Renaștere - Renașterea italiană (pictură). Titani și capodopere ale culturii Renașterii - eseu Arta Renașterii timpurii a Italiei

Aceeași evoluție ca și sculptura trece prin pictura Renașterii timpurii. Depășind abstracția gotică a imaginilor, dezvoltând cele mai bune trăsături ale picturii lui Giotto, artiștii secolului al XV-lea pornesc pe o cale largă a realismului. Pictura monumentală în frescă se confruntă cu o înflorire fără precedent.

Masaccio. Expulzarea din Paradis, 1426–1427
Biserica Santa Maria del Carmine
Capela Brancacci, Florența

Uccello. Portretul unei doamne, 1450
Muzeul Metropolitan, New York

Castagno. Portretul unui lord, 1446
Galeria Națională, Washington

Masaccio. Reformatorul picturii, care a jucat același rol ca în dezvoltarea arhitecturii lui Brunelleschi, și în sculptură - Donatello, a fost Florentinul Masaccio (1401–1428), care a trăit o viață scurtă și a lăsat lucrări minunate în care căutarea unei generalizări. imaginea eroică a unei persoane, o transmitere veridică a împrejurimilor, a fost continuată.lumea lui. Cu cea mai mare claritate, aceste căutări s-au manifestat în frescele Capelei Brancacci de la Biserica Santa Maria del Carmine din Florența „Miracolul cu Stater” și „Alungarea din Paradis” (ambele între 1427-1428).

Masaccio rupe cu decorativitatea și narațiunea meschină care au dominat pictura în a doua jumătate a secolului al XIV-lea. Urmând tradiția lui Giotto, artistul Masaccio se concentrează pe imaginea unei persoane, sporindu-și energia și activitatea dură, umanismul civic. Masaccio face un pas decisiv în unificarea figurii și a peisajului, introducând pentru prima dată perspectiva aeriană. În frescele lui Masaccio, zona de mică adâncime - scena din picturile lui Giotto - este înlocuită cu o imagine a unui adevărat spațiu adânc; modelarea plastică a figurilor devine mai convingătoare și mai bogată, construcția lor este mai puternică, caracteristicile lor sunt mai diverse. Și în plus, Masaccio păstrează enorma putere morală a imaginilor, care captivează în arta lui Giotto.

Angelico. Madonna Fiesole, 1430
Mănăstirea San Domenico, Fiesole

Lippi. Femeie și bărbat, anii 1460
Muzeul Metropolitan, New York

Domenico. Madona cu Pruncul
1437, Galeria Berenson, Florența

Cea mai semnificativă dintre frescele lui Masaccio este „Minunea cu Stater”, o compoziție cu mai multe figuri, care, conform tradiției, cuprinde diverse episoade ale legendei despre modul în care, la intrarea în oraș, Hristos și ucenicii săi au fost rugați să plătiți o taxă - un stater (monedă); cum, din porunca lui Hristos, Petru a prins un peste in lac si a gasit in gura lui un stater, pe care l-a predat paznicului. Ambele episoade suplimentare - prinderea peștelui și prezentarea staterului - nu distrage atenția de la scena centrală - un grup de apostoli care intră în oraș. Siluetele lor sunt fețe maiestuoase, masive, curajoase au trăsături individualizate ale oamenilor din oameni, în persoana de extremă dreaptă, unii cercetători văd un portret al lui Masaccio însuși. Semnificația a ceea ce se întâmplă este subliniată de starea generală de entuziasm reținut. Naturalitatea gesturilor, a mișcărilor, introducerea unui motiv de gen în scena căutării lui Petru a monedei, peisajul pictat cu grijă conferă picturii un caracter secular, profund veridic.

Nu mai puțin realistă este interpretarea scenei „Expulzarea din Paradis”, unde pentru prima dată în pictura renascentist sunt înfățișate figuri goale, modelate puternic de lumina laterală. Mișcările lor, expresiile faciale exprimă confuzie, rușine, remușcări. Marea autenticitate și persuasivitate a imaginilor lui Masaccio conferă o putere deosebită ideii umaniste despre demnitatea și semnificația persoanei umane. Cu căutările sale inovatoare, artistul a deschis calea dezvoltării ulterioare a picturii realiste.

