت و حتی پس از خدمت در ارتش آن را ترک نکرد.

210x100 سانتی متر
1919
قیمت
80.5 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج کریستیز

علاوه بر این واقعیت که مونه یک هنرمند بزرگ بود، او همچنین مشتاقانه به باغبانی مشغول بود، حیات وحش و گل ها را می پرستید. در مناظر او، وضعیت طبیعت لحظه ای است، به نظر می رسد اشیاء با حرکت هوا تار می شوند. این تصور با ضربه های بزرگ تقویت می شود، از فاصله معینی نامرئی می شوند و در یک تصویر بافت دار و سه بعدی ادغام می شوند. در تابلوی مونه فقید مضمون آب و زندگی در آن جایگاه ویژه ای دارد. در شهر گیورنی، این هنرمند حوضچه ای داشت که در آن نیلوفرهای آبی را از دانه هایی که مخصوصاً توسط او از ژاپن آورده شده بود پرورش داد. وقتی گل هایشان شکوفا شد، شروع به نقاشی کرد. مجموعه نیلوفرهای آبی شامل 60 اثر است که این هنرمند تقریباً 30 سال تا زمان مرگش نقاشی کرده است. بینایی او با افزایش سن بدتر شد، اما او متوقف نشد. بسته به باد، فصل و آب و هوا، منظره برکه مدام در حال تغییر بود و مونه می خواست این تغییرات را به تصویر بکشد. با کار دقیق، درک ماهیت طبیعت به او رسید. برخی از نقاشی‌های این مجموعه در گالری‌های برجسته جهان نگهداری می‌شوند: موزه ملی هنر غربی (توکیو)، اورنجری (پاریس). نسخه بعدی «برکه با نیلوفرهای آبی» با رقم بی سابقه ای به دست خریدار ناشناس رفت.

11

ستاره کاذب تی

نویسنده

جاسپر جانز

کشور ایالات متحده آمریکا
سال تولد 1930
سبک هنر پاپ

در سال 1949، جونز وارد مدرسه طراحی در نیویورک شد. او در کنار جکسون پولاک، ویلم دی کونینگ و دیگران به عنوان یکی از هنرمندان اصلی قرن بیستم شناخته می شود. او در سال 2012 مدال آزادی ریاست جمهوری را دریافت کرد که بالاترین جایزه غیرنظامی در ایالات متحده است.

137.2x170.8 سانتی متر
1959
قیمت
80 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج خصوصی

جونز مانند مارسل دوشان با اشیاء واقعی کار می کرد و آنها را بر روی بوم و مجسمه سازی کاملاً مطابق با نمونه اصلی به تصویر می کشید. او برای کارهایش از اشیاء ساده و قابل فهم برای همه استفاده می کرد: بطری آبجو، پرچم یا نقشه. هیچ ترکیب واضحی در تصویر شروع نادرست وجود ندارد. به نظر می رسد هنرمند در حال بازی با بیننده است، اغلب به اشتباه رنگ های موجود در تصویر را امضا می کند و مفهوم رنگ را وارونه می کند: «من می خواستم راهی برای به تصویر کشیدن رنگ پیدا کنم تا توسط دیگران مشخص شود. روش." به گفته منتقدان، انفجاری ترین و "ناامن ترین" نقاشی او توسط یک خریدار ناشناس خریداری شد.

12

"نشستهبرهنهروی مبل"

نویسنده

آمدئو مودیلیانی

کشور ایتالیا، فرانسه
سالهای زندگی 1884–1920
سبک اکسپرسیونیسم

مودیلیانی اغلب از کودکی بیمار بود، در طی یک هذیان تب، او سرنوشت خود را به عنوان یک هنرمند تشخیص داد. او طراحی را در لیورنو، فلورانس، ونیز آموخت و در سال 1906 به پاریس رفت و هنرش در آنجا شکوفا شد.

65 در 100 سانتی متر
1917
قیمت
68.962 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2010
در حراج ساتبیز

در سال 1917، مودیلیانی با ژان هبوترن 19 ساله آشنا شد که مدل و بعدها همسرش شد. در سال 2004، یکی از پرتره های او به قیمت 31.3 میلیون دلار فروخته شد که آخرین رکورد قبل از فروش برهنه نشسته روی مبل در سال 2010 بود. این نقاشی توسط یک خریدار ناشناس با حداکثر قیمت برای مودیلیانی در حال حاضر خریداری شد. فروش فعال آثار تنها پس از مرگ این هنرمند آغاز شد. او در فقر و مبتلا به سل درگذشت و روز بعد ژان هبوترن که نه ماهه باردار بود نیز خودکشی کرد.

13

"عقاب روی کاج"

نویسنده

چی بایشی

کشور چین
سالهای زندگی 1864–1957
سبک گوهوا

علاقه به خوشنویسی کی بایشی را به نقاشی کشاند. در 28 سالگی شاگرد هنرمند هو چینگیوان شد. وزارت فرهنگ چین به او عنوان "هنرمند بزرگ مردم چین" را اعطا کرد و در سال 1956 جایزه صلح بین المللی را دریافت کرد.

10 در 26 سانتی متر
1946
قیمت
65.4 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2011
در حراج گاردین چین

چی بایشی به آن مظاهر دنیای اطراف علاقه داشت که خیلی ها به آن اهمیت نمی دهند و این عظمت اوست. مردی بدون تحصیلات استاد و خالق برجسته ای در تاریخ شد. پابلو پیکاسو درباره او گفت: من می ترسم به کشور شما بروم، زیرا در چین چی بایشی وجود دارد. ترکیب "عقاب روی درخت کاج" به عنوان بزرگترین اثر این هنرمند شناخته می شود. علاوه بر بوم، شامل دو طومار هیروگلیف است. برای چین، مقداری که محصول برای آن خریداری شده است یک رکورد است - 425.5 میلیون یوان. تنها طومار خوشنویس باستانی هوانگ تینجیان به قیمت 436.8 میلیون دلار فروخته شد.

14

"1949-A-#1"

نویسنده

کلیفورد استیل

کشور ایالات متحده آمریکا
سالهای زندگی 1904–1980
سبک اکسپرسیونیسم انتزاعی

در 20 سالگی از موزه متروپولیتن نیویورک دیدن کرد و ناامید شد. بعداً ، او برای یک دوره لیگ هنرهای دانشجویی ثبت نام کرد ، اما 45 دقیقه پس از شروع کلاس را ترک کرد - معلوم شد که "مال او نیست". اولین نمایشگاه شخصی باعث طنین انداز شد، هنرمند خود را پیدا کرد و با آن شناخت پیدا کرد

79x93 سانتی متر
1949
قیمت
61.7 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2011
در حراج ساتبیز

تمام آثار او که بیش از 800 بوم و 1600 اثر روی کاغذ است، هنوز به شهر آمریکا وصیت شده است، جایی که موزه ای به نام او افتتاح خواهد شد. دنور به چنین شهری تبدیل شد، اما فقط ساخت و ساز برای مقامات گران تمام شد و چهار اثر برای تکمیل آن به حراج گذاشته شد. بعید است آثار استیل دیگر بار دیگر به حراج گذاشته شود، که قیمت آنها را پیشاپیش افزایش داده است. تابلوی "1949-A-No.1" برای این هنرمند رکورد فروش شد، هرچند کارشناسان فروش حداکثر 25 تا 35 میلیون دلاری را پیش بینی کردند.

15

"ترکیب سوپرماتیستی"

نویسنده

کازیمیر مالویچ

کشور روسیه
سالهای زندگی 1878–1935
سبک برتری طلبی

مالویچ در مدرسه هنر کیف و سپس در آکادمی هنر مسکو نقاشی خواند. در سال 1913، او شروع به کشیدن نقاشی های هندسی انتزاعی به سبکی کرد که آن را سوپرماتیسم (از لاتین "غلبه") نامید.

71x88.5 سانتی متر
1916
قیمت
60 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج ساتبیز

این نقاشی حدود 50 سال در موزه شهر آمستردام نگهداری می شد، اما پس از 17 سال اختلاف با بستگان مالویچ، موزه آن را تحویل داد. این هنرمند این اثر را در همان سال با مانیفست سوپرماتیسم نقاشی کرد، بنابراین ساتبیز حتی قبل از حراج اعلام کرد که با قیمت کمتر از 60 میلیون دلار وارد یک مجموعه خصوصی نخواهد شد. و همینطور هم شد. بهتر است از بالا به آن نگاه کنید: شکل های روی بوم شبیه یک نمای هوایی از زمین است. به هر حال، چند سال قبل، همین اقوام «ترکیب سوپرماتیست» دیگری را از موزه MoMA سلب مالکیت کردند تا آن را به قیمت 17 میلیون دلار در فیلیپس بفروشند.

16

"حمام کنندگان"

نویسنده

پل گوگن

کشور فرانسه
سالهای زندگی 1848–1903
سبک پست امپرسیونیسم

این هنرمند تا هفت سالگی در پرو زندگی می کرد، سپس با خانواده خود به فرانسه بازگشت، اما خاطرات دوران کودکی مدام او را به سفر سوق می داد. در فرانسه، او شروع به نقاشی کرد، با ون گوگ دوست بود. او حتی چندین ماه را با او در آرل گذراند تا اینکه ون گوگ در جریان یک نزاع گوش او را برید.

93.4x60.4 سانتی متر
1902
قیمت
55 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2005
در حراج ساتبیز

در سال 1891، گوگن برای فروش نقاشی های خود ترتیب داد تا از درآمد حاصل از آن برای رفتن به اعماق جزیره تاهیتی استفاده کند. او در آنجا آثاری خلق کرد که در آنها می توان ارتباط ظریف بین طبیعت و انسان را احساس کرد. گوگن در کلبه ای کاهگلی زندگی می کرد و بهشتی استوایی روی بوم هایش شکوفا شد. همسر او یک تهورای 13 ساله اهل تاهیت بود که مانع از این نشد که این هنرمند دست به هرزگی بزند. او که به سیفلیس مبتلا شد، راهی فرانسه شد. با این حال، گوگن در آنجا تنگ بود و او به تاهیتی بازگشت. این دوره "تاهیتی دوم" نامیده می شود - در آن زمان بود که نقاشی "حمام کنندگان" نقاشی شد که یکی از مجلل ترین آثار او بود.

17

"نرگس و سفره آبی و صورتی"

نویسنده

هانری ماتیس

کشور فرانسه
سالهای زندگی 1869–1954
سبک فوویسم

در سال 1889، هانری ماتیس دچار حمله آپاندیسیت شد. پس از بهبودی از عمل، مادرش برایش رنگ خرید. ماتیس ابتدا از روی کسالت، کارت پستال های رنگی را کپی کرد، سپس - آثار نقاشان بزرگی را که در لوور دید، و در آغاز قرن بیستم به سبکی رسید - فوویسم.

65.2x81 سانتی متر
1911
قیمت
46.4 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2009
در حراج کریستیز

تابلوی «نرگس و یک سفره به رنگ آبی و صورتی» برای مدت طولانی متعلق به ایو سن لوران بود. پس از مرگ کوتور، کل مجموعه هنری او به دست دوست و معشوقش پیر برگر رسید که تصمیم گرفت آن را در حراج کریستیز بگذارد. مروارید مجموعه فروخته شده تابلوی "نرگس و یک سفره آبی و صورتی" بود که به جای بوم روی یک سفره معمولی نقاشی شده بود. به عنوان نمونه ای از فوویسم، پر از انرژی رنگ است، به نظر می رسد رنگ ها منفجر می شوند و فریاد می زنند. از سری معروف تابلوهای تابلو فرش، امروزه این اثر تنها اثری است که در یک مجموعه خصوصی قرار دارد.

18

"دختر خفته"

نویسنده

رویلی

chtenstein

کشور ایالات متحده آمریکا
سالهای زندگی 1923–1997
سبک هنر پاپ

این هنرمند در نیویورک متولد شد و پس از فارغ التحصیلی از مدرسه به اوهایو رفت و در آنجا به دوره های هنری رفت. در سال 1949، لیختن اشتاین مدرک کارشناسی ارشد خود را در هنرهای زیبا دریافت کرد. علاقه به کمیک و توانایی طنز او را به یک هنرمند کالت قرن گذشته تبدیل کرد.

91x91 سانتی متر
1964
قیمت
44.882 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2012
در حراج ساتبیز

یک بار آدامس به دست لیختن اشتاین افتاد. او تصویر را از درج روی بوم دوباره کشید و مشهور شد. این طرح از زندگینامه او حاوی کل پیام هنر پاپ است: مصرف خدای جدید است و زیبایی در لفاف آدامس کمتر از مونالیزا نیست. نقاشی‌های او یادآور کمیک‌ها و کارتون‌ها هستند: لیختنشتاین به سادگی تصویر تمام‌شده را بزرگ‌تر کرد، رستر کشید، از چاپ روی صفحه و چاپ سیلک استفاده کرد. تابلوی "دختر خفته" تقریباً 50 سال متعلق به مجموعه داران بئاتریس و فیلیپ گرش بود که وارثان آن را در حراجی فروختند.

19

"پیروزی. سبک موسیقی بوگی - ووگی"

نویسنده

پیت موندریان

کشور هلند
سالهای زندگی 1872–1944
سبک نئوپلاستیسیزم

نام واقعی او - کورنلیس - هنرمند زمانی که در سال 1912 به پاریس نقل مکان کرد به موندریان تغییر کرد. او به همراه هنرمند تئو ون دوزبورگ، جنبش نئوپلاستیک را پایه گذاری کرد. زبان برنامه نویسی Piet به نام Mondrian نامگذاری شده است.

27x127 سانتی متر
1944
قیمت
40 میلیون دلار
فروخته شد در سال 1998
در حراج ساتبیز

«موزیکال‌ترین» هنرمندان قرن بیستم با طبیعت‌های بی‌جان آبرنگ امرار معاش می‌کرد، اگرچه به عنوان یک هنرمند نئوپلاستیک معروف شد. او در دهه 1940 به ایالات متحده آمریکا نقل مکان کرد و بقیه عمر خود را در آنجا گذراند. جاز و نیویورک - این چیزی است که او را بیش از همه الهام بخشید! نقاشی "پیروزی. Boogie Woogie بهترین مثال در این زمینه است. مربع های شسته و رفته "مارک" با استفاده از نوار چسب - مواد مورد علاقه موندریان - به دست آمد. در آمریکا او را "معروف ترین مهاجر" می نامیدند. در دهه شصت، ایو سن لوران لباس های معروف جهانی "موندریان" را با چاپ چک رنگی بزرگ تولید کرد.

20

"ترکیب شماره 5"

نویسنده

ریحانکاندینسکی

کشور روسیه
سالهای زندگی 1866–1944
سبک آوانگارد

این هنرمند در مسکو متولد شد و پدرش اهل سیبری بود. پس از انقلاب، او سعی کرد با مقامات شوروی همکاری کند، اما به زودی متوجه شد که قوانین پرولتاریا برای او ایجاد نشده است و بدون مشکل به آلمان مهاجرت کرد.

275x190 سانتی متر
1911
قیمت
40 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2007
در حراج ساتبیز

کاندینسکی یکی از اولین کسانی بود که نقاشی اشیاء را کاملاً رها کرد و به همین دلیل عنوان نابغه را دریافت کرد. در دوران نازیسم در آلمان، نقاشی‌های او به عنوان «هنر منحط» طبقه‌بندی می‌شد و در هیچ کجا به نمایش گذاشته نمی‌شد. در سال 1939، کاندینسکی تابعیت فرانسه را گرفت، در پاریس آزادانه در روند هنری شرکت کرد. نقاشی های او مانند فوگ ها "صدا" هستند، به همین دلیل است که بسیاری از آنها "ترکیب" نامیده می شوند (اولین در سال 1910 نوشته شد و آخرین در سال 1939). «آهنگسازی شماره 5» یکی از آثار کلیدی این ژانر است: «کلمه آهنگسازی برای من مثل یک دعا بود. برخلاف بسیاری از پیروان، او آنچه را که روی بوم بزرگی به تصویر می‌کشد، برنامه‌ریزی کرد، انگار یادداشت می‌نویسد.

21

"مطالعه یک زن آبی پوش"

نویسنده

فرنان لژر

کشور فرانسه
سالهای زندگی 1881–1955
سبک کوبیسم - پست امپرسیونیسم

لجر تحصیلات معماری دریافت کرد و سپس در دانشکده هنرهای زیبای پاریس دانشجو شد. این هنرمند خود را پیرو سزان می‌دانست، مدافع کوبیسم بود و در قرن بیستم به عنوان مجسمه‌ساز نیز به موفقیت دست یافت.

96.5x129.5 سانتی متر
1912-1913
قیمت
39.2 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج ساتبیز

دیوید نورمن، رئیس امپرسیونیسم و ​​مدرنیسم بین المللی ساتبیز، معتقد است که مبلغ هنگفتی که برای بانوی آبی پوش پرداخت شده است کاملاً موجه است. این نقاشی متعلق به مجموعه معروف Leger است (هنرمند سه نقاشی را در یک طرح نقاشی کرده است که آخرین آنها امروز در دست شخصی است - Ed.) و سطح بوم به شکل اصلی خود حفظ شده است. خود نویسنده این اثر را به گالری Der Sturm داد، سپس به مجموعه هرمان لانگ، کلکسیونر آلمانی مدرنیسم رسید و اکنون به خریدار ناشناس تعلق دارد.

22

"صحنه خیابان. برلین"

نویسنده

ارنست لودویگکرشنر

کشور آلمان
سالهای زندگی 1880–1938
سبک اکسپرسیونیسم

برای اکسپرسیونیسم آلمانی، کرشنر به یک شخصیت برجسته تبدیل شد. با این حال، مقامات محلی او را به پایبندی به "هنر منحط" متهم کردند که به طرز غم انگیزی بر سرنوشت نقاشی های او و زندگی هنرمندی که در سال 1938 خودکشی کرد تأثیر گذاشت.

95x121 سانتی متر
1913
قیمت
38.096 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2006
در حراج کریستیز

پس از نقل مکان به برلین، کرشنر 11 طرح از صحنه های خیابانی را خلق کرد. او از شلوغی و عصبی بودن شهر بزرگ الهام گرفته بود. در این نقاشی که در سال 2006 در نیویورک فروخته شد، اضطراب هنرمند به ویژه شدید است: مردم در خیابان برلین شبیه پرندگان هستند - برازنده و خطرناک. او آخرین اثر از مجموعه معروف بود که در حراج فروخته شد، بقیه در موزه ها نگهداری می شوند. در سال 1937، نازی‌ها به طرز وحشیانه‌ای با کرشنر رفتار کردند: 639 اثر او از گالری‌های آلمان ضبط شد، نابود شد یا در خارج فروخته شد. هنرمند نتوانست از این وضعیت جان سالم به در ببرد.

23

"استراحت كردنرقصنده"

نویسنده

ادگار دگا

کشور فرانسه
سالهای زندگی 1834–1917
سبک امپرسیونیسم

تاریخ دگا به عنوان یک هنرمند با این واقعیت آغاز شد که او به عنوان کپی نویس در موزه لوور کار می کرد. او آرزو داشت "مشهور و ناشناخته" شود و در نهایت موفق شد. دگا 80 ساله در پایان عمر خود، ناشنوا و نابینا، به حضور در نمایشگاه ها و حراج ها ادامه داد.

64x59 سانتی متر
1879
قیمت
37.043 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج ساتبیز

دگا گفت: "بالرین ها همیشه برای من فقط بهانه ای برای به تصویر کشیدن پارچه ها و ثبت حرکت بوده اند." صحنه هایی از زندگی رقصندگان به نظر می رسد که زیر و رو می شود: دختران برای هنرمند ژست نمی گیرند، بلکه به سادگی بخشی از فضایی می شوند که توسط نگاه دگا گرفتار شده است. رقصنده استراحت در سال 1999 به قیمت 28 میلیون دلار فروخته شد و کمتر از 10 سال بعد به قیمت 37 میلیون دلار خریداری شد - امروزه این گرانترین اثر این هنرمند است که تا به حال به حراج گذاشته شده است. دگا توجه زیادی به قاب ها داشت، خودش آنها را طراحی کرد و تغییر آنها را ممنوع کرد. من تعجب می کنم که چه قاب روی تابلوی فروخته شده نصب شده است؟

24

"رنگ آمیزی"

نویسنده

خوان میرو

کشور اسپانیا
سالهای زندگی 1893–1983
سبک هنر انتزاعی

در طول جنگ داخلی اسپانیا، این هنرمند در کنار جمهوری خواهان بود. در سال 1937، او از قدرت فاشیستی به پاریس گریخت و در آنجا با خانواده اش در فقر زندگی کرد. در این دوره، میرو با نقاشی "به اسپانیا کمک کن!" توجه تمام جهان را به سلطه فاشیسم جلب می کند.

89x115 سانتی متر
1927
قیمت
36.824 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2012
در حراج ساتبیز

نام دوم تابلو "ستاره آبی" است. این هنرمند آن را در همان سال نوشت که اعلام کرد: "من می خواهم نقاشی را بکشم" و بی رحمانه بوم ها را مسخره کرد ، رنگ را با ناخن خراشید ، پرها را به بوم چسباند و کار را با زباله پوشاند. هدف او از بین بردن اسطوره ها در مورد راز نقاشی بود، اما، پس از کنار آمدن با این، میرو اسطوره خود را خلق کرد - یک انتزاع سورئال. «نقاشی» او به چرخه «تصاویر-رویا» اشاره دارد. چهار خریدار برای آن در حراج مبارزه کردند، اما یک تماس تلفنی ناشناس اختلاف را حل کرد و "نقاشی" گران ترین نقاشی این هنرمند شد.

25

"رز آبی"

نویسنده

ایو کلاین

کشور فرانسه
سالهای زندگی 1928–1962
سبک نقاشی تک رنگ

این هنرمند در خانواده ای نقاش به دنیا آمد، اما زبان های شرقی، ناوبری، هنر قاب طلاکاری، بودیسم ذن و بسیاری دیگر را مطالعه کرد. شخصیت و رفتارهای گستاخانه او چندین برابر نقاشی های تک رنگ جالب بود.

153x199x16 سانتی متر
1960
قیمت
36.779 میلیون دلار
در سال 2012 فروخته شد
در حراج کریستیز

اولین نمایشگاه آثار زرد، نارنجی، صورتی یکپارچه، توجه عمومی را برانگیخت. کلاین آزرده شد و دفعه بعد 11 بوم یکسان ارائه کرد که با اولترامارین مخلوط شده با رزین مصنوعی خاص نقاشی شده بود. او حتی این روش را به ثبت رساند. این رنگ با نام "International Klein Blue" در تاریخ ثبت شد. این هنرمند همچنین پوچی را فروخت، نقاشی هایی را با قرار دادن کاغذ در معرض باران، آتش زدن مقوا، ساختن چاپی از بدن انسان روی بوم خلق کرد. در یک کلام، من به بهترین شکل ممکن آزمایش کردم. برای ایجاد "رز آبی" از رنگدانه های خشک، رزین، سنگریزه و یک اسفنج طبیعی استفاده کردم.

26

"در جستجوی موسی"

نویسنده

سر لارنس آلما تادما

کشور بریتانیای کبیر
سالهای زندگی 1836–1912
سبک نئوکلاسیک

خود سر لارنس برای اولین بار در کاتالوگ های هنری، پیشوند "آلما" را به نام خانوادگی خود اضافه کرد. در انگلستان ویکتوریایی، نقاشی های او چنان مورد تقاضا بود که به این هنرمند نشان شوالیه اعطا شد.

213.4x136.7 سانتی متر
1902
قیمت
35.922 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2011
در حراج ساتبیز

موضوع اصلی کار آلما تادما دوران باستان بود. او در نقاشی ها سعی کرد دوران امپراتوری روم را با کوچکترین جزئیات به تصویر بکشد، برای این کار او حتی به کاوش های باستان شناسی در شبه جزیره آپنین مشغول شد و در خانه لندن خود فضای داخلی تاریخی آن سال ها را بازتولید کرد. داستان های اساطیری منبع الهام دیگری برای او شد. این هنرمند در طول زندگی خود تقاضای زیادی داشت، اما پس از مرگ او به سرعت فراموش شد. اکنون علاقه دوباره زنده شده است، همانطور که هزینه نقاشی "در جستجوی موسی" هفت برابر بیشتر از برآورد پیش فروش است.

27

"پرتره یک مقام برهنه خوابیده"

نویسنده

لوسیان فروید

کشور آلمان،
بریتانیای کبیر
سالهای زندگی 1922–2011
سبک نقاشی فیگوراتیو

این هنرمند نوه زیگموند فروید، پدر روانکاوی است. پس از استقرار فاشیسم در آلمان، خانواده وی به انگلستان مهاجرت کردند. آثار فروید در مجموعه والاس در لندن است، جایی که هیچ هنرمند معاصری قبلاً در آن به نمایش گذاشته نشده است.

219.1x151.4 سانتی متر
1995
قیمت
33.6 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2008
در حراج کریستیز

در حالی که هنرمندان شیک قرن بیستم "نقاط رنگی" مثبتی روی دیوار ایجاد کردند و آن‌ها را به میلیون‌ها نفر فروختند، فروید نقاشی‌های بسیار طبیعت‌گرایانه کشید و آنها را حتی بیشتر فروخت. او گفت: "من گریه های روح و رنج گوشت پژمرده را ضبط می کنم." منتقدان بر این باورند که همه اینها "میراث" زیگموند فروید است. این نقاشی‌ها به قدری فعالانه به نمایش گذاشته شدند و با موفقیت فروخته شدند که کارشناسان شک داشتند: آیا آنها خاصیت خواب آور دارند؟ به گزارش سان، "پرتره یک مقام برهنه خوابیده" که در حراج فروخته شد، توسط رومن آبراموویچ، خبره زیبایی و میلیاردر خریداری شد.

28

"ویولن و گیتار"

نویسنده

ایکسیک گریس

کشور اسپانیا
سالهای زندگی 1887–1927
سبک کوبیسم

در مادرید متولد شد و در آنجا از مدرسه هنر و صنایع دستی فارغ التحصیل شد. در سال 1906 به پاریس نقل مکان کرد و وارد حلقه تأثیرگذارترین هنرمندان آن دوره شد: پیکاسو، مودیلیانی، براک، ماتیس، لجر، همچنین با سرگئی دیاگیلف و گروه او کار کرد.

5*100 سانتی متر
1913
قیمت
28.642 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2010
در حراج کریستیز

گریس به قول خودش به «معماری مسطح و رنگی» مشغول بود. نقاشی های او دقیقاً فکر شده است: او یک ضربه تصادفی از خود به جا نگذاشته است که باعث می شود خلاقیت به هندسه مرتبط شود. این هنرمند نسخه خود را از کوبیسم خلق کرد، اگرچه برای پابلو پیکاسو، پدر بنیانگذار جنبش، احترام زیادی قائل بود. جانشین حتی اولین اثر کوبیست خود، ادای احترام به پیکاسو را به او تقدیم کرد. نقاشی "ویولن و گیتار" در آثار این هنرمند برجسته شناخته شده است. گریس در طول زندگی خود مورد توجه منتقدان و منتقدان هنری بود. آثار او در بزرگترین موزه های جهان به نمایش گذاشته شده و در مجموعه های خصوصی نگهداری می شود.

29

"پرترهفیلدهای الوار»

نویسنده

سالوادور دالی

کشور اسپانیا
سالهای زندگی 1904–1989
سبک سوررئالیسم

دالی زمانی که از گروه سوررئالیست اخراج شد گفت: «سوررئالیسم من هستم. با گذشت زمان، او به معروف ترین هنرمند سورئالیست تبدیل شد. آثار دالی همه جا هست، نه فقط در گالری ها. به عنوان مثال، این او بود که با بسته بندی Chupa-Chups آمد.

25x33 سانتی متر
1929
قیمت
20.6 میلیون دلار
فروخته شد در سال 2011
در حراج ساتبیز

در سال 1929، پاول الوارد شاعر و همسر روسی اش گالا به دیدار تحریک کننده و نزاع گر بزرگ دالی آمدند. این ملاقات آغاز یک داستان عاشقانه بود که بیش از نیم قرن به طول انجامید. تابلوی "پرتره پل الوارد" درست در جریان این بازدید تاریخی کشیده شد. این هنرمند گفت: "احساس کردم که وظیفه تسخیر چهره شاعری را به من سپرده شده است که یکی از موزها را از المپش دزدیدم." قبل از ملاقات با گالا، او باکره بود و از فکر رابطه جنسی با یک زن منزجر بود. مثلث عشق تا زمان مرگ الوار وجود داشت و پس از آن به دوئت دالی-گالا تبدیل شد.

30

"سالگرد"

نویسنده

مارک شاگال

کشور روسیه، فرانسه
سالهای زندگی 1887–1985
سبک آوانگارد

مویشه سگال در ویتبسک متولد شد، اما در سال 1910 به پاریس مهاجرت کرد، نام خود را تغییر داد و به هنرمندان برجسته آوانگارد آن دوران نزدیک شد. در دهه 1930، زمانی که نازی ها قدرت را به دست گرفتند، با کمک یک کنسول آمریکایی راهی ایالات متحده شد. او تنها در سال 1948 به فرانسه بازگشت.

80x103 سانتی متر
1923
قیمت
14.85 میلیون دلار
در سال 1990 فروخته شد
در حراج ساتبیز

تابلوی "جوبیل" به عنوان یکی از بهترین آثار این هنرمند شناخته می شود. تمام ویژگی های کار او را دارد: قوانین فیزیکی جهان پاک می شود، احساس یک افسانه در مناظر زندگی خرده بورژوازی حفظ می شود و عشق در مرکز داستان قرار دارد. شاگال مردم را از طبیعت نمی‌کشید، بلکه فقط از خاطره یا خیال‌پردازی استفاده می‌کرد. تابلوی "Jubilee" خود هنرمند را به همراه همسرش بلا به تصویر می کشد. این نقاشی در سال 1990 فروخته شد و از آن زمان تاکنون پیشنهادی ارائه نشده است. جالب اینجاست که موزه هنر مدرن نیویورک MoMA دقیقاً همان را حفظ می کند، فقط با نام "تولد". به هر حال، قبلاً نوشته شده بود - در سال 1915.

پیش نویس آماده شد
تاتیانا پالاسوا
رتبه بندی گردآوری شد
طبق لیست www.art-spb.ru
مجله tmn №13 (مه-ژوئن 2013)