Ce secrete ascund picturile unor artiști celebri? Secretele tablourilor celebre Secretele din tablouri

Aflați despre câteva dintre picturile celebre în care am reușit să vedem și să descifrăm „fundul dublu”.

Majoritatea artiștilor pun un sens ascuns, mister sau ghicitori în picturile lor, pe care istoricii de artă și alți specialiști încearcă să le descifreze de-a lungul timpului.

1. Hieronymus Bosch, Grădina deliciilor pământești, 1500-1510

Jeroen van Aken și-a semnat picturile „Hieronymus Bosch”. Era un om bogat și era membru al Frăției Catolice a Maicii Domnului. Cu toate acestea, cel mai probabil, Jeroen van Aken și-a ținut degetele încrucișate la spate, deoarece, potrivit istoricilor, Bosch era un eretic și aparținea sectei adamite și, prin urmare, era un admirator al ereziei catare.

În acele vremuri, Biserica Catolică se lupta cu catarii de pretutindeni, iar artistul trebuia să-și ascundă convingerile. Cu toate acestea, conform istoricilor de artă din întreaga lume, în tabloul „Grădina deliciilor pământești” a fost criptată credința sa eretică secretă, în care vorbește despre învățăturile catarilor. Dar dacă contemporanii săi ar fi ghicit acest lucru, atunci Bosch, fără drept la justificare, ar fi fost ars pe rug.

2. Tivadar Kostka Chontvari, Bătrân pescar, 1902

Pentru a descifra ideea acestei imagini, a trebuit să atașez o oglindă la mijloc. În timpul vieții artistului, această ghicitoare complet deloc copilărească nu a putut fi rezolvată. Dar când istoricii de artă modernă s-au gândit să lucreze cu o oglindă, au fost uimiți de ceea ce au văzut, deoarece o imagine afișa trei fețe deodată. Primul este chipul real al bătrânului pescar, al doilea și al treilea sunt personalitățile sale ascunse: demon (umărul stâng reflectat) și virtutea (umărul drept reflectat).
Prin urmare, este destul de logic să presupunem că artistul a pus în imagine ideea că fiecare persoană păstrează în sine două esențe: pe care o hrănește, aceea va prevala în sufletul său.

3. Hendrik van Antonissen, Vedere pe malul mării Scheveningen, 1641

Când pânza a ajuns la muzeu ca dar de la un duhovnic și colecționar cu jumătate de normă în 1873, oamenii adunați în imagine pur și simplu priveau în mare pe vreme rea. Acest lucru a jignit de mai multe ori curiozitatea specialiștilor, deoarece nu era clar ce ar putea atrage oamenii la țărm pe vreme nefavorabilă.

Secretul a fost dezvăluit mai târziu în timpul unei restaurări atente. Când a fost iluminat cu raze X, imaginea a arătat carcasa unei balene aruncată pe acest țărm. Și atunci a devenit clar ce a atras atenția tuturor acestor oameni. După restaurare, în imagine a apărut deja o balenă, iar această capodopera a devenit mult mai interesantă, așa că i s-a acordat un loc mai onorabil decât înainte. După presupunerea restauratorilor, balena ar fi putut fi ștearsă și schițată chiar de artist, care a considerat că nu toată lumea și-ar dori să vadă un animal de mare mort în imagine.

4. Leonardo da Vinci, Cina cea de taină, 1495-1498

Când artistul a creat această capodopera, mai ales a acordat atenție figurilor principale - Hristos și Iuda. Multă vreme nu a găsit niște șotari potriviti, dar într-o zi a întâlnit un tânăr cântăreț în corul bisericii și a copiat de pe el chipul lui Hristos. Totuși, a fost nevoit să caute o persoană pentru imaginea lui Iuda încă 3 ani, până în momentul în care artistul a întâlnit un bețiv care zăcea în jgheab.

Era un tânăr, a cărui înfățișare era distorsionată de beția neîngrădită. Și când, după ce s-a trezit, da Vinci a început să picteze din el chipul lui Iuda, bețivul a spus că a pozat pentru el deja în urmă cu 3 ani. S-a dovedit că acest om căzut a fost tânărul cântăreț care a pozat pentru chipul lui Hristos.

5. Rembrandt, Veghea de noapte, 1642

Cea mai mare pictură a artistei a fost descoperită abia în secolul al XIX-lea, după care ea a vizitat celebrele săli ale lumii sub numele de „Night Watch”. Ei au dat acest nume picturii pentru că părea că figurile acționau pe un fundal întunecat, adică noaptea. Și abia la mijlocul secolului al XX-lea, restauratorii au descoperit că pictura fusese acoperită din când în când cu un strat de funingine. După curățarea pânzei capodopera, s-a dovedit că scena are loc în timpul zilei, deoarece umbra care căde din mâna stângă a căpitanului Cock indică faptul că ora acțiunii este aproximativ 14.00.

6. Henri Matisse, Barcă, 1937

În 1967, pictura „Barca” de Henri Matisse din 1937 a fost expusă la Muzeul din New York. Cu toate acestea, 47 de zile mai târziu, unul dintre experți a observat că tabloul era cel mai probabil atârnat cu capul în jos. Elementele importante ale imaginii sunt 2 pânze, dintre care una este o reflexie în apă. Deci, în versiunea corectă, vela mare ar trebui să fie în partea de sus, iar vârful ei ar trebui să arate în direcția colțului din dreapta sus.

7. Vincent van Gogh, Autoportret cu pipă, 1889

Urechea tăiată a lui Van Gogh este deja legendară. Mulți spun că și-a tăiat-o singur, dar o versiune mai plauzibilă este oficial acceptată că urechea artistului a fost rănită într-o mică ceartă cu un alt artist, Paul Gauguin. Secretul acestui tablou este că artistul și-a copiat autoportretul din reflexia din oglindă: urechea dreaptă este bandajată în imagine, dar în realitate urechea i-a fost deteriorată pe partea stângă.

8. Grant Wood, Gotic american, 1930

În pictura americană, acest tablou cu fețele sumbre și triste ale locuitorilor din Iowa este considerat cel mai sumbru și apăsător. După ce pictura a fost expusă la Chicago, la Institutul de Artă, judecătorii nu i-au acordat imediat premii mari și l-au evaluat ca fiind o imagine satirică. Cu toate acestea, însuși curatorul muzeului a fost uimit și a crezut că aici se reflectă imaginile sătenilor de atunci. El a influențat rezultatul evaluării finale și, ca urmare, Grant Wood a primit un premiu de 300 de dolari, după care muzeul a cumpărat imediat această pictură. Așa că imaginea a ajuns pe paginile ziarelor.

Cu toate acestea, acest tablou nu a provocat o asemenea admirație precum curatorul muzeului, printre locuitorii statului Iowa. Dimpotrivă, o mare de critici a căzut asupra acestei lucrări, iar oamenii din Iowa au fost profund jigniți că artistul le-a afișat atât de sumbru și sumbru. Mai târziu, artistul a explicat că, în timp ce trecea pe lângă statul Iowa, a întâlnit o casă albă interesantă construită în stilul tâmplar gotic și a decis să-și creeze locuitorii conform presupunerii sale și nu a vrut să jignească sătenii acestui stat. .

Artistul a dezvăluit chiar numele șefilor de la care a pictat imagini: o fată într-un șorț ieșit de modă a fost pictată de sora lui, iar un bărbat sever, cu o privire grea, este dentistul artistului, care nu arată atât de sumbru în viață. Totuși, sora lui Wood a fost și ea nemulțumită, ea susținând că în poză ar putea fi confundată cu soția unui bărbat de două ori mai mare. Prin urmare, numai din cuvintele ei se crede că tatăl și fiica sunt afișați pe pânză, dar artistul însuși nu a comentat niciodată acest lucru.

9. Salvador Dali, O tânără fecioară care se deda la sodomie cu ajutorul coarnelor propriei castități, 1954

Până în momentul întâlnirii cu Gala pentru Salvador Dali, sora sa Anna-Maria a fost muză și model part-time. Și în 1925 a fost lansat tabloul „Figura de la fereastră”. Dar într-o zi artistul a îndrăznit să lase pe una dintre lucrările sale o inscripție jignitoare despre mama lor: „Uneori scuip pe un portret al propriei mele mame și îmi face plăcere”. Pentru acest truc revoltător, sora nu l-a putut ierta, după care relația lor s-a deteriorat.

Și când Anna-Maria și-a publicat cartea în 1949 intitulată „Salvador Dali Through the Eyes of a Sister”, aceasta nu descria admirația pentru artist, ceea ce l-a făcut pe Salvador însuși furios. Și, potrivit experților, ca răzbunare față de sora lui pentru cartea din 1954, artistul jignit a creat pictura „O tânără fecioară care se complace în păcatul Sodomiei cu ajutorul coarnelor propriei castități”. În această imagine, peisajul din afara ferestrei, buclele roșii și o fereastră deschisă sunt în mod clar împletite cu pictura „Figura din afara ferestrei”.

10. Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danaë, 1636-1647

În timpul lucrărilor de restaurare din anii 60 ai secolului XX, tabloul a fost iluminat cu raze X, după care s-a știut că Danae are 2 fețe. Inițial, chipul prințesei a fost pictat după imaginea soției artistului, Saskia. Cu toate acestea, soția sa a murit în 1642, iar după moartea ei, Rembrandt a început să trăiască cu amanta sa Gertier Dirks. Prin urmare, artista a completat deja poza de la ea, iar fața lui Danae s-a schimbat, devenind asemănătoare cu aspectul lui Dirks.

11. Leonardo da Vinci, Portretul doamnei Lisa del Giocondo, 1503-1519

În întreaga lume, Mona Lisa este recunoscută ca perfecțiune, iar zâmbetul ei este tandru și misterios. Criticul american de artă și stomatolog cu jumătate de normă Joseph Borkowski a încercat să descifreze enigma acestui zâmbet. În opinia sa de experți, a fost prezentată o teorie conform căreia „frumoasa Gioconda” zâmbește atât de misterios dintr-un motiv simplu - îi lipsesc o mulțime de dinți. Studiind fragmentele mărite ale gurii ei, Joseph a examinat chiar cicatricile din jurul ei, așa că susține că eroinei i s-a întâmplat ceva, în urma căruia aceasta și-a pierdut un număr semnificativ de dinți. Și zâmbetul ei este tipic unei persoane care nu are dinți din față.

12. Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Libertatea pe baricade, 1830

Istoricul de artă Etienne Julie crede că imaginea Libertății a fost pictată de la celebra revoluționară a vremii, Anna Charlotte, care era de profesie o simplă și spălătorie. Această femeie disperată a mers la baricade și i-a ucis pe al 9-lea soldat regal. A fost inspirată să facă un pas atât de curajos de moartea fratelui ei, care a căzut în mâinile gardienilor. Iar pieptul gol al lui Svoboda din imagine înseamnă că democrația și libertatea în sine sunt la fel ca un om de rând care nu poartă corsete.

13. Kazimir Malevici, Piața Suprematistului Negru, 1915

Unii oameni atribuie puterea mistică Piața Neagră a lui Malevici. Cu toate acestea, după cum sa dovedit, autorul nu a pus nimic magic în această imagine, iar imaginea se numea de fapt „Bătălia negrilor într-o peșteră întunecată”. O astfel de inscripție a fost descoperită de specialiștii Galerii Tretiakov.

Pătratul s-a dovedit a nu fi chiar pătrat, deoarece niciuna dintre laturi nu este paralelă cu cealaltă, dar aceasta nu este neglijența artistului, ci dorința lui de a crea o formă mobilă dinamic. Iar negrul este doar rezultatul amestecării vopselelor de diferite nuanțe. Cel mai probabil, Malevich a răspuns astfel la imaginea unui alt artist Alphonse Allais, care a înfățișat un dreptunghi complet negru, numind lucrarea „Bătălia negrilor într-o peșteră întunecată în mijlocul nopții”.

14. Gustav Klimt, Portretul Adelei Bloch-Bauer, 1907

În spatele misterului acestui portret se află un triunghi amoros între însăși doamna Bloch-Bauer, soțul ei și artistul Klimt. Concluzia este că o poveste de dragoste furtunoasă a început între soția unui magnat al zahărului și un artist popular în acei ani și, probabil, toată Viena știa despre asta.

Când această veste a ajuns la soțul Adelei, Ferdinand Bloch-Bauer, acesta a decis să se răzbune pe iubiții săi într-un mod neobișnuit.

Rănit de trădarea soției sale, domnul Bloch-Bauer s-a îndreptat către iubitul ei Gustav Klimt cu un ordin: să picteze un portret al soției sale. Magnatul viclean a decis că va respinge portretele soției sale, iar artistul va trebui să facă sute de noi schițe. Și acest lucru este necesar pentru ca artistul să se îndepărteze pur și simplu de modelul Adele Bloch-Bauer. Atunci Adele trebuie să vadă cum se estompează pasiunea lui Klimt pentru ea, iar romanul va ajunge la sfârșit.

Drept urmare, planul viclean al lui Ferdinand a funcționat exact așa cum intenționa și după ce a fost scrisă poza finală, îndrăgostiții s-au despărțit pentru totdeauna. Totuși, în același timp, Adele nu a aflat niciodată că soțul ei era la curent cu relațiile ei de dragoste cu artistul.

15. Paul Gauguin, De unde venim? Cine suntem noi? Unde mergem?, 1897-1898

Această imagine a fost un punct de cotitură în viața artistului, sau mai degrabă, ea l-a readus la viață cu adevărat după o sinucidere fără succes. A scris o lucrare în Tahiti, unde a scăpat uneori din civilizație. Dar de data aceasta totul nu a mers atât de bine: sărăcia constantă l-a adus pe artistul suspicios într-o depresie profundă.

A finalizat pictura ca pe un fel de mărturie pentru umanitate, iar când capodopera a fost finalizată, artistul disperat a plecat la munte cu o cutie de arsenic pentru a-și pune capăt vieții. Nu a calculat însă doza și, zvârcolindu-se de durere, s-a întors acasă și a adormit. După ce s-a trezit și și-a dat seama de actul său, artistul a revenit la fosta sa sete de viață, iar la întoarcerea acasă, totul a fost în regulă cu el, a început o ascensiune creativă, iar lucrurile au mers în sus.

Secretul acestui tablou este că trebuie citit de la dreapta la stânga, la fel ca textele cabalistice pe care autorul tabloului a fost dus la acea vreme. Lucrarea vorbește despre viața spirituală și fizică a unei persoane de la naștere până la moarte (în colțul din dreapta jos este desenat un copil ca simbol al nașterii, iar în colțul din stânga jos - bătrânețe și o pasăre care a prins o șopârlă ca un simbol al morții).

16. Pieter Brueghel cel Bătrân, Proverbe olandeze, 1559

Această pânză cu adevărat capodoperă nu conține nici mai mult, nici mai puțin, ci aproximativ 112 proverbe. Unii dintre ei vorbesc despre prostia umană. Multe sunt relevante până în ziua de azi: „înarmați până în dinți”, „înot împotriva curentului”.