Uccello. Un experimentator în studiul și utilizarea perspectivei a fost Paolo Uccello (1397–1475), primul pictor italian de lupte. De trei ori Ucello a variat compoziții cu episoade din Bătălia de la San Romano (mijlocul anilor 1450, Londra, Galeria Națională; Florența, Uffizi; Paris, Luvru), înfățișând cu entuziasm cai și călăreți colorați într-o mare varietate de tăieturi și întoarceri de perspectivă.

Castagno. Dintre adepții lui Masaccio s-a remarcat Andrea del Castagno (circa 1421 - 1457), care s-a arătat interesat nu doar de construcțiile de formă plastică și de perspectivă caracteristice picturii florentine din acest timp, ci și de problema culorii. Cele mai bune dintre imaginile create ale acestui artist nepoliticos, curajos și inegal prin natură se disting prin forță eroică și energie ireprimabilă. Așa sunt eroii picturilor murale de la Vila Pandolfini (circa 1450, Florența, biserica Santa Apollonia) - un exemplu de soluție a unei teme seculare. Pe fundal verde și roșu închis, se evidențiază figurile personajelor proeminente ale Renașterii, printre care condottierii Florenței: Farinata degli Uberti și Pippo Spano. Acesta din urmă stă ferm pe pământ, cu picioarele larg depărtate, îmbrăcat în armură, cu capul descoperit, cu sabia scoasă în mâini; aceasta este o persoană plină de viață, plină de energie frenetică și încredere în abilitățile sale. Modelarea puternică a luminii și umbrelor conferă imaginii o putere plastică, expresivitate, subliniază claritatea caracteristicilor individuale, o portretizare vie care nu a mai fost văzută până acum în pictura italiană.

Dintre frescele Bisericii Santa Apollonia, Cina cea de Taină (1445–1450) se remarcă prin amploarea și claritatea caracteristicilor. Această scenă religioasă - masa lui Hristos înconjurat de ucenici - a fost pictată de mulți artiști care au urmat întotdeauna un anumit tip de compoziție. Nu sa îndepărtat de acest tip de construcție și Castaño. Pe o parte a mesei, situată de-a lungul peretelui, artistul a așezat apostolii. Printre ei în centru se află și Hristos. Pe cealaltă parte a mesei este vizibilă silueta singuratică a trădătorului Iuda. Și totuși, Castaño atinge o mare forță impresionantă de influență și sunet inovator al compoziției sale; acest lucru este facilitat de caracterul viu al imaginilor, naționalitatea tipurilor apostolilor și a lui Hristos, drama profundă a exprimării sentimentelor, schema cromatică bogată și contrastantă accentuată.

Angelico. Frumusețea rafinată și puritatea armoniilor delicate de culori strălucitoare, dobândind un efect decorativ deosebit în combinație cu aurul, captivează arta Fra Beato Angelico (1387–1455), plină de poezie și fabulozitate. Cu spirit mistic, legat de lumea naivă a ideilor religioase, este avântat cu poezia unui basm popular. Iluminate sunt imaginile pătrunzătoare ale Încoronării Mariei (circa 1435, Paris, Luvru), frescele mănăstirii San Marco din Florența, create de acest artist ciudat - un călugăr dominican.

Domenico Veneziano. Problemele de culoare l-au atras și pe Domenico Veneziano (circa 1410-1461), originar din Veneția, care a lucrat în principal la Florența. Compozițiile sale religioase (Adorarea magilor, 1430-1440, Berlin-Dahlem, Galeria de Artă), naive și fabuloase în interpretarea temei, poartă încă amprenta tradiției gotice. Trăsăturile renascentiste s-au manifestat mai clar în portretele pe care le-a creat. În secolul al XV-lea, genul portretului a căpătat o semnificație independentă. Compoziția de profil, inspirată din medalii antice și care face posibilă generalizarea și glorificarea imaginii persoanei înfățișate, a devenit larg răspândită. O linie exactă conturează un profil clar caracteristic în „Portretul unei femei” (mijlocul secolului al XV-lea, Berlin-Dahlem, Galeria de Artă). Artistul realizează o asemănare directă vie și, în același timp, o unitate coloristică subtilă în armonia culorilor luminoase, strălucitoare, transparente, aerisite, înmuiind contururile. Pictorul a fost primul care i-a introdus pe maeștrii florentini în tehnica picturii în ulei. Prin introducerea de lacuri și uleiuri, Domenico Veneziano a sporit puritatea și bogăția culorilor pânzelor sale.

