همه هنرمندان رنسانس. هنرمندان دوره رنسانس عالی مفهوم تولد دوباره. اومانیسم

دوران رنسانس عالی (پایان پانزدهم - ربع اول قرن شانزدهم) زمان کمال و آزادی است. مانند دیگر اشکال هنر این عصر، نقاشی نیز با ایمان عمیق به انسان، به قدرت خلاق و قدرت ذهن او مشخص می شود. در نقاشی‌های استادان رنسانس عالی، آرمان‌های زیبایی، انسان‌گرایی و هماهنگی حاکم است، شخص موجود در آنها اساس جهان است.

نقاشان این زمان به راحتی از همه ابزارهای بازنمایی استفاده می کنند: رنگ، غنی شده با هوا، نور و سایه، و طراحی، آزاد و تیز. آنها کاملاً دارای چشم انداز و حجم هستند. مردم نفس می کشند و روی بوم های هنرمندان حرکت می کنند، احساسات و تجربیات آنها عمیقاً احساسی به نظر می رسد.

این دوره چهار نابغه به جهان داد - لئوناردو داوینچی، رافائل، میکل آنژ، تیتیان. در نقاشی آنها، ویژگی های رنسانس عالی - ایده آل بودن و هماهنگی، همراه با عمق و سرزندگی تصاویر - به وضوح خود را نشان داد.

لئوناردو داوینچی

در 15 آوریل 1452، در شهر کوچک ایتالیایی وینچی، که در نزدیکی فلورانس قرار دارد، یک پسر نامشروع از دفتر اسناد رسمی پیرو داوینچی به دنیا آمد. نام او را لئوناردو دی سر پیرو دی آنتونیو گذاشتند. مادر پسر، کاترینای خاص، کمی بعد با یک دهقان ازدواج کرد. پدر بچه نامشروع را رها نکرد، او را برد و تربیت خوبی به او داد. یک سال پس از مرگ پدربزرگ لئوناردو، آنتونیو، در سال 1469، سردفتر با خانواده اش به فلورانس می رود.

لئوناردو از دوران کودکی اشتیاق به نقاشی را بیدار می کند. پدر با توجه به این موضوع، پسر را برای تحصیل نزد یکی از مشهورترین استادان مجسمه سازی، نقاشی و جواهرات آن زمان، آندریا وروکیو (1435-1488) می فرستد. شکوه کارگاه Verrocchio به طور غیرعادی عالی بود. از ساکنان نجیب شهر سفارشات زیادی برای اجرای نقاشی و مجسمه دریافت می شد. تصادفی نبود که آندره آ وروکیو در بین شاگردانش از اعتبار زیادی برخوردار بود. معاصران او را با استعدادترین جانشین ایده های رنسانس فلورانس در نقاشی و مجسمه سازی می دانستند.

نوآوری وروکیو به عنوان یک هنرمند در درجه اول با بازاندیشی تصویر مرتبط است که ویژگی های طبیعت گرایانه را از نقاش به دست می آورد. از کارگاه Verrocchio، آثار بسیار کمی تا به امروز باقی مانده است. محققان بر این باورند که «تعمید مسیح» معروف در این کارگاه ساخته شده است. علاوه بر این، مشخص شده است که منظره در پس زمینه نقاشی و فرشتگان در سمت چپ آن متعلق به قلم موی لئوناردو است.

قبلاً در این کار اولیه ، فردیت خلاقانه و بلوغ هنرمند مشهور آینده خود را نشان داد. منظره ای که با دست لئوناردو کشیده شده است، به طور قابل توجهی با نقاشی های طبیعت توسط خود وروکیو متفاوت است. متعلق به یک هنرمند جوان، گویی در مه روشنی فرو رفته و نمادی از بی نهایت و بی نهایت فضاست.

تصاویر خلق شده توسط لئوناردو نیز اصلی هستند. دانش عمیق آناتومی بدن انسان و همچنین روح آن به هنرمند اجازه می دهد تا تصاویر غیرمعمولی رسا از فرشتگان ایجاد کند. تسلط بر بازی نور و سایه به هنرمند کمک کرد تا چهره های زنده و پویا را به تصویر بکشد. به نظر می رسد که فرشتگان فقط برای مدتی یخ زدند. چند دقیقه دیگر می گذرد - و آنها زنده می شوند ، حرکت می کنند ، صحبت می کنند ...

منتقدان هنری و زندگی نامه نویسان داوینچی ادعا می کنند که لئوناردو تا سال 1472 کارگاه وروکیو را ترک می کند و در کارگاه نقاشان استاد می شود. از سال 1480 به مجسمه سازی روی آورد که به گفته لئوناردو ساده ترین راه برای بیان پویایی حرکات بدن انسان بود. از آن زمان، او در آکادمی هنر کار می کند - این نام کارگاه واقع در باغ در میدان سن مارکو بود که به ابتکار لورنزو باشکوه ایجاد شد.

در سال 1480، لئوناردو سفارشی از کلیسای سن دوناتو اسکوپتو برای آهنگسازی هنری "تعداد مجوس" دریافت کرد.

لئوناردو مدت زیادی در فلورانس زندگی نکرد. در سال 1482 راهی میلان می شود. احتمالاً این تصمیم به شدت تحت تأثیر این واقعیت بود که این هنرمند برای کار بر روی نقاشی کلیسای سیستین به رم دعوت نشد. به هر حال ، به زودی استاد در برابر دوک شهر معروف ایتالیایی لودوویکو اسفورزا ظاهر شد. میلانی ها به گرمی از لئوناردو استقبال کردند. او برای مدت طولانی در محله پورتا تیسینس ساکن شد و زندگی کرد. و در سال بعد، 1483، او یک محراب به سفارش کلیسای Immacolata در کلیسای سان فرانچسکو گرانده نوشت. این شاهکار بعدها به مدونای صخره ها معروف شد.

تقریباً در همان زمان، لئوناردو در حال کار بر روی بنای برنزی برای فرانچسکو اسفورزا است. با این حال، نه طرح ها، و نه طرح های آزمایشی و ریخته گری نمی توانستند قصد هنرمند را بیان کنند. کار ناتمام ماند.

در دوره 1489 تا 1490، لئوناردو داوینچی کاستلو اسفورزسکو را در روز ازدواج جیان گاله آزو اسفورزا نقاشی کرد.

تقریباً کل سال 1494 لئوناردو داوینچی به شغل جدیدی برای خود اختصاص می دهد - هیدرولیک. به ابتکار همان Sforza، لئوناردو پروژه ای را برای تخلیه قلمرو دشت لومبارد توسعه و اجرا می کند. با این حال ، در سال 1495 بزرگترین استاد هنرهای زیبا به نقاشی بازگشت. این سال است که مرحله اولیه در تاریخ ایجاد نقاشی دیواری معروف "شام آخر" است که دیوارهای اتاق غذاخوری صومعه را که در نزدیکی کلیسای سانتا ماریا دل گرازیه قرار دارد تزئین می کند.

در سال 1496، لئوناردو در ارتباط با حمله لوئی دوازدهم پادشاه فرانسه به دوک نشین میلان، شهر را ترک کرد. او ابتدا به مانتوا نقل مکان می کند و سپس در ونیز ساکن می شود.

از سال 1503، این هنرمند در فلورانس زندگی می کند و به همراه میکل آنژ روی نقاشی تالار شورای بزرگ در Palazzo Signoria کار می کند. قرار بود لئوناردو "نبرد انگیاری" را به تصویر بکشد. با این حال، استاد که دائماً در جستجوی خلاقانه است، اغلب کاری را که شروع کرده است رها می کند. بنابراین با "نبرد انگیاری" اتفاق افتاد - نقاشی دیواری ناتمام ماند. مورخان هنر معتقدند که در آن زمان بود که جوکوندای معروف ساخته شد.

از 1506 تا 1507 لئوناردو دوباره در میلان زندگی می کند. از سال 1512 دوک ماکسیمیلیان اسفورزا در آنجا حکومت می کند. 24 سپتامبر 1512 لئوناردو تصمیم می گیرد میلان را ترک کند و با شاگردانش در رم ساکن شود. در اینجا او نه تنها نقاشی می کند، بلکه به مطالعه ریاضیات و سایر علوم نیز روی می آورد.

لئوناردو داوینچی پس از دریافت دعوتنامه از پادشاه فرانسه فرانسیس اول در ماه مه 1513، به آمبویز نقل مکان کرد. او تا زمان مرگش در اینجا زندگی می کند: نقاشی می کند، تعطیلات را تزئین می کند و روی کاربرد عملی پروژه هایی با هدف استفاده از رودخانه های فرانسه کار می کند.

2 مه 1519 هنرمند بزرگ درگذشت. لئوناردو داوینچی در کلیسای آمبویز سن فیورنتینو به خاک سپرده شده است. اما در اوج جنگ های مذهبی (قرن شانزدهم) قبر این هنرمند تخریب و به کلی ویران شد. شاهکارهای او که اوج هنرهای زیبا در قرون 15-16 به شمار می رفت تا به امروز چنین است.

در میان نقاشی های داوینچی، نقاشی دیواری شام آخر جایگاه ویژه ای را به خود اختصاص داده است. تاریخچه نقاشی دیواری معروف جالب و شگفت انگیز است. تاریخ ایجاد آن به 1495-1497 باز می گردد. این کار توسط راهبان دومینیکن سفارش داده شد که مایل بودند دیوارهای سفره خانه را در صومعه خود، واقع در نزدیکی کلیسای سانتا ماریا دل گرازیه در میلان تزئین کنند. این نقاشی یک داستان انجیلی نسبتاً معروف را به تصویر می‌کشد: آخرین غذای عیسی مسیح با دوازده حواری‌اش.

این شاهکار به عنوان اوج تمام کارهای این هنرمند شناخته می شود. تصاویر مسیح و حواریون خلق شده توسط استاد به طور غیرعادی روشن، رسا و زنده هستند. با وجود عینی بودن و واقعیت وضعیت به تصویر کشیده شده، محتوای نقاشی دیواری مملو از معنای عمیق فلسفی است. در اینجا مضمون ابدی تضاد خیر و شر، از خود راضی و سنگدلی معنوی، حقیقت و دروغ مجسم شد. تصاویر مشتق شده نه تنها مجموعه‌ای از ویژگی‌های شخصیتی فردی (هر فرد با تمام تنوع خلق و خوی خود) نیستند، بلکه نوعی تعمیم روان‌شناختی نیز هستند.

تصویر بسیار پویا است. پس از سخنان نبوی مسیح در مورد خیانت قریب الوقوع که یکی از حواریون باید مرتکب شود، تماشاگران واقعاً هیجانی را احساس می کنند که همه حاضران در غذا را فراگرفت. به نظر می رسد که بوم نوعی دایره المعارف از ظریف ترین سایه های احساسات و حالات انسانی است.

لئوناردو داوینچی کار را به طرز شگفت انگیزی به سرعت تکمیل کرد: تنها پس از دو سال، تصویر به طور کامل تکمیل شد. با این حال، راهبان آن را دوست نداشتند: نحوه اجرای آن بسیار متفاوت از سبک نگارش تصویری پذیرفته شده قبلی بود. نوآوری استاد نه تنها و نه چندان در استفاده از رنگ های یک ترکیب جدید بود. توجه ویژه ای به نحوه به تصویر کشیدن پرسپکتیو در تصویر جلب می شود. نقاشی دیواری که با تکنیک خاصی ساخته شده است، فضای واقعی را گسترش می دهد و بزرگ می کند. به نظر می رسد دیوارهای اتاقی که در تصویر به تصویر کشیده شده است، ادامه دیوارهای سفره خانه خانقاه باشد.

راهبان از هدف و دستاوردهای خلاقانه هنرمند قدردانی نکردند و درک نکردند، بنابراین به حفظ نقاشی اهمیت زیادی ندادند. دو سال پس از نقاشی دیوار، رنگ های آن شروع به خراب شدن و محو شدن کردند، به نظر می رسید که سطح دیوار با تصویر اعمال شده روی آن با نازک ترین ماده پوشیده شده است. این اتفاق از یک طرف به دلیل کیفیت پایین رنگ های جدید و از طرف دیگر به دلیل قرار گرفتن مداوم در معرض رطوبت، هوای سرد و بخاری بود که از آشپزخانه صومعه سراها نفوذ می کرد. هنگامی که راهبان تصمیم گرفتند یک ورودی اضافی به سفره خانه را در دیوار با نقاشی دیواری برش دهند، ظاهر نقاشی کاملاً خراب شد. در نتیجه، تصویر در پایین قطع شد.

از قرن سیزدهم تلاش هایی برای بازسازی این شاهکار انجام شده است. با این حال، همه آنها بیهوده بودند، رنگ همچنان رو به وخامت است. دلیل این امر در حال حاضر وخامت اوضاع زیست محیطی است. کیفیت نقاشی دیواری تحت تأثیر افزایش غلظت گازهای خروجی در هوا و همچنین مواد فراری است که توسط کارخانه ها و گیاهان به جو منتشر می شود.

اکنون حتی می توان گفت که کارهای اولیه در مورد مرمت نقاشی نه تنها غیرضروری و بی معنی بود، بلکه جنبه منفی خود را نیز داشت. در روند بازسازی، هنرمندان اغلب به نقاشی های دیواری اضافه می کردند و ظاهر شخصیت های ارائه شده بر روی بوم و فضای داخلی به تصویر کشیده شده را تغییر می دادند. بنابراین ، اخیراً مشخص شد که یکی از حواریون در اصل ریش بلند و خمیده ای نداشته است. علاوه بر این، بوم های سیاهی که روی دیوارهای سفره خانه به تصویر کشیده شده بود، چیزی بیش از فرش های کوچک نبود. فقط
در قرن بیستم موفق به پیدا کردن و تا حدی ترمیم زینت خود را.

مرمتگران مدرن، که در میان آنها گروهی که تحت رهبری کارلو برتلی کار می کردند به طور قابل توجهی متمایز بودند، تصمیم گرفتند ظاهر اولیه نقاشی دیواری را بازیابی کنند و آن را از عناصر اعمال شده بعداً رها کنند.

موضوع مادری، تصاویر یک مادر جوان که فرزند خود را تحسین می کند، برای مدت طولانی در کار استاد بزرگ کلیدی باقی ماند. شاهکارهای واقعی او نقاشی های "Madonna Litta" و "Madonna with a Flower" ("Madonna Benois") هستند. در حال حاضر، "Madonna Litta" در موزه دولتی هرمیتاژ در سنت پترزبورگ نگهداری می شود. این نقاشی توسط امپراتور روسیه الکساندر دوم در سال 1865 از خانواده دوک ایتالیایی آنتونیو لیتا که قبلاً هدیه دوک های ویسکونتی به آنها بود خریداری شد. به دستور تزار روسیه، این تابلو از چوب به بوم منتقل شد و در یکی از تالارهای موزه معروف سن پترزبورگ آویزان شد.

دانشمندان هنر معتقدند (و تحقیقات علمی این را ثابت کرده است) که کار روی ایجاد تصویر توسط خود نویسنده تکمیل نشده است. توسط یکی از شاگردان لئوناردو به نام بولترافیو تکمیل شد.

بوم برجسته ترین بیان موضوع مادری در نقاشی دوره رنسانس است. تصویر مادر مدونا روشن و معنوی است. نگاه به کودک به طور غیر معمول ملایم است، به طور همزمان بیان می کند
غم و اندوه و آرامش و آرامش درونی در اینجا به نظر می رسد که مادر و فرزند دنیای منحصر به فرد خود را تشکیل می دهند و یک کل هماهنگ واحد را تشکیل می دهند. اندیشه از طریق تصویر را می توان با کلمات زیر بیان کرد: دو موجود زنده، مادر و فرزند، اساس و معنای زندگی را در بر می گیرند.

تصویر مدونا با کودکی در آغوشش به یاد ماندنی است. تکمیل و اصلاح به آن یک انتقال خاص و نرم از نور و سایه می دهد. لطافت و شکنندگی فیگور با پرده های شنل که روی شانه های زن انداخته شده است، تأکید می کند. نقاشی‌های پنجره‌ای که در پس‌زمینه به تصویر کشیده شده‌اند و ترکیب بندی را کامل می‌کنند و بر جدایی دو فرد نزدیک از بقیه جهان تأکید می‌کنند.

بوم "Madonna with a Flower" ("Madonna Benois")، تقریباً در سال 1478، توسط تزار نیکلاس دوم در سال 1914 به ویژه برای هرمیتاژ از آخرین صاحبان روسی آن خریداری شد. صاحبان اولیه آن ناشناخته باقی مانده اند. فقط یک افسانه وجود دارد که می گوید یک بازیگر دوره گرد ایتالیایی این نقاشی را به روسیه آورد و پس از آن در سال 1824 توسط تاجر ساپوژنیکوف در سامارا خریداری شد. بعداً ، بوم از پدر به دختر ، M. A. Sapozhnikova (توسط شوهرش - Benois) به ارث رسید که امپراتور آن را از او خرید. از آن زمان، این تابلو دو نام داشت: «مدونا با گل» (نویسنده) و «مدونا بنوا» (پس از نام آخرین صاحب).

تصویری که مادر خدا را در کنار نوزاد نشان می دهد، نشان دهنده احساسات عادی و زمینی مادری است که با فرزندش بازی می کند. کل صحنه بر اساس تضاد ساخته شده است: یک مادر خندان و یک کودک به طور جدی یک گل را مطالعه می کنند. هنرمند با تمرکز بر این تقابل خاص، میل یک فرد به دانش، اولین قدم های او در مسیر حقیقت را نشان می دهد. این ایده اصلی بوم است.

بازی نور و سایه لحن خاص و صمیمی را برای کل ترکیب بندی ایجاد می کند. مادر و نوزاد در دنیای خود هستند و از غرور زمینی بریده شده اند. علیرغم گوشه‌ای و استحکام پارچه‌های به تصویر کشیده شده، قلم مو لئوناردو داوینچی با انتقال صاف و نرم سایه‌های رنگ‌های مورد استفاده و ترکیب نور و سایه کاملاً آسان است. این بوم با رنگ‌های ملایم و آرام نقاشی شده است که در یک سیستم رنگی ثابت است و این به تصویر شخصیتی نرم می‌دهد و احساس هماهنگی و آرامش غیرزمینی و کیهانی را القا می‌کند.

لئوناردو داوینچی استاد شناخته شده پرتره است. از معروف ترین نقاشی های او می توان به «بانوی ارمینه» (حدود 1483-1484) و «پرتره یک موسیقیدان» اشاره کرد.

منتقدان هنری و مورخان پیشنهاد می کنند که بوم "بانوی ارمینه" سسیلیا گالرانی را به تصویر می کشد که قبل از ازدواج دوک میلان لودویک موریو مورد علاقه دوک میلان بود. اطلاعاتی حفظ شده است که سیسیلیا زنی بسیار تحصیل کرده بود که در آن زمان نادر بود. علاوه بر این، مورخان و زندگی نامه نویسان این هنرمند مشهور نیز معتقدند که او از نزدیک با لئوناردو داوینچی، که زمانی تصمیم گرفت پرتره او را نقاشی کند، آشنا بود.

این بوم فقط در یک نسخه بازنویسی شده به دست ما رسیده است و به همین دلیل دانشمندان مدتهاست که در نویسندگی لئوناردو تردید دارند. با این حال، بخش های به خوبی حفظ شده از نقاشی که یک ارمنی و چهره یک زن جوان را به تصویر می کشد، به ما این امکان را می دهد که با اطمینان در مورد سبک های استاد بزرگ داوینچی صحبت کنیم. همچنین جالب است که پس زمینه تیره متراکم، و همچنین برخی از جزئیات مدل مو، نقاشی های اضافی هستند که بعدا ساخته شده اند.

«بانوی ارمینه» یکی از درخشان‌ترین بوم‌های روان‌شناختی در گالری پرتره این هنرمند است. کل شکل دختر بیانگر پویایی، تلاش به جلو، گواهی بر شخصیت انسانی غیرمعمول با اراده و قوی است. ویژگی های صحیح صورت فقط بر این موضوع تاکید دارد.

پرتره واقعا پیچیده و چند وجهی است، هماهنگی و کامل بودن تصویر با ادغام چندین عنصر به دست می آید: حالات چهره، چرخش سر، موقعیت دست. چشمان یک زن منعکس کننده ذهن، انرژی، بینش خارق العاده است. لب های محکم فشرده، بینی صاف، چانه تیز - همه چیز بر اراده، عزم، استقلال تأکید دارد. چرخش برازنده سر، گردن باز، دستی با انگشتان بلند که حیوانی برازنده را نوازش می کند بر شکنندگی و هماهنگی کل شکل تأکید می کند. تصادفی نیست که بانو در آغوشش گل سرخی گرفته است. خز سفید حیوان، شبیه برف اول، در اینجا نمادی از خلوص معنوی یک زن جوان است.

پرتره به طرز شگفت آوری پویا است. استاد موفق شد لحظه ای را به دقت ثبت کند که یک حرکت باید به آرامی به حرکت دیگری تبدیل شود. به همین دلیل به نظر می رسد که دختر در آستانه زنده شدن است، سرش را بچرخاند و دستش روی خز نرم حیوان می لغزد...

بیان خارق‌العاده ترکیب‌بندی با وضوح خطوطی که فیگورها را تشکیل می‌دهند و همچنین تسلط و استفاده از تکنیک تبدیل نور به سایه‌ها به دست می‌آید که به کمک آن فرم‌هایی روی بوم ایجاد می‌شود.

"پرتره یک موسیقیدان" تنها پرتره مرد در میان شاهکارهای لئوناردو داوینچی است. بسیاری از محققان این مدل را با نایب السلطنه کلیسای جامع میلان، فرانسینو گافوریو می شناسند. با این حال، تعدادی از دانشمندان این نظر را رد می کنند و می گویند که این یک نایب السلطنه نیست که در اینجا تصویر شده است، بلکه یک جوان معمولی، یک موسیقیدان است. علیرغم وجود برخی جزئیات از ویژگی های تکنیک نوشتن داوینچی، مورخان هنر هنوز در مورد نویسنده بودن لئوناردو تردید دارند. احتمالاً این تردیدها با استفاده از عناصر مشخصه سنت های هنری پرتره نگاران لومبارد بر روی بوم مرتبط است.

تکنیک پرتره از بسیاری جهات یادآور کار آنتونلو دا مسینا است. در پس زمینه موهای مجعد شاداب، خطوط واضح و سخت صورت تا حدودی به وضوح خودنمایی می کند. مردی باهوش با شخصیتی قوی در برابر مخاطب ظاهر می شود، هرچند در عین حال می توان چیزی غیرزمینی و معنوی در نگاهش گرفت. شاید در همین لحظه است که نوای جدید و الهی در روح نوازنده متولد می شود که پس از مدتی دل بسیاری از مردم را به دست می آورد.

با این حال، نمی توان گفت که هنرمند در تلاش است به طور مصنوعی یک فرد را تعالی بخشد. استاد با ظرافت و مهارت تمام غنا و وسعت روح انسان را بدون توسل به هذیان و هذیان می رساند.

یکی از مشهورترین نقاشی‌های داوینچی، مدونای صخره‌ها (1483-1493) است. این توسط لئوناردو به دستور راهبان کلیسای سن فرانچسکو گرانده در میلان ساخته شده است. این ترکیب برای تزئین محراب در کلیسای Immacolata در نظر گرفته شده بود.

دو نسخه از این نقاشی وجود دارد که یکی در موزه لوور پاریس و دیگری در گالری ملی لندن نگهداری می شود.

این موزه لوور "مدونا در صخره ها" بود که محراب کلیسا را ​​تزئین کرد. دانشمندان پیشنهاد می کنند که خود هنرمند آن را به پادشاه فرانسه لوئیس دوازدهم داده است. به گفته مورخان، او این کار را به نشانه قدردانی از مشارکت پادشاه در حل مناقشه ای که بین مشتریان تابلوها و هنرمندان نمایش به وجود آمد انجام داد.

نسخه اهدایی با نقاشی دیگری جایگزین شد که اکنون در گالری ملی لندن است. در سال 1785، همیلتون معینی آن را خرید و به انگلستان آورد.

یکی از ویژگی های بارز "مدونا در صخره ها" آمیختگی پیکره های انسانی با چشم انداز است. این اولین تصویر از این هنرمند بزرگ است که در آن تصاویر قدیسان با الهام از حضور آنها با طبیعت در هم تنیده شده است. برای اولین بار در آثار استاد، فیگورها نه در پس زمینه هیچ عنصری از یک ساختار معماری، بلکه به گونه ای به تصویر کشیده می شوند که گویی در یک منظره سنگی خشن محصور شده اند. این حس در ترکیب بندی نیز به دلیل بازی خاص نور و ریزش سایه ها ایجاد می شود.

تصویر مدونا در اینجا به صورت غیرعادی معنوی و غیرزمینی ارائه شده است. نور ملایمی بر چهره فرشتگان می افتد. این هنرمند قبل از اینکه شخصیت هایش زنده شوند و تصاویر آنها روشن و رسا شود، طرح ها و طرح های زیادی ساخته است. یکی از طرح ها سر یک فرشته را به تصویر می کشد. نمی دانیم دختر است یا پسر. اما یک چیز را می توان با قاطعیت گفت: این موجودی غیر زمینی است، سرشار از لطافت، مهربانی، پاکی. کل تصویر با حس آرامش، صلح و سکوت آغشته شده است.

نسخه ای که بعداً توسط استاد نقاشی شد در تعدادی از جزئیات با نسخه اول متفاوت است: هاله ها در بالای سر مقدسین ظاهر می شوند ، جان باپتیست کوچک صلیب را نگه می دارد ، موقعیت فرشته تغییر می کند. و خود تکنیک اجرا یکی از دلایل انتساب نویسندگی نقاشی به شاگردان لئوناردو شد. در اینجا همه ارقام نزدیکتر، در مقیاس بزرگتر ارائه می شوند، و علاوه بر این، خطوطی که آنها را تشکیل می دهند قابل توجه تر، حتی سنگین تر، برجسته تر هستند. این افکت با ضخیم شدن سایه ها و برجسته کردن مکان های خاصی در ترکیب ایجاد می شود.

نسخه دوم تصویر، به گفته مورخان هنر، پیش پا افتاده تر و پیش پا افتاده تر است. شاید دلیل این امر تکمیل شدن تصویر توسط شاگردان لئوناردو باشد. با این حال، این چیزی از ارزش بوم کم نمی کند. نیت هنرمند در آن به وضوح نمایان است، سنت استاد در خلق و بیان تصاویر به خوبی ردیابی شده است.

داستان نقاشی معروف لئوناردو داوینچی به نام «اعلام بشارت» (دهه 1470) کمتر جالب نیست. خلق این تابلو مربوط به دوران اولیه کار این هنرمند، به دوران تحصیل و کار در آتلیه آندره آ وروکیو است.

تعدادی از عناصر تکنیک نویسندگی این امکان را به وجود می آورد که با اطمینان بیان شود که نویسنده شاهکار معروف لئوناردو داوینچی است و مشارکت وروکیو یا سایر شاگردانش را در نوشتن او منتفی کنیم. با این حال، برخی از جزئیات در ترکیب مشخصه سنت هنری مکتب Verrocchio است. این نشان می دهد که نقاش جوان، با وجود اصالت و استعدادی که قبلاً در آن زمان آشکار شده بود، هنوز تا حدی تحت تأثیر معلم خود بود.

ترکیب تصویر بسیار ساده است: یک منظره، یک ویلای روستایی، دو چهره - مریم و یک فرشته. در پس زمینه
ما کشتی ها، برخی ساختمان ها، یک بندر را می بینیم. وجود چنین جزئیاتی کاملاً مشخصه کار لئوناردو نیست و آنها در اینجا اصلی نیستند. برای هنرمند، نشان دادن کوه های پنهان در مه مه آلود، دوردست، و آسمان روشن و تقریبا شفاف، مهم تر است. تصاویر معنوی یک زن جوان در انتظار خبر خوش و یک فرشته به طور غیرعادی زیبا و لطیف هستند. خطوط فرم آنها به شیوه داوینچی طراحی شده است که در یک زمان می توان بوم را به عنوان شاهکاری متعلق به قلم موی لئوناردو اولیه تعریف کرد.

ویژگی سنت استاد مشهور، تکنیک اجرای جزئیات ثانویه است: نیمکت های صیقلی، جان پناه سنگی، پایه کتاب، تزئین شده با شاخه های پیچیده گیاهان افسانه ای. نمونه اولیه دومی، به هر حال، تابوت از مقبره جیووانی و پیرو د مدیچی است که در کلیسای سن لورنزو نصب شده است. این عناصر، ذاتی مکتب وروکیو و ویژگی کار دومی، تا حدی توسط داوینچی بازاندیشی شده است. آنها زنده، حجیم و هماهنگ در ترکیب کلی بافته می شوند. به نظر می رسد که نویسنده هدف خود را با استفاده از کارنامه استادش مبنا قرار داده است تا با تکنیک و ابزار بیان هنری خود، دنیای استعداد خود را آشکار کند.

در حال حاضر، یک نسخه از این نقاشی در گالری اوفیزی در فلورانس است. نسخه دوم این ترکیب در موزه لوور پاریس نگهداری می شود.

نقاشی لوور تا حدودی پیچیده تر از نسخه قبلی خود است. در اینجا خطوط هندسی درست دیوارهای جان پناه سنگی را به وضوح می بینید که الگوی آن توسط نیمکت های واقع در پشت پیکر مریم تکرار می شود. تصاویری که به منصه ظهور رسیده اند به طور مناسب و منطقی در ترکیب بندی قرار می گیرند. لباس مریم و فرشته در مقایسه با نسخه اول، رساتر و پیوسته تر کشیده شده است. ماریا، در حالی که سرش را پایین انداخته، لباس آبی تیره با شنل آبی آسمانی بر روی شانه هایش پوشیده است، شبیه موجودی غیرمعمول به نظر می رسد. رنگ‌های تیره لباس روشن‌تر شده و سفیدی چهره او را نشان می‌دهد. تصویر فرشته ای که مژده را به مدونا آورد کمتر بیانگر نیست. مخملی مایل به زرد، یک شنل قرمز غنی با پرده هایی که به آرامی پایین می آیند، تصویر افسانه ای از یک فرشته مهربان را تکمیل می کنند.

از جذابیت خاصی در ترکیب متأخر، منظره ای است که استاد به طرز ماهرانه ای نقاشی کرده است: عاری از هر گونه قرارداد، درختان تقریباً قابل مشاهده که در دوردست رشد می کنند، آسمان آبی روشن و شفاف، کوه های پنهان شده توسط مه روشن، گل های تازه زیر پای یک فرشته.

تابلوی «سنت ژروم» به دوران کار لئوناردو داوینچی در کارگاه آندره آ وروکیو (به اصطلاح دوره فلورانسی آثار این هنرمند) اشاره دارد. نقاشی ناتمام ماند. موضوع اصلی ترکیب یک قهرمان تنها، یک گناهکار توبه کننده است. بدنش از گرسنگی خشک شده بود. با این حال، نگاه سرشار از عزم و اراده او، بیانگر استقامت و قدرت روحی یک فرد است. در هیچ تصویری که لئوناردو خلق کرده است، دوگانگی، ابهام بینایی را نخواهیم یافت.

شخصیت های نقاشی های او همیشه بالاترین درجه از شور و احساس عمیق بسیار مشخص را بیان می کنند.

سر نقاشی استادانه یک گوشه نشین نیز بر نویسندگی لئوناردو گواهی می دهد. چرخش معمولی آن از تسلط عالی بر تکنیک نقاشی و دانش استاد در مورد پیچیدگی های آناتومی بدن انسان صحبت می کند. اگرچه لازم است رزرو کوچکی انجام شود: از بسیاری جهات، این هنرمند از سنت های آندره آ دل کاستانو و دومنیکو ونزیانو پیروی می کند که به نوبه خود از آنتونیو پولائولو می آیند.

شکل ژروم به طور غیرعادی رسا است. به نظر می رسد که گوشه نشین زانو زده همه به سمت جلو هدایت شده است. سمت راست
یک لحظه دیگر سنگی را در دست می گیرد و با آن به سینه خود می زند و بدنش را تازیانه می زند و روحش را به خاطر گناهانی که مرتکب شده است نفرین می کند...

ترکیب بندی نقاشی نیز جالب است. معلوم می‌شود که همه‌اش در یک مارپیچ محصور شده‌اند که با صخره‌ها شروع می‌شود، با شکل شیری که در پای توبه‌کار قرار دارد ادامه می‌یابد و با شکل یک گوشه‌نشین به پایان می‌رسد.

شاید محبوب ترین شاهکار هنرهای زیبای جهان جوکوندا باشد. یک واقعیت جالب این است که با تکمیل کار روی پرتره، این هنرمند تا زمان مرگش از آن جدا نشد. بعداً این نقاشی به پادشاه فرانسه فرانسیس اول رسید و او آن را در موزه لوور گذاشت.

همه محققان هنر موافق هستند که این تصویر در سال 1503 کشیده شده است. با این حال، هنوز در مورد نمونه اولیه دختر جوانی که در پرتره به تصویر کشیده شده است اختلاف نظر وجود دارد. به طور کلی پذیرفته شده است (سنت از زندگی نامه نویس معروف جورجیو وازاری می آید) که این پرتره همسر شهروند فلورانسی فرانچسکو دی جوکوندو، مونالیزا را به تصویر می کشد.

با نگاهی به تصویر می توان با اطمینان گفت که هنرمند در خلق تصویر انسان به کمال رسیده است. در اینجا استاد از شیوه ای که قبلاً پذیرفته شده و گسترده شده بود برای اجرای پرتره فاصله می گیرد. جوکوندا روی پس‌زمینه‌ای روشن نوشته شده است و علاوه بر این، سه چهارم دور چرخش دارد، نگاه او مستقیماً به بیننده معطوف شده است - این در هنر پرتره آن زمان جدید بود. به لطف چشم انداز باز پشت دختر، شکل دومی معلوم می شود که بخشی از منظره به طور هماهنگ با آن ادغام می شود. این به دلیل تکنیک خاص هنری و بصری ایجاد شده توسط لئوناردو و استفاده از او در کار خود - sfumato - به دست می آید. ماهیت آن در این واقعیت نهفته است که خطوط کانتور به وضوح مشخص نشده اند، آنها تار هستند، و این در ترکیب احساس ادغام، نفوذ به بخش های جداگانه آن را ایجاد می کند.

در یک پرتره، این تکنیک (آمیختگی یک پیکره انسانی و یک منظره طبیعی در مقیاس بزرگ) راهی برای بیان یک ایده فلسفی می شود: دنیای انسان به اندازه دنیای طبیعی اطراف ما عظیم، بزرگ و متنوع است. اما از سوی دیگر، مضمون اصلی ترکیب را نیز می توان عدم امکان شناخت کامل جهان طبیعت توسط ذهن انسان نشان داد. با همین تفکر است که بسیاری از مورخان هنر لبخند طعنه آمیزی را که بر لبان مونالیزا منجمد شده است، مرتبط می دانند. به نظر می رسد که او می گوید: "تمام تلاش یک شخص برای شناخت جهان مطلقاً بیهوده و بیهوده است."

به گفته مورخان هنر، پرتره مونالیزا یکی از بالاترین دستاوردهای لئوناردو داوینچی است. در آن ، هنرمند واقعاً توانست ایده هماهنگی و بیکران بودن جهان ، ایده اولویت عقل و هنر را مجسم کند و به طور کامل بیان کند.

میکل آنژ بووناروتی

میکل آنژ بووناروتی، نقاش، مجسمه‌ساز، معمار و شاعر ایتالیایی، در شهر کاپرز در نزدیکی فلورانس در 6 مارس 1475 به دنیا آمد. پدر میکل آنژ، لودوویکو بووناروتی، شهردار شهر کاپرز بود. او در خواب دید که پسرش به زودی جایگزین او خواهد شد. با این حال، برخلاف میل پدرش، میکل آنژ تصمیم می گیرد زندگی خود را وقف نقاشی کند.

در سال 1488، میکل آنژ به فلورانس رفت و وارد مدرسه هنری در آنجا شد که در آن زمان توسط استاد مشهور هنرهای زیبا دومینیکو گیرلاندایو رهبری می شد. یک سال بعد، در سال 1489، این هنرمند جوان در حال حاضر در کارگاهی که توسط لورنزو مدیچی تأسیس شده بود، کار می کند. در اینجا مرد جوان نقاشی را نزد یکی دیگر از هنرمندان و مجسمه سازان مشهور زمان خود، برتولدو دی جووانی، که شاگرد دوناتلو بود، می آموزد. در این کارگاه، میکل آنژ با آنجلو پولیزیانو و پیکو دلا میراندولا کار کرد که تأثیر زیادی در توسعه روش هنری نقاش جوان گذاشت. با این حال، کار میکل آنژ در فضای حلقه لورنزو مدیچی بسته نشد. استعداد او دائما در حال پیشرفت است. توجه این هنرمند به طور فزاینده ای به تصاویر قهرمانانه بزرگ آثار جوتو و ماساچیو بزرگ جلب شد.

در نیمه اول دهه 90. در قرن پانزدهم، اولین مجسمه های ساخته شده توسط میکل آنژ ظاهر شد: "مدونا در پله ها" و "نبرد قنطورس".

در «مدونا» می توان تأثیر شیوه بازنمایی هنری که عموماً در هنر آن زمان پذیرفته شده بود را مشاهده کرد. در کار میکل آنژ همان جزئیات فیگورهای پلاستیکی وجود دارد. با این حال ، در حال حاضر در اینجا می توان تکنیک صرفاً فردی مجسمه ساز جوان را دید که خود را در خلق تصاویر رفیع و قهرمانانه نشان داد.

در نقش برجسته "نبرد قنطورس" هیچ اثری از تأثیر خارجی وجود ندارد. این اثر اولین کار مستقل یک استاد با استعداد است که سبک فردی او را نشان می دهد. روی نقش برجسته در کمال محتوا، تصویری اسطوره‌ای از نبرد لاپیت‌ها با سنتورها به چشم می‌خورد. صحنه با درام و واقع گرایی خارق العاده متمایز می شود که با انعطاف پذیری دقیق چهره های به تصویر کشیده شده بیان می شود. این مجسمه را می توان سرود قهرمان، قدرت و زیبایی انسان دانست. علیرغم تمام درام داستان، ترکیب کلی شامل هارمونی عمیق درونی است.

هنر پژوهان «نبرد قنطورس» را نقطه آغاز کار میکل آنژ می دانند. آنها می گویند که نبوغ هنرمند دقیقاً در این اثر نشات می گیرد. نقش برجسته با اشاره به آثار اولیه استاد به نوعی بازتاب غنای شیوه هنری میکل آنژ است.

از 1495 تا 1496 میکل آنژ بووناروتی در بولونیا است. در اینجا او با بوم های Jacopo della Quercia آشنا می شود که توجه هنرمند جوان را به خاطر ماندگاری تصاویر خلق شده به خود جلب کرد.

در سال 1496، استاد در رم اقامت گزید و در آنجا به بررسی انعطاف پذیری و نحوه اجرای مجسمه های باستانی اخیراً کشف شده، از جمله Laocoön و Belvedere Torso پرداخت. شیوه هنری مجسمه سازان یونان باستان توسط میکل آنژ در باکوس منعکس شد.

از سال 1498 تا 1501، این هنرمند بر روی ایجاد یک گروه سنگ مرمر به نام "پیتا" کار کرد و شهرت میکل آنژ را به عنوان یکی از اولین استادان ایتالیا به ارمغان آورد. کل صحنه، که نشان دهنده گریه مادر جوانی بر روی جسد پسر مقتولش است، با احساس انسان دوستانه و مهربانی فوق العاده ای همراه است. تصادفی نیست که این هنرمند یک دختر جوان را به عنوان مدل انتخاب کرد - تصویری که خلوص معنوی را نشان می دهد.

این اثر یک استاد جوان، که قهرمانان ایده آل را نشان می دهد، به طور قابل توجهی با مجسمه های ساخته شده در قرن 15 تفاوت دارد. تصاویر میکل آنژ عمیق‌تر و روان‌شناختی‌تر هستند. احساس غم و اندوه به طرز ماهرانه ای از طریق بیان خاص صورت مادر، وضعیت دستان او، بدن، که انحنای آن با پارچه های نرم لباس تاکید می شود، منتقل می شود. به هر حال، تصویر دومی را می توان نوعی گام به عقب در کار استاد در نظر گرفت: جزئیات دقیق عناصر ترکیب (در این مورد، چین های لباس و کاپوت) یک ویژگی مشخص است. از هنر پیش از رنسانس ترکیب کلی به طور غیرمعمولی رسا و رقت انگیز است که ویژگی بارز کار این مجسمه ساز جوان است.

در سال 1501، میکل آنژ، استاد مشهور مجسمه سازی در ایتالیا، دوباره به فلورانس می رود. اینجاست که سنگ مرمر او «دیوید». برخلاف پیشینیان خود (دوناتلو و وروکیو)، میکل آنژ قهرمان جوان را فقط برای نبرد آماده می کرد. مجسمه عظیم (ارتفاع آن 5.5 متر است) اراده غیرمعمول قوی یک فرد، قدرت بدنی و زیبایی بدن او را بیان می کند. تصویر یک شخص در ذهن میکل آنژ شبیه به چهره های غول های اسطوره ای غول پیکر است. دیوید در اینجا به عنوان تجسم ایده یک فرد کامل، قوی و آزاد ظاهر می شود که آماده غلبه بر هر مانعی در مسیر خود است. تمام احساساتی که در روح قهرمان می جوشد از طریق چرخش بدن و بیان صورت دیوید منتقل می شود که از شخصیت قاطع و با اراده او صحبت می کند.

تصادفی نیست که مجسمه داوود ورودی Palazzo Vecchio (ساختمان دولت شهر فلورانس) را به عنوان نمادی از قدرت، قدرت فوق العاده و استقلال دولت شهر تزئین کرده است. کل ترکیب بیانگر هماهنگی یک روح قوی انسانی و یک بدن به همان اندازه قوی است.

در سال 1501، همراه با مجسمه داوود، اولین آثار نقاشی تاریخی ("نبرد کاشین") و سه پایه ("Madonna Doni"، قالب گرد) ظاهر شد. دومی در حال حاضر در گالری اوفیزی در فلورانس نگهداری می شود.

در سال 1505 میکل آنژ به رم بازگشت. در اینجا او روی ایجاد مقبره پاپ ژولیوس دوم کار می کند. طبق برنامه قرار بود این مقبره یک سازه معماری باشکوه باشد که در اطراف آن 40 مجسمه حکاکی شده از نقش برجسته های مرمر و برنز وجود داشته باشد. با این حال، پس از مدتی، پاپ ژولیوس دوم دستور او را رد کرد و نقشه های بزرگ میکل آنژ محقق نشد. منابع شهادت می دهند که مشتری با استاد نسبتاً بی ادبانه رفتار می کرد ، در نتیجه او با توهین به هسته تصمیم گرفت پایتخت را ترک کند و بار دیگر به فلورانس بازگردد.

با این حال، مقامات فلورانسی مجسمه ساز معروف را متقاعد کردند که با پاپ صلح کند. به زودی او با پیشنهاد جدیدی به میکل آنژ روی آورد - تزئین سقف کلیسای سیستین. استاد که خود را در درجه اول یک مجسمه ساز می دانست، با اکراه این دستور را پذیرفت. با وجود این، او بوم نقاشی را خلق کرد که هنوز یک شاهکار شناخته شده هنر جهانی است و خاطره نقاش را برای نسل های زیادی به یادگار گذاشت.

لازم به ذکر است که میکل آنژ روی نقاشی سقف کار کرده است که مساحت آن بیش از 600 متر مربع است. متر، کاملا تنها، بدون دستیار. با این حال، چهار سال بعد نقاشی دیواری به طور کامل تکمیل شد.

تمام سطح سقف برای نقاشی به چند قسمت تقسیم می شد. مکان مرکزی توسط 9 صحنه اشغال شده است که خلقت جهان و همچنین زندگی اولین مردم را به تصویر می کشد. در گوشه و کنار هر یک از این صحنه ها چهره هایی از جوانان برهنه دیده می شود. در سمت چپ و راست این ترکیب، نقاشی های دیواری با تصاویر هفت پیامبر و پنج پیشگو دیده می شود. سقف، طاق های قوسی و نوارها با صحنه های جداگانه کتاب مقدس تزئین شده است. لازم به ذکر است که پیکره های میکل آنژ در اینجا در مقیاس های مختلف است. این تکنیک خاص به نویسنده این امکان را می داد که توجه بیننده را روی مهمترین قسمت ها و تصاویر متمرکز کند.

تا به حال، مورخان هنر با مشکل طراحی ایدئولوژیک نقاشی های دیواری گیج شده بودند. واقعیت این است که تمام توطئه های تشکیل دهنده آن با نقض توالی منطقی توسعه طرح کتاب مقدس نوشته شده است. بنابراین، برای مثال، نقاشی "مستی نوح" مقدم بر ترکیب "جدایی نور از تاریکی" است، اگرچه باید برعکس باشد. با این حال، چنین پراکندگی طرح ها به هیچ وجه بر مهارت هنری نقاش تأثیر نمی گذارد. ظاهراً برای هنرمند مهم‌تر این بود که محتوای روایت را فاش نکند، بلکه دوباره (مانند مجسمه داوود) هماهنگی روح زیبا و متعالی یک شخص و بدن قدرتمند و قوی او را نشان دهد.
این را تصویر بزرگ تایتان مانند ساباوت (نقاشی "آفرینش خورشید و ماه") که نورها را خلق می کند تأیید می شود.

تقریباً در تمام نقاشی های دیواری که از آفرینش جهان حکایت می کند، مردی غول پیکر در برابر مخاطب ظاهر می شود که به درخواست خالق، زندگی، عزم، قدرت و اراده در او بیدار می شود. ایده استقلال در نقاشی "سقوط" جریان دارد، جایی که حوا، با رسیدن به میوه ممنوعه، گویی سرنوشت را به چالش می کشد، تمایل قاطعانه برای آزادی را بیان می کند. تصاویر نقاشی دیواری «سیل» سرشار از همان انعطاف ناپذیری و عطش زندگی است که قهرمانان آن به تداوم زندگی و مهربانی باور دارند.

تصاویر سیبیل ها و پیامبران با چهره های افراد نشان داده شده است که احساسات قوی و فردیت روشن شخصیت ها را نشان می دهد. جوئل دانا در اینجا نقطه مقابل حزقیال ناامید است. بیننده از تصاویر اشعیای معنوی و زیبا که در لحظه پیش بینی، سیبیل دلفی با چشمان درشت شفاف نشان داده شده است، شگفت زده می شود.

در بالا، رقت‌انگیز بودن و ماندگاری تصاویر خلق شده توسط میکل آنژ بیش از یک بار مورد توجه قرار گرفته است. یک واقعیت جالب این است که حتی به اصطلاح. به نظر می رسد که شخصیت های کمکی توسط استاد با همان ویژگی های شخصیت های اصلی وقف شده اند. تصاویر مردان جوان که در گوشه و کنار نقاشی های فردی قرار گرفته اند، تجسم لذت زندگی تجربه شده توسط یک فرد و آگاهی از قدرت روحی و جسمی خود است.

مورخان هنر به درستی نقاشی کلیسای سیستین را اثری می دانند که دوره رشد خلاقانه میکل آنژ را تکمیل کرد. در اینجا استاد سقف را با موفقیت تقسیم کرد که با وجود همه موضوعات مختلف، نقاشی دیواری به طور کلی حس هماهنگی و وحدت تصاویر ایجاد شده توسط هنرمند را ایجاد می کند.

در تمام مدت کار میکل آنژ بر روی نقاشی دیواری، روش هنری استاد به تدریج تغییر کرد. شخصیت‌های بعدی بزرگ‌تر نشان داده می‌شوند - این امر به یاد ماندنی آنها را بسیار افزایش داد. علاوه بر این، چنین مقیاسی از تصویر منجر به این واقعیت شده است که شکل پذیری چهره ها بسیار پیچیده تر شده است. با این حال، این تأثیری بر بیان تصاویر نداشت. شايد در اينجا بيش از هر جاي ديگر استعداد مجسمه سازي كه توانسته بود هر خط حركت شخصيت انسان را به ظرافت منتقل كند جلوه گر شد. این تصور به وجود می آید که نقاشی ها با رنگ نقاشی نشده اند، بلکه نقش برجسته های سه بعدی به طرز ماهرانه ای شکل گرفته اند.

ماهیت نقاشی های دیواری در قسمت های مختلف سقف متفاوت است. اگر قسمت مرکزی خوش بینانه ترین حالت ها را بیان می کند ، در طاق های قوسی تصاویری وجود دارد که تمام سایه های احساسات غم انگیز را نشان می دهد: آرامش ، غم و اضطراب در اینجا با سردرگمی و بی حسی جایگزین می شود.

تفسیر تصاویر اجداد مسیح که توسط میکل آنژ ارائه شده نیز جالب توجه است. برخی از آنها احساس اتحاد خویشاوندی را ابراز می کنند. برعکس، برخی دیگر سرشار از کینه و نفرت نسبت به یکدیگر هستند که برای قهرمانان کتاب مقدس که برای آوردن نور و خوبی به جهان فراخوانده شده اند، معمول نیست. مورخان هنر نقاشی های بعدی نمازخانه را تجلی روش هنری جدید، آغاز دوره کیفی جدیدی در کار استاد نقاش معروف می دانند.

در دهه 20. در قرن شانزدهم، آثار میکل آنژ ظاهر شد که برای تزئین مقبره پاپ ژولیوس دوم در نظر گرفته شده بود. دستور ساخت این دومی توسط یک مجسمه ساز معروف از وارثان پاپ دریافت شد. در این نسخه، مقبره قرار بود اندازه کمی کوچکتر با حداقل تعداد مجسمه داشته باشد. به زودی استاد کار بر روی اجرای سه مجسمه را به پایان رساند: مجسمه های دو برده و موسی.

میکل آنژ از سال 1513 روی تصاویر اسیران کار می کند. موضوع اصلی این اثر مردی است که با نیروهای متخاصم خود مبارزه می کند. در اینجا، شخصیت های یادبود قهرمانان پیروز جای خود را به شخصیت هایی می دهند که در مبارزه ای نابرابر علیه شر می میرند. علاوه بر این، معلوم می شود که این تصاویر تابع هیچ هدف و وظیفه ای از هنرمند نیستند، بلکه نشان دهنده آمیختگی عواطف و احساسات هستند.

تطبیق پذیری تصویر با کمک نوعی روش هنری و بصری مورد استفاده استاد بیان می شود. اگر تا آن زمان میکل آنژ تلاش می کرد یک شکل یا یک گروه مجسمه را از یک طرف نشان دهد، اکنون تصویر ایجاد شده توسط هنرمند پلاستیکی می شود و تغییر می کند. بسته به اینکه بیننده در کدام سمت مجسمه باشد، خطوط مشخصی به خود می گیرد، در حالی که این یا آن مشکل تیزتر می شود.

تصویری از موارد فوق می تواند به عنوان "زندانی مقید" عمل کند. بنابراین، اگر بیننده در جهت عقربه‌های ساعت در اطراف مجسمه قدم بزند، به راحتی موارد زیر را مشاهده می‌کند: اول، شکل یک اسیر در بند با سر به عقب پرتاب شده و بدنی درمانده بیانگر رنج غیرانسانی ناشی از آگاهی از ناتوانی خود است. ضعف روح و جسم انسان با این حال، با حرکت بیشتر در اطراف مجسمه، تصویر به طور قابل توجهی تغییر می کند. ضعف سابق زندانی ناپدید می شود، عضلاتش پر از قدرت می شود، سرش با افتخار بالا می رود. و اکنون بیننده دیگر یک شهید خسته نیست، بلکه یک شخصیت قدرتمند یک قهرمان تیتان است که در یک تصادف پوچ معلوم شد که در غل و زنجیر است. به نظر می رسد لحظه ای دیگر - و بند ها شکسته خواهد شد. با این حال، این اتفاق نمی افتد. با حرکت به جلو، بیننده می بیند که چگونه بدن انسان دوباره ضعیف می شود، سرش فرو می رود. و در اینجا دوباره یک زندانی بدبخت داریم که به سرنوشت خود تسلیم شده است.

همین تنوع را می توان در مجسمه "زندانی در حال مرگ" دنبال کرد. با پیشرفت، بیننده می بیند که چگونه بدن در حالی که در عذاب می تپد، به تدریج آرام می شود و بی حس می شود و فکر آرامش و سکوت ابدی را برمی انگیزد.

مجسمه های اسیران به طور غیرعادی رسا هستند که به دلیل انتقال واقع گرایانه شکل پذیری حرکت فیگورها ایجاد شده است. آنها درست در مقابل چشمان بیننده زنده می شوند. از نظر قدرت اعدام، مجسمه های اسیر را فقط می توان با اولین مجسمه استاد - "نبرد قنطورس" مقایسه کرد.

مجسمه موسی، بر خلاف اسیران، تا حدودی از نظر شخصیتی محدودتر است، اما کمتر بیانگر نیست. در اینجا میکل آنژ دوباره به خلق تصویر یک قهرمان انسان تایتانیک اشاره می کند. شخصیت موسی تجسم یک رهبر، یک رهبر، مردی با اراده ای غیرعادی قوی است. جوهر او در مقایسه با داوود به طور کامل آشکار می شود. اگر دومی نماد اعتماد به قدرت و شکست ناپذیری فرد است، موسی در اینجا تجسم این ایده است که پیروزی مستلزم تلاش عظیم است. این تنش روحی قهرمان توسط استاد نه تنها از طریق بیانی مهیب در چهره اش، بلکه با کمک شکل پذیری شکل نیز منتقل می شود: خطوط به شدت شکسته چین های لباس، تارهای ریش موسی که به سمت بالا است. .

از سال 1519، میکل آنژ روی ایجاد چهار مجسمه دیگر از اسیران کار می کند. با این حال، آنها ناتمام ماندند. پس از آن، آنها غار را در باغ های بوبولی، واقع در فلورانس تزئین کردند. در حال حاضر مجسمه ها در آکادمی فلورانس نگهداری می شوند. در این آثار، موضوع جدیدی برای میکل آنژ ظاهر می‌شود: ارتباط بین یک پیکره مجسمه‌سازی و یک قطعه سنگ که به عنوان ماده اولیه در نظر گرفته شده است. مجسمه ساز در اینجا ایده هدف اصلی هنرمند را مطرح می کند: رهایی تصویر از بند سنگ. با توجه به اینکه مجسمه ها ناتمام هستند و قطعات سنگ خام در قسمت پایینی آنها به وضوح قابل مشاهده است، بیننده می تواند کل روند ایجاد تصویر را ببیند. در اینجا تضاد هنری جدیدی نشان داده می شود: انسان و جهان پیرامونش. علاوه بر این، این تعارض به نفع شخص حل نمی شود. تمام احساسات و عواطف او توسط محیط سرکوب می شود.

نقاشی کلیسای مدیچی در فلورانس اثری بود که پایان رنسانس عالی و در عین حال مرحله جدیدی در کار میکل آنژ بود. این کار به مدت 15 سال، از 1520 تا 1534 انجام شد. برای مدتی، این هنرمند مجبور به تعلیق کار در ارتباط با رویدادهای سیاسی آن زمان در ایتالیا شد. در سال 1527 فلورانس در پاسخ به شکست رم، خود را جمهوری اعلام کرد.

میکل آنژ به عنوان یکی از حامیان نظام دولتی جمهوری خواه به سمت ریاست کارهای استحکامات برگزیده شد و کمک زیادی به دفاع از شهر کرد. هنگامی که فلورانس سقوط کرد و مدیچی ها دوباره به قدرت رسیدند، خطر جدی مرگ بر سر هنرمند مشهور و اکنون نیز یک سیاستمدار بود. رستگاری کاملاً غیرمنتظره آمد. پاپ کلمنت هفتم مدیچی، که مردی مغرور و بیهوده بود، ابراز تمایل کرد که یاد خود و نزدیکانش را به آیندگان بسپارد. چه کسی جز میکل آنژ، که به هنر نقاشی تصاویر شگفت انگیز و ساخت مجسمه های عالی مشهور بود، می توانست این کار را انجام دهد؟

بنابراین، کار بر روی ساخت کلیسای مدیچی از سر گرفته شد. دومی بنایی کوچک با دیوارهای بلند است که در قسمت فوقانی آن گنبدی تاج گذاری شده است. دو مقبره در کلیسای کوچک وجود دارد: دوک جولیانو از نمورس و لورنزو از اوربینو که در امتداد دیوارها قرار دارند. در دیوار سوم، روبروی محراب، مجسمه ای از مدونا وجود دارد. در سمت چپ و سمت راست او مجسمه هایی وجود دارد که تصاویر مقدسین کوسما و دامیان را نشان می دهد. مشخص شده است که آنها توسط شاگردان استاد بزرگ ساخته شده اند. محققان پیشنهاد می کنند که مجسمه های آپولو (نام دیگر دیوید) و پسر خمیده نیز برای مقبره مدیچی ساخته شده است.

در کنار مجسمه های دوک ها که شباهت بیرونی به نمونه های اولیه آنها نداشت، چهره های تمثیلی قرار داده شده بود: «صبح»، «روز»، «عصر» و «شب». آنها در اینجا به عنوان نمادهای گذرا زمان زمینی و زندگی انسان معرفی می شوند. مجسمه‌هایی که در طاقچه‌های باریک قرار گرفته‌اند، حس افسردگی، آمدن قریب‌الوقوع چیزی وحشتناک و مهیب را تداعی می‌کنند. پیکره های حجمی دوک ها که از هر طرف با دیوارهای سنگی فشرده شده اند، بیانگر شکستگی معنوی و پوچی درونی تصاویر است.

هماهنگ ترین در این گروه تصویر مدونا است. فوق العاده رسا و سرشار از غزل، بدون ابهام است و زیر بار خطوط تیره و تار نمی خورد.

کلیسای مدیچی از نقطه نظر وحدت هنری اشکال معماری و مجسمه سازی مورد توجه ویژه است. خطوط ساختمان و مجسمه ها در اینجا تابع یک ایده از هنرمند است. نمازخانه بارزترین نمونه از سنتز و هماهنگی تعامل دو هنر - مجسمه سازی و معماری است، که در آن بخش هایی از یکی به طور هماهنگ مکمل و توسعه معنای عناصر دیگر است.

از سال 1534، میکل آنژ فلورانس را ترک کرد و در رم ساکن شد و تا پایان عمر در آنجا ماند. دوره رومی کار استاد بزرگ در شرایط مبارزه ضد اصلاحات علیه ایده هایی که توسط نویسندگان، نقاشان و مجسمه سازان رنسانس خوانده می شد گذشت. کار دومی با هنر منیریست ها جایگزین می شود.

در رم، میکل آنژ با افرادی که حلقه مذهبی و فلسفی را تشکیل می دادند، به رهبری شاعر مشهور ایتالیایی آن زمان، ویتوریا کولونا، نزدیک می شود. با این حال، مانند دوران جوانی، افکار و عقاید میکل آنژ با آنهایی که در سر دایره معلق بود فاصله داشت. در واقع استاد در محیطی پر از سوء تفاهم و تنهایی معنوی در رم زندگی و کار می کرد.

در این زمان (1535-1541) بود که نقاشی دیواری آخرین داوری ظاهر شد که دیوار محراب کلیسای سیستین را تزئین کرد.

داستان کتاب مقدس در اینجا توسط نویسنده تجدید نظر شده است. تصویر آخرین داوری توسط بیننده نه به عنوان یک شروع مثبت، پیروزی عدالت عالی، بلکه به عنوان یک تراژدی جهانی از مرگ کل خانواده، مانند آخرالزمان، درک می شود. چهره های عظیم مردم درام ترکیب را افزایش می دهند.

ماهیت عنصری تصویر کاملاً با وظیفه هنرمند مطابقت دارد - نشان دادن فردی که در توده عمومی گم شده است. به لطف این تصمیم تصویر هنری، بیننده احساس تنهایی در این دنیا و ناتوانی در مقابل نیروهای متخاصم می کند که درگیری با آنها هیچ فایده ای ندارد. نت های تراژیک صدای نافذ تری به دست می آورند همچنین به این دلیل که استاد در اینجا تصویری یکپارچه و یکپارچه از گروهی از مردم ندارد (همانطور که بر روی بوم های هنرمندان اواخر رنسانس ارائه خواهد شد) ، هر یک از آنها زندگی خود را می گذراند. با این حال، شایستگی بی‌تردید نقاش را می‌توان این واقعیت دانست که او یک توده انسانی را نشان می‌دهد، هرچند هنوز نامنسجم، اما دیگر غیرشخصی نیست.

در آخرین داوری، میکل آنژ یک تکنیک رنگی غیرعادی رسا ارائه می کند. کنتراست بدن‌های برهنه روشن و آسمان تیره و سیاه و آبی، حس تنش و افسردگی غم انگیز را در ترکیب تقویت می‌کند.

میکل آنژ. قضاوت وحشتناک نقاشی دیواری در کلیسای سیستین در واتیکان. قطعه. 1535-1541

در دوره 1542 تا 1550، میکل آنژ مشغول نقاشی دیوارهای کلیسای کوچک پائولینا در واتیکان بود. نقاش استاد بزرگ دو نقاشی دیواری کشید که یکی از آنها بعدها "تبدیل پولس" و دیگری "مصلوب شدن پیتر" نامیده شد. در دومی، در شخصیت هایی که اعدام پیتر را تماشا می کنند، ایده رضایت ضمنی، بی عملی و اطاعت یک فرد از سرنوشت خود به طور کامل ارائه می شود. مردم نه قدرت جسمی دارند و نه روحی که بتوانند به نحوی در برابر خشونت و شر مقاومت کنند.

در پایان دهه 1530. مجسمه دیگری از میکل آنژ وجود دارد - مجسمه نیم تنه بروتوس. این اثر به نوعی پاسخ استاد مشهور به قتل دوک مستبد الساندرو دی مدیچی بود که توسط بستگانش لورنزو انجام شد. صرف نظر از انگیزه های واقعی، عمل دومی با خوشحالی مورد استقبال هنرمند - حامی جمهوری خواهان قرار گرفت. ترحم مدنی مملو از تصویر بروتوس است که توسط استادی نجیب، مغرور، مستقل، مردی با هوش عالی و قلب گرم نشان داده شده است. در اینجا میکل آنژ، همانطور که بود، به تصویر یک فرد ایده آل با ویژگی های معنوی و فکری بالا باز می گردد.

سال‌های آخر کار میکل آنژ در فضایی از دست دادن دوستان و بستگان و واکنش‌های شدیدتر عمومی سپری شد. نوآوری های ضد اصلاح طلبان نمی توانست بر آثار استاد تأثیر بگذارد، که در آن مترقی ترین ایده های رنسانس متجلی شد: اومانیسم، عشق به آزادی، سرکشی به سرنوشت. همین بس که به تصمیم یکی از تحسین کنندگان سرسخت ضد اصلاحات، پل چهارم کارافا، تغییراتی در ترکیب بندی آخرین داوری توسط نقاش معروف ایجاد شد. پاپ چهره های برهنه زشتی را در نظر گرفت که در نقاشی های دیواری مردم به تصویر کشیده شده بودند. به دستور او، دانش آموز میکل آنژ، دانیله دا ولترا، برهنگی برخی از تصاویر میکل آنژ را با پارچه های شنل پنهان کرد.

حال و هوای غم انگیز و دردناک تنهایی و فروپاشی همه امیدها با آخرین آثار میکل آنژ - مجموعه ای از طراحی ها و مجسمه ها - آغشته شده است. این آثار هستند که به وضوح تضادهای درونی استاد شناخته شده را منعکس می کنند.

بنابراین، عیسی مسیح در "Pieta" از Palestrina به عنوان یک قهرمان، شکسته در زیر یورش نیروهای خارجی معرفی می شود. همان تصویر در "پیتا" ("مدفور") از کلیسای جامع فلورانس در حال حاضر پیش پا افتاده تر و انسانی تر است. این دیگر یک تایتان نیست. به نظر می رسد که نشان دادن قدرت معنوی، عواطف و تجربیات شخصیت ها در اینجا برای هنرمند مهم تر است.

خطوط شکسته بدن مسیح، تصویر مادری که روی بدن مرده پسرش خم شده است، نیکودیموس در حال پایین آوردن جسد
عیسی در مقبره - همه چیز تابع یک وظیفه است: به تصویر کشیدن عمق تجربیات انسانی. علاوه بر این، درست است
مزیت این آثار غلبه استاد بر گسست تصاویر است. افراد در تصویر با احساس شفقت عمیق و تلخی از دست دادن متحد شده اند. این تکنیک میکل آنژ در مرحله بعدی شکل گیری هنر ایتالیا، در آثار هنرمندان و مجسمه سازان اواخر رنسانس توسعه یافت.

اوج آخرین مرحله از کار میکل آنژ را می توان مجسمه ای دانست که بعدها پیتا روندانینی نامیده شد. تصاویر نشان داده شده در اینجا به عنوان تجسم لطافت، معنویت، اندوه عمیق و اندوه ارائه شده است. در اینجا، بیش از هر زمان دیگری، موضوع تنهایی انسان در دنیایی که افراد زیادی در آن حضور دارند، تند به نظر می رسد.

همین نقوش در آثار گرافیکی متاخر استاد بزرگ که ترسیم را اصل اساسی مجسمه سازی، نقاشی و معماری می دانست، طنین انداز است.

تصاویر آثار گرافیکی میکل آنژ با قهرمانان ترکیبات یادبود او تفاوتی ندارد: همان قهرمانان تایتان با شکوه در اینجا ارائه شده است. میکل آنژ در آخرین دوره خلاقیت به طراحی به عنوان یک ژانر هنری و بصری مستقل روی می آورد. بنابراین، در دهه 30-40. ظاهر برجسته ترین و رساترین ترکیبات استاد متعلق به قرن شانزدهم است، مانند: "سقوط فایتون" و "رستاخیز مسیح".

سیر تحول روش هنری استاد را به راحتی بر روی نمونه کارهای گرافیکی می توان ردیابی کرد. اگر اولین نقاشی های ساخته شده با قلم حاوی تصاویر کاملاً مشخصی از چهره ها با خطوط نسبتاً واضح باشد، تصاویر بعدی مبهم تر و نرم تر می شوند. این سبکی به این دلیل ایجاد می شود که هنرمند از مداد سانگوئین یا ایتالیایی استفاده می کند که به کمک آن خطوط نازک تر و ظریف تری ایجاد می شود.

با این حال، کار متاخر میکل آنژ نه تنها به شیوه های غم انگیز ناامیدکننده ای مشخص شده است. سازه های معماری استاد بزرگ که قدمت آن به این زمان بازمی گردد، به نظر می رسد سنت های رنسانس را ادامه می دهد. کلیسای جامع سنت پیتر او و مجموعه معماری کاپیتول در رم تجسم ایده های رنسانس اومانیسم عالی هستند.

میکل آنژ بووناروتی در 18 فوریه 1564 در رم درگذشت. جسد او در کمال اطمینان از پایتخت خارج و به فلورانس فرستاده شد. این هنرمند بزرگ در کلیسای سانتا کروچه به خاک سپرده شد.

کار استاد نقاشی و مجسمه سازی نقش زیادی در شکل گیری و توسعه روش هنری بسیاری از پیروان میکل آنژ ایفا کرد. از جمله رافائل، منیریست ها، که اغلب خطوط تصاویر خلق شده توسط نقاش معروف را کپی می کردند. هنر میکل آنژ برای نمایندگان دوره باروک کم اهمیت نبود. با این حال، اشتباه است که بگوییم تصاویر باروک (شخصی که نه با انگیزه های درونی، بلکه توسط نیروهای بیرونی به جلو برده می شود) شبیه قهرمانان میکل آنژ است که اومانیسم، اراده و نیروی درونی یک فرد را تجلیل می کنند. اشتباه خواهد بود

رافائل سانتی

رافائل سانتی در سال 1483 در شهر کوچک اوربینو به دنیا آمد. تعیین تاریخ دقیق تولد این نقاش بزرگ ممکن نبود. به گفته یک منبع، او در 26 یا 28 مارس به دنیا آمد. دانشمندان دیگر ادعا می کنند که تاریخ تولد رافائل 6 آوریل 1483 بوده است.

در پایان قرن پانزدهم، اوربینو به یکی از بزرگترین مراکز فرهنگی کشور تبدیل شد. زندگینامه نویسان پیشنهاد می کنند که رافائل نزد پدرش، جیووانی سانتی، درس خوانده است. از سال 1495 ، این مرد جوان در کارگاه هنری استاد اوربینو تیموتئو دلا وایت کار می کند.

اولین آثار باقی مانده از رافائل مینیاتورهای "رویای شوالیه" و "سه لطف" در نظر گرفته می شود. پیش از این در این آثار، آرمان های انسان گرایانه ای که استادان رنسانس موعظه می کردند، به طور کامل منعکس شده است.

در "رویای شوالیه" نوعی بازاندیشی در موضوع اساطیری هرکول وجود دارد، در مقابل یک انتخاب: شجاعت یا لذت؟ .. رافائل هرکول را به عنوان یک شوالیه جوان خفته به تصویر می کشد. در مقابل او دو زن جوان قرار دارند: یکی - با یک کتاب و یک شمشیر در دستانش (نمادهای دانش، شجاعت و شاهکارهای اسلحه)، دیگری - با شاخه ای گلدار که تجسم لذت و لذت است. کل ترکیب بندی در پس زمینه یک منظره زیبا قرار گرفته است.

"سه لطف" دوباره تصاویر عتیقه را ارائه می دهد که به احتمال زیاد از یک کمئو یونان باستان (تصویر روی یک سنگ قیمتی یا نیمه قیمتی) گرفته شده است.

علیرغم این واقعیت که در آثار اولیه هنرمند جوان وام های زیادی وجود دارد، فردیت خلاق نویسنده در اینجا کاملاً آشکار است. در غزلیات تصاویر، سازماندهی ریتمیک خاص اثر، لطافت خطوطی که فیگورها را تشکیل می دهند، بیان می شود. به عنوان هنرمند رنسانس عالی، هارمونی فوق العاده تصاویر نقاشی شده، مشخصه آثار اولیه رافائل، و همچنین وضوح و وضوح ترکیب بندی، از هنرمند صحبت می کند.

در سال 1500، رافائل شهر زادگاه خود را ترک می کند و به پروجا، شهر اصلی اومبریا می رود. در اینجا او نقاشی را در کارگاه پیترو پروجینو، که بنیانگذار مدرسه هنری اومبریا بود، می خواند. معاصران رافائل شهادت می دهند: یک دانش آموز توانا شیوه نوشتن معلم خود را چنان عمیقاً پذیرفت که حتی بوم نقاشی های آنها قابل تشخیص نبود. اغلب رافائل و پروژینو این سفارش را انجام می دادند و با هم روی یک نقاشی کار می کردند.

با این حال، اشتباه است که بگوییم استعداد اولیه هنرمند جوان در این دوره به هیچ وجه رشد نکرده است. این توسط مدونای معروف Conestabile که در حدود سال 1504 ساخته شده است تأیید شده است.

در این بوم برای اولین بار تصویر مدونا ظاهر می شود که در آینده یکی از جایگاه های پیشرو در آثار این هنرمند را به خود اختصاص خواهد داد. مدونا در پس زمینه منظره ای فوق العاده با درختان، تپه ها و دریاچه نقاشی شده است. تصاویر با این واقعیت متحد می شوند که نگاه مدونا و نوزاد به کتابی معطوف شده است که مادر جوان مشغول خواندن آن است. کامل بودن ترکیب نه تنها توسط چهره های شخصیت های اصلی، بلکه با شکل تصویر - توندو (گرد)، که به هیچ وجه آزادی تصاویر را محدود نمی کند، منتقل می شود. آنها حجیم و سبک هستند. تصور طبیعی بودن و واقع گرایی با استفاده از رنگ های سرد روشن در ترکیب و ترکیب های خاص آنها ایجاد می شود: شنل آبی عمیق مدونا، آسمان آبی شفاف، درختان سبز و آب دریاچه، کوه های پوشیده از برف با بالای سفید. همه اینها هنگام نگاه کردن به تصویر، احساس خلوص و لطافت ایجاد می کند.

یکی دیگر از آثار نه چندان معروف رافائل، همچنین مربوط به دوره اولیه کار او، بوم ساخته شده در سال 1504 به نام "نامزدی مریم" است. این نقاشی در حال حاضر در گالری بررا در میلان نگهداری می شود. در اینجا ساختار ترکیبی مورد توجه خاص است. عمل مذهبی و آیینی نامزدی توسط نقاش از دیوارهای کلیسا که از دور نمایان بود به خیابان منتقل شد. مراسم مقدس در زیر آسمان آبی روشن انجام می شود. در مرکز تصویر کشیشی دیده می شود، در سمت چپ و راست او مریم و یوسف قرار دارند که دختران و پسران جوان در گروه های کوچک در کنار آنها ایستاده اند. کلیسا که در منظر ترکیب بندی قرار می گیرد، نوعی پس زمینه است که خواستگاری در آن صورت می گیرد. او نمادی از منش الهی و لطف به مریم و یوسف است. کامل بودن منطقی تصویر را قاب نیم دایره ای بوم در قسمت بالایی آن نشان می دهد که خط گنبد کلیسا را ​​تکرار می کند.

چهره های موجود در تصویر به طور غیرمعمولی غنایی و در عین حال طبیعی هستند. در اینجا، حرکات، انعطاف پذیری بدن انسان بسیار دقیق و ظریف منتقل می شود. نمونه بارز این تصویر پسری است که در پیش زمینه ترکیب قرار دارد و چوبی را روی زانویش می شکند. مریم و یوسف برازنده و تقریباً اثیری به نظر بیننده می رسند. چهره های معنوی آنها مملو از عشق و لطافت است. بوم با وجود تقارن خاصی در چیدمان فیگورها، صدای تغزلی خود را از دست نمی دهد. تصاویر خلق شده توسط رافائل طرح و نقشه نیستند، آنها انسان های زنده ای هستند در انواع احساساتشان.

در این اثر بود که برای اولین بار در مقایسه با آثار قبلی، استعداد استاد جوان به وضوح در توانایی نظم بخشیدن به ریتم آهنگسازی آشکار شد. به لطف این ویژگی، تصاویر سازه های معماری به طور هماهنگ در تصویر کلی گنجانده شده است که نه تنها عنصری از چشم انداز رافائل است، بلکه با شخصیت های اصلی همتراز می شود و ماهیت و شخصیت آنها را آشکار می کند.

میل به ایجاد ریتم خاصی در اثر نیز به واسطه استفاده هنرمند از رنگ هایی با تن های خاص دیکته می شود. بنابراین، ترکیب "نامزدی مریم" تنها بر روی چهار رنگ ساخته شده است.

رنگ های زرد طلایی، سبز و قرمز، ترکیب شده در لباس قهرمانان، منظره، معماری و تنظیم ریتم لازم ترکیب بندی کلی، هماهنگی با سایه های آبی روشن آسمان را تشکیل می دهند.

خیلی زود کارگاه هنری پروجینو برای رشد بیشتر استعداد نقاش بسیار کوچک می شود. در سال 1504، رافائل تصمیم می گیرد به فلورانس نقل مکان کند، جایی که ایده ها و زیبایی شناسی هنر رنسانس عالی در حال توسعه است. در اینجا رافائل با آثار میکل آنژ و لئوناردو داوینچی آشنا می شود. به جرات می توان گفت که معلمان نقاش جوان در این مرحله از شکل گیری روش خلاق او بودند. در آثار این استادان، هنرمند جوان چیزی را یافت که در مکتب اومبریا نبود: سبک اصلی خلق تصاویر، شکل پذیری بیانی چهره های به تصویر کشیده شده، بازنمایی حجیم تر از واقعیت.

راه حل های هنری و بصری جدید قبلاً در آثار ایجاد شده توسط رافائل در سال 1505 منعکس شده بود. پرتره هایی از آنجلو دونی، حامی مشهور هنر از فلورانس در آن زمان، و همسرش در حال حاضر در گالری پیتی نگهداری می شوند. تصاویر عاری از هر گونه ترحم قهرمانانه و هذل گویی هستند. اینها مردم عادی هستند، اما دارای بهترین صفات انسانی، که از جمله آنها عزم و اراده قوی است.

در اینجا، در فلورانس، رافائل چرخه ای از نقاشی های اختصاص داده شده به مدونا را نقاشی می کند. بوم های او "مدونا در سبز"، "مدونا با فنچ طلایی"، "مدونا باغبان" ظاهر می شود. این ترکیب ها انواعی از همان قطعه هستند. همه بوم ها مدونا و کودک را با جان باپتیست کوچک به تصویر می کشند. چهره ها در پس زمینه یک منظره فوق العاده زیبا قرار گرفته اند. تصاویر رافائل به طور غیرمعمولی غنایی، نرم و ملایم هستند. مدونای او مظهر عشق مادرانه بخشنده و آرام است. در این آثار مقداری احساسات گرایی و تحسین بیش از حد از زیبایی ظاهری شخصیت ها وجود دارد.

ویژگی بارز روش هنری نقاش در این دوره فقدان دید روشن از رنگ است که در ذات همه استادان مکتب فلورانس وجود دارد. هیچ رنگ غالب بر روی بوم ها وجود ندارد. تصاویر در رنگ های پاستلی رندر می شوند. رنگ برای هنرمند در اینجا چیز اصلی نیست. برای او مهم‌تر این است که خطوطی را که شکل را می‌سازند، با دقت بیشتری منتقل کند.

در فلورانس، اولین نمونه های نقاشی یادبود توسط رافائل خلق شد. در میان آنها، جالب ترین آنها در دوره 1506 تا 1507 "مدونا با جان باپتیست و سنت. نیکلاس» (یا «مدونای آنسیدی»). روش خلاقانه این هنرمند تا حد زیادی تحت تأثیر بوم‌های نقاشان فلورانسی، عمدتاً لئوناردو داوینچی و فرا بارتولومئو بود.

در سال 1507، رافائل که می خواست با بهترین استادان مکتب فلورانس، لئوناردو داوینچی و میکل آنژ مقایسه کند، بوم نسبتاً بزرگی به نام "محفظه" خلق کرد. عناصر مجزای تصاویر ترکیب، تکرار نقاشان معروف است. بنابراین، سر و بدن مسیح از مجسمه میکل آنژ "پیتا" (1498-1501) وام گرفته شده است و تصویر زنی که از مریم حمایت می کند از بوم همان استاد "مدونا دونی" است. بسیاری از مورخان هنر این اثر رافائل را بدیع نمی دانند و استعداد اصلی و ویژگی های روش هنری و بصری او را آشکار می کند.

با وجود آخرین کار ناموفق، دستاوردهای رافائل در هنر قابل توجه بود. به زودی، معاصران متوجه آثار این هنرمند جوان می شوند و آنها را می شناسند و خود نویسنده با استادان برجسته رنسانس برابری می کند. در سال 1508، تحت حمایت معمار معروف برامانته، هموطن خود رافائل، نقاش به رم سفر می کند، جایی که او در میان دعوت شدگان به دربار پاپ است.

ژولیوس دوم که در آن زمان بر تخت پاپ بود، به عنوان فردی بیهوده، مصمم و با اراده شناخته می شد.
در طول سلطنت او بود که دارایی های پاپ به کمک جنگ ها بسیار گسترش یافت. همین سیاست «تهاجمی» در رابطه با توسعه فرهنگ و هنر انجام شد. بنابراین، مشهورترین هنرمندان، مجسمه سازان و معماران به دربار پاپ دعوت شدند. رم، تزئین شده با ساختمان های معماری متعدد، شروع به تغییر قابل توجهی کرد: برامانت کلیسای جامع سنت پیتر را ساخت. میکل آنژ با تعلیق موقت ساخت مقبره جولیوس دوم، شروع به نقاشی سقف کلیسای سیستین کرد. به تدریج حلقه‌ای از شاعران و دانشمندان در اطراف پاپ تشکیل شد که اصول و ایده‌های عالی انسان‌گرایانه را تبلیغ می‌کردند. رافائل سانتی که از فلورانس آمده بود در چنین فضایی افتاد.

رافائل با ورود به رم، مشغول کار روی نقاشی آپارتمان های پاپ (به اصطلاح بند) شد. نقاشی های دیواری در دوره 1509 تا 1517 ایجاد شده اند. آنها با تعدادی ویژگی از آثار مشابه ماهیت استادان دیگر متمایز می شوند. اول از همه، این مقیاس نقاشی است. اگر در آثار نقاشان قبلی چندین ترکیب کوچک روی یک دیوار وجود داشت، رافائل برای هر نقاشی یک دیوار جداگانه دارد. بر این اساس، چهره های به تصویر کشیده شده نیز "بزرگ شدند".

علاوه بر این، لازم است به اشباع نقاشی های دیواری رافائل با انواع عناصر تزئینی توجه شود: سقف های تزئین شده با سنگ مرمر مصنوعی و تذهیب، نقاشی های دیواری و ترکیبات موزاییک، و یک کف نقاشی شده با الگوی فانتزی. با این حال، چنین تنوعی احساس افراط و هرج و مرج را ایجاد نمی کند. چیدمان در مکان های خود و چیدمان ماهرانه عناصر تزئینی حس هماهنگی، نظم و ریتم خاصی را که توسط استاد تنظیم شده است را تداعی می کند. در نتیجه چنین نوآوری های خلاقانه و فنی، تصاویر خلق شده توسط هنرمند در نقاشی ها به وضوح برای بیننده قابل مشاهده است و بنابراین وضوح و وضوح لازم را به دست می آورد.

تمام نقاشی های دیواری باید از یک موضوع مشترک پیروی می کردند: تجلیل از کلیسای کاتولیک و سر آن. در این راستا، نقاشی ها بر روی صحنه های کتاب مقدس و صحنه هایی از تاریخ پاپ (با تصاویر جولیوس دوم و جانشین او لئو ایکس) ساخته شده اند. با این حال، در رافائل، چنین تصاویر خاص معنای تمثیلی تعمیم یافته ای به دست می آورند و جوهر ایده های انسان گرایانه رنسانس را آشکار می کنند.

از این دیدگاه، Stanza della Senyatura (اتاق امضا) مورد توجه خاص قرار دارد. نقاشی های دیواری ترکیب بیانگر چهار حوزه فعالیت معنوی انسان است. بنابراین، نقاشی دیواری "مشاهده" الهیات، "مکتب آتن" - فلسفه، "پارناسوس" - شعر، "حکمت، اعتدال و قدرت" - عدالت را نشان می دهد. قسمت بالایی هر نقاشی دیواری با تصویری تمثیلی از یک پیکر که نشان دهنده نوع خاصی از فعالیت است تاج گذاری شده است. در گوشه‌های طاق‌ها ترکیب‌بندی‌های کوچکی وجود دارد که از نظر مضمون شبیه به نقاشی‌های دیواری است.

ترکیب نقاشی در Stanza della Senyatura بر اساس ترکیبی از موضوعات کتاب مقدس و یونان باستان است (کتاب مقدس - "سقوط"، عتیقه - "پیروزی آپولون بر مارسیاس"). خود این واقعیت که ترکیبی از مضامین اساطیری، بت پرستی و سکولار برای تزئین اتاق های پاپ استفاده می شد، گواه نگرش مردم آن زمان به عقاید مذهبی است. نقاشی های دیواری رافائل اولویت آغاز سکولار را بر کلیسا-مذهبی بیان می کند.

برجسته ترین و کاملاً منعکس کننده ترین نقاشی دیواری فرقه مذهبی نقاشی "مشاهده" بود. در اینجا ترکیب به نظر می رسد به دو بخش تقسیم می شود: آسمان و زمین. در زیر، روی زمین، چهره هایی از پدران کلیسا و همچنین روحانیون، بزرگان و جوانان وجود دارد. تصاویر آنها به طور غیرمعمول طبیعی است که با کمک انتقال واقع بینانه شکل پذیری اجسام، چرخش ها و حرکات چهره ها ایجاد می شود. در میان انبوه مردم اینجا می توانید به راحتی دانته، ساونارولا، نقاش فرا بیتو آنجلیکو را بشناسید.

در بالای چهره های مردم تصاویر نماد تثلیث مقدس وجود دارد: خدای پدر، کمی پایین تر از او - عیسی مسیح با مادر خدا و یحیی باپتیست، در زیر آنها - یک کبوتر - مظهر روح القدس. در مرکز ترکیب کلی، به عنوان نمادی از اشتراک، میزبان وجود دارد.

رافائل در "اختلاف" به عنوان یک استاد بی‌نظیر آهنگسازی ظاهر می‌شود. با وجود نمادهای زیاد، تصویر با وضوح فوق العاده تصاویر و وضوح افکار نویسنده متمایز می شود. تقارن چیدمان فیگورها در قسمت بالایی ترکیب با فیگورهای تقریباً آشفته قرار گرفته در قسمت پایینی آن ملایم تر می شود. و بنابراین، برخی از طرح های تصویری اول به سختی قابل توجه است. عنصر ترکیبی متقاطع در اینجا یک نیم دایره است: نیم دایره ای که در قسمت بالایی قدیسان و حواریون بر روی ابرها قرار دارد و به عنوان پژواک آن، نیم دایره ای از چهره های آزاد و طبیعی تر افراد در قسمت پایین تصویر است.

یکی از بهترین نقاشی‌های دیواری و آثار رافائل در این دوره از آثار او، تابلوی «مدرسه آتن» است. این نقاشی دیواری تجسم آرمان های عالی انسانی مرتبط با هنر یونان باستان است. این هنرمند فیلسوفان و دانشمندان مشهور باستان را به تصویر کشیده است. چهره های افلاطون و ارسطو در قسمت مرکزی ترکیب قرار گرفته اند. دست افلاطون به زمین اشاره می کند و ارسطو به آسمان که نماد آموزه های فیلسوفان باستان است.

در سمت چپ افلاطون نقش سقراط دیده می شود که با گروهی از مردم گفتگو می کند که در میان آنها چهره آلکیبیادس جوان به طور قابل توجهی خودنمایی می کند که بدنش توسط پوسته ای محافظت می شود و سرش با پوسته ای پوشانده شده است. کلاه ایمنی. دیوژن، بنیانگذار مکتب فلسفی سینیکس، بر روی پله ها قرار می گیرد. او در اینجا به عنوان یک گدا نشان داده شده است که در ورودی معبد ایستاده و طلب صدقه می کند.

در انتهای ترکیب دو گروه از افراد قرار دارند. در سمت چپ شکل فیثاغورث نشان داده شده است که توسط دانش آموزان احاطه شده است. در سمت راست - اقلیدس، چیزی را روی یک تخته تخته سنگ می کشد، همچنین توسط دانش آموزان احاطه شده است. در سمت راست آخرین گروه، زرتشت و بطلمیوس با گوی هایی در دست تاج گذاری شده است. نویسنده در همان نزدیکی خود پرتره خود و چهره نقاش سدوم را قرار داد (او بود که شروع به کار روی نقاشی Stanza della Senyatura کرد). در سمت چپ مرکز، هنرمند هراکلیتوس متفکر افسوس را قرار داد.

در مقایسه با تصاویر روی نقاشی های دیواری اختلاف، چهره های مدرسه آتن بسیار بزرگتر و به یاد ماندنی تر هستند. اینها قهرمانانی هستند که دارای ذهنی خارق العاده و قدرت بالایی هستند. تصاویر اصلی نقاشی دیواری افلاطون و ارسطو هستند. اهمیت آنها نه تنها و نه چندان با مکان در ترکیب (آنها یک مکان مرکزی را اشغال می کنند) بلکه با حالت چهره و شکل پذیری خاص بدن تعیین می شود: این چهره ها حالت و راه رفتن واقعاً سلطنتی دارند. یک واقعیت جالب این است که لئوناردو داوینچی نمونه اولیه تصویر افلاطون شد. الگوی نگارش تصویر اقلیدس معمار برامانته بود. نمونه اولیه هراکلیتوس شکلی بود که میکل آنژ بر روی سقف کلیسای سیستین به تصویر کشیده بود. برخی از محققان معتقدند که تصویر هراکلیتوس توسط استاد از خود میکل آنژ کپی شده است.

موضوع نیز در اینجا تغییر می کند: نقاشی دیواری مانند نوعی سرود برای ذهن و اراده انسان به نظر می رسد. به همین دلیل است که همه شخصیت ها در پس زمینه ساختمان های معماری باشکوه قرار گرفته اند که نمادی از بی نهایت ذهن انسان و اندیشه خلاق است. اگر شخصیت‌های «اختلافات» منفعل باشند، پس تصاویر ارائه‌شده در «مکتب آتن» سازنده‌های فعال و پرانرژی زندگی آن‌ها، دگرگون‌کننده‌های نظم اجتماعی جهانی هستند.

راه حل های ترکیبی نقاشی دیواری نیز جالب است. بنابراین، فیگورهای افلاطون و ارسطو که در پس‌زمینه قرار دارند، به دلیل اینکه در حال حرکت هستند، اصلی‌ترین شکل‌ها در تصویر هستند. علاوه بر این، آنها مرکز پویای ترکیب را تشکیل می دهند. بیرون زده از اعماق، به نظر می رسد به سمت جلو، به سمت بیننده می روند، که باعث ایجاد احساس پویایی، توسعه ترکیب، که توسط یک قوس نیم دایره قاب شده است.

کار بر روی نقاشی پشت اتاق مهرهای Stanza d'Eliodoro توسط رافال بین سال‌های 1511 تا 1514 انجام شد. موضوعات نقاشی‌های دیواری این اتاق افسانه‌های کتاب مقدس و حقایق مربوط به تاریخ پاپ بود که با داستان‌هایی تزیین شده بود. جایگاه اصلی به مشیت الهی و معجزه داده شد.

این اتاق پس از اتمام کار تزئینی روی نقاشی دیواری "اخراج الیودور" نام خود را گرفت که طرح آن بر اساس داستان فرمانده سوری الیودور بود که می خواست ثروت ذخیره شده در قلعه اورشلیم را بدزدد. با این حال، سوار آسمان مانع او شد. این نقاشی به عنوان یادآوری چگونگی شکست نیروهای پاپ ژولیوس دوم و اخراج ارتش فرانسه از کشورهای پاپ بود.

با این حال، این نقاشی دیواری با قدرت بیان نیت خلاق هنرمند متمایز نیست. این احتمالاً به این دلیل است که ترکیب کلی به دو بخش جداگانه تقسیم می شود. در سمت چپ سواری زیبا است که به همراه دو فرشته سعی در ضربه زدن به الیودور دارد. در سمت راست نقاشی دیواری ژولیوس دوم است که روی برانکارد دراز کشیده است. در میان کسانی که از برانکارد حمایت می کردند، نقاش نقاش معروف آلمانی آلبرشت دورر را به تصویر کشید. با وجود ترس قهرمانانه ادعایی طرح، تصاویر رافائل در اینجا کاملاً عاری از پویایی و درام هستند.

تا حدودی از نظر شخصیت قوی‌تر و از نظر ساختار ترکیبی کامل‌تر، نقاشی دیواری به نام "Mass in Bolsena" است. داستان آن بر اساس داستانی در مورد یک کشیش کافر است که ویفر او در طول مراسم مقدس با خون آغشته شده است. شاهدان این معجزه روی بوم رافائل پاپ ژولیوس دوم، واقع در پشت سر او، کاردینال ها و سوئیسی از نگهبان بودند.

از ویژگی های بارز این اثر هنرمند مشهور، در مقایسه با آثار قبلی، میزان طبیعی بودن و طبیعی بودن در به تصویر کشیدن شخصیت ها بود. اینها دیگر چهره های انتزاعی نیستند که با زیبایی بیرونی خود شگفت زده می شوند، بلکه افراد کاملا واقعی هستند. بارزترین گواه این موضوع تصاویر سوئیسی ها از نگهبانان پاپ است که چهره هایشان سرشار از انرژی درونی است و اراده قوی انسانی را بیان می کند. با این حال، احساسات آنها اختراع خلاقانه هنرمند نیست. اینها احساسات بسیار واقعی انسانی هستند.

نویسنده در این اثر به رنگ، پری رنگی بوم و تصاویر توجه زیادی دارد. نقاش اکنون نه تنها به انتقال دقیق خطوط کانتور فیگورها، بلکه به اشباع رنگ تصاویر، نمایش دنیای درونی آنها از طریق لحن خاصی توجه دارد.

نقاشی دیواری "تولید پیتر" به همان اندازه گویا است که صحنه آزادی پیتر رسول توسط یک فرشته را به تصویر می کشد. مورخان هنر بر این باورند که این تصویر نمادی از آزادی افسانه ای قاضی پاپ لئو X (که بعداً پاپ شد) از اسارت فرانسوی است.

جالب توجه خاص در این نقاشی دیواری، راه حل ترکیبی و رنگی است که توسط نویسنده پیدا شده است. این نورپردازی در شب را بازتولید می کند که ماهیت دراماتیک ترکیب بندی کلی را افزایش می دهد. پس‌زمینه معماری با دقت انتخاب‌شده نیز به افشای محتوا و محتوای احساسی بیشتر تصویر کمک می‌کند: سیاه‌چال ساخته شده از آجرهای عظیم، طاق طاق‌دار سنگین، و میله‌های ضخیم یک شبکه.

چهارمین و آخرین نقاشی دیواری در Stanza d'Eliodoro که بعدها «دیدار پاپ لئو اول با آتیلا» نامیده شد، بر اساس طرح‌های رافائل توسط شاگردانش جولیو رومانو و فرانچسکو پنی ساخته شد. این کار در دوره 1514 تا 1517 انجام شد. خود استاد که در آن زمان به یک هنرمند غیرعادی محبوب تبدیل شده بود و شهرتش در سراسر ایتالیا گسترش یافته بود و سفارشات زیادی دریافت می کرد، نتوانست تزئین اتاق های پاپ را به پایان برساند. علاوه بر این، رافائل در آن زمان به عنوان معمار اصلی کلیسای جامع سنت پیتر منصوب شد و همچنین بر کاوش های باستان شناسی که سپس در قلمرو رم و اطراف آن انجام شد نظارت داشت.

نقاشی‌هایی که Stanzas del Incendio را زینت می‌دادند بر اساس داستان‌هایی از تاریخ پاپ بود. در میان تمام نقاشی های دیواری، شاید فقط یکی از آنها مستحق توجه ویژه باشد - "آتش در بورگو". او درباره آتش‌سوزی می‌گوید که در سال 847 در یکی از محله‌های رومی رخ داد. سپس پاپ لئو چهارم در خاموش کردن آتش شرکت کرد. این نقاشی دیواری با ترس بیش از حد و درام مصنوعی در تصویر افرادی که سعی در فرار از فاجعه دارند متمایز می شود: پسری که پدرش را حمل می کند، مرد جوانی که از دیوار بالا می رود، دختری که کوزه ای در دست دارد.

نقاشی های دیواری مصراع های واتیکان به خوبی تکامل آثار رافائل را نشان می دهد: هنرمند به تدریج از تصاویر ایده آل آثار اولیه به درام و در عین حال نزدیک شدن به زندگی در آثار متعلق به دوره متأخر (ترکیب ها و پرتره ها) حرکت می کند. .

تقریباً بلافاصله پس از ورود به رم، در سال 1509، رافائل، در ادامه موضوع مدونا، بوم "مدونا آلبا" را نوشت. در مقایسه با چهره های مدونای Conestabile، تصاویر موجود در آلبا مدونا بسیار پیچیده تر هستند. ماریا در اینجا به عنوان یک زن جوان با شخصیتی قوی، پرانرژی و با اعتماد به نفس به تصویر کشیده شده است. حرکات کودک به همان اندازه قوی است. نقاشی به صورت توندو است. با این حال، ارقام در اینجا به طور کامل نوشته شده است، که برای بوم های گرد معمولی نبود. با این حال، چنین ترتیبی از ارقام منجر به ظاهر شدن تصاویر ثابت نمی شود. آنها، و همچنین کل ترکیب به عنوان یک کل، در پویایی نشان داده شده است. این احساس به این دلیل ایجاد می شود که استاد با ظرافت و دقت خاصی انعطاف حرکات بدن انسان را منتقل می کند.

برای شکل‌گیری روش خلاقانه هنرمند، نقاشی «مدونا در صندلی» (یا «Madonna della sedia») از اهمیت ویژه‌ای برخوردار بود، که کار روی آن در حدود سال 1516 به پایان رسید. تصویری تا حدودی ایده‌آل از مدونا در اینجا به دست آمده است. معرفی عناصر خاص و واقعی به ترکیب. بنابراین، به عنوان مثال، سینه مریم با یک روسری روشن روشن با یک حاشیه پوشیده شده است. چنین روسری در آن زمان لباس مورد علاقه همه زنان دهقان ایتالیایی بود.

پیکره های مدونا، کودک مسیح و جان باپتیست کوچک در نزدیکی یکدیگر قرار دارند. به نظر می رسد که تصاویر به آرامی در یکدیگر جاری می شوند. کل تصویر با یک احساس غنایی غیرمعمول روشن آغشته شده است. موضوع همیشه زنده عشق مادری در اینجا نه تنها در نگاه مریم، بلکه در شکل پذیری شکل او نیز منتقل می شود. شکل توندو به کل ترکیب یک کاملیت منطقی می دهد. پیکره های مریم و نوزاد، که روی بوم گرد قرار گرفته اند، نمادی از اتحاد دو نزدیکترین فرد است: مادر و فرزند. این
تصویر رافائل توسط معاصران او به عنوان اوج نقاشی سه پایه نه تنها از نظر ساختار ترکیبی بلکه به دلیل انتقال ظریف خطوط پلاستیکی تصاویر شناخته شد.

از دهه 10 قرن شانزدهم رافائل در حال کار بر روی آهنگسازی برای قطعات محراب است. بنابراین، در سال 1511، Foligno Madonna ظاهر می شود. و در سال 1515، هنرمند مشهور شروع به خلق بوم می کند که بعداً شکوه یک استاد بزرگ را برای نقاش به ارمغان می آورد و قلب بیش از یک نسل از مردم را به دست می آورد. «مدونا سیستین» نقاشی است که مرحله نهایی شکل گیری روش هنری رافائل را رقم زد. موضوع مادری در اینجا در مقایسه با آثار قبلی، بیشترین پیشرفت و کامل ترین تجسم را دریافت کرده است.

با ورود به کلیسای جامع، چشم بیننده بلافاصله به سمت پیکره باشکوه مدونا جلب می شود که نوزاد عیسی مسیح را در آغوش خود حمل می کند. این اثر با چیدمان ترکیبی خاص شخصیت ها به دست می آید. پرده نیمه باز، چشمان قدیس سیکستوس و باربارا، به سمت مریم چرخید - همه اینها با هدف برجسته کردن و تبدیل مادر جوان به مرکز ترکیب است.

رافائل در افشای تصویر مدونا از هنرمندان رنسانس دور شد. مدونا در اینجا مستقیماً با بیننده صحبت می کند. او با یک کودک (مانند مدونای لئوناردو داوینچی) مشغول نیست و در خود غرق نیست (مانند قهرمانان کارهای اولیه استاد). این مریم که از میان ابرهای سفید برفی به سمت بیننده حرکت می کند، با او گفتگو می کند. در چشمان کاملاً باز او می توان عشق مادری و کمی سردرگمی و ناامیدی و فروتنی و نگرانی عمیق برای سرنوشت آینده پسرش را دید. او به عنوان یک بینا همه چیزهایی را که برای فرزندش اتفاق می افتد می داند. با این حال، به خاطر نجات مردم، مادر آماده است تا او را قربانی کند. تصویر مسیح شیرخوار با همان جدیت وقف شده است. در چشم او، انگار تمام جهان محصور است، او مانند یک پیامبر، سرنوشت بشر و سرنوشت خود را به ما می گوید.

رافائل سیستین مدونا. 1515-1519

تصویر مریم پر از درام و به طور غیرمعمول بیانگر است. با این حال، از ایده آل سازی خالی است و دارای ویژگی های هذلولی نیست. احساس کامل بودن، کامل بودن تصویر در اینجا به دلیل پویایی ترکیب بندی ایجاد می شود که با انتقال دقیق و وفادارانه شکل پذیری فیگورها و پرده پوشی لباس قهرمانان بیان می شود. همه چهره ها ارائه شده اند، زنده، متحرک، روشن. چهره مریم، مانند مسیح کودک با چشمانی غمگین، طیف کاملی از احساسات را بیان می کند که یکی پس از دیگری به معنای واقعی کلمه در مقابل چشمان بیننده تغییر می کند: غم، اضطراب، فروتنی و در نهایت عزم راسخ.

در میان مورخان هنر، سؤال نمونه اولیه مدونای سیستین هنوز باز است. برخی از محققان این تصویر را با تصویر زن جوانی که در پرتره "بانوی با حجاب" (1514) به تصویر کشیده شده است می شناسند. با این حال، طبق شهادت معاصران این هنرمند، مری روی بوم "سیستین مدونا" بیشتر یک نوع زن تعمیم یافته است، یک ایده آل رافائلی، نه تصویری خاص از هر کسی.

در میان آثار پرتره رافائل، پرتره پاپ ژولیوس دوم که در سال 1511 کشیده شده است بسیار مورد توجه است. در اینجا یک شخص واقعی به عنوان نوعی ایده آل نشان داده شده است که ویژگی بارز روش خلاقانه نقاش بود.

پرتره Count Baldassare Castiglione که در سال 1515 خلق شده است، قابل توجه است که فردی آرام، متعادل و هماهنگ توسعه یافته را به تصویر می کشد. رافائل در اینجا به عنوان یک استاد فوق العاده رنگ ظاهر می شود. او از ترکیب رنگ های پیچیده و انتقال تن استفاده می کند. همین تسلط بر رنگ با اثر دیگری از نقاش نیز متمایز می شود: پرتره زن "بانوی با حجاب" ("La donna velata" ، 1514) ، که در آن رنگ غالب رنگ سفید است (لباس سفید برفی زن به تن می کند. یک حجاب سبک).

بخش قابل توجهی در کار رافائل توسط آثار تاریخی اشغال شده است. در میان آثار مشابه بعدی او، جالب‌ترین آنها، اول از همه، نقاشی دیواری است که دیوارهای ویلا فارنسینا را در سال 1515 (که قبلاً دارایی ثروتمند چیگی بود) "پیروزی گالاتیا" تزئین کرد. این تصویر با خلق و خوی غیرمعمول شاد متمایز می شود. تصاویر به معنای واقعی کلمه مملو از شادی هستند. لحن مشابهی با استفاده از ترکیب خاصی از رنگ های روشن و اشباع ایجاد می شود: بدن های سفید برهنه به طور هماهنگ در اینجا با آسمان آبی شفاف و امواج آبی دریا ترکیب می شوند.

آخرین اثر تاریخی رافائل تزئین دیوارهای گالری قوسی است که در طبقه دوم کاخ واتیکان قرار دارد. دکور سالن ها با نقاشی ها و موزاییک های ساخته شده از سنگ مرمر مصنوعی تزئین شده بود. توطئه های نقاشی های دیواری توسط هنرمند از افسانه های کتاب مقدس و به اصطلاح ترسیم شده است. گروتسک (نقاشی یافت شده بر روی مقبره های یونان باستان - غارها). در کل 52 نقاشی وجود دارد. آنها بعداً در یک چرخه با نام عمومی "کتاب مقدس رافائل" ترکیب شدند. همچنین جالب است که این هنرمند مشهور به همراه شاگردانش کار تزئین سالن های کاخ واتیکان را انجام داده است که در میان آنها جولیو رومانو، فرانچسکو پنی، پرینو دل واگا، جووانی دا اودینه جایگاه برجسته ای را به خود اختصاص دادند.

نقاشی های سه پایه بعدی رافائل نوعی بازتاب و بیان بحران خلاقانه استاد بود که به تدریج در حال رشد بود. رافائل با پیروی از مسیر دراماتیزه شدن روزافزون تصاویر خلق شده توسط استادان رنسانس عالی، اما در عین حال وفادار به روش های خود، از قبل تثبیت شده بازنمایی هنری، به تضادهای سبک می رسد. ابزارها و روش‌های بیان افکار او برای خلق تصاویر کیفی جدید و کامل‌تر از نظر انتقال دنیای درونی و زیبایی بیرونی، بسیار کم است. نمونه‌های واضحی که این دوره از کار رافائل را نشان می‌دهند عبارتند از «حمل صلیب» (1517)، چرخه «خانواده‌های مقدس» (تقریباً 1518)، ترکیب محراب «تغییر شکل».

این کاملاً ممکن است که چنین نقاش با استعدادی مانند رافائل راهی برای خروج از چنین بن بست خلاقانه ای پیدا کند، اگر نه برای مرگ ناگهانی که همه معاصران استاد را شوکه کرد. رافائل سانتی در 6 آوریل 1520 در سن 37 سالگی درگذشت. تشییع جنازه مجللی برگزار شد. خاکستر این نقاش بزرگ در پانتئون رم به خاک سپرده شده است.

آثار رافائل تا به امروز شاهکارهای هنر جهانی هستند. این نقاشی‌ها که نمونه‌ای از هنر کلاسیک هستند، برای نشان دادن زیبایی کامل و غیرزمینی به بشر طراحی شده‌اند. آنها دنیایی را به بیننده ارائه کردند که در آن مردم احساسات و افکار بالایی دارند. کار رافائل نوعی سرود هنری است که انسان را متحول می کند و او را تمیزتر، درخشان تر و زیباتر می کند.

تیتیان (تیزیانو وچلیو)

Tiziano Vecellio در یک خانواده نظامی در شهر کوچک Pieve di Cadore، واقع در کوه ها و بخشی از دارایی های ونیزی متولد شد. دانشمندان نتوانسته اند تاریخ و سال تولد تیتیان را به درستی تعیین کنند. برخی معتقدند که این 1476-1477 است، برخی دیگر - 1485-1490.

دانشمندان معتقدند که خانواده Vecellio در شهر باستانی و کاملاً تأثیرگذار بوده است. پدر و مادر با دیدن استعداد اولیه پسر در نقاشی، تصمیم گرفتند تیزیانو را به کارگاه هنری استاد موزاییک ونیزی بدهند. مدتی بعد، وچلیو جوان به تحصیل در کارگاه، ابتدا جنتیله بلینی و سپس جیووانی بلینی منصوب شد. در این زمان، این هنرمند جوان با جورجیونه ملاقات کرد که تأثیر او در کارهای اولیه او منعکس شد.

تمام کارهای هنرمند را می توان به دو دوره تقسیم کرد: دوره اول - به اصطلاح. dzhordzhonevsky - تا 1515-1516 (زمانی که تأثیر جورجیونه به شدت در آثار نقاش بیان می شود)؛ دوم - از دهه 40. قرن شانزدهم (در این زمان، تیتیان استادی است که از قبل نشان دهنده هنر اواخر رنسانس است).

تیتیان با پیروی از روش هنری جورجیونه و نقاشان رنسانس در مراحل اولیه، راه های حل مشکلات هنری را بازاندیشی می کند. تصاویر جدیدی از زیر قلم موی هنرمند بیرون می‌آیند که تفاوت قابل‌توجهی با چهره‌های عالی و ظریفی مانند رافائل و لئوناردو داوینچی دارند. قهرمانان Titian دنیوی، تنومند، شهوانی هستند، آنها تا حد زیادی شروعی بت پرست دارند. بوم های اولیه نقاش با یک ترکیب نسبتاً ساده متمایز می شوند ، که با این وجود ، با خلق و خوی غیرمعمول شاد و آگاهی از شادی بی ابر ، پری و بی نهایت زندگی زمینی نفوذ می کند.

در میان آثار این دوره که روش خلاقانه هنرمند را به طور کامل بیان می کند، یکی از برجسته ترین آنها تابلوی "عشق در زمین و بهشت" متعلق به دهه 10 است. قرن شانزدهم. برای نویسنده نه تنها انتقال طرح، بلکه نشان دادن منظره زیبایی که افکار صلح و شادی وجود و زیبایی حسی یک زن را برمی انگیزد، مهم است.

فیگورهای زن بدون شک والا هستند، اما از زندگی انتزاع نشده اند و توسط نویسنده ایده آل نشده اند. منظره ای که با رنگ های ملایم نقاشی شده و در پس زمینه قرار گرفته است، به عنوان پس زمینه ای عالی برای تصاویر زنانه برازنده و ظریف، اما در عین حال کاملا واقعی عمل می کند: عشق زمینی و عشق بهشتی. یک ترکیب ماهرانه ترکیب شده و یک حس ظریف رنگ به هنرمند کمک کرد تا اثری هماهنگ غیرمعمول ایجاد کند که هر عنصر آن تابع تمایل نویسنده برای نشان دادن زیبایی طبیعی طبیعت زمینی و انسان است.

در اثر متأخر تیتیان، آسونتا (یا معراج مریم) که به سال 1518 برمی‌گردد، آن تأمل و آرامشی که در اثر عشق زمینی و آسمانی به نظر می‌رسد وجود ندارد. پویایی، قدرت، انرژی بیشتری وجود دارد. شخصیت مرکزی ترکیب مریم است که به عنوان یک زن جوان پر از زیبایی و قدرت زمینی نشان داده شده است. دیدگاه های رسولان متوجه او است که تصاویر آن بیانگر همان نشاط و انرژی درونی است. نوعی سرود زیبایی انسان و احساس قوی انسانی، تصنیف «باخوس و آریادنه» (از چرخه «باکانالیا»، 1523) است.

تجلیل از زیبایی زنانه زمینی موضوع اثر دیگری از تیتیان به نام "زهره اوربینو" شد. این در سال 1538 ایجاد شد. علیرغم این واقعیت که مطلقاً هیچ تعالی و معنویت تصویر وجود ندارد، دومی هنوز ارزش زیبایی شناختی بوم را کاهش نمی دهد. زهره اینجا واقعا زیباست. با این حال، زیبایی او دنیوی و طبیعی است، که تصویر ایجاد شده توسط Titian را از زهره بوتیچلی متمایز می کند.

با این حال، اشتباه است که بگوییم تصاویر دوره اولیه توسعه کار هنرمند فقط زیبایی بیرونی یک فرد را تجلیل می کند. تمام ظاهر آنها فردی هماهنگ را به تصویر می کشد که زیبایی ظاهری او با معنویت برابر است و سمت معکوس روحی به همان اندازه زیباست.

از این منظر، تصویر عیسی مسیح بر روی بوم "دناریوس سزار" که در دوره بین 1515 تا 1520 خلق شده است، بیشترین توجه را دارد. بیان معنوی چهره او حاکی از آن است که در مقابل بیننده فردی نجیب با سازماندهی ذهنی کامل قرار دارد.

تصاویر خلق شده در ترکیب محراب "Madonna Pesaro" که در دوره 1519 تا 1526 نوشته شده است، با همین معنویت پر شده است.این قهرمانان طرح یا انتزاع نیستند. ایجاد یک تصویر زنده و واقعی تا حد زیادی با استفاده استاد از طیف وسیعی از رنگ‌های مختلف تسهیل می‌شود: حجاب مریم سفید برفی، آبی آسمانی، قرمز مایل به قرمز، قرمز روشن، لباس‌های طلایی قهرمانان، فرش سبز پررنگ. چنین تنوعی از تن ها باعث ایجاد هرج و مرج در ترکیب نمی شود، بلکه برعکس، به نقاش کمک می کند تا یک سیستم هماهنگ و هماهنگ از تصاویر ایجاد کند.

در دهه 1520 تیتیان اولین اثر دراماتیک را خلق کرد. این تابلوی معروف "The Tombment" است. تصویر مسیح در اینجا به همان روشی که در نقاشی "دناریوس سزار" تفسیر شده است. عیسی نه به عنوان موجودی که از بهشت ​​فرود آمد تا بشریت را نجات دهد، بلکه به عنوان یک قهرمان کاملاً زمینی که در نبردی نابرابر سقوط کرد، معرفی می شود. با وجود تمام تراژدی و درام داستان، بوم باعث نمی شود بیننده احساس ناامیدی کند. برعکس، تصویر ایجاد شده توسط تیتیان نمادی از خوش بینی و قهرمانی است و زیبایی درونی یک فرد، نجابت و قدرت روح او را نشان می دهد.

این شخصیت به طور قابل توجهی این اثر هنرمند را از اثر بعدی او به همین نام به تاریخ 1559 متمایز می کند که در آن حالات خوش بینانه با تراژدی ناامیدکننده جایگزین می شود. در اینجا، و همچنین در نقاشی دیگری از تیتیان - "ترور سنت. پیتر شهید، که ایجاد آن به دوره 1528 تا 1530 برمی گردد، استاد از روش جدیدی برای بازنمایی هنری استفاده می کند. تصاویر طبیعت ارائه شده بر روی بوم‌ها (غروب در «مدفور» با رنگ‌های تیره و تاریک و درختان خمیده در زیر تند بادهای شدید در «قتل سنت پیتر شهید») به نوعی ظاهر می‌شوند. بیان احساسات و عواطف انسانی مادر بزرگ طبیعت در اینجا تسلیم مرد حاکم می شود. تیتین در ترکیبات ذکر شده در بالا، همانطور که بود، این ایده را تایید می کند که هر چیزی که در طبیعت اتفاق می افتد ناشی از اعمال انسان است. او پروردگار و فرمانروای جهان (از جمله طبیعت) است.

مرحله جدیدی در توسعه مهارت هنرمند در ایجاد ترکیبات چند پیکره، بوم با عنوان "مقدمه ای به معبد" به تاریخ 1534-1538 بود. علیرغم این واقعیت که تیتیان تصاویر زیادی را در اینجا نوشت، همه آنها به دلیل علاقه به رویداد مهمی که در مقابل چشمان آنها رخ می دهد - معرفی مریم به معبد - به یک کل ترکیبی متحد می شوند. شکل شخصیت اصلی با مکث های فضایی از شخصیت های فرعی (اما نه کم اهمیت) جدا می شود: او با پله های یک راه پله از جمعیت افراد کنجکاو و کشیشان جدا می شود. حال و هوای جشن، احساس اهمیت آنچه اتفاق می افتد در ترکیب با حرکات و انعطاف پذیری چهره ها ایجاد می شود. با این حال، به دلیل درج در تصویر نقش فروشنده تخم مرغ، که در پیش زمینه قرار گرفته است، از رقت بیش از حد اثر کاسته شده و تصور واقع گرایی و طبیعی بودن موقعیت توصیف شده توسط هنرمند تقویت می شود.

آشنایی با ترکیب تصاویر عامیانه از ویژگی های بارز روش هنری و بصری تیتیان در دوره دهه 30 است. قرن شانزدهم. این تصاویر هستند که به استاد کمک می کنند تا تصویری کاملاً واقعی خلق کند.

کامل ترین ایده خلاقانه برای نشان دادن فردی هماهنگ، زیبا در روح و جسم، در آثار پرتره تیتیان تجسم یافت. یکی از اولین آثاری که در این راستا ساخته شده «پرتره مرد جوان با دستکش» است. ایجاد بوم به دوره 1515 تا 1520 اشاره دارد. تصویر یک مرد جوان نشان دهنده یک نسل کامل از مردم آن زمان - رنسانس است. پرتره تجسم ایده هماهنگی روح و بدن انسان است. شانه های پهن، انعطاف پذیری شل بدن، یقه پیراهن به طور معمولی باز شده، اعتماد به نفس آرامی که با نگاه یک مرد جوان بیان می شود - همه چیز با هدف انتقال ایده اصلی نویسنده در مورد لذت وجود انسان و خوشبختی یک فرد معمولی است. کسی که غم را نمی شناسد و تناقضات درونی او را از هم نمی پاشد.

روی بوم های "Violante" و "Portrait of Tommaso Mosti" (هر دو - 1515-1520) می توان همان نوع از افراد شاد هماهنگ هماهنگ را مشاهده کرد.

در پرتره‌هایی که خیلی دیرتر خلق می‌شوند، بیننده دیگر آن صراحت و قطعیت واضحی از ماهیت تصاویر را که برای کارهای مشابه در دوره 1515-1520 معمول بود، نمی‌یابد. ماهیت شخصیت های متاخر تیتین در مقایسه با شخصیت های اولیه بسیار پیچیده تر و چندوجهی است. نمونه بارز تغییر در روش هنری نویسنده، نقاشی "پرتره ایپولیتو ریمینالدی" است که در اواخر دهه 1540 خلق شد. این پرتره مرد جوانی را به تصویر می کشد که چهره اش با ریش کوچکی که در حاشیه قرار دارد، بیانگر مبارزه عمیق درونی از احساسات و عواطف است.

تصاویر خلق شده توسط تیتان در این دوره برای هنر رنسانس عالی نیست: آنها پیچیده، از بسیاری جهات متناقض و دراماتیک هستند. اینها قهرمانان ترکیبی هستند که "پرتره پاپ پل سوم با الساندرو و اوتاویو فارنزه" نام دارد. این بوم در دوره 1545 تا 1546 خلق شد. پاپ پل سوم به عنوان فردی حیله گر و بی اعتماد نشان داده شده است. او با نگرانی و بدخواهی اوتاویو، برادرزاده‌اش، چاپلوسی و ریاکار معروف دربار را تماشا می‌کند.

تیتیان خود را استاد برجسته ای در ترکیب هنری نشان داد. جوهر شخصیت افراد در این اثر از طریق تعامل شخصیت ها با یکدیگر، از طریق ژست ها و حالت های آنها آشکار می شود.

پرتره ای که چارلز پنجم (1548) را به تصویر می کشد بر روی ترکیبی از عناصر تزئینی باشکوه و واقع گرایانه ساخته شده است. دنیای درونی مدل با دقت استادانه ای نشان داده شده است. بیننده می فهمد که قبل از او یک شخص خاص با شخصیت پیچیده ای قرار دارد که ویژگی های اصلی آن هم ذهن و شجاعت عالی و هم حیله گری ، ظلم ، ریاکاری است.

در پرتره های خلق شده توسط تیتیان که از نظر ساختار ترکیبی ساده تر هستند، تمام توجه بیننده معطوف به دنیای درونی تصویر است. به عنوان مثال، می توان به بوم "پرتره آرتینو"، مورخ 1545 اشاره کرد. این مدل توسط هنرمند به عنوان یک فرد شناخته شده در ونیز در آن زمان، پیترو آرتینو، که به خاطر طمع فوق العاده اش برای پول و زمینی مشهور شد، انتخاب شد. لذت ها با این حال، با وجود این، او از هنر بسیار قدردانی می کرد، او خود نویسنده تعدادی مقاله روزنامه نگاری، تعداد زیادی کمدی، داستان کوتاه و شعر بود (اگرچه نه همیشه
محتوای مناسب).

تیتیان تصمیم گرفت در یکی از آثارش چنین شخصی را اسیر کند. آرتینوی او یک تصویر واقع گرایانه پیچیده است که شامل متنوع ترین، گاهی اوقات حتی متناقض احساسات و ویژگی های شخصیتی است.

درگیری غم انگیز یک فرد با نیروهای متخاصم با او در نقاشی "ببین مرد" که در سال 1543 کشیده شده است نشان داده شده است. این طرح الهام گرفته از واکنش عمومی فزاینده حامیان ضد اصلاحات علیه ایده های اومانیستی رنسانس است. در آن زمان در ایتالیا در ترکیب بندی، تصویر مسیح به عنوان حامل آرمان های والای جهانی با پیلاطس مخالفت می کند که بدبین، شریر و زشت نشان داده شده است. در آن
برای اولین بار نت هایی مبنی بر انکار لذت ها و شادی های نفسانی، زمینی در اثر ظاهر می شود.

تیتیان پرتره پاپ پل سوم با الساندرو و اتاویو فارنزه. 1545-1546

همان کنتراست قابل توجه تصاویر بوم "دانائه" را که در حدود سال 1554 نوشته شده بود مشخص کرد. این اثر با درجه بالایی از درام متمایز است. نویسنده در آن مانند قبل از زیبایی و سعادت انسان می سراید. با این حال، شادی گذرا و لحظه ای است. در تصویر تغییر ناپذیری خلق و خو و مماشات آرام شخصیت ها وجود ندارد که تصاویر ایجاد شده قبلی را متمایز می کند ("عشق در زمین و بهشت" ، "زهره اوربینو").

موضوع اصلی در اثر برخورد زیبا و زشت، بالا و پایین است. و اگر یک دختر جوان تمام عالی ترین چیزی را که در یک شخص وجود دارد بیان کند، آن وقت خدمتکار پیری که سعی می کند سکه های طلایی باران را بگیرد، پایین ترین ویژگی های انسانی را نشان می دهد: منفعت شخصی، حرص و طمع، بدبینی.

درام در ترکیب با ترکیب خاصی از زنگ های تیره و روشن تأکید می شود. با کمک رنگ است که هنرمند لهجه های معنایی را در تصویر قرار می دهد. بنابراین، یک دختر جوان نماد زیبایی و احساسات روشن است. و پیرزنی که با زنگ های تیره تیره احاطه شده است، بیانی از آغازی پایه دارد.

مشخصه این دوره از کار تیتین نه تنها خلق تصاویر متناقض پر از درام است. این هنرمند در عین حال آثاری را به تصویر می کشد که مضمون آن زیبایی حیرت انگیز یک زن است. با این حال، هنوز باید به این واقعیت توجه داشت که این آثار از آن حال و هوای خوش بینانه و تأیید کننده زندگی که مثلاً در عشق روی زمین و بهشت ​​و باکانالیا به گوش می رسد، خالی هستند. از جمله نقاشی هایی که بیشترین علاقه را به خود اختصاص داده اند می توان به "دیانا و آکتائون"، "شوپان و پوره" (1559)، "زهره با آدونیس" اشاره کرد.

یکی از بهترین آثار تیتیان تابلویی به نام "کایوشدا مریم مجدلیه" است که در دهه 60 خلق شده است. قرن شانزدهم. بسیاری از هنرمندان رنسانس به این داستان کتاب مقدس روی آوردند. با این حال، تیتیان تصویر مریم مجدلیه توبه‌کار را دوباره تفسیر می‌کند. چهره یک زن جوان، پر از زیبایی و سلامتی، به جای مسیحی بیانگر توبه است، اما غم و اشتیاق برای شادی برای همیشه از بین رفته است. انسان مثل همیشه در تیتین زیباست، اما رفاه، آرامش و آرامش روحی او به نیروهای بیرونی بستگی دارد. آنها هستند که با دخالت در سرنوشت یک شخص ، هماهنگی روح را از بین می برند. تصادفی نیست که تصویر مجدلیه، غمگین، در پس زمینه منظره ای تاریک نشان داده می شود که آسمان تاریک را با ابرهای سیاه قریب الوقوع تاج می کند - پیش طعمی از
رعد و برق

همین مضمون رنج بشر در آثار متأخر استاد مشهور نیز شنیده می شود: «تاج گذاری با تاج خار» (1570) و «St. سباستین» (1570).

در تاج گذاری با خارها، عیسی توسط هنرمند در قالب یک فرد معمولی ارائه می شود و از شکنجه گران خود در ویژگی های فیزیکی و مهمتر از همه اخلاقی پیشی می گیرد.

با این حال، او تنهاست و تنها بنابراین نمی تواند برنده باشد. شدت دراماتیک و احساسی صحنه با رنگ تیره و تیره افزایش می یابد.

مضمون قهرمانی تنها در تضاد با دنیای بیرون نیز در اثر «St. سباستین". قهرمان در اینجا به عنوان یک تایتان با شکوه نشان داده شده است - تصویری که مشخصه هنر رنسانس است. با این حال، او همچنان شکست خورده است.

منظره که نماد نیروهای دشمن شخصیت است، در اینجا نقش مستقلی دارد. علیرغم درام داستان، ترکیب به عنوان یک کل با یک روحیه تأیید کننده زندگی نفوذ می کند.

نوعی سرود برای ذهن انسان، خرد و وفاداری به آرمان های پذیرفته شده، خودنگاره استاد است که در دهه 60 خلق شده است. قرن شانزدهم

یکی از رساترین نقاشی‌های تیتیان به‌عنوان «پیتا» (یا «مرثیه مسیح») شناخته می‌شود که در حدود سال 1576 نوشته شده است. پیکره‌های زنان غمگین در اینجا در پس زمینه طاقچه‌ای سنگی و منظره‌ای تاریک به تصویر کشیده شده‌اند. مریم مثل مجسمه در غم یخ کرد. تصویر مجدلیه به طور غیرمعمولی روشن و پویا است: شکل زنی که به جلو می کوشد، دستی بلند شده، موهای قرمز آتشینی که پرت می شود، دهانی کمی از هم باز شده که فریاد ناامیدی از آن بلند می شود. عیسی نه به عنوان یک موجود آسمانی الهی، بلکه به عنوان یک شخص بسیار واقعی نشان داده می شود که در نبردی نابرابر با نیروهای متخاصم جهان بشری شکست خورده است. تراژدی تصاویر در تصویر با کمک انتقال تونال و نور و سایه بیان می شود. به نظر می رسد که شخصیت های اصلی توسط پرتوهای نور از تاریکی شب ربوده شده اند.

این اثر تیتیان مردی را که دارای احساسات عمیقی است تجلیل می کند. تابلوی "پیتا" نوعی آهنگ خداحافظی بود که به قهرمانان سبک، عالی و باشکوه خلق شده در رنسانس اختصاص داشت.

نقاش بزرگی که تصاویر زیبایی به دنیا می‌داد، در 27 اوت 1576 احتمالاً بر اثر طاعون درگذشت. او بوم های زیادی را از خود به جای گذاشت که هنوز هم با تسلط در اجرا و حس لطیف رنگ، مخاطب را شگفت زده می کند. تیتیان به عنوان یک روانشناس فوق العاده، یک خبره از روح انسان در برابر ما ظاهر می شود. در میان شاگردان او هنرمندانی چون یاکوپو نیگرتی (پالما بزرگ)، بونیفاسیو دی پیتاتی، پاریس بوردونه، یاکوپو پالما جوانتر بودند.

اولین پیشگامان هنر رنسانس در قرن چهاردهم در ایتالیا ظاهر شدند. هنرمندان این زمان، پیترو کاوالینی (1259-1344)، سیمون مارتینی (1284-1344) و (در درجه اول) جوتو (1267-1337)، هنگام خلق نقاشی هایی از موضوعات مذهبی سنتی، آنها شروع به استفاده از تکنیک های هنری جدید کردند: ساخت یک ترکیب سه بعدی، استفاده از منظره در پس زمینه، که به آنها اجازه می داد تصاویر را واقعی تر و زنده تر کنند. این کار آنها را به شدت از سنت شمایل نگاری قبلی که مملو از قراردادهای موجود در تصویر بود متمایز می کرد.
این اصطلاح برای اشاره به کار آنها استفاده می شود. پروتو-رنسانس (میلادی 1300 - "Trecento") .

جوتو دی بوندونه (حدود 1267-1337) - نقاش و معمار ایتالیایی عصر پروتو رنسانس. یکی از شخصیت های کلیدی در تاریخ هنر غرب. او با غلبه بر سنت نقاشی نمادهای بیزانسی، بنیانگذار واقعی مکتب نقاشی ایتالیایی شد و رویکردی کاملاً جدید برای به تصویر کشیدن فضا ایجاد کرد. آثار جوتو از لئوناردو داوینچی، رافائل، میکل آنژ الهام گرفته شده است.


رنسانس اولیه (میلادی 1400 - "کواتروسنتو").

در آغاز قرن پانزدهم فیلیپو برونلسکی (1377-1446)، محقق و معمار فلورانسی.
برونلسکی می خواست درک اصطلاحات و تئاترهای بازسازی شده توسط او را بصری تر کند و سعی کرد از نقشه های خود برای یک دیدگاه خاص، تصاویر پرسپکتیو هندسی ایجاد کند. در این جستجوها، چشم انداز مستقیم.

این به هنرمندان این امکان را می داد تا تصاویر کاملی از فضای سه بعدی بر روی بوم مسطح تصویر به دست آورند.

گام مهم دیگر به سوی رنسانس، ظهور هنر غیر مذهبی و سکولار بود. پرتره و منظره خود را به عنوان ژانرهای مستقل تثبیت کردند. حتی موضوعات مذهبی تفسیر متفاوتی به دست آوردند - هنرمندان رنسانس شروع به در نظر گرفتن شخصیت های خود به عنوان قهرمانانی با ویژگی های فردی برجسته و انگیزه انسانی برای اعمال کردند.

مشهورترین هنرمندان این دوره هستند ماساچیو (1401-1428), مازولینو (1383-1440), بنوززو گوتزولی (1420-1497), پیرو دلا فرانچسکو (1420-1492), آندره آ مانتنیا (1431-1506), جیووانی بلینی (1430-1516), آنتونلو دا مسینا (1430-1479), دومنیکو گیرلاندایو (1449-1494), ساندرو بوتیچلی (1447-1515).

ماساچیو (1401-1428) - نقاش مشهور ایتالیایی، بزرگترین استاد مکتب فلورانس، اصلاح کننده نقاشی دوران کواتروسنتو.

نقاشی دیواری معجزه با استر.

رنگ آمیزی. مصلوب شدن

نقاشی دیواری تاریخ ملکه سبا. کلیسای سن فرانچسکو در آرتزو

بهار.

تولد زهره.

لئوناردو دی سر پیرو داوینچی (فلورانس) (1452-1519) - هنرمند ایتالیایی (نقاش، مجسمه ساز، معمار) و دانشمند (آناتومیست، طبیعت شناس)، مخترع، نویسنده.

سلف پرتره

بانویی با گل ارمنی. 1490. موزه Czartoryski، کراکوف

مونالیزا (1503-1505/1506)

مدونا لیتا. 1490-1491. ارمیتاژ.

مدونا بنوا (مدونا با گل). 1478-1480

مدونا با میخک. 1478

لئوناردو داوینچی در طول زندگی خود هزاران یادداشت و طراحی روی آناتومی انجام داد، اما آثار خود را منتشر نکرد. او با انجام کالبد شکافی اجساد انسان ها و حیوانات، ساختار اسکلت و اندام های داخلی، از جمله جزئیات کوچک را به دقت منتقل کرد. به گفته استاد آناتومی بالینی پیتر آبرامز، کار علمی داوینچی 300 سال جلوتر از زمان خود بود و از بسیاری جهات از آناتومی معروف گری پیشی گرفت.

فهرست اختراعات واقعی و منسوب به او:

چتر نجات، بهقلعه اولسکوو،دوچرخه، tآنخ، لپل های قابل حمل سبک برای ارتش، صپروژکتور، بهآتاپولت، رابوت، دتلسکوپ vohlenz.

نقاشی‌ها و مجسمه‌های میکل آنژ بووناروتی مملو از ترحم قهرمانانه و در عین حال حس تراژیک بحران اومانیسم است. نقاشی های او قدرت و قدرت انسان، زیبایی بدن او را تجلیل می کند و در عین حال بر تنهایی او در جهان تأکید می کند.

نبوغ میکل آنژ نه تنها در هنر رنسانس، بلکه در تمام فرهنگ جهانی بعدی نیز اثری بر جای گذاشت. فعالیت های او عمدتاً با دو شهر ایتالیا - فلورانس و رم مرتبط است.

با این حال ، این هنرمند توانست بزرگ ترین برنامه های خود را دقیقاً در نقاشی تحقق بخشد ، جایی که او به عنوان یک مبتکر واقعی رنگ و فرم عمل کرد.
به دستور پاپ ژولیوس دوم، او سقف کلیسای سیستین (1508-1512) را نقاشی کرد که بیانگر داستان کتاب مقدس از خلقت جهان تا سیل و شامل بیش از 300 شکل است. در 1534-1541، در همان کلیسای سیستین برای پاپ پل سوم، او نقاشی دیواری باشکوه و دراماتیک The Last Judgment را اجرا کرد.
کلیسای سیستین سه بعدی.

کار جورجیونه و تیتیان با علاقه به منظره، شاعرانه بودن طرح متمایز می شود. هر دو هنرمند به مهارت زیادی در هنر پرتره دست یافتند و به کمک آن شخصیت و دنیای درونی غنی شخصیت های خود را منتقل کردند.

جورجیو باربارلی دا کاستلفرانکو ( جورجیونه) (1476 / 147-1510) - هنرمند ایتالیایی، نماینده مکتب نقاشی ونیزی.

زهره خوابیده. 1510

جودیت 1504

تیتیان با موضوعات کتاب مقدس و اساطیری نقاشی می کشید، او به عنوان یک نقاش پرتره مشهور شد. او توسط پادشاهان و پاپ ها، کاردینال ها، دوک ها و شاهزادگان مأموریت یافت. تیتیان سی سال نداشت که به عنوان بهترین نقاش ونیز شناخته شد.

سلف پرتره. 1567

ونوس اوربینسکایا. 1538

پرتره توماسو موستی. 1520

اواخر رنسانس.
پس از غارت رم توسط نیروهای امپراتوری در سال 1527، رنسانس ایتالیا وارد دوره بحران شد. قبلاً در کار مرحوم رافائل ، خط هنری جدیدی ترسیم شده است که نام دارد رفتارگرایی.
این دوره با خطوط بیش از حد کشیده و شکسته، فیگورهای کشیده یا حتی تغییر شکل، اغلب برهنه، تنش و ژست‌های غیرطبیعی، جلوه‌های غیرعادی یا عجیب مرتبط با اندازه، نور یا پرسپکتیو، استفاده از مقیاس رنگی سوزاننده، ترکیب‌بندی بیش از حد و غیره مشخص می‌شود. اولین استاد رفتارگرایی پارمیجیانینو , پونتورمو , برونزینو- در دربار دوک های خانه مدیچی در فلورانس زندگی و کار می کرد. بعدها، مد مانریستی در سراسر ایتالیا و فراتر از آن گسترش یافت.

جیرولامو فرانچسکو ماریا مازولا (پارمیجیانینو - "ساکن پارما") (1503-1540،) هنرمند و حکاکی ایتالیایی، نماینده رفتارگرایی.

سلف پرتره. 1540

پرتره یک زن. 1530.

Jacopo Robusti، معروف به تینتورتو (1518 یا 1519-1594) - نقاش مکتب ونیزی اواخر رنسانس.

شام آخر. 1592-1594. کلیسای سن جورجیو ماگیوره، ونیز.

مسیح روی صلیب خوب. 1577. مجموعه خصوصی.

ترینیتی 1579 پرادو.

رنسانس یکی از درخشان ترین در تاریخ هنر جهان است. قرون XIV-XVI را در بر می گیرد. در ایتالیا، قرن پانزدهم تا شانزدهم. در کشورهای شمال آلپ این دوره در توسعه فرهنگ نام خود را - رنسانس (یا رنسانس) - در ارتباط با احیای علاقه به هنر باستان گرفت و به آن به عنوان یک ایده آل زیبا و یک الگو روی آورد. اما البته هنر جدید بسیار فراتر از تقلید از گذشته است.

دوناتلو دیوید 1430. برنز. موزه ملی. فلورانس.



جوتو نوحه برای مسیح. خوب. 1305 نقاشی دیواری نمازخانه آرنا. پادوآ



اس. بوتیچلی. بهار. خوب. 1477-1478 بوم، روغن. گالری اوفیزی فلورانس.



A. Mantegna. دیدار لودویکو و فرانچسکو گونزاگا. بین 1471-1474 نقاشی دیواری دیوار غربی Camera degli Sposi (جزئیات). مانتوا.



لئوناردو داوینچی. پرتره مونالیزا (به اصطلاح "لا جوکوندا"). خوب. 1503 روغن روی چوب. لوور. پاریس.



لئوناردو داوینچی. شام آخر. 1495-1497 نقاشی با رنگ روغن و تمپر روی دیوار سفره خانه صومعه سانتا ماریا دل گرازیه (جزئیات). میلان.



رافائل مدرسه آتن. 1509-1511 نقاشی دیواری در Stanza della Senyatura. واتیکان



میکل آنژ. سیبیل دلفی. 1508-1512 نقاشی دیواری کلیسای سیستین (جزئیات). واتیکان





جان ون آیک. پرتره زوج آرنولفینی. 1434 روغن روی چوب. گالری ملی. لندن.



هوگو ون در گوس. ستایش چوپانان. 1474-1475 چوب، روغن گالری اوفیزی فلورانس.



الف. دورر. ستایش مجوس. 1504 رنگ روغن روی بوم. گالری اوفیزی فلورانس.



L. Cranach the Elder. مدونا زیر درخت سیب بعد از 1525 روغن روی بوم. ارمیتاژ ایالتی سنت پترزبورگ.



الف. دورر. چهار سوار. 1498 حکاکی روی چوب. از سری آخرالزمان.

فرهنگ هنری رنسانس در دوره جهش فرهنگی، رشد سریع اقتصادی، ظهور یک سیستم اجتماعی جدید - تجزیه روش زندگی قدیمی و قرون وسطایی و ظهور روابط سرمایه داری شکل گرفت. اف. انگلس در مورد رنسانس می نویسد: «این بزرگترین تحولات مترقی بود که بشر تا آن زمان تجربه کرد، عصری که به تیتان ها نیاز داشت و از نظر قدرت فکر، اشتیاق و شخصیت، تیتان ها را به دنیا آورد. از تطبیق پذیری و دانش.»

تغییرات اساسی اقتصادی و اجتماعی منجر به ظهور یک جهان بینی مترقی جدید - اومانیسم (از کلمه لاتین humanus - "انسان") شد. همه اومانیست ها از ایمان به قدرت خلاق انسان، نیروی بی حد و حصر ذهن انسان الهام گرفتند.

در این زمان ایده آل یک فرد فعال و با اراده شکل می گیرد و به طرق مختلف تجلی می یابد. او کنجکاو است، سرشار از میل به ناشناخته ها است، او حس زیبایی دارد.

رنسانس ایده ذهن انسان، توانایی آن در شناخت جهان را به سطح بالایی ارتقا داد. رشد سریع علم از ویژگی های این دوره است. اومانیست ها در جست و جوی آرمان، توجه ویژه ای به تاریخ بشر داشتند. معلوم شد که فرهنگ باستانی نزدیکترین به آرزوهای آنها بوده است.

بسیاری از تحصیلکردگان آن زمان نسبت به دین بی تفاوتی نشان می دادند. و اگرچه هنرمندان عمدتاً بر روی مضامین مذهبی نقاشی می‌کردند، اما در تصاویر مذهبی بیانی شاعرانه از تجربه زندگی مردم که در طول قرن‌ها انباشته شده بود مشاهده کردند. آنها اسطوره های قدیمی مسیحی را با محتوای زندگی جدید پر کردند.

در بین تمام زمینه های فرهنگی، هنر در ایتالیا جایگاه اول را به خود اختصاص داد. این بیان خلاق طبیعی مردم آن زمان بود.

هدف هنر رنسانس، مانند هنر دوران پیشین، ارائه ایده ای از ساختار جهان، زمینی و آسمانی بود. چیزی که جدید بود این بود که ایده های خدا و قدرت های آسمانی دیگر به عنوان یک راز ترسناک غیرقابل درک تعبیر نمی شود و مهمتر از همه این که این هنر به واسطه ذهن و توانایی های خلاقانه او با ایمان به انسان آغشته شده است.

زندگی رنسانس ارتباط تنگاتنگی با هنر داشت. این بخش جدایی ناپذیر آن بود، نه تنها به عنوان یک موضوع تفکر، بلکه به عنوان کار و خلاقیت. هنر، همانطور که بود، نه تنها به دنبال پر کردن کلیساها و کاخ ها بود، بلکه به دنبال یافتن مکانی برای خود در میدان های شهر، تقاطع خیابان ها، در نمای خانه ها و در فضای داخلی آنها بود. به سختی می توان فردی را بی تفاوت نسبت به هنر پیدا کرد. شاهزادگان، بازرگانان، پیشه وران، روحانیون، راهبان غالباً افرادی آگاه در هنر، مشتریان و حامیان هنرمندان بودند. سخاوت حامیان با عطش خود بزرگ بینی دامن می زد.

توسعه هنر با این واقعیت که ثروت به سرعت در شهرهای بزرگ انباشته شد بسیار تسهیل شد. اما موفقیت آسان حتی مشتاق ترین هنرمندان را برای شهرت و سود خراب نکرد، زیرا پایه های سخت سازمان صنفی کار هنری هنوز قوی بود. جوانان با کار به عنوان دستیار استاد بالغ آموزش دیدند. بنابراین بسیاری از هنرمندان هنر را به خوبی می دانستند. آثار هنری قرن پانزدهم. با دقت و عشق انجام شد حتی در مواردی که آنها نشانی از استعداد یا نبوغ ندارند، ما همیشه توسط صنعتگری خوب تحسین می شویم.

از میان همه هنرها، جایگاه اول به هنرهای زیبا و معماری تعلق داشت. جای تعجب نیست که نام نقاشان بزرگ قرن پانزدهم. برای هر فرد تحصیلکرده ای شناخته شده است.

رنسانس چندین قرن را در بر گرفت. قدمت مراحل اولیه آن در ایتالیا به نیمه اول قرن پانزدهم برمی گردد، اما با کل دوره توسعه هنر در نیمه دوم قرن های 13-14 آماده شد.

فلورانس زادگاه رنسانس شد. "پدران" رنسانس نقاش Masaccio، مجسمه ساز Donatello، معمار F. Brunelleschi نامیده می شوند. هر کدام به شیوه خود، اما با هم پایه های هنری جدیدی را بنا می کنند. ماساچیو در حدود 25 سالگی شروع به نقاشی کلیسای برانکاچی در کلیسای سانتا ماریا دل کارمین در فلورانس کرد. تصاویری که او خلق کرده سرشار از کرامت انسانی است که دارای قدرت بدنی و زیبایی است. ابزار هنری اصلی Masaccio یک کیاروسکورو قدرتمند است که درک پیشرفته ای از حجم دارد. این هنرمند قبل از رسیدن به سن 30 سالگی درگذشت، اما شاگردان و پیروان او به جستجوی چیزهای جدید در زمینه نقاشی یادگاری، پرسپکتیو، رنگ ادامه دادند.

در هنر ایتالیایی قرن پانزدهم. درک خاصی از حقیقت هنری ایجاد می شود. نقاشان همچنان موضوعات خود را از افسانه های کلیسا ترسیم می کنند، دیوارهای کلیساها منحصراً با صحنه های کتاب مقدس تزئین شده است، اما این صحنه ها به میدان ها و خیابان های شهرهای ایتالیا منتقل می شود و گویی در مقابل چشمان معاصران اتفاق می افتد و به لطف این، زندگی روزمره به خودی خود یک ویژگی تاریخی والا پیدا می کند. هنرمندان شامل پرتره های مشتریان و حتی خودنگاره در صحنه های افسانه ای می شوند. گاهی اوقات خیابان هایی با رهگذران معمولی، میدان هایی با جمعیت پر سر و صدا، افرادی با لباس های مدرن در کنار افراد مقدس وارد ترکیب زیبا می شوند.

وجه تمایز اصلی نقاشی به یک دیدگاه مبتنی بر علمی تبدیل شده است. هنرمندان به عنوان یک کشف به او افتخار می کردند و پیشینیان خود را که او را نمی شناختند تحقیر می کردند. آنها می توانستند ترکیبات پیچیده و چند شکلی را در فضای سه بعدی با دقت ریاضی بسازند. درست است، نقاشان فلورانسی خود را به چشم انداز خطی محدود کردند و به سختی به نقش محیط هوا توجه کردند. با این حال، اهمیت تاریخی کشف پرسپکتیو بسیار زیاد بود. در دستان نقاشان بزرگ، به ابزار هنری قدرتمندی تبدیل شد، به گسترش دامنه پدیده های موضوع تجسم هنری کمک کرد و فضا، منظره و معماری را در نقاشی گنجاند.

نقاشی ایتالیایی قرن پانزدهم - عمدتاً به یاد ماندنی با استفاده از تکنیک فرسکو بر روی دیوارها اجرا شد و طبیعتاً برای درک از دور طراحی شده بود. استادان ایتالیایی توانستند به تصاویر خود شخصیتی کلی بدهند. آنها چیزهای جزئی و جزیی را کنار گذاشتند و به جهان از چشم افرادی نگاه کردند که می توانند ماهیت یک شخص را در ژست، حرکت بدن، وضعیت بدن او ببینند.

بنیانگذار مجسمه سازی رنسانس دوناتلو بود. یکی از شایستگی های اصلی او احیای مجسمه به اصطلاح گرد است که پایه و اساس توسعه مجسمه سازی در دوران بعدی را ایجاد کرد. بالغ ترین اثر دوناتلو مجسمه داوود (فلورانس) است.

برونلسکی نقش تعیین کننده ای در توسعه معماری رنسانس ایفا کرد. او درک باستانی معماری را احیا می کند، بدون اینکه همزمان میراث قرون وسطایی را رها کند.

برونلسکی نظم را احیا کرد، اهمیت تناسبات را مطرح کرد و آنها را اساس معماری جدید قرار داد. برای انجام همه اینها، مطالعه ویرانه‌های رومی که با دقت اندازه‌گیری و با عشق از آن کپی می‌کرد به او کمک کرد. اما این یک تقلید کورکورانه از دوران باستان نبود. در ساختمان های ساخته شده توسط برونلسکی (یتیم خانه، کلیسای کوچک پازی در فلورانس و غیره)، معماری مملو از آن معنویت است که برای قدیمی ها ناشناخته بود.

ایتالیایی ها علاقه زیادی به تناسب در هنر، در درجه اول در معماری داشتند. خلقت آنها بیننده را با تناسب فرم ها خوشحال می کند. دیدن کلیسای جامع گوتیک در حال حاضر به دلیل اندازه غول پیکر آن دشوار است. به نظر می رسد که ساختمان های رنسانس با یک نگاه در آغوش گرفته می شوند، که این امکان را فراهم می کند تا تناسب شگفت انگیز قطعات آنها را درک کنیم.

ماساچیو، دوناتلو، برونلسکی در تلاش خود تنها نبودند. در عین حال هنرمندان ممتاز زیادی با آنها کار کردند. نسل بعدی هنرمندان رنسانس در نیمه دوم قرن پانزدهم. هنر جدید را غنی می کند و اشاعه گسترده آن را ترویج می کند. علاوه بر فلورانس، جایی که S. Botticelli مهمترین استاد آن زمان بود، مراکز هنری جدید و مدارس محلی اومبریا، شمال ایتالیا و ونیز به وجود آمدند. استادان بزرگی مانند آنتونلو دا مسینا، آ. مانتگنا، جیووانی بلینی و بسیاری دیگر در اینجا کار کردند.

بناهای تاریخی ایجاد شده در ایتالیا در اواخر قرن 15-16 با کمال و بلوغ متمایز می شوند. این دوره از بالاترین شکوفایی هنر ایتالیایی معمولاً رنسانس عالی نامیده می شود. در میان ارتش بی شمار استادان با استعداد در این زمان، کسانی هستند که به حق نابغه خوانده می شوند. اینها لئوناردو داوینچی، رافائل سانتی، D. Bramante، Michelangelo Buonarroti، Giorgione، Titian، A. Palladio عمل تا حدودی بعد. تاریخ این دوره تا حد زیادی تاریخ کار این استادان است.

دو سوم آخر قرن شانزدهم به نام اواخر رنسانس. این دوره افزایش واکنش فئودالی است. کلیسای کاتولیک مبارزاتی را علیه اومانیسم در تمام مظاهر آن اعلام می کند. بحران هنر را نیز فراگرفت. هنرمندان، به عنوان یک قاعده، خود را به وام گرفتن انگیزه ها و تکنیک های استادان بزرگ محدود می کنند. پیچیدگی، تیزبینی، ظرافت در آثارشان زیاد است، اما گاهی اوقات تلخی، بی تفاوتی از راه می رسد، فاقد گرما و طبیعت است. در پایان قرن شانزدهم. بحران در حال تشدید است. هنر منظم تر، درباری تر می شود. و در آن زمان هنرمندان بزرگی کار می کردند - تیتیان، تینتورتو، اما آنها تنها افراد بزرگی بودند.

البته بحران فرهنگ رنسانس به معنای از بین رفتن میراث رنسانس نبود. همچنان به عنوان نمونه و معیار فرهنگ عمل می کند. تأثیر هنر رنسانس ایتالیا بسیار زیاد است. در فرانسه، اسپانیا، آلمان، انگلیس، روسیه واکنش نشان می دهد.

در هلند، فرانسه و آلمان، قرن های 15 تا 16 میلادی نیز با ظهور هنر، به ویژه نقاشی، مشخص شد. این دوره به اصطلاح رنسانس شمالی است.

قبلاً در قرن های XIII-XIV. تجارت آزاد و شهرهای صنایع دستی در اینجا توسعه یافته اند، تجارت در حال توسعه است. در پایان قرن پانزدهم. مراکز فرهنگی شمال در حال تقویت روابط خود با ایتالیا هستند. هنرمندان در اینجا الگوهای خود را پیدا کردند. اما حتی در خود ایتالیا نیز استادان هلندی کار می کردند و ارزش زیادی داشتند. ایتالیایی‌ها به‌ویژه توسط نقاشی‌های رنگ روغن و نقش‌های چوبی جدید جذب شدند.

تأثیر متقابل اصالتی را که هنر رنسانس شمالی را متمایز می کند، کنار نمی گذارد. در اینجا، سنت های قدیمی هنر گوتیک به شدت حفظ شده است. مبارزه برای آرمان های اومانیستی در این کشورها شدیدتر بود. جنگ دهقانان در آلمان در آغاز قرن شانزدهم، که کل اروپای غربی را برانگیخت، به این واقعیت کمک کرد که هنر در شمال تأثیر قابل توجهی از مردم به دست آورد. رنسانس ایتالیایی و شمالی، با همه تفاوت‌هایشان، گویی دو کانال از یک جریان هستند.

بزرگترین نقاش هلندی قرن پانزدهم. - یان ون آیک. استادان واقعاً با استعدادی روژیر ون در ویدن، هوگو ون در گوس، مملینگ، لوک از لیدن بودند. اثر پیتر بروگل بزرگ اوج هنر رنسانس شمالی در اواسط قرن شانزدهم است.

در آلمان، بزرگترین نماینده رنسانس آلمان آلبرشت دورر بود. اما نه تنها. هنرمندان برجسته ای مانند ماتیس نیتارد، لوکاس کراناخ بزرگ، هانس هولبین جوان و دیگران در اینجا کار کردند.

انقلابی که در رنسانس در زمینه فرهنگ و هنر معنوی ایجاد شد از اهمیت تاریخی بالایی برخوردار بود. هرگز در اروپای غربی هنر چنین جایگاه برجسته ای در جامعه نداشته است. طی سه قرن بعد، هنر اروپایی بر اساس اصولی که هنرمندان رنسانس به تصویب رساندند و مشروعیت یافتند، توسعه یافت. هنر رنسانس حتی امروز نیز قدرت جذاب خود را حفظ کرده است.

مردم اروپا به دنبال احیای گنجینه ها و سنت های از دست رفته در اثر جنگ های نابودی بی پایان بودند. جنگ ها مردم را از روی زمین دور کردند و چیزهای بزرگی را که مردم خلق کردند. ایده احیای تمدن والای دنیای باستان باعث تولد فلسفه، ادبیات، موسیقی، ظهور علوم طبیعی و بالاتر از همه، شکوفایی هنر شد. آن دوره افراد قوی و تحصیل کرده ای را می طلبید که از هیچ کاری نترسیدند. در میان آنها بود که ظهور آن معدود نابغه هایی که «تیتان های رنسانس» نامیده می شوند ممکن شد. آنهایی را که فقط با نام کوچک صدا می زنیم.

رنسانس در درجه اول ایتالیایی بود. بنابراین، جای تعجب نیست که در ایتالیا بود که هنر در این دوره به بالاترین رشد و شکوفایی خود رسید. اینجاست که ده ها نام از تایتان ها، نابغه ها، هنرمندان بزرگ و ساده وجود دارد.

موزیک لئوناردو.

چه مرد خوش شانسی! بسیاری در مورد او خواهند گفت. او دارای سلامتی نادر، خوش تیپ، قدبلند، چشم آبی بود. او در جوانی فرهای بلوند می پوشید، با قامتی مغرور که یادآور سنت جورج دوناتلا بود. او دارای قدرت ناشناخته و شجاعانه، قدرت مردانه بود. او فوق العاده می خواند، در مقابل تماشاگران ملودی و اشعار می ساخت. او هر آلات موسیقی را می نواخت، علاوه بر این، خودش آنها را خلق کرد.

برای هنر لئوناردو داوینچی، معاصران و بازماندگان هرگز تعاریفی جز «درخشان»، «الهی»، «عالی» پیدا نکردند. همین کلمات در مورد مکاشفات علمی او نیز صدق می کند: او یک تانک، یک بیل مکانیکی، یک هلیکوپتر، یک زیردریایی، یک چتر نجات، یک سلاح خودکار، یک کلاه ایمنی غواصی، یک آسانسور اختراع کرد، سخت ترین مشکلات آکوستیک، گیاه شناسی، پزشکی، کیهان شناسی را حل کرد. ، پروژه ای برای یک تئاتر گرد ایجاد کرد، یک قرن زودتر از گالیله، پاندول ساعت، اسکی روی آب فعلی را ترسیم کرد، نظریه مکانیک را توسعه داد.

چه مرد خوش شانسی! - بسیاری در مورد او خواهند گفت و شروع به یادآوری شاهزادگان و پادشاهان محبوبش می کنند که به دنبال آشنایی با او بودند، عینک ها و تعطیلاتی که او به عنوان یک هنرمند، نمایشنامه نویس، بازیگر، معمار اختراع کرد و مانند یک کودک با آنها سرگرم شد.

اما آیا لئوناردوی خستگی ناپذیر جگر درازی که هر روزش به مردم و جهان مشیت و بصیرت می بخشید، خوشحال بود؟ او سرنوشت وحشتناک مخلوقات خود را پیش بینی کرد: تخریب "شام آخر" ، تیراندازی به بنای یادبود فرانچسکا اسفورزا ، تجارت کم و دزدی شرورانه از خاطرات او ، کتاب های کار. در مجموع، تنها شانزده نقاشی تا به امروز باقی مانده است. تعداد کمی مجسمه اما بسیاری از نقاشی ها، نقشه های رمزگذاری شده: مانند قهرمانان داستان های علمی تخیلی مدرن، او جزئیات را در طراحی خود تغییر داد، گویی به طوری که دیگری نمی تواند از آن استفاده کند.

لئوناردو داوینچی در انواع و ژانرهای هنری کار کرد، اما نقاشی بیشترین شهرت را برای او به ارمغان آورد.

یکی از اولین نقاشی های لئوناردو مدونا با گل یا بنوا مدونا است. در حال حاضر در اینجا هنرمند به عنوان یک مبتکر واقعی ظاهر می شود. او بر مرزهای طرح سنتی غلبه می کند و به تصویر معنایی گسترده تر و جهانی می بخشد که شادی و عشق مادرانه است. در این اثر، بسیاری از ویژگی های هنر هنرمند به وضوح متجلی شد: ترکیب واضح فیگورها و حجم فرم ها، میل به اختصار و تعمیم، و بیان روانی.

نقاشی "Madonna Litta" ادامه موضوع آغاز شده بود، جایی که یکی دیگر از ویژگی های کار هنرمند به وضوح آشکار شد - بازی بر روی کنتراست. موضوع با نقاشی "Madonna in the Grotto" تکمیل شد که راه حل ترکیبی ایده آل را نشان می دهد که به لطف آن چهره های تصویر شده مدونا، مسیح و فرشتگان با منظره در یک کل واحد ادغام می شوند که دارای تعادل و هماهنگی آرام است.

یکی از اوج کارهای لئوناردو، نقاشی دیواری شام آخر در سفره خانه صومعه سانتا ماریا دلا گرازیه است. این اثر نه تنها با ترکیب کلی خود، بلکه با دقت آن نیز تحت تأثیر قرار می گیرد. لئوناردو نه تنها حالات روانی رسولان را منتقل می کند، بلکه این کار را در لحظه ای انجام می دهد که به نقطه بحرانی می رسد، تبدیل به یک انفجار و درگیری روانی می شود. این انفجار ناشی از سخنان مسیح است: "یکی از شما به من خیانت خواهد کرد." لئوناردو در این اثر از روش کنار هم قرار دادن انضمامی فیگورها استفاده کامل کرد که به لطف آن هر شخصیت به عنوان فردیت و شخصیت منحصر به فرد ظاهر می شود.

دومین اوج کار لئونارد، پرتره معروف مونالیزا یا "لا جوکوندا" بود. این اثر پایه و اساس ژانر پرتره روانشناختی را در هنر اروپا گذاشت. هنگام ایجاد آن، استاد بزرگ به طرز درخشانی از کل زرادخانه ابزار بیان هنری استفاده کرد: تضادهای تیز و ته رنگ های ملایم، بی حرکتی یخ زده و سیالیت و تنوع کلی، ظریف ترین تفاوت های ظریف روانی و انتقال. تمام نبوغ لئوناردو در نگاه پر جنب و جوش مونالیزا نهفته است، لبخند مرموز و مرموز او، مه عرفانی که چشم انداز را پوشانده است. این اثر یکی از کم نظیرترین شاهکارهای هنری است.

همه کسانی که جوکوندای آورده شده از موزه لوور مسکو را دیدند، دقایق ناشنوایی کامل خود را در نزدیکی این بوم کوچک به یاد می آورند، تنش تمام بهترین ها در خود. به نظر می رسید جوکوندا یک "مریخی" است، نماینده ناشناخته ها - این باید آینده باشد، نه گذشته قبیله انسان، تجسم هماهنگی، که جهان از رویاپردازی در مورد آن خسته نشده و هرگز خسته نخواهد شد. .

در مورد او چیزهای زیادی برای گفتن وجود دارد. تعجب می کنم که این تخیلی یا تخیلی نیست. در اینجا، برای مثال، می‌توانیم به یاد بیاوریم که او چگونه پیشنهاد کرد کلیسای جامع سن جیووانی را جابجا کند - چنین کاری ما، ساکنان قرن بیستم را شگفت‌زده می‌کند.

لئوناردو می‌گوید: «یک هنرمند خوب باید بتواند دو چیز اصلی را نقاشی کند: یک شخص و یک نمایش روحش. یا در مورد "کلمباین" از ارمیتاژ سن پترزبورگ گفته شده است؟ برخی از محققان آن را، و نه بوم لوور، "La Gioconda" می نامند.

ناردو پسر، نامش در وینچی این بود: پسر نامشروع یک دفتردار اسناد رسمی، که پرندگان و اسب ها را بهترین موجودات روی زمین می دانست. محبوب همه و تنها، شمشیرهای فولادی را خم می کند و مردان حلق آویز می کشد. پلی بر روی تنگه بسفر و شهری ایده آل اختراع کرد که زیباتر از کوربوزیه و نیمایر بود. آواز خواندن با صدای باریتون ملایم و لبخند زدن مونالیزا. این مرد خوش شانس در یکی از آخرین دفترهای یادداشت خود نوشت: به نظرم می آمد زندگی کردن را یاد می گرفتم اما مردن را یاد می گرفتم. با این حال، او سپس آن را خلاصه کرد: "یک زندگی خوب، یک زندگی طولانی است."

آیا می توان با لئوناردو مخالفت کرد؟

ساندرو بوتیچلی.

ساندرو بوتیچلی در سال 1445 در فلورانس در خانواده یک چرم‌ساز به دنیا آمد.

اولین اثر اصلی بوتیچلی، ستایش مغان (حدود 1740) در نظر گرفته می شود، جایی که ویژگی اصلی شیوه اصلی او، رویاپردازی و شعر لطیف، قبلاً کاملاً تحت تأثیر قرار گرفته است. او دارای حس ذاتی شعر بود، اما لمس واضحی از اندوه متفکرانه به معنای واقعی کلمه در همه چیز در او می درخشید. حتی سنت سباستین که از تیرهای شکنجه گران خود عذاب می‌کشد، متفکرانه و جدا به او نگاه می‌کند.

در اواخر دهه 1470، بوتیچلی به حلقه حاکم واقعی فلورانس، لورنزو مدیچی، ملقب به باشکوه نزدیک شد. در باغ‌های مجلل لورنزو، جامعه‌ای از مردم جمع شده بودند که احتمالاً روشن‌فکرترین و با استعدادترین افراد در فلورانس بودند. فیلسوفان، شاعران، موسیقی دانان بودند. فضای تحسین زیبایی حاکم بود و نه تنها به زیبایی هنر، بلکه زیبایی زندگی نیز ارج نهاده شد. با این حال، دوران باستان که از طریق منشور لایه های فلسفی بعدی درک می شد، نمونه اولیه هنر ایده آل و زندگی ایده آل در نظر گرفته می شد. بدون شک تحت تأثیر این فضا اولین تابلوی بزرگ بوتیچلی «پریماورا (بهار)» خلق شد. این یک تمثیل رویایی، تصفیه شده، به طرز شگفت انگیزی از چرخه ابدی، تجدید دائمی طبیعت است. پیچیده ترین و عجیب ترین ریتم موسیقی در آن نفوذ می کند. پیکره فلور، تزئین شده با گل، رقصان در باغ عدن، تصاویری از زیبایی بود که در آن زمان هنوز دیده نشده بود و بنابراین تأثیر خاصی را ایجاد کرد. بوتیچلی جوان بلافاصله جایگاه برجسته ای در بین استادان زمان خود گرفت.

این شهرت بالای نقاش جوان بود که او را برای سفارش نقاشی های دیواری کتاب مقدس برای کلیسای سیستین واتیکان، که در اوایل دهه 1480 در رم خلق کرد، تضمین کرد. او "صحنه هایی از زندگی موسی"، "مجازات کوره، داتان و آویرون" را نقاشی کرد و مهارت ترکیب بندی شگفت انگیزی را نشان داد. آرامش کلاسیک ساختمان‌های باستانی، که بوتیچلی کنش را در برابر آنها آشکار می‌کند، به شدت با ریتم دراماتیک شخصیت‌ها و احساسات به تصویر کشیده شده در تضاد است. حرکت بدن انسان پیچیده، پیچیده، اشباع از قدرت انفجاری است. احساس می شود که هماهنگی متزلزل، بی دفاعی از جهان مرئی در برابر هجوم سریع زمان و اراده انسان وجود دارد. نقاشی های دیواری کلیسای سیستین برای اولین بار بیانگر اضطراب عمیقی بود که در روح بوتیچلی وجود داشت و با گذشت زمان قوی تر شد. استعداد شگفت انگیز بوتیچلی به عنوان یک نقاش پرتره در این نقاشی های دیواری منعکس شد: هر یک از بسیاری از چهره های نقاشی شده کاملاً اصلی، منحصر به فرد و فراموش نشدنی است ...

در دهه 1480، با بازگشت به فلورانس، بوتیچلی خستگی ناپذیر به کار خود ادامه داد، اما وضوح آرام "نمونه ها" از قبل بسیار عقب بود. در اواسط دهه، او تولد زهره معروف خود را نوشت. محققان در آثار متأخر استاد به اخلاق گرایی اشاره می کنند، تعالی مذهبی که قبلاً برای او غیرعادی بود.

شاید مهم‌تر از نقاشی‌های متاخر، طراحی‌های بوتیچلی در دهه 90، تصاویری برای کمدی الهی دانته هستند. او با لذت آشکار و پنهان نقاشی می کرد. بینش های شاعر بزرگ با کمال تناسبات چهره های متعدد، سازماندهی متفکرانه فضا، تدبیر پایان ناپذیر در جستجوی معادل های بصری کلمه شاعرانه، عاشقانه و با دقت منتقل می شود.

بوتیچلی علیرغم هر طوفان و بحران روانی تا پایان (او در سال 1510 درگذشت) هنرمندی بزرگ و استاد هنر خود باقی ماند. این به وضوح با الگوبرداری نجیب چهره در "پرتره یک مرد جوان"، شخصیت پردازی رسا مدل، نشان می دهد که هیچ شکی در کرامت انسانی والای او، طراحی محکم استاد و نگاه خیرخواهانه او باقی نمی گذارد.

رنسانس یک پدیده خارق العاده در تاریخ بشریت است. هرگز چنین درخشش درخشانی در عرصه هنر وجود نداشته است. مجسمه سازان، معماران و هنرمندان رنسانس (فهرست طولانی است، اما ما به معروف ترین آنها خواهیم پرداخت) که نام آنها برای همه شناخته شده است، جهان را گرانبها کردند. افراد منحصر به فرد و استثنایی نه در یک زمینه، بلکه در چندین زمینه خود را نشان دادند. فورا.

نقاشی اوایل رنسانس

رنسانس یک چارچوب زمانی نسبی دارد. اولین بار در ایتالیا آغاز شد - 1420-1500. در این زمان نقاشی و به طور کلی همه هنرها تفاوت چندانی با گذشته نزدیک ندارد. با این حال، عناصر وام گرفته شده از دوران باستان کلاسیک برای اولین بار ظاهر می شوند. و تنها در سالهای بعد، مجسمه سازان، معماران و هنرمندان رنسانس (فهرست آنها بسیار بزرگ است)، تحت تأثیر شرایط زندگی مدرن و روندهای مترقی، سرانجام پایه های قرون وسطی را رها می کنند. آنها جسورانه بهترین نمونه های هنر باستانی را برای آثار خود، چه به طور کلی و چه در جزئیات فردی، اتخاذ می کنند. نام آنها برای بسیاری شناخته شده است، بیایید روی درخشان ترین شخصیت ها تمرکز کنیم.

ماساچیو - نابغه نقاشی اروپایی

این او بود که سهم بزرگی در توسعه نقاشی کرد و به یک مصلح بزرگ تبدیل شد. استاد فلورانسی در سال 1401 در خانواده ای هنرمند به دنیا آمد، بنابراین حس ذوق و میل به خلق در خون او بود. در سن 16-17 سالگی به فلورانس نقل مکان کرد و در آنجا در کارگاه ها کار کرد. دوناتلو و برونلسکی، مجسمه سازان و معماران بزرگ، معلمان او محسوب می شوند. ارتباط با آنها و مهارت های به دست آمده نمی تواند تأثیری بر نقاش جوان نداشته باشد. از ابتدا، ماساچیو درک جدیدی از شخصیت انسان، مشخصه مجسمه سازی، به عاریت گرفت. در استاد دوم - اساس محققان سه‌گانه سن جیووناله (در عکس اول) را اولین اثر قابل اعتماد می‌دانند که در کلیسای کوچکی در نزدیکی شهری که ماساچیو در آن متولد شده بود کشف شد. اثر اصلی نقاشی های دیواری است که به تاریخ زندگی سنت پیتر اختصاص یافته است. این هنرمند در ساخت شش مورد از آنها شرکت کرد که عبارتند از: "معجزه با استاتر"، "اخراج از بهشت"، "تعمید نیوفیت ها"، "توزیع اموال و مرگ حانیا"، "رستاخیز". از پسر تئوفیلوس، «سنت پیتر با سایه خود بیماران را شفا می دهد» و «سنت پیتر در منبر».

هنرمندان ایتالیایی رنسانس افرادی هستند که تماماً خود را وقف هنر کرده‌اند و به مشکلات معمولی روزمره که گاهی آنها را به زندگی فقیرانه می‌کشاند توجهی نمی‌کنند. ماساچیو از این قاعده مستثنی نیست: استاد درخشان خیلی زود در سن 27-28 سالگی درگذشت و کارهای بزرگ و تعداد زیادی بدهی را پشت سر گذاشت.

آندره آ مانتگنا (1431-1506)

این نماینده مکتب نقاشان پادوآ است. او اصول اولیه مهارت را از پدر خوانده اش دریافت کرد. این سبک تحت تأثیر آثار Masaccio، Andrea del Castagno، Donatello و نقاشی ونیزی شکل گرفت. این امر رفتار تا حدودی خشن و خشن آندره آ مانتنیا را در مقایسه با فلورانسی ها مشخص کرد. وی گردآورنده و آگاه آثار فرهنگی دوره باستان بود. به لطف سبک خود، برخلاف سایرین، او به عنوان یک مبتکر مشهور شد. معروف ترین آثار او عبارتند از: «مسیح مرده»، «پیروزی سزار»، «جودیت»، «نبرد خدایان دریا»، «پارناسوس» (تصویر) و .... از سال 1460 تا زمان مرگش به عنوان نقاش درباری در خانواده دوک های گونزاگا مشغول به کار شد.

ساندرو بوتیچلی (1445-1510)

بوتیچلی یک نام مستعار است، نام اصلی فیلیپی پی است. او بلافاصله راه یک هنرمند را انتخاب نکرد، اما در ابتدا به تحصیل جواهرات پرداخت. در اولین آثار مستقل (چند مدونا) تأثیر ماساچیو و لیپی محسوس است. در آینده، او همچنین خود را به عنوان یک نقاش پرتره تجلیل کرد، بخش عمده ای از سفارشات از فلورانس بود. ماهیت تصفیه شده و تصفیه شده کار او با عناصر سبک سازی (تعمیم تصاویر با استفاده از تکنیک های مرسوم - سادگی فرم، رنگ، حجم) او را از دیگر استادان آن زمان متمایز می کند. معاصر لئوناردو داوینچی و میکل آنژ جوان اثر درخشانی در هنر جهانی به جا گذاشت ("تولد زهره" (عکس)، "بهار"، "ستایش مجوس"، "زهره و مریخ"، "کریسمس" و غیره .). نقاشی او صمیمانه و حساس و مسیر زندگی او پیچیده و تراژیک است. عرفان و اعتلای دینی در سنین جوانی جای خود را به درک عاشقانه از جهان گرفت. ساندرو بوتیچلی در آخرین سال های زندگی خود در فقر و فراموشی زندگی کرد.

پیرو (پیترو) دلا فرانچسکا (1420-1492)

یک نقاش ایتالیایی و یکی دیگر از نمایندگان اوایل رنسانس، اصالتاً اهل توسکانی. سبک نویسنده تحت تأثیر مکتب نقاشی فلورانس شکل گرفت. علاوه بر استعداد این هنرمند، پیرو دلا فرانچسکا توانایی های برجسته ای در زمینه ریاضیات داشت و سال های آخر زندگی خود را وقف او کرد و سعی کرد او را با هنر عالی پیوند دهد. حاصل آن دو رساله علمی بود: «درباره دیدگاه در نقاشی» و «کتاب پنج جامد صحیح». سبک او با وقار، هماهنگی و اشراف تصاویر، تعادل ترکیبی، خطوط و ساختار دقیق، طیف ملایم رنگ ها متمایز است. پیرو دلا فرانچسکا دانش شگفت انگیزی از جنبه فنی نقاشی و ویژگی های پرسپکتیو آن زمان داشت که باعث شد اعتبار بالایی در بین معاصرانش به ارمغان آورد. معروف ترین آثار: "تاریخ ملکه سبا"، "تاژک زدن مسیح" (تصویر)، "محراب مونتفلترو" و غیره.

نقاشی رنسانس بالا

اگر دوره رنسانس اولیه و اوایل به ترتیب تقریباً یک قرن و نیم و یک قرن به طول انجامید، پس این دوره فقط چند دهه را در بر می گیرد (در ایتالیا از 1500 تا 1527). این یک درخشش درخشان و خیره کننده بود که کل کهکشانی از مردم بزرگ، همه کاره و درخشان را به جهان هدیه داد. همه شاخه های هنر دست به دست هم دادند، بنابراین بسیاری از استادان نیز دانشمند، مجسمه ساز، مخترع هستند و نه فقط هنرمندان رنسانس. این فهرست طولانی است، اما اوج رنسانس با آثار L. da Vinci، M. Buanarotti و R. Santi مشخص شد.

نابغه خارق العاده داوینچی

شاید این فوق العاده ترین و برجسته ترین شخصیت در تاریخ فرهنگ هنری جهان باشد. او فردی جهانی به معنای کامل کلمه بود و دارای همه فن حریف ترین دانش ها و استعدادها بود. هنرمند، مجسمه ساز، نظریه پرداز هنر، ریاضیدان، معمار، آناتومیست، ستاره شناس، فیزیکدان و مهندس - همه اینها درباره اوست. علاوه بر این، در هر یک از مناطق، لئوناردو داوینچی (1452-1519) خود را به عنوان یک مبتکر نشان داد. تاکنون تنها 15 نقاشی از او و همچنین طرح‌های بسیاری باقی مانده است. او با داشتن نشاط فوق العاده و تشنگی برای دانش، بی تاب بود، او مجذوب فرآیند دانش بود. در سن بسیار کم (20 ساله) به عنوان استاد انجمن سنت لوک صلاحیت شد. مهمترین آثار او نقاشی دیواری "شام آخر"، نقاشی "مونالیزا"، "مدونا بنوا" (تصویر بالا)، "بانوی ارمینه" و غیره بودند.

پرتره های هنرمندان دوره رنسانس نادر است. آنها ترجیح می دادند تصاویر خود را در نقاشی هایی با چهره های متعدد به جا بگذارند. بنابراین، پیرامون سلف پرتره داوینچی (تصویر)، اختلافات تا به امروز فروکش نکرده است. نسخه هایی ارائه می شود که او آن را در 60 سالگی ساخته است. به گفته وازاری، زندگی نامه نویس، هنرمند و نویسنده، استاد بزرگ در آغوش دوست صمیمی خود، پادشاه فرانسیس اول، در قلعه کلوس لوس خود در حال مرگ بود.

رافائل سانتی (1483-1520)

هنرمند و معمار اصالتا اهل اوربینو. نام او در هنر همیشه با ایده زیبایی عالی و هماهنگی طبیعی همراه است. او برای یک زندگی نسبتاً کوتاه (37 سال)، بسیاری از نقاشی‌ها، نقاشی‌های دیواری و پرتره‌های مشهور جهان را خلق کرد. طرح هایی که او به تصویر کشیده است بسیار متنوع است، اما او همیشه توسط تصویر مادر خدا جذب می شد. کاملاً موجه رافائل "استاد مدونا" نامیده می شود ، آنهایی که او در رم نقاشی کرده است به ویژه مشهور هستند. در واتیکان، او از سال 1508 تا پایان عمر خود به عنوان یک هنرمند رسمی در دربار پاپ کار کرد.

رافائل، مانند بسیاری دیگر از هنرمندان بزرگ رنسانس، کاملاً با استعداد بود، همچنین یک معمار بود و همچنین در کاوش‌های باستان‌شناسی مشغول بود. طبق یک نسخه، آخرین سرگرمی در ارتباط مستقیم با مرگ زودرس است. احتمالاً او در حین حفاری به تب رومی مبتلا شده است. استاد بزرگ در پانتئون به خاک سپرده شده است. عکس مربوط به سلف پرتره اوست.

میکل آنژ بوآناروتی (1475-1564)

پیرمرد دراز 70 ساله این مرد باهوش بود، او خلاقیت های فنا ناپذیر نه تنها نقاشی، بلکه مجسمه سازی را نیز به فرزندان خود واگذار کرد. مانند دیگر هنرمندان بزرگ رنسانس، میکل آنژ در دورانی پر از حوادث و تحولات تاریخی زندگی می کرد. هنر او نت پایانی زیبای کل رنسانس است.

استاد مجسمه سازی را بالاتر از همه هنرها قرار داد، اما به اراده سرنوشت او به یک نقاش و معمار برجسته تبدیل شد. جاه طلبانه ترین و غیرمعمول ترین اثر او نقاشی (تصویر) در قصر در واتیکان است. مساحت نقاشی دیواری بیش از 600 متر مربع است و شامل 300 پیکره انسانی است. چشمگیرترین و آشناترین صحنه، صحنه قضاوت آخر است.

هنرمندان ایتالیایی دوره رنسانس استعدادهای چندوجهی بودند. بنابراین، کمتر کسی می داند که میکل آنژ شاعر بزرگی نیز بوده است. این وجه نبوغ او در اواخر عمر به طور کامل نمایان شد. حدود 300 شعر تا به امروز باقی مانده است.

نقاشی اواخر رنسانس

دوره پایانی دوره زمانی از 1530 تا 1590-1620 را در بر می گیرد. طبق دایره المعارف بریتانیکا، رنسانس به عنوان یک دوره تاریخی با سقوط روم در سال 1527 پایان یافت. تقریباً در همان زمان، ضد اصلاحات در جنوب اروپا پیروز شد. جریان کاتولیک به هر آزاد اندیشی، از جمله سرود زیبایی بدن انسان و رستاخیز هنر دوره باستان - یعنی هر آنچه که ستون رنسانس بود - با دلهره می نگریست. این منجر به یک روند خاص - رفتارگرایی شد که با از بین رفتن هماهنگی بین روحی و جسمی، انسان و طبیعت مشخص می شود. اما حتی در این دوران سخت، برخی از هنرمندان مشهور رنسانس شاهکارهای خود را خلق کردند. از جمله آنتونیو دا کورجو، (که بنیانگذار کلاسیک گرایی و پالادیانیسم به حساب می آید) و تیتیان.

تیتان وچلیو (1488-1490 - 1676)

او به درستی در کنار میکل آنژ، رافائل و داوینچی به عنوان یک تایتان رنسانس در نظر گرفته می شود. تیتین حتی قبل از 30 سالگی به عنوان «پادشاه نقاشان و نقاش شاهان» شناخته می شد. اساساً این هنرمند نقاشی هایی را با مضامین اساطیری و کتاب مقدس نقاشی می کرد ، علاوه بر این ، او به عنوان یک نقاش پرتره باشکوه مشهور شد. معاصران بر این باور بودند که حک شدن با قلم مو استاد بزرگ به معنای به دست آوردن جاودانگی است. و در واقع همینطور است. دستورات به تیتیان از طرف محترم ترین و نجیب ترین افراد: پاپ ها، پادشاهان، کاردینال ها و دوک ها صادر شد. در اینجا تنها تعدادی از مشهورترین آثار او آورده شده است: "زهره اوربینو"، "ربودگی اروپا" (تصویر)، "حمل صلیب"، "تاج گذاری با خار"، "پسارو مدونا"، "زنی با یک آینه" و غیره

هیچ چیز دو بار تکرار نمی شود. عصر رنسانس به بشر شخصیت های درخشان و خارق العاده ای بخشید. نام آنها در تاریخ هنر جهان با حروف طلایی ثبت شده است. معماران و مجسمه سازان، نویسندگان و هنرمندان رنسانس - فهرست آنها بسیار طولانی است. ما فقط به غول هایی دست زدیم که تاریخ را ساختند، ایده های روشنگری و انسان گرایی را به جهان آوردند.