Coregraful Alexander Ekman despre baletul modern și rețelele sociale. Premiera lui Alexander Ekman la Opera din Paris Lacul lebedelor coregrafie de Alexander Ekman

Coregraful suedez Alexander Ekman și-a început călătoria în balet la vârsta de zece ani, ca student la Royal Swedish Balet School. După terminarea studiilor, a devenit dansator la Opera Regală din Stockholm, apoi a cântat timp de trei ani ca parte a trupei Nederlands Dans Theater. Ca dansator, a lucrat cu coregrafi precum Nacho Duato. Anul 2005 a devenit un punct de cotitură în destinul său creativ: ca dansator al trupei de balet Cullberg, s-a arătat mai întâi ca coregraf, prezentând la Hanovra, la Concursul Internațional de Coreografie, prima parte a trilogiei sale de balet „Sisters” - producția. „Surorile care filează inul”. La această competiție a ocupat locul doi și a câștigat și premiul criticii. Din acel moment, Ekman, după ce și-a încheiat cariera de dansator, s-a dedicat în întregime activităților de coregraf.

Alături de Cullberg Ballet, colaborează cu Baletul Göteborg, Baletul Regal al Flandrei, Baletul Național Norvegian, Baletul Rinului, Baletul Bernei și multe alte companii. Deși și-a început cariera ca dansator clasic, ca coregraf a preferat dansul modern cu libertatea sa, neconstrâns de nicio regulă sau tradiție consacră. În acest stil, coregraful a simțit oportunitatea de a atinge obiectivul principal pe care și-l stabilește întotdeauna atunci când creează cutare sau cutare producție - „să spună ceva” privitorului, „să schimbe ceva în oameni, chiar și imaginea sentimentelor. .” Principala întrebare pe care și-o pune un coregraf înainte de a începe să lucreze la orice producție este „De ce este nevoie?” Această abordare, potrivit lui Ekman, este potrivită în artă, și nu dorința de faimă. „Aș prefera să lucrez cu un dansator care este mai puțin talentat, dar dornic de muncă decât cu o vedetă obosită”, spune Ekman.

„Master of Ballet” (așa își numește opera Alexander Ekman), coregraful, într-un efort de a „schimba imaginea sentimentelor” publicului, creează întotdeauna ceva neașteptat - chiar și muzica pentru unele producții a fost scrisă de el. Producțiile lui Ekman sunt întotdeauna neobișnuite și, prin urmare, atrag atenția lumii întregi - de exemplu, baletul „Cacti” a fost prezentat pe optsprezece scene. Utilizarea muzicii pare a fi o soluție deosebit de neașteptată - și pe această bază se construiește o producție plină de spirit, întruchipând o viziune ușor ironică asupra dansului modern. Primul său balet în mai multe acte, „Tripticul lui Ekman – Training in Amusement”, a primit nu mai puțină faimă.

Dar, deși Ekman a făcut o alegere în favoarea dansului modern, asta nu înseamnă că nu își îndreaptă deloc privirea către tradițiile clasice. Astfel, după ce a primit o ofertă în 2010 de a crea o producție pentru Baletul Regal Suedez, în 2012 a prezentat baletul „Tulle”, care este un fel de „reflecție” asupra temelor baletului clasic.

Dar chiar dacă Alexander Ekman apelează la capodoperele populare din trecut, el le oferă o interpretare fundamental nouă - aceasta este „Lacul lebedelor”, o interpretare inovatoare a „Lacul lebedelor”, prezentată de coregraf în 2014. Dansatorii din Baletul Norvegian a avut greutăți, pentru că au dansat... pe apă, coregraful a creat un adevărat „lac” pe scenă umplându-l cu apă, ceea ce a necesitat mai mult de o mie de litri de apă (după coregraful, această idee a venit la el în timp ce era în baie). Dar aceasta nu a fost singura originalitate a producției: coregraful refuză să prezinte intriga, personajele principale nu sunt Prințul Siegfried și Odette, ci Observatorul și două Lebede - Alb și Negru, a căror ciocnire devine punctul culminant al spectacolului. . Alături de mișcările pur de dans, spectacolul conține și motive care ar fi potrivite în patinaj artistic sau chiar într-un spectacol de circ.

În 2015, „Lacul lebedelor” a fost nominalizat la premiul Benois de la Dance, iar Alexander Ekman nu ar fi el însuși dacă nu ar fi surprins publicul la concertul nominalizaților. În ciuda faptului că nu a jucat ca dansator de ceva vreme, coregraful însuși a urcat pe scenă și a interpretat un număr plin de umor, „La ce mă gândesc la Teatrul Bolșoi”, pe care l-a inventat special pentru acest concert. Numărul laconic a captivat publicul nu prin virtuozitate, ci cu o varietate de emoții - bucurie, incertitudine, frică, fericire - și, desigur, a existat un indiciu al creației coregrafului: Ekman a turnat un pahar cu apă pe scenă. În 2016, o altă creație a coregrafului, „Visul unei nopți de vară”, a fost nominalizată pentru acest premiu.

Opera lui Alexander Ekman are multe fețe. Nu se limitează la balet în încarnarea sa tradițională, coregraful creează instalații cu participarea dansatorilor de balet pentru Muzeul Suedez de Artă Contemporană. Din 2011, coregraful predă la Juilliard School din New York.

Toate drepturile rezervate. Copierea este interzisă.

Opera Garnier a găzduit cel mai intrigant eveniment al sezonului parizian - premiera mondială a baletului „Play” al compozitorului Mikael Karlsson, pus în scenă și în scenă de unul dintre cei mai căutați tineri coregrafi, Alexander Ekman. Pentru duoul de creație suedeză, aceasta este prima experiență de lucru cu Baletul Operei din Paris. Spune Maria Sidelnikova.

Debutul lui Alexander Ekman, în vârstă de 33 de ani, la Opera din Paris este unul dintre principalele atuuri ale lui Aurélie Dupont în primul ei sezon ca director artistic al baletului. Succesul coregrafului în Suedia și în țările scandinave vecine s-a dovedit a fi atât de contagios încât astăzi este la mare căutare atât în ​​Europa, cât și în Australia, iar chiar și Teatrul de Muzică Stanislavsky din Moscova a interpretat recent premiera rusă a piesei sale din 2012 „Tulle” (vezi „Kommersant” pe 28 noiembrie). Dupont l-a atras pe Ekman la o premieră cu drepturi depline în două acte, oferind carte blanche, 36 de tineri artiști, scena istorică a Operei Garnier și un timp de invidiat în program - sesiunea de vacanță din decembrie.

Cu toate acestea, riscurile artistice, și mai ales comerciale în cazul lui Ekman sunt mici. În ciuda tinereții sale, suedezul a reușit să lucreze în cele mai bune trupe din lume atât ca dansator, cât și ca coregraf: la Royal Swedish Ballet, Kullberg Ballet și NDT II. Și s-a apucat să facă spectacole sintetice de înaltă calitate, în care, ca într-un hipertext fascinant, există multe citate și referințe - nu numai la moștenirea baletului, ci și la lumile paralele ale artei moderne, modei, cinematografiei, circ și chiar rețele sociale. Ekman condimentează toate acestea cu „noua sinceritate” a noului secol și se comportă de parcă grija lui ar fi să ridice moralul spectatorului astfel încât să părăsească spectacolul, dacă nu ca de la o întâlnire cu un bun psihoterapeut, atunci ca de la un bun psihoterapeut. petrecere buna. Baletomanii conservatori locali și-au pronunțat verdictul cu privire la această atitudine „IKEA” față de venerabila artă a baletului cu mult înainte de premieră, care, totuși, nu a afectat în niciun fel entuziasmul general.

Ekman își începe „Jocul” de la sfârșit. Pe cortina închisă a teatrului, creditele rulează cu numele tuturor celor implicați în premieră (nu va mai fi timp pentru asta la sfârșit), iar un cvartet de saxofoniști - muzicieni de stradă - joacă ceva înălțător. Întregul act zboară într-o notă simplă: tinerii hipsteri se zboară necontrolat pe o scenă albă ca zăpada (singurele decorațiuni sunt lemnul și cuburi uriașe care fie plutesc în aer, fie cad pe scenă; orchestra stă chiar acolo - în înapoi pe un balcon încorporat). Se joacă de-a v-ați ascunselea și eticheta, se prefac a fi astronauți și regine, construiesc piramide, sar pe trambuline, se învârt pe scenă, se sărută și râd. În acest grup se află un conducător convențional (Simon Le Borgne) și un profesor nominal care încearcă în zadar să stăpânească pe cei obraznici. În cel de-al doilea act, copiii mari se vor transforma în funcționari cu ochi, fustele și pantalonii scurți jucăuși vor fi înlocuite cu costume de afaceri, cuburile se vor transforma în spații de lucru prăfuite, copacul verde se va ofili sfidător, lumea din jur va deveni gri. În acest spațiu fără aer, dacă este deloc fum, este doar în camera de fumat de la birou. Se jucau, apoi s-au oprit, dar degeaba, spune coregraful. Pentru cei care sunt complet plictisiți, pentru orice eventualitate, își pronunță ideea principală, inserând un „manifest despre joc” în mijlocul actului al doilea ca panaceu pentru toate răul societății moderne, iar în final, cântărețul gospel. Calesta Day va cânta, de asemenea, edificator despre asta.

Dar totuși, Alexander Ekman se exprimă cel mai convingător în limbajul coregrafic și imaginile vizuale, care sunt inseparabile pentru el. Așadar, în jocurile pentru copii din primul act, există o scenă complet necopilă cu amazoane în topuri și boxeri de culoarea cărnii și cu căști cu coarne pe cap. Ekman selectează perfect mișcările pentru a se potrivi cu aspectul său, alternând combinații ascuțite pe pantofii vârfuri și pas de chas prădător, înghețat, cu două picioare îndoite care repetă linia cornului. Îi place un tablou spectaculos nu mai puțin decât Pina Bausch. Germana din „Saritul primăverii” a împrăștiat scândură de scenă cu pământ, făcând-o parte din peisaj, iar Ekman a acoperit Opera din Stockholm cu fân („Visul unei nopți de vară”), a înecat Opera norvegiană în tone de apă. („Lacul Lebedelor”), iar pe scena Operei Garnier a dezlănțuit o grindină de sute de bile de plastic, creând un bazin de bile în groapa orchestrei. Tinerii fac o față entuziastă, puriștii o fac morocănos. În plus, spre deosebire de trucul norvegian cu apă, din care Ekman nu a putut niciodată să înoate, în „The Game” grindina verde devine un punct culminant puternic al primului act. Arată ca o ploaie tropicală, promițătoare de renaștere: ritmul pe care bilele îl bat în timp ce cad sună ca un puls, iar corpurile sunt atât de infecțios de ușoare și de libere încât vrei să-l numești o zi. Pentru că după pauză, această piscină se va transforma într-o mlaștină: unde artiștii tocmai se scufundaseră și fluturaseră fără griji, acum sunt blocați fără speranță - nu există nicio ieșire. Fiecare mișcare le cere un asemenea efort, de parcă bilele de plastic ar fi fost într-adevăr înlocuite cu greutăți. Ekman pune stresul vieții adulte în corpurile dansatorilor - le „oprește” coatele, îndreptează „doi umeri și două șolduri”, face spate de fier, le răsucește mecanic trunchiul în poziții date în direcții date. Pare să repete veselul pas de deux clasic al primului act (unul dintre puținele episoade solo - suedezul se simte cu adevărat mai liber în scenele de mulțime), dar aceleași contururi, atitudini și suporturi arabesc sunt moarte și formale - nu există viață. în ele.

Ești atras de complexul „Joc” al lui Ekman pe măsură ce spectacolul progresează: ai timp doar să rezolvi puzzle-urile compoziționale, fără a fi distras de bomboana scenografică pe care el le aruncă continuu publicului. Dar acest lucru nu este suficient pentru coregraf. Joacă așa - după ce cade cortina, artiștii vin din nou în fața scenei pentru a lansa trei bile uriașe în sală. Publicul de premieră îmbrăcat i-a ridicat, i-a aruncat de-a lungul rândurilor și, cu plăcere, i-a aruncat la plafonul lui Chagall. Se pare că până și snobii juriului de la tarabe nu ratează uneori cele mai intelectuale jocuri.

Ai un dar rar pentru a pune în scenă balete comice fără intriga: în Tulle, de exemplu, ceea ce este amuzant nu sunt personajele și relațiile lor, ci chiar combinațiile de mișcări clasice și particularitățile execuției lor. Crezi că baletul clasic este depășit?

Iubesc baletul clasic, este magnific. Și totuși este doar un dans, ar trebui să fie distractiv, ar trebui să existe un joc. Nu distorsionez mișcările clasice, ci doar le arăt dintr-un unghi ușor diferit - se dovedește a fi o absurditate atât de ușoară. Și pot apărea neînțelegeri, mai ales din partea actorilor: lucrul ca într-o dramă nu le este foarte familiar. Eu le spun mereu: „Nu fii comedian. Nu tu ar trebui să fii amuzant, ci situația.”

Deci, teatrul este încă mai important pentru tine decât baletul?

Teatrul este un spațiu în care două mii de oameni se pot simți conectați între ei, pot experimenta aceleași sentimente, apoi se pot discuta despre ele: „Ai văzut asta? Tare nu? Acest tip de unitate umană este cel mai frumos lucru din teatru.

„Tul”, Teatrul muzical Stanislavsky și Nemirovich-Danchenko, 2017

Introduci vorbirea în baletele tale - replici, monologuri, dialoguri. Crezi că publicul nu îți va înțelege planul fără cuvinte?

Cred că e mai distractiv așa. Îmi place să prezint surprize, surprize și să uimesc publicul. Consideră vorbirea ca specialitatea mea.

În recenzie, ți-am numit „Tulle” un concert de clasă ironic al secolului XXI. Acesta, în primul rând, prezintă ierarhia trupei de balet, iar în al doilea rând, toate secțiunile de pregătire clasică, cu excepția barei.

Nu știu, cumva nu am intenționat să ironic despre arta baletului. Tocmai am pus în scenă piesa „The Game” la Opera din Paris și, în timp ce lucram acolo, respectul meu pentru balet a devenit admirație. Când ești în interiorul acestei trupe, vezi cum se poartă artiștii, cum intră etoile în sală - cu o purtare regală, cu un sentiment atât de regal - apar asociații absolut uluitoare. Sistemul de clasă, curtea regală, Ludovic Soarele - asta este. La Opera din Paris, puteți determina imediat cine este etoile, cine este solistul, cine este luminatorul - prin felul în care se țin, cum se mișcă, cum interacționează cu alți oameni. Toate acestea reflectă poziția lor în societate, statutul lor. Și mi-am dat seama că acest lucru este primar - așa funcționează natura însăși. De exemplu, intri într-un coș de găini și vezi imediat cocoșul principal - este absolut frumos. Poate că numai în Franța și Rusia se poate vedea această umbră a absolutismului în teatre. În aceste țări baletul este prețuit, este mândrie națională și de aceea, mi se pare, există o legătură profundă între cultura franceză și cea rusă.

Și cum ați lucrat cu cocoșii parizieni? Ai venit la sala cu combinatii gata facute sau ai improvizat? Sau artiştii au fost obligaţi să improvizeze?

In toate felurile. Întotdeauna am o idee clară despre ceea ce vreau să creez, dar specificul iese la iveală pe parcurs. Dar dacă aveți 40 de persoane în sală, nu îi puteți forța să aștepte până când veți găsi o combinație specifică. Altfel se vor uita la tine așa - spun ei, de asta ești în stare? - că imediat vor dispărea rămășițele fanteziei. La Opera din Paris am avut un grup de cinci sau șase dansatori, am lucrat materialul cu ei - și am transferat desenul terminat la corpul de balet. De fapt, când înscenezi un balet, nu știi niciodată ce se va întâmpla în cele din urmă - ești bântuit de oroarea de a nu ști. Procesul este interesant de interesant, dar foarte obositor. După Paris, am decis să iau o pauză.

„The Game”, Opera Națională din Paris, 2017

Timp de o jumătate de an. Sau pentru un an. Toată viața mea am montat foarte intens: în 12 ani - 45 de balete. A fost o cursă constantă, până la urmă mi s-a părut că fac o producție nesfârșită. Am fost condus de succes - toți suntem orientați spre carieră. Am luat barieră după barieră, Opera din Paris a fost scopul meu, punctul culminant al călătoriei. Și așa a fost luată. Primul act al baletului din viața mea este gata. Acum e pauză.

Ți-ai mai acordat o pauză de la balet: instalațiile tale au fost prezentate la Muzeul de Artă Contemporană din Stockholm.

Ei bine, criticul este diferit. Unii sunt chiar drăguți.

Cei care te iubesc. De exemplu, Moscova: îți lăudăm mereu spectacolele, adorăm „Cacții” și ne amintim cât de minunat ai dansat la concertul Bolșoi de la Benois de la danse pe propriul tău monolog „La ce mă gândesc la Teatrul Bolșoi”. Apoi ai fost nominalizat pentru Lacul lebedelor, dar nu ți-au dat un premiu și nu au prezentat spectacolul: nu au vrut să toarne 6.000 de litri de apă pe scena Bolșoi. Ce v-a determinat să puneți în scenă principalul balet rusesc la Oslo și cum se compară acesta cu prototipul?

În nici un caz. La început ideea a fost să turnăm multă apă pe scenă. Atunci ne-am gândit: ce balet are legătură cu apa? Desigur, Lacul Lebedelor. Și acum nu știu dacă a fost inteligent să-mi numesc spectacolul așa, deoarece nu are nicio legătură cu baletul Lacul lebedelor.

Lacul lebedelor, Opera și Balet Național Norvegian, 2014

Ai realizat „Lacul lebedelor” cu celebrul designer suedez Hendrik Vibskov. Apropo, și-a dorit să danseze în copilărie - și chiar a câștigat un premiu pentru interpretarea hip-hop.

Da? Nu știam. Hendrik este grozav, mi-e foarte dor de el. El și cu mine coincid complet din punct de vedere creativ - amândoi par să fim aplecați într-o singură direcție, hotărâți să creăm ceva atât de nebunesc. Ii place si sa se distreze, stie sa actioneze, prezentarile lui de moda sunt ca niste spectacole. La Paris, el și cu mine am făcut o prezentare de modă sub forma „Lacul lebedelor”: am umplut o piscină cu apă, am așezat un podium pe ea, modelele au mers ca pe apă, iar dansatorii în costume de la spectacolul nostru s-au mutat între ei. .

Și postezi toate jocurile tale pe Instagram? Ești foarte activ pe rețelele de socializare.

Rețelele sociale sunt un lucru foarte convenabil pentru o persoană creativă. Pot să-mi prezint lucrările terminate, pot arăta la ce lucrez acum - este ca un portofoliu. Instagram necesită un limbaj special și cred că producțiile mele, care au o mulțime de efecte vizuale, sunt bune pentru Instagram. Dar nu îmi place când oamenii încarcă fotografii online de genul „uite, stau aici cu așa și așa”. Realitatea trebuie trăită, nu arătată. Rețelele au format o nouă formă de comunicare și a dat naștere unei noi dependențe - oamenii au uitat cum să vorbească între ei, dar se uită constant la telefon: câte like-uri am acolo?

Ai multe: peste treizeci de mii de urmăritori pe Instagram - de două ori mai mulți decât, de exemplu, Paul Lightfoot și Sol Leon, principalii coregrafi ai celebrului NDT.

vreau si mai mult. Dar pe pagina de lucru. O să-l șterg pe cel personal pentru că pe el fac același lucru ca toți ceilalți: hei, uite ce bine mă distrez.

Să revenim la realitate: ți s-a oferit o producție aici, la Moscova? Sau măcar transferați ceva deja terminat?

Aș vrea să fac ceva aici. Dar am o pauză. Deși, să fiu sincer, sunt atras de sala de repetiții.

Din nou Laurent Hilaire organizează o Seară de balet într-un act, iar studenții coregrafiei secolului XX ar trebui să meargă la MAMT. În două călătorii, acum este posibil să acoperiți șapte coregrafi - mai întâi Lifar, Kilian și Forsyth (), iar apoi Balanchine, Taylor, Garnier și Ekman (premiera pe 25 noiembrie). „Serenade” (1935), „Halo” (1962), „Onis” (1979) și, respectiv, „Tulle” (2012). Neoclasic, modern american, evadare francez din neoclasic și Ekman.

Trupa Teatrului Muzical dansează pentru prima dată Balanchine, iar Taylor și Ekman nu au fost niciodată montați în Rusia. Potrivit directorului artistic al teatrului, soliştilor ar trebui să li se ofere posibilitatea de a se exprima, iar corpului de balet ar trebui să li se ofere posibilitatea de a lucra.

« Am vrut să le dau tinerilor posibilitatea de a se exprima. Nu invităm artiști din afară - acesta este principiul meu. Cred că trupa are solişti minunaţi care lucrează cu mare poftă şi se dezvăluie într-un mod complet neaşteptat în noul repertoriu.(Despre Onis)

…Coregrafie grozavă, muzică minunată, douăzeci de femei - de ce să refuzi o astfel de oportunitate? În plus, prin pregătirea a două distribuții, majoritatea femeilor din trupă pot fi ocupate.(despre „Serenade”)” dintr-un interviu pentru Kommersant.

Balanchine a creat Serenade pentru studenții adulți ai școlii sale de balet din America. " Mi-am predat elevii și am făcut un balet în care nu poți vedea cât de rău dansează" El a negat atât interpretările romantice ale baletului, cât și complotul ascuns și a spus că a luat ca bază lecția de la școala sa - dacă cineva întârzie, va cădea. A fost necesar să se ocupe 17 elevi, așa că desenul s-a dovedit a fi asimetric, în continuă schimbare, împletindu-se - adesea fetele se țin de mână și se împletesc. Salturi de lumină slabă, liniuțe tocate, chopinuri albastre translucide, pe care dansatorii le ating în mod deliberat cu mâinile - totul este aerisit și marshmallow. Fără a lua în calcul una dintre cele patru părți ale serenadei lui Ceaikovski „finală pe o temă rusă”, în care dansatorii aproape încep să danseze, dar apoi dansul popular este acoperit de clasici.

După neoclasicismul lui Balanchine, modernismul lui Paul Taylor, care, deși a dansat cu primul în „Episodes”, arată în contrast, a lucrat în trupa Marthei Graham. „Halo” pentru muzica lui Guendal este pur și simplu un manual despre mișcările moderne: aici sunt mâini în formă de V și deget de la picioare și o poziție pregătitoare pentru jazz și o trecere în a șasea de la șold. A mai rămas și ceva din clasici aici, dar toată lumea dansează desculț. O astfel de antichitate seamănă mai mult cu ceva într-un muzeu, dar publicul rus a fost chiar prea entuziasmat de el.

La fel ca „Onis” de Jacques Garnier, care la un moment dat a fugit de academicism și complot, concentrându-se pe dansul în sine și pe corpul uman. Doi acordeoniști sunt în colțul scenei, trei dansatori sunt întinși. Se întind, se leagănă, se ridică și încep un dans zguduitor cu învârtiri, călcând și palme. Iată atât folclor, cât și Alvin Ailey, a cărui tehnică Garnier a studiat-o în SUA (precum și tehnica lui Cunningham). În 1972, împreună cu Brigitte Lefebvre, părăsește Opera din Paris și creează Teatrul Tăcerii, unde nu numai că a experimentat, dar a condus și activități educaționale și a fost unul dintre primii din Franța care a inclus în repertoriu lucrările coregrafilor americani. Acum, Lefevre a venit la Moscova pentru a repeta coregrafia lui Garnier, care, evident, a mulțumit dansatorilor ruși, iar Lefevre însăși a descoperit chiar și noi nuanțe ale acestei coregrafii datorită lor.

Dar premiera principală a serii a fost baletul „Tulle” al suedezului Alexander Ekman. În 2010, Baletul Regal Suedez l-a invitat să pună în scenă producția. Ekman a abordat această chestiune filozofic și cu ironie (cum a făcut cu celelalte creații ale sale). „Tul” este o reflecție pe tema „ce este baletul clasic”. Cu curiozitatea unui copil, pune întrebări: ce este baletul, de unde a venit, de ce avem nevoie de el și de ce este atât de atractiv.

“Îmi place fusta de balet, iese în afară în toate direcțiile”, „baletul este doar un circ”– spun necunoscuții chiar de la început, în timp ce dansatorii se încălzesc pe scenă. Ekman pare să examineze conceptul de „balet” cu o lupă, la fel cum în proiecția video de pe scenă obiectivul camerei alunecă peste o fustă de balet - în cadru există doar o grilă, totul arată diferit de aproape.

Deci, ce este baletul?

Acesta este un exercițiu, numărând - pe scenă balerinii fac exerciții sincronizate, în difuzoare se aude un zgomot puternic al pantofilor de vârf și o respirație zdrențuită.

Sunt cinci poziții, neschimbate - turiștii apar pe scenă cu camere, de parcă într-un muzeu fac clic pe dansatori.

Aceasta este dragoste și ură - balerinii vorbesc despre visele și fricile lor, durerea și euforia pe scenă - „ Îmi iubesc și urăsc pantofii mei pointe”.

Acesta este un circ - un cuplu în costume de arlechin (balerina are pene pe cap ca niște cai) execută trucuri complexe la țipetele și țipetele celorlalți dansatori.

Aceasta este puterea asupra privitorului - compozitorul american Michael Carlsson a făcut o adaptare electronică a „Lebădă” cu ritmuri agresive, dansatorii cu măreție cu sânge rece interpretează fragmente de citate din balet, simbolul baletului, iar privitorul este bătut în cuie ca și cum o placă de beton prin această estetică puternică.

„Tul” este o pregătire ușoară de balet, ironic și cu dragoste, atunci artei tăcute i se dă dreptul de a vorbi și raționează, se autocalcă, dar își declară cu încredere măreția.

Text: Nina Kudyakova