Arta italiană nu s-a dezvoltat constant pe o linie ascendentă, de la un nivel inferior la unul superior. Linia dezvoltării culturale în timpul Renașterii a fost mai complexă și mai flexibilă. Pe parcursul a trei secole, odată cu mișcarea necruțătoare înainte, s-au remarcat mai multe ascensiuni. Cele mai radicale dintre acestea au avut loc în Italia în secolul al XV-lea. Aceasta este perioada Renașterii timpurii, marcată de o intensitate extraordinară a căutărilor. Focalizarea inovației în toate formele de artă în acest moment, ca și pe vremea lui Giotto, era Florența. Aici s-a desfășurat activitatea fondatorilor Renașterii timpurii: pictorul Masaccio, sculptor Donatello, arhitect Brunelleschi.

Una dintre cele mai importante realizări ale artei Quattrocento, care a avut semnificație istorică, a fost doctrina perspectivei.Perspectivă - aceasta este o imagine a obiectelor în conformitate cu schimbarea aparentă a dimensiunii și formei lor, care se datorează gradului de îndepărtare a acestora de privitor. Primele încercări de construire a perspectivei au fost deja folosite în Grecia antică, dar în forma sa clasică, așa cum a fost fundamentată științific, perspectiva a fost dezvoltată de maeștrii Quattrocento-ului italian. Filippo Brunelleschi a fost primul care i-a descoperit legile, stabilind astfel un nou program de dezvoltare pentru toată arta florentină.

Brunelleschi a tras o concluzie decisivă pentru arta plastică: dacă razele directe care vin dintr-un punct ales din spațiu către obiectul reprezentat sunt străbătute de un plan, se va obține o proiecție exactă a acestui obiect pe acest plan. Cel mai probabil, studiul legilor optice ale lui Brunelleschi a fost determinat de studiul ruinelor romane, pe care le-a măsurat și copiat cu atenție.

Un prieten cu Brunelleschi, sculptorul Donatello a aplicat perspectiva liniară în relief sculptural („Bătălia de la St. George cu un dragon" , 1416), realizând o impresie de profunzime spațială. Contemporanul lor Ma-zaccio a folosit această descoperire în pictură (frescă"Treime" , 1427). În cele din urmă, arhitectul și teoreticianul artei Alberti a oferit o dezvoltare teoretică detaliată a legilor perspectivei în Tratatul său de pictură (1435).

Noile tendințe în artele vizuale s-au manifestat pentru prima dată însculptură . Anterior concentrat mai ales în interioare, se desfășoară acum pe fațadele bisericilor și clădirilor publice, pe piețele orașului, nemai supunând arhitecturii.

Punctul de plecare al istoriei sculpturii renascentiste timpurii este considerat în mod tradițional a fi anul 1401, când tânărul bijutier Lorenzo Ghiberti a câștigat concursul sculptorilor care concurau pentru dreptul de a fabrica ușile de bronz ale baptisteriului florentin. . Ghiberti s-a numărat printre principalii sculptori ai timpului său. El deține una dintre cele mai faimoase lucrări ale Renașterii timpurii - a doua ușă estică a baptisteriului, numită mai târziu de Michelangelo „Porțile Paradisului”. Reliefurile lor sunt dedicate subiectelor Vechiului Testament.

Cel mai strălucit sculptor Quattrocento a fost Donato di Niccolò di Betto Bardi, care a intrat în istoria culturii mondiale sub numele de Donatello (1386-1466). Este unul dintre cei mai îndrăzneți reformatori ai artei italiene. Una dintre principalele realizări ale lui Donatello a fost renașterea statuii rotunde de sine stătătoare. Executat de elstatuia lui David Învingătorul (Florența) a fost prima sculptură a Renașterii, neassociată cu arhitectura, eliberată de etanșeitatea nișei și accesibilă din toate părțile. Creând imaginea legendarului cioban care l-a învins pe uriașul Goliat, care pentru multe orașe-republici italiene a devenit un simbol al libertății, Donatello a căutat să abordeze marile exemple de arte plastice antice. David lui este prezentat gol, ca un erou antic. Niciun sculptor renascentist nu și-a luat libertatea de a arăta un personaj biblic în această formă.