17. Paul Gauguin, satul breton sub zăpadă, 1894

Această imagine reflectă profunzimea fanteziei unei persoane, deoarece arta poate fi privită în moduri diferite. Pentru prima dată, tabloul a fost vândut după moartea artistului la o licitație pentru un mizerabil șapte franci sub numele „Cascada Niagara”. Acest lucru s-a întâmplat pentru că organizatorul licitației a atârnat-o cu capul în jos și a văzut în imagine o cascadă, și nu un sat acoperit de zăpadă.

18. Pablo Picasso, Camera albastră, 1901

Istoricii de artă au reușit să dezlege acest tablou abia în 2008, după ce a fost iluminat cu radiații infraroșii. După aceea, a fost descoperită a doua poză sau, cel mai probabil, prima. Sub imaginea principală a unei femei într-o cameră albastră, figura unui bărbat îmbrăcat într-un costum și un papion, proptindu-și capul cu mâna, a devenit clar vizibilă.

Potrivit specialistului Patricia Favero, când Picasso a avut inspirație, a apucat imediat pensula și a început să picteze. Și poate, în clipa următoare, când muza l-a vizitat, artistul nu avea o pânză goală la îndemână și a început să aplice o nouă pictură peste alta, sau Pablo pur și simplu nu avea fondurile pentru noi pânze.

19. Michelangelo, Creația lui Adam, 1511

Această imagine poate fi numită o lecție de anatomie. Deci, potrivit experților americani în neuroanatomie, imaginea arată un creier imens cu părțile sale complexe clar vizibile, cum ar fi glanda pituitară, cerebelul, nervii optici și chiar artera vertebrală, care este descrisă ca o panglică verde strălucitoare.

20. Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lăutator, 1596

Acest tablou a fost expus în Schit foarte mult timp sub titlul „Jucătorul de lăută”. Cu toate acestea, în prima jumătate a secolului al XX-lea, criticii de artă și experții au aflat că imaginea înfățișează un tânăr, nu o fată. Această idee a fost determinată de notele care se aflau în fața imaginii unui bărbat. Ei arată partea masculină de bas a madrigalului Jacob Arcadelt „Știi că te iubesc”. Prin urmare, este puțin probabil ca o femeie să fi făcut o astfel de alegere pentru a cânta.

În plus, în timpul vieții artistului, atât lăuta, cât și vioara, care sunt înfățișate pe pânză, au fost considerate instrumente muzicale exclusiv masculine. După această concluzie, tabloul a început să fie expus sub titlul „Lute Player”.

Arta nu este doar o modalitate de a-ți exprima inspirația, ci și un mare mister. Artiștii adaugă adesea lucruri mici curioase picturilor lor sau lasă „mesaje” greu de văzut la prima vedere. Am întocmit o listă de capodopere celebre din pictură care ascund secrete neașteptate.

1. Ureche greșită

Autoportretul lui Vincent van Gogh îl înfățișează pe artist cu o ureche dreaptă traumatizată. Dar chiar și-a tăiat urechea stângă, nu cea dreaptă. Această discrepanță se explică prin faptul că Van Gogh a folosit o oglindă pentru a-și crea propriul portret.

2. Pictura sub tablou

Dacă te uiți îndeaproape la „The Old Guitarist” de Pablo Picasso, poți vedea o silueta feminină slabă în spatele capului bărbatului. Cercetătorii de la Institutul de Artă din Chicago au luat imagini în infraroșu și cu raze X ale acestei picturi faimoase și au descoperit că mai multe alte desene erau ascunse dedesubt. Cel mai probabil, artistul nu avea suficienți bani pentru a cumpăra pânze noi și a fost nevoit să picteze pe cele vechi.

3. „Cegul de noapte” descrie ziua, nu noaptea

În 1947, pictura lui Rembrandt „The Performance of a Rifle Company...” (mai bine cunoscută drept „The Night Watch”) a fost restaurată. După ce pictura a fost curățată de un strat gros de funingine, a devenit evident că scena descrisă pe ea nu are loc noaptea, ci în lumina zilei.

4. Capela Sixtină

Imaginea creierului uman se remarcă nu numai în „Creația lui Adam” de Michelangelo, ci și într-o altă frescă numită „Separarea luminii și întunericului”, care poate fi văzută în Capela Sixtină. Uită-te la gâtul lui Dumnezeu: se potrivește perfect cu o fotografie a creierului uman.

5. Simbol al puterii

Figurile lui David și Goliat din fresca creată de Michelangelo formează litera ebraică gimel, care simbolizează puterea în tradiția cabalistică mistică.

6. Strabismul lui Rembrandt

După ce au studiat autoportretele lui Rembrandt, unii oameni de știință au decis că artistul suferea de strabism. Această caracteristică l-a făcut să perceapă lumea puțin diferit: a văzut realitatea în 2D în loc de 3D. Cu toate acestea, poate că strabiul l-a ajutat pe Rembrandt să-și creeze capodoperele nemuritoare.

7. Răzbunare pe îndrăgostiți

Cel mai faimos tablou de Gustav Klimt o înfățișează pe Adele Bloch-Bauer. Acest portret a fost comandat de soțul Adelei, baronul zahărului Ferdinand Bloch-Bauer. A aflat că Adele și Klimt sunt iubiți și a decis că după sute de schițe artistul își va urî modelul. Și soțul înșelat avea dreptate. Lucrul împreună a răcit cu adevărat sentimentele dintre Adele și Gustav.

8. Lumea în galben

Pentru aproape toate picturile sale, Vincent van Gogh a ales galbenul. Oamenii de știință cred că acesta este un efect secundar al unui medicament pentru epilepsie care schimbă percepția asupra culorii. Poate că artistul a văzut cu adevărat lumea așa cum a descris-o pe pânzele sale.

9. Predicția sfârșitului lumii

Cercetătoarea italiană Sabrina Sforza Galizia oferă o interpretare foarte neobișnuită a „Cinei celei de Taină” de Leonardo da Vinci. Ea spune că profeția sfârșitului lumii este ascunsă în această imagine, care se va întâmpla pe 21 martie 4006. Cercetătorul a ajuns la o astfel de concluzie descifrând codurile matematice și astrologice ale imaginii.

Dar acesta nu este singurul secret al Cinei celei de Taină. Mâinile lui Hristos și ale apostolilor, împreună cu pâinea de pe masă, formează ceva asemănător cu desemnarea notelor. Se pare că sună într-adevăr ca o melodie.

10. Mozart și francmasoni

Există dovezi puternice că Wolfgang Amadeus Mozart a fost francmason. Chiar și în portretul copilului, care a fost pictat de Pietro Antonio Lorenzoni, vedem un simbol masonic: o mână ascunsă, care indică un rang ierarhic într-o societate secretă.

11. Mona Lisa fără dinți

Dentist și critic de artă Joseph Borkowski, după ce a studiat pictura lui Leonardo da Vinci, este sigur că a reușit să dezvăluie secretul zâmbetului Mona Lisa. El crede că ea nu avea dinți din față, iar asta i-a influențat expresia.

Chiar și acele capodopere ale picturii care ni se par familiare au secretele lor. În general, în aproape fiecare operă de artă semnificativă există un mister, un „fund dublu” sau o poveste secretă pe care doriți să o descoperiți.

Răzbunarea lui Salvador Dali

Tabloul „Figură la fereastră” a fost pictat în 1925, când Dali avea 21 de ani. Atunci Gala nu intrase încă în viața artistului, iar sora sa Ana Maria i-a fost muza. Relația dintre frate și soră s-a deteriorat când a scris într-unul dintre tablouri „uneori scuip pe un portret al propriei mele mame și îmi face plăcere”. Ana Maria nu putea ierta atât de șocant. În cartea ei din 1949, Salvador Dali Through the Eyes of a Sister, ea scrie despre fratele ei fără nicio laudă. Cartea a înfuriat El Salvador. Pentru încă zece ani după aceea, el și-a amintit furios de ea cu fiecare ocazie. Și astfel, în 1954, apare tabloul „O tânără fecioară care se deda la Sodomie cu ajutorul coarnelor propriei castități”.

Poza femeii, buclele ei, peisajul din afara ferestrei și schema de culori a picturii ecou în mod clar Figura de la fereastră. Există o versiune că așa s-a răzbunat Dali pe sora lui pentru cartea ei.

Danae cu două fețe

Multe secrete ale uneia dintre cele mai faimoase picturi ale lui Rembrandt au fost dezvăluite abia în anii 60 ai secolului XX, când pânza a fost iluminată cu raze X. De exemplu, împușcarea a arătat că, în versiunea timpurie, chipul prințesei, care a intrat într-o relație amoroasă cu Zeus, arăta ca chipul lui Saskia, soția pictorului, care a murit în 1642. În versiunea finală a picturii, acesta a început să semene cu chipul lui Gertier Dirks, amanta lui Rembrandt, cu care artistul a trăit după moartea soției sale.

Dormitorul galben al lui Van Gogh

În mai 1888, Van Gogh a achiziționat un mic atelier în Arles, în sudul Franței, unde a fugit de artiștii și criticii parizieni care nu-l înțelegeau. Într-una din cele patru camere, Vincent amenajează un dormitor. În octombrie, totul este gata, iar el decide să picteze Dormitorul lui Van Gogh din Arles. Pentru artist, culoarea, confortul camerei era foarte importantă: totul trebuia să sugereze gânduri de relaxare. În același timp, imaginea este susținută în tonuri de galben tulburătoare. Cercetătorii creativității lui Van Gogh explică acest lucru prin faptul că artistul a luat foxglove, un remediu pentru epilepsie, care provoacă schimbări serioase în percepția pacientului asupra culorii: întreaga realitate înconjurătoare este pictată în tonuri verde-galben.

Perfecțiunea fără dinți

Opinia general acceptată este că Mona Lisa este perfecțiunea și zâmbetul ei este frumos în misterul lui. Cu toate acestea, criticul de artă american (și stomatolog cu jumătate de normă) Joseph Borkowski crede că, judecând după expresia feței, eroina și-a pierdut o mulțime de dinți. În timp ce examina fotografiile mărite ale capodoperei, Borkowski a găsit și cicatrici în jurul gurii. „Este atât de” zâmbind „tocmai din cauza a ceea ce i s-a întâmplat”, crede expertul. „Expresia de pe chipul ei este tipică persoanelor care și-au pierdut dinții din față”.

Major în controlul feței

Publicul, care a văzut prima dată tabloul „Matchmaking-ul maiorului”, a râs din poftă: Fedotov a umplut-o cu detalii ironice care erau de înțeles pentru telespectatorii vremii. De exemplu, maiorul nu este în mod clar familiarizat cu regulile etichetei nobile: a apărut fără buchetele potrivite pentru mireasă și mama ei. Și mireasa însăși a fost externată de părinții ei comercianti într-o rochie de bal de seară, deși era zi (toate lămpile din cameră erau stinse). Fata a încercat, evident, o rochie decoltată pentru prima dată, este jenată și încearcă să fugă în camera ei.

De ce Libertatea este goală

Potrivit istoricului de artă Etienne Julie, Delacroix a pictat chipul unei femei din faimosul revoluționar parizian - spălătoarea Anna-Charlotte, care a mers la baricade după moartea fratelui ei din mâna soldaților regali și a ucis nouă gardieni. Artista a descris-o cu pieptul gol. Conform planului său, acesta este un simbol al neînfricării și abnegației, precum și al triumfului democrației: sânii goi arată că Svoboda, ca un om de rând, nu poartă corset.

pătrat nepătrat

De fapt, „Pătratul Negru” nu este deloc negru și deloc pătrat: niciuna dintre laturile patrulaterului nu este paralelă cu oricare dintre celelalte laturi ale acestuia și nici una dintre laturile cadrului pătrat care încadrează imaginea. Iar culoarea închisă este rezultatul amestecării diferitelor culori, printre care nu a existat negru. Se crede că aceasta nu a fost neglijența autorului, ci o poziție de principiu, dorința de a crea o formă dinamică, mobilă.

Melodrama Mona Lisei austriece

Una dintre cele mai semnificative picturi ale lui Klimt o înfățișează pe soția magnatului austriac al zahărului Ferdinand Bloch-Bauer. Toată Viena a discutat despre dragostea furtunoasă dintre Adele și celebrul artist. Soțul rănit a vrut să se răzbune pe iubiți, dar a ales un mod foarte neobișnuit: a decis să comande un portret al Adelei de la Klimt și să-l oblige să facă sute de schițe până când artista începe să se îndepărteze de ea. Bloch-Bauer a vrut ca lucrarea să dureze câțiva ani, iar modelul a putut vedea cum sentimentele lui Klimt dispar. I-a făcut artistului o ofertă generoasă, pe care nu a putut-o refuza și totul s-a dovedit conform scenariului soțului înșelat: lucrarea a fost finalizată în 4 ani, îndrăgostiții s-au răcorit de mult unul față de celălalt. Adele Bloch-Bauer nu a aflat niciodată că soțul ei era conștient de relația ei cu Klimt.

Pictura care l-a readus la viață pe Gauguin

Cea mai faimoasă pânză a lui Gauguin are o caracteristică: este „citită” nu de la stânga la dreapta, ci de la dreapta la stânga, precum textele cabalistice de care artistul era interesat. În această ordine se desfășoară alegoria vieții spirituale și fizice a unei persoane: de la nașterea sufletului (un copil adormit în colțul din dreapta jos) până la inevitabilitatea orei morții (o pasăre cu șopârlă în ghearele sale în colțul din stânga jos). Tabloul a fost pictat de Gauguin în Tahiti, unde artistul a fugit de mai multe ori din civilizație. Dar de data aceasta viața pe insulă nu a funcționat: sărăcia totală l-a condus la depresie. După ce a terminat pânza, care urma să devină testamentul său spiritual, Gauguin a luat o cutie de arsenic și a plecat în munți să moară. Cu toate acestea, el nu a calculat doza și sinuciderea a eșuat. A doua zi dimineață, s-a clătinat spre coliba lui și a adormit, iar când s-a trezit, a simțit o sete de viață uitată. Și în 1898, treburile lui au urcat și a început o perioadă mai strălucitoare în munca sa.

bătrân pescar

În 1902, artistul maghiar Tivadar Kostka Chontvari a pictat pictura „Pescarul bătrân”. S-ar părea că nu există nimic neobișnuit în imagine, dar Tivadar a pus în ea un subtext, care nu a fost niciodată dezvăluit în timpul vieții artistului. Puțini oameni s-au gândit să pună o oglindă în mijlocul imaginii.

În fiecare persoană poate fi atât Dumnezeu (umărul drept al Bătrânului este duplicat), cât și Diavolul (umărul stâng al bătrânului este duplicat).

Există o superstiție conform căreia pictarea unui portret poate aduce nenoroc modelului. În istoria picturii rusești, au existat mai multe picturi binecunoscute care și-au dezvoltat o reputație mistică.

Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan 16 noiembrie 1581. Ilya Repin

Ilya Repin avea o reputație de „pictor fatal”: mulți dintre cei ale căror portrete le-a pictat au murit brusc. Printre aceștia se numără Mussorgsky, Pisemsky, Pirogov, actorul italian Mercy d'Argento și Fyodor Tyutchev.

Cea mai întunecată imagine a lui Repin este recunoscută ca „Ivan cel Groaznic își ucide fiul”. Un fapt interesant: încă nu se știe dacă Ivan al IV-lea și-a ucis fiul sau dacă această legendă a fost într-adevăr compusă de trimisul Vaticanului Antonio Possevino.

Poza a făcut o impresie deprimantă asupra vizitatorilor expoziției. Au fost înregistrate cazuri de isterie, iar în 1913 pictorul de icoane Abram Balashov a rupt tabloul cu un cuțit. Ulterior a fost declarat nebun.

O coincidență ciudată: artistul Myasoedov, de la care Repin a pictat imaginea regelui, aproape că și-a ucis fiul Ivan într-un acces de furie, iar scriitorul Vsevolod Garshin, care a devenit sezator pentru țareviciul Ivan, a înnebunit și s-a sinucis.

„Portretul lui M. I. Lopukhina”. Vladimir Borovikovski

Maria Lopukhina, descendentă din familia conților Tolstoi, a devenit modelul artistei la vârsta de 18 ani, la scurt timp după propria căsătorie. Fata uimitor de frumoasă era sănătoasă și plină de putere, dar a murit 5 ani mai târziu. Ani mai târziu, poetul Polonsky a scris „Borovikovsky și-a salvat frumusețea...”.

Au existat zvonuri despre legătura dintre imagine și moartea lui Lopukhina. S-a născut o legendă urbană că nu se poate privi mult timp un portret - soarta tristă a „modelului” va avea de suferit.

Unii au susținut că tatăl fetei, stăpânul lojii masonice, a concluzionat spiritul fiicei sale în portret.

După 80 de ani, pictura a fost achiziționată de Tretiakov, care nu se temea de reputația portretului. Astăzi pictura se află în colecția Galerii Tretiakov.

"Necunoscut". Ivan Kramskoy

Tabloul „Necunoscut” (1883) a stârnit un mare interes în rândul publicului din Petersburg. Dar Tretiakov a refuzat categoric să cumpere un tablou pentru colecția sa. Așadar, „Străinul” și-a început călătoria prin colecții private. Curând au început să se întâmple lucruri ciudate: primul proprietar a fost abandonat de soție, casa celui de-al doilea a ars, al treilea a dat faliment. Toate nenorocirile au fost puse pe seama tabloului fatal.

Artistul însuși nu a scăpat de probleme, la scurt timp după pictarea tabloului, doi fii ai lui Kramskoy au murit.

Picturile au fost vândute în străinătate, unde ea a continuat să aducă numai nenorociri proprietarilor, până când pânza a revenit în Rusia în 1925. Când portretul a ajuns în colecția Galerii Tretiakov, nenorocirile au încetat.

„Troica”. Vasili Perov

Perov nu a putut găsi un șef pentru băiatul central de mult timp, până când a întâlnit o femeie care călătorea prin Moscova într-un pelerinaj cu fiul ei de 12 ani, Vasya. Artistul a reușit să o convingă pe femeie să-l lase pe Vasily să pozeze pentru poză.

Câțiva ani mai târziu, Perov a întâlnit din nou această femeie. S-a dovedit că la un an după pictură, Vasenka a murit, iar mama sa a venit intenționat la artist pentru a cumpăra tabloul cu ultimii bani.

Dar pânza a fost deja achiziționată și expusă la Galeria Tretiakov. Când femeia a văzut Troica, a căzut în genunchi și a început să se roage. Atinsă, artista a pictat femeii un portret al fiului ei.

„Demon învins” Mihail Vrubel

Fiul lui Vrubel, Savva, a murit brusc la scurt timp după ce artistul a finalizat portretul băiatului. Moartea fiului său a fost o lovitură pentru Vrubel, așa că s-a concentrat asupra ultimului său tablou, Demon Defeated.

Dorința de a termina pânza a devenit o obsesie. Vrubel a continuat să termine poza chiar și atunci când a fost trimisă la expoziție.

Ignorând vizitatorii, artistul a venit în galerie, a scos pensule și a continuat să lucreze. Rudele îngrijorate au contactat medicul, dar era prea târziu - tasca măduvei spinării l-a adus pe Vrubel în mormânt, în ciuda tratamentului.

„Sirene”. Ivan Kramskoy

Ivan Kramskoy a decis să picteze un tablou bazat pe povestea lui N.V. Gogol „Noaptea de mai sau femeia înecată”. La prima expoziție din Asociația Rătăcitorilor, tabloul a fost agățat alături de pastorala „Au sosit grăbii” de Alexei Savrasov. Chiar în prima noapte, poza „Rooks” a căzut de pe perete.

În curând, Tretiakov a cumpărat ambele tablouri, „Rooks Have Arrived” a luat un loc în birou, iar „Sirenele” au fost expuse în sală. Din acel moment, servitorii și membrii gospodăriei lui Tretiakov au început să se plângă de cântatul jalnic care venea din sală noaptea.

Mai mult, oamenii au început să observe că în dreptul imaginii se confruntă cu o cădere.

Misticismul a continuat până când bătrâna dădacă a sfătuit să scoată sirenele din lume până în capătul îndepărtat al sălii. Tretiakov a urmat sfatul, iar ciudateniile au încetat.

„Despre moartea lui Alexandru al III-lea”. Ivan Aivazovski

Când artistul a aflat despre moartea împăratului Alexandru al III-lea, a fost șocat și a pictat un tablou fără nicio ordine. Așa cum a fost conceput de Aivazovsky, pictura trebuia să simbolizeze triumful vieții asupra morții. Dar, după ce a terminat poza, Aivazovsky a ascuns-o și nu a arătat-o ​​nimănui. Pentru prima dată, pictura a fost expusă publicului abia după 100 de ani.

Pictura este împărțită în fragmente, pânza înfățișează o cruce, Cetatea Petru și Pavel și figura unei femei în negru.

Efectul ciudat este că la un anumit unghi figura feminină se transformă într-un bărbat care râde. Unii îl văd pe Nicolae al II-lea în această siluetă, în timp ce alții îl văd pe Pakhom Andreyushkin, unul dintre acei teroriști care nu au reușit să-l asasineze pe împărat în 1887.

Tatyana Kolyuchkina

Intrare originală și comentarii despre

Băieți, ne punem suflet în site. Mulțumesc pentru că
pentru descoperirea acestei frumuseți. Mulțumesc pentru inspirație și pielea de găină.
Alăturați-vă nouă la FacebookȘi In contact cu

Arta nu este doar o sursă de inspirație, ci și un mare mister. La urma urmei, adesea artiștii adaugă detalii interesante picturilor lor sau lasă mesaje care nu pot fi văzute la prima vedere.

site-ul web a adunat capodopere ale picturii cu secrete neașteptate. La finalul articolului, te așteaptă un bonus: una dintre cele mai ciudate presupuneri despre Mona Lisa.

10. Ureche greșită

„Autoportret cu ureche și țeavă tăiate” de Vincent van Gogh arată că urechea dreaptă a artistului a fost rănită. De fapt, a mers la urechea stângă. Adevărul este că postimpresionistul a folosit o oglindă pentru a picta.

9. Un tablou în cadrul unui tablou

Dacă te uiți cu atenție la „Bătrânul Chitarist” Pablo Picasso, poți vedea silueta unei femei. Folosind imagini în infraroșu și cu raze X, oamenii de știință de la Institutul de Artă din Chicago au descoperit mai multe figuri care sunt ascunse sub tablou. Cel mai probabil, artistul nu avea suficienți bani pentru a cumpăra pânze noi și a fost nevoit să picteze peste cele vechi.

8. „Pazul de noapte” a fost o zi

În timpul restaurării picturii lui Rembrandt „Performanța companiei de pușcași a căpitanului Frans Banning Cock și a locotenentului Willem van Ruytenburg”, care este mai bine cunoscută sub denumirea de „Pazul de noapte”, în 1947 a fost descoperit un strat gros de funingine. După defrișare, s-a dovedit că evenimentele descrise pe pânză au loc în timpul zilei și nu noaptea.

7. Codul anatomic al Capelei Sixtine

6. Simbol al puterii

În fresca „David și Goliat” Michelangelo a codificat litera ebraică „gimel”, care în tradiția mistică a Cabalei înseamnă putere.

5. Strabismul lui Rembrandt

Margaret Livingston și Beville Conway au studiat autoportretele lui Rembrandt și au demonstrat că artista suferea de strabism. Din cauza bolii, pictorul a perceput lumea altfel decât alți oameni și am văzut realitatea nu în 3D, ci în 2D. Cu toate acestea, este posibil ca datorită stereo-orbirii, Rembrandt să-și creeze capodoperele nemuritoare.

4. Răzbunare pe îndrăgostiți

Una dintre cele mai faimoase picturi ale lui Gustav Klimt o înfățișează pe Adele Bloch-Bauer. Magnatul Ferdinand Bloch-Bauer a comandat portretul soției sale. A aflat despre aventura dintre Adele și Klimt și a crezut asta după sute de schițe, pictorul își va urî amanta. Munca de rutină a făcut ca sentimentele modelului și ale artistului să se răcească.

3. Predicția apocalipsei

Cercetătoarea italiană Sabrina Sforza Galizia a propus o interpretare neobișnuită a Cina cea de taină a lui Leonardo da Vinci. Ea este sigură că în pictura sa artistul a lăsat o predicție despre sfârșitul lumii, care se va întâmpla pe 21 martie 4006. Pentru a înțelege asta cercetătorul a rezolvat cifrul matematic și astrologic"Ultima cina".

2. Lumea în galben