Artiști olandezi din secolul al XVII-lea. Pictura olandeză. Am nevoie de ajutor cu un subiect
„Burger” baroc în pictura olandezăXVII V. - imaginea vieţii cotidiene (P. de Hoch, Vermeer). Natura moartă „de lux” Kalf. Portretul de grup și trăsăturile sale în Hals și Rembrandt. Interpretarea subiectelor mitologice și biblice de către Rembrandt.
Arta olandeză a secolului al XVII-lea
În secolul al XVII-lea Olanda a devenit o țară capitalistă model. Ea a desfășurat un comerț colonial extins, a avut o flotă puternică, construcțiile navale era una dintre industriile de vârf. Protestantismul (Calvinismul ca formă cea mai severă), care a înlocuit complet influența Bisericii Catolice, a dus la faptul că clerul din Olanda nu a avut o influență atât de mare asupra artei ca în Flandra și cu atât mai mult în Spania sau Italia. În Olanda, biserica nu juca rolul unui client al operelor de artă: templele nu erau decorate cu retablouri, căci calvinismul respingea orice urmă de lux; Bisericile protestante erau simple ca arhitectură și nu erau decorate în niciun fel în interior.
Principala realizare a artei olandeze a secolului al XVIII-lea. - în pictura de șevalet. Omul și natura au fost obiecte de observație și reprezentare de către artiștii olandezi. Pictura de zi cu zi devine unul dintre genurile de frunte, ai cărui creatori au primit în istorie numele de „mic olandez”. Sunt reprezentate și picturi pe scene ale Evangheliei și biblice, dar nu în aceeași măsură ca în alte țări. Olanda nu a avut niciodată legături cu Italia, iar arta clasică nu a jucat același rol ca în Flandra.
Stăpânirea tendințelor realiste, formarea unei anumite game de subiecte, diferențierea genurilor ca un proces unic, au fost finalizate până în anii 20 ai secolului al XVII-lea. Istoria picturii olandeze din secolul al XVII-lea. demonstrează perfect evoluția operei unuia dintre cei mai mari portretiști ai Olandei, Frans Hals (circa 1580-1666). În anii 10-30, Hals a lucrat mult în genul portretelor de grup. Din pânzele acestor ani se uită oameni veseli, energici, întreprinzători, încrezători în abilitățile lor și în viitor („Breasla Sf. Adrian”, 1627 și 1633;
Breasla de tir St. George”, 1627).
Portretele individuale ale lui Khals sunt uneori numite portrete de gen de către cercetători datorită specificului special al imaginii. Stilul schițat al lui Hulse, scrisul său îndrăzneț, când o pensulă sculptează atât forma, cât și volumul și transmite culoarea.
În portretele lui Khals din perioada târzie (50-60), priceperea fără griji, energia și presiunea din personajele persoanelor reprezentate dispar. Dar tocmai în perioada târzie a creativității Hals atinge vârful măiestriei și creează cele mai profunde lucrări. Culoarea picturilor sale devine aproape monocromă. Cu doi ani înainte de moartea sa, în 1664, Hals a revenit din nou la portretul de grup. Pictează două portrete - regenți și regenți ai unui azil de bătrâni, în unul dintre care el însuși și-a găsit adăpost la sfârșitul vieții. În portretul regenților nu există camaraderie cu compozițiile anterioare, modelele sunt dezbinate, neputincioase, ochii le sunt tulburi, pe chipuri sunt scrise devastare.
Arta lui Hals a avut o mare importanță pentru timpul său, a avut un impact asupra dezvoltării nu numai a portretului, ci și a genului vieții de zi cu zi, peisaj, natură moartă.
Genul de peisaj al Olandei în secolul al XVII-lea este deosebit de interesant. Olanda este portretizată de Jan van Goyen (1596-1656) și Salomon van Ruisdael (1600/1603-1670).
Perioada de glorie a picturii peisagistice în școala olandeză datează de la mijlocul secolului al XVII-lea. Cel mai mare maestru al peisajului realist a fost Jacob van Ruysdael (1628/29-1682). Lucrările sale sunt de obicei pline de dramă profundă, fie că înfățișează desișuri de pădure („Mlaștina Pădurii”),
peisaje cu cascade („Waterfall”) sau un peisaj romantic cu un cimitir („Cimitirul evreiesc”).
Natura în Ruisdael apare în dinamică, în eternă reînnoire.
În strânsă legătură cu peisajul olandez este genul animalistic. Motivul preferat al lui Albert Cuyp sunt vacile la un loc de adăpare („Apus de soare pe râu”, „Vacile pe malul unui pârâu”).
Dezvoltarea strălucită ajunge la o natură moartă. Natura moartă olandeză, spre deosebire de flamandă, este modestă ca dimensiune și motive pentru picturile de natură intimă. Pieter Claesz (circa 1597-1661), Billem Head (1594-1680/82) au înfățișat cel mai adesea așa-numitele mic dejun: feluri de mâncare cu șuncă sau plăcintă pe o masă servită relativ modest. „Micurile dejun” ale lui Kheda fac loc somptuoaselor „deserturi” ale lui Kalf. Ustensilele simple sunt înlocuite cu mese de marmură, fețe de masă pentru covoare, pahare de argint, scoici de sidef și pahare de cristal. Kalf atinge o virtuozitate uimitoare în transmiterea texturii piersicilor, strugurilor și suprafețelor de cristal.
În anii 20-30 ai secolului XVII. olandezii au creat un tip special de pictură cu figuri mici. Anii 40-60 - perioada de glorie a picturii, gloriind viața calmă burgheză a Olandei, o existență cotidiană măsurată.
Adrian van Ostade (1610-1685) înfățișează la început laturile umbroase ale vieții țărănimii („Lupta”).
Începând cu anii 1940, în opera sa, notele satirice sunt din ce în ce mai mult înlocuite cu cele umoristice („Într-o cârciumă de sat”, 1660).
Uneori, aceste poze mici sunt colorate cu un sentiment liric grozav. De drept, capodopera de pictură a lui Ostade este considerată a fi „Pictorul în atelier” (1663), în care artistul gloriifică munca de creație.
Dar tema principală a „micului olandez” nu este încă un țăran, ci o viață de burghez. De obicei, acestea sunt imagini fără nici un complot fascinant. Cel mai distractiv povestitor din picturile de acest gen a fost Jan Stan (1626-1679) („Revelers”, „Jocul de table”). Gerard Terborch (1617-1681) a obținut și mai multă pricepere în acest sens.
Interiorul devine deosebit de poetic printre „micii olandezi”. Adevăratul cântăreț al acestei teme a fost Pieter de Hooch (1629-1689). Camerele lui cu o fereastră întredeschisă, pantofi aruncați din neatenție sau o mătură lăsată sunt adesea înfățișate fără o figură umană.
O nouă etapă a picturii de gen începe în anii 50 și este asociată cu așa-numita școală Delft, cu numele unor artiști precum Karel Fabritius, Emmanuel de Witte și Jan Vermeer, cunoscut în istoria artei drept Vermeer of Delft (1632-1675). ). Picturile lui Vermeer nu par a fi deloc originale. Acestea sunt aceleași imagini ale unei vieți de burghez înghețat: citind o scrisoare, un domn și o doamnă care vorbesc, slujnicele angajate într-o gospodărie simplă, priveliști spre Amsterdam sau Delft. Aceste imagini, care sunt simple în acțiune: „Fată care citește o scrisoare”,
„Cavalerul și Doamna la Spinet”,
„Ofițerul și fata care râde”, etc., sunt pline de claritate spirituală, pace și liniște.
Principalele avantaje ale lui Vermeer ca artist sunt în transmiterea luminii și a aerului. Dizolvarea obiectelor într-un mediu de lumină-aer, capacitatea de a crea această iluzie, în primul rând, au determinat recunoașterea și faima lui Vermeer tocmai în secolul al XIX-lea.
Wermeer a făcut ceea ce nimeni altcineva nu a făcut în secolul al XVII-lea: a pictat peisaje din natură („Street”, „View of Delft”).
Ele pot fi numite primele exemple de pictură în aer liber.
Apogeul realismului olandez, rezultatul realizărilor picturale ale culturii olandeze din secolul al XVII-lea, este opera lui Rembrandt. Harmensz van Rijn Rembrandt (1606-1669) s-a născut la Leiden. În 1632, Rembrandt a plecat la Amsterdam, centrul culturii artistice a Olandei, care l-a atras firesc pe tânărul artist. Anii 30 sunt vremea celei mai înalte glorii, calea către care i-a fost deschisă pictorului un tablou mare comandat din 1632 – un portret de grup, cunoscut și sub numele de „Anatomia Dr. Tulp”, sau „Lecția de anatomie”.
În 1634, Rembrandt se căsătorește cu o fată dintr-o familie bogată - Saskia van Uylenborch. Începe cea mai fericită perioadă din viața lui. Devine un artist celebru și la modă.
Toată această perioadă este acoperită de romantism. Atitudinea lui Rembrandt din acești ani este cel mai clar transmisă de celebrul „Autoportret cu Saskia în genunchi” (circa 1636). Întreaga pânză este pătrunsă de bucurie sinceră de viață, jubilație.
Limbajul baroc este cel mai apropiat de expresia spiritelor înalte. Iar Rembrandt în această perioadă este în mare măsură influențat de barocul italian.
În scurtări complexe, ne apar personajele picturii din 1635 „Sacrificiul lui Avraam”. Compoziția este extrem de dinamică, construită după toate regulile barocului.
În aceiași ani 30, Rembrandt a început pentru prima dată să se angajeze serios în grafică, în special în gravare. Gravurile lui Rembrandt sunt în mare parte subiecte biblice și evanghelice, dar în desen, ca un adevărat artist olandez, el se referă adesea și la acest gen. La răsturnarea perioadei timpurii a operei artistului și a maturității sale creatoare, ne este prezentată una dintre cele mai faimoase picturi ale sale, cunoscută sub numele de The Night Watch (1642), un portret de grup al companiei de puști a căpitanului Banning Cock.
A extins sfera genului, prezentând o imagine destul de istorică: la un semnal de alarmă, detașamentul lui Banning Cock pornește într-o campanie. Unii sunt calmi, încrezători, alții sunt entuziasmați în așteptarea a ceea ce va urma, dar toți au o expresie a energiei comune, a entuziasmului patriotic, a triumful spiritului civic.
Un portret de grup sub peria lui Rembrandt a devenit o imagine eroică a epocii și a societății.
Pictura se întunecase deja atât de mult încât era considerată a fi o imagine a unei scene de noapte, de unde și numele incorect. Umbra care zace din figura căpitanului pe hainele ușoare ale locotenentului dovedește că nu este noapte, ci zi.
Odată cu moartea lui Saskia în același an 1642, are loc ruptura naturală a lui Rembrandt cu cercurile patriciene străine de el.
Anii 40-50 sunt perioada maturității creative. În această perioadă, el apelează adesea la lucrări vechi pentru a le reface într-un mod nou. Așa a fost cazul, de exemplu, cu Danae, pe care l-a pictat încă din 1636. Revenind la pictura din anii 1940, artistul și-a intensificat starea emoțională.
A rescris partea centrală cu eroina și servitoarea. Făcându-i Danei un nou gest de mână ridicată, îi spuse o mare emoție, o expresie de bucurie, speranță, un apel.
În anii 1940 și 1950, măiestria lui Rembrandt a crescut constant. El alege pentru interpretare aspectele cele mai lirice, poetice ale existenței umane, acel uman, care este etern, universal: iubirea maternă, compasiunea. Sfânta Scriptură îi oferă cel mai mare material, iar din el - scenele vieții sfintei familii, Rembrandt înfățișează o viață simplă, oameni obișnuiți, ca în pictura „Sfânta familie”.
Ultimii 16 ani sunt cei mai tragici ani din viața lui Rembrandt; este stricat, nu are ordine. Dar acești ani sunt plini de activitate creativă uimitoare, în urma căreia se creează imagini pitorești, excepționale ca monumentalitate a personajelor și spiritualitate, opere profund filozofice. Chiar și lucrările de dimensiuni mici ale lui Rembrandt din acești ani creează o impresie de măreție extraordinară și monumentalitate adevărată. Culoarea capătă sonoritate și intensitate. Culorile lui par să radieze lumină. Portretele regretatului Rembrandt sunt foarte diferite de portretele anilor 30 și chiar 40. Acestea sunt imagini extrem de simple (pe jumătate sau generaționale) ale unor oameni care sunt apropiați de artist în structura lor interioară. Rembrandt a obținut cea mai mare subtilitate a caracteristicilor în autoportrete, dintre care aproximativ o sută au ajuns până la noi. Finalul din istoria portretului de grup a fost reprezentarea de către Rembrandt a bătrânilor din magazinul de pânze - așa-numitul „Sindiki” (1662), unde Rembrandt a creat tipuri umane vii și în același timp diferite cu mijloace zgârcite, dar cele mai multe important, el a reușit să transmită un sentiment de unire spirituală, înțelegere reciprocă și relații dintre oameni.
În anii de maturitate (în special în anii 50), Rembrandt și-a creat cele mai bune gravuri. Ca gravor, el nu cunoaște egal în arta mondială. În toate, imaginile au un profund sens filozofic; ei povestesc despre secretele ființei, despre tragedia vieții umane.
Desenează mult. Rembrandt a lăsat în urmă 2000 de desene. Acestea sunt schițe din natură, schițe pentru picturi și pregătiri pentru gravuri.
În ultimul sfert al secolului al XVII-lea. începe declinul școlii olandeze de pictură, pierderea identității sale naționale, iar de la începutul secolului al XVIII-lea începe sfârșitul marii ere a realismului olandez.
Epoca de aur a picturii olandeze este una dintre cele mai remarcabile ere din istoria picturii lumii. Se consideră epoca de aur a picturii olandeze secolul al 17-lea. În acest moment, cei mai talentați artiști și pictori și-au creat lucrările nemuritoare. Picturile lor sunt încă considerate capodopere de neegalat, care sunt păstrate în muzeele celebre ale lumii și sunt considerate o moștenire inestimabilă a omenirii.
La început secolul al 17-leaîn Olanda încă înflorește o artă destul de primitivă, care era justificată de gusturile și preferințele banale ale oamenilor bogați și puternici. Ca urmare a schimbărilor politice, geopolitice și religioase, arta olandeză s-a schimbat dramatic. Dacă înainte de asta artiștii au încercat să-i răsfete pe burghezii olandezi, înfățișându-și viața și viața, lipsite de orice limbaj înalt și poetic, și au lucrat, de asemenea, pentru biserică, care le-a ordonat artiștilor să lucreze într-un gen destul de primitiv cu intrigi lungi, atunci începutul secolului al XVII-lea a fost un adevărat progres. În Olanda a domnit dominația protestantă, care practic a încetat să mai comandă de la artiști picturi pe teme religioase. Olanda a devenit independentă de Spania și s-a afirmat pe podiumul istoric general. Artiștii s-au mutat de la subiecte cunoscute anterior la reprezentarea scenelor de zi cu zi, portrete, peisaje, naturi moarte și așa mai departe. Aici, într-un domeniu nou, artiștii epocii de aur par să fi deschis un suflu nou și au început să apară în lumină adevărate genii ale artei.
Artiștii olandezi din secolul al XVII-lea au adus realismul în modă în pictură. Uimitoare în compoziție, în realism, în profunzime și neobișnuit, picturile au început să se bucure de un succes extraordinar. Cererea de pictură a crescut dramatic. Ca urmare, au început să apară tot mai mulți artiști noi, care au dezvoltat într-un ritm uimitor de rapid elementele de bază ale picturii, au dezvoltat noi tehnici, stiluri și genuri. Unii dintre cei mai cunoscuți artiști ai Epocii de Aur au fost: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Brueghel cel Bătrân, Esaias van de Velde, Frans Hals, Andrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck și mulți alții.
Picturi ale pictorilor olandezi
Cornelis de Man - Fabrică de prelucrare a uleiului de balenă
Cornelis Trost - Distracție în parc
Ludolf Backhuizen - East India Campaign Dock din Amsterdam
Pieter Brueghel cel Bătrân - Catastrofa alchimistului
Rembrandt - Andries de Greef
secolul al 17-lea a arătat lumii două școli de artă – olandeză și flamandă. Ambii erau moștenitori ai tradițiilor artistice din Țările de Jos - o țară europeană, pe teritoriul căreia până atunci se formase Flandra catolică, numită după cea mai importantă provincie (azi este teritoriul Belgiei și Franței). Alte provincii, după ce și-au apărat aderarea la ideile reformei, s-au unit și au început să fie numite Republica Olandeză sau pur și simplu Olanda. În secolul al XVII-lea, în Olanda, aproximativ trei sferturi din populație era urbană, clasa principală era considerată a fi clasa de mijloc. Biserica Reformată a abandonat splendoarea decorului, nu existau clienți încoronați și aristocrația tribală, ceea ce înseamnă că reprezentanții burgheziei au devenit principalii consumatori de artă. Spatiul destinat picturii era limitat la casele burgherilor si cladirile publice.
Dimensiunea picturilor, de regulă, nu era mare (comparativ cu picturile de palat sau compozițiile de altar pentru biserici), iar parcelele aveau un caracter de cameră, înfățișând scene din viața privată, de zi cu zi. Principala realizare a artei olandeze a secolului al XVII-lea. - în pictura de șevalet. Omul și natura au fost obiecte de observație și reprezentare de către artiștii olandezi. Hărnicia, sârguința, dragostea pentru ordine și curățenie sunt reflectate în picturile care înfățișează modul de viață olandez. De aceea, maeștrii olandezi ai secolului al XVII-lea (cu excepția lui Rembrandt și Hals) au fost numiți „mică olandeză” un cerc extins de pictori olandezi din secolul al XVII-lea. au apărut în legătură cu caracterul cameral al lucrării lor, dimensiunea redusă a picturilor lor (peisaj, interior, scene cotidiene). Tabloul Micului Olandez se caracterizează prin subtilitatea scrisului, expresivitatea micilor detalii, frumusețea luminii și a nuanțelor de culoare, sentimentul general de confort, apropiere și unitate a personajelor într-un peisaj sau mediu interior. Printre cei mai importanți reprezentanți se numără Jan Vermeer, frații Ostade (Adrian van O. și Isak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu).
Majoritatea artiștilor au găsit teme pentru picturile lor în țara natală, urmând sfatul lui Rembrandt: „Învățați în primul rând să urmăriți natura bogată și să expuneți, mai ales, ceea ce găsiți în ea. Cerul, pământul, marea, animalele, oamenii buni și răi - toate servesc pentru exercițiul nostru. Câmpiile, dealurile, pâraiele și copacii dau suficientă muncă artistului. Orașe, piețe, biserici și mii de comori naturale ne strigă și spun: du-te, însetați de cunoaștere, contemplează-ne și reproduce-ne. Productivitatea artiștilor a atins proporții incredibile, ca urmare, a apărut concurența între pictori, ceea ce a dus, la rândul său, la specializarea maeștrilor. Și, poate, din această cauză, a existat o diferențiere diversă în funcție de gen. Au apărut artiști care au lucrat numai în genul peisajului marin sau genul vederilor urbane sau au descris interioarele spațiilor (camere, temple). În istoria picturii au existat exemple de natură moartă și peisaje, dar niciodată până atunci aceste genuri nu au atins un caracter atât de masiv și de autosuficiență ca în Olanda în secolul al XVII-lea.
Olandezii au vrut să vadă întreaga lume diversă în imagini. De aici și gama largă de pictură a acestui secol, „specializare îngustă” în anumite tipuri de subiecte: portret și peisaj, natură moartă și gen animalistic. În Olanda nu existau legături cu Italia și arta clasică nu a jucat un asemenea rol ca în Flandra. Stăpânirea tendințelor realiste, formarea unei anumite game de teme și împărțirea genurilor ca un proces unic au fost finalizate până în anii 1720.
Istoria picturii olandeze în secolul al XVII-lea demonstrează perfect evoluția operei unuia dintre cei mai mari portretiști din Olanda Frans Hals(1580-1666) Activitățile sale s-au desfășurat aproape în întregime la Harlem. Aici, deja în jurul anului 1616, a fost promovat ca un pictor portretist important și și-a păstrat rolul în acest domeniu până la sfârșitul vieții. Odată cu apariția lui Hals, portretul olandez strict realist și clar individual ajunge la maturitate. Tot ceea ce timid, meschin, naturalist, care îi distinge pe predecesori, este depășit.
Faza inițială a artei Khals nu a fost elucidată. Îl vedem imediat pe maestru rezolvând cea mai dificilă problemă a unui portret de grup. El pictează una după alta tablouri care îi înfățișează pe trăgătorii corporației St. Adrian și St. George (Harlem, Muzeul Frans Hals), unde atât vivacitatea unei întâlniri aglomerate, cât și strălucirea tipurilor fiecăruia dintre cei prezenți sunt transmise cu o ușurință inimitabilă. Îndemânarea picturală și ingeniozitatea compozițională a grupărilor merg mână în mână în aceste portrete cu acuitatea extraordinară a caracteristicilor. Hals nu este psiholog: viața mentală a modelelor sale de obicei trece pe lângă el. Da, și scrie în cea mai mare parte a oamenilor a căror viață întreagă se desfășoară în condiții de activitate intensă, viguroasă, dar nu prea adânc în chestiuni de natură psihologică. Dar Hals, ca nimeni altcineva, surprinde aspectul acestor oameni, este capabil să surprindă cel mai trecător, dar în același timp cel mai caracteristic în expresia feței, în postură, în gesturi. Vesel din fire, se străduiește să surprindă fiecare imagine într-un moment de renaștere, bucurie și nimeni nu transmite râsul cu atâta subtilitate și varietate ca el. Portretul unui ofițer (1624, Londra, colecția Wallace), legănându-se pe un scaun „Geytgeizen” (sfârșitul anilor 1630, Bruxelles, galerie de artă), „țigan” (sfârșitul anilor 1620, Luvru) sau așa-numitul „Vrăjitoarea din Harlem” - „Malle Bobbe”(Berlin) poate fi citat ca exemple caracteristice ale artei sale ascuțite și adesea îndrăznețe. Bărbații, femeile, copiii sunt portretizați de el cu același simț al unei imagini vii („ Portretul unui tânăr cu o mănușă", BINE. 1650, Schitul). Impresia de vioitate este facilitată și de tehnica Hals în sine, neobișnuit de liberă și crescând de-a lungul anilor în lățimea sa. Strălucirea decorativă a lucrărilor timpurii se moderează ulterior, culoarea devine argintie, libertatea de a folosi tonuri de alb și negru vorbește despre o pricepere care își poate permite îndrăzneala picturală îndrăzneață.
În portretele perioadei târzii (50-60), priceperea fără griji, energia și presiunea dispar. În portretul masculin Ermitage, cu toată impresionanța siluetei, pot fi urmărite oboseala și tristețea. Aceste caracteristici sunt îmbunătățite și mai mult într-un portret strălucit pictat al unui bărbat cu o pălărie cu boruri largi (muzeu din Kassel). Hals încetează să fie popular în acești ani, pentru că nu măgulește niciodată și se dovedește a fi străin de gusturile renăscute ale clienților bogați care și-au pierdut spiritul democratic. Dar tocmai în perioada târzie a creativității Hals atinge vârful măiestriei și creează cea mai profundă lucrare. În unele lucrări sunt conturate tehnici impresioniste de soluții de culoare. Hals pictează nenumărate portrete individuale până în ultimii ani de viață, dar revine din nou la portretele de grup. Pictează 2 portrete - regenții și regenții unui azil de bătrâni, într-unul dintre ele și-a găsit el însuși adăpost la sfârșitul vieții. În portretul regenților nu există camaraderie cu compozițiile anterioare, modelele sunt dezbinate, neputincioase, au vederi tulburi, pe chipul lor este scris devastarea. În colorarea sumbră (negru, gri și alb), o pată roz-roșie pe genunchiul unuia dintre regenți aduce o tensiune aparte. Așadar, la vârsta de 9 ani, un artist bolnav, singur și sărac își creează cele mai dramatice și mai rafinate lucrări în ceea ce privește măiestria.
Arta lui Hals a avut o mare importanță pentru timpul său, a avut un impact asupra dezvoltării nu numai a portretului, ci și a genului vieții de zi cu zi, peisaj, natură moartă.
genul peisajului Olanda secolul al XVII-lea deosebit de interesant. Aceasta nu este natura în general, o anumită imagine generală a universului, ci cea națională, și anume peisajul olandez, pe care îl recunoaștem în Olanda modernă: celebrele mori de vânt, dune deșertice. Cerul gri ocupă un loc mare în compoziții. Așa este înfățișată Olanda Jan Van Goyen (1596-1656) și Salomon Van Ruysdael (1600-1670).
Zorii picturii peisagistice în școala olandeză se referă la mijloc. secolul al 17-lea Cel mai mare maestru al peisajului realist a fost Jacob van Ruysdael (1628-1682), un artist de o imaginație inepuizabilă. Lucrările sale sunt de obicei pline de dramă profundă, fie că sunt desișuri de pădure („Mlaștina Pădurii”), peisaje cu cascade („Waterfall”) sau un peisaj romantic cu un cimitir („Cimitirul Evreiesc”). Natura în Ruisdael apare în dinamică, în eternă reînnoire. Chiar și cele mai dificile motive ale naturii capătă un caracter monumental sub pensula artistului. Ruisdael tinde să îmbine scrisul atent cu o mare integritate vitală, cu caracterul sintetic al imaginii.
S-a născut la Haarlem în 1628 sau 1629. Prima sa lucrare supraviețuitoare, datată 1646, arată ca opera unui maestru matur - și atunci avea doar 18 ani. Cu deplină încredere putem spune că în 1648 Ruisdael a devenit membru al breslei artiștilor din Haarlem.
În tinerețe, Ruisdael a călătorit destul de mult în căutarea naturii - fără a pleca, totuși, din Haarlem-ul natal, la peste o sută de mile. La mijlocul anilor 1650, artistul s-a mutat din Haarlem la Amsterdam, unde a locuit până la sfârșitul zilelor sale.
Mitropolitul Amsterdam pe vremea lui Ruisdael era izbitor de diferit de provincia Haarlem (deși distanța dintre aceste orașe chiar și atunci a fost depășită în două ore). Ruisdael și-a pictat picturile nu la comenzi private, ci pentru vânzare gratuită.În jurul anului 1670, s-a mutat chiar în centrul orașului, în Piața Dam, unde a închiriat un apartament chiar deasupra magazinului lui Hieronymus Sveerts, comerciant de picturi și cărți. .
Meindert Hobbema(1638, Amsterdam, - 7 decembrie 1709) - cel mai important maestru al peisajului olandez după mentorul său, Jacob van Ruysdael.
Se știe că Hobbema și Ruisdael au călătorit împreună și au făcut schițe din natură. În noiembrie 1668, Hobbema s-a căsătorit cu primarul din Amsterdam și prin ea a primit postul de inspector al calității vinurilor importate. Multă vreme s-a crezut că acesta este sfârșitul lecțiilor sale de pictură.
Poate că a trebuit să dedice mai puțin timp picturii decât înainte, dar cea mai bună lucrare a sa, Aleea de la Middelharnis, este datată 1689, iar un alt tablou londonez, Ruinele Castelului Brederode, este din 1671. Aceste lucrări ulterioare aparțin celor mai de succes realizări ale picturii peisagistice olandeze și, în esență, trag o linie în dezvoltarea acesteia.
Artistul a murit în sărăcie, dar deja în secolul al XVIII-lea a fost foarte imitat, iar lucrările sale au devenit subiect de rivalitate între colecționari. Spre deosebire de Ruisdael, care a preferat să captureze animale sălbatice, Hobbem a fost atras de scenele rurale liniștite, cu vederi ale satelor scăldate în lumina soarelui, cărora li se oferă varietate de grupuri falnice de copaci ici și colo. În aceste idile rurale, totul este scris cu mare grijă, și mai ales frunzișul.
În strânsă legătură cu peisajul olandez este gen animalistic. Mulți reprezentanți ai picturii peisagistice sunt interesați de transferul animalelor. Acestea din urmă se dovedesc foarte adesea a fi echivalente cu elemente pur peisagistice, iar uneori peisajul nu servește decât ca fundal pentru ele. Capacitatea de a identifica rasa unui animal, structura sa, culoarea, mișcările caracteristice este una dintre proprietățile izbitoare ale olandezilor. Subtilitatea transmiterii atmosferei și luminii, combinată cu această îndemânare, atinge o perfecțiune excepțională la unii pictori de animale. Acest lucru este dovedit de numeroase lucrări Paulus Potter(1625-1654) și Albert Cuyp(1620-1691). Ambele, împreună cu picturile înfățișând animale care pășc sau se odihnesc în aer liber (Ferma olarului, Ermitaj, 1649), au scris și exemplare individuale ale acestora în prim-plan. Lui Potter, pe lângă fotografiile generale, îi place să înfățișeze unul sau mai multe animale în prim-plan pe fundalul unui peisaj („A Dog on a Chain”). Motivul preferat al lui Cape sunt vacile la adăpost („Apus de soare pe râu”, „Vacile pe malul pârâului”). Tabloul „Peisaj cu turmă, călăreț și țărani”.
Scena rurală liniștită este scăldată de strălucirea aurie a apusului. Lumina caldă pătrunde în fiecare detaliu al compoziției, creând un efect strălucitor. Acest lucru distinge în mod izbitor culoarea Capului de albastrul și verdele reci ale contemporanilor săi, cum ar fi Meindert Hobbema. Aparenta aleatorie a aranjamentului animalelor este de fapt atent luată în considerare pentru a arăta jocul de lumini și umbre.
Cape aparține, în plus, unul dintre primele locuri printre reprezentanții unui peisaj pur. Picturile sale se remarcă prin pricepere excepțională în transmiterea luminii aurii, a soarelui, extrem de diverse în motive și includ multe porturi (vederi la mare).
Doar peisaj marin(marina) a fost logodit Jan Porcellis(1584-1632). Marina a jucat un rol foarte important în arta Olandei în secolul al XVII-lea și a adus în față o serie de specialiști de primă clasă. Cursul general de dezvoltare al portului pare să fie egal cu ceea ce se observă în general în istoria peisajului olandez. Într-un stadiu incipient, compozițiile sunt simple. Artistul își vede obiectivul atins dacă transmite întinderea mării, navele care se legănează pe ea și chiar apa cu cea mai mare probabilitate. Așa scrie Jan Porcellis. În generația următoare, natura transmiterii speciilor marine se schimbă către un dinamism mai mare. Ca și înainte, însă, sunt create picturi care înfățișează calmul elementului apă, dar acest lucru nu este suficient acum; furtunile încep să arunce nave pe stânci, valuri uriașe îi amenință cu moartea și îi împing pe marinari să se refugieze în port. În ambele cazuri, nu există dificultăți pentru Backhuizen (1631-1709). Pensul lui cu aceeași virtuozitate transmite seninătatea cerului, cicloane, spray-uri, stânci și urme de epave.
Dezvoltarea strălucită ajunge la o natură moartă. Natura moartă olandeză, spre deosebire de flamandă, este modestă ca dimensiune și motive pentru picturile de natură intimă. Peter Klass (1597-1661), Willem Kheda(1594-1680) cel mai adesea a înfățișat așa-numitul. mic dejun: preparate cu șuncă sau plăcintă pe o masă servită relativ modest. Într-un aspect abil, obiectele sunt prezentate în așa fel încât să simtă, așa cum ar fi, viața interioară a lucrurilor (nu degeaba olandezii au numit natura moartă „still leven” - „viață liniștită”, și nu „nature morte” – „natura moartă”). Colorarea este restrânsă și rafinată (Heda „Mic dejun cu homar”, 1658; Clasa „Natura moartă cu lumânări”, 1627)
Willem Heda a lucrat la Haarlem și a fost influențat de Pieter Claesz. Naturile moarte modeste - „mic dejun” de către Head, care înfățișează, de regulă, un mic set de ustensile de uz casnic și o masă, se caracterizează prin măiestrie fină în transmiterea texturii lucrurilor, o culoare discretă verde-argintiu sau maro-argintiu ( „Mic dejun cu plăcintă cu mure”, 1631, Galeria de Artă, Dresda; „Șuncă și argint”, 1649, Muzeul de Stat de Arte Frumoase, Moscova).
Odată cu schimbarea vieții comunității olandeze în a doua jumătate. În secolul al XVII-lea, odată cu creșterea treptată a dorinței de aristocratizare a burgheziei și pierderea fostei sale democrații, se schimbă și natura naturilor moarte. „Micurile dejun” ale lui Kheda sunt înlocuite cu „deserturi” somptuoase Willem Kalf (1619-1693). Ustensilele simple sunt înlocuite cu mese de marmură, fețe de masă pentru covoare, pahare de argint, scoici de sidef și pahare de cristal. Kalf atinge o virtuozitate uimitoare în transmiterea texturii piersicilor, strugurilor și suprafețelor de cristal. Tonul unic al naturilor moarte din perioada anterioară este înlocuit cu o gradație bogată a celor mai rafinate nuanțe colorate.
pictor olandez. În 1640-1645 a lucrat în Franța, din 1653 - la Amsterdam. În viitor, Willem Kalf a trăit și a lucrat în principal la Amsterdam. Culorile profunde și bogate ale picturilor sale, acest pictor de naturi moarte s-ar putea datora influenței operei contemporanului său Jan Vermeer. Unul dintre cei mai mari maeștri ai școlii olandeze de natură moartă, Kalf a pictat atât tablouri modeste înfățișând bucătării și curți sărace („Curtea unei case țărănești”, Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg), cât și compoziții spectaculoase cu ustensile prețioase și fructe exotice din sud („Mic dejun”, Muzeul de Stat, Amsterdam; „Natura moartă”, Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg). Virtuozitatea lui Kalf ca pictor de natură moartă s-a manifestat în rafinamentul clasic al construcțiilor spațiale, un simț subtil al originalității și valorii intrinseci a fiecărui lucru, rafinamentul și bogăția relațiilor de lumină și umbră și culoare și comparația spectaculoasă contrastantă a diferitelor texturi. si materiale.
"Natura moarta cu homar, corn de vin si pahare." Colecția de obiecte exotice și luxoase așezate pe masă este pictată cu măiestrie strălucitoare și cu un profund simț al culorii. Un homar, un corn de vin cu o ramă de argint filigran sclipitor, pahare transparente, o lămâie și un covor turcesc sunt redate cu o grijă atât de uimitoare încât se face iluzia că sunt reale și le poți atinge cu mâna. Locul de amplasare a fiecărui articol este ales cu atâta grijă încât grupul ca întreg formează o armonie de culoare, formă și textură. Lumina caldă care învăluie obiectele le conferă demnitatea unor bijuterii prețioase, iar raritatea, splendoarea și fantezia lor reflectă gusturile rafinate ale colecționarilor olandezi din secolul al XVII-lea - o perioadă în care naturile moarte erau extraordinar de populare.
natură moartă olandeză- una dintre implementarea artistică a celei mai importante teme a artei olandeze - tema vieții private a unei persoane obișnuite. Această temă este pe deplin întruchipată în imaginea de gen. În anii 20-30. secolul al 17-lea olandezii au creat un tip special de pictură cu figuri mici. 40-60 ani - înflorirea picturii, gloriind viața calmă burgheză a Olandei, măsura existența cotidiană. Chiar și în cercul lui Hals, unde s-a dezvoltat și Adrian Brouwer, pictorul flamand, s-a format un interes distinct pentru temele din viața țărănească. Adrian van Ostade(1610-1685) - a fost cea mai mare în ceea ce privește meritele sale picturale în reprezentarea vieții țărănești. El își înfățișează de obicei părțile umbre („Luptă”) Ca și ceilalți reprezentanți ai săi, de obicei își abordează subiectele în întregime în spiritul ideologiei clasei conducătoare și fie idealizează realitatea, fie vede doar creaturi amuzante în țărani, ale căror obiceiuri dau naștere la râsete și glume. („Într-o cârciumă de sat” 1660).
Arta sa capătă trăsături de lirism într-o perioadă ulterioară, iar fostele intrigi sunt înlocuite cu imagini de odihnă liniștită în pragul unei cabane sau în curtea unei cârciumi din sat, precum și interioare cu scene de confort familial liniștit („Țara Concert”, 1655, Schitul). Pe lângă astfel de picturi cu figuri mici, Ostade a pictat adesea la scară mai mare jumătăți de figuri strict realiste ale reprezentanților diferitelor meșteșuguri. De drept, pictura lui Ostade „Pictorul în atelier” (1663) este considerată o capodoperă a picturii, în care artistul gloriifică munca umană fără a recurge nici la o declarație, nici la patos.
Dar tema principală a „micului olandez” nu este încă un țăran, ci o viață de burghez. De obicei, acestea sunt imagini fără nici un complot fascinant. În picturile acestui gen nu pare să se întâmple nimic. O femeie citește o scrisoare, un domn și o doamnă cântă muzică. Sau tocmai s-au întâlnit și m/au un prim sentiment, dar acest lucru este doar conturat, spectatorului i se dă dreptul să speculeze. Cel mai distractiv povestitor din imagini de acest gen a fost Jan Stan(1626-1679). Pentru Stan, spre deosebire de majoritatea contemporanilor săi, partea poveștii nu este indiferentă. El acordă un rol semnificativ începutului narativ în picturile sale și îi place să înfățișeze anumite scene distractive din viața de zi cu zi a micii burghezii. În ele, maestrul dezvăluie puteri ascuțite de observație, caracterizează în mod adecvat tipurile și povestește episoadele pe care le-a ales cu umor subtil și vesel. Pictura „Bonava și doctorul” (c. 1660, Schitul) este indicativă pentru el. În perioada târzie a activității lui Sten, aceste trăsături își pierd claritatea și, urmând tendința generală, el pornește pe calea artei, mai elegantă și devotată problemelor unei percepții pur vizuale a lumii reale.
A dobândit o mare abilitate Gerard Terborch(1617-1681). A început cu cele mai democratice subiecte („Grinders”). Se distingea prin cea mai mare pricepere în a descrie mătăsurile și satinurile, transparența paharelor de sticlă, suprafața oricărui lucru. Figurile lui Terborch se caracterizează foarte des printr-o înfățișare aristocratică binecunoscută, care se explică prin alegerea sa de modele din mediul nobilimii. Rafinamentul artei lui Terborch se datorează în mare parte culorii sale, care este dominată de tonuri argintii rafinate. Printre cele mai bune picturi ale artistului se numără „Un pahar de limonadă” (Hermitage) și „Concert” (Berlin, Dahlem).
Interiorul devine deosebit de poetic printre micii olandezi. Viața olandezilor s-a desfășurat în principal în casă. Adevărata cântăreață a acestei teme a fost Peter de Hooch(1629-1689). Natura iluzorie a transferului lucrurilor se retrage în fundal pentru acest maestru, iar interesul se concentrează asupra dezvoltării relațiilor spațiale, în special asupra descrierii interioarelor, precum și a curților și a străzilor care se deschid în spatele lor („Stăpâna cu un Servitor”, Schitul, c. 1660). camerele sale cu o fereastră întredeschisă cu pantofi aruncați din neatenție sau o mătură lăsată, de regulă, sunt reprezentate fără o figură umană, dar oamenii sunt prezenți invizibil aici, există întotdeauna o legătură între interior și oameni. Când înfățișează oameni, el subliniază în mod deliberat ritmul înghețat, înfățișează viața ca înghețată, la fel de nemișcată ca lucrurile în sine ("Yard").
Ritmul lent al vieții, acuratețea rutinei zilnice, o anumită monotonie a existenței transmite perfect Gabriel Metsu(1629-1667; „Mic dejun”). În caracterul general al imaginilor sale de gen, el este apropiat de Terborch, dar mai strălucitor în culori.
O nouă etapă a picturii de gen începe în anii 50 și este asociată cu așa-numitul. scoala din Delft, cu numele unor astfel de artiști ca Karel Fabricius, Emmanuel de Witte și Jan Vermeer(1632-1675), cunoscut în istoria artei ca Vermeer din Delft (poreclit după locul activității sale). Arta lui Vermeer din Delft aparține perioadei târzii de dezvoltare a Olandei. Generația de luptători eroici, dar nepoliticoși pentru independență și oameni de afaceri treji – organizatori ai economiei capitaliste – aparținea trecutului. Nepoții lor au intrat în arena istorică, care au putut folosi în siguranță beneficiile dobândite. În aceste condiții, se conturează o artă plină de viață, veselă a ultimei etape a perioadei de glorie a Republicii Olandeze.
Această perioadă particulară aparține arta lui Vermeer din Delft, matură, pătrunzătoare și în același timp clară și simplă, în ciuda întregului sofisticare al tehnologiei. Sunt puține lucrări autentice ale lui Vermeer, doar câteva muzee au picturi mici și mereu prețioase ale maestrului Delft. Tema lui Vermeer este mai mult sau mai puțin tradițională; tinere care citesc o scrisoare, brodează, în compania unui domn, un pictor în fața unui șevalet, o fată pur și simplu visând la fereastră („Fata cu scrisoare”, Dresda; „Cavalerul și doamna la spinetă” , etc.) - într-un cuvânt, tot ceea ce a fost înfățișat de mai multe ori de către pictorii olandezi. În ceea ce privește subiectul, în sensul restrâns al cuvântului, Vermeer nu are nimic original. Numai în cazuri rare se îndreaptă către comploturi distractive și introduce un element de acțiune în compoziție („La Matchmaker”, 1656, Dresda). Cu toate acestea, toate imaginile sale au un caracter complet individual. Există un fel de poezie ușoară și ușoară în toate personajele pe care le înfățișează și, alături de această poezie și moliciune, un sentiment aparte de simplitate severă, ceva cu adevărat clasic, este imprimat pe toate operele sale.
Vermeer este, fără îndoială, unul dintre cei mai mari colorişti din istoria artei vest-europene. Nu numai gustul său delicat în alegerea culorilor, ci și capacitatea de a găsi relația lor unul cu celălalt îl fac pe Vermeer unul dintre cei mai rafinați maeștri ai culorii. Cu cel mai mare simț al proporției și al tactului, el combină galben-lămâie, albastru, violet dintr-o mare varietate de nuanțe, culori stacojii și verde pal într-o gamă sonoră de tonuri. În opera lui Vermeer din Delft, problema artei tradiționale olandeze a luminii a primit soluția cea mai perfectă. Lumina sidef irizanta este una dintre cele mai caracteristice trasaturi ale picturilor maestrului Delft. Nu există nicio îndoială, de asemenea, că Vermeer din Delft a fost unul dintre cei mai realizați tehnicieni ai timpului său. Puținele sale picturi sunt scrise într-o textură bogată și variată. Metoda sa de aplicare a vopselei, predeterminand tehnica ulterioară a impresioniștilor, a făcut posibil ca însuși Vermeer să înfățișeze obiectele care învăluie lumina în toată concretetatea sa picturală. Lumina din picturile lui Vermeer nu este doar un mediu transparent, ci aer, bogat în tranziții subtile de tonuri argintii.
Wermeer a făcut ceea ce nimeni altcineva nu a făcut în secolul al XVII-lea: a pictat peisaje din natură („Street”, „View of Delft”). Ele pot fi numite primele exemple de pictură în aer liber. Matură, clasică în simplitatea ei, arta lui Vermeer a fost de mare importanță pentru epocile viitoare.
Apogeul realismului olandez, rezultat al realizărilor picturale ale culturii olandeze din secolul al XVII-lea. este opera lui Rembrandt. Dar semnificația lui R., ca orice artist genial, depășește limitele numai artei olandeze și ale școlii olandeze. Ocupând un loc central în școala olandeză a epocii celei mai înalte perioade de glorie, Rembrandt se deosebește încă de numeroși artiști ai patriei sale. Ei au rămas străini de amploarea intereselor artistice ale lui Rembrandt și de psihologismul profund al operei sale.
Harmensz van Rijn Rembrandt s-a născut în 1606 la Leiden și a fost fiul unui proprietar bogat de moară de făină. A descoperit devreme o atracție pentru pictură și, după o scurtă ședere la Universitatea din Leiden, s-a dedicat în totalitate artei. La sfârșitul perioadei obișnuite de studii de trei ani cu artistul local nesemnificativ Jacob Swannenburg, Rembrandt a mers la Amsterdam pentru perfecționare, unde a devenit studentul lui Lastman. Lastman, un meșter priceput pregătit în Italia, l-a introdus pe Rembrandt în efectul clarobscurului, care este folosit pentru a transmite volum și a dezvălui drama acțiunii. Această tehnică va deveni principalul lucru în opera artistului. În anii următori, Rembrandt a lucrat la Leiden, câștigând o reputație de maestru al scenelor biblice și mitologice. Prin urmare, anii 1625-1632 se numesc de obicei. perioada Leiden a lucrării sale.
În 1632 s-a mutat la Amsterdam, unde și-a câștigat imediat faima scriind „Lecția de anatomie a doctorului Tulp”. Anii 30 sunt vremea celei mai înalte glorii, calea către kt i-a fost deschisă pictorului prin această poză, care este considerată un portret de grup și poartă un alt nume „Lecție de anatomie”. Pe această pânză, oamenii sunt uniți prin acțiune, toți sunt prezentați în ipostaze naturale, atenția lor este atrasă de personajul principal - Dr. Tulp, demonstrând structura mușchilor dintr-un cadavru. Locuiește cu dealer-ul de artă Hendrick van Uylenborch, care îl patronează, organizează comenzi pentru portrete, ceea ce creează reputația tânărului artist de maestru de succes la modă. În 1634, Rembrandt s-a căsătorit cu succes cu nepoata lui Hendrik, Saskia, iar până în 1639, împreună cu soția sa, dobândise o casă magnifică în capitală. Până la începutul anilor 1640. se bucură de mare succes alături de clienți, acesta este momentul bunăstării sale personale. În celebra capodopera a acestei perioade - „Autoportret cu Saskia în genunchi” (circa 1635, Galeria de Artă, Dresda), Rembrandt s-a înfățișat cu tânăra sa soție la masa festivă. Revărsări blânde de tonuri aurii, fluxuri de lumină care pătrund în imagine transmit starea de bucurie a unui artist tânăr și de succes și a soției sale, pline de speranțe și vise.
Toată această perioadă este acoperită de romantism. Pictorul, parcă, caută în mod special în opera sa să scape de viața de zi cu zi burgheză plictisitoare. Se pictează pe sine și pe Saskia în ținute luxoase, în ținute fantastice și coafuri, creând compoziții spectaculoase, în orice, în ipostaze, în mișcări, predomină lucrul comun - bucuria de a fi. (Saskia ca Flora). Limbajul baroc este cel mai aproape de a exprima acest spirit ridicat. Rembrandt în această perioadă este în mare măsură influențat de barocul italian.
În unghiuri complexe ne apar personajele picturii „Jertfa lui Avraam” (1635). Imaginea urmărește starea de spirit a lui Avraam, care, odată cu apariția bruscă a unui înger, nu a avut timp să simtă nici bucuria eliberării dintr-un sacrificiu teribil, nici recunoștință, ci până acum simte doar oboseală și nedumerire.
Rembrandt a acordat întotdeauna o mare atenție gravurii (gravurii) și desenului și a devenit curând cel mai mare maestru al tehnicii grafice din Europa. Portretele și peisajele executate de el în tehnica gravurii, scenele cotidiene și religioase s-au remarcat prin noutatea tehnicilor artistice, psihologismul profund al imaginilor, bogăția clarobscurului, expresivitatea și laconismul liniilor. Aproximativ două mii de desene ale lui Rembrandt au ajuns până la noi. Printre acestea se numără schițe pregătitoare, schițe pentru picturi, schițe cu scene din viața de zi cu zi și idei născute în imaginația sa.
La începutul perioadei timpurii a creativității apare unul dintre cele mai faimoase picturi ale sale „Night Watch” - un portret de grup al breslei pușcașilor. Dar port de grup este denumirea formală a produsului, care decurge din dorința clienților. În The Night Watch, Rembrandt adoptă o nouă abordare a genului portretului de grup, tradițional pentru arta olandeză. Pictura (1642, Muzeul Rijks, Amsterdam) este un portret de grup al membrilor breslei de împușcători a căpitanului Banning Cock și a fost rezolvată de artist ca o adevărată scenă de stradă. Rembrandt a abandonat aranjamentul static al tuturor participanților acceptați în acel moment, creând o scenă plină de mișcare. Contrastele de lumină și umbră, emoționalitatea picturii transmit emoția evenimentului. Poza ia un caracter istoric, vorbind despre oameni curajoși care sunt gata să apere libertatea și independența națională a patriei lor cu armele în mână. Clienții nu au înțeles intenția artistului și, pornind de la această poză, conflictul cu mediul dominant se va intensifica, dar nu va reduce energia maestrului, iar Rembrandt va continua să creeze pânze realiste, remarcabile prin impactul emoțional. . Compoziție spectaculoasă, fără îndoială oarecum teatrală, liberă, așa cum am menționat deja, nu își propunea să reprezinte fiecare dintre clienți. Multe fețe sunt pur și simplu prost „citite” în clarobscur ascuțit, în contraste de umbre groase și lumina puternică a soarelui, o detașare iese la CT (în secolul al XIX-lea imaginea s-a întunecat atât de mult încât a fost considerată o imagine a unei scene de noapte, prin urmare numele incorect.căpitan pe hainele luminoase ale locotenentului, dovedește că nu este noapte, ci zi). Apariția unor străini în această scenă, în special a unei fetițe într-o rochie galbenă aurie, i s-a părut de neînțeles și absurdă privitorului. Totul aici a provocat nedumerire și iritare a publicului și putem spune că odată cu acest tablou începe conflictul dintre artist și societate. Odată cu moartea lui Saskia în același an, are loc ruptura naturală a lui Rembrandt cu cercurile burghere străine lui.
Abilitatea realistă a lui Rembrandt s-a adâncit de-a lungul anilor. Refuză detaliile inutile și efectele decorative în favoarea unei mai mari profunzimi și intensități emoționale a imaginii artistice. Un loc foarte mare în opera artistului începe să ia un portret de cameră. Rembrandt dezvăluie viața spirituală a unei persoane, parcă ar dura în timp și spațiu. Acesta este un fel de portret-biografie. Astfel, de exemplu, „Portretul unei bătrâne”, „Hendrikje la fereastră”, „Citind pe Titus”, portretele prietenilor artistului N. Breining, J. Six, numeroase autoportrete (mai mult de o sută în ulei). și cărbune).
40-50 ani - Acesta este timpul maturității creative. Acesta este momentul adăugării sistemului său creativ, din care multe vor deveni un lucru din trecut și vor fi dobândite calități noi, neprețuite. În această perioadă, el apelează adesea la lucrări vechi pentru a le reface într-un mod nou. Așa a fost cazul lui Danae, pe care l-a pictat în 1636. Revenind la pictura din anii 1940, artistul și-a intensificat starea emoțională. A rescris partea centrală cu eroina și servitoarea. Făcându-i Danei un nou gest de mână ridicată, îi spuse o mare emoție, o expresie de bucurie, speranță, un apel. Lumina joacă un rol uriaș: fluxul luminos, parcă, învăluie figura lui Danae, ea strălucește de dragoste și fericire, această lumină este percepută ca o expresie a sentimentelor umane.
La începutul anilor '50, artistul creează o capodoperă după alta. Se demodase deja, dar clienții bogați nu erau traduși.
În acești ani, el alege pentru interpretare aspectele cele mai lirice, poetice ale existenței umane, cea umană, care este eternă și universală: iubirea maternă, compasiunea. Sfânta Scriptură îi oferă cel mai mare material, iar din el - scenele vieții sfintei familii. Religioasă prin subiect, dar pur gen în interpretarea intrigii, pictura Ermitului Sfânta familie (1645) este extrem de caracteristică acelei vremuri.
Alături de compozițiile de gen biblic, această perioadă este plină de un nou tip de reprezentare a realității pentru Rembrandt - peisajele. Acordând în unele cazuri un tribut înclinațiilor sale romantice, el creează, împreună cu aceasta, imagini ale unui sat olandez neîmpodobit, care sunt captivante cu un realism strict de abordare. Mica „Vedere de iarnă” (1646, Kassel), care înfățișează o curte țărănească în lumina unei zile senine geroase și mai multe figuri pe suprafața netedă a unui canal înghețat, este unul dintre cele mai perfecte exemple ale peisajului realist olandez în termeni. a subtilității sentimentului și a veridicității percepției vizuale.
În ciuda vastității și valorii artistice a ceea ce a fost creat în această perioadă, situația financiară a lui Rembrandt s-a dovedit a fi extrem de dificilă până la mijlocul anilor 1650. Din cauza scăderii numărului de comenzi, a vânzării dificile a tablourilor și mai ales a neglijenței maestrului în conducerea treburilor sale, Rembrandt a întâmpinat mari dificultăți financiare. Datoria asociată cu achiziționarea unei case scumpe în timpul vieții lui Saskia amenința cu ruina completă. Încercarea de a scăpa de datorii nu a putut decât să întârzie catastrofa, dar tot a izbucnit. În vara anului 1656, Rembrandt a fost declarat faliment și toate proprietățile sale au fost vândute la licitație. Privat de locuința obișnuită, a fost nevoit să se mute cu familia în săracul cartier evreiesc al capitalei comerciale, iar aici ultimele sale zile au trecut într-o lipsă acut simțită.
Aceste adversități, precum nenorocirile care s-au întâmplat mai târziu pe Rembrandt - moartea lui Hendrick, moartea singurului său fiu Titus - au fost neputincioși să oprească creșterea în continuare a geniului său.
Sfârșitul anilor 1650 și 1660 sunt cei mai tragici ani din viața lui R., dar sunt plini de activitatea creatoare a lui Rembrandt de o putere grandioasă. Ea reprezintă, parcă, o sinteză a tuturor căutărilor sale psihologice și picturale anterioare. În aceste imagini, totul este curățat de trecător, accidental. Detaliile sunt reduse la minimum, gesturile, posturile, înclinarea capului sunt atent gândite și înțelese. Figurile sunt mărite, aproape de planul frontal al pânzei. Chiar și lucrările de dimensiuni mici din acești ani creează o impresie de măreție extraordinară și monumentalitate adevărată. Principalele mijloace expresive sunt lumina și liniile. Mai exact ar fi să spunem despre regretatul R. că culoarea lui este „luminoasă”, pentru că în pânzele sale lumina și culoarea sunt una, culorile lui par să radieze lumină. Această interacțiune complexă a culorii și luminii nu este un scop în sine, ea creează un anumit mediu emoțional și caracteristici psihologice ale imaginii.
În portrete, Rembrandt este acum mai liber în alegerea modelelor și pictează mai ales fețe cu o individualitate pronunțată. Acestea sunt în principal femei în vârstă și evrei în vârstă. Dar cu aceeași claritate, el este capabil să transmită farmecul feței unei tinere sau farmecul unui aspect tineresc. Orice meschin din aceste portrete lasă loc unei prezentări generalizate, dar în același timp neobișnuit de clare a imaginii. Acest lucru este în mare măsură facilitat de amploarea tot mai mare a modului de execuție tehnică.
Finalul în istoria portretului de grup a fost imaginea lui Rembrandt a bătrânului magazinului de pânze - așa-zisul. „Sindici” (1662, Amsterdam). considerat pe merit unul dintre vârfurile operei lui Rembrandt). O caracteristică psihologică ascuțită, simplitatea construcției, ascunderea infailibilității ritmului liniilor și al maselor, precum și o zgârcire în numărul de culori, dar o colorare intensă rezumă întregul drum anterior al lui Rembrandt ca portretist.
În anii maturității (anii 50), Rembrandt și-a creat cele mai bune gravuri. Profunzimea analizei psihologice care îl deosebește pe Rembrandt, realismul expresiv al imaginilor și perfecțiunea stăpânirii tehnicii artistice s-au reflectat într-o serie lungă de foi minunate, tematic chiar mai diverse decât pictura maestrului. Printre cele mai cunoscute se numără „Hristos vindecând bolnavii” (așa-numita „Frunză de o sută de florini”, c. 1649), „Trei cruci” (1653), portretele lui Lutma (1656), Haring (1655), șase (1647 ), precum și peisajele cunoscute sub numele de Cei trei copaci (1643) și Moșia cântăritorului de aur (1651).
Un loc la fel de semnificativ în moștenirea grafică a lui Rembrandt îl ocupă desenele. Claritatea și originalitatea percepției lui Rembrandt asupra lumii înconjurătoare s-au reflectat în aceste foi numeroase și variate cu o forță deosebită. Modul de a desen, ca și stilul de pictură al lui Rembrandt, evoluează vizibil pe parcursul dezvoltării creative a maestrului. Dacă primele desene ale lui Rembrandt au fost elaborate în detaliu și destul de complexe în compoziție, atunci în perioada sa mai matură le-a interpretat într-o manieră picturală largă, neobișnuit de concisă și simplă. Rembrandt a desenat de obicei cu pixul de gâscă sau de trestie și a reușit să obțină, cu ajutorul celor mai simple tehnici, o putere de expresie excepțională. R. a lăsat în urmă 2000 de desene. Desenele sale, chiar și atunci când sunt schițe minuscule ale vreunui motiv obișnuit, sunt un întreg, care transmit pe deplin toată diversitatea naturii.
Epilogul operei lui R. poate fi considerat pânza sa grandioasă „Întoarcerea fiului risipitor” (circa 1668-1669, Schitul), în care înălțimea estetică și priceperea picturală a artistului s-a manifestat cu cea mai mare deplinătate. Pilda evanghelică despre un tânăr care a plecat de acasă, și-a risipit averea și s-a întors la tatăl său mizerabil, zdrențuit, umilit, artistul umple de un conținut profund uman. Ideea nobilă a iubirii pentru o persoană care suferă este dezvăluită aici în imagini care sunt izbitoare în persuasivitatea lor de viață. Chipul bătrânului tată pe jumătate orb și gestul mâinilor exprimă o bunătate infinită, iar figura fiului în zdrențe murdare, agățat de tatăl său, este o pocăință sinceră și profundă. Poate că niciun alt tablou de Rembrandt nu evocă atât de multe sentimente profunde și pline de compasiune. Rembrandt și-a învățat telespectatorii despre dragoste și iertare. În viitor, în ultimii ani și luni, viața lui Rembrandt se desfășoară în exterior calm. După ce a supraviețuit lui Hendrickje și Titus, a murit la 4 octombrie 1669.
R. a avut un impact imens asupra artei. Nu a existat niciun pictor în Olanda care să nu fi experimentat influența unui mare artist, dintre care Ferdinand Bol (1616-1680), Gerbrand van den Eckgout (1621-1674) și Art de Gelder (1645-1727) au devenit cei mai faimoși. După ce au stăpânit temele, tehnicile de compoziție și tipurile de profesori, ei nu au mers totuși mai departe în pictura lor de figuri dincolo de imitarea exterioară a tehnicilor lui Rembrandt. Influența vie a maestrului, dimpotrivă, i-a afectat cu siguranță pe numeroși pictori de peisaj din apropierea lui - Philips Koninck (1619-1688), Doomer (1622-1700) și alții. Însă majoritatea l-a trădat, trecând pe poziția de academicism și imitație a flamandilor la modă de atunci, iar apoi a francezilor.
Așa cum se întâmplă adesea în istoria artei, în ciuda talentului său strălucit, Rembrandt a murit în sărăcie și singurătate, un maestru uitat, inutil. Dar cu cât timpul trece mai departe, cu atât moștenirea artistului este mai valoroasă în ochii omenirii. Se poate spune fără exagerare că Rembrandt este unul dintre cei mai mari artiști din istoria artei mondiale. Mulți l-ar numi de neîntrecut. Mormântul lui Rembrandt este pierdut, dar opera lui va trăi timp de secole.
În ultimul sfert al secolului al XVII-lea începe declinul picturii olandeze, pierderea identității sale naționale și de la început. secolul al 18-lea se apropie sfârşitul marii ere a realismului olandez.
Religia principală este protestantismul. Olandezii au început să creeze un portret al Olandei. Acestea sunt portrete ale învingătorilor lor de război, au apărut peisaje, naturi moarte, gen sau pictură de zi cu zi. Acestea sunt tablouri cu o compoziție alb-negru din epoca barocului. Pentru prima dată aici apare specializarea artiștilor. Au apărut doar maeștri ai naturii moarte sau ai peisajului. 12 tipuri de peisaj: urban, maritim, dunar, cascade, peisaj forestier. Chiar la începutul artei olandeze, portretul devine direcția principală. În prima jumătate a secolului al XVII-lea, cel mai mare pictor portretist din Olanda este Frans Hals.
Opera lui Frans Hals.
Născut în 1574 în Antwarpan. Apoi familia sa se mută la Haarlem. Acolo a studiat cu artistul Van Mander. Van Mander a produs biografii ale unor mari artiști olandezi. Frans Hals a reușit să facă o întreagă revoluție în portret. Hals aduce dinamism portretelor. „Banchetul Ofițerilor Companiei Sf. Gheorghe” - prima lucrare care i-a adus popularitate. Hals înfățișează ofițeri în timpul unei petreceri, fiecare ofițer este înfățișat la rândul său. Imaginea este o diagonală activă. Totul este construit pe principiul asimetriei. Este activ la culoare.
Hals își pictează portretele foarte repede, folosind o pensulă dinamică deschisă. "țigan". Numele este foarte condiționat. " Mali Baba»- frotiu deschis puternic abandonat. În acest moment, în aproape toate lucrările lui Hals, toate personajele sale zâmbesc. „Cavalier zâmbitor”
Dinamica din portret este deosebit de activă. William van Geith Geisen. Nu s-a păstrat un singur desen al lui Hals. Cel mai probabil și-a pictat portretele fără desen și a pictat foarte repede.
Hals l-a pictat pe Van Dyck în două ore. Van Dyck l-a invitat să meargă cu el în Anglia.
Băiat de viaţă. Scris în aceeași manieră rapidă și dinamică în care lui Hals îi plăcea să scrie.
Hals a pictat și portrete serioase: „Portretul lui Peter Van Den Broke”, un portret la comandă, așa scrie Hals în detaliu, un portret foarte reținut și concis Rene Descartes. Portret de familie, peisajul a fost pictat pentru el de Peter Moleyn. Portret feminin - portretul foarte expresiv al lui Hals. Portret Isaac Masa și soția sa - portretul prietenului său.
La 30 de ani a pictat un tablou portretul ofiterilor companiei Sf. Andrian. Fiecare figură are propria sa tură și propria sa mișcare. În anii 40, pictura lui Hals se schimbă dramatic. În acest moment, portretul lui Van Dyck a intrat în modă. Portrete 40-50 ani - portrete cu predominanța negrului. Dintre ei portretul regentului unui azil de bătrâni. Există 27 de nuanțe de negru în acest portret. Una dintre ultimele lucrări ale lui Hals - Administratorii azilului de bătrâni. Apare imaginea bătrâneții. Decăderea cărnii transmite în portret. Cu totul altfel, el pictează un portret Regenții Spitalului Sf. Elisabeta. Portretul arată clar selecția unui triunghi de figuri, fiecare față este clar vizibilă. În timpul vieții sale, Hals a creat peste 200 de picturi. Există un muzeu în Haarlem. Aproape toată munca lor este adunată acolo.
Opera lui Rembrandt van Rijn.
Acesta este unul dintre marii artiști ai secolului al XVII-lea. Născut în 1606 în familia unui morar din orașul Leiden. Băiatul a fost inițial foarte talentat. Rembrandt studiază de ceva timp la universitate. Avea 14 ani când și-a simțit chemarea către pictură și a părăsit universitatea. Închiriază un hambar pe malul râului și își creează propria școală la vârsta de 16 ani. Artiști precum Doe studiază la școala lui. Primele lucrări pe care le-au scris - Exil, comercianți din templu.În primele sale lucrări, el vorbește despre apartenența la baroc. Lucrarea are o compoziție diagonală, o compoziție de lumină-umbră. În Leiden, a fost pictat autoportretul său. Lucru de textură neobișnuit. În acest moment, sosește ministrul olandez și cumpără mai multe lucrări de Rembrandt. Rembrandt părăsește Leidan și pleacă la Amsterdam, unde intră în studioul artistului Lastman. O lumină ireală apare în lucrări. Acest lucru este vizibil mai ales în imagine necredința lui Thomas . La Amsterdam, primește prima comandă pentru un portret de grup. – Anatomia Dr. Tulip . Aici a pictat un tablou jertfa lui Avraam. Profetul Ieremia în ruinele Ierusalimului. În pictură, capul sfântului radiază lumină. Succesul său în pictură l-a determinat să se căsătorească cu Sasky Van Elenburg. Rembrandt cumpără un palat în Amsterdam. Autoportret cu Sasuke în poală. Sasaki cu o floare.În același an în care Sasky este bolnav, Rembrandt primește o comandă pentru un portret de grup al companiei căpitanului Kok - Veghea de noapte. Înfățișează ieșirea trăgătorilor la exerciții. Pictura este o capodopera a lui Rembrandt din anii '40. Imaginea este construită pe subordonare. A început un proces lung pentru datoriile lui Rembrandt. La revedere lui David lui Jonathan scrisă în același an cu Veghe de noapte. Tabloul a fost cumpărat de Petru cel Mare și a devenit unul dintre primele tablouri din Schit.
Danae.
Hendricke, servitoarea lui Rembrandt, a devenit un asistent de încredere. Va deveni a doua soție a lui Rembrandt. în imaginea Sfânta familie cu îngeriîn această imagine sunt două diagonale luminoase, imaginea este pătrunsă de lumină caldă. Hendrick apare într-un portret - Hendrick la fereastră, Femeie care face baie, Versaviya,în istoria tabloului se află povestea lui David și Versavia.
David și Urie Lumina joacă un rol important în imagine.
Portretul lui Jan Six. Toată atenția este concentrată pe față.
Conspirația lui Claudius Civilis. Acesta este singurul tablou din istoria olandezilor a lui Rembrandt. .
Portretul unui bătrân în roșu. Biografie portret. Un portret în timp.
Portretul unui evreu bătrân.În acest portret sunt evidențiate doar principalele lucruri: fața și mâinile.
Portretul unei femei în vârstă.În acest portret, cele mai subtile treceri de la lumină la umbră.
Portret citind Titus.
Portretul poetului Decker.
Asur, Haman, Isfir. Opera principală a ultimelor picturi ale lui Rembrandt. Imaginea se bazează pe o soluție de iluminare foarte complexă.
Rembrandt pictează o repetare a acestui tablou Haman i-a cerut iertare lui Isfir.
Rembrandt primește o comandă pentru un portret de grup - Sindicilor.
mireasă evreiască. Tema iubirii este tema principală din această imagine. Acesta este tabloul preferat al lui Van Gogh și Soutine.
Portret de familie. Portret de grup. Un portret imaginar al familiei sale.
Două autoportrete.
În 66-68, Rembrandt pictează un tablou Întoarcerea Fiului Risipitor care îi încheie opera.
Simon în templu. Ultimul lui tablou.
Rembrandt moare în 1669. A avut mulți elevi: Gerard Dou, Fabricius, Gelder unul dintre ultimii studenți ai lui Rembrandt. Școala sa a existat până la sfârșitul secolului al XVII-lea.
Subiecte pentru credit:
renașterea germană.
baroc italian. Arhitectura baroc. Lorenzo Bernini, Francesco Boromini și Carlo Moderno. Sculptură de Bernini. Doi pictori Caravaggio și Anibali Karachi. Rubens. Van Dyck. Jordans. Snyders. Brouwer.
Peisajul olandez al secolului al XVII-lea.
Jan Fan Goyen.
Se caracterizează prin peisaje fluviale.
Moara pe malul raului peisaj tipic olandez.
Peisaj fluvial.
Aproape întotdeauna în opera sa, lumina cerului se reflectă pe pământ.
Salomon Reisdael
A pictat peisaje de dimineață devreme.
Peisaj cu un vagon peisaj caracteristic acestui pictor.
Traversare cu feribotul. dimineață cu vânt
El a crescut pe unul dintre principalii artiști ai secolului al XVII-lea, Jacob Reizad.
Jacob Reisdael.
Vedere a lui Edmond. Lumina cerului, peisajul ritmic, clopotnița verticală se potrivește exact cu formatul vertical.
Jacob a pictat toate cele 12 tipuri de peisaj și a creat el însuși mai multe tipuri.
Reisadl a fost un mare maestru al peisajului forestier.
Contemporanii au remarcat deja că Reisdal este un psiholog al pădurii. Fiecare copac are propriul portret.El scrie o biografie a copacului.
Peisaj forestier.
Lac printre copaci.În prim plan este un copac căzut, lângă el este un copac uscat, iar în adâncuri sunt tineri mesteacăni. Există mai multe vârste ale copacilor. El transferă această tehnică într-o serie de picturi:
Râu în pădure
pădure de stejar
Mlaştină
peisaj forestier
drum
Peisaj panoramic: Beintheir Castle, peisaj cu ruine de castel și biserică.
Moara din Vecca. Peisajul principal din Reisdal. Reisdael mărește în mod deliberat moara. Acest peisaj este unul dintre simbolurile Olandei.
Cele trei lucrări principale ale Olandei: Watch Night, Moara din Vecca, vedere la orașul Delta.
Două tablouri cu același titlu: cimitirul evreiesc. Desen imaginar. Transmite starea în timpul unei furtuni. În prim plan este un copac uscat, dar încă viu. Un curent care curge este un simbol al vieții care curge rapid. Copacul este înfățișat pe fundalul unui copac plin de viață și luxuriant. În prim plan este o piatră funerară cu un portret al artistului însuși și semnătura lui Reisdal. În adâncuri vedem un templu care este aproape distrus și în același timp vedem cum după o furtună apare un curcubeu - simbol al speranței. Greva centrală a luminii este un monument. Imaginea are o repetare, creează un sens și mai clar al vieții și al morții. A doua imagine poartă întuneric mare, contrastul lemnului uscat și verde este foarte clar reprezentat. Lespedea cu portretul lui Reisdael apare din nou și templul și-a schimbat aspectul, ca o creatură cu orbite uriașe - imaginea unei lumi pe moarte. Reisdael este considerat creatorul peisaj filosofic.
Reisdael a pictat peisaje de iarnă precum: Peisaj de iarnă, iarnă care tratează tema singurătăţii. Reisdal este autorul peisajului-dispoziție.
A fost, de asemenea, un maestru al picturii maritime: Furtună pe mare, coasta mării.
A fost un maestru al peisajului urban: Vedere la Amsterdam cu râul Amstel, Vedere la Haarlem ( vedere asupra orașului natal).
În ultimii ani, Reisdael a pictat o mulțime de peisaje înfățișând cascade: Peisaj stâncos cu o cascadă, o cascadă în Norvegia, o cascadă.
Două mori- un peisaj neobișnuit, o moară este clar vizibilă, iar a doua este situată în adâncuri.
Peisaj montan cu o barcă cu pânze una dintre ultimele lucrări ale lui Reisdael. În această lucrare, el își rezumă viața. Acesta este un peisaj poetic, liric.
Opera lui Mendet Hobeme.
A fost un elev al lui Reisdael.
Alley middel din Harls. A fost primul care a pictat peisaje din natură. Uneori picta peisaje din desene de peisaje.
A fost popular în Anglia și a contribuit la apariția peisajului englez. Thomas Gensbra, Turner, John Constable s-au bazat pe opera lui Hobeme și Reisdael.
Cel mai mare maestru al peisajului realist. Pe lângă peisajul englez, începutul peisajului național francez s-a manifestat în mare măsură.
Întrebări despre bilete:
Opera lui Rembrandt.
Odată cu triumful sistemului burghez și al calvinismului, fortărețele artei monumentale, decorative și ecleziastice din Olanda s-au prăbușit. Sarcinile de a picta palate și castele, stabilite de artiștii baroc din țările monarhice, aproape că nu au avut loc în Olanda. Nobilimea era prea slabă pentru a asigura existența unei mari arte decorative. Calvinismul, pe de altă parte, era împotriva picturilor din templele sale.
Cererea de picturi a fost totuși extrem de mare. Ea provenea în principal de la persoane private și, mai mult, în mare măsură din cercuri care nu aveau bogății materiale mari. Tipul de picturi de șevalet mic, concepute pentru a agăța în încăperi de dimensiuni modeste, se dezvoltă și devine dominant. Alături de comisioane, picturile erau și mai des executate pentru piața de artă, iar comerțul cu acestea era larg răspândit. Cererea mare de picturi a dus la o producție uriașă și, din cauza supraproducției lor, foarte mulți artiști au fost nevoiți să caute alte surse de trai pe lângă exercitarea profesiei directe. Pictori remarcabili se dovedesc adesea fie grădinari, fie păstrători de taverne, fie angajați (Goyen, Sten, Gobbema etc.).
În ceea ce privește temele și tehnicile picturale din pictura olandeză a secolului al XVII-lea, începutul realismului domină complet. În primul rând, artistului i s-a cerut să transmită cu fidelitate formele exterioare ale vieții înconjurătoare în toată diversitatea fenomenelor sale.
Importanța crescută a individului în noua societate burgheză a avut ca rezultat răspândirea extraordinară a portretului. O lungă perioadă de luptă, în care câștigătorul și-a simțit puterea, a contribuit la acest proces. Rolul mare pe care l-au jucat diverse organizații în acea perioadă, și în primul rând societățile de fotografiere, a adus la viață un tip special de portret public de grup, care este larg dezvoltat și devine unul dintre fenomenele specifice picturii olandeze. În urma numeroaselor portrete de grup ale trăgătorilor, apar grupuri de reprezentanți ai diferitelor magazine comerciale, corporații medicale (așa-numitele „anatomii”) și șefi de case de pomană de natură similară.
Intensitatea rezistenței la invadatorii străini a acutizat sentimentul național. Din artă a început să se ceară nu numai veridicitatea - ea trebuia să-și înfățișeze oamenii, oamenii populari și situația de astăzi, imagini neîmpodobite ale naturii native, tot ceea ce mintea se mândrea și cu care ochiul era obișnuit să vadă: corăbii, vite frumoase, hrană din belșug, flori. Alături de portret, genul, peisajul, imaginile cu animale și natura moartă au devenit tipurile dominante de teme. Respinsă de Biserica protestantă, pictura religioasă nu a fost exclusă, dar nu a jucat nici un rol major și a căpătat un caracter complet diferit de cel din țările catolicismului dominant. Începutul mistic a fost înlocuit în ele de o interpretare realistă a intrigilor, iar picturile acestui cerc erau îmbrăcate în principal în formele picturii cotidiene. Scenele din istoria antică apar ca o excepție și sunt folosite pentru a face aluzie la evenimente politice actuale. Ca toate alegoriile, au avut succes în cercurile înguste implicate în interese literare și umanitare.
O caracteristică tipică a școlii olandeze din acest timp este specializarea îngustă observată constant în rândul reprezentanților săi în anumite tipuri de subiecte. Această specializare duce la o diferențiere a genurilor: unii artiști dezvoltă aproape exclusiv scene cotidiene din viața păturilor mijlocii și superioare ale burgheziei, în timp ce alții se concentrează pe viața țărănească; printre pictorii peisagişti, mulţi cu greu găsesc altceva decât câmpii, canale, sate şi păşuni; alții sunt atrași de motivele forestiere, alții sunt specializați în înfățișarea mării. Artiștii olandezi nu numai că și-au propus sarcina de a transmite cu acuratețe obiectele și fenomenele descrise, dar se străduiesc să dea impresia de spațiu, precum și impactul asupra formelor atmosferei și luminii care le învăluie. Problema transmiterii luminii și aerului este căutarea picturală generală și de bază a școlii olandeze din secolul al XVII-lea. Astfel, pictura capătă involuntar începutul de emotivitate, provocând anumite stări în public.
Primul sfert al secolului al XVII-lea este o perioadă de tranziție pentru pictura Olandei, când trăsăturile menționate recent nu și-au primit încă deplina dezvoltare. Pe latura tematică, principalele tipuri de pictură olandeză - peisajul și viața de zi cu zi - sunt încă relativ puțin diferențiate. Atât elementele de gen, cât și cele de peisaj din picturile din acest timp sunt adesea echivalente. Există multe convenții în imaginile pur vizuale, atât în construcția generală a peisajului, cât și în colorare.
Alături de tradițiile realiste locale care continuă să trăiască, influența Italiei este puternică, în special, atât tendințele sale manieriste, cât și arta realistă din Caravaggio. Cel mai tipic reprezentant al acestei din urmă direcții a fost Honthorst (1590-1656). Foarte remarcabilă este și influența asupra olandezilor a artistului german Adam Elsheimer (1578-1610), care a lucrat la începutul secolului al XVII-lea. Romantismul interpretării temelor alese din Biblie sau din literatura antică, precum și cunoscutul orientalism (atracție spre Orient), exprimat în selecția tipurilor, ținutelor și a altor detalii, se îmbină în opera sa cu un dorinta crescuta de efecte decorative. Ca cel mai mare artist al acestui grup, Peter Lastman (1583-1633) a venit în prim-plan.
Frans Hals. Frans Hals (c. 1580-1666) este primul artist cu a cărui lucrare școala olandeză intră din plin înflorire. Activitatea sa a fost aproape în întregime în Harlem. Aici, deja în jurul anului 1616, a fost promovat ca un pictor portretist important și și-a păstrat rolul în acest domeniu până la sfârșitul vieții. Odată cu apariția lui Hals, portretul olandez strict realist și clar individual ajunge la maturitate. Tot ceea ce timid, meschin, naturalist, care îi distinge pe predecesori, este depășit.
Faza inițială a artei Khals nu a fost elucidată. Îl vedem imediat pe maestru rezolvând cea mai dificilă problemă a unui portret de grup. El pictează una după alta tablouri care îi înfățișează pe trăgătorii corporației St. Adrian și St. George (Harlem, Muzeul Frans Hals), unde atât vivacitatea unei întâlniri aglomerate, cât și strălucirea tipurilor fiecăruia dintre cei prezenți sunt transmise cu o ușurință inimitabilă. Îndemânarea picturală și ingeniozitatea compozițională a grupărilor merg mână în mână în aceste portrete cu acuitatea extraordinară a caracteristicilor. Hals nu este psiholog: viața mentală a modelelor sale de obicei trece pe lângă el. Da, și scrie în cea mai mare parte a oamenilor a căror viață întreagă se desfășoară în condiții de activitate intensă, viguroasă, dar nu prea adânc în chestiuni de natură psihologică. Dar Hals, ca nimeni altcineva, surprinde aspectul acestor oameni, este capabil să surprindă cel mai trecător, dar în același timp cel mai caracteristic în expresia feței, în postură, în gesturi. Vesel din fire, se străduiește să surprindă fiecare imagine într-un moment de renaștere, bucurie și nimeni nu transmite râsul cu atâta subtilitate și varietate ca el. Portretul unui ofițer (1624, Londra, colecția Wallace), legănându-se pe un scaun „Gatehausen” (sfârșitul anilor 1630, Bruxelles, galerie de artă), „țigan” (sfârșitul anilor 1620, Luvru) sau așa-numita „vrăjitoare din Harlem” , - „Malle Bobbe” (Berlin) poate fi numit ca exemple caracteristice ale artei sale ascuțite și adesea pline de viață. Bărbații, femeile, copiii sunt înfățișați de el cu același sentiment de imagine vie („Portret de tânăr cu mănușă”, circa 1650, Schitul). Impresia de vioitate este facilitată și de tehnica Hals în sine, neobișnuit de liberă și crescând de-a lungul anilor în lățimea sa. Strălucirea decorativă a lucrărilor timpurii se moderează ulterior, culoarea devine argintie, libertatea de a folosi tonuri de alb și negru vorbește despre o pricepere care își poate permite îndrăzneala picturală îndrăzneață. În unele lucrări sunt conturate tehnici impresioniste de soluții de culoare. Hals pictează nenumărate portrete individuale până în ultimii ani de viață, dar termină din nou cu portrete de grup. Generalizate în culoare, dezvăluind slăbiciunea senilă a mâinii în desen, ele rămân totuși neobișnuit de expresive. Personajele lor reprezintă grupuri de bătrâni ai milosteniei (1664, Harlem, Muzeul Frans Hals), unde artistul în vârstă de optzeci de ani și-a găsit ultimul refugiu. Arta sa era prea avansată la vremea ei pentru a asigura succesul material în mediul societății burgheze de atunci.
Rembrandt. O generație mai târziu decât Hals, figura gigantică a lui Rembrandt (1606-1669) se ridică pe fundalul unui realism olandez emergent. Opera sa este cea mai mare mândrie a Olandei, dar semnificația acestui maestru nu se limitează la o singură naționalitate. Rembrandt este considerat unul dintre cei mai mari pictori realiști ai tuturor timpurilor și, în același timp, unul dintre cei mai mari maeștri ai picturii.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn s-a născut în 1606 la Leiden și a fost fiul unui proprietar bogat de moară de făină. A descoperit devreme o atracție pentru pictură și, după o scurtă ședere la Universitatea din Leiden, s-a dedicat în totalitate artei. La sfârșitul perioadei obișnuite de studii de trei ani cu artistul local nesemnificativ Jacob Swannenburg, Rembrandt a mers la Amsterdam pentru perfecționare, unde a devenit studentul lui Lastman. După ce a stăpânit o serie de tehnici ale acestuia din urmă, a perceput și influența direcției realiste a caravagiștilor.
Întors la Leiden, Rembrandt a început să lucreze ca maestru independent, a avut un mare succes, iar acest succes l-a determinat să se mute la Amsterdam, unde s-a stabilit din 1631. Aici Rembrandt a devenit foarte curând un artist la modă, bombardat de comenzi și înconjurat de mulți studenți. În același timp, s-a deschis cel mai strălucitor moment din viața lui personală.
În 1634, s-a căsătorit cu o fată tânără și drăguță, Saskia van Ulenborg, care aparținea unei familii burgheze proeminente din Amsterdam și i-a adus o mare avere ca zestre. A sporit prosperitatea deja în creștere a maestrului de succes, i-a oferit independență materială și, în același timp, i-a permis să se predea pasiunii pentru colecția de opere de artă și tot felul de antichități.
Deja în timpul șederii lui Rembrandt la Leiden și cu atât mai mult după mutarea la Amsterdam, principalele trăsături ale artei sale afectează cu toată certitudinea. Cercul imaginilor sale acoperă subiecte religioase, istorie, mitologie, portret, gen, lume animală, peisaj, natură moartă. În centrul atenției lui Rembrandt se află încă o persoană, un transfer corect psihologic de caractere și mișcări spirituale. Acest interes pentru problemele psihologice este evident în nenumărate portrete, precum și în temele biblice preferate ale lui Rembrandt, care îi oferă un prilej binevenit de a portretiza relațiile și personajele umane. Darul uimitor al narațiunii inerent maestrului îi permite să captiveze publicul nu numai prin expresivitatea imaginilor, ci și prin prezentarea distractivă a intrigii alese.
Imaginile lui Rembrandt dezvăluie înțelegerea sa profund realistă a sarcinilor artei. El studiază în mod constant natura și se uită vigilent în toate formele realității înconjurătoare. Atenția îi este atrasă de tot ceea ce caracteristica este exprimată clar: expresii faciale, gesturi, mișcări, costume. El își fixează observațiile fie în desene, fie în schițe pitorești. Acesta din urmă se încadrează în principal în perioada sa timpurie. Cunoștințele dobândite despre formă și expresivitatea acesteia devin apoi o parte integrantă a tuturor lucrărilor compoziționale ale lui Rembrandt și le conferă o veridicitate extraordinară.
În paralel cu atenția sporită acordată esenței fenomenelor, Rembrandt a fost complet absorbit de probleme pur picturale și, în principal, de problema clarobscurului. Originalitatea și priceperea deciziilor ei i-au adus faima ca cel mai mare pictor. Rafinamentul luminii lui Rembrandt, combinat cu efectele coloristice, este de mare valoare artistică în picturile maestrului. Dar aceasta nu este doar o valoare decorativă de sine stătătoare. În Rembrandt, interpretarea efectelor de lumină este în același timp unul dintre principalele mijloace de dezvăluire a naturii imaginilor. Compoziția sa se bazează pe raportul dintre planurile iluminate și cele de umbră. Distribuția lor, care evidențiază unele forme și ascunde altele, atrage atenția privitorului asupra a ceea ce este deosebit de important pentru narațiune sau caracterizare și, prin urmare, sporește expresivitatea. Partea pitorească este legată organic de conținut.
Activitatea artistică a lui Rembrandt este impregnată de unitate interioară de la început până la sfârșit. Dar calea sa creativă face totuși posibilă distingerea unui număr de etape clar exprimate, caracterizate de unele trăsături specifice.
După ani de ucenicie și primii pași independenți, anii 1630 reprezintă o etapă atât de nouă. În această perioadă, Rembrandt este puternic, pe de o parte, elemente romantice și fantezie, pe de altă parte, trăsăturile formale ale artei baroc. Impresia de fantezie este evocată în acest caz în principal de efectul iluminării, care nu depinde întotdeauna de o anumită sursă, ci este generată, parcă, de capacitatea de radiație a obiectelor în sine. Pentru tendințele baroce ale artei lui Rembrandt din această perioadă, entuziasmul limbajului artistic, dinamismul și patosul compozițiilor și parțial claritatea culorii sunt indicative. În această etapă, Rembrandt are o tendință constantă de teatralizare a imaginilor, determinându-l pe maestru să se picteze pe sine și pe cei dragi săi îmbrăcați în mantale magnifice, coifuri, turbane, berete sau să o înfățișeze pe Saskia fie ca eroine biblice, fie ca o zeiță antică.
El abordează portretele comandate, desigur, într-un mod diferit. Caracteristici care îi deosebesc prin vivacitate, stăpânirea sculptării formelor, căutarea eleganței și în același timp o anumită severitate îi justifică faima de atunci ca portretist. Portretul de grup, cunoscut sub numele de „Anatomia Dr. Tulip” (1632, Haga, Mauritshuis), unde trăsăturilor marcate li s-a alăturat capacitatea de a uni chipurile înfățișate cu o atenție comună la prelegerea susținută de Tulip la sala anatomică. masă, a fost primul succes deosebit de puternic al lui Rembrandt.
Odată cu abundența extremă a portretelor care se încadrează în deceniul luat în considerare, Rembrandt și-a găsit timp și pentru pictura figurată, narativă, care l-a fascinat. Îngerul părăsind familia lui Tobias (1637, Luvru) este un exemplu al trăsăturilor baroc marcate ale acestei perioade. Intriga împrumutată din Biblie, care prezintă momentul în care îngerul care l-a ajutat pe fiul lui Tobias să-și vindece tatăl, părăsește familia pe care a binecuvântat-o, este saturat de elemente ale genului. O abordare de gen și mai precisă a temei este surprinsă în tabloul Ermitaj Pilda viticultorilor (1637). În acest caz, pilda Evangheliei se transformă într-o scenă pur realistă a așezării dintre proprietarul bogat și muncitori. Fidelitatea gesturilor și a expresiilor faciale aici nu sunt mai puțin caracteristice lui Rembrandt decât problema picturală a transmiterii luminii care curge prin ferestre mici și se estompează în adâncurile unei încăperi înalte, semiîntunecate.
Îndemânarea picturală și nuanța verzuie-aurie, caracteristice lui Rembrandt în anii 1630, se manifestă pe deplin într-una dintre cele mai cunoscute picturi ale sale, Danae a Ermitajului (1636). Prin sentimentul vieții în transferul corpului, în gest, în expresivitatea feței, dezvăluie neobișnuit de clar realismul conceptului artistic al maestrului în acest moment al dezvoltării sale creatoare.
Odată cu începutul anilor 1640, opera lui Rembrandt intră într-o nouă fază, care durează până la jumătatea deceniului următor. Înțelegerea independentă de către maestru a sarcinilor artei, dorința lui de adevăr profund în viață, interesul pentru problemele psihologice, care au devenit din ce în ce mai evidente de-a lungul anilor, au relevat în Rembrandt cea mai mare individualitate creatoare, cu mult înaintea culturii burgheze. societatea din jurul lui. Conținutul profund al artei lui Rembrandt era inaccesibil acestuia din urmă. Se dorea o artă realistă, dar mai superficială. Originalitatea tehnicilor de pictură ale lui Rembrandt, la rândul său, a fost împotriva modului general acceptat de a scrie atent, oarecum elegant. Pe măsură ce zilele luptei eroice naționale pentru independență au trecut în trecut, gusturile mediului conducător au crescut tendințe spre eleganță și o anumită idealizare a imaginii. Intransigența opiniilor lui Rembrandt, întărită de independența sa materială, l-a condus la o divergență completă față de societate. Această ruptură cu mediul burghez s-a reflectat clar în legătură cu comanda către stăpânul unui mare portret de grup al breslei trăgătorilor din Amsterdam. Tabloul executat în urma acestei comenzi (1642, Amsterdam) nu a mulțumit clienții și a rămas neînțeles chiar și de cercurile artistice. În loc de un grup de portrete mai mult sau mai puțin obișnuit, Rembrandt a oferit o imagine a performanței unei echipe înarmate, grăbindu-se în sunetul unei tobe după liderii lor. Caracteristicile portretului celor reprezentați s-au retras în fundal înainte de dinamism al scenei. Pitorescul larg conceput al contrastelor clarobscurului a dat acestei imagini un caracter romantic, dând naștere numelui său condiționat - „Night Watch”.
Conflictul cu mediul dominant și scăderea bruscă a comenzilor ca urmare nu au afectat energia creativă a maestrului. De asemenea, nu a reflectat schimbarea condițiilor de familie ale lui Rembrandt, care și-a pierdut iubita soție în anul realizării picturii tocmai menționate, care a fost inspiratorul constant al imaginilor sale feminine. Câțiva ani mai târziu, o alta îi ia locul. Apărând la început în rolul modest de servitoare, Hendrique Stoffels devine apoi prietenul fidel în viață al maestrului și îi asigură liniștea și liniștea confortului familiei.
Perioada următoare a fost favorabilă dezvoltării artei lui Rembrandt. Entuziasmul tinereții dispare din munca lui. Devine mai concentrat, echilibrat și chiar mai profund. Complexitatea compozițiilor și patosul sunt înlocuite de o înclinație spre simplitate. Sinceritatea sentimentului nu este încălcată de căutarea efectelor externe. Problema clarobscurului încă ține atenția maestrului. Culoarea devine mai fierbinte. Tonurile de galben auriu și roșu domină în ea. Religioasă prin subiect, dar pur gen în interpretarea intrigii, pictura Ermitului Sfânta familie (1645) este extrem de caracteristică acelei vremuri.
Alături de compozițiile de gen biblic, această perioadă este plină de un nou tip de reprezentare a realității pentru Rembrandt - peisajele. Acordând în unele cazuri un tribut înclinațiilor sale romantice, el creează, împreună cu aceasta, imagini ale unui sat olandez neîmpodobit, care sunt captivante cu un realism strict de abordare. Mica „Vedere de iarnă” (1646, Kassel), care înfățișează o curte țărănească în lumina unei zile senine geroase și mai multe figuri pe suprafața netedă a unui canal înghețat, este unul dintre cele mai perfecte exemple ale peisajului realist olandez în termeni. a subtilității sentimentului și a veridicității percepției vizuale.
În portrete, Rembrandt este acum mai liber în alegerea modelelor și pictează mai ales fețe cu o individualitate pronunțată. Acestea sunt în principal femei în vârstă și evrei în vârstă. Dar cu aceeași claritate, el este capabil să transmită farmecul feței unei tinere sau farmecul unui aspect tineresc. Orice meschin din aceste portrete lasă loc unei prezentări generalizate, dar în același timp neobișnuit de clare a imaginii. Acest lucru este în mare măsură facilitat de amploarea tot mai mare a modului de execuție tehnică.
În ciuda vastității și valorii artistice a ceea ce a fost creat în această perioadă, situația financiară a lui Rembrandt s-a dovedit a fi extrem de dificilă până la mijlocul anilor 1650. Din cauza scăderii numărului de comenzi, a vânzării dificile a tablourilor și mai ales a neglijenței maestrului în conducerea treburilor sale, Rembrandt a întâmpinat mari dificultăți financiare. Datoria asociată cu achiziționarea unei case scumpe în timpul vieții lui Saskia amenința cu ruina completă. Încercarea de a scăpa de datorii nu a putut decât să întârzie catastrofa, dar tot a izbucnit. În vara anului 1656, Rembrandt a fost declarat faliment și toate proprietățile sale au fost vândute la licitație. Privat de locuința obișnuită, a fost nevoit să se mute cu familia în săracul cartier evreiesc al capitalei comerciale, iar aici ultimele sale zile au trecut într-o lipsă acut simțită.
Aceste adversități, precum nenorocirile care s-au întâmplat mai târziu pe Rembrandt - moartea lui Hendrick, moartea singurului său fiu Titus - au fost neputincioși să oprească creșterea în continuare a geniului său. Sfârșitul anilor 1650 și 1660 este cea mai grandioasă fază a operei lui Rembrandt. Ea reprezintă, parcă, o sinteză a tuturor căutărilor sale psihologice și picturale anterioare. Puterea excepțională a imaginilor, simplitatea ideii, intensitatea culorii fierbinți și amploarea texturii picturale sunt principalele trăsături ale acestei perioade. Aceste calități sunt la fel de evidente atât în portrete, cât și în compozițiile biblice. Creat în acest moment, un portret de grup al „Sindiki” (bătrânii magazinului de pânze, 1662, Amsterdam) este considerat pe bună dreptate unul dintre vârfurile operei lui Rembrandt). O caracteristică psihologică ascuțită, simplitatea construcției, ascunderea infailibilității ritmului liniilor și al maselor, precum și o zgârcire în numărul de culori, dar o colorare intensă rezumă întregul drum anterior al lui Rembrandt ca portretist. În domeniul picturii biblice, același rol îi revine Întoarcerea fiului risipitor, situat în Schit. Scena reconcilierii fiului care s-a pocăit de desfrânarea sa și a tatălui atot-iertător rămâne de neîntrecut în arta mondială în ceea ce privește simplitatea, dramatismul și subtilitatea transferului experiențelor umane. Îi este greu să găsească ceva egal în ceea ce privește bogăția tonului și amploarea scrisului.
Fiul risipitor este unul dintre ultimele picturi ale maestrului și, se pare, datează din 1669 - anul morții lui Rembrandt. Această moarte a trecut complet neobservată și abia mulți ani mai târziu, în secolul al XVIII-lea, înțelegerea artei acestui mare artist a început să crească.
Semnificația lui Rembrandt se datorează, alături de pictura maestrului, uriașei sale moșteniri ca artist grafic. Toate proprietățile lucrărilor lui Rembrandt menționate mai sus au fost nu mai puțin pronunțate în lucrările grafice decât în pictură și, mai mult, atât în desenele originale, cât și în domeniul graficii tipărite și al gravurilor. În acest din urmă aspect, Rembrandt este cel mai mare maestru al gravurii.
Pentru caracterizarea sa, gravurile nu sunt mai puțin importante decât picturile. Profunzimea analizei psihologice care îl deosebește pe Rembrandt, realismul expresiv al imaginilor și perfecțiunea stăpânirii tehnicii artistice s-au reflectat într-o serie lungă de foi minunate, tematic chiar mai diverse decât pictura maestrului. Printre cele mai cunoscute se numără „Hristos vindecând bolnavii” (așa-numita „Frunză de o sută de florini”, c. 1649), „Trei cruci” (1653), portretele lui Lutma (1656), Haring (1655), șase (1647 ), precum și peisajele cunoscute sub numele de Cei trei copaci (1643) și Moșia cântăritorului de aur (1651).
Un loc la fel de semnificativ în moștenirea grafică a lui Rembrandt îl ocupă desenele. Claritatea și originalitatea percepției lui Rembrandt asupra lumii înconjurătoare s-au reflectat în aceste foi numeroase și variate cu o forță deosebită. Modul de a desen, ca și stilul de pictură al lui Rembrandt, evoluează vizibil pe parcursul dezvoltării creative a maestrului. Dacă primele desene ale lui Rembrandt au fost elaborate în detaliu și destul de complexe în compoziție, atunci în perioada sa mai matură le-a interpretat într-o manieră picturală largă, neobișnuit de concisă și simplă. Rembrandt a desenat de obicei cu pixul de gâscă sau de trestie și a reușit să obțină, cu ajutorul celor mai simple tehnici, o putere de expresie excepțională. Desenele sale, chiar și atunci când sunt schițe minuscule ale vreunui motiv obișnuit, sunt un întreg, care transmit pe deplin toată diversitatea naturii.
Arta lui Rembrandt în ansamblu a rămas neînțeleasă de contemporanii săi. În perioada de succes însă, în jurul lui s-a creat o școală extrem de numeroasă de elevi, dintre care cei mai cunoscuți au fost Ferdinand Bol (1616-1680), Gerbrand van den Eckgoat (1621-1674) și Art de Gelder (1645-1727). ). După ce au stăpânit temele, tehnicile de compoziție și tipurile de profesori, ei nu au mers totuși mai departe în pictura lor de figuri dincolo de imitarea exterioară a tehnicilor lui Rembrandt. Influența vie a maestrului, dimpotrivă, i-a afectat cu siguranță pe numeroși pictori de peisaj din apropierea lui - Philips Koninck (1619-1688), Doomer (1622-1700) și alții. Indiferent de acest lucru, dezvoltarea lui a problemei luminii a devenit piatra de temelie pentru dezvoltarea tuturor picturii olandeze ulterioare.
Opera lui Rembrandt a primit însă recunoașterea deplină abia în secolul al XIX-lea. Și din acel moment, el nu încetează să fie unul dintre cele mai înalte exemple de întruchipare realistă și în același timp pitorească a imaginilor.