O altă creație celebră a lui Donatello este un monument adus curajosului comandant Erasmo di Narni, poreclit Gattamelata („Pisica vicleană”). Un om al poporului, Erasmo, prin puterea minții sale, talentul, a devenit creatorul propriului destin, a devenit un om de stat remarcabil. Iar sculptorul, păstrând o asemănare portretistică, a arătat o imagine generalizată a unui om al timpului nou, parcă ar confirma cuvintele lui Petrarh: „Sângele este întotdeauna de aceeași culoare. Un om nobil se face mare prin faptele sale.

Și mai larg era apelul la tradițiile antice înarhitectură . Schițe și măsurători ale structurilor romane antice, studiul tratatului lui Vitruvius, găsit la începutXVsecole, a contribuit la înlocuirea rapidă a formelor gotice cu cele antice. Ordinea antică este reînviată și regândită creativ, ceea ce a adus proporție logică și armonie în arhitectura noului timp. Dacă catedrala gotică este deja greu de văzut din cauza dimensiunilor sale gigantice, atunci clădirile Renașterii sunt, parcă, acoperite de o singură privire. Se disting printr-o proporționalitate uimitoare.

Primul monument major al arhitecturii renascentiste - ridicat de Brunelleschicupola Catedralei Santa Maria del Fiore în Florenţa. În mărimea sa, este doar puțin inferioară cupolei Panteonului Roman, dar, spre deosebire de acesta, se sprijină nu pe o bază rotundă, ci pe o bază octogonală.

Concomitent cu construcția cupolei, Brunelleschi conduce și construcția unui orfelinat,Cămin educațional . Aceasta este prima clădire în stil renascentist, foarte aproape de clădirile antice prin structura sa, claritatea aspectului și simplitatea formelor. Cel mai remarcabil lucru la ea este fațada, decorată cu un portic în formă de loggie arcuită. Porticul se desfășoară pe toată lățimea clădirii, creând o impresie de spațialitate și liniște și întărind predominanța liniilor orizontale. Rezultatul este o clădire care este complet opusă aspirației gotice către cer. Noua este si absenta bogatelor decoratiuni sculpturale caracteristice catedralelor gotice.

Tipul de loggie folosit în Orfelinat cu arcade semicirculare și coloane subțiri la distanță mare a fost stabilit ulterior în arhitectura Renașteriipalazzo .

Palazzo este un palat-conac de oraș în care locuiau oameni bogați. De obicei, aceasta este o clădire cu trei etaje, cu vedere la stradă. După planul lor, palatul se apropia de o piață, în centrul căreia se afla o curte înconjurată de galerii arcuite.

Pictura Quattrocento italian începe cu Masaccio (1401-1428, pe numele real Tommaso di Giovanni di Simone Cassai). Masaccio a fost unul dintre cele mai independente și mai consistente genii din istoria artei europene. Ca mulți alți artiști ai acestei epoci, a lucrat în domeniul picturii monumentale, care a fost realizată pe pereți folosind tehnica frescei. Continuând căutarea lui Giotto, Masaccio a reușit să ofere imaginilor o autenticitate de viață fără precedent.

Frescele sunt punctul culminant al operei sale.Capele Brancacci Biserica Santa Maria del Carmine din Florența. Aceștia prezintă povestea Apostolului Petru, precum și povestea biblică „Alungarea din Paradis”, interpretată cu o putere dramatică excepțională.

Totul în aceste fresce este plin de o impresionantă deosebită, putere epică, eroism. Totul este subliniat monumental: artistul nu pare să deseneze formele, ci le sculptează cu ajutorul clarobscurului, realizând un relief aproape sculptural. Un exemplu minunat al modului creator al lui Masaccio poate servi„Miracolul cu Stater” (o poveste despre o monedă găsită în mod miraculos în gura unui pește, care a deschis accesul în orașul Capernaum pentru Hristos și ucenicii săi).

Soarta a întrerupt ascensiunea unui geniu la vârsta de 27 de ani, dar deja ceea ce a reușit să facă i-a adus faima ca fondator al unei noi arte. După moartea lui Masaccio, Capela Brancacci a devenit școala tuturor pictorilor care au urmat, un loc de pelerinaj.

Masaccio, Brunelleschi, Donatello au fost departe de a fi singuri în căutarea lor. În același timp, mulți maeștri originali au lucrat în diverse orașe ale Italiei: Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Andrea Mantegna.

Până la sfârșitul Quattrocento, natura aspirațiilor picturii italiene se schimbă semnificativ: studiul perspectivei, proporțiile se estompează în fundal, în timp ce studiul naturii umane iese în prim-plan. Urmând literatură și poezie, pictura dezvăluie viața intensă a sufletului, mișcarea sentimentelor. Acest lucru contribuie la dezvoltarea genului portretului și a noului său tip, într-o tură de trei sferturi, și nu de profil, ca înainte.

Artistul în a cărui operă noile idei artistice au găsit cea mai armonioasă expresie a fostSandro Botticelli (1445-1510, cu numele real Alessandro Filipepi).

Botticelli este un reprezentant al școlii florentine de pictură. Era aproape de curtea lui Lorenzo Medici, un politician și diplomat talentat, o persoană strălucit educată, un poet talentat, un iubitor de literatură și artă, care a reușit să atragă mulți umaniști, poeți și artiști importanți

Fiind asociat cu un cerc de savanți florentini, Botticelli s-a bazat de bunăvoie în lucrările sale pe programele poetice întocmite de aceștia. Inspirați de poezia antichității și renascentiste, erau de natură alegoric. Un rol deosebit în ele l-a jucat imaginea lui Venus, întruchiparea iubirii ca cel mai înalt sentiment uman.

Venus este imaginea centrală a picturilor care l-au glorificat pe Botticelli:"Arc"Și „Nașterea lui Venus”. În aceste compoziții mitologice, unde domnește dragostea, a înflorit farmecul misterios al idealului de frumusețe al lui Botticell. În această frumusețe există un rafinament deosebit, lipsă de apărare fragilă. Și, în același timp, în ea se ascunde o putere interioară uriașă, tăria vieții spirituale.

Aceeași bogăție a lumii interioare a unei persoane este dezvăluită privitorului prin portretele artistului: „Portretul unui bijutier”, „Giuliano Medici” și altele.

Cele mai profunde experiențe personale asociate cu viața socială a Florenței la sfârșitXV secol , a identificat marea tragedie a operelor ulterioare ale lui Botticelli: „Plângerea lui Hristos”, „Abandonat”.

În ultima treime a secolului al XV-lea, alături de școala florentină, au fost înființate școli de artă în Umbria (Pinturicchio), Veneția (Gentile și Giovanni Bellini, Carpaccio), Ferrara, Lombardia și totuși Florența rămâne principalul centru cultural al Italiei. . Aici, în anii 1470, a început activitatea creatoare a lui Leonardo da Vinci, aici s-a născut și a crescut Michelangelo, câștigând faima ca prim artist prin realizarea statuii lui David (aceasta a fost plasată în fața Palatului Signoria ca simbol al Florenței). ). Florența a jucat, de asemenea, un rol uriaș în dezvoltarea creativă a lui Rafael, care a scris aici o suită extinsă a Madonelor sale (când a ajuns la Florența, atât Leonardo, cât și Michelangelo au lucrat acolo). Opera acestor maeștri străluciți, alături de arta lui Bramante, Giorgione, Titian, au marcat perioada Înaltei Renașteri.

Medicii sunt o familie de bancheri bogați careXVsecolul, de fapt, a aparținut puterii din Florența.

răscoala populară împotriva Medicilor, condusă de călugărul dominican Savonarola, atacul înverșunat al adepților din Savonarola asupra „murdăriei păcătoase” a culturii seculare și, în final, excomunicarea lui Savonarola din biserică și moartea lui pe rug.

După ce a experimentat influența puternică a lui Savonarola, Botticelli a fost șocat de moartea sa.

Renașterea a adus mari schimbări în arta picturii. Artiștii au stăpânit capacitatea de a transmite subtil lumini și umbre, spațiul, ipostazele și gesturile personajelor lor au devenit naturale. Cu mare pricepere, ei au descris în picturile lor sentimente umane complexe.

În pictura Renașterii timpurii, sau Quattrocento (secolul al XV-lea), de obicei sună notele majore; se distinge prin culori pure, personajele sunt aliniate și conturate de contururi întunecate care le separă de fundal și cadre ușoare la distanță. Toate detaliile sunt foarte detaliate și meticuloase. Deși pictura din Quattrocento nu este încă la fel de perfectă ca arta Renașterii înalte și târzii, ea atinge privitorul până la miez cu puritatea și sinceritatea sa.

Primul pictor semnificativ al Renașterii timpurii a fost Masaccio. Deși artistul a trăit doar 28 de ani, a reușit să lase o contribuție semnificativă nu numai picturii renascentiste, ci și artei mondiale. Picturile sale se disting prin culoarea profundă, figurile par dense și surprinzător de vii. Masaccio transmite perfect perspectiva și volumul, deține efecte de clarobscur. A fost primul dintre pictorii Renașterii timpurii care a înfățișat corpul uman gol și și-a prezentat eroii ca fiind frumoși și puternici, demni de respect și admirație. Mai târziu, asemenea mari maeștri ai Înaltei Renașteri precum Leonardo da Vinci, Michelangelo și Rafael au studiat lucrările lui Masaccio („Expulzarea din Paradis”, „Minunea cu taxă”).

În această perioadă, mulți artiști minunați și-au creat creațiile. Paolo Uccello a lucrat în Florența, care a pictat scene de luptă și a fost renumit pentru capacitatea sa de a portretiza cai și călăreți în unghiuri și ipostaze complexe. Giorgio Vasari, un artist mediocru și un remarcabil biograf și istoric de artă care a trăit în secolul al XVI-lea, a spus că Uccello nu și-a putut părăsi casa săptămâni și chiar luni, rezolvând cele mai dificile probleme de perspectivă cu care s-a confruntat. Cei dragi, care l-au implorat să întrerupă aceste studii, le-a răspuns: „Lasă-mă, nu este nimic mai dulce decât perspectiva”.

Pictorul Filippo Lippi a lucrat la Florența. În tinerețe, a fost călugăr la mănăstirea Fraților Carmeliți, dar curând a părăsit-o, dedicându-se picturii. Există multe legende despre viața lui. Se spune că toată Florența a urmărit cu interes relațiile amoroase ale fostului călugăr. Artistul și-a răpit viitoarea soție, Lucrezia Buti, de la mănăstire. În viitor, el a scris-o de mai multe ori în imaginea Madonei („Încoronarea Mariei”, 1447; „Madona sub văl”). Picturile lui Filippo Lippi sunt legate doar formal de teme religioase: sunt lipsite de dramă și patos, nu există în ele măreție și monumentalitate. În același timp, îngerii veseli cu părul creț, copiii drăguți și femeile drăguțe captivează privitorul cu farmecul lor. Cu mare pricepere, artistul pictează peisaje de pădure confortabile și proaspete, care constituie fundalul scenelor biblice. Printre contemporani, lucrările lui Filippo Lippi au fost foarte populare; el a fost artistul preferat al lui Cosimo de Medici, care era atunci conducătorul Florenței.

În același timp, a lucrat un alt maestru florentin, un călugăr dominican și stareț al mănăstirii San Marco, Fra Beato Angelico, ale cărui lucrări sunt pline de un profund sentiment religios. Toată viața mea fra
Angelico dedicat creării de icoane și fresce pentru mănăstiri. Pictura sa se remarcă prin culori strălucitoare și pure, prin aurire strălucitoare. Figurile alungite gotic ale Madonelor sale par spiritualizate, desprinse de tot ce este pământesc. Una dintre cele mai bune lucrări ale lui Fra Angelico este compoziția de altar „Încoronarea Mariei” (c. 1435-1436). Maica Sa de Dumnezeu este întruchiparea feminității poetice, pure, vesele și calme. Nu există misticism sumbru în pictura maestrului florentin; chiar și în altarul cu mai multe figuri pe tema Judecății de Apoi din partea stângă, artistul a înfățișat un paradis fericit cu figuri de îngeri fericiți în haine frumoase.

În acest moment, în Olanda au fost inventate vopselele în ulei, ceea ce le-a permis pictorilor să facă tranzițiile de culoare mai subtile, să folosească lumina mai liber pentru a reînvia culoarea. De asemenea, au ajutat la obținerea unui singur ton de culoare. Domenico Veneziano, un reprezentant al școlii florentine, venețian de origine, a fost primul dintre artiștii italieni care a pictat cu vopsele în ulei. Deja în lucrările sale timpurii („Adorarea magilor”, 1434), talentul coloristic al artistului se manifestă clar. Culorile pure, aproape transparente, