Cum și de ce afectează teatrul o persoană? Valoarea spectacolelor de teatru în viața umană Valoarea teatrului în lumea modernă
MINISTERUL EDUCAȚIEI ȘI ȘTIINȚEI AL FEDERATIEI RUSE
Instituția de învățământ bugetară de stat federală
studii superioare și profesionale
„Universitatea de Stat din Ryazan, numită după S.A. Yesenin"
Facultatea de Sociologie și Management
Catedra de Sociologie
Specialitatea 040100 - „Sociologie”
Teatrul ca mijloc de educație
Cursuri ale unui student în anul 4,
grupa 9910 Goryacheva T.G.
Consilier științific: dr.
psihic. Științe Tenyaeva O.V.
________________________
„____” ________________2013
Ryazan2013
Introducere
Capitolul 1
Teatrul ca mijloc de influențare a personalității……………...4
„Actor” ca profesie și fenomen socio-psihologic ... ..8
Educarea publicului prin mijloace teatrale……………………10
Capitolul 2. Procesul educațional în grupurile de teatru
2.1. Probleme ale educației în grupurile de teatru…………20
2.2. Rolul repetițiilor în procesul de învățământ…………………………...28
Concluzie
Lista literaturii folosite
Aplicație
Introducere
Relevanța temei lucrării de curs constă în faptul că, în primele etape ale dezvoltării umane, principiile teatrale ale comportamentului uman au jucat un rol mult mai mare decât în epocile apropiate nouă. În cadrul relațiilor sociale precapitaliste, cultura era, parcă, pătrunsă de teatralitate.
În același timp, comportamentul teatral apare adesea pe scenă și în dramă ca subiectul cel mai important al imaginii. Într-o serie de lucrări, episoadele în care acțiunea are loc cu participarea activă a unei game largi de oameni devin esențiale.
Acest lucru a contribuit la apariția unui astfel de tip de creativitate precum arta teatrală, căreia în primele etape ale înființării nu i s-a acordat o importanță atât de mare ca mijloc de educație, căruia îi sunt consacrate numeroase lucrări teoretice atât ale psihologilor, cât și ale profesorilor și criticilor de teatru. astăzi.
Scopul lucrării de curs este de a dezvălui posibilitățile teatrului și artei teatrale în procesul educațional.
Obiectivele lucrării cursului sunt următoarele:
Dezvăluie semnificația teatralității ca artă a autoexprimarii
Luați în considerare procesul educațional din grupul de teatru
Să studieze rolul teatrului ca mijloc de educație
Capitolul 1
1.1. Teatrul ca mijloc de influențare a personalității
Arta teatrală este declarată principalul și aproape singurul factor în educația morală, estetică, civică a individului. În același timp, influența sa este adesea smulsă artificial din atmosfera spirituală generală în care se rotește o persoană, rolul determinant al activității de muncă și al relațiilor sociale în modelarea potențialului spiritual și, deja, creativ al individului este ignorat. Rolul artei în procesul de formare a personalității poate fi definit ca corectiv, îmbogățitor, sporind influența morală, estetică și creativă a condițiilor de muncă și de mediu. Arta într-un anumit sens și în anumite condiții contribuie la rezolvarea contradicțiilor care apar în procesul de dezvoltare a unei personalități creative, înlătură factorii dizarmonici, creează un anumit fundal artistic. Rolul grupului de teatru ca creator de opere de artă originale sau interpret al acestora are o valoare relativă, problema orientării sale pedagogice, a îndeplinirii funcției sale socio-pedagogice, iese în prim-plan. Care este specificul teatrului ca subiect de educație, mijloc de dezvoltare cuprinzătoare și armonioasă a individului? În primul rând, trebuie subliniat că arta nu este singura formă de conștiință socială care formează o personalitate. Sarcina educațională este realizată de știință, politică, ideologie, morală și drept. Dar impactul fiecăreia dintre aceste forme de conștiință socială este local. Morala determină educația morală, dreptul – juridic, ideologia, politica – ideologică și viziunea asupra lumii. Teatrul, influențând conștiința, lumea spirituală și emoțională a unei persoane, (își formează astfel imaginea integrală; promovează activ creșterea spirituală, educă convingerile ideologice și morale, stimulează activitatea de transformare socială, sporește cultura politică, cultura muncii și a vieții. Jocul estetic. , divertismentul traduc imperceptibil bogăția conținutului moral al artei în proprietate personală.Se formează o atitudine holistică a unei persoane față de lume, se lasă o amprentă asupra tuturor aspectelor vieții și activității sale, asupra relațiilor, înțelegerea scopului și sensului viața. Teatrul ascutește mintea, înnobilează moral sentimentele, lărgește orizonturile. Procesul de „cathartic” - efectul de „curățare” al artei, desigur, este complex și ambiguu. Este legat prin rădăcini adânci de fenomenele care apar în psihic. , lumea spirituală a individului; este influențată direct sau indirect de factori ai vieții sociale care pot spori și reduce eficiența procesului.
Psihologii sovietici, în primul rând L. Vygotsky, S. Rubinshtein, B. Teplov, L. Yakobson, au analizat destul de cuprinzător și profund și au confirmat experimental influența teatrului asupra dezvoltării personalității: mentală, morală, estetică; a dezvăluit natura abilităților artistice și predispoziția umană către arta teatrală ca formă de activitate. Semnul principal al interacțiunii artei cu o persoană este baza emoțională profundă, senzuală a acestui proces. Cu toate acestea, intensitatea emoțională a diferitelor activități nu este aceeași. În cunoașterea științifică, emoțiile sunt subordonate, de fond. Aici în prim plan este gândirea, conștiința. În artă, practica artistică, emoțiile, experiența emoțională și senzorială sunt dominante. Pe baza lor se naște atât o viziune conștientă, ideologico-figurativă, cât și o înțelegere a conținutului artei. Gândirea emoțională, sau gândirea cu emoții, care a apărut ca urmare a contactului cu arta, are o ieșire directă către acțiunile umane, conținutul lor semantic și emoțional. Emoțiile, sentimentele, după cum știți, nu sunt produsul final al activității mentale. Ele apar ca un rezultat foarte specific (cu o anumită convenție a termenului) al influenței artei teatrale, manifestându-se sub forma unor acțiuni sau dând acestor acțiuni o colorare adecvată. Acțiunile de influență, motivele comportamentului, emoțiile capătă contururi vizibile și forme de manifestare. Această trăsătură a activității emoționale și psihologice a unei persoane în procesul de percepere a artei teatrale determină intensitatea îmbogățirii sale artistice, estetice și morale, procesul de dezvoltare a abilităților artistice și creative.
Originalitatea rezultatelor creativității într-un grup de teatru poate fi considerată atât din punct de vedere artistic și estetic, cât și din punct de vedere personal-subiectiv, adică din punctul de vedere a ceea ce oferă unei persoane ca artist. și ca persoană. Spectacolul într-un grup de teatru este asociat cu procesul de creare a valorilor estetice, spirituale. Una dintre ele este socializarea morală profundă, perfecțiunea morală a omului. Această activitate poate consta în rezolvarea independentă sau găsirea unor modalități de rezolvare a diverselor probleme artistice și creative. Există o creație activă a personalității, dezvoltarea tuturor aspectelor și potențialului spiritual și creativ al acesteia. Mai mult, acest potențial se realizează nu numai în domeniul practicii artistice, ci și în întregul sistem de relații umane cu ceilalți. O abordare creativă a rezolvării problemelor emergente devine obiceiul lui firesc, o caracteristică esențială. Eficacitatea activității creative poate fi determinată de formarea unui tip creativ de personalitate cu ajutorul acesteia. Acest criteriu este decisiv pentru creativitatea teatrală, deoarece această sarcină este cea mai importantă dintre funcțiile sale.
Ca orice artă, teatrul are funcții educaționale care urmează să fie realizate doar în echipa de creație teatrală. Munca pedagogică organizată corespunzător permite participanților să rezolve mai fructuos sarcinile stabilite, să obțină rezultatul dorit. Teatrul și arta scenică teatrală nu au putut apărea de nicăieri. Prima etapă în dezvoltarea teatrului și a acestui tip de artă a fost apariția teatralității atât în persoana însuși, cât și în acele lucrări pe care acesta le-a interpretat, în modul de viață pe care l-a definit pentru sine drept principalul criteriu de existență și supraviețuirea în vremuri dificile. În prezent, teatrul este deja o unitate independentă, diferită în multe privințe de primele încercări de a crea creativitate teatrală sau scenică, care are o vastă experiență atât în formarea repertoriului, cât și în crearea propriului public. Impactul educațional al teatrului s-a remarcat în antichitate, dar nu i s-a dat o culoare deosebită, întrucât această problemă și-a găsit actualitate în zilele noastre și este acum considerată cuprinzător de specialiștii din domeniul culturii și artei.
1.2. „Actor” ca profesie și fenomen socio-psihologic
Un actor este un interpret profesionist de diferite roluri în teatru, operă, balet, precum și în circ și pe scenă. Uneori, cuvântul „actor” este asociat cu un artist, deși sensul său este puțin mai larg. Un artist este de obicei numit o persoană care a atins un anumit nivel de abilitate în orice activitate care nu are legătură cu teatrul sau cu altă formă de arte spectacolului.
Cu siguranță fiecare dintre noi măcar o dată în viață s-a gândit la cariera unui actor. Unii oameni reușesc, dar pentru alții rămâne un vis.
Astăzi, profesia de actor joacă un rol important în viața culturală a fiecărei persoane. Tuturor ne place să ne uităm la filme, să mergem la cinematografe. Nu oricine poate deveni actor, așa că actorii profesioniști sunt la mare căutare și au onorarii bune. Un actor profesionist trebuie să fie capabil să lucreze atât independent, cât și în echipă, să fie responsabil în muncă și, de asemenea, să realizeze ce are în vedere regizorul.
Pentru a deveni actor, trebuie să ai abilități artistice, să fii predispus la activități creative și, de asemenea, să ai farmec scenic. Actorii profesioniști sunt la mare căutare pe scenele teatrelor și platourilor de filmare. Adesea, taxele zilnice variază de la 25 la 100 de mii de ruble pentru o zi de filmare.
Profesia de actor este foarte interesantă, dar în același timp dificilă și responsabilă. Astfel, profesia de cascador este adesea asociată cu un risc pentru viață, prin urmare, necesită îngrijire și concentrare maximă pe platoul de filmare sau pe scena teatrului.
Astăzi, la noi, actoria se predă în instituții de învățământ de specialitate. Pentru început, va fi necesar să treacă o audiție preliminară, în care li se poate cere să citească un pasaj dintr-o poezie sau să descrie un număr. Actoria poate fi antrenată la nesfârșit, deoarece nu există o limită a perfecțiunii sale.
Specialitatea „Arte actoriei” are o singură calificare - „artist de teatru și cinema”. Și cât de mult „teatru” va fi și cât - „cinema”, depinde de universitate.
Singura universitate de stat care pregătește actori de film este Institutul de Stat de Cinematografie al Rusiei. S.A. Gerasimov (VGIK). Dacă scopul tău este scena teatrului, atunci alegerea universităților este mai largă. La Moscova, actorii de teatru sunt pregătiți în patru universități de stat. Dar în ultimul deceniu, universitățile comerciale au preluat activ formarea actorilor de teatru și film.
Este foarte greu să intri la specialitatea „Arta actoricească”, și este aproape imposibil să intri în departamentul bugetar. Viitorii actori vin la Moscova din toată țara. Concursul mediu pentru admitere este de 20 de persoane pe loc.
1.3. Educarea publicului prin mijloace teatrale
Fiecare artă, având mijloace speciale de influență, poate și trebuie să-și aducă contribuția la sistemul general de educație estetică a școlarilor. Teatrul, ca nicio altă formă de artă, are cea mai mare „capacitate”. El absoarbe capacitatea literaturii de a recrea viața într-un cuvânt în manifestările sale externe și interne, dar acest cuvânt nu este narativ, ci sună viu, direct eficient. În același timp, spre deosebire de literatură, teatrul recreează realitatea nu în mintea cititorului, ci ca imagini existente ale vieții (performanței) aflate în spațiu. Și în acest sens, teatrul este aproape de pictură. Dar acțiunea teatrală este în continuă mișcare, se dezvoltă în timp - și asta este aproape de muzică. Imersiunea în lumea experiențelor privitorului este asemănătoare cu starea pe care o trăiește un ascultător de muzică, cufundat în propria sa lume a percepției subiective a sunetelor.
Desigur, teatrul nu este în niciun caz un substitut pentru alte forme de artă. Specificul teatrului este că poartă „proprietățile” literaturii, picturii și muzicii prin imaginea unui actor viu. Acest material uman direct pentru alte forme de artă este doar punctul de plecare al creativității. Pentru teatru, „natura” servește nu numai ca material, ci se păstrează și în vivacitatea sa imediată. După cum a remarcat filozoful G. G. Shpet: „Actorul creează din sine într-un dublu sens: 1) ca orice artist, din imaginația sa creatoare; și 2) având în mod specific în propria persoană materialul din care este creată imaginea artistică” (1).
Arta teatrului are o capacitate uimitoare de a se contopi cu viața. Spectacolul, deși are loc de cealaltă parte a rampei, în momentele de mare tensiune estompează linia dintre artă și viață și este percepută de public ca fiind realitatea însăși. Puterea atractivă a teatrului constă în faptul că „viața pe scenă” se afirmă liber în imaginația privitorului.
O astfel de întorsătură psihologică are loc pentru că teatrul nu este doar înzestrat cu trăsăturile realității, ci este în sine o realitate creată artistic. Realitatea teatrală, creând impresia de realitate, are propriile sale legi speciale. Adevărul teatrului nu poate fi măsurat după criteriile plauzibilității vieții. Încărcătura psihologică pe care eroul dramei o ia asupra sa nu poate fi suportată de o persoană în viață, deoarece în teatru are loc o compactare extremă a ciclurilor întregi de evenimente. Eroul piesei își trăiește adesea viața interioară ca o grămadă de pasiuni și o concentrare mare de gânduri. Și toate acestea sunt luate de public de la sine înțeles. „Incredibil” conform normelor realității obiective nu este deloc un semn al artei nesigure. În teatru, „adevărul” și „neadevărul” au criterii diferite și sunt determinate de legea gândirii figurative. „Arta este trăită ca realitate prin plinătatea „mecanismelor” noastre mentale, dar în același timp este evaluată în calitatea sa specifică ca un joc creat de om „nu real”, după cum spun copiii, dublarea iluzorie a realității” (2).
Vizitatorul teatrului devine spectator teatral atunci când percepe acest dublu aspect al acțiunii scenice, nu doar văzând în fața lui un act vital concret, ci și înțelegând sensul interior al acestui act. Ceea ce se întâmplă pe scenă este resimțit atât ca adevărul vieții, cât și ca recrearea ei figurativă. În același timp, este important de menționat că privitorul, fără a pierde simțul realului, începe să trăiască în lumea teatrului. Relația dintre realitatea reală și cea teatrală este destul de complicată. În acest proces se pot distinge trei faze: 1. Realitatea realității arătate obiectiv, tradusă de imaginația dramaturgului într-o operă dramatică. 2. O operă dramatică întruchipată de teatru (regizor, actori) în viața de scenă - un spectacol. 3. Viața de scenă, percepută de public și devenit parte din experiențele acestuia, s-a contopit cu viața publicului și, astfel, a revenit din nou la realitate.
Dar „întoarcerea” nu este analogă cu sursa inițială, acum este îmbogățită spiritual și estetic. „O operă de artă este creată astfel încât să trăiască - să trăiască aproape în sensul literal al cuvântului, adică. a intrat, ca și evenimentele trăite din viața reală, în experiența spirituală a fiecărui om și a întregii omeniri” (3).
Încrucișarea a două tipuri de imaginație activă - a actorului și a publicului - dă naștere a ceea ce se numește „magia teatrului”. Avantajul artei teatrale constă în faptul că întruchipează imaginarul într-o acțiune live care se desfășoară pe scenă cu claritate și concretețe. În alte arte, lumea imaginară fie apare în imaginația umană, ca în literatură și muzică, fie este înfățișată în piatră sau pe pânză, ca în sculptură sau pictură. În teatru, privitorul vede imaginarul. „Fiecare spectacol conține anumite elemente fizice și obiective accesibile oricărui spectator” (4).
Arta scenică, prin însăși natura ei, presupune un entuziasm nu pasiv, ci activ pentru public, căci în nicio altă artă nu există o asemenea dependență a procesului creativ de percepția sa ca în teatru. La G.D. Gachev, publicul este „ca niște cerești, ca un Argus cu o mie de ochi<...>aprinde acțiunea pe scenă<...>căci lumea scenei în sine apare, apare, dar în aceeași măsură este și opera spectatorului” (5).
Legea de bază a teatrului - complicitate internă a publicului la evenimentele care au loc pe scenă - implică entuziasmul imaginației, creativitatea independentă, internă a fiecăruia dintre spectatori. Această fascinație pentru acțiune îl deosebește pe spectator de observatorul indiferent, care se găsește și în sălile de teatru. Spectatorul, spre deosebire de actor, artistul activ, este un artist contemplativ.
Imaginația activă a publicului nu este deloc o proprietate spirituală deosebită a iubitorilor de artă aleși. Desigur, gustul artistic dezvoltat este de mare importanță, dar aceasta este o chestiune de dezvoltare a acelor principii emoționale care sunt inerente fiecărei persoane. „Gustul artistic deschide calea cititorului, ascultătorului, privitorului de la forma exterioară la cea interioară și de la aceasta către conținutul operei. Pentru ca această cale să fie parcursă cu succes, participarea imaginației și memoriei, a forțelor emoționale și intelectuale ale psihicului, voinței și atenției și, în sfârșit, credința și iubirea, adică același complex mental integral de forțe spirituale care realizează act creativ, este necesar”(6).
Conștiința realității artistice în procesul de percepție este cu atât mai profundă, cu cât privitorul este cufundat mai complet în sfera experienței, cu atât arta cu mai multe straturi intră în sufletul uman. În această intersecție a două sfere - experiența inconștientă și percepția conștientă a artei există imaginația. Este inerentă psihicului uman inițial, organic, accesibil fiecărei persoane și poate fi dezvoltat semnificativ în cursul acumulării experienței estetice.
Percepția estetică este creativitatea privitorului și poate atinge o intensitate mare. Cu cât natura privitorului însuși este mai bogată, cu atât simțul estetic este mai dezvoltat, cu atât experiența artistică este mai completă, cu atât imaginația lui este mai activă și impresiile sale teatrale sunt mai bogate.
Estetica percepției este în mare măsură orientată către privitorul ideal. În realitate, procesul conștient de educare a culturii teatrale va face probabil ca spectatorul să dobândească cunoștințe despre artă și să stăpânească anumite abilități de percepție. Un spectator educat poate: - să cunoască teatrul în propriile sale legi; - să cunoască teatrul în procesele sale moderne; - să cunoască teatrul în dezvoltarea sa istorică.
În același timp, trebuie să fim conștienți de faptul că cunoștințele îndoite mecanic în capul privitorului nu reprezintă o garanție a unei percepții cu drepturi depline. Procesul de formare a culturii spectatorului, într-o anumită măsură, are proprietățile unei „cutii negre”, în care momentele cantitative nu se adună întotdeauna în linie dreaptă în anumite fenomene calitative. Teatrul este o artă uimitoare. Numai pentru că în ultimul secol i s-a prezis de mai multe ori moartea iminentă. A fost amenințat de Marele Tăcut, care găsise vorbirea - părea că cinematograful sonor va lua tot publicul din teatru. Apoi amenințarea a venit de la televiziune, când spectacolul a venit direct în casă, mai târziu a început să se teamă răspândirea puternică a video și internetul.
Cu toate acestea, dacă ne concentrăm pe tendințele generale în existența artei teatrale în lume, atunci nu este nimic surprinzător în faptul că, la începutul secolului XXI, teatrul nu numai că s-a păstrat, dar a început să sublinieze clar non- caracterul de masă și, într-un anumit sens, „elitismul” artei sale. Dar, în același sens, se poate vorbi de elitismul artelor plastice sau al muzicii clasice, dacă comparăm publicul de multe milioane pe care îl adună interpreții populari cu un număr limitat de oameni la conservator.
În teatrul sintetic al timpurilor moderne, corelarea tradițională a principiilor dominante – adevăr și ficțiune – apare într-un fel de unitate indisolubilă. Această sinteză are loc atât ca act de experiență (percepție a adevărului vieții), cât și ca act de plăcere estetică (percepție a poeziei de teatru). Apoi, privitorul devine nu numai un participant psihologic la acțiune, adică o persoană care „absoarbe” soarta eroului și se îmbogățește spiritual, ci și un creator care realizează o acțiune creativă în imaginația sa, simultan cu ceea ce se întâmplă. pe scena. Acest ultim moment este extrem de important, iar în educația estetică a publicului ocupă un loc central.
Desigur, fiecare spectator poate avea propria idee despre performanța ideală. Dar în toate cazurile se bazează pe un anumit „program” de cerințe pentru art. Acest tip de „cunoaștere” presupune o anumită maturitate a culturii publicului.
Cultura spectatorului depinde în mare măsură de natura artei care este oferită privitorului. Cu cât sarcina pusă înaintea lui este mai dificilă - estetică, etică, filosofică, cu atât gândul este mai tensionat, cu atât experiența este mai clară, cu atât manifestarea gustului privitorului este mai subtilă. Pentru ceea ce numim cultura cititorului, ascultătorului, privitorului este direct legată de dezvoltarea însăși personalității unei persoane, depinde de creșterea sa spirituală și îi afectează creșterea spirituală ulterioară.
Semnificația sarcinii pe care teatrul o pune spectatorului în termeni psihologici constă în faptul că imaginea artistică, dată în toată complexitatea și inconsecvența ei, este percepută de spectator la început ca un personaj real, existent în mod obiectiv, iar apoi, pe măsură ce se obișnuiesc cu imaginea și reflectă asupra ei.acțiuni, dezvăluie (parcă în mod independent) esența ei interioară, sensul generalizator.
Din punct de vedere estetic, complexitatea sarcinii constă în faptul că privitorul percepe imaginea scenică nu numai după criteriile adevărului, ci știe și cum (învățat) să-și descifreze sensul metaforic poetic. Deci, specificul artei teatrale este o persoană vie, ca erou direct experiență și ca artist-artist direct creator, iar cea mai importantă lege a teatrului este un impact direct asupra privitorului. „Efectul de teatru”, claritatea lui este determinată nu numai de demnitatea artei în sine, ci și de demnitatea, cultura estetică a auditoriului. Spectatorul în calitate de co-creator obligatoriu al spectacolului este cel mai adesea scris și vorbit de către practicienii de teatru înșiși (regizorii și actorii): „Nu există spectacol de teatru fără participarea publicului, iar piesa are șanse de succes doar. dacă spectatorul însuși „pierde” jocul, adică ... acceptă regulile acestuia și joacă rolul unei persoane care empatizează sau se retrage” (7).
Totuși, trezirea artistului în privitor are loc numai dacă spectatorul este capabil să perceapă pe deplin conținutul inerent spectacolului, dacă este capabil să-și extindă gama estetică și să învețe să vadă noul în artă, dacă, rămânând fidel stilul său artistic preferat, nu se dovedește a fi surd și la alte direcții creative, dacă este capabil să vadă o nouă lectură a unei opere clasice și este capabil să separe ideea regizorului de implementarea ei de către actori... Acolo sunt mult mai multe astfel de „dacă”. În consecință, pentru ca spectatorul să se implice în creativitate, pentru ca artistul să se trezească în el, în stadiul actual de dezvoltare a teatrului nostru, este necesară o creștere generală a culturii artistice a spectatorului.
Pedagogia modernă consideră și posibilitățile teatrului ca un adevărat mijloc de educație artistică a școlarilor. Teatrul a fost întotdeauna o școală de spectatori talentați. Astăzi, în contextul unei culturi electronice în curs de dezvoltare, extinderea mass-media, „bunurile de consum de divertisment” (Z. Ya. Korogodsky), este necesar să se caute mijloace care să contribuie la contracararea acestui proces. Desigur, un public de milioane de vizionări video și un public de teatru modest sunt incomparabile din punct de vedere cantitativ, dar spectatorul de teatru, crescut pentru a comunica cu arta vie, potrivit psihologilor, sociologilor și istoricilor de artă, este cel mai educat și cel mai educat. talentat.
De asemenea, remarcăm că căutările artistice ale teatrului modern presupun în mod firesc prezența unui spectator competent, care este atras de teatru de ceva mai mult decât cunoașterea unei intrigi necunoscute sau posibilitatea de a se distra. Diferențierea spectatorilor în „experți” individuali și un public „de unică folosință” în masă este inerentă împărțirii în arta teatrală în sine în spectacole create de limbajul artistic original și spectacole de masă disponibile oricărui spectator. Teatrul modern, așa cum arată practica, devine un organism creativ autosuficient, parte a fenomenului care în istoria culturii a fost numit „artă de dragul artei”. În acest proces, spectatorul din „al treilea creator al spectacolului” (K.S. Stanislavsky) se transformă într-o componentă secundară, adesea la periferia atenției teatrului însuși. Astfel, dacă astăzi teatrul în activitatea sa creatoare a abandonat practic funcția educațională, atunci grija de a dezvolta interesul pentru artă, confruntându-se cu lipsa de spiritualitate și cultura de masă a fost preluată de școala modernă.
A fost școala care a început să includă teatrul într-o mare varietate de forme de activități educaționale și extrașcolare. Nu numai școlile de specialitate cu direcții umanitare sau estetice (gimnazii și licee), ci și școlile de învățământ general obișnuit au început să introducă în programa lor nu doar cercurile de teatru și cursurile opționale, ci și lecțiile de teatru (în ciuda complexității ideilor despre ce este o lecție de teatru). la scoala). ). Au apărut un număr mare de programe, în primul rând de autor, care au în vedere de cele mai multe ori cunoașterea școlarilor cu arta teatrală într-o versiune adaptată a educației teatrale profesionale.
O parte integrantă a lecției de teatru și o opțiune, iar teatralizarea ca mijloc de dezvoltare a personalității copilului a devenit o componentă a culturii teatrale, care, potrivit profesorilor implicați în această activitate, constă cel mai adesea în introducerea școlarilor în teatru ca pe un artă, în studierea istoriei teatrului autohton și străin, în stăpânirea elementelor actoricești și a spectacolelor în care se joacă copiii.
Pătrunderea activă de la o vârstă foarte fragedă în conștiința copiilor a unei mase uriașe de impresii spectaculoase pe care cinematograful și televiziunea le poartă nu trece fără urmă. Teatrul de astăzi, desigur, face apel la generația de televiziune a tinerilor telespectatori. Specificul telespectatorului afectează existența telespectatorului în sala teatrului. Capacitatea de a întrerupe un program sau un film în timp ce vizionați acasă, de a opri, de a „părăsi” vizionarea și de a „intra” din nou când dorește, formează un fel de percepție discretă, care este serios testată în teatru. Nevoia de imersiune pe termen lung în procesul holistic de comunicare cu arta se confruntă cu incapacitatea tinerilor privitori de a exista încet în această comunicare. Procesul este și mai complicat de angajamentul multor regizori moderni de a crea lucrări monumentale de patru și cinci ore, uneori cu o singură pauză. Astfel de spectacole testează literalmente „forța” interesului publicului pentru arta teatrală. Vizionatorul modern de tineret este în mare parte crescut de cultura de masă și se concentrează asupra acesteia. Folosind termenul de teatru, putem spune că toate „adăugările” tinerilor la artă în general provin din această educație „de masă”. Prin urmare, chiar și cultivarea unei atitudini față de vizitarea teatrului ca un anumit ritual, respectarea anumitor reguli și tradiții, se confruntă cu dificultăți specifice. Publicul tânăr de la o reprezentație a unui teatru de tineret arată „sindromul” unui concert rock pe stadion: de îndată ce luminile se sting în sală, tinerii spectatori fluieră, răcnesc și bat din picioare. Adesea, conform intenției regizorului, multe spectacole încep în tăcere, iar sala de tineret se anunță imediat și oferă dialog, feedback - ca la concert, fără să înțeleagă și să nu accepte condițiile reprezentației teatrale.
Totodată, în istoria teatrului se pot găsi numeroase exemple când teatrul a educat conștient spectatorul în direcția care i-a fost necesară, teatrul. Teatrul de Artă din Moscova, de exemplu, nu numai că a luptat împotriva pălăriilor doamnelor din sală, dar a și înțărcat publicul de aplauze atunci când actorii au intrat în mijlocul acțiunii și de muzică în timpul pauzei.
Desigur, nu este vorba doar de cultivarea unei culturi externe (a nu întârzia la începutul spectacolului sau a nu pleca înainte de sfârșit). Nu există oare o contradicție în faptul că tânărului spectator modern, care a crescut înconjurat de mass-media, computere, infectat cu „conștiința benzii desenate”, i se oferă o comunicare pe îndelete cu arta rămasă în clipul valorilor clasice? ? Dialogul presupune adoptarea limbajului de comunicare - acceptare și înțelegere. În înțelegere, este important să existe fără grabă, să citești, să descifrem semnificații (în scenografie, în punere în scenă, în subtext) și, bineînțeles, să te bucuri de acest proces. Teatrul modern gravitează nu spre simplitatea și claritatea mijloacelor artistice și expresive, ci spre semnificația, spectacolul multistrat, care necesită un spectator înzestrat într-o anumită măsură cu calități de artist, de creator.
Realitatea modernă aduce uneori multe dezamăgiri. Fluxul de emoții neplăcute și experiențe de rutină trebuie oprit. Ceva pozitiv și luminos. De exemplu, mergând la teatru.
Acest tip de artă trezește sentimente profunde în toată lumea, face posibilă experimentarea bucuriilor și necazurilor cuiva, a empatiza cu eroii spectacolelor, a condamna răufăcătorii și a simpatiza cu personajele „bune”.
La fel ca literatura și pictura, teatrul educă virtutea. Creativitatea artistică afectează o persoană în domeniul percepției vizuale, muzica face plăcere urechii, dar teatrul afectează toate simțurile și dă cele mai vii impresii.
Fiecare spectacol ridică dileme de moralitate și moralitate. Știința teatrală este considerată pe bună dreptate principalul mijloc de educație estetică și spirituală a individului. Acțiunea scenică iese artificial din viața de zi cu zi în care trăiește o persoană. Spectacolul transmite privitorului gândurile, sentimentele și emoțiile autorului. Prin urmare, teatrul este o artă care învață empatia. Doar acțiunea teatrală poate oferi oamenilor o percepție vie a realității.
Pentru contemporani, teatrul este un antidepresiv uitat, dar eficient. O persoană primește o mulțime de emoții pozitive care înveselesc, dau un sentiment de lejeritate și bunăvoință.
Unele minți deosebit de curiozitoare sunt interesate de cum și de ce excursiile la templele din Melpomene au un efect atât de pozitiv asupra individului obișnuit.
Secretul constă în faptul că în timpul spectacolului spectatorul primește emoții vesele care scad nivelul hormonului stresului din sânge și cresc sinteza elementului responsabil de buna dispoziție. Această substanță este un medicament emoțional care aduce fericire fără a dăuna organismului.
În plus, vizitele regulate la casa de artă oferă o oportunitate de dezvoltare ca persoană. Spectacolele dau de gândit și provoacă căutarea a ceva necunoscut. Cu alte cuvinte, teatrul acționează ca o platformă pentru auto-îmbunătățirea spirituală.
Potrivit statisticilor, în ultimii ani, participarea la spectacole a devenit o distracție din ce în ce mai la modă în rândul tinerilor. Noile descoperiri regizorale, soluții scenice și progres tehnic deschid oportunități fundamental diferite pentru industria teatrului. Astăzi, premierele sunt populare chiar și printre cei care până de curând considerau teatrul o relicvă a trecutului.
Astăzi, repertoriile și producțiile se extind cu acele povești care sunt de interes pentru publicul actual. Teatrul ar trebui și chiar ajută publicul să vizualizeze problemele vieții din diverse unghiuri, demonstrând toate căile posibile de ieșire din situație.
Făcând vizite regulate la teatru, cineva poate fi convins din experiență personală că în viață vor apărea culori noi, se vor deschide lucruri interesante și impresionante. Cu fiecare vizită, credința în dreptate și miracole este reînviată, creativitatea și o notă creativă sunt dezvăluite.
Fiecare persoană are propriile păreri despre cum să-și petreacă timpul liber și cum să se dezvolte cultural.
Unii oameni iubesc cinematograful și participă la fiecare noua lansare, în timp ce alții iubesc activitățile în aer liber - bowling, patinoar. Dar vă puteți alătura cu adevărat culturii dacă cumpărați bilete la Teatrul Bolșoi. Arta teatrală este un tip special de distracție. Spectacolul este o aventură incitantă, dar nu toată lumea înțelege această direcție și nu toată lumea vizitează teatrele.
De ce trebuie să mergi la teatru?
Trebuie să înțelegeți și să iubiți teatrul din toată inima, pentru că atunci mergeți la spectacole va fi o bucurie. Unii merg în companie cu prietenii sau familia, alții - pentru că e la modă. A dormi în mijlocul unui spectacol sau a face mișto de peisaj, costume și dialog este un semn de lipsă de respect față de teatru. Este mai bine să amâni vizitarea acestei instituții culturale decât să te comporți în acest fel.
Întrebarea de ce trebuie să mergeți la teatru poate fi răspunsă cu fraze clișee despre dezvoltarea culturală, familiarizarea cu frumosul, extinderea imaginației și a orizontului. Acest lucru este adevărat, dar chiar și cu aceste beneficii, mulți consideră că este plictisitor, neinteresant sau chiar ridicol.
Există o serie de explicații pentru acest lucru. Cea mai importantă dintre ele este alegerea greșită a teatrului. Pentru fiecare persoană există un teatru și spectacole. Există mai multe direcții teatrale - academice, moderne, muzicale. Dacă cuiva nu îi plac spectacolele bazate pe clasici, poți încerca să vizitezi muzical. Comedii, tragedii, drame, mono-performanțe și spectacole pentru copii - toate acestea pot fi găsite privind prin afișele celor mai reputate teatre. Pentru prima vizionare, trebuie să alegeți cu atenție atât locul, cât și producția în sine. O performanță aleasă corect va implica, fără îndoială, să vă faceți griji sau să râdeți.
În ciuda faptului că unora nu le place arta teatrală, fiecare nou spectacol continuă să adune săli de spectatori recunoscători. După ce și-au găsit direcția, spectacolele și genurile, toată lumea va fi capabilă să înțeleagă teatrul și să-l facă parte integrantă din viața lor.
.Autonomă Municipală Preşcolară Educaţională instituția grădiniță nr. 90 a orașului Tyumen
SEMNIFICAȚIA PERFORMANTĂRILOR DE TEATRU ÎN VIAȚA OMULUI
Prezentare pregatita de:
Director muzical
Jdanko Nadejda Pavlovna
„Întreaga lume este un teatru, iar oamenii din ea sunt actori”.
Teatrul este una dintre artele antice pe care le deține omenirea. A adunat sub acoperișul său tot felul de arte: literatură, pictură, arhitectură, muzică, plasticitatea dansului, combinându-le într-un tot armonios.
Cuvântul teatru este de origine greacă. În greacă, însemna un loc pentru un spectacol și într-adevăr un spectacol în sine.
Unul dintre elementele principale ale artei teatrale este jocul. Totul a început cu ea. Originile teatrului rus ar trebui căutate în arta populară: jocuri, ritualuri.
Obiceiul de a se îmbrăca în animale în timpul festivităților datează din cele mai vechi timpuri, când oamenii, înfățișând animale, probabil încercau să le aplece în voia lor în acest fel. Așa s-au născut primele elemente ale teatrului: începuturile acțiunii dramatice, deghizarea, dialogul.
Reprezentările erau strâns legate de viața populară. Principala caracteristică a unor astfel de spectacole a fost că puteau include o varietate de spectacole - de la scenete comice la conversații comice și dans cu publicul.
La astfel de jocuri a participat neapărat animatorul, conducătorul. A fost un rol responsabil. A fost necesar să fii spiritual, vesel, pe parcursul spectacolului, în funcție de situație, să comunici ușor și firesc cu publicul. Cei care au preluat acest rol au fost numiți bufoni. Timp de câteva secole și-au pus în scenă spectacolele chiar pe străzi, piețe, târguri. Bufoneria a devenit cea mai înaltă formă de teatru popular rusesc. Existența sa a fost solul pe care a crescut teatrul național rus. În secolul al XVII-lea, în Rusia a apărut un alt tip de teatru popular - teatrul de păpuși. De mai bine de un secol, a fost o parte integrantă a culturii teatrale. Bufonii au fost cei care au contribuit la dezvoltarea acestui tip de teatru. Teatrul de păpuși se bazează pe arta actorului care conduce păpușa și vorbește în numele acesteia. Desigur, expresivitatea unei fețe de marionetă este mult mai mică decât a uneia umane. Și întregul accent se trece la expresivitatea discursului actorului care conduce păpușa și la capacitatea sa de a arăta starea personajului reprezentat cu mișcarea corpului, gest.
În anii 70-80 ai secolului al XVII-lea s-a format un teatru școlar, care a jucat un rol deosebit nu numai în dezvoltarea culturii tinerei generații, ci și în dezvoltarea unui teatru profesionist.
Teatrul este de mare importanță pentru tineri. În sufletul unui copil sau al unui tânăr, sub influența teatrului, se pot trezi sentimente și emoții foarte vii, care îi formează lumea morală, intelectuală și estetică. Organizatorii unor astfel de teatre erau profesori ai academiilor teologice, iar actorii studenți. Dramaturgia teatrului școlar a ținut legătura nu numai cu povești și imagini biblice, ci a reflectat și evenimentele politice din acea vreme.
În paralel cu teatrul popular în secolul al XVII-lea, a început să se dezvolte arta teatrală profesională. Primul teatru profesional de stat din Rusia a fost aprobat la curtea țarului Alexei Mihailovici în 1672 și a devenit cunoscut drept teatrul de curte. Nu a durat mult, dar a avut o importanță semnificativă pentru cultura teatrală națională, deoarece a fost prima experiență în drumul spre crearea unui teatru de stat, profesionist. Viața în toată diversitatea ei urma să fie recreată pe scenă.
Întrebarea rolului teatrului în „programul de educație pentru copii” și întrebarea mai restrânsă a repertoriului, care cel puțin nu contrazice principii, a fost ridicată în mod repetat în Rusia. La primul Congres al muncitorilor de scenă al întregii Rusii, desfășurat la Moscova în 1897, s-a spus că este necesar să se ofere „reprezentații pedagogice pentru studenți” cu un repertoriu deosebit care să educe gustul adolescenților și să insufle „sentimente patriotice”. Educația teatrală este o problemă cu totul nouă, născută la intersecția artei teatrale și a pedagogiei. A luat naștere firesc, decurgând logic din înțelegerea cea mai directă și precisă a funcțiilor educaționale ale artei sovietice, adresată celor care, în virtutea vârstei fragede, au cea mai mare nevoie de o influență educațională atentă. Conceptul original de „teatru pentru copii” a fost interpretat exclusiv ca un teatru în care copiii înșiși joacă. În decembrie 1919, la Moscova, la un congres despre teatrul muncitor-țărănesc, s-a decis „separarea strictă a conceptelor de teatru pentru copii, la care participă copiii înșiși sau școlarii, și teatrul pentru copii cu interpreți adulți”.
Crearea unui teatru în care jucau adulți, actori profesioniști pentru copii, a coincis cu prima aniversare a revoluției. La Petrograd, la 15 iunie 1918, Teatrul pentru Copii a susținut prima reprezentație în incinta Teatrului Amiralității. Sarcina teatrului era să găsească căi către sufletul copilului, iar teatrul trebuia, de asemenea, să se bazeze pe principii care corespundeau psihologiei și pedagogiei copilului. Potrivit lui S. Marshak, teatrul ar trebui să rămână întotdeauna simplu și clar, evitând recuzita voluminoasă și decorurile complexe „pentru a nu suprima copilul, ci pentru a-i oferi posibilitatea de a se apropia de teatrul și tehnologia scenică. Basmul a fost mult timp cel mai dovedit și indiscutabil gen al literaturii pentru copii și al teatrului pentru copii. Basmul, ca mijloc de educație artistică și morală a copiilor, a fost supus unei persecuții directe. Ea a fost însărcinată cu insuflarea stărilor de spirit mistice și religioase, credința în forțe supranaturale și împiedicarea dezvoltării gândirii materialiste la copii. Se credea că chiar și animalele vorbitoare îi inspiră pe copii cu o viziune distorsionată asupra realității.
În cele din urmă, spectacolul-basm și-a luat locul cuvenit pe scena teatrului pentru copii și nimeni nu a mai încercat să-l conteste. În ceea ce privește jocul de teatru, la urma urmei, era doar un dispozitiv scenic, nimic mai mult și, ca atare, era legat de concepțiile estetice ale epocii și nu de natura teatrului pentru copii în sine sau de conținutul dramaturgiei sale. . „Este necesar să-l ajutăm pe copil, prin artă, să devină mai profund conștient de gândurile și sentimentele sale, să gândească mai clar și să simtă mai profund, este necesar să îl ajutăm pe copil să facă din această cunoaștere a lui însuși un mijloc de cunoaștere a altora, un mijloc de apropiere mai strânsă de colectiv, un mijloc de a crește împreună cu ceilalți prin colectiv și de a merge împreună către cu totul noi, pline de experiențe de viață profunde și semnificative. Aceste cuvinte ale lui N.K. Krupskaya au fost acceptate de teatrul sovietic pentru copii ca program pedagogic. Noul repertoriu pentru copii a fost creat pe baza celor mai bune lucrări de folclor și clasice mondiale, accesibile înțelegerii tinerilor telespectatori. Un basm și un complot istoric, o epopee eroică și un complot comic și-au luat pe bună dreptate locul în el. Teatrul pentru copii și-a apărat dreptul la lărgimea și diversitatea temelor și genurilor, iar în aceasta a câștigat și el.
Teatrul devine spațiul care stabilește echilibrul, armonia între toți și unul, între bine și rău, între eternitate și
moment, între oameni și om. Teatrul ca produs al culturii și societății ar putea ocupa un loc demn în sistemul educațional, începând din primele zile de ședere a unui copil într-o instituție de învățământ. Rolul teatrului în dezvoltarea personalității unei persoane a devenit subiect de studiu al filosofilor: T.V.Hegel, D. Diderot, T. Lessing, R. Steiner; teoreticieni culturali majori precum B.V. Alpers, S.O. Obraztsova, L. Shpet, M.I. Tsareva si altii.sfera emotionala si comunicativa a relatiei lor.
Teatrul pentru preșcolari este, în primul rând, o acțiune emoționantă și senzuală care surprinde copilul din primele clipe, de îndată ce întâlnește personaje cunoscute sau necunoscute de el. Teatrul ca fenomen și copilul ca produs al proceselor sociale și culturale merg organic „unul către celălalt”. Teatrul este deschis oamenilor, iar copilul este deschis lumii adulților, teatrul este o lume a gândurilor și sentimentelor, iar copilul este plin de emoții, sentimente, experiențe pe care le deschide cu generozitate lumii, teatrul este expresiv dinamic iar copilul este mobil, activ. Este posibil să continuăm o serie de astfel de caracteristici coincidente ale unui fenomen și altuia, dar nu există nicio îndoială că teatrul este lumina care vine din sufletele oamenilor, iar copilul este lumina, sufletele oamenilor îndrăgostiți. . Rolul artei teatrale este de a oferi condiții de comunicare între actor și privitor, în procesul căruia se nasc și se dezvoltă experiențele emoționale și estetice ale individului. Teatrul pentru copii acționează ca o condiție care formează sentimentele empatice ale copiilor, ca mijloc de dezvoltare a culturii cognitive a copilului, ca mediu care formează capacitatea de autoexprimare creativă, improvizație, ca școală de dezvoltare a senzațiilor. și percepție, cultură emoțională înaltă, comunicare și relații umane. Valoarea artistică și pedagogică a teatrului a fost aceea de a crea un spațiu special pentru creșterea culturală a individului și educația copiilor.
Omul modern subestimează influența artei teatrale asupra vieții sale. Internetul, televiziunea ocupă toată atenția omenirii, impunându-și opinia asupra acesteia. Odată cu dezvoltarea tehnologiei informației, oamenii au început să uite ce este arta adevărată, care combină cinema, literatura, teatrul, pictura. Teatrul, în primul rând, contribuie la dezvoltarea spirituală a unei persoane: trezește sentimente, formează conceptul de frumos, dezvoltă imaginația.
Câteva fapte teatrale
Pentru prima dată, spectacolele de teatru au apărut în vremuri străvechi, iar un spectacol a fost susținut pentru prima dată în limba rusă în 1672. Piesa despre povestea biblică a durat 10 ore fără pauză. Zilele spectacolelor de curte au trecut de mult. Teatrul modern este palate frumoase, o combinație de arhitectură clasică și tehnologii moderne, actorie minunată, emoționantă. Teatrul modern Bolșoi este dotat cu sistem de climatizare, lifturi, parcare subterană și poate găzdui sute de spectatori.
Avantajul artelor teatrale
Mulți oameni preferă să meargă la cinema în loc de teatru, unde ecranul are o atmosferă mai realistă și efecte speciale impresionante. Avantajul reprezentației este piesa „în direct” a actorilor, care nu constă în preluări. Eroii producției și publicul nu sunt despărțiți de ecran, fiind în sala teatrului, o persoană este saturată de emoțiile sale, simte durere și un sentiment de compasiune pentru aproapele său. Producția teatrală vă permite să vă plonjați în situația de viață prezentată pe scenă, să deveniți mental participant la ea.
Trebuie să mergi singur la teatru și să înveți copiii să o facă. Abătuți de soluționarea problemelor cotidiene și financiare, ne-am împietrit sufletul, trăind o viață scurtă alături de actori de teatru, poți descoperi în tine cele mai minunate sentimente care ne pândesc în adâncul inimii. Emoții de neuitat: râsul, lacrimile, dragostea, bucuria și resentimentele pot oferi o reprezentație teatrală.
Achiziționarea biletelor
