Edgar își reduce importanța în artă. Frumoase balerini de Edgar Degas. Experiența artistică ca sol pentru formarea stilului

Hilaire-Germain-Edgar de Ha, sau Edgar Degas(fr. Edgar Degas; 19 iulie 1834, Paris - 27 septembrie 1917) - pictor francez, unul dintre cei mai marcanți și originali reprezentanți ai mișcării impresioniste.

Biografie și creativitate

Degas s-a născut la 19 iulie 1834 la Paris, într-o familie bogată de origine aristocratică, Auguste de Gas și Celestine Musson. Era cel mai mare dintre cinci copii. La vârsta de 13 ani, Edgar și-a pierdut mama, ceea ce a fost o lovitură gravă pentru el. Mai târziu, în tinerețe, sub influența noilor idei sociale, Edgar și-a schimbat numele de familie din de Ga la un mai puțin „aristocratic” Degas.

Tatăl artistului, Auguste de Gas, conducea sucursala franceză a unei mari bănci fondată în Italia de bunicul lui Edgar Degas, René Hilaire de Gas. Hilaire de Gas a emigrat în Italia în timpul Revoluției Franceze, crezând că viața lui era în pericol. Mama lui Edgar, Celestine Musson, provenea dintr-o familie franceză stabilită în America. Tatăl ei a fost un agent de schimb de bumbac în New Orleans.

Perioada timpurie

Dorința de a desena a început să se manifeste în Degas deja în copilărie. Cu toate acestea, tatăl său i-a profețit o carieră de avocat, dar Edgar nu avea o mare dorință și capacitate de jurisprudență, iar bogăția familiei i-a permis să picteze, fără să-i pese cu adevărat de mâncare. Neavând mare nevoie de bani, Degas și-a putut permite să nu-și vândă lucrările și să lucreze la ele din nou și din nou, luptă spre perfecțiune. Degas a fost un perfecționist evident, ajungând în pasiunea lui pentru armonia ideală până la punctul de a pierde simțul realității. Deja la începutul lungii sale cariere, Degas era un artist care, după cum glumea ei, doar luând un tablou putea să nu mai lucreze la el.

La vârsta de 20 de ani (1854), Degas a intrat în atelierul celebrului artist Lamothe, care a fost la rândul său elev al marelui Ingres. Într-o familie familiară, Degas s-a întâmplat să-l vadă pe Ingres și și-a păstrat aspectul pentru o lungă perioadă de timp, iar pentru tot restul vieții și-a păstrat dragostea pentru linia melodioasă și forma clară a lui Ingres. Degas iubea, de asemenea, alți mari desenatori - Nicolas Poussin, Hans Holbein - și le-a copiat lucrările de la Luvru cu atâta diligență și pricepere încât a fost dificil să distingem o copie de original.

Louis Lamothe era o figură destul de cunoscută la acea vreme, deși în epoca noastră opera acestui artist este aproape uitată. Lamotte a reușit să transmită dragostea lui Degas pentru contururile clare, pe care Ingre însuși le-a apreciat atât de mult în desen. În 1855, Degas a reușit să-l vadă pe însuși Ingres, care la acea vreme avea 75 de ani, și chiar să primească sfaturi de la el: „Trasează linii, tinere, pe cât posibil, din memorie sau din natură”. Courbet și Delacroix au avut o anumită influență asupra operei lui Degas, dar Ingres a rămas adevărata autoritate recunoscută de acesta până la sfârșitul vieții pentru artist.

Edgar a studiat lucrările marilor maeștri ai picturii la Luvru, în timpul vieții sale a vizitat de mai multe ori Italia (unde rudele lui locuiau de partea tatălui său), unde a avut ocazia să se familiarizeze cu capodoperele maeștrilor italieni. Renaştere. De un interes deosebit pentru pictor au fost maeștri italieni vechi precum Mantegna, Bellini, Ghirlandaio și Giotto. În această perioadă, Andrea Mantegna și Paolo Veronese au devenit idoli pentru el, a căror pictură spiritualizată și colorată l-a uimit literalmente pe tânărul artist. Lucrările sale timpurii se caracterizează printr-un desen ascuțit și precis, o observație ascuțită, combinată fie cu un mod de scriere nobil reținut (schițe ale fratelui său, 1856-1857, Luvru, Paris; desen al capului baronesei Belleli, 1859, Luvru, Paris), apoi cu o performanță dură de veridicitate realistă (portretul unei cerșetoare italiene, 1857, colecție privată).

La începutul anilor 60 ai secolului XIX, Edgar Degas își deschide propriul atelier la Paris. La baza lucrării sale a fost portretul, dar Degas a acordat multă atenție și pânzelor istorice. În timp ce se afla în Italia, Degas a pictat o serie de portrete înfățișând membri ai familiei sale. După aceea, timp de câțiva ani portretul a rămas unul dintre hobby-urile sale puternice, alternând cu teme istorice. Cu toate acestea, deja la începutul anilor 1860, Degas a devenit din nou interesat de scenele din viața modernă și, în primul rând, de cursele de cai.

Pânze istorice

Erau lucrări complexe, de mari dimensiuni, cu ajutorul cărora artistul spera să devină celebru expunându-le la Salon. Un tânăr artist care dorește să expună la Salon, în prima jumătate a anilor șaizeci, apelează la subiecte istorice: „Tinere spartane provocând tineri la concurs” (1860), „Semiramide așează orașul” (1861), „ Alexandru și Bucephalus” (1861-1862) , „Fiica lui Iefta” (1859-1860), „Episodul războiului medieval” („Dezastrele din Orleans”) (1865). Picturile sunt de culoare închisă, de formă uscată. În prima dintre aceste picturi, mișcările figurilor umane de pe pânză sunt lipsite de o grație rafinată, sunt ascuțite și unghiulare, acțiunea se desfășoară pe fundalul unui peisaj obișnuit de zi cu zi.

De fapt, Degas nu a finalizat niciodată niciuna dintre aceste lucrări, în ciuda numeroaselor desene pregătitoare și schițe în ulei. De exemplu, în Exercițiile tinerilor spartani, el a neglijat acuratețea istorică pentru a prezenta o temă din istoria antică într-un mod diferit și clar modern. A pictat întreg tabloul în spiritul clasic strict al lui Poussin, dar a dat chipurilor eroilor trăsăturile „copiilor din Montmartre”, trăsăturile tinereții din suburbiile pariziene, binecunoscute lui. În Semiramis Building Babylon, Degas a creat o lucrare originală captivantă, dar el însuși părea nesigur de direcția corectă în căutarea sa. Dorința de a atinge arta perfectă supremă i-a făcut o glumă crudă lui Degas: mișcarea către ideal a devenit un scop în sine pentru artist. Astfel de lucrări au dat naștere să se vorbească despre eșecurile sau eșecurile lui Degas în acest gen. Cu toate acestea, este imposibil să nu observăm că literalmente pe mai multe pânze el a propus o soluție independentă la o problemă care era dincolo de puterea altora care nu au putut să umple intriga cu propriile lor imagini.

Portretul familiei Belleli

Călătoriile prin Italia și influența pictorilor italieni din secolul al XV-lea l-au inspirat pe Degas să creeze un portret de grup al familiei Belleli. Tradițiile clasice în compoziția de pe această pânză coexistă cu personaje caracteristice, ceea ce distinge pozitiv această lucrare a artistului. Acest impozant portret de grup o înfățișează pe mătușa Degas Laura cu soțul ei, baronul Gennaro Belleli, și cei doi copii ai lor. Laura este însărcinată cu al treilea copil, deși rochia neagră îi ascunde starea. În acest moment, ea a continuat să poarte doliu pentru tatăl ei, bunicul Degas, care a murit recent - portretul său atârnă în spatele Laurei. Degas a început să picteze acest tablou în 1858, când își vizita rudele din Florența. Aici a făcut multe schițe preliminare, dar a scris versiunea finală după ce s-a întors la Paris în 1859. Până atunci, acest portret era cea mai grandioasă lucrare a artistului. Figurile de aici sunt reprezentate aproape în mărime naturală, iar pictura în sine pare elaborată. Puterea și profunzimea compoziției dezvăluie dorința artistului de a urma tiparele Renașterii italiene și tradițiile generației mai vechi de maeștri, în special Ingres, care a creat cândva o serie de portrete remarcabile în Italia. În același timp, imaginea se distinge prin prospețimea și aspectul individual al artistului. Pozele persoanelor care stau în portret sunt neconvenționale, iar în general pânza transmite o atmosferă de legături de familie puternice, deși de fapt căsnicia Laurei nu putea fi numită fericită.

Iată o altă descriere a acestui tablou de către un cunoscător și cunoscător al artei: „În comparație cu portretul oficial de salon, pentru care acuratețea fotografică, punerea în scenă fotografică și fiabilitatea unui instantaneu erau o condiție indispensabilă a esteticii, tabloul în îndrăzneala și adevărul ei a însemnat o adevărată revoluție. Cifrele nu pozează ca în fotografiile contemporane și portretele de salon de calitate medie. Doar Giovanna, una dintre fiice, se uită la un spectator imaginar, restul figurilor sunt concentrate una pe cealaltă. Baroana stă liberă, are o postură mândră, dreaptă și primă. Micuța Julia este smulsă într-un moment de agitație. Ea stă pe marginea scaunului, piciorul stâng este ascuns - tehnica maestrului, cu care el transmite imediate spontană. Pentru pictura academică din acea vreme, aceasta a fost o profanare clară a altarului ... În această imagine, există deja un indiciu al acestui mod de viziune, care îl va uimi apoi pe Degas, atunci când, în orice motiv, va rămâne nechibzuit doar el însuși " (E. Hüttinger).

Impresionişti şi Degas

Edgar Degas. Cai de curse în fața tribunelor. 1869-1872 Muzeul d'Orsay, Paris.

În 1861, Degas l-a cunoscut pe Edouard Manet, a cărui prietenie a continuat până la sfârșitul vieții acestuia din urmă. Fiind o persoană foarte autorizată în rândul tinerilor artiști, șeful informal al grupului Batignolles, Manet l-a prezentat pe Degas tinerilor pictori, care mai târziu au devenit cunoscuți ca impresionişti. În puținele cercuri care uneau artiștii, Degas avea o reputație incontestabil mare datorită manierelor, culturii fine, politeței, originalei, combinate cu ascuțimea, farmecul - toate acestea îi trezeau un anumit respect.

Cu Edouard Manet, Degas reunește o respingere generală a artei de salon academic. Degas era mai interesat de viața modernă în toate manifestările ei decât de comploturile chinuite ale picturilor expuse în Salon. De asemenea, nu a acceptat dorința impresioniștilor de a lucra în aer liber, preferând lumea teatrului, a operei și a cafenelelor. Mai mult, nu-i plăcea aerul în aer liber, crezând că atenția era împrăștiată în aer și prefera necondiționat mediul controlat al studioului. Întrucât stilul lui Degas se baza pe desenul fin, picturile sale au o fidelitate care este complet atipică pentru impresionism.

Aderând la concepții destul de conservatoare atât în politică, cât și în viața personală, Degas a fost extrem de inventiv în căutarea de noi motive pentru picturile sale, folosind unghiuri neașteptate și planuri mărite („Miss Lala at the Fernando Circus”, 1879, National Gallery, Londra) . „Momente capturate” - poate așa s-ar putea spune despre multe dintre lucrările lui Edgar Degas. Aceasta este afinitatea lui interioară profundă cu impresioniștii. Toți erau poeți ai unei lumi tremurătoare, mobile, toți înțeleg viața ca o mișcare constantă. Și dacă pictorii de peisaj au înțeles acest lucru prin mișcarea aerului, luminii, schimbarea anotimpurilor zilei și anului, prin ciclul constant al naturii, atunci Degas a căutat să transmită esența vie a lumii prin mișcarea omului.

Anii 1860 în Franța au fost marcați de săturarea tinerei intelectualități progresiste cu fundamentele burgheze ale Imperiului lui Napoleon al III-lea. Un nou val de artiști a spart ideile tradiționale despre pictură, despre intrigile și eroii picturilor, introducând în cercul lor scene simple din viața Franței napoleoniene. Modul și strălucirea muncii lor erau apropiate de Edgar Degas. El, însă, spre deosebire de impresioniști, a fost un artist mai social; plecând de la tradițiile clasicismului și romantismului vechilor școli de pictură din Franța, a acordat mai multă atenție nu imaginilor abstracte cotidiene ale vieții moderne, ci subiectelor legate de munca cotidiană, adesea grea, a contemporanilor săi.

Impresioniștii au acordat mai multă atenție luminii (aici ne putem aminti de picturile lui Manet și Monet), Edgar Degas, la rândul său, a acordat mai multă atenție mișcării.

Chiar și un anumit succes al picturii istorice de Degas " Necazurile orașului Orleans”la Salonul din 1865 nu l-au descurajat pe artist de la dorința conștientă de a înfățișa viața modernă în noua sa manieră, oarecum revoluționară, la acea vreme.

Criticii sunt adesea de acord că, în ciuda reticenței lui Degas (spre deosebire de impresioniști) de a lucra în aer liber, munca lor este fundamental foarte asemănătoare în general, ceea ce, la rândul său, ne permite să-l clasificăm pe Edgar Degas drept impresionist. În același timp, Degas însuși a respins termenul de „impresionism”, precum și unele principii de creativitate ale artiștilor inovatori, iar spre sfârșitul vieții s-a distanțat de societatea lor. Rămâne de amintit că împărțirea picturii, precum și a pictorilor după stil, este întotdeauna foarte arbitrară. Numele tendințelor și stilurilor în sine, de regulă, sunt aleatorii, au apărut și au fost fixate spontan și spun puțin despre fenomenul de artă care se numește. Mai degrabă, vorbim despre un fel de impuls comun epocii, exprimat de fiecare artist individual și într-un mod aparte.

Războiul franco-prusac

În 1870, valul războiului franco-prusac a ajuns la Paris. La fel ca Manet, Degas s-a oferit voluntar pentru armată. A slujit în infanterie și artilerie. Degas s-a oferit voluntar pentru un regiment de infanterie, dar la prima tragere s-a dovedit că artistul nu vedea bine cu ochiul drept - acesta a fost începutul unei boli care s-a transformat în orbire aproape completă la sfârșitul vieții. Din cauza vederii slabe, Degas a fost transferat la un regiment de artilerie.

Edgar Degas. Spalatul. 1886 Hill Stand Museum, Farmington, Connecticut, SUA.

Anii șaptezeci și expozițiile impresioniste

La sfârșitul războiului, Degas a vizitat Marea Britanie, apoi a vizitat Statele Unite ale Americii, unde locuiau rudele sale materne. În 1871, când s-a încheiat războiul, artistul a făcut o scurtă călătorie la Londra, iar în iarna anilor 1872-1873 a petrecut câteva luni la New Orleans alături de rudele sale americane. Una dintre verișoarele lui Edgar, Estelle Musson, era oarbă, iar Degas simțea o simpatie deosebită pentru ea, prevăzând chiar și atunci că el însuși ar putea pierde în curând vederea.

În 1873, artistul s-a întors la Paris. Au venit vremuri grele pentru el: tatăl său a murit, lăsând datorii mari. Potrivit altor surse, datoriile au fost rezultatul unor tranzacții nereușite la bursa americană de bumbac ale fraților Degas, care au moștenit biroul de brokeraj al unchiului lor. Dorind să păstreze reputația familiei, Degas a plătit o parte din datoria din banii săi, pe care i-a moștenit, dar acest lucru nu a fost suficient. A trebuit nu numai să vândă casa și colecția de vechi maeștri adunate de tatăl său, ci și pentru prima dată să se gândească la vânzarea propriilor lucrări. Cunoașterea impresioniștilor a fost foarte utilă - Degas a participat la aproape toate expozițiile lor din 1874.

Între 1874 și 1886 au avut loc opt expoziții ale impresioniștilor, iar Degas a participat la șapte dintre ele, lipsind doar penultima, în 1882. Fiind un desenator remarcabil, Degas a reușit să descrie viața contemporană cu o abilitate demnă de peria artiștilor din vremuri trecute. Criza financiară pe care a trăit-o Degas după moartea tatălui său a fost depășită după câțiva ani de muncă intensă, zilnică, iar până în 1880 Degas devenise o figură proeminentă și respectată în lumea artei pariziene. După expoziția finală a impresioniștilor din 1886, artistul a încetat să-și mai expună opera public, preferând să-și vândă picturile la un preț ridicat prin mai mulți agenți de vânzări.

Dansatorii Degas

Popularitatea extraordinară a scenelor de balet descrise de Degas este ușor de explicat, întrucât artistul ne arată lumea grației și a frumuseții, fără a cădea într-un sentimentalism excesiv. Viața baletului le este transmisă atât de viu încât ne puteți imagina cu ușurință cât de proaspete și originale au părut aceste picturi contemporanilor lui Degas. Artiștii care au scris balet înainte de Degas fie au construit compoziții corecte din punct de vedere geometric, fie au înfățișat vedetele de balet înclinându-se în fundături grațioase. Astfel de portrete semănau cu fotografii ale vedetelor de film de la Hollywood făcute pentru coperta unei reviste lucioase.

„Ei mă numesc pictor de dansatori”, a scris Degas. De fapt, a abordat adesea acest subiect. Dar este complet greșit să credem că Degas era un erotoman. „Balerinii au fost întotdeauna doar o scuză pentru mine pentru a descrie țesături minunate și a capta mișcarea”, a spus Degas.

O intrare interesantă din Jurnalul lui Edmond de Goncourt, făcută la 13 februarie 1874: „Ieri am petrecut toată ziua în atelierul unui artist uimitor pe nume Degas. După multe încercări, experimente, tatonări în toate direcțiile, s-a îndrăgostit de tot ce este modern, iar în această modernitate și-a fixat privirea pe spălători și dansatori. De fapt, alegerea nu este atât de rea. Totul este alb și roz; corpul feminin în cambric și tifon este cea mai fermecătoare ocazie de a aplica tonuri ușoare și delicate... Dansatorii trec prin fața ochilor noștri... Imaginea înfățișează un foaier de balet, unde pe fundalul unei ferestre strălucitoare coboară contururile fantastice ale picioarelor dansatorilor. apar scarile; printre toți acești nori albi ondulatori, pata roșie a muștelor de tartan și figura amuzantă a coregrafului stă într-un contrast puternic. Și în fața noastră apar îndoirile grațioase ale trupurilor, întoarcerile și mișcările acestor fetițe surprinse în natură.Artistul își arată picturile, suplimentând din când în când explicațiile cu reproducerea unei figuri coregrafice, o imitație, în limbajul dansatorilor. , a unuia dintre arabescuri. Și este cu adevărat amuzant să vezi cum el, stând în picioare, cu mâinile ridicate deasupra capului, amestecă estetica dansului cu estetica picturii, vorbind despre tonurile impure ale lui Velazquez și silueta lui Mantegna.

Pe vremuri, Antoine Watteau, iubitor de subiecte de teatru, a preferat să deseneze doamne fermecatoare, frivole și tineri melancolici grațioși în ipostaze înghețate simulate, care erau pentru Watteau un simbol vizibil al frumuseții unei lumi condiționate și fragile - frumoasă, despărțită de irealitatea sa de viața de zi cu zi. Fiind un observator impecabil, Degas a observat ceva ce nu a fost niciodată acordat atenției artiștilor din anii trecuți: mișcarea mâinii unei doamne care stătea lângă el, sau binoclul lăsat de cineva, sau un evantai singuratic uitat pe un fotoliu de un fată tânără. Ar putea Antoine Watteau să-și permită să înfățișeze scena, privind-o prin sute de spectatori așezați în sală, înfățișând nu acțiunea în sine, ci profilul unui vecin la întâmplare, o conversație auzită involuntar și expresiile faciale ale interlocutorilor? Edgar Degas a perceput teatrul în acest fel. Pe tema dansatorilor, Degas a fost puternic influențat de Honoré Daumier. În litografiile sale, a înfățișat doar scene de teatru aleatorii smulse din planul general, și-a transformat fețele în măști grotești care amintesc de măștile de teatru ale lui Callot.

Figuri fragile și fără greutate de balerine apar în fața privitorului fie în amurgul orelor de dans, fie în lumina reflectoarelor de pe scenă, fie în scurte momente de odihnă. Aparenta lipsă de artă a compoziției și poziția dezinteresată a autorului creează impresia unei vieți a altuia aruncat cu privirea („Clasa de dans”, 1873-1875; „Dansator pe scenă”, 1878 - ambele la Musee d'Orsay, Paris; „Dansatorii la repetiție”, 1879, Muzeul Pușkin, Moscova; „Dansatorii albaștri, 1890, Musée d'Orsay, Paris). Aceeași detașare se observă la Degas în reprezentarea nudului.

De multe ori s-a spus despre detașarea lui Degas în raport cu modelele sale. Într-adevăr, reprezentarea dansatorilor în picturile lui Degas este lipsită de un sentiment erotic sau de un sentiment de contact uman personal. Unii cunoscători ai operei lui Degas cred că se poate observa contrastul dintre obiectivitatea impasibilă din reprezentarea personajelor - și sentimentul cald și plin de viață revărsat în pictura în sine. Această afirmație, poate, este aproape de obiectivitate când vine vorba de culoarea fundalului, dar afirmația că picturile lui Degas poartă atât ironia subtilă, ușor tristă a artistului, cât și tandrețea sa profundă pentru modele, este similară cu emoționalitatea criticul de artă însuși și nu poate fi dovedit. În general, sfera sentimentelor din picturile multor artiști nu este direct exprimată, iar toate descrierile spectrului de emoții care par să existe într-o anumită imagine sunt doar fantezii care nu pot fi nici dovedite, nici infirmate. Aceasta este puterea și slăbiciunea lor.

Imaginea cafeshantanilor în opera lui Degas

Cea mai exactă dovadă a cafeschantanilor aparține periei aristocratului și frecventatorului saloanelor elegante din Parcul Monceau, Edgar Degas, care a fost înaintea lui Toulouse-Lautrec cu un deceniu întreg. De-a lungul ultimei treimi a secolului al XIX-lea, înainte de apariția cinematografiei, cafenelele au rămas un loc preferat de relaxare pentru parizieni. Aceste instituții erau foarte diverse și se regăseau peste tot, așa cum sunt și cinematografele astăzi: la Montmartre, bulevardul Strasbourg, pe Champs Elysees și în suburbii. Cele mai atractive, desigur, erau cele care se deschideau vara, la aer curat, în grădini luminate de bile albe de gaz.

Degas, căruia nu-i plăcea spațiul deschis, a preferat iluminatul artificial, iluminatul cu gaz l-a ajutat să găsească noi soluții. El le-a spus prietenilor săi impresioniști: „Ai nevoie de o viață naturală, eu am nevoie de una artificială”. Cu toate acestea, scenele din viața cafenelelor de pe pânzele sale au răspuns primei sarcini pe care impresioniștii și-au pus-o ei înșiși - să reflecte modernitatea. L-au atras caracterul democratic și chiar o anumită vulgaritate a cafenelelor. O astfel de atmosferă l-a amuzat și l-a distrat pe Degas. Acolo s-au întâlnit personalități extraordinare: ventriloci, excentrici, patrioți, țărănci, doamne sentimentale, epileptice... Tipuri de acest gen încă există și, dacă te gândești bine, orice star pop modernă poate fi atribuită uneia dintre aceste categorii. Degas nu avea nicio preferință; a vizitat de bunăvoie atât unitățile elegante de pe Champs Elysees, La Scala, Ba-Ta-Clan, Elise-Montmartre, cât și tavernele dubioase din Belleville și La Villette, unde siluetele neobișnuite l-au atras.

Viata personala

În viața personală, Degas a fost atât rezervat, cât și temperat; a avut accese de furie. Prietenii și membrii familiei sale au vorbit despre Degas ca pe o persoană stângace, directă. Într-adevăr, cândva a fost numit cu afecțiune „pui de urs” pentru mormăitul și mormăitul lui frecvent. Atitudinea lui Degas față de propriul său corp era lipsită de convenții. Într-adevăr, cada, pe care o vedem adesea în multele sale picturi ulterioare cu femei care se spală, a fost plasată cu îndrăzneală de el în mijlocul studioului. Era cunoscut și ca un actor mimic capabil.

Totuși, nu există nicio dovadă a dorinței lui Degas de apropiere fizică de balerinii sau de oricare dintre modelele sale, precum și orice alte informații despre viața personală a artistului. Nimeni nu știa dacă Degas are o amantă. Degas însuși nu a vorbit niciodată despre relațiile lui cu femeile.

„Birou din bumbac”

La întoarcerea în Franța, Degas creează „ birou de bumbac„(1873), o pictură remarcabilă prin compoziție, expresie, lumină și culoare. Degas a pictat această imagine în timpul unei călătorii la rudele sale din New Orleans. Intriga pe care a ales-o pentru pânza sa - un birou de afaceri - înainte de asta, toți artiștii au evitat-o cu grijă. Portretele exacte ale personajelor sunt înscrise superb de Degas în atmosfera unui mediu de afaceri și, în general, tabloul este o schiță vie a vieții de zi cu zi, ecou mai degrabă cu romanele lui Emile Zola decât cu majoritatea lucrărilor pictorilor contemporani Degas. New Orleans era la acea vreme al patrulea oraș ca mărime din Statele Unite și, ca port maritim, rivaliza cu principalul port al țării, New York. Baza prosperității orașului a fost comerțul cu bumbac. Degas i-a scris prietenului său: „O palmă. Toată lumea de aici trăiește numai din bumbac și de dragul bumbacului.” În prim-planul tabloului se află unchiul Degas, Michel Musson, un agent de schimb de bumbac; fratele artistului, René de Gas, este înfățișat citind un ziar, în timp ce celălalt frate al său, Achille de Gas, stă sprijinit de un despărțitor în fundal din stânga. Rene și Achilles importau vin în New Orleans, iar Degas era mândru de succesul lor. Aici, în biroul unchiului, s-au oprit o vreme și, prin urmare, stau pe loc în timp ce toți ceilalți sunt ocupați cu munca. Deși lucrarea dă impresia de spontaneitate, compoziția ei a fost gândită la fel de atent ca pe toate pânzele Degas. De exemplu, figurile îmbrăcate în negru sunt aranjate astfel încât să iasă în evidență strălucitoare pe fundal și să pară să iasă din imagine. Mai târziu, el pictează un portret al artistului Lepik („Piața Concordului”) - într-o anumită măsură, un tip revoluționar de artă portretistică, atunci când mediul personajului principal (condițional) are nu mai puțină greutate, valoare și semnificație decât eroul. a portretului.

„Instituția Tellier”

Lucrări dintr-o serie de schițe Montmartre au fost comandate de Degas pentru ediția de lux a familiei Cardinal, concepută de Ludovic Halévy. În acest scop, a adunat multe schițe, litografii, monotipuri și desene. Subiectul l-a interesat pe Degas, iar acesta a continuat să o dezvolte cu entuziasm, în spiritul lui Rabelais, ceea ce este cu atât mai ciudat, cu cât Alevi și-a abandonat curând planul. În timpul vieții lui Degas, aceste lucrări făcute în grabă au fost văzute doar de câțiva norocoși, printre care s-a numărat și Renoir, care a fost încântat de ele. Vollard a reușit să obțină câteva desene pentru a le folosi ca ilustrații pentru Casa lui Tellier de Maupassant și Grimaces of the Courtesans de Pierre Louis. Doar datorită unei coincidențe atât de fericite, această latură puțin cunoscută a operei lui Degas a ajuns până la noi. Sub pretextul că vrea să lase memoria fratelui său nepătată, René de Haas a distrus majoritatea desenelor pe care le găsise în atelierul lui Edgar după moartea sa.

Vollard, mereu lent în a-și îndeplini planurile, a publicat The Tellier's Establishment cu ilustrații de Degas abia în 1934. Cartea s-a dovedit uimitoare; după ce a cumpărat un exemplar, Picasso a considerat-o o perlă în colecția sa. Ulterior a lăsat-o moștenire la Luvru, unde este încă expusă în colecția sa personală.

Pasteluri Degas

Pastelul constă dintr-un pigment colorant sub formă de pudră amestecat cu o cantitate mică de substanță lipicioasă (de obicei gumă arabică) și presat într-o formă de creion. Pastelul poate da atât un ton foarte saturat, cât și unul foarte slab, dar are un mare dezavantaj: stratul pastel aplicat pe suprafață este extrem de de scurtă durată și poate fi distrus la cea mai mică atingere. Pentru a evita acest lucru, suprafața este tratată cu o compoziție specială care protejează modelul, dar culorile se estompează vizibil. Artiștii au început să folosească pastelul la sfârșitul secolului al XV-lea, iar în secolul al XVIII-lea pastelul era într-o modă deosebită, și mai ales în portrete. Apoi a venit perioada în care pastelul a fost uitat, iar interesul pentru el s-a trezit abia în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Unii dintre cei mai importanți pictori impresioniști au îmbrățișat pastelul, apreciindu-l pentru prospețimea tonului și pentru viteza cu care le-a permis să lucreze.

De-a lungul anilor, Degas a preferat tot mai mult pastelul, adesea combinat cu monotip, litografie sau guașă. Pastelul atrage maestrul prin noblețea, puritatea și prospețimea culorii, suprafața texturată catifelată, vivacitatea și vibrația incitantă a loviturii. Nimeni nu a putut egala măiestria pastelului cu Degas, care l-a folosit cu putere și ingeniozitate, lucru pe care niciunul dintre contemporanii săi nu le-a realizat. Degas este un colorist subtil, pastelurile sale sunt fie armonioase, ușoare, fie, dimpotrivă, construite pe contraste de culoare ascuțite. Picturile sale par smulse accidental din curgerea vieții de scene, dar acest „accident” este rodul unei compoziții bine gândite, în care un fragment decupat dintr-o figură, o clădire, subliniază imediatul impresiei.

Maniera lui Degas a fost remarcabilă prin libertatea sa uimitoare, a aplicat pasteluri cu linii îndrăznețe, întrerupte, lăsând uneori tonul hârtiei să apară prin pastel sau adăugând linii în ulei sau acuarelă. Una dintre descoperirile artistului a fost prelucrarea picturii cu abur, după care pastelul s-a înmuiat și a putut fi umbrit cu pensula sau cu degetele. În lucrările sale ulterioare, amintind de un caleidoscop festiv de lumini, Degas a fost obsedat de dorința de a transmite ritmul și mișcarea scenei. Pentru a da vopselelor o strălucire deosebită și a le face să strălucească, artistul a dizolvat pastelul cu apă fierbinte, transformându-l într-un fel de vopsea în ulei și l-a aplicat pe pânză cu o pensulă. Lucrările ulterioare ale lui Degas se remarcă și prin intensitatea și bogăția culorii, care sunt completate de efectele luminii artificiale, de forme mărite, aproape plane, și de constrângerea spațiului, care le conferă un caracter tensionat dramatic („Blue Dancers”, pastel). , Muzeul de Stat de Arte Frumoase, Moscova).

Degas nu numai că a folosit tehnica pastelului într-un mod nou, dar a creat și picturi cu ea mai mari decât lucrările altor artiști realizate în pastel. Uneori coasea mai multe foi împreună pentru a obține suprafața de dimensiunea de care avea nevoie. În ultimele sale lucrări în pastel, realizate deja când vederea i-a fost foarte slăbită, formele maiestuoase sunt aproape complet dizolvate în focul culorilor aprinse. Istoricul de artă american George Heard Hamilton a scris despre aceste lucrări ale lui Degas: „Culoarea picturilor sale a fost ultimul și cel mai mare dar al artistului pentru arta modernă. Chiar și cu Degas, care își pierdea vederea, paleta a rămas apropiată de cea a fauviștilor.”

Tehnica pastelului i-a permis lui Degas să-și arate mai clar talentul de desenator, dragostea pentru linia expresivă. În același timp, tonurile bogate și o notă „sclipitoare” de pasteluri l-au ajutat pe artist să creeze acea atmosferă colorată deosebită, acea aerisire irizată care îi distinge atât de mult opera. Privind pastelurile lui Degas, se realizează cu o claritate deosebită esența noilor cuceriri ale picturii. Culoarea de aici pare să apară în fața ochilor tăi dintr-o strălucire irizată, dintr-un flux de „particule elementare” iridescente, dintr-un vârtej de linii de „putere” care se intersectează. Totul aici este plin de mișcare semnificativă. Fluxul liniilor dă naștere formei, culoarea se naște dintr-un vârtej de mișcări colorate. Acest lucru se observă mai ales în „Dansatorii albaștri” de la Muzeul din Moscova, unde melodia dansului pare să apară din pâlpâirea irizată a tonurilor pure. Dintre cele zece lucrări ale lui Edgar Degas păstrate în muzeele rusești, doar una („Dansatorul la fotograf” de la Muzeul de Arte Frumoase Pușkin) este pictată în ulei. Restul sunt realizate în pasteluri.

De-a lungul vieții sale, Degas a creat un număr mare de schițe pregătitoare și lucrări terminate. Lucrările sale grafice pot servi ca dovadă a creșterii creative prin care a trecut artistul, ele demonstrând clar modul în care maestrul a creat compoziții pastelate înfățișând scene de dans din schițe, mișcări și ipostaze separate. În aceste lucrări, abordarea coloristică a autorului este mult mai îndrăzneață decât în picturile sale. În ele, a folosit culoarea în mod liber și muşcător.

Creativitate târzie

Până la sfârșitul anilor 1980, Degas și-a realizat în esență dorința de a „deveni celebru și necunoscut”. Era practic și capabil să-și gestioneze influența, în contact constant cu mulți artiști, iar o astfel de activitate a început să-i enerveze pe unii dintre colegii săi. Ca o dovadă suplimentară a faptului că este încrezător în talentul său și calm în ceea ce privește poziția sa, Degas se închide într-un cerc restrâns de prieteni apropiați. Este expus doar în câteva locuri publice selectate, ceea ce stârnește interesul pentru ea din reviste de artă respectabile din Paris. Productivitatea lui Degas crește, numărul lucrărilor finalizate destinate vânzării, în același timp își planifică cu atenție strategia de licitație cu un grup de dealeri de încredere. Cel mai proeminent dintre aceștia a fost Durand-Ruel, pe care Degas l-a cunoscut la începutul anilor '70. Degas era conștient de presiunile presei comerciale și pare să fi făcut distincția între „mărfuri” orientate spre piață, așa cum le-a numit el, și restul scrierilor sale. Primele s-au caracterizat în primul rând printr-un grad ridicat de decorare, cele din urmă erau în mod clar mai avangardiste. Câțiva dintre ei au ajuns în galeria lui Theo van Gogh (fratele lui Vincent). Deși Degas s-a îndepărtat din ce în ce mai mult de rolul proeminent și activ pe care l-a jucat în comunitatea artiștilor parizieni, influența sa asupra tinerei generații a crescut. Degas nu a avut niciodată studenți, dar mulți artiști, precum Paul Gauguin, Georges Seurat, Henri Toulouse-Lautrec, și-au recunoscut influența asupra artei lor.

Evaluarea muncii lui Degas în anii următori nu este ușoară. Cert este că undeva în 1886 a încetat să mai folosească caietele și tocmai din ele cercetătorii au adunat o mulțime de informații despre primele perioade ale lucrării sale. Începând cu anii 1990, lucrările lui Degas poartă amprenta unui bărbat în vârstă, al cărui trup, suflet și moral au suferit grele încercări în ultimii douăzeci și șapte de ani ai vieții sale. Inteligența și umorul au fost înlocuite cu un ton mai serios, productivitatea creativă a scăzut treptat din cauza orbirii iminente. S-a remarcat că în lucrările acestei perioade, Degas a adus pe deplin un omagiu elementelor abstracte ale artei sale. Intensitatea culorii a crescut, iar linia a devenit mai energică și mai expresivă. Deși spațiul, ca și înainte, a rămas teatral (ireal) sau nedefinit, figurile, acum în mare parte scălătoare, nici nu au pierdut timp, nu fără efort își fac față trupurilor slăbite. Și totuși au o voință puternică și neîntreruptă a artistului însuși. Adesea, aceste lucrări ulterioare sunt interpretate ca fiind doar rezultatul afecțiunilor senile ale artistului, asuprit de orbirea progresivă, devenind intolerant, suferind de melancolie și singurătate, transformat într-un antisemit sub influența afacerii Dreyfus. Da, tot ce s-a spus mai sus este adevărat, dar este și adevărat că Degas nu și-a pierdut flexibilitatea minții, a rămas o personalitate strălucitoare controversată și a căutat noi căi în artă.

Până în 1882, vederea artistului a început să se deterioreze brusc, iar Degas a început să se orienteze către tehnica pastelului, apoi spre sculptură. Figurile descrise pe pânzele sale ulterioare sunt întotdeauna mărite ca și cum artistul le-ar examina de la o distanță foarte apropiată. Edgar Degas a fost un artist aproape universal, nu numai din punct de vedere al genurilor, ci și din punct de vedere al tehnicii în care și-a interpretat opera. Treptat, Degas a trecut aproape complet de la ulei la pastel, deoarece această tehnică i-a permis să simtă apropierea de suprafața imaginii și i-a permis să-și obosească mai puțin vederea. Dar pastelul se sfărâmă din imagine, trebuie fixat cu o soluție specială și, ca urmare, culorile se întunecă. Prin urmare, în cele din urmă, Degas și-a inventat propriul mod de a face ulei în funcție de caracteristicile sale apropiate de pastel și a început să picteze în ulei folosind tehnica pastelului.

Sculpturi de Degas

Degas a început să sculpteze mici sculpturi de ceară la sfârșitul anilor 1860 și, pe măsură ce vederea i s-a deteriorat, artistul a acordat din ce în ce mai multă atenție acestui gen special. Temele sculpturilor lui Degas au repetat temele picturilor sale - dansatori, scălător sau jochei în galop. Degas și-a sculptat aceste lucrări pentru el, i-au înlocuit schițele și a finalizat doar câteva sculpturi. De-a lungul timpului, Degas apelează din ce în ce mai mult la sculptură, pentru că aici se poate baza mai mult pe atingere decât pe vederea aproape pierdută. Degas însuși nu s-a ocupat de metal și piatră: a făcut sculpturi din materiale moi exclusiv pentru el. În figurile balerinelor, scălătoarelor, cailor (deseori schițați în modelare), Degas a realizat transmiterea plastică expresivă a mișcării instantanee, claritatea și neașteptarea ipostazei, păstrând în același timp integritatea plastică și constructivitatea figurii.

Sprijinit de colegul sculptor Bartolome, Degas a creat un număr mare de figuri de ceară și lut de dansatori și cai. Degas a apreciat ceara pentru caracterul ei schimbător, prietenii care au vizitat atelierul artistului au găsit uneori o minge de ceară în locul sculpturii: se pare că Degas a considerat opera lui nereușită. Niciuna dintre aceste sculpturi, cu excepția „Micul dansator de paisprezece”, Degas nu a expus niciodată. După moartea lui Degas, aproximativ 70 de lucrări supraviețuitoare au fost găsite în atelierul său, iar moștenitorii artistului le-au transferat în bronz - Degas însuși nu a lucrat niciodată cu bronzul. Primele mostre ale acestor sculpturi au apărut în 1921. Mulți ani s-a crezut că sculpturile de ceară în sine, din care s-au făcut turnările, nu pot fi păstrate, dar au fost descoperite la subsol în 1954; după cum sa dovedit, pentru turnare au fost folosite duplicate special făcute. În anul următor, toate sculpturile în ceară ale lui Degas au fost cumpărate de colecționarul american Paul Mellon, care, după ce a donat o mică parte din lucrări Luvru, rămâne în continuare proprietarul majorității acestora. Din fiecare sculptură în ceară s-au făcut aproximativ 20-25 de modele, astfel încât numărul total de exemplare este de aproximativ 1500. Unele dintre ele pot fi văzute în muzeele importante din întreaga lume și în unele locuri, de exemplu, în Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhaga. , există set complet.

Desene de Degas

Desenul a fost piatra de temelie a tuturor lucrărilor lui Degas. Artistul și-a exercitat mâna, lucrând în tradiția lui Ingres, unul dintre cei mai importanți desenatori din istoria artei europene. Degas a fost ajutat de o memorie vizuală fenomenală și de un simț înnăscut al plasticității liniei și conturului. S-a născut să deseneze.

În desenele sale timpurii, Degas a obținut o acuratețe și un naturalism uimitoare, folosind adesea un creion pentru asta. Cu toate acestea, în anii 1870, stilul artistului a devenit mai liber și mai fluid, moment în care Degas a abandonat aproape complet creionul și a trecut la cretă albă și cărbune negru. Efectul uimitor pe care l-a obținut cu această tehnică este bine ilustrat de schița nedatată a doi călăreți. Degas a folosit, de asemenea, o tehnică diferită de scriere și de foarte multe ori a combinat materiale diferite în cadrul aceleiași lucrări. Majoritatea desenelor lui Degas sunt schițe și schițe ale unor figuri umane, precum Balerina leagă un pantof, 1880-1885. Acest desen este realizat nu atât cu un creion, cât cu cărbune. De obicei, artistul a realizat o serie de schițe preliminare și uneori a folosit același studiu pentru mai multe pânze diferite.

Inovație degazează

Arta lui Degas se caracterizează printr-o combinație de frumos, uneori fantastic, și prozaic. Fascinat de diversitatea și mobilitatea vieții urbane, el pictează Parisul contemporan (străzi, teatru, cafenele, curse de cai) în aspecte în continuă schimbare. Lucrările lui Degas, cu compoziția lor strict calibrată (asimetrice, având o fragmentare dinamică a cadrului filmului), cu desenul lor precis și flexibil, unghiurile neașteptate, interacțiunea activă dintre figură și spațiu (deseori parcă întors pe dos în plan), combina imparțialitatea aparentă și aleatorietatea cu o atenție atentă și un calcul precis.

Degas s-a străduit pentru „realismul” sau „naturalismul” maxim al operelor sale. Deși cei doi termeni au fost adesea interschimbați, în realitate naturalismul a fost o formă mai progresivă de realism, deoarece a fost îmbogățit de cele mai recente progrese ale științei. Scriitorul și jurnalistul Edmond Duranty, prieten cu Degas, și-a îndemnat cu insistență prietenii să urmărească descoperirile din știință, să folosească inovațiile pentru ca arta artistului să țină pasul cu vremurile. Modul în care Degas a urmărit acest realism științific poate fi ilustrat prin atitudinea sa față de expunerea lucrărilor în expozițiile impresioniste.

Așezând toate picturile fiecărui artist în încăperi cu scheme de culori intime, cu pereți pictați în tonuri necunoscute care completau picturile și prin extinderea orelor de vizită de seară când erau aprinse lămpi cu gaz, Degas și colegii săi au creat efecte, acționând în conformitate cu ultimele descoperiri ale fizicii optice. Ca și alți impresioniști, Degas a acordat o mare importanță ramelor, el însuși a proiectat culoarea și forma acestora. După cum a explicat mai târziu Claude Monet, Degas a făcut acest lucru pentru a „face ca cadrul să ajute și să completeze lucrarea”, sporind astfel culorile. Degas chiar a stipulat în mod expres că ramele picturilor sale nu ar trebui să se schimbe. Când într-o zi și-a văzut tabloul, introdus într-un cadru turnat aurit obișnuit, l-a cumpărat înfuriat.

Faptul că Degas era pasionat de invenții tehnice este dovedit de gravurile sale, le-a folosit și pe cele tradiționale într-un mod nou, de exemplu, pastel și tempera, pe bază de lipici, și nu pe ulei. Ambele materiale sunt uscate sau cu uscare rapidă, opace, ceea ce i-a permis lui Degas să facă cu ușurință modificări (și să mascheze) compozițiile sale. Folosind potențialul lor expresiv pentru a descrie lumea contemporană a operei și a cafenelelor, Degas a fost convins că fragilitatea acestor materiale este cea mai potrivită pentru a transmite bucuriile trecătoare ale artelor spectacolului.

Lipsa unei tradiții profunde în această tehnică i-a permis lui Degas să folosească liber hârtie pentru bază, elastică și pliabilă, care putea fi adăugată sau îndepărtată în timpul lucrului la compoziție. În plus, a folosit umbrirea și propriile degete pentru a crea planuri tonale; cu ajutorul unei pensule și a apei, a aplicat pigmenții pudrați ai creioanelor pastel pentru a obține un joc fin de culori. Eforturile sale au fost încununate cu apariția unui nou vocabular al realismului, așa cum au reușit să facă în literatura contemporană frații Goncourt (Edmond-Louis-Antoine și Jules-Alfred) și Emile Zola. Criticii au deplâns caracterul aleatoriu al punctelor de vedere ciudate, formele tăiate și podelele înclinate din picturile sale. Aceste elemente făceau parte din ideologia realismului-naturalismului. De altfel, în spatele spontaneității compozițiilor sale s-a ascuns pregătirea lor atentă. Degas a fost, după definiția lui Edmond de Goncourt, care a vizitat atelierul artistului, „un om care, mai bine decât oricine altcineva, a reușit, transcriind viața modernă, să-i capteze sufletul”.

Apus de soare

Cu aproape zece ani înainte de moartea sa, Degas practic a încetat să scrie. Trăia singur. În timp ce Renoir și Monet se bucurau de căldura vetrei familiei, Degas trăia din ce în ce mai singur în apartamentul său de burlac, presărat cu o grămadă haotică de pânze luxoase și prăfuite, lucruri și covoare rare. Moartea i-a luat pe mulți dintre cei mai apropiați vechi prieteni ai săi, iar temperamentul lui prost l-a lipsit de compania celor câțiva prieteni supraviețuitori. Paul Valéry, care venea uneori să-l viziteze pe Degas în studio, a lăsat o descriere a existenței sumbre a unui artist aproape orb care nu mai știa să scrie și a desenat doar puțin cu cărbune. Cu toate acestea, până la vârsta de 80 de ani era deja un artist recunoscut, picturile sale au fost vândute la prețuri fabuloase pentru acea vreme.

Edgar Degas a murit la 27 septembrie 1917 la Paris, la vârsta de 83 de ani, fiind un maestru recunoscut și pictor cu autoritate, considerat pe drept unul dintre cei mai străluciți reprezentanți ai impresionismului, un creator original. Conform ultimului testament al lui Degas, înmormântarea a fost modestă, deși mulți prieteni vechi s-au adunat pentru a-l vedea pe Degas în ultima sa călătorie, printre care se numărau Claude Monet și artistul Jean-Louis Forain. Degas a cerut să nu facă discursuri de doliu în timpul înmormântării sale și a insistat mai ales că, dacă Forin trebuie să spună câteva cuvinte, să fie cea mai simplă frază, de genul: „El, ca și mine, îi plăcea foarte mult să deseneze”.

Un crater de pe Mercur poartă numele lui Edgar Degas.

Mod creativ

Degas nu era interesat de peisaj, care ocupa un loc central în opera impresioniștilor, și nu a căutat să surprindă pe pânză jocul evaziv de lumini și umbre care îl fascina atât de mult pe Monet. Degas a apărut din pictura tradițională, care a însemnat atât de puțin pentru alți impresioniști. Degas poate fi atribuit impresionismului doar datorită jocului tremurător și luminos al culorilor. Obișnuit, atât pentru Degas, cât și pentru restul impresioniștilor, a fost, probabil, doar un interes avid pentru subiectele picturale ale vieții moderne și dorința de a-l surprinde pe pânză într-un mod nou, neobișnuit. Degas însuși a spus: „Trebuie să ai o idee înaltă despre artă; nu despre ceea ce facem în acest moment, ci despre ceea ce ne-am dori să realizăm într-o zi. Nu merită să lucrezi fără el.” Auguste Renoir a spus despre prietenul său: „Degas a fost perspicace. Nu s-a ascuns cel mai revoluționar artist din toată noua pictură în spatele unei redingote negre, a unui guler dur amidonat și a unei pălărie de cilindru?

Ironia sorții, dar în anii 1890, după prăbușirea grupului impresionist, lucrările lui Degas s-au apropiat cel mai mult ca stil de impresionism. Cu toate acestea, formele neclare și tonurile strălucitoare pe care a început să le folosească în acești ani au fost mai mult rezultatul unei pierderi progresive a vederii decât dorința artistului pentru culorile și formele caracteristice impresionismului. Spontaneitatea nu era inerentă artistului, iar el însuși a spus: „Tot ceea ce fac, am învățat de la vechii maeștri. Eu însumi nu știu nimic despre inspirație, sau spontaneitate sau temperament. Dramatica deosebită a imaginilor se naște de foarte multe ori dintr-o mișcare neașteptat de îndrăzneață a liniilor, o compoziție neobișnuită care seamănă cu o fotografie de moment, în care figurile cu părți individuale ale corpului rămase în spatele cadrului sunt deplasate în diagonală într-un colț, partea centrală. o parte a imaginii este un spațiu liber („Orchestra of the Opera”, 1868-1869, Musée d'Orsay, Paris; Two Dancers on Stage, 1874, Gallery of the Warburg and Courtauld Institute, Londra; Absinthe, 1876, Musee d „Orsay, Paris). Pentru a crea tensiune dramatică, artistul a folosit și lumina direcțională, înfățișând, de exemplu, o față împărțită de un reflector în două părți: iluminată și umbrită („Cafechantan în ambasador”, 1876-1877, Muzeul de Arte Frumoase, Lyon; „ Singer with a Glove”, 1878, Vogt Museum, Cambridge). Această tehnică a fost folosită ulterior de A. de Toulouse-Lautrec în afișe pentru Moulin Rouge.

Darul său de observație, acuratețea și vigilența privirii sale erau incomparabile. Iar puterea memoriei vizuale nu putea fi comparată cu el decât de Daumier. Abilitățile de observație ale lui Degas și memoria vizuală fenomenală i-au permis să surprindă gesturi, posturi cu o acuratețe extraordinară, să înțeleagă mișcările caracteristice din mers și să le transmită cu o autenticitate extraordinară. Degas s-a gândit întotdeauna cu atenție compoziția picturilor sale, făcând adesea multe schițe și schițe, iar în ultimii ani ai vieții, când viziunea sa decolorată nu i-a mai dat ocazia să caute noi subiecte, a apelat din nou și din nou la imaginile preferate, uneori traducând contururile figurilor din pânze vechi.folosind hârtie de carbon.

Lucrările lui Degas, cu compoziția lor strict ajustată și în același timp dinamică, adesea asimetrică, desenul flexibil precis, unghiurile neașteptate, interacțiunea activă a figurii și spațiului, combină aparentă imparțialitate și aleatorietate a motivului și arhitectonică a imaginii cu o atenție atentă și calcul. „Nu a existat o artă mai puțin directă decât a mea” - așa își evaluează artistul însuși propria lucrare. Fiecare dintre lucrările sale este rezultatul unor observații de lungă durată și al unei munci grele și minuțioase pentru a le transforma într-o imagine artistică. În munca maestrului nu există nimic improvizat. Completitudinea și atenția compozițiilor sale ne face uneori să ne amintim picturile lui Poussin. Dar, ca urmare, pe pânză apar imagini pe care nu ar fi o exagerare să le numim personificarea instantaneului și aleatoriu. În arta franceză de la sfârșitul secolului al XIX-lea, opera lui Degas în acest sens este opusul diametral al operei lui Cezanne. În Cezanne, imaginea poartă toată imuabilitatea ordinii mondiale și arată ca un microcosmos complet completat. În Degas, conține doar o parte din puternicul flux al vieții întrerupt de cadru. Imaginile lui Degas sunt pline de dinamism, întruchipează ritmurile accelerate ale epocii contemporane artistului. A fost pasiunea pentru transmiterea mișcării - aceasta, potrivit lui Degas, i-a determinat subiectele preferate: imagini cu cai în galop, balerine la repetiție, spălători și călcători la serviciu, femei care se îmbracă sau se pieptănează.

Astfel de metode presupun mai degrabă un calcul precis decât libertate și inspirație, dar vorbesc și despre extraordinara ingeniozitate a artistului. În căutarea sa creativă, Degas apare drept unul dintre cei mai îndrăzneți și originali artiști ai timpului său. La începutul carierei sale profesionale, Degas a dovedit că poate picta cu măiestrie în maniera tradițională în ulei pe pânză, dar în anii de maturitate a experimentat intens cu diferite tehnici sau cu o combinație de materiale. Adesea a pictat nu pe pânză, ci pe carton și a folosit diferite tehnici, cum ar fi uleiul și pastelul, în cadrul aceleiași imagini. Pasiunea pentru experimentare era în sângele artistului – nu fără motiv, încă din 1879, unul dintre observatorii care au vizitat expoziția impresionistă scria că Degas „căută neobosit noi tehnici”.

Abordarea artistului față de gravură și sculptură a fost la fel de creativă. Maniera lui Degas s-a format sub influența diverșilor artiști. Îl venera profund, de exemplu, pe Ingres și el însuși se considera un scriitor în maniera tradițională pe care o mărturisea Ingres. Această influență este clar vizibilă în lucrările timpurii ale lui Degas - clare, clasice în spirit, cu forme clar scrise. La fel ca mulți dintre contemporanii săi, Degas a fost influențat de grafica japoneză cu unghiurile sale neobișnuite, la care el însuși a apelat în lucrările sale ulterioare. În picturile lui Degas, există multe urme de fragmentare, neașteptate pentru arta europeană, pe gravurile în lemn kakemono japoneze. Fotografia, care îi plăcea lui Degas, a făcut compoziția pânzelor sale mai proaspătă și mai neobișnuită. Unele dintre lucrările sale dau impresia unui instantaneu, dar de fapt acest sentiment este rodul unei lucrări îndelungate și minuțioase a artistului.

Edmond Goncourt a scris despre Degas: „O persoană extrem de sensibilă, care surprinde însăși esența lucrurilor. Nu am întâlnit încă un artist care, reproducând viața modernă, să-i surprindă mai bine spiritul.” În cele din urmă, Degas a reușit să-și dezvolte o viziune proprie, unică, asupra impresiilor lumii din jurul nostru. Uneori este numit un observator rece, impasibil, mai ales când scrie portrete ale femeilor, dar Berthe Morisot, unul dintre artiștii marcanți ai vremii, spunea că Degas „a admirat sincer calitățile umane ale tinerilor vânzători”. Puțini alți artiști au studiat corpul uman la fel de greu ca Degas. Ei spun că până la sfârșitul sesiunii, modelele lui Degas nu erau doar obosite de moarte de la o poză lungă, ci și dungi pictate, pe care artistul, pierzându-și vederea, le-a aplicat pe corpul lor ca semne care l-au ajutat să determine mai exact proporțiile. .

„De-a lungul vieții”, scria Paul Valéry, „Degas a căutat în imaginea unei figuri goale, considerată din toate punctele de vedere, într-un număr incredibil de ipostaze, în tot felul de mișcări, acel sistem unic de linii care să exprimă cu cea mai mare acuratețe nu numai acest moment, ci și cea mai mare generalizare. Nici harul, nici poezia imaginară nu sunt incluse în scopurile sale. Lucrările lui nu cântă nimic. În lucrare, un loc trebuie lăsat la voia întâmplării, astfel încât să poată apărea un fel de vrajă care entuziasmează artistul, îi apucă paleta și îi direcționează mâna. Dar Degas, un om din fire voinic, niciodată mulțumit de ceea ce se obține imediat, având o minte prea critică și prea educat de cei mai mari maeștri, nu s-a predat niciodată plăcerii directe în muncă. Îmi place această rigoare.”

Renoir a remarcat odată că „dacă Degas ar fi murit la cincizeci de ani, ar fi fost amintit ca un artist excelent și nimic mai mult. Cu toate acestea, după cincizeci de ani, munca sa s-a extins atât de mult încât s-a transformat de fapt în Degas. Poate că Renoir nu are dreptate aici. Când Degas a împlinit 30 de ani, el crea deja pânze care au fost incluse în vistieria artei mondiale. Pe de altă parte, Renoir a remarcat corect că lucrările mature ale lui Degas sunt mai individuale, ele într-adevăr „s-au extins” în stil - acesta este ceea ce le deosebește în primul rând de lucrările timpurii ale artistului. Continuând să creadă cu fermitate că desenul în pictură este baza fundațiilor, Degas începe în același timp să-și pese mai puțin de frumusețea și claritatea conturului, exprimându-se cu ajutorul unei varietăți de forme și bogăție de culoare.

Această expansiune a stilului a coincis cu interesul crescut al lui Degas pentru pasteluri, care a devenit treptat principalul său mediu de desen. În picturile sale în ulei, Degas nu a încercat niciodată să înfățișeze textura ruptă iubită de restul impresioniștilor, preferând să picteze într-un stil calm, uniform. Cu toate acestea, în lucrarea cu pastel, abordarea artistului devine mult mai îndrăzneață și el folosește culoarea la fel de liber precum a folosit-o atunci când lucra cu creta sau cărbune. Pastelul este într-adevăr la limita dintre desen și pictură, iar Degas însuși a spus că îi permite să devină „un colorist cu linie”.

Galerie

Absinthe, 1876, Muzeul d'Orsay, Paris

Înainte de începere, 1862-1880, Musée d'Orsay, Paris Călcători Balet Star (Prima Ballerina) (1876-1878), Musée d'Orsay, Paris.

Two Resting Dancers (Dansatori în albastru) (1905-1910), Musée d'Orsay, Paris.

Blue Dancers (1897), Muzeul de Artă. A. S. Pușkin, Moscova

Zernov B. A. Degas. - M., L.: Artist sovietic, 1965.
Prokofiev V. N. Spațiu în pictură de Degas // Prokofiev V. N. Despre artă și istoria artei. Articole de ani diferiți. - M., 1985.
Edgar Degas // Galeria de Artă, 4/2004, DeAgostini.
Kostenevici A.G. Edgar Degas. Zona de consimțământ. Note de pictură. - Sankt Petersburg: Schitul de Stat, 2012. - 152 p., ill. - (Capodopere reînviate). - 1000 de exemplare.

(Edgar Degas)

(Edgar Degas) (1834-1917), pictor francez, unul dintre cei mai semnificativi și celebri impresioniști (vezi impresionism). În opera sa, propagandând respingerea artei de salon academic, Degas însuși s-a străduit în picturile sale pentru „naturalismul” maxim. În același timp, picturile sale au diferențe de stil datorită experimentelor creative constante. În același timp, bazată pe o școală excelentă de desen din pictura tradițională, opera lui Degas demonstrează precizia și realismul care distinge și picturile artistului de mulți impresioniști.

Tatăl artistului, Auguste de Gas, a fost managerul sucursalei franceze a unei bănci fondată în Italia de bunicul lui Edgar Degas, René Hilaire de Gas (în perioada fuga de la Revoluția Franceză). Bogăția tatălui său i-a permis lui Edgar să se concentreze pe educație și creativitate în afacerea lui preferată (îi plăcea să deseneze din copilărie). Acest accent pe creativitate l-a modelat pe tânărul Degas ca un perfecționist la locul de muncă.

Spre sfârșitul vieții sale, Edgar Degas s-a distanțat de impresioniști (chiar negând însuși termenul de „impresionism”) și s-a distanțat de societatea lor. O boală oculară severă l-a forțat să muncească, depășind dificultățile unei vederi slabe, care au format un stil special unic al lucrării sale ulterioare. Degas și-a petrecut ultimii ani ai vieții singur (poate din cauza naturii sale dificile), abandonând pictura și oprindu-se din scris.

Picturi de Degas:

1870 - Războiul franco-prusac se apropia de Paris. Împreună cu Manet, Degas intră în armată. Degas se oferă voluntari pentru un regiment de infanterie. În curând a fost descoperit un defect vizual la ochiul drept (debutul orbirii) și Degas a fost transferat la artilerie, unde a pus capăt războiului.

1871 - după război, artistul a vizitat Londra.

1872 - vizitează America și a locuit câteva luni în New Orleans, alături de rudele sale (pe partea maternă).

1873 - s-a întors de urgență la Paris, unde a murit tatăl său, lăsând mari datorii. Păstrându-și reputația familiei, Degas și-a cheltuit moștenirea cu plăți, și-a vândut casa și colecția familiei de picturi ale vechilor maeștri. Rămas fără fonduri, el este forțat să se angajeze în creativitate comercială.

1874-1886 - Edgar Degas participă la șapte expoziții ale impresioniștilor. A devenit celebru și respectat în lumea artei pariziene. Agenții de vânzări sunt de acord să lucreze cu el, iar tablourile lui Degas se vând bine la un preț ridicat.

1882 - vederea artistului începe să se deterioreze brusc, iar Degas începe experimente în tehnica desenului, apoi trece la sculptură.

1888 - Degas devine un artist comercial foarte desăvârșit. Efectuează o strategie de licitare eficientă cu un grup de agenți dedicați. Și se închide într-un cerc restrâns de prieteni apropiați.

1907 - Degas practic încetează să picteze. Picturile sale sunt vândute deja în timpul vieții sale și la prețuri fabuloase.

Edgar Degas a murit pe 27 septembrie 1917. Este considerat unul dintre principalii exponenți ai impresionismului, deși Degas a avut întotdeauna un stil independent. Nu era atras de peisaje. Cel mai adesea el înfățișa oameni în mișcare. Degas a lăsat peste 2000 de picturi în ulei, pasteluri și sculpturi. Amintiți-vă de cea mai bună lucrare a artistului.

Acest portret de grup o înfățișează pe mătușa Degas Laura cu soțul ei, baronul Gennaro Belleli, și cei doi copii ai lor. Laura este însărcinată cu al treilea copil, deși rochia neagră îi ascunde starea. În acest timp, ea a continuat să poarte doliu pentru tatăl ei - portretul lui atârnă în spatele Laurei. Degas a început să picteze acest tablou în 1858, în timp ce își vizita rudele din Florența. Aici a făcut schițe, dar în cele din urmă a pictat tabloul deja la Paris în 1859. Până atunci, portretul era cea mai grandioasă lucrare a artistului.

Degas a pictat tabloul în timpul unei călătorii la rudele sale din New Orleans. Degas și-a informat prietenul despre acest oraș: „O palmă. Toată lumea de aici trăiește numai din bumbac și de dragul bumbacului.” În prim-planul tabloului se află unchiul Degas, Michel Musson, un agent de schimb de bumbac; fratele artistului, René de Gas, este înfățișat citind un ziar, în timp ce celălalt frate al său, Achille de Gas, stă sprijinit de un despărțitor în fundal din stânga. Degas a înscris cu pricepere portrete ale personajelor în atmosfera unui mediu de afaceri.

Una dintre cele mai cunoscute opere ale lui Degas. Tabloul înfățișează un cuplu bețiv și obosit care își sorbiește băuturile la Nouvelle Aten Café din Paris. Paharul femeii este umplut cu absint, ușor de recunoscut după culoarea verde pal. Modele pentru imagine au fost actrița Helene André și artistul Marcelin Debutin, prieteni ai lui Degas. Figurile lor sunt deplasate cu măiestrie din centrul compoziției. Oamenii par să fie scoși din viața reală. Trebuie să spun că inițial poza nu a fost acceptată de critici.

Artiștii de orice gen l-au atras întotdeauna pe Degas, el le-a admirat curajul și priceperea. Tabloul înfățișează un acrobat atârnat sub cupola circului de o frânghie prinsă în dinți. Unghiul este ales astfel încât să vedem acrobatul prin ochii privitorului care stă dedesubt. În același an în care Degas și-a pictat tabloul, Mademoiselle Lala era în turneu la Londra, iar ziarele erau pline de știri că acest acrobat „a lovit deja tot Parisul”.

Lui Degas îi plăcea să portretizeze oamenii, în special femeile, parcă luate prin surprindere în activitățile lor. Artistul a devenit interesat de subiectul baletului în anii 1870. S-a străduit să-i surprindă pe dansatorii nu pe scenă în toată splendoarea lor, dar a preferat să-și arate viața de zi cu zi în culise. Astfel sunt tablourile „Dansatorii la repetiție”, „În așteptarea”, „Doi dansatori”, etc. Întrebat de ce se referă atât de des la tema baletului, Degas a răspuns odată: „Ei mă numesc pictor de dansatori; ei nu înțeleg că dansatorii au fost doar o scuză pentru mine să scriu țesături frumoase și să transmit mișcări.”

„Călcători”. Dacă impresioniștii considerau că pictura din viață este cel mai important principiu al lor, atunci acest lucru nu s-a aplicat lui Degas. Îi plăcea să repete că ar trebui să „observăm fără să desenezi și să desenezi fără să observi”. El a căutat să arate viața în toată diversitatea ei și mișcarea nesfârșită. În general, Degas a fost aproape de impresioniști prin dorința de a se îndepărta de tiparele academice, apelând la temele vieții moderne.

Degas într-o jachetă verde - 1855-1856 - PC

Balet la Operele din Paris - 1877 - Institutul de Artă din Chicago (Statele Unite) - Desen - pastel

Degas însuși a spus: „Trebuie să ai o idee înaltă despre artă; nu despre ceea ce facem în acest moment, ci despre ceea ce ne-am dori să realizăm într-o zi. Nu merită să lucrezi fără el.”
Auguste Renoir a spus despre prietenul său: „Degas a fost perspicace. Nu s-a ascuns cel mai revoluționar artist din toată noua pictură în spatele unei redingote negre, a unui guler dur amidonat și a unei pălărie de cilindru?

Dansatorul verde - circa 1880 - Muzeul Thyssen-Bornemisza (Spania)

Dramatica deosebită a imaginilor se naște de foarte multe ori dintr-o mișcare neașteptat de îndrăzneață a liniilor, o compoziție neobișnuită care seamănă cu o fotografie de moment, în care figurile cu părți individuale ale corpului rămase în spatele cadrului sunt deplasate în diagonală într-un colț, partea centrală. o parte a imaginii este un spațiu liber („Orchestra of the Opera”, 1868-1869, Musée d'Orsay, Paris; Two Dancers on Stage, 1874, Gallery of the Warburg and Courtauld Institute, Londra; Absinthe, 1876, Musee d „Orsay, Paris).
Pentru a crea tensiune dramatică, artistul a folosit și lumina direcțională, înfățișând, de exemplu, o față împărțită de un reflector în două părți: iluminată și umbrită („Cafechantan în ambasador”, 1876-1877, Muzeul de Arte Frumoase, Lyon; „ Singer with a Glove”, 1878, Muzeul Vogt, Cambridge).
Această tehnică a fost folosită ulterior de A. de Toulouse-Lautrec în afișe pentru Moulin Rouge.

1869 - l "Orchestre de l" Opéra Huile sur Toile 56,5x46,2 cm Paris, musée d "Orsay

„Doi dansatori pe scenă”, 1874

Băutor de absint (Într-o cafenea) (1873) (92 x 68) (Paris, Musée d'Orsay)

Edgar Degas „Cafechantan „Ambassador” (Cafenea – Concert la Ambasador).
1876-1877 Pastel. Muzeul de Arte Frumoase din Lyon, Franța.

Darul său de observație, acuratețea și vigilența privirii lui erau incomparabile. Și puterea memoriei vizuale, el nu putea fi comparat decât cu Daumier. Abilitățile de observație ale lui Degas și memoria vizuală fenomenală i-au permis să surprindă gesturi, posturi cu o acuratețe extraordinară, să înțeleagă mișcările caracteristice din mers și să le transmită cu o autenticitate extraordinară.
Degas s-a gândit întotdeauna cu atenție compoziția picturilor sale, făcând adesea multe schițe și schițe, iar în ultimii ani ai vieții, când viziunea sa decolorată nu i-a mai dat ocazia să caute noi subiecte, a apelat din nou și din nou la imaginile preferate, uneori traducând contururile figurilor din pânze vechi.folosind hârtie de carbon.

„Cântăreață cu mănușă”. 1878
Pânză, pastel. 52,8x41,1 cm.
Muzeul de Artă Fogg, Harvard, Cambridge.

Cântecul câinelui (1876-1877) (55 x 45) (New York, colecție privată)

Spălători care poartă lenjerie (1876-1878) (colecție privată)

În munca maestrului nu există nimic improvizat. Completitudinea și atenția compozițiilor sale ne face uneori să ne amintim picturile lui Poussin. Dar, ca urmare, pe pânză apar imagini pe care nu ar fi o exagerare să le numim personificarea instantaneului și aleatoriu. În arta franceză de la sfârșitul secolului al XIX-lea, opera lui Degas în acest sens este opusul diametral al operei lui Cezanne. În Cezanne, imaginea poartă toată imuabilitatea ordinii mondiale și arată ca un microcosmos complet completat. În Degas, conține doar o parte din puternicul flux al vieții întrerupt de cadru. Imaginile lui Degas sunt pline de dinamism, întruchipează ritmurile accelerate ale epocii contemporane artistului. A fost pasiunea pentru transmiterea mișcării - aceasta, potrivit lui Degas, i-a determinat subiectele preferate: imagini cu cai în galop, balerine la repetiție, spălători și călcători la serviciu, femei care se îmbracă sau se pieptănează.

False Start (1869-1870) (Galeria de Artă a Universității Yale)

Before the Race - 1882 - Institutul de Artă Sterling și Francine Clark (SUA) - ulei pe panou

La curse. the Start - 1861-1862 - Fogg Museum of Art (Statele Unite ale Americii) - Pictură - ulei pe pânză

La curse - circa 1868-1872 - Colectie privata - Pictura - ulei pe panza

Clasa de balet, The - 1881 - Philadelphia Museum of Art (Statele Unite) - Pictură - ulei pe pânză

Astfel de metode presupun mai degrabă un calcul precis decât libertate și inspirație, dar vorbesc și despre extraordinara ingeniozitate a artistului. În căutarea sa creativă, Degas apare drept unul dintre cei mai îndrăzneți și originali artiști ai timpului său. La începutul carierei sale profesionale, Degas a dovedit că poate picta cu măiestrie în maniera tradițională în ulei pe pânză, dar în anii de maturitate a experimentat intens cu diferite tehnici sau cu o combinație de materiale. Adesea a pictat nu pe pânză, ci pe carton și a folosit diferite tehnici, cum ar fi uleiul și pastelul, în cadrul aceleiași imagini. Pasiunea pentru experiment era în sângele artistului - nu degeaba, în 1879, unul dintre observatorii care au vizitat expoziția impresionistă scria că Degas „căută neobosit noi tehnici”.

La modăriș (1881) (69,2 x 69,2) (New York, Metropolitan)

Mic dejun dupa Baie - circa 1895 - Colectie privata - pastel

După Baie - circa 1883 - Desen - pastel.

După baie - circa 1885 - Musee du Louvre (Franța) - Desen - pastel

After the Bath - circa 1890-1895 - Fogg Museum of Art (Statele Unite ale Americii) - Desen - pastel

La Moar - 1882 - Muzeul Thyssen-Bornemisza (Spania) - Desen - pastel

La Balet - circa 1880-1881 - Colecție privată - Desen - pastel

Vă mulțumim pentru atenție!

http://rutracker.org/forum/viewtopic.php?t=4282970

Pe care imi place mereu sa o citesc.

Lumea baletului de Edgar Degas

Roz, galben, albastru, verde... celebrul artist francez Edgar-Germain-Hilaire Degas sau pur și simplu Edgar Degas au văzut balerini în astfel de culori. Cu toate acestea, el l-a înfățișat rar pe bvlerin dansând pe scenă, lumea lui era în culise, la un curs de dans și la repetițiile de balet. Degas poate fi numit un cronicar al dansului, un cronicar al cât de greu este să creezi ceva care atunci ne încântă atât de mult pe scena teatrului...

Pentru mulți, Degas pare a fi un fel de specialist în balet care s-a rezumat la manie. O parte semnificativă a lucrării sale este într-adevăr dedicată slujitorilor din Terpsichore - atât acelor clase în care primesc o educație specială și foarte dificilă, cât și acelor spectacole în care ei, îmbrăcați în costume complet diferite de tot ce este în lume, trebuie să înfățișează un fel de creaturi eterice... Nu numai că nu există nicio broșură despre o femeie în „baletomania” lui Degas și în „peuling” al unei femei în spatele toaletei, dar, dimpotrivă, ambele cicluri de picturi sunt de fapt un glorificarea frumuseții unei femei și o glorie de către un astfel de cunoscător al ei, egal cu care să nu se regăsească în spațiul de secole. Aceste „imnuri către o femeie” de Degas nu pot fi comparate decât cu unele fresce ale egiptenilor, cu desene pe vaze grecești sau cu imprimeuri japoneze.

UN. Benois „Expoziția Degas”

Balerini Edgar Degas în roz

Edgar Degas a pictat dansatori și balerine aproape toată viața, așa că până acum, lucrările sale necunoscute continuă să apară la licitațiile de artă, care sunt în căutare constantă. În Rusia, opera lui Degas poate fi văzută în Muzeul de Arte Frumoase Pușkin și în Ermitaj. Un artist foarte interesant și încă nerezolvat până la sfârșit...

Artistul Edgar Degas

Scurtă notă biografică. Edgar Degas s-a născut la 19 iunie 1834 la Paris, într-o familie nobiliară. După absolvirea liceului, a început studiile de jurisprudență, dar cunoștința cu artistul Ingres a făcut ajustări în planurile sale și a decis să devină pictor. Degas intră la Școala de Arte Plastice, unde studiază stilul de scriere a clasicilor picturii și timp de un număr de ani a copiat cu pricepere picturi ale lui Poussin, Ingres, Titian, Holbein și alții în muzeele din Paris și apoi din Italia. Anii trec și Degas devine maestru, își deschide atelierul la Paris și este profund interesat de viața modernă. El afișează această viață în picturile sale, desenul de curse, oamenii în cafenele, teatre și pe străzi. În anii 60, atunci a intrat în viața lui impresionismul la modă, l-a cunoscut pe E. Manet, în 1866 Degas a devenit un vizitator obișnuit al cafenelei Gerbois, unde se adunau tineri artiști, în frunte cu Manet. Cu toate acestea, Degas nu era chiar un impresionist: nu picta cu greu peisaje și își executa lucrările în atelierul său, așa că culoarea, aerul și culorile impresioniștilor l-au interesat puțin. Teatrul apare în viața lui Degas în 1867, când devine apropiat de muzicianul Desire Digo, iar apoi face cunoștință cu o serie de alți artiști ai Operei. Observațiile făcute de el la spectacole, repetiții, în vestiare, foaiere au stat la baza multor picturi și schițe. Degas cunoștea perfect toate „pasurile” de balet - le studia cu multă sârguință, schița și apoi făcea picturile sale mai serioase. La sfârșitul vieții, artistul a devenit orb, dar a continuat tema dansului și baletului deja în sculptură...

Edgar Degas în sala de repetiții 1878

Repetiția Edgar Degas 1873

Edgar Degas la ora de balet

Cursul de dans Edgar Degas 1875

Școala de balet Edgar Degas 1879

Dansatorii Edgar Degas 1878

Școala de dans Edgar Degas 1879

Edgar Degas Odihnește-te după repetiție

Iată o observație interesantă pe care criticul de artă și istoricul picturii Alexander Nikolaevici Benois o are cu privire la Edgar Degas și opera sa : „Degas a avut o mulțime de tot felul de „dezgusturi” complet inexplicabile. Printre cele mai ciudate aparținea dezgustul pentru câini, pisici, flori, parfumuri și, din punct de vedere politic... pentru Dreyfusars. Nesociabilitatea lui era așa încât și-a exagerat în cuvinte. vedere slabă, doar pentru a evita să-și recunoască cunoștințele în stradă, sau chiar la întâlnirile din societate. Există nenumărate anecdote despre păcăleala lui, uneori foarte nepoliticos, prin care înspăimânta oamenii și își apăra casa de tot felul de importuni - acel adevărat flagel. dintre toate celebritățile. El a râs de pictorii în aer liber și a susținut că artistul nu are nevoie să lucreze în aer liber. Toate acestea, luate împreună, sunt uluitoare și este firesc ca reputația lui Degas de excentric sec și insensibil să fi devenit extrem de puternic.Totuși, sub toate aceste ciudățenii (cu posibila excepție a anti-Dreyfusardismului) există un singur motiv - și acest fundament este o pasiune frenetică pentru muncă, o dorință de a se proteja de orice interferență, de orice distragere, o dorință de concentrare. mergi la limita. În plus, puteți găsi mii de exemple în opera și biografia artistului care infirmă informațiile din care a fost creată „legenda maleficului Degas”. ( UN. Benois „Expoziția Degas”)

Balerina Edgar Degas

Edgar Degas Doi dansatori într-un dressing 1880

Edgar Degas Înainte de curs

Balerina Edgar Degas în verde

Dansatorul Edgar Degas 1880

Balerina Edgar Degas

Edgar Degas Balerina cu evantai

Pastelul, cărbunele în Degas „trăiesc” și se supun unor asemenea circumvoluții ale voinței, unor astfel de capricii ale gustului (toată arta lui Degas este plină de un capriciu minunat) pe care nici cele mai ingenioase analize nu le pot determina. Privirea desenelor lui Degas este una dintre cele mai mari plăceri, este una dintre cele mai minunate introduceri în frumusețe.

UN. Benois „Edgar Degas”