Импрессионизм и другие направления в живописи. Чем отличается русский импрессионизм в живописи от французского? Пьер Огюст Ренуар

фр. impression – впечатление) – направление в искусстве последней трети ХIХ – нач. ХХ вв., представители которого стали писать пейзажи и жанровые сцены прямо с натуры, стараясь очень чистыми и интенсивными красками передать солнечные блики, дуновение ветра, шелест травы, движение городской толпы. Импрессионисты стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолетные впечатления.

Отличное определение

Неполное определение ↓

ИМПРЕССИОНИЗМ

франц. impressionnisme, от impression – впечатление), направление в искусстве кон. 1860 – нач. 1880-х гг. Наиболее ярко проявился в живописи. Ведущие представители: К. Моне, О. Ренуар, К. Писсарро, А. Гийомен, Б. Моризо, М. Кассат, А. Сислей, Г. Кайботт и Ж. Ф. Базиль. Вместе с ними выставляли свои картины Э. Мане и Э. Дега, хотя стиль их произведений нельзя назвать полностью импрессионистическим. Название «импрессионисты» закрепилось за группой молодых художников после их первой совместной выставки в Париже (1874; Моне, Ренуар, Писарро, Дега, Сислей и др.), которая вызвала яростное возмущение публики и критиков. Одна из представленных картин К. Моне (1872) называлась «Впечатление. Восход солнца» («L’impression. Soleil levant»), и рецензент в насмешку назвал художников «импрессионистами» – «впечатленцами». Живописцы выступили под этим названием на третьей совместной выставке (1877). Тогда же они начали выпускать журнал «Импрессионист», каждый номер которого был посвящен творчеству одного из участников группы.

Импрессионисты стремились запечатлеть окружающий мир в его постоянной изменчивости, текучести, непредвзято выразить свои непосредственные впечатления. Импрессионизм основывался на последних открытиях оптики и теории цвета (спектральное разложение солнечного луча на семь цветов радуги); в этом он созвучен духу научного анализа, характерному для кон. 19 в. Однако сами импрессионисты не пытались определить теоретические основы своего искусства, настаивая на стихийности, интуитивности творчества художника. Художественные принципы импрессионистов не были едиными. Моне писал пейзажи только в непосредственном контакте с природой, на открытом воздухе (на пленэре) и даже построил мастерскую в лодке. Дега работал в мастерской по воспоминаниям или используя фотографии. В отличие от представителей более поздних радикальных течений, художники не выходили за рамки ренессансной иллюзорно-пространственной системы, основанной на применении прямой перспективы. Они твердо придерживались метода работы с натуры, который был возведен ими в главный принцип творчества. Художники стремились «писать то, что видишь» и «так, как видишь». Последовательное применение этого метода повлекло за собой преобразование всех основ сложившейся живописной системы: колорита, композиции, пространственного построения. Чистые краски наносились на холст мелкими раздельными мазками: разноцветные «точки» лежали рядом, смешиваясь в красочное зрелище не на палитре и не на полотне, а в глазу зрителя. Импрессионисты достигли небывалой звучности колорита, невиданного богатства оттенков. Мазок стал самостоятельным средством выразительности, наполняя поверхность картины живой мерцающей вибрацией цветовых частиц. Полотно уподоблялось переливающейся драгоценными цветами мозаике. В прежней живописи преобладали черные, серые, коричневые оттенки; в полотнах импрессионистов краски ярко засияли. Импрессионисты не применяли светотень для передачи объемов, они отказались от темных теней, тени в их картинах также стали цветными. Художники широко применяли дополнительные тона (красные и зеленые, желтые и фиолетовые), контраст которых повышал интенсивность звучания цвета. В картинах Моне краски высветлялись и растворялись в сиянии лучей солнечного света, локальные цвета обретали множество оттенков.

Импрессионисты изображали окружающий мир в вечном движении, переходе из одного состояния в другое. Они стали писать серии картин, желая показать, как один и тот же мотив меняется в зависимости от времени дня, освещения, состояния погоды и т. д. (циклы «Бульвар Монмартр» К. Писсарро, 1897; «Руанский собор», 1893–95, и «Лондонский парламент», 1903–04, К. Моне). Художники нашли способы отразить в картинах движение облаков (А. Сислей. «Луан в Сен-Мамме», 1882), игру бликов солнечного света (О. Ренуар. «Качели», 1876), порывы ветра (К. Моне. «Терраса в Сент-Адресс», 1866), струи дождя (Г. Кайботт. «Иер. Эффект дождя», 1875), падающий снег (К. Писсарро. «Оперный проезд. Эффект снега», 1898), стремительный бег лошадей (Э. Мане. «Скачки в Лоншане», 1865).

Импрессионисты разработали новые принципы построения композиции. Раньше пространство картины уподоблялось сценической площадке, теперь запечатленные сцены напоминали моментальный снимок, фотокадр. Изобретенная в 19 в. фотография оказала значительное влияние на композицию импрессионистической картины, особенно в творчестве Э. Дега, который сам был страстным фотографом и, по его собственным словам, стремился застать изображаемых им балерин врасплох, увидеть их «словно сквозь замочную скважину», когда их позы, линии тела естественны, выразительны и достоверны. Создание картин на открытом воздухе, стремление запечатлеть быстро меняющееся освещение заставило художников ускорить работу, писать «alla prima» (в один прием), без предварительных набросков. Фрагментарность, «случайность» композиции и динамичная живописная манера создавали ощущение особенной свежести в картинах импрессионистов.

Любимым импрессионистическим жанром был пейзаж; портрет также представлял собой своего рода «пейзаж лица» (О. Ренуар. «Портрет актрисы Ж. Самари», 1877). Кроме того, художники существенно расширили круг сюжетов живописи, обратившись к темам, раньше считавшимся недостойными внимания: народным гуляниям, скачкам, пикникам артистической богемы, закулисной жизни театров и т. д. Однако в их картинах нет развернутого сюжета, подробного повествования; жизнь человека растворена в природе или в атмосфере города. Импрессионисты писали не события, а настроения, оттенки чувств. Художники принципиально отвергали исторические и литературные темы, избегали изображать драматические, темные стороны жизни (войны, бедствия и т. п.). Они стремились освободить искусство от выполнения социальных, политических и нравственных задач, от обязанности давать оценку изображенным явлениям. Художники воспевали красоту мира, умея превратить самый будничный мотив (ремонт комнаты, серый лондонский туман, дым паровозов и т. д.) в феерическое зрелище (Г. Кайботт. «Паркетчики», 1875; К. Моне. «Вокзал Сен-Лазар», 1877).

В 1886 г. состоялась последняя выставка импрессионистов (в ней не участвовали О. Ренуар и К. Моне). К этому времени обнаружились существенные разногласия между членами группы. Возможности метода импрессионизма были исчерпаны, и каждый из художников стал искать свой собственный путь в искусстве.

Импрессионизм как целостный творческий метод был явлением преимущественно французского искусства, однако творчество импрессионистов оказало воздействие на всю европейскую живопись. Стремление к обновлению художественного языка, высветление красочной палитры, обнажение живописных приемов отныне прочно вошли в арсенал художников. В других странах близки к импрессионизму были Дж. Уистлер (Англия и США), М. Либерман, Л. Коринт (Германия), Х. Соролья (Испания). Влияние импрессионизма испытали многие русские художники (В. А. Серов, К. А. Коровин, И. Э. Грабарь и др.).

Помимо живописи, импрессионизм воплотился в творчестве некоторых скульпторов (Э. Дега и О. Роден во Франции, М. Россо в Италии, П. П. Трубецкой в России) в живой свободной моделировке текучих мягких форм, которая создает сложную игру света на поверхности материала и ощущение незавершенности произведения; в позах схвачен момент движения, развития. В музыке близость к импрессионизму обнаруживают произведения К. Дебюсси («Паруса», «Туманы», «Отражения в воде» и др.).

Отличное определение

Неполное определение ↓

Для меня стиль импрессионизм это прежде всего что-то воздушное, эфемерное, неумолимо ускользающее. Это то потрясающее мгновение, которое глаз едва успевает зафиксировать и которое потом надолго остается в памяти как миг наивысшей гармонии. Мастера импрессионизма славились именно умением с легкостью перенести этот момент прекрасного на холст, наделив его осязаемыми ощущениями и тонкими вибрациями, которые со всей реальностью возникают при взаимодействии с картиной. Когда смотришь работы выдающихся художников этого стиля всегда остается некое послевкусие настроения.

Импрессионизм (от impression — впечатление) — это направление в искусстве, зародившееся во Франции в конце 1860-х годов. Его представители стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. Особое внимание уделялось передаче цвета и света.

Слово «импрессионизм » происходит от названия картины Моне Впечатление. Восход солнца, представленной на выставке 1874 года. Малоизвестный журналист Луи Леруа в своей журнальной статье обозвал художников «импрессионистами» для выражения своего пренебрежения. Однако, название прижилось и потеряло свой первоначальный отрицательный смысл.

Первая важная выставка импрессионистов проходила с 15 апреля по 15 мая 1874 года в мастерской фотографа Надара. Там было представлено 30 художников, всего - 165 работ. Молодых художников упрекали в «незаконченности» и «неряшливости живописи», отсутствии вкуса и смысла в их работах, «покушении на истинное искусство», мятежных настроениях и даже аморальности.

Ведущие представители импрессионизма – , Альфред Сислей и Фредерик Базиль. Вместе с ними выставляли свои картины Эдуард Мане и . К импрессионистам также причисляют , Хоакина Соролья, .

Пейзажи и сцены из городской жизни – пожалуй, наиболее характерные жанры импрессионистической живописи – писались «на пленэре», т.е. непосредственно с натуры, а не на основе эскизов и подготовительных набросков. Импрессионисты пристально всматривались в натуру, замечая цвета и оттенки, обычно невидимые, например синий в тенях.

Их художественный метод состоял в разложении сложных тонов на составляющие их чистые цвета спектра. Получались цветные тени и чистая светлая трепетная живопись. Импрессионисты накладывали краски отдельными мазками, иногда используя контрастные тона на одном участке картины. Основная черта картин импрессионистов – эффект живого мерцания красок.

Для передачи изменений цвета предмета импрессионисты стали предпочитали использовать цвета, взаимно усиливающие друг друга: красный и зеленый, желтый и фиолетовый, оранжевый и голубой. Эти же цвета создают эффект последовательного контраста. Например, если мы будем некоторое время смотреть на красный цвет, а затем переведем взгляд на белый, то он покажется нам зеленоватым.

Импрессионизм не поднимал философские проблемы и даже не пытался проникать под цветную поверхность будничности. Вместо этого художники сосредотачиваются на поверхностности, текучести мгновения, настроения, освещении или угле зрения. Их картины представляли лишь позитивные стороны жизни, не затрагивая острые социальные проблемы.

Художники часто рисовали людей в движении, во время забавы или отдыха. Брались сюжеты флирта, танцев, пребывание в кафе и театре, прогулок на лодках, на пляжах и в садах. Если судить по картинам импрессионистов, то жизнь — это сплошная череда маленьких праздников, вечеринок, приятных времяпрепровождений за городом или в дружеском окружении.

Импрессионизм оставил богатое наследие в живописи. В первую очередь это интерес к проблемам цвета и нестандартным техникам. Импрессионизм выразил стремление к обновлению художественного языка и разрыву с традицией, как протесту против кропотливой техники мастеров классической школы. Ну а мы с вами можем сейчас любоваться этими великолепными произведениями выдающихся художников.

Сегодня сложно встретить культурного человека, не знающего изящных балерин Дега, пышнотелых красавиц Ренуара или пейзажи с кувшинками Клода Моне. Импрессионизм зародился во Франции в конце XIX ‒ начале XX века и впоследствии распространился по всему миру. Сейчас импрессионисты встали в один ряд с классиками, против которых когда-то бунтовали, но в свое время это было прогрессивное и революционное направление в живописи.

Кризис искусства в XIX веке

В середине XIX века борьбу в живописи вели три стиля ‒ классицизм, романтизм и реализм. Все они требовали от художника большого мастерства в рисунке и точного копирования изображаемого предмета. Между тем классицизм и романтизм показывали мир слишком идеализированно, а реализм, напротив, слишком приземленно.

Начинающему художнику во Франции, чтобы добиться успеха, непременно нужно было пройти обучение в Школе изящных искусств или у известных художников и выставляться в Салоне ‒ выставке, патронируемой государством в лице признанных академиков. Если живописец хотел продаваться и иметь успех у публики, ему нужно было получить награду Салона, то есть угодить вкусам взыскательной комиссии. Если же жюри отвергало работу, на художнике можно было ставить крест, как на признанной бездарности.

В 1863 г., после того, как жюри Салона отвергло около 3000 картин, возмущение художников достигло своего предела. Жалобы дошли до императора Наполеона III, и он повелел организовать выставку непринятых работ, которая получила название «Салон отверженных». В выставке приняли участие такие авторы, как Эдуард Мане, Камиль Писсарро, Поль Сезанн. Альтернативная выставка имела оглушительный успех. Правда, основная часть публики ходила туда, чтобы поглумиться над «неформатными» художниками.

Таким отщепенцем долгое время считался Эдуард Мане. Его картины «Завтрак на траве» и «Олимпия» вызвали шок у почтенной публики. На автора обрушилась лавина критики и возмущения поборников морали.

Что же такого в этих работах? С точки зрения современности полотна довольно традиционны, обнаженных женщин писали и ранее. Для зрителя же времени Мане налицо вызов. В «Завтраке на траве» их смущало изображение полностью обнаженной женщины в компании одетых мужчин. Подобный сюжет есть у Джорджоне в картине «Сельский концерт», а «Олимпия» ‒ это переосмысленная копия «Венеры Урбинской» Тициана. Обнаженные дамы Джорджоне и Тициана ‒ идеализированные, они где-то далеко, в иных мирах. А картины Мане изображали куртизанок, современных и довольных жизнью. Это и повергло в шок буржуазную публику, привыкшую к нарисованным богиням и царицам.

Все это свидетельствовало о назревшем кризисе в искусстве Франции второй половины XIX века. Импрессионизм стал попыткой найти новый путь, хоть и оказался для многих сродни шоковой терапии.

Предпосылки импрессионизма

Нельзя сказать, что импрессионизм возник сам по себе. К моменту своей первой выставки многие из участников были уже в зрелом возрасте, имея за плечами долгие годы обучения живописи.

Предпосылки этого нового течения при желании можно найти у мастеров Возрождения Веласкеса, Эль Греко, Гойи, Рубенса, Тициана, Рембрандта. Но непосредственное впечатление на импрессионистов оказали такие художники-современники, как Делакруа, Курбе, Добиньи, Коро.

На манеру импрессионистов повлияла и японская живопись, выставки которой постоянно проводились в Париже. Утонченные работы Утамаро, Хокусая, Хиросиге поэтизировали каждый момент жизни, что так свойственно менталитету Востока. Упрощенная форма, смещенная композиция, чистота цвета на гравюрах японцев покорили молодых художников и открыли им новые горизонты.

Кроме того, на творчество импрессионистов оказало влияние появление фотографии. С ее помощью можно было делать неожиданные ракурсы, крупные планы, изображение в движении. Фотография стала искусством запечатления момента, это то, что было близко художникам-новаторам. С появлением фотографии можно было уже не следовать за точностью изображения, а отдать предпочтение своему внутреннему состоянию, эмоциональной окраске. Спонтанность стала одним из правил новой живописи.

Особенности импрессионизма

Претензии критиков были не только к сюжетам картин, но и к манере рисования импрессионистов. Она кардинально отличалась от того, что преподавали в парижской Школе изящных искусств.

Импрессионисты не придерживались четкого контура, они накладывали мазки небрежно, не заботясь о тщательной прорисовке каждого предмета. Краски смешивали сразу на холсте, добиваясь чистоты оттенка. Перспективу строили не по геометрическим законам, а за счет глубины тона краски, уменьшения интенсивности цвета по мере удаления предмета.

Они отказались от контрастного изображения светотени. Из их палитры исчезли черные, белые, серые, коричневые цвета в чистом виде. Тени могли быть и зеленые, и синие, и фиолетовые, в зависимости от того, какими их увидел художник.

Импрессионисты широко использовали прием оптического смешения: на холст кладутся рядом мазки двух цветов, которые при рассмотрении зрителем дают эффект третьего. Например, зеленый и желтый превращаются в синий цвет, синий и красный ‒ в фиолетовый и т.д.

Сюжетами картин были не мифология или исторические события, а пейзажи, портреты, натюрморты ‒ все это считалось «низким» жанром. Художники старались изобразить природу или предмет в определенный момент времени, передав яркую эмоцию. Так появились серии работ, когда изображался один и тот же мотив, но в разное время года или дня при разном освещении. Например, работы Клода Моне: «Стога сена», «Тополя», «Руанский собор» и др.

Для этого импрессионисты часто рисовали с натуры, на пленэрах, чтобы точно запечатлеть увиденное. Академисты же основное время проводили в студии, оттачивая технику рисунка.

Такой подход делал картины более эмоциональными, поэтичными, давал возможность увидеть прекрасное в самых обыденных вещах, ценилась простота момента, каждое мгновение жизни. Изображение обычных вещей через призму восприятия художника делало каждую картину неповторимой.

История течения

15 апреля 1874 г. компания из молодых художников-новаторов устроила свою выставку в салоне фотографа Феликса Нодара на бульваре Капуцинок в Париже.

Сама идея самостоятельной выставки в обход официального Салона уже была бунтарской, но показанные публике картины вызвали еще больше негодования. Ведь они шли против всех академических канонов и были непохожи на идеализированные работы представителей популярных тогда во Франции классицизма или романтизма.

В выставке участвовали 30 художников и 165 работ. В их число входили Моне, Ренуар, Писсарро, Сислей, Мане, Дега, Сезанн, Берта Моризо. Через какое-то время за их картины будут отдавать целые состояния, но тогда на смельчаков обрушился шквал критики. Их обвиняли в эпатаже, с целью привлечь внимание публики, упрекали в «неряшливости», «незаконченности» работ и даже в аморальности.

Известный критик и журналист Луи Леруа, описывая в сатирической статье картину Клода Моне «Впечатление. Восходящее солнце», назовет художников импрессионистами (от французского impression ‒ впечатление). Сам того не подозревая, он даст название целому течению в мировой живописи.

Вторая выставка состоялась через два года после легендарной первой ‒ в апреле 1876 г. Она вызвала еще большее неприятие критиков и публики. Художников сравнивали с душевнобольными. Можно только подивиться мужеству и уверенности в своей правоте этих смельчаков, которые продолжали творить, несмотря на отсутствие денег, в атмосфере постоянных насмешек и издевательств.

В марте 1875 г. состоялся аукцион работ Сислея, Моне, Ренуара и Берты Моризо. Он прошел со скандалом, публика освистывала представляемые на продажу картины. Множество полотен было продано за бесценок. Некоторые работы художникам и их друзьям пришлось выкупать самим, лишь бы не отдавать совсем даром.

Однако у импрессионистов были и преданные поклонники. К ним относился галерист и коллекционер Поль Дюран-Рюэль, неизменно помогавший художникам в организации выставок и продаже картин. А также коллекционер Виктор Шоке, влюбившийся в работы импрессионистов с первого взгляда.

С 1877 по 1886 год во Франции прошло еще 6 выставок импрессионистов. Все они, кроме последней, подвергались шквалу критики и насмешек.

Тем временем и среди самих художников наметились разногласия. Так, Мане и Ренуар приняли участие в выставках Салона в 1879 и 1880 годах. Их картины были отобраны взыскательным жюри. Клод Моне так же представлял свои работы для Салона, но его картины не были приняты. Это встретило презрение Дега и осуждение других художников.

Осенью 1885 г. Дюран-Рюэль получил предложение организовать выставку импрессионистов в Нью-Йорке. Поначалу художники скептически отнеслись к этой затее. Но в марте 1886 г. Дюран-Рюэль отбыл из Франции в Америку с коллекцией картин своих протеже. В США к работам импрессионистов отнеслись с интересом, выставка пользовалась большой популярностью. В прессе были как положительные отзывы, так и отрицательные. Несколько картин удалось продать местным коллекционерам.

Между тем разногласия среди импрессионистов нарастали. Моне стал ругаться с Дюран-Рюэлем и продавать свои картины через других арт-дилеров. К Моне присоединились Писсарро и Ренуар. Конфликтовали художники и между собой.

Некогда объединенная в борьбе против академизма группа импрессионистов потеряла общую идею и перестала существовать.

В последней выставке в 1886 г. участвуют художники, которых назовут постимпрессионистами. Это Жорж Сера и Поль Синьяк. К постимпрессионистам так же относятся такие мастера, как Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Анри Матисс и др.

Идея импрессионизма изжила себя, но открыла путь иному, еще более новаторскому искусству конца XIX ‒ начала XX века.

Художники-импрессионисты

Невозможно рассматривать импрессионизм в отрыве от судеб самих мастеров. Рассмотрим краткие биографии нескольких художников.

Эдуард Мане

Мане родился в 1832 г. в респектабельной семье юриста и дочери дипломата. В учебе мальчик был не силен, однако проявлял интерес к рисованию. Впрочем, родители не поддерживали его увлечение. Отец хотел, чтобы Эдуард пошел по его стопам. Юноше помог дядя, он оплатил художественные курсы.

В 1847 г. молодой человек решает поступать в мореходную школу, но проваливает экзамен. В качестве юнги он отправляется на корабле в Южную Америку. Во время путешествия он делает много рисунков и набросков.

После возвращения во Францию Эдуард решает заняться живописью. Он 6 лет обучается в мастерской Тома Кутюра. Параллельно путешествует по Европе, знакомясь с памятниками искусства. Среди импрессионистов Мане будет считаться самым «академичным» художником. Творчество мастеров Возрождения он не раз будет переосмысливать в своих работах. Любимыми его живописцами были Веласкес, Тициан, Гойя.

Мане много раз предлагает свои работы на суд жюри Салона и неизменно получает отказ. В итоге он участвует в выставке «Салона отверженных». Там его картина «Завтрак на траве» вызвала большой скандал. В том же 1863 г. художник написал еще одну свою эпатажную картину «Олимпия». Мане неизменно оказывался под шквалом критики. На защиту художника вставал его друг Эмиль Золя. Другим его близким товарищем был Шарль Бодлер.

В 1866 г. Мане сошелся с импрессионистами, так же отвергаемыми академистами. Сам же он себя к ним никогда не причислял. Он использовал в своей палитре черный цвет и не признавал девизионистскую манеру рисования. Но именно Эдуард Мане считается родоначальником импрессионизма.

Мане, не приемлющий академизма, тем не менее неизменно посылал свои работы в Салон. Он тяжело переживал отказы и равнодушие зрителей к своим работам. Художник пишет много портретов и жанровых сцен, его палитра не так жизнерадостна, как у остальных импрессионистов. Так же он работает на пленэрах и рисует натюрморты.

К концу 70-х годов творчество Эдуарда Мане постепенно обретает признание. Его работы выставляются в Салонах, на одном он даже получит медаль. В 1881 г. Мане вручат Орден Почетного легиона. К этому времени художник был уже болен атаксией (отсутствие согласованности движений). Он не мог больше рисовать большие полотна.

В 1883 г. Мане ампутируют ногу из-за гангрены, но операция не помогла. Через несколько месяцев художник скончался.

Клод Моне

Клод Моне появился на свет в 1840 г. в семье торговца бакалеей. Мальчик прославился в родном Гавре, благодаря рисованию карикатур и шаржей. В 17 лет судьба свела его с художником Эженом Буденом. Буден брал с собой юного Моне на пленэры и привил ему любовь к живописи.

В 1859 г. Клод отправляется в Париж. Он начинает учебу в Академии Сюиса, а потом берет уроки у Шарля Глейра. В 1865 г. Моне выставляется в Салоне. Его работы восприняты вполне благосклонно. Тогда же он встречает свою будущую жену Камиллу.

Моне с Ренуаром и другими импрессионистами часто выезжает на пленэры, рисование пейзажей захватывает его все более.

В 1870 г. Моне уезжает в Лондон. В Англии он знакомится с Полем Дюран-Рюэлем. Через 2 года, вернувшись во Францию, Моне селится в Аржентее. За 4 года, прожитых в этом уютном месте, Моне написал множество произведений.

В 1874 г. Клод Моне участвует в первой выставке импрессионистов. Его картины подверглись критике, как и работы остальных участников.

В 1878 г. семья Моне селится в городке Витёе. Там он создает множество картин. Но через год умирает его жена Камилла. На время убитый горем Моне отказывается от пейзажей, рисуя в мастерской натюрморты.

В 1883 г. Моне наконец находит место, где проживет 40 с лишним лет. Этим местом оказывается дом в Живерни. Новый хозяин разобьет там чудесный сад и сделает знаменитый пруд, который без устали будет писать на закате дней.

В 1892 г. Клод Моне берет в жены вдову своего друга Алису Ошедэ.

Моне рисует серии работ, изображая один и тот же вид в разное время года и суток, при различном освещении. Таких серий у него достаточно много: «Стог сена», «Тополя», «Пруд с кувшинками», «Руанский собор» и др. Клод Моне виртуозен в передаче разных цветовых оттенков, он изображает ускользающее мгновение через призму своего восприятия. Его полотна пользуются успехом, их с удовольствием покупают коллекционеры, в том числе и за пределами Франции.

Всю свою жизнь Моне писал природу. К концу жизни он сосредоточился на своем саде в Живерни, который превратил в еще одно произведение искусства. Мастер неустанно пишет его виды: цветы, тенистые аллеи и знаменитый пруд. В 1919 г. Моне дарит государству 12 больших картин из серии «Нимфеи». Для них выделили два павильона в музее Оранжери.

Тем временем художник начал слепнуть. Пережив операцию на глаза в 1925 г., он смог вернуться к работе. Клод Моне скончался в 1926 г., еще при жизни став классиком. Он не только был основоположником импрессионизма, но и предшественником абстрактного искусства, опередив свое время и открыв своим творчеством целую эпоху.

Огюст Ренуар

Огюст родился в многодетной небогатой семье в 1841 г. Будучи подростком занимался росписью посуды. В 1862 г. поступил в Школу изящных искусств, а так же посещал уроки у Шарля Глейра. В 1864 г. его картины одобряют для участия в Салоне. Вместе с друзьями-импрессионистами Ренуар выезжает на пленэры. У художника появляется свой неповторимый почерк ‒ смелые широкие мазки, жизнерадостная игра света и цвета.

После первой выставки импрессионистов Ренуар подвергся нещадной критике. Впоследствии он участвовал еще в 3 выставках. В 1879 г. выставлялся в Салоне, несмотря на упреки друзей. Его картина «Мадам Шарпантье с детьми» получила признание, и дела художника пошли в гору. Ему стали давать заказы на портреты обеспеченные горожане. Ренуару особо удавались женские образы, написал он и много детских портретов. В них чувствуется особая теплота и непринужденность.

1870-80-е годы являются расцветом творчества художника. Он пишет сложные большие полотна с множеством героев. К этому периоду относятся его известные картины «Бал в Мулен де ла Галетт», «Завтрак гребцов». Ренуар считал, что живопись должна украшать жизнь людей. Его искусство было ярким, искренним, солнечным, как сама Франция.

В 1890 г. он женится на своей модели Алине Шариго, у них родится трое детей. В 1881 г. Ренуар едет в Италию. Вернувшись, он меняет стиль живописи, на более «академичный». К этому периоду относятся картины «Зонтики», «Большие купальщицы». Ренуар много внимания уделял обнаженной натуре. Вернувшись к принципам импрессионизма, он пишет серию картин с купальщицами ‒ оду женской красоте и грации.

Ренуар, в отличие от многих импрессионистов, еще при жизни удостоился признания. Его хвалили критики, у него было много заказчиков, картины хорошо раскупались. В преклонном возрасте Ренуар страдал от артрита. Он писал, привязывая кисти к обезображенным ревматизмом рукам. «Боль проходит, а красота остается», ‒ говорил художник. Огюст Ренуар умер в 1919 г. от болезни легких.

Камиль Писсарро

Родился на острове Сент-Томас в Карибском море в 1831 г. В 25 лет переехал во Францию, в Париж, учился у Сюиса и Коро. Участвовал в «Салоне отверженных». В это же время познакомился с Мане, Сезанном, Моне, Сислеем. Писсарро писал пейзажи, много внимания уделяя освещению предметов. В 1868 г. выставлялся в Салоне. В следующем году из-за начавшейся войны был вынужден уехать в Лондон. Там Писсарро встретил своего друга Клода Моне. Вместе они ходили на пленэры, изучая природу Англии.

По возвращении во Францию Камиль Писсарро селится в Понтуазе. В 1872 г. к нему приезжает Сезанн с семьей. Художники становятся неразлучными друзьями. А в 1881 г. к ним присоединяется Поль Гоген. Писсарро охотно помогал молодым художникам, делился с ними своим опытом. Он призывал не уделять много внимания прорисовке контура предметов, главное ‒ передать суть. Писать нужно то, что видишь и чувствуешь, не фокусируясь на точности техники исполнения. Только природа может быть учителем, с которым всегда надо советоваться.

За время своей жизни в Понтуазе Писсарро смог выработать свою особенную манеру живописи. Художник прожил там 10 лет. Он часто обращался к сюжетам из сельской жизни. Его работы наполнены светом и лирикой.

Однако полотна Писсарро продавались плохо, и ему было сложно обеспечить свою многодетную семью. В 1884 г. художник поселился в деревне Эраньи, изредка посещая Париж в надежде продать свои картины или найти покровителя. Таким человеком стал Поль Дюран-Рюэль, получивший монопольное право на выкуп работ мастера.

В 1885 г. Камиль Писсарро решает примкнуть к постимпрессионистам Жоржу Сера и Полю Синьяку, он пробует новое направление ‒ пуантилизм. Из-за участия Сера и Синьяка в восьмой выставке импрессионистов Писсарро ссорится с Моне, Ренуаром, Сислеем. В итоге Писсарро со своими новыми друзьями выставлялись в отдельном помещении. Однако публика не оценила новое направление.

В 1889 г. Писсарро отказывается от пуантилизма и возвращается к своей старой манере. Живопись точками не смогла удовлетворить его желание передать непосредственность и свежесть внутреннего ощущения. Его картины снова начинают покупать. Дюран-Рюэль организовывает несколько выставок художника.

В последние годы жизни Писсарро серьезно увлекся графикой, литографией и офортом. Художник скончался в Париже в 73 года. При жизни он не удостоился наград со стороны государства. Писсарро всегда помогал молодым художникам и пытался примирить враждующих импрессионистов. Он единственный участвовал во всех их выставках.

Эдгар Дега

Дега появился на свет в 1834 г. Отец-банкир с трудом дал разрешение Эдгару на обучение живописи. В 21 год. молодой человек поступил в Школу изящных искусств. В 1865 г. картину Дега «Сцена из жизни средних веков»одобряют для выставки в Салоне. Знакомство с импрессионистами меняет мировоззрение художника. Он отходит от академизма. Дега отдает предпочтение жанровой живописи, изображая окружающих его простых людей.

Начиная с 1870-х годов Дега пробует писать пастелью. Этот материал пришелся художнику по душе, так как объединял живопись с графикой. Стиль Дега отличался от остальных импрессионистов, ставивших на первое место свет. К тому же Дега не ездил на пленэры, предпочитая делать зарисовки в кафе, на скачках, в магазинах. Он пытался выразить экспрессию через линию и рисунок, что не всегда находило понимание у других импрессионистов.

Дега всегда принимал деятельное участие в организации выставок импрессионистов во Франции. Он пропустил только одну из них по идейным соображениям. Однако сам он себя импрессионистом не считал.

Работы Дега не так радостны, как картины его товарищей. Часто он изображал жизнь без прикрас, как в картине «Любители абсента».

Вокруг Дега собрался свой круг молодых художников ‒ Видаль, Кэссет, Рафаэлли, Тилло, Форен и др. Это вносило раскол в общество импрессионистов и привело к неминуемому конфликту и, в конце концов, к распаду товарищества.

В 1880-е годы Дега создает серии работ: «В магазине шляп», «Обнаженные женщины за туалетом». Последняя серия пастелей вызвала негодование публики, поскольку женщины изображались реалистично, в интимном виде за повседневными занятиями.

Серия «Скачки» и «Танцовщицы» позволили художнику передать рисунок в движении. Тема балета была близка Дега. Никто, как он, не смог передать сущность танца. Эдгар рисовал хрупких танцовщиц на сцене и за кулисами. Рисунки он часто делал по памяти в студии, что также было несвойственно импрессионистам.

Дега так и не создал семьи. Он славился трудным, неуживчивым характером. Его единственной страстью было искусство, которому он посвящал все свое время.

После 1890 г. Дега страдает заболеванием глаз и частично теряет зрение. Мастер обращается к скульптуре. Он лепил из глины и воска танцовщиц и лошадей, но многие его статуэтки впоследствии погибли из-за хрупкости материала. Впрочем, 150 работ, оставшихся после смерти художника, удалось перевести в бронзу.

Последние годы Дега провел незрячим. Это было для него большой трагедией. Эдгар Дега умер в 1917 г. в Париже, оставив после себя большое наследие в виде рисунков, картин, скульптур.

Исходя из историй жизни художников, видно, что импрессионизм имеет много граней. В свое время он стал революцией в искусстве Франции и всего мира, открыв возможность для появления многих новых направлений. Но одно объединяло всех импрессионистов. Это стремление к изображению хрупкой, ускользающей красоты мгновений, из которых и строится жизнь.

“Новый мир родился тогда, когда импрессионисты написали его”

Анри Канвейлер

XIX век. Франция. В живописи произошло невиданное. Группа молодых художников решила пошатнуть 500-летние традиции. Вместо четкого рисунка, они использовали широкий “небрежный” мазок.

А от привычных образов и вовсе отказались, изображая всех подряд. И дам лёгкого поведения, и господ сомнительной репутации.

Публика была не готова к живописи импрессионистов. Их высмеивали, ругали. А самое главное, ничего у них не покупали.

Но сопротивление было сломлено. И некоторые импрессионисты дожили до своего триумфа. Правда им было уже за 40. Как Клоду Моне или Огюсту Ренуару. Другие дождались признания лишь в конце жизни, как Камиль Писсарро. Кто-то до него не дожил, как Альфред Сислей.

Что же революционного совершил каждый из них? Почему публика так долго их не принимала? Вот 7 самых прославленных французских импрессионистов, которых знает весь мир.

1. Эдуард Мане (1832-1883 гг.)

Мане был старше большинства импрессионистов. Он был их главным вдохновителем.

Сам Мане на роль лидера революционеров не претендовал. Он был светским человеком. Мечтал об официальных наградах.

Но признания он ждал очень долго. Публика желала видеть греческих богинь или натюрморты на худой конец, чтобы красиво смотрелись в столовой. Мане же хотел писать современную жизнь. Например, куртизанок.

В результате появился “Завтрак на траве”. Два денди отдыхают в обществе дам лёгкого поведения. Одна из них как ни в чем ни бывало сидит рядом с одетыми мужчинами.

Сравните его “Завтрак на траве” с работой Тома Кутюра “Римляне во времена упадка”. Картина Кутюра произвела фурор. Художник мгновенно прославился.

“Завтрак на траве” обвинили в вульгарности. Беременным абсолютно серьезно не рекомендовали на неё смотреть.

На картине Кутюра мы видим все атрибуты академизма (традиционной живописи XVI-XIX вв.). Колонны и статуи. Люди аполлоновской внешности. Традиционные приглушённые цвета. Манерность поз и жестов. Сюжет из далекой жизни совсем другого народа.

“Завтрак на траве” Мане – другого формата. До него никто не изображал куртизанок вот так запросто. Рядом с респектабельными горожанами. Хотя многие мужчины того времени так и проводили свой досуг. Это была реальная жизнь реальных людей.

Однажды изобразил одну респектабельную даму. Некрасивую. Он не смог польстить ей с помощью кисти. Дама была разочарована. Ушла от него в слезах.

Поэтому он продолжал экспериментировать. Например, с цветом. Он не пытался изобразить так называемый природный колорит. Если серо-бурая вода ему виделась ярко-синей, то он и изображал ее ярко-синей.

Это, конечно, раздражало публику. «Ведь даже Средиземное море не может похвастаться такой синевой, как вода у Мане» – язвили они.

Но факт остаётся фактом. Мане вкорне изменил предназначение живописи. Картина становилась воплощением индивидуальности художника, который пишет так, как ему заблагорассудится. Забыв о шаблонах и традициях.

Новаторства ему долго не прощали. Признания дождался только под конец жизни. Но оно уже было ему не нужно. Он мучительно угасал от неизлечимой болезни.

2. Клод Моне (1840-1926 гг.)

Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.

Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.

Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных - .

В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.

Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке.

Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” - главная черта импрессионизма.

К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика - это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.

Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.

Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.

Так появились бесчисленные стога сена.

Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891 г. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891 г.

Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов. Это ещё одно их изобретение.

Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.

О самой знаковой картине мастера читайте в статье

3. Огюст Ренуар (1841-1919 гг.)

Импрессионизм - это самая позитивная живопись. А самым позитивным среди импрессионистов был Ренуар.

В его картинах вы не найдёте драмы. Даже чёрной краской он не пользовался. Только радость бытия. Даже самое банальное у Ренуара выглядит прекрасным.

В отличие от Моне, Ренуар чаще писал людей. Пейзажи для него были менее значимы. На картинах отдыхают и наслаждаются жизнью его друзья и знакомые.

Не найдёте вы у Ренуара и глубокомыслия. Он был очень рад примкнуть к импрессионистам, которые поголовно отказывались от сюжетов.

Как он сам говорил, наконец у него есть возможность писать цветы и назвать их просто “Цветы”. И не выдумывать никаких историй про них.

Лучше всего Ренуар чувствовал себя в обществе женщин. Он просил своих служанок петь и шутить. Чем глупее и наивнее была песенка, тем лучше для него. А мужская болтовня его утомляла. Неудивительно, что Ренуар известен полотнами в стиле ню.

Модель на картине “Обнаженная в солнечном свете” словно проявляется на красочном абстрактном фоне. Потому что для Ренуара нет ничего второстепенного. Глаз модели или участок заднего фона равнозначны.

Ренуар прожил долгую жизнь. И никогда не откладывал кисть и палитру. Даже когда его руки совсем сковал ревматизм, он привязывал кисточку к руке веревкой. И рисовал.

Как и Моне, он дождался признания после 40 лет. И увидел свои картины в Лувре, рядом с работами знаменитых мастеров.

Об одном из самых обворожительных портретов Ренуара читайте в статье

4. Эдгар Дега (1834-1917 гг.)

Дега не был классическим импрессионистом. Он не любил работать на пленэре (на открытом воздухе). У него вы не найдёте намеренно высветленной палитры.

Наоборот, он любил чёткую линию. Черного цвета у него предостаточно. И работал он исключительно в студии.

Но все же его всегда ставят в ряд с другими великими импрессионистами. Потому что он был импрессионистом жеста.

Неожиданные ракурсы. Асимметрия в расположении объектов. Застигнутые врасплох персонажи. Вот главные атрибуты его картин.

Он останавливал мгновения жизни, не давая персонажам опомниться. Посмотрите хотя бы на его “Оркестр оперы”.

На переднем плане спинка стула. Музыкант к нам спиной. А на заднем фоне балерины на сцене не уместились в “кадр”. Их головы беспощадно “обрезаны” краем картины.

Так любимые им танцовщицы далеко не всегда изображены в красивых позах. Порой они просто делают растяжку.

Но такая импровизация мнимая. Конечно, Дега тщательно продумывал композицию. Это лишь эффект стоп-кадра, а не настоящий стоп-кадр.

Эдгар Дега любил писать женщин. Но болезнь или особенности организма не позволяли ему иметь с ними физический контакт. Он никогда не был женат. Никто никогда не видел его с дамой.

Отсутствие реальных сюжетов в его личной жизни добавляло тонкую и напряженную эротичность его образам.

Обратите внимание, что на картине “Звезда балета” прорисована только сама балерина. Ее коллеги за кулисами еле различимы. Разве что несколько ног.

Это не значит, что Дега не закончил картину. Таков приём. Оставить в фокусе лишь самое главное. Остальное сделать исчезающим, неразборчивым.

О других картинах мастера читайте в статье

5. Берта Моризо (1841-1895 гг.)

Берту Моризо редко ставят в первый ряд великих импрессионистов. Уверена, что незаслуженно. Как раз у неё вы встретите все главные черты и приёмы импрессионизма. И если вам этот стиль нравится, вы полюбите ее работы всей душой.

Моризо работала быстро и порывисто, перекладывая на холст своё впечатление. Фигуры словно вот-вот растворятся в пространстве.

Как и Дега, она часто не дорисовала некоторые детали. И даже части тела модели. Мы не можем различить рук у девушки на картине “Лето”.

Путь к самовыражению у Моризо был трудным. Мало того, что она занималась “небрежной” живописью. Она ещё была женщиной. В те времена даме полагалось мечтать о замужестве. После чего любое хобби забывалось.

Поэтому Берта долго отказывалась от брака. Пока не нашла мужчину, который уважительно отнёсся к ее занятию. Эжен Мане был родным братом художника Эдуарда Мане. Он покорно носил за женой мольберт и краски.

Но все же дело было в XIX веке. Нет, брюки Моризо не надела. Но полной свободы передвижения она себе позволить не могла.

Она не могла пойти в парк работать в одиночестве, без сопровождения кого-то из близких. Не могла посидеть одна в кафе. Поэтому ее картины - это люди из семейного круга. Муж, дочь, родственники, няни.

Моризо признания не дождалась. Она умерла она в 54 года от воспаления лёгких, не продав при жизни почти ни одной своей работы. В ее свидетельстве о смерти в графе “род занятий” стоял прочерк. Немыслимо было женщине зваться художником. Даже если она им на самом деле была.

О картинах мастера читайте в статье

6. Камиль Писсарро (1830 – 1903 гг.)

Камиль Писсарро. Неконфликтный, рассудительный. Многие его воспринимали, как учителя. Даже самые темпераментные коллеги о Писсарро плохо не говорили.

Он был верным последователем импрессионизма. Сильно нуждаясь, имея жену и пятерых детей, он все равно упорно работал в своем любимом стиле. И ни разу не переключился на салонную живопись, чтобы стать более популярным. Не известно, откуда он брал силы до конца верить в себя.

Чтобы совсем не умереть с голоду, Писсарро расписывал веера, которые охотно раскупали. А настоящее признание к нему пришло уже после 60 лет! Тогда наконец он смог забыть о нужде.

Воздух на картинах Писсарро густой и плотный. Необыкновенный сплав цвета и объёма.

Художник не боялся писать самые переменчивые явления природы, которые показываются на мгновение и исчезают. Первый снег, морозное солнце, длинные тени.

Самые известные его работы - виды Парижа. С широкими бульварами, суетной пестрой толпой. Ночью, днём, в разную погоду. В чем-то они перекликаются с сериями картин Клода Моне.

франц.-впечатление): художественное направление, возникшее во Франции в 60 – 70-х годах 19 в. и получившее наиболее яркое воплощение в станковом изобразительном искусстве. Импрессионисты разработали новые живописные приемы – цветные тени, смешение цветов, высветленный колорит, а также разложение сложных тонов на чистые тона (наложение их на холст отдельными мазками порождало их оптическое смешение в глазах зрителя). Они стремились передать красоту мимолетных состояний природы, изменчивость и подвижность окружающей жизни. Эти приемы помогали передавать ощущение сверкающего солнечного света, вибрации света и воздуха, создавали впечатление праздничности бытия, гармонии мира. Импрессионистические приемы использовались и в других видах искусства. В музыке, например, они способствовали передаче самых тонких душевных движений и мимолетных настроений.

Отличное определение

Неполное определение ↓

Импрессионизм

от франц. impression - впечатление) Направление в искусстве, возникшее во Франции в последней трети XIX в. Главные представители И.: Клод Моне, Огюст Ренуар, Камилл Писсарро, Альфред Сислей, Берта Моризо, а также примыкавшие к ним Эдуард Манэ, Эдгар Дега и некоторые другие художники. Выработка нового стиля И. проходила в 60-70-е гг., а впервые как новое направление, противопоставившее себя академическому Салону, импрессионисты заявили о себе на своей первой выставке в 1874 г. В частности, на ней экспонировалась картина К.Моне «Impression. Soleil levant» (1872). Официальная художественная критика негативно отнеслась к новому направлению и в насмешку «окрестила» его представителей «импрессионистами», напоминая об особо раздражавшей их картине Моне. Однако название отражало суть направления, и его предствители приняли его в качестве официального обозначения своего метода. В качестве целостного направления И. просуществовал недолго - с 1874 по 1886 г., когда импрессионистами было организовано 8 совместных выставок. Официальное признание же ценителями искусства и художественной критикой пришло значительно позже - только в середине 90-х гг. И. оказал, что стало очевидно уже в следующем столетии, огромное воздействие на все последующее развитие изобразительного искусства (да и художественной культуры в целом). Фактически с него начался принципиально новый этап художественной культуры, приведший в сер. ХХв. к ПОСТ-культуре (см.: ПОСТ-), т. е. к переходу Культуры в какое-то принципиальное иное качество. О.Шпенглер, распространивший понятие И. на культуру, считал его одним из типичных признаков «заката Европы», т. е. разрушения целостности мировоззрения, разрушения традиционно сложившейся европейской культуры. Напротив, авангардисты (см.: Авангард) начала XX в. видели в И. своего предтечу, открывшего перед искусством новые горизонты, освободившего его от внехудожественных задач, от догм позитивизма, академизма, реализма и т. п., с чем нельзя не согласиться. Сами импрессионисты, как чистые живописцы, не думали о столь глобальном значении своего эксперимента. Они даже не стремились к особой революции в искусстве. Просто они увидели окружавший их мир несколько по-иному, чем видели его официальные представители Салона, и попытались закрепить это видение чисто живописными средствами. При этом они опирались на художественные находки своих предшественников - прежде всего, французских живописцев XIX в. Делакруа, Коро, Курбе, «барбизонцев». На К.Моне, посетившего в 1871 г. Лондон, сильное впечатление произвели работы У.Тернера. Кроме того, сами импрессионисты называют среди своих предшественников и французских классицистов Пуссена, Лоррена, Шардена, и японскую цветную гравюру XVIII в., а искусствоведы усматривают черты близости к импрессионистам и у английских художников Т.Гейнсборо и Дж. Констебля, не говоря уже о У.Тернере. Импрессионисты абсолютизировали ряд живописных приемов этих очень разных художников и создали на этой основе целостную стилевую систему. В противовес «академистам» импрессионисты отказались от тематической заданности (философской, нравственной, религиозной, социально-политической и т. п.) искусства, от продуманных, заранее осмысленных и четко прорисованных сюжетных композиций, т. е. начали борьбу с засилием «литературщины» в живописи, сосредоточив главное внимание на специфически живописных средствах - на цвете и свете; они вышли из мастерских на пленэр, где стремились за один сеанс начать и кончить работу над конкретным произведением; они отказались от темных цветов и сложных тонов (земляных, «асфальтовых» цветов), характерных для искусства Нового времени, перейдя на чистые яркие цвета (палитра их ограничивалась 7-8 красками), положенные на холст часто раздельными мазками, сознательно рассчитывая на их оптическое смешение уже в психике зрителя, чем достигался эффект особой свежести и непосредственности; вслед за Делакруа освоили и абсолютизировали цветную тень, игру цветовых рефлексов на различных поверхностях; дематериализовали предмет видимого мира, растворив его в свето-воздушной среде, которая составила главный предмет их внимания как чистых живописцев; они фактически отказались от жанрового подхода в изобразительном искусстве, сосредоточив все внимание на живописной передаче своего субъективного впечатления от случайно увиденного фрагмента действительности - чаще пейзажа (как у Моне, Сислея, Писсарро), реже сюжетных сценок (как у Ренуара, Дега). При этом передать впечатление они стремились часто с почти иллюзионистической точностью соответствия цвето-свето-воздушной атмосфере изображаемого фрагмента и момента видимой реальности. Случайность угла зрения на высвеченный художническим видением фрагмент натуры, внимание к живописной среде, а не к предмету, приводили их нередко к смелым композиционным решениям, острым неожиданным углам зрения, срезам, активизирующим восприятие зрителя, и т. п. эффектам, многие из которых впоследствии были использованы представителями самых разных течений авангарда. И. стал одним из направлений «чистого искусства» в к. ХIХв., представители которого главным в искусстве считали его художественно-эстетическое начало. Импрессионисты ощутили невыразимую словами красоту свето-цвето-воздушной среды материального мира и попытались почти с документальной точностью (за это их и обвиняют иногда в натурализме, что по крупному счету вряд ли правомерно) запечатлеть это на своих полотнах. В живописи они своего рода оптимистические пантеисты, последние певцы беспечной радости земного бытия, солнцепоклонники. Как писал с восхищением неоимпрессионист П.Синьяк, у них «солнечный свет заливает всю картину; воздух в ней колышется, свет обволакивает, ласкает, рассеивает формы, проникает всюду, даже в область тени». Стилевые особенности И. в живописи, особенно стремление к утонченному художественному изображению мимолетных впечатлений, принципиальная эскизность, свежесть непосредственного восприятия и др. оказались близкими и представителям других видов искусства того времени, что привело к распространению этого понятия на литературу, поэзию, музыку. Однако в этих видах искусства не было специального направления И., хотя многие его черты встречаются в произведениях целого ряда писателей и композиторов последней трети ХIХ- нач. XX в. Такие элементы импрессионистической эстетики как расплывчатость формы, фиксация внимания на ярких, но случайных мимолетных деталях, недосказанность, туманные намеки и т. п., присущи творчеству Г. де Мопассана, А-П.Чехова, раннему Т.Манну, поэзии Р.-М.Рильке, но особенно - братьям Ж. и Э. Гонкур, представителям так называемого «психологического И>, частично - К. Гамсуну. На импрессионистические приемы опирались, существенно развивая их, М.Пруст и писатели «потока сознания». В музыке импрессионистами считают французских композиторов К.Дебюсси, М.Равеля, П.Дюка и некоторых др., применявших стилистику и эстетику И. в своем творчестве. Их музыка наполнена непосредственными переживаниями красоты и лиричности пейзажа, почти имитацией игры морских волн или шелеста листьев, буколической прелестью древних мифологических сюжетов, радостью сиюминутной жизни, ликованием земного бытия, наслаждением бесконечными переливами звуковой материи. Как и живописцы, они размывают многие традиционные музыкальные жанры, наполняя их иным содержанием, усиливают внимание к чисто эстетическим эффектам музыкального языка, существенно обогащая палитру выразительно-изобразительных средств музыки. «Это относится прежде всего, - пишет музыковед И.В.Нестьев, - к сфере гармонии с ее техникой параллелизмов и прихотливым нанизыванием неразрешающихся красочных созвучий-пятен. Импрессионисты заметно расширили современную тональную систему, открыв путь многим гармоническим новшествам XX в. (хотя и заметно ослабили четкость функциональных связей). Усложнение и разбухание аккордных комплексов (нонаккорды, ундецимаккорды, альтернативные квартовые созвучия) сочетаются у них с упрощением, архаизацией ладового мышления (натуральные лады, пентатоника, целотонные комплексы). В оркестровке композиторов-импрессионистов преобладают чистые краски, капризные блики; часто применяются соло деревянных духовых, пассажи арф, сложные divisi струнных, эффекты con sordino. Типичны и чисто декоративные, равномерно текучие остинатные фоны. Ритмика подчас зыбка и неуловима. Для мелодики характерны не закругленные построения, но короткие выразительные фразы-символы, напластования мотивов. При этом в музыке импрессионистов необычайно усилилось значение каждого звука, тембра, аккорда, раскрылись безграничные возможности расширения лада. Особую свежесть музыке импрессионистов придало частое обращение к песенно-танцевальным жанрам, тонкое претворение ладовых, ритмических элементов, заимствованных в фольклоре народов Востока, Испании, в ранних формах негритянского джаза» (Музыкальная энциклопедия. Т. 2, М., 1974. Стб. 507). Поставив в центр внимания художника изобразительно-выразительные средства искусства и акцентировав внимание на гедонистически-эстетической функции искусства, И. открывал новые перспективы и возможности перед художественной культурой, которыми она и воспользовалась в полной мере (и даже иногда чрезмерно) в XX столетии. Лит.: Вентури Л. От Мане до Лотрека. М., 1938; Ревальд Дж. История импрессионизма. Л.-М., 1959; Импрессионизм. Письма художников. Л., 1969; Serullaz M. Encyclopedie de limpressionnisme. P., 1977; Montieret S. Limpressionnisme et son epoque. T. 1-3. P., 1978-1980; Kroher E. Impressionismus in der Musik. Leipzig. 1957. Л.Б.