فرهنگ اصطلاحات خاص در نقاشی. انواع و ژانرهای نقاشی در تاریخ نقاشی کاربردی

ژانرهای نقاشی(ژانر فرانسوی - جنس، گونه) - تقسیم تاریخی آثار هنری مطابق با مضامین و اشیاء تصویر. در نقاشی مدرن ژانرهای زیر وجود دارد: پرتره، تاریخی، اساطیری، نبرد، زندگی روزمره، منظره، طبیعت بی جان، ژانر حیوانی.

اگرچه مفهوم "ژانر" نسبتاً اخیراً در نقاشی ظاهر شده است، تفاوت های ژانری خاصی از زمان های قدیم وجود داشته است: تصاویر حیوانات در غارهای عصر پارینه سنگی، پرتره های مصر باستان و بین النهرین از 3000 سال قبل از میلاد، مناظر و طبیعت بی جان در هلنیستی و رومی. موزاییک و نقاشی های دیواری. شکل گیری این ژانر به عنوان یک سیستم در نقاشی سه پایه در اروپا در قرن 15 و 16 آغاز شد. و عمدتاً در قرن هفدهم به پایان رسید، زمانی که علاوه بر تقسیم هنرهای زیبا به ژانرها، مفهوم به اصطلاح. ژانرهای "بالا" و "کم" بسته به موضوع تصویر، موضوع، طرح. ژانر "بالا" شامل ژانرهای تاریخی و اساطیری بود، در حالی که ژانر "کم" شامل پرتره، منظره و طبیعت بی جان بود. این درجه بندی ژانرها تا قرن 19 ادامه داشت. هر چند با استثناء

بنابراین، در قرن هفدهم. در هلند، دقیقاً ژانرهای "کم" (منظره، ژانر روزمره، طبیعت بی جان) بودند که در نقاشی پیشرو شدند و پرتره تشریفاتی که به طور رسمی به ژانر پرتره "کم" تعلق داشت، به چنین مواردی تعلق نداشت. . ژانرهای نقاشی که به شکلی از بازتاب زندگی تبدیل شده اند، با تمام ثبات ویژگی های مشترک، تغییر ناپذیر نیستند، آنها همراه با زندگی توسعه می یابند و با پیشرفت هنر تغییر می کنند. برخی از ژانرها از بین می روند یا معنای جدیدی پیدا می کنند (مثلاً ژانر اساطیری)، ژانرهای جدید معمولاً در ژانرهای از قبل موجود (مثلاً در ژانر منظره، منظره معماریو مارینا). آثاری ظاهر می شوند که ژانرهای مختلف را ترکیب می کنند (به عنوان مثال، ترکیبی از ژانر روزمره با یک منظره، یک پرتره گروهی با یک ژانر تاریخی).

ژانری از هنرهای زیبا که نمایانگر ظاهر بیرونی و درونی یک فرد یا گروهی از افراد است نامیده می شود پرتره. این ژانر نه تنها در نقاشی، بلکه در مجسمه سازی، گرافیک و غیره نیز رواج دارد. الزامات اصلی یک پرتره، انتقال شباهت بیرونی و افشای دنیای درون، جوهر شخصیت یک فرد است. با توجه به ماهیت تصویر، دو گروه اصلی متمایز می شوند: پرتره های تشریفاتی و مجلسی. پرتره تشریفاتی فردی را در حال رشد کامل (بر روی اسب، ایستاده یا نشسته)، در برابر پس زمینه معماری یا منظره نشان می دهد. در یک پرتره مجلسی، یک تصویر نیم قد یا قفسه سینه در پس زمینه خنثی استفاده می شود. پرتره های دوتایی و گروهی وجود دارد. جفت به پرتره هایی گفته می شود که روی بوم های مختلف نقاشی شده اند، اما در ترکیب، قالب و رنگ با یکدیگر هماهنگ شده اند. پرتره ها می توانند مجموعه هایی را تشکیل دهند - گالری های پرتره با توجه به ویژگی های حرفه ای، خانوادگی و سایر مشخصات (گالری های پرتره اعضای یک شرکت، صنف، افسران هنگ و غیره) متحد شده اند. یک پرتره از خود در یک گروه خاص برجسته می شود - تصویری از هنرمند خود.

پرتره یکی از قدیمی ترین ژانرهای هنرهای زیبا است، در ابتدا هدفی مذهبی داشت، آن را با روح متوفی یکی می دانستند. در دنیای باستان، پرتره بیشتر در مجسمه سازی و همچنین در پرتره های تصویری - پرتره های فیوم قرن 1-3 توسعه یافت. در قرون وسطی، مفهوم پرتره با تصاویر تعمیم یافته جایگزین شد، اگرچه برخی ویژگی های فردی در به تصویر کشیدن شخصیت های تاریخی بر روی نقاشی های دیواری، موزاییک ها، شمایل ها و مینیاتورها وجود دارد. گوتیک پسین و رنسانس دوره پرتلاطمی در توسعه پرتره است، زمانی که ژانر پرتره در حال ظهور است و به اوج ایمان انسان گرایانه به انسان و درک زندگی معنوی او می رسد. در قرن شانزدهم انواع پرتره زیر ظاهر می شود: سنتی (نیمه قد یا تمام قد)، تمثیلی (با ویژگی های الهی)، نمادین (بر اساس یک اثر ادبی)، خودنگاره و پرتره گروهی: جوتو. انریکو اسکرووینی(حدود 1305، پادوآ)، یان ون ایک پرتره زوج آرنولفینی(1434، لندن، گالری ملی)، لئوناردو داوینچی مونالیزا(حدود 1508، پاریس، لوور)، رافائل خانمی با چادر(حدود 1516، فلورانس، گالری پیتی)، تیتیان پرتره مرد جوان با دستکش(1515-1520، پاریس، لوور)، A. Durer پرتره یک جوان انسان(1500، مونیخ، Alte Pinakothek)، H. Holbein پیام رسان ها(لندن، گالری ملی)، رامبراند تماشای شب(1642، آمستردام، Rijksmuseum)، سلفی پرتره با ساسکیا روی زانوهایش(حدود 1636، درسدن، گالری هنر). به لطف ون دایک، روبنس و ولاسکز، نوعی پرتره سلطنتی و دربار ظاهر می شود: این مدل به صورت تمام قد در برابر پس زمینه پارچه فروشی، منظره، موتیف معماری (ون دایک) نشان داده شده است. پرتره چارلز اول، خوب. 1653، پاریس، لوور).

به موازات آن، یک خط پرتره روانشناختی، پرتره-شخصیت، پرتره گروهی وجود دارد: F. Hals پرتره گروهی از St. آدریانا(1633، هارلم، موزه فرانس هالس)، رامبراند سندیک ها(1662، آمستردام، Rijksmuseum)، ال گرکو پرتره نینو دو گوارا(1601، نیویورک، موزه متروپولیتن هنر)، D. Velasquez پرتره فیلیپ چهارم(1628، مادرید، پرادو)، ف. گویا خدمتکار شیر از بوردو(1827، مادرید، پرادو)، تی گینزبورو پرتره بازیگر سارا سیدونز(1784–1785، لندن، گالری ملی)، F.S. روکوتوف پرتره مایکوف(حدود 1765، مسکو، گالری ترتیاکوف)، D. G. Levitsky پرتره M.A. دیاکووا(1778، مسکو، گالری ترتیاکوف). پرتره جالب و متنوع قرن 19-20: D. Ingres پرتره مادام رکامیر(1800، پاریس، لوور)، ای. مانه فلوت نواز(1866، پاریس، لوور)، O. Renoir پرتره ژان سامری(1877، مسکو، موزه دولتی هنرهای زیبای پوشکین)، V. Van Gogh خود پرتره با گوش باندپیچی(1889، شیکاگو، مجموعه بلوک)، O.A. Kiprensky پرتره یک شاعر پوشکین(1827، مسکو، گالری ترتیاکوف)، I.N. Kramskoy پرتره نویسنده لئو تولستوی(1873، مسکو، گالری ترتیاکوف)، I.E. Repin موسورگسکی(1881، مسکو، گالری ترتیاکوف).

ژانر هنرهای زیبا که به وقایع و شخصیت های تاریخی اختصاص دارد نامیده می شود ژانر تاریخیژانر تاریخی، که با یادبودی مشخص می شود، از دیرباز در نقاشی دیواری توسعه یافته است. از رنسانس تا قرن 19. هنرمندان از توطئه های اساطیر باستانی، افسانه های مسیحی استفاده کردند. غالباً وقایع تاریخی واقعی که در تصویر به تصویر کشیده می شوند با شخصیت های تمثیلی اسطوره ای یا کتاب مقدس اشباع شده بودند. ژانر تاریخی با دیگران در هم تنیده است - ژانر روزمره (صحنه های تاریخی و روزمره)، پرتره (تصویر شخصیت های تاریخی گذشته، ترکیبات پرتره-تاریخی)، منظره ("منظره تاریخی")، با ژانر نبرد ادغام می شود.

ژانر تاریخی در قالب‌های ساده و یادبود، در مینیاتورها و تصاویر تجسم یافته است. ژانر تاریخی که در دوران باستان سرچشمه می گیرد، وقایع تاریخی واقعی را با اسطوره ها ترکیب می کند. در کشورهای شرق باستان، حتی انواع ترکیبات نمادین (آخرین پیروزی های نظامی پادشاه، انتقال قدرت به او توسط یک خدا) و چرخه های روایی نقاشی های دیواری و نقش برجسته وجود داشت.

در یونان باستان، تصاویر مجسمه ای از قهرمانان تاریخی وجود داشت ( استبداد 477 قبل از میلاد، نقش برجسته‌هایی در روم باستان با صحنه‌هایی از لشکرکشی‌ها و پیروزی‌های نظامی ایجاد شد. ستون تراژاندر رم، حدود 111-114). در قرون وسطی در اروپا، رویدادهای تاریخی در مینیاتورهای تواریخ، در نمادها منعکس می شد. ژانر تاریخی در نقاشی سه پایه در اروپا در دوران رنسانس، در قرن 17 و 18 شکل گرفت. به عنوان یک ژانر "بالا" در نظر گرفته شد که (توطئه های مذهبی، اسطوره ای، تمثیلی و در واقع تاریخی) را به منصه ظهور رساند. یکی از اولین نقاشی های واقع گرایانه سه پایه بود تسلیم برداولاسکوز (1629-1631، مادرید، پرادو). تصاویری از ژانر تاریخی پر از محتوای دراماتیک، آرمان های زیبایی شناختی بالا، عمق روابط انسانی: تینتورتو نبرد زارا(حدود 1585، ونیز، کاخ دوج)، N. Poussin سخاوتمندی Scipio(1643، مسکو، موزه هنرهای زیبای دولتی پوشکین)، J. L. David سوگند هوراتی ها(1784، پاریس، لوور)، ای. مانه اعدام امپراتور ماکسیمیلیان(1871، بوداپست، موزه هنرهای زیبا). اوایل قرن 19 - مرحله جدیدی در توسعه ژانر تاریخی، که با ظهور رمانتیسیسم، افزایش انتظارات اتوپیایی آغاز شد: E. Delacroix. تصرف قسطنطنیه توسط صلیبیون(1840، پاریس، لوور)، K. Bryullov آخرین روز پمپئی(1830–1833، سنت پترزبورگ، موزه روسیه)، A.A. Ivanov ظهور مسیح بر مردم(1837-1857، مسکو، گالری ترتیاکوف). رئالیسم نیمه دوم قرن نوزدهم. به درک تراژدی های تاریخی مردم و افراد اشاره دارد: I.E. Repin ایوان گروزنی و پسرش ایوان(1885، مسکو، گالری ترتیاکوف)، V.I. Surikov منشیکوف در برزوف(1883، مسکو، گالری ترتیاکوف). در هنر قرن بیستم علاقه به دوران باستان به عنوان منبع زیبایی و شعر وجود دارد: V.A. Serov پیتر I(1907، مسکو، گالری ترتیاکوف)، هنرمندان انجمن "دنیای هنر". ترکیب تاریخی-انقلابی جایگاه برجسته ای در هنر شوروی داشت: B.M. Kustodiev بلشویک(1920، مسکو، گالری ترتیاکوف).

ژانر هنرهای زیبا اختصاص یافته به قهرمانان و رویدادهایی که اسطوره های مردمان باستان در مورد آنها صحبت می کنند نامیده می شود ژانر اساطیری(از یونانی. mythos - سنت). ژانر اساطیری با تاریخ در تماس است و در دوره رنسانس شکل گرفت، زمانی که افسانه های باستانی غنی ترین فرصت ها را برای تجسم داستان ها و شخصیت ها با مضامین پیچیده اخلاقی و اغلب تمثیلی فراهم کردند: S. Botticelli. تولد زهره(حدود 1484، فلورانس، اوفیزی)، A. Mantegna پارناسوس(1497، پاریس، لوور)، جورجیونه خوابیدن سیاره زهره(حدود 1508–1510، درسدن، گالری هنر)، رافائل مدرسه آتن(1509-1510، رم، واتیکان). در قرن هفدهم - زود قرن 19 در آثار ژانر اساطیری، دامنه مشکلات اخلاقی و زیبایی شناختی گسترش می یابد که در آرمان های هنری والای تجسم یافته و یا به زندگی نزدیک می شوند یا منظره ای جشن می آفرینند: N. Poussin زهره خوابیده(دهه 1620، درسدن، گالری هنر)، P.P. Rubens باکانالیا(1619-1620، مسکو، موزه هنرهای زیبای دولتی پوشکین)، D. Velasquez باکوس (مست ها) (1628–1629، مادرید، پرادو)، رامبراند دانایی(1636، سن پترزبورگ، ارمیتاژ)، G. B. Tiepolo پیروزی آمفیتریت(حدود 1740، درسدن، گالری هنر). از قرن 19 تا 20 مضامین اسطوره های ژرمنی، سلتیک، هندی، اسلاوی محبوب شد.

ژانر نبرد(از فرانسوی bataille - battle) ژانری از نقاشی است که بخشی از ژانر تاریخی، اساطیری است و در به تصویر کشیدن نبردها، بهره برداری های نظامی، عملیات نظامی، تجلیل از قدرت نظامی، خشم نبرد، پیروزی پیروزی تخصص دارد. نبرد ممکن است شامل عناصر ژانرهای دیگر باشد - روزمره، پرتره، منظره، حیوانی، طبیعت بی جان. هنرمندان مرتباً به ژانر نبرد روی آوردند: لئوناردو داوینچی نبرد انگیاری(حفظ نشده است)، میکل آنژ نبرد کاشین(حفظ نشده است)، تینتورتو نبرد زارا(حدود 1585، ونیز، کاخ دوژ)، N. Poussin, A. Watteau سختی های جنگ(حدود 1716، سن پترزبورگ، ارمیتاژ)، F. Goya بلایای جنگ(1810-1820)، T. Gericault کویراسیر زخمی(1814، پاریس، لوور)، ای. دلاکروا کشتار در خیوس(1824، پاریس، لوور)، V.M. Vasnetsov پس از نبرد ایگور سویاتوسلاوویچ با کومان ها(1880، مسکو، گالری ترتیاکوف).

ژانری از هنرهای زیبا که صحنه هایی از زندگی روزمره، زندگی شخصی یک فرد، زندگی روزمره از زندگی روستایی و شهری را نشان می دهد، نامیده می شود. ژانر روزمره. جذابیت زندگی و آداب و رسوم مردم قبلاً در نقاشی ها و نقش برجسته های شرق باستان، در نقاشی و مجسمه سازی باستانی گلدان، در نمادهای قرون وسطایی و کتاب های ساعت دیده می شود. اما ژانر روزمره تنها به عنوان یک پدیده هنر سهل سکولار برجسته شد و اشکال مشخصی را به دست آورد. ویژگی های اصلی آن در قرن 14-15 شروع به شکل گیری کرد. در نقاشی های محراب، نقش برجسته ها، ملیله ها، مینیاتورها در هلند، آلمان، فرانسه. در قرن شانزدهم در هلند، ژانر خانگی به سرعت شروع به توسعه کرد و منزوی شد. یکی از بنیانگذاران آن I. Bosch ( هفت گناه کبیره، مادرید ، پرادو). توسعه ژانر روزمره در اروپا تا حد زیادی تحت تأثیر کار P. Brueghel قرار گرفت: او به سمت یک ژانر روزمره ناب حرکت می کند، نشان می دهد که زندگی روزمره می تواند یک موضوع مطالعه و منبع زیبایی باشد ( رقص دهقانی, عروسی دهقانی- خوب. 1568، وین، موزه Kunsthistorisches). قرن 17 میکل آنژ دا کاراواجو را می توان عصر «ژانر» در تمام مکاتب نقاشی اروپا نامید. پیشگو(پاریس، لوور)، پی پی روبنس دهقان رقصیدن(1636-1640، مادرید، پرادو)، J. Jordanes جشنواره شاه لوبیا(حدود 1638، سن پترزبورگ، ارمیتاژ)، A. van Ostade فلوت نواز(حدود 1660، مسکو، موزه دولتی هنرهای زیبا پوشکین)، یان استین بیمار و دکتر(حدود 1660، آمستردام، Rijksmuseum)، F. Hals کولی(حدود 1630، پاریس، لوور)، یان ورمیر از دلفت دختری با نامه(اواخر دهه 1650، درسدن، گالری هنر). در قرن 18 در فرانسه، ژانر نقاشی با تصویر صحنه‌های شجاعانه مرتبط است، "پستورال"، ظریف و برازنده می شود، کنایه آمیز: A. Watteau بیواک(حدود 1710، مسکو، موزه دولتی هنرهای زیبا پوشکین)، J.B. Chardin نماز قبل از شام(حدود 1737، سن پترزبورگ، ارمیتاژ). آثار ژانر روزمره متنوع است: آنها گرمای زندگی خانگی و عجیب و غریب بودن سرزمین های دور، تجربیات احساسی و احساسات عاشقانه را نشان می دهند. ژانر خانگی در قرن نوزدهم. او در نقاشی، آرمان‌های دموکراتیک، اغلب با مضامین انتقادی را مطرح کرد: O. Daumier لباسشویی(1863، پاریس، لوور)، G. Courbet کارگاه هنرمند(1855، پاریس، موزه اورسای). ژانر روزمره، متمرکز بر نشان دادن زندگی دهقانی و زندگی یک شهرنشین، به وضوح در نقاشی روسی قرن 19 توسعه یافت: A.G. Venetsianov. در زمین های زراعی بهار(دهه 1820، مسکو، گالری ترتیاکوف)، P.A. Fedotov خواستگاری سرگرد(1848، مسکو، گالری ترتیاکوف)، V.G. Perov آخرین میخانه در پاسگاه(1868، مسکو، گالری ترتیاکوف)، I.E. Repin منتظر نشد(1884، مسکو، گالری ترتیاکوف).

ژانر هنرهای زیبا، که در آن چیز اصلی تصویر طبیعت، محیط زیست، مناظر حومه، شهرها، آثار تاریخی است، منظره (fr. paysage) نامیده می شود. مناظر روستایی، شهری (از جمله ودوتا)، معماری، صنعتی، تصاویر عنصر آب - دریا (مارینا) و چشم انداز رودخانه وجود دارد.

در دوران باستان و در قرون وسطی، چشم انداز در نقاشی معابد، کاخ ها، شمایل ها و مینیاتورها ظاهر می شود. در هنر اروپا، نقاشان ونیزی دوره رنسانس (A. Canaletto) اولین کسانی بودند که به تصویر طبیعت روی آوردند. از قرن شانزدهم منظره به یک ژانر مستقل تبدیل می شود، انواع و جهات آن شکل می گیرد: غنایی، قهرمانانه، منظره مستند: P. Brueghel روز بدی است (شب بهار) (1565, وین، موزه Kunsthistorisches)، P.P. Rubens شکار شیر(حدود 1615، مونیخ، Alte Pinakothek)، رامبراند منظره با حوض و پل قوسی(1638، برلین-دهلم)، جی. ون رویسدیل باتلاق جنگلی(دهه 1660، درسدن، گالری هنر)، N. Poussin منظره با پولیفموس(1649، مسکو، موزه دولتی هنرهای زیبا پوشکین)، سی. لورن ظهر(1651، سن پترزبورگ، ارمیتاژ)، F. Guardi میدان سن مارکو، نمایی از باسیلیکا(حدود 1760–1765، لندن، گالری ملی). در قرن 19 اکتشافات خلاقانه استادان منظره، اشباع آن با مسائل اجتماعی، توسعه هوای ساده (تصویر محیط طبیعی) به دستاوردهای امپرسیونیسم ختم شد، که فرصت های جدیدی را در انتقال زیبای عمق فضایی، تنوع ایجاد کرد. از محیط نور و هوا، پیچیدگی رنگ ها: Barbizons، C. Corot صبح در ونیز(حدود 1834، مسکو، موزه هنرهای زیبای دولتی پوشکین)، A.K. Savrasov روک ها رسیده اند(1871، مسکو، گالری ترتیاکوف)، I.I. Shishkin چاودار V.D. Polenov حیاط مسکو(1878، مسکو، گالری ترتیاکوف)، I.I. Levitan پاییز طلا(1895، مسکو، گالری ترتیاکوف)، ای. مانه صبحانه روی چمن(1863، پاریس، لوور)، بلوار سی مونه کاپوچین در پاریس(1873، مسکو، موزه دولتی هنرهای زیبا پوشکین)، O. Renoir استخر پارویی(1869، استکهلم، موزه ملی).

مارینا(it. marina، از لط. marinus - دریا) - یکی از انواع منظره که مفعول آن دریا است. مارینا به عنوان یک ژانر مستقل در هلند در آغاز قرن هفدهم شکل گرفت: J. Porsellis، S. de Vlieger، V. van de Velle، J. Vernet، W. Turner. تشییع جنازه در دریا(1842، لندن، گالری تیت)، سی مونه تاثیر، طلوع خورشید آفتاب(1873، پاریس، موزه مارموتان)، S.F. Shchedrin بندر کوچک در سورنتو(1826، مسکو، گالری ترتیاکوف).

منظره معماری- نوعی منظر، یکی از انواع نقاشی پرسپکتیو، تصویری از معماری واقعی یا خیالی در محیط طبیعی. نقش بزرگی در چشم انداز معماری توسط چشم انداز خطی و هوایی ایفا می شود که طبیعت و معماری را به هم پیوند می دهد. در منظر معماری، نماهای پرسپکتیو شهری متمایز می شود که در قرن 18 نامیده می شد. ودوتامی (A. Canaletto، B. Bellotto، F. Guardi در ونیز)، مناظر املاک، مجموعه‌های پارک با ساختمان‌ها، مناظر با ویرانه‌های باستانی یا قرون وسطایی (J. Robert; K. D. Friedrich) ابی در بلوط بیشه، 1809–1810، برلین، موزه دولتی. S.F. Shchedrin)، مناظر با ساختمان‌ها و خرابه‌های خیالی (D.B. Piranesi، D. Pannini).

ودوتا(it. veduta، روشن - دیده می شود) - منظره ای که به دقت نمای مستندی از منطقه، شهر، یکی از خاستگاه های هنر پانوراما را به تصویر می کشد. این اصطلاح در قرن هجدهم ظاهر شد، زمانی که دوربین ابسکورا برای بازتولید نماها استفاده شد. هنرمند برجسته ای که در این ژانر کار کرد A. Canaletto بود: پیاتزا سن مارکو(1727-1728، واشنگتن، گالری ملی).

ژانری از هنرهای زیبا که اقلام خانگی، کار، خلاقیت، گل، میوه، بازی ذبح شده، ماهی صید شده را در یک محیط واقعی خانگی نشان می دهد، طبیعت بی جان نامیده می شود (fr. nature morte - طبیعت مرده). طبیعت بی جان را می توان با معنای نمادین پیچیده ای وقف کرد، نقش یک پانل تزئینی را بازی کرد، به اصطلاح. "فریب"، که بازتولید توهم‌آمیزی از اشیاء یا چهره‌های واقعی می‌دهد و باعث اثر حضور طبیعت اصیل می‌شود.

تصویر اشیا در هنر دوران باستان و قرون وسطی شناخته شده است. اما اولین طبیعت بی جان در نقاشی سه پایه نقاشی از هنرمند ونیز Jacopo de Barbari در نظر گرفته می شود. کبک با تیر و دستکش(1504، مونیخ، Alte Pinakothek). قبلاً در قرن شانزدهم. طبیعت بی جان به انواع مختلفی تقسیم می شود: فضای داخلی آشپزخانه با یا بدون مردم، یک میز چیده شده در یک محیط روستایی، "ونیتاس" با اشیاء نمادین (یک گلدان گل، یک شمع خاموش، آلات موسیقی). در قرن هفدهم ژانر طبیعت بی جان در حال شکوفایی است: یادبودی نقاشی های F. Snyders ( طبیعت بی جان با یک قو، مسکو، موزه دولتی هنرهای زیبا پوشکین)، F. Zurbaran، که ترکیبات ساده ای از چند مورد ساخته است ( طبیعت بی جان با چهار رگ، 1632-1634، مادرید، پرادو). طبیعت بی جان هلندی به ویژه غنی بود، از نظر رنگ و اشیاء به تصویر کشیده شده بود، اما در بافت رسا اشیا، در بازی رنگ و نور (P. Klas، V. Heda، V. Kalf، A. Beyeren) عالی بود. . در قرن 18 زندگی بی جان لاکونیک جی بی شاردن ارزش و منزلت نهفته در زندگی روزمره را تایید می کند: ویژگی های هنری(1766، سن پترزبورگ، ارمیتاژ). طبیعت های بی جان قرن نوزدهم متنوع است: رنگ های اجتماعی در بوم های O. Daumier. شفافیت، هواپذیری در نقاشی های E. Manet. یادبودی، سازنده بودن، قالب گیری دقیق فرم با رنگ توسط پی سزان. در قرن بیستم احتمالات جدیدی از طبیعت بی جان باز می شود: پی. پیکاسو، جی. براک، سوژه را به موضوع اصلی یک آزمایش هنری تبدیل کردند و ساختار هندسی آن را مطالعه و تشریح کردند.

ژانری از هنرهای زیبا که حیوانات را به تصویر می کشد نامیده می شود ژانر حیوانی(از لاتین حیوان - حیوان). هنرمند حیوانات به ویژگی های هنری و تصویری حیوان، عادات آن، بیان تزئینی شکل، شبح توجه می کند. اغلب حیوانات دارای صفات ذاتی در افراد، اعمال و تجربیات هستند. تصاویر حیوانات اغلب در مجسمه های باستانی، نقاشی گلدان یافت می شود.

نینا بایور

ادبیات:

سوزدالف پی. در مورد ژانرهای نقاشی- مجله «خلاقیت»، 1964، شماره 2، 3
تاریخ هنر خارجیم.، هنرهای تجسمی، 1984
Vipper B.R. مقدمه ای بر مطالعه تاریخی هنر.م.، هنرهای تجسمی، 1985
تاریخ هنر جهان. BMM AO، M.، 1998

نقاشی نوعی هنر زیبا است که شامل خلق تابلوهای نقاشی است، نقاشی هایی که به طور کامل و واقعی واقعیت را منعکس می کنند.

به اثر هنری که با رنگ (روغن، تمپر، آبرنگ، گواش و غیره) روی سطح سختی اعمال می شود، نقاشی می گویند. ابزار بیان اصلی نقاشی رنگ است، توانایی آن در برانگیختن احساسات، تداعی های مختلف، عاطفی بودن تصویر را افزایش می دهد. هنرمند معمولاً رنگ لازم برای نقاشی را روی یک پالت ترسیم می کند و سپس رنگ را در صفحه تصویر به رنگ تبدیل می کند و یک نظم رنگ ایجاد می کند - رنگ آمیزی. از نظر ماهیت ترکیب رنگ، می تواند گرم و سرد، شاد و غمگین، آرام و متشنج، روشن و تاریک باشد.

تصاویر نقاشی بسیار واضح و قانع کننده هستند. نقاشی قادر به انتقال حجم و فضا، طبیعت در هواپیما، آشکار کردن دنیای پیچیده احساسات و شخصیت های انسانی، تجسم ایده های جهانی، رویدادهای گذشته تاریخی، تصاویر اساطیری و پرواز خیال است.

برخلاف نقاشی به عنوان یک نوع مستقل از هنرهای زیبا، رویکرد (روش) تصویری را می توان در انواع دیگر آن نیز به کار برد: در طراحی، گرافیک و حتی در مجسمه سازی. ماهیت رویکرد تصویری در به تصویر کشیدن یک شی در رابطه با نور فضایی و محیط هوای اطراف آن، در یک درجه بندی خوب از انتقال های تونال نهفته است.

انواع اشیاء و رویدادهای دنیای اطراف، نزدیک

علاقه هنرمندان به آنها منجر به ظهور در طول XVII شد -

قرن XX ژانرهای نقاشی: پرتره، طبیعت بی جان، منظره، حیوانی، روزمره (نقاشی ژانر)، اساطیری، تاریخی، ژانرهای جنگی. در آثار نقاشی ترکیبی از ژانرها یا عناصر آنها را می توان یافت. به عنوان مثال، یک طبیعت بیجان یا منظره می تواند با موفقیت یک تصویر پرتره را تکمیل کند.

با توجه به تکنیک ها و مواد به کار رفته، نقاشی را می توان به انواع زیر تقسیم کرد: رنگ روغن، تمپر، موم (انکوستیک)، مینا، چسب، رنگ های آب بر روی گچ مرطوب (فرسکو) و غیره که در برخی موارد دشوار است. برای جدا کردن نقاشی از گرافیک آثاری که با آبرنگ، گواش، پاستل ساخته شده اند، هم به نقاشی و هم به گرافیک اشاره دارند.

رنگ آمیزی می تواند تک لایه، بلافاصله انجام شود، و چند لایه، از جمله رنگ آمیزی زیرین و لعاب، لایه های شفاف و شفاف رنگ اعمال شده بر روی لایه رنگ خشک شده. این به بهترین تفاوت های ظریف و سایه های رنگ دست می یابد.

ابزارهای مهم بیان هنری در نقاشی، علاوه بر رنگ (رنگ)، لکه و ماهیت ضربه، درمان سطح رنگارنگ (بافت)، والرا، نشان دادن ظریف ترین تغییرات در تن بسته به نور است. رفلکس هایی که از تعامل رنگ های مجاور ظاهر می شوند.

ساخت حجم و فضا در نقاشی با پرسپکتیو خطی و هوایی، ویژگی‌های فضایی رنگ‌های گرم و سرد، مدل‌سازی نور و سایه فرم و انتقال تن رنگ عمومی بوم همراه است. برای ایجاد یک تصویر، علاوه بر رنگ، به یک طراحی خوب و ترکیب رسا نیاز دارید. هنرمند، به طور معمول، کار بر روی بوم را با جستجوی موفق ترین راه حل در طرح ها آغاز می کند. سپس در طرح های تصویری متعددی از طبیعت، او

عناصر لازم ترکیب را کار می کند. کار بر روی یک نقاشی می تواند با کشیدن یک ترکیب با قلم مو، زیر نقاشی و

به طور مستقیم بوم را با یک یا آن وسیله تصویری بنویسید. علاوه بر این، حتی طرح‌ها و طرح‌های آماده‌سازی نیز گاهی ارزش هنری مستقلی دارند، به‌ویژه اگر متعلق به قلم موی یک نقاش مشهور باشد. نقاشی یک هنر بسیار باستانی است که طی قرن‌ها از نقاشی‌های سنگی پارینه سنگی تا آخرین روند نقاشی قرن بیستم تکامل یافته است. نقاشی طیف وسیعی از امکانات را برای تجسم یک ایده از رئالیسم تا انتزاع گرایی دارد. گنجینه های معنوی عظیمی در مسیر توسعه آن انباشته شده است. در زمان های قدیم، میل به بازتولید دنیای واقعی به گونه ای که شخص آن را می بیند وجود داشت. این امر باعث ظهور اصول کیاروسکورو، عناصر پرسپکتیو، ظهور تصاویر تصویری سه بعدی شد. امکانات موضوعی جدیدی برای به تصویر کشیدن واقعیت با ابزارهای تصویری آشکار شد. نقاشی برای تزئین معابد، خانه ها، مقبره ها و سایر سازه ها خدمت می کرد و با معماری و مجسمه سازی در وحدت هنری بود.

نقاشی قرون وسطی عمدتاً محتوای مذهبی داشت. با بیان رنگ های صوتی، عمدتاً محلی، خطوط رسا متمایز شد.

پس‌زمینه نقاشی‌های دیواری و نقاشی‌ها معمولاً مشروط، انتزاعی یا طلایی بود و ایده الهی را در درخشش اسرارآمیز خود مجسم می‌کرد. نمادهای رنگی نقش مهمی ایفا کردند.

در رنسانس، حس هماهنگی جهان، انسان محوری (انسان در مرکز جهان) در ترکیب بندی های تصویری در موضوعات مذهبی و اساطیری، در پرتره ها، صحنه های داخلی و تاریخی منعکس شد. نقش نقاشی با ایجاد یک سیستم علمی مبتنی بر پرسپکتیو خطی و هوایی، کیاروسکورو، افزایش یافته است.

نقاشی انتزاعی ظاهر می شود، که نشان دهنده رد فیگوراتیو بودن و بیان فعال نگرش شخصی هنرمند به جهان، احساسی بودن و قراردادی بودن رنگ، اغراق و هندسه است.

فرم ها، تزئینی بودن و انجمنی بودن محلول های ترکیبی.

در قرن XX. جستجوی رنگ‌ها و ابزارهای فنی جدید برای خلق تابلوها ادامه دارد که بدون شک منجر به پیدایش سبک‌های جدید در نقاشی می‌شود، اما نقاشی رنگ روغن همچنان یکی از محبوب‌ترین تکنیک‌های هنرمندان است.

نقاشی بخشی جدایی ناپذیر از زندگی بشر از قدیم الایام بوده است. نقاشی های صخره ای زندگی انسان های بدوی را به ما می گوید. نقاشی چیست؟

نقاشی: تعریف و انواع

نقاشی نوعی هنر است که شامل استفاده از تصاویر بصری با کمک رنگ بر روی پایه است.

در دنیای مدرن، این نوع هنر شامل خلق تصاویر با استفاده از فناوری های دیجیتال و خود آثار هنری با استفاده از این روش ها می شود.

علاوه بر این، نقاشی راه مهمی برای انتقال واقعیت، احساسات و حالات روح انسان است. علاوه بر نقاشی هایی که روی بوم به تصویر کشیده شده اند، نقاشی همچنین شامل نقاشی دیوارها، ظروف با شکل پیچیده، چوب، مقوا، کاغذ و سطوح دیگر است. نقاشی اغلب با معماری همراه است.

با توجه به ماهیت اجرا و هدف، انواع نقاشی زیر متمایز می شود:

• یادبود - تزئینی - این نوعی نقاشی است که به ایجاد فضایی از یک ساختار یا مجموعه معماری (نقاشی دیواری، پانل ها) کمک می کند.
• تزئینی (تزیینات، لباس).
• شمایل نگاری.
• بند انگشتی. از این نوع نقاشی برای تصویرسازی کتاب ها، دست نوشته ها استفاده می شود.
• پانوراما - نوشتن یک تصویر با نمای دایره ای، و ایجاد توهم واقعیت.
• Diorama - ایجاد یک تصویر منحنی.
• نقاشی سه پایه.

نقاشی سه پایه چیست؟ این تصویری از نقاشی هایی است که جدا از دنیای اطرافشان درک می شوند. بنابراین، یک تصویر ایجاد شده بر روی یک ماشین ابزار - یک سه پایه. در بیشتر موارد، این آثار نقاشی سه پایه هستند که در موزه ها به نمایش گذاشته می شوند.

در این مقاله، اندکی در مورد نقاشی، در مورد شکل زیبای هنرهای زیبا که قرن هاست ما را خشنود کرده است، یاد گرفتید.

نقاشی و انواع آن؟

نقاشی هنر هواپیما و یک دیدگاه است که در آن فضا و حجم فقط در توهم وجود دارد.

تنوع و کاملی از پدیده ها، تأثیرات، جلوه هایی که نقاشی قادر به تجسم آن است. تمام دنیای احساسات، شخصیت ها، روابط، تجربیات در دسترس نقاشی است. ظریف ترین مشاهدات طبیعت، ایده های ابدی، برداشت ها، سایه های ظریف حالات در دسترس او است.

کلمه «نقاشی» از دو کلمه «زنده» و «نوشتن» تشکیل شده است. دال توضیح می دهد: «نقاشی برای به تصویر کشیدن درست و واضح با قلم مو یا با کلمات، با قلم». برای نقاش، به تصویر کشیدن درست به معنای انتقال دقیق ظاهر بیرونی آنچه دیده، مهم ترین ویژگی های آن است. امکان انتقال صحیح آنها با ابزارهای گرافیکی - خط و لحن وجود داشت. اما نمی توان با این وسایل محدود رنگارنگ دنیای اطراف، تپش حیات در هر سانتی متر از سطح رنگی یک شی، جذابیت این زندگی و حرکت و تغییر مداوم را به وضوح منتقل کرد. نقاشی، یکی از انواع هنرهای زیبا، به انعکاس واقعی رنگ دنیای واقعی کمک می کند.

رنگ - ابزار اصلی تصویری و بیانی در نقاشی - دارای تن، اشباع و سبکی است. به نظر می‌رسد که هر چیزی را که در سوژه مشخص است در یک کل می‌آمیزد: هم آنچه را می‌توان با یک خط ترسیم کرد و هم آنچه را که برای آن غیرقابل دسترس است.

در نقاشی نیز مانند گرافیک از خطوط، سکته ها و نقاط روشن و تیره استفاده می شود، اما بر خلاف آن، این خطوط، سکته ها و خال ها رنگی هستند. آنها رنگ منبع نور را از طریق تابش خیره کننده و سطوح با نور روشن منتقل می کنند، یک فرم سه بعدی با رنگ شی (محلی) و رنگ منعکس شده توسط محیط ایجاد می کنند، روابط و عمق فضایی را برقرار می کنند، بافت و مادی اشیا را به تصویر می کشند.

وظیفه نقاشی نه تنها نشان دادن چیزی، بلکه آشکار ساختن جوهر درونی تصویر شده، بازتولید "شخصیت های معمولی در شرایط معمولی" است. بنابراین، تعمیم هنری واقعی پدیده های زندگی، اساس پایه های نقاشی رئالیستی است.

1. انواع نقاشی

نقاشی به یادگاری، تزیینی، نمایشی و تزئینی، مینیاتوری و سه پایه تقسیم می شود.

نقاشی یادبود- این نوع خاصی از نقاشی ها در مقیاس بزرگ است که دیوارها و سقف سازه های معماری را تزئین می کند. محتوای پدیده های عمده اجتماعی را که تأثیر مثبتی بر پیشرفت جامعه داشته اند، آشکار می کند، آنها را تجلیل می کند و آنها را تداوم می بخشد و به تربیت مردم با روحیه میهن پرستی، پیشرفت و انسانیت کمک می کند. بلندی محتوای نقاشی یادگاری، اندازه قابل توجه آثار آن، ارتباط با معماری نیاز به توده های بزرگ رنگ، سادگی دقیق و لکونیسم ترکیب، وضوح خطوط و تعمیم فرم پلاستیکی دارد.

نقاشی تزئینیبرای تزئین ساختمان ها و فضاهای داخلی به شکل پانل های رنگارنگ استفاده می شود که با تصویری واقع گرایانه، توهم پیشرفت دیوار، افزایش بصری اندازه اتاق یا برعکس، فرم های عمداً مسطح را تأیید می کند. صاف بودن دیوار و ایزوله شدن فضا. نقش‌ها، تاج‌های گل، گلدسته‌ها و دیگر انواع دکورهایی که آثار نقاشی و مجسمه‌سازی تاریخی را زینت می‌دهند، همه عناصر داخلی را به هم پیوند می‌دهند و بر زیبایی و سازگاری آنها با معماری تأکید می‌کنند.

نقاشی تئاتر و تزئینی(منظره، لباس، گریم، لوازم، ساخته شده با توجه به طرح های هنرمند) به آشکار شدن عمیق تر محتوای اجرا کمک می کند. شرایط ویژه تئاتر برای درک مناظر مستلزم در نظر گرفتن دیدگاه های متعدد مردم، فاصله زیاد آنها، تاثیر نور مصنوعی و نقاط برجسته رنگی است. منظره ایده ای از مکان و زمان عمل می دهد، درک بیننده را از آنچه در صحنه اتفاق می افتد فعال می کند. هنرمند تئاتر به دنبال بیان دقیق شخصیت فردی شخصیت ها، موقعیت اجتماعی آنها، سبک آن دوران و موارد دیگر در طرح های لباس و گریم است.

نقاشی مینیاتوریدر قرون وسطی، قبل از اختراع چاپ، بسیار توسعه یافت. کتاب‌های دست‌نویس با بهترین سرپوش‌ها، پایان‌بندی‌ها و تصاویر مینیاتوری دقیق تزئین شده بودند. هنرمندان روسی نیمه اول قرن نوزدهم به طرز ماهرانه ای از تکنیک تصویری مینیاتور برای ایجاد پرتره های کوچک (عمدتاً آبرنگ) استفاده کردند. رنگ‌های عمیق و خالص آبرنگ‌ها، ترکیب‌های نفیس آن‌ها، ظرافت نقاشی، این پرتره‌های مملو از لطف و اشراف را متمایز می‌کند.

نقاشی سه پایه، که بر روی یک ماشین ابزار - سه پایه انجام می شود ، از چوب ، مقوا ، کاغذ به عنوان پایه مواد استفاده می کند ، اما اغلب از بوم کشیده شده روی برانکارد استفاده می کند. یک تابلوی سه پایه که یک اثر مستقل است، می تواند مطلقاً همه چیز را به تصویر بکشد: واقعی و تخیلی هنرمند، اشیاء و انسان های بی جان، مدرنیته و تاریخ - در یک کلام، زندگی در تمام جلوه های آن. بر خلاف گرافیک، نقاشی سه پایه دارای غنای رنگی است که به چندوجهی عاطفی، روانی و انتقال ظریف زیبایی دنیای اطراف کمک می کند.

با تکنیک و روش اجرا، نقاشی به رنگ روغن، تمپر، نقاشی دیواری، موم، موزاییک، شیشه رنگی، آبرنگ، گواش، پاستل تقسیم می شود. این نام ها از صحافی یا از روش استفاده از وسایل مادی و فنی گرفته شده است.

رنگ روغنبا رنگ پاک شده روی روغن های گیاهی انجام می شود. رنگ غلیظ وقتی روغن یا تینر و لاک مخصوص به آن اضافه می شود، مایع می شود. رنگ روغن را می توان روی بوم، چوب، مقوا، کاغذ، فلز استفاده کرد.

مزاجرنگ آمیزی با رنگ تهیه شده روی زرده تخم مرغ یا کازئین انجام می شود. رنگ تمپرا با آب حل می شود و به صورت خمیری یا مایع روی دیوار، بوم، کاغذ، چوب اعمال می شود. Tempera در روسیه نقاشی های دیواری، نمادها و الگوهای روی وسایل خانه ایجاد کرد. در زمان ما، از تمپر در نقاشی و گرافیک، در هنر و صنایع دستی و در هنر و طراحی استفاده می شود.

نقاشی دیواریفضای داخلی را به شکل ترکیبات یادبود و تزئینی که روی گچ مرطوب با رنگ های مبتنی بر آب اعمال می شود، تزئین می کند. نقاشی دیواری سطح مات دلپذیری دارد و در شرایط داخلی بادوام است.

نقاشی با موم(انکوستیک) توسط هنرمندان مصر باستان مورد استفاده قرار می گرفت، همانطور که توسط معروف "پرتره های فایوم" (قرن اول پس از میلاد) گواه است. بایندر در encaustic موم سفید شده است. رنگ های مومی در حالت مذاب روی پایه گرم شده اعمال می شود و پس از آن سوزانده می شوند.

نقاشی موزاییکموزاییک یا موزاییک از تکه تکه سنگ های مالت یا رنگی مونتاژ می شود و روی زمین سیمانی مخصوص ثابت می شود. مالت شفاف که در زوایای مختلف در زمین قرار می گیرد، نور را منعکس یا شکسته و باعث چشمک زدن و درخشان شدن رنگ می شود. پانل های موزاییک را می توان در مترو، در فضای داخلی تئاتر و موزه و غیره یافت. نقاشی ویترای یک اثر هنری تزئینی است که برای تزئین دهانه پنجره ها در هر ساختار معماری طراحی شده است. پنجره شیشه ای رنگی از قطعات شیشه رنگی تشکیل شده است که با یک قاب فلزی محکم بسته شده اند. شار نورانی که سطح رنگی پنجره رنگی را می شکند، الگوهای تزیینی و چند رنگی را روی کف و دیوارهای داخلی ترسیم می کند.

مواد در آثار نقاشی.

با توجه به تکنیک و ابزار اجرا، نقاشی به رنگ روغن، مزاج، نقاشی دیواری، موم، موزاییک، شیشه رنگی، آبرنگ، گواش، پاستل تقسیم می شود.

مصالح برای نقاشی سه پایه: در ابتدا از چوب استفاده می شد در مصر، یونان باستان استفاده می شد.

در دوران اوایل رنسانس در قرن چهاردهم، یک عکس و یک قاب برای آن از یک قطعه ساخته شد. (در ایتالیا قرن 15-16، صنوبر بیشتر مورد استفاده قرار می گرفت، کمتر از بید، خاکستر، گردو. در اوایل از تخته های ضخیم استفاده می شد، نه در قسمت پشت. در هلند، فرانسه، تخته های بلوط شروع شد. برای استفاده از قرن 16. در آلمان، آهک، راش، صنوبر).

از قرن 18، چوب محبوبیت خود را از دست داده است. "بوم" ظاهر می شود. در حال حاضر در میان هنرمندان باستانی یافت می شود. بوم با چوب ترکیب می شود. اما در این دوره از بوم گهگاه استفاده می شود. بوم فقط در قرون XV-XVI کاربرد وسیعی پیدا کرد.

از نیمه دوم قرن شانزدهم، تخته های مس ظاهر شد.برای نقاشی های کوچک (به ویژه در فلاندر محبوبیت دارد).

در قرن نوزدهم، گاهی اوقات از مقوا برای طراحی طرح ها استفاده می شد.

در نقاشی قرون وسطی و اوایل رنسانس، زمین صیقلی بزرگ ساخته شده از گچ و گچ غالب است. در قرن سیزدهم تا چهاردهم، از طلا برای پوشاندن پرایمر سفید استفاده می شد. در پایان قرن چهاردهم، آغازگر طلا به تدریج ناپدید می شود. به جای گچ یا گچ، آنها را با رنگ روغن آماده می کنند. در پایان قرن شانزدهم، یک آستر رنگارنگ با رنگ روغن در ایتالیا به رسمیت شناخته شد. یک آستر قهوه ای مایل به قرمز محبوب بود. (BOLUS)

گام تعیین کننده در آغاز قرن هجدهم برداشته شد، یک انشعاب به تکنیک سه مداد انجام شد.

قرن هجدهم - دوران شکوفایی تخت (بزرگترین استادان شاردن، لاتور، لیوتار).

آبرنگ خیلی دیر شروع می شود، دیرتر از پاستیل. تکنیک آبرنگ برای مدت بسیار طولانی شناخته شده است. قبلاً در مصر باستان در چین شناخته شده بود. آبرنگ توسط مینیاتوریست های قرون وسطی استفاده می شد.

از اواخر قرن پانزدهم، محبوبیت نقاشی رنگ روغن افزایش یافته است. در قرن شانزدهم، مزاج را جابجا می کند.

رمانتیک های فرانسوی اوایل قرن نوزدهم به قیر (یا آسفالت) علاقه داشتند.

انواع اصلی دیدگاه در نقاشی

پرسپکتیو علم به تصویر کشیدن اجسام در فضا بر روی صفحه یا هر سطحی مطابق با آن کاهش های ظاهری در اندازه آنها، تغییرات در خطوط شکل و نسبت های نور و سایه است که در طبیعت مشاهده می شود.

(دیدگاه کلاسیک با سطح فکری خاصی مطابقت دارد که در آن دیدگاه شخص نمی تواند با دیگران متفاوت باشد و اجرای عملی آن در واقعیت می تواند نوعی کمال فنی خودکفا باشد.

پرسپکتیو پویا شکل خاصی از دیدگاه بدوی است.

نقاشی یکی از انواع هنرهای زیباست. نقاشی به انواع زیر تقسیم می شود:

• بسیار بزرگ و مهم؛
• سه پایه;
• نمایشی و تزئینی؛
• تزئینی؛
• مینیاتوری

بر خلاف انواع دیگر، در نقاشی، رنگ معنای بیانی اصلی را دارد که به لطف آن نقش زیبایی شناختی، شناختی، ایدئولوژیک و مستند را ایفا می کند.

نقاشی انتقال تصویر با رنگ مایع است، برخلاف گرافیک. رنگ روغن، تمپر، گواش، مینا، آبرنگ و... نقش رنگ را دارند.

سبک نقاشی یک جهت با ایده های کلی، تکنیک های اجرا و تکنیک های تصویر مشخصه است. شکل گیری سبک ها متاثر از سیاست و اقتصاد، ایدئولوژی و مذهب بود. بنابراین هر سبکی را می توان نماینده زمان خود دانست.

جهت ها و سبک های نقاشی کمتر از ابزارهای به تصویر کشیدن آن متنوع نیست. گاهی اوقات تقسیم بندی روشنی از سبک ها وجود ندارد. وقتی چندین سبک را با هم ترکیب می کنید، یک سبک جدید دریافت می کنید. اما با همه تنوع، چندین جهت اصلی وجود دارد:

گوتیک

این سبک اروپایی در قرن 9 تا 14 رایج بود. داستان های کتاب مقدس، نداشتن دیدگاه، احساسی بودن و پرمدعا بودن از ویژگی های اصلی این سبک است. نمایندگان: Giotto، Traini.

رنسانس

قرن 14-16 بازگشت به دوران باستان، تجلیل از زیبایی بدن انسان، اومانیسم است. نمایندگان اصلی میکل آنژ بووناروتی، لئوناردو داوینچی هستند.

رفتارگرایی

جهت در نقاشی قرن شانزدهم. سبک مخالف رنسانس است. نام از کلمه "روش" گرفته شده است. نمایندگان این روند Vasari، Duve.

باروک

سبک مجلل و مجلل نقاشی قرن 16-18 در اروپا. با درخشندگی رنگ ها، توجه به جزئیات و تزئینات متمایز می شود.

روکوکو

قرن شانزدهم ادامه‌ای ظریف‌تر، ظریف‌تر و صمیمی‌تر از سبک باروک. نمایندگان: بوش، واتو.

کلاسیک گرایی

سبک ذاتی در فرهنگ اروپایی قرن 17-19. تصویری از دیدگاه کلاسیک باید بر اساس قوانین سختگیرانه ساخته شود. سبک کلاسیک وارث دوران باستان و رنسانس است. نمایندگان اصلی این سبک رافائل، پوسین هستند.

امپراتوری

سبک قرن 19. نام این سبک از کلمه "امپراتوری" گرفته شده است. این تداوم توسعه کلاسیک گرایی در عظمت، تجمل و پیچیدگی آن است. نماینده اصلی J. L. David است.

رمانتیسم

سبک قرن 19، قبل از کلاسیک. احساسی بودن، فردیت، بیان تصاویر. او با تصویر احساساتی مانند وحشت، احترام متمایز شد. سنت های عامیانه، افسانه ها، تاریخ ملی را ترویج می کند. نمایندگان: گویا، بریولوف، دلاکروا، آیوازوفسکی.

بدوی گرایی

سبک نقاشی قرن 19. تصویری تلطیف‌شده و ساده‌شده که منجر به شکل‌های ابتدایی می‌شود که یادآور نقاشی‌های ابتدایی است. نماینده برجسته پیروسمانی است.

واقع گرایی

سبک قرن 19 و 20. اساساً حقیقت عینی را منعکس می کند، بدون احساسات بیش از حد. مردم اغلب در محل کار به تصویر کشیده می شدند. هنرمندان: رپین، شیشکین، ساوراسوف، مانه.

انتزاع گرایی

سبک قرن 19 و 20. ترکیب رنگی هماهنگ از اشکال هندسی، با هدف دستیابی به انواع تداعی ها. نمایندگان: پیکاسو، کاندینسکی.

امپرسیونیسم

سبک قرن 19 و 20. سبک نقاشی در فضای باز، در فضای باز. سرریز نور ساخته شده به شیوه ای مشخص، تکنیک یک ضربه کوچک، حرکتی که توسط استاد منتقل می شود. نام این سبک توسط نقاشی مونه "Impression" داده شد. نمایندگان اصلی این سبک رنوار، مونه، دگا هستند.

اکسپرسیونیسم

سبک قرن بیستم. تصویری اغراق آمیز از احساسات برای تأثیر بیشتر بر بیننده. از جمله نمایندگان این سبک می توان به مودیلیانی، مونک اشاره کرد.

کوبیسم

سبک آوانگارد قرن بیستم. با خطوط شکسته (مکعبی)، ترکیب خاصی از اشیاء، که به طور همزمان از چندین نقطه نظر مشاهده می شود، مشخص می شود. پیکاسو را پایه گذار این سبک می دانند.

مدرنیسم

سبک قرن 19 و 20. این نقطه مقابل تصاویر محافظه کارانه از رئالیسم است. سبک ظالمانه و پلاستیکی نقاشی، نقاشی های اصلی را ارائه می دهد که منعکس کننده دنیای درونی هنرمند است. نمایندگان: پیکاسو، ماتیس.

هنر پاپ

سبک قرن بیستم. تصویری کنایه آمیز از اشیاء پیش پا افتاده و اغلب مبتذل. معمولا در بازاریابی و تبلیغات استفاده می شود. نماینده برجسته این گرایش اندی وارهول است.

سمبولیسم

جهت 19-20 قرن. معنویت، رویاها، اسطوره ها و افسانه ها. نمادها، اغلب مبهم، مشخصه این سبک هستند. پیشرو اکسپرسیونیسم و ​​سوررئالیسم است. نمایندگان: وروبل، واسنتسف، نستروف.

سوررئالیسم

سبک قرن بیستم. کنایه ها، آمیختن فضاهای واقعیت و رویا، کلاژهای غیرمعمول. بر ضمیر ناخودآگاه تأثیر می گذارد. سهم بزرگی در این سبک توسط دالی، ماگریت انجام شد.

زیرزمینی

گرایشی تجربی در هنر معاصر که منعکس کننده رفتار ضداجتماعی در نقض اصول اخلاقی و اخلاقی پذیرفته شده عمومی است. نماینده سبک Shemyakin است.

استایل چیست؟

منظور از سبک در هنر دقیقاً چیست؟ این نوعی وحدت ایدئولوژیک و هنری است که به لطف آن هنرمندان مضامین خاص و وسایل بصری خاص را ترجیح می دهند. آنها فردی باقی می مانند، اما با نگاه کردن به این یا آن بوم، می توان تقریباً بدون تردید دوران و سبک را تعیین کرد.

اروپا در قرون وسطی شکل گرفت. و نقاشی از شمایل نگاری توسعه یافت. در خاک روسیه، حتی یک ژانر انتقالی وجود داشت - parsuna. این دیگر یک نماد نیست، اما هنوز یک پرتره نیست. و تنها زمانی که هنر به تدریج از قدرت کلیسا رها شود، دنیوی تر و دنیوی تر شود، نقاشی به عنوان یک هنر تمام حقوق را به دست می آورد.

استایل پشت استایل

اولین سبک پان-اروپایی در نقاشی را می توان نه سبک رومانسک و گوتیک (عمدتاً معماری وجود دارد) بلکه باروک در نظر گرفت.

این سبک اشارات، حذفیات، تمثیل، سبک تمثیل و استعاره است. رامبراند و روبنس نمایندگان معمولی آن هستند. روکوکو نوعی باروک منحط است. سبک در نقاشی به اندازه هنر کاربردی نیست. F. Boucher و A. Watteau برجسته ترین نمونه های نقاشی روکوکو را به جا گذاشتند. این نقاشی به خودی خود پالایش شده است، با لمسی از اروتیسم، طراحی شده در رنگ های پاستلی، پر از نقوش اساطیری. قرن هجدهم به قرن سلطه کلاسیکیسم تبدیل می شود. این قبلاً یک نقاشی قهرمانانه است که در آن حاکمان و ژنرال ها تجلیل می شوند. اعتیاد هنرمندان به موضوعات اساطیری و تاریخی وجود دارد. نسبت های دقیق، وحدت محتوا و فرم، تقسیم شخصیت ها به مثبت و منفی، به اصلی و فرعی - اینها تنها برخی از ویژگی های کلاسیک هستند. سپس یک عصر کوتاه اما روشن از احساسات گرایی فرا می رسد. در حوزه تأثیر او علاوه بر نقاشی، شعر نیز وجود دارد. احساسات گرایان محتوای هنر را عمیق می کنند، آن را با تنش روانی پر می کنند. آنها نقاشی را به نیازها و خواسته های مردم عادی روی می آورند. هنر دموکراتیک شده است. اکنون روی بوم ها - نه خدایان و قهرمانان، بلکه آشپزها، لباسشویی ها، کارگران. برای زشت ترین کارها رمانتیسم جایگزین احساسات گرایی می شود. با احساسات طوفانی خود، شخصیت های غیر معمول، غیر خانگی، فرقه الهام. کافی است پرتره های پوشکین کیپرنسکی و تروپینین را با هم مقایسه کنیم تا تفاوت اساسی بین آنها احساس شود. کیپرنسکی رمانتیک، پوشکین رومانتیکی هم دارد، در پس زمینه یک لیر. تروپینین رئالیست، شاعر را در حالی که یقه پیراهنش به طور معمولی باز است، البته با قلمی در دست، به عنوان یک مرد ترسیم می کند.

رئالیسم - به طور جدی و برای مدت طولانی هنر رئالیستی از دهه سی قرن نوزدهم راه خود را باز می کند. و خیلی زود شروع به تعریف و شکل دادن به ذائقه هنری تعداد قابل توجهی از مردم می کند. در قلب رئالیسم میل به انعکاس صادقانه و جامع واقعیت پیرامون، نگرش انتقادی نسبت به ارزش های بورژوایی و جهت گیری اجتماعی قدرتمند است. در روسیه، نقاشی رئالیستی، اول از همه، سرگردان است. در آغاز قرن، رئالیسم در حال تجربه یک بحران موقتی است. اما برای ظهور مدرنیسم کافی است. این اصطلاح برای مشخص کردن مجموعه‌ای از آن جنبش‌ها و مکاتب هنری به کار می‌رود که می‌کوشند قید هنر سنتی را کنار بزنند تا رئالیسم و ​​بازنمایی موضوعی آن را بشکنند.

درخشش جایگزین یا کاذب؟

مدرنیسم هم امپرسیونیسم است و هم فوویسم و ​​هم نمادگرایی و هم آینده گرایی. مردم کمتر و کمتر روی بوم های مردم، طبیعت، حیوانات می بینند. در عوض - نسبت های تحریف شده، زنگ های نامشخص. همه چیز با احساسات و حالات لحظه ای این یا آن نویسنده رنگ می شود. همانطور که می گویند بیشتر در راه است. پس از مدرنیسم - انتزاع گرایی. اینها قبلاً نقاط رنگی، خطوط منحنی، ترکیبی عجیب از اجسام هندسی هستند. کوبیسم، رایونیسم، سوررئالیسم. فقط استعداد را نجات داد. درباره پیکاسو یا دالی است. میانه روی تابستان را بلعید. سرنوشت آنها در تاریخ فراموش شده است. در نهایت، پست مدرنیسم، که دورانش برای مدتی غیرمنطقی طولانی شد. دیگر قوانین و قوانینی وجود ندارد. بدون اعتراف و موعظه. بیایید همه. التقاط کامل، یعنی ترکیبی از سبک ها و عناصر ناهمگون. روی موفقیت تجاری شرط بندی کنید.

به چی رسیدند؟ متأسفانه، توسعه سبک های نقاشی، حدس فیلسوف اسپانیایی J. Ortega y Gaset را در مورد ظهور عصر "بسیار غیر انسانی هنر" تأیید می کند. هیچ کس نیاز به ابراز وجود را انکار نمی کند و هیچ کس هنرمند را در انتخاب وسیله برای آن محدود نمی کند. این فقط ناراحت کننده است که بسیاری از مردم مانند پیرزنی شاپوکلیاک از کارتون فکر می کنند "شما نمی توانید با کارهای خوب مشهور شوید." هر چه رسواتر باشد، موفقیت پیش بینی شده بلندتر است. و غافل از این گونه «هنرمندان» که زمان هنوز همه سرباره ها و پوسته ها را از بین خواهد برد و هنر واقعی باقی خواهد ماند. هیچ کثیفی به آن نمی چسبد.

• سخنرانی. اوکسانا ریمارنکو: "لوشیسم در میان "ایسم"های هنر انتزاعی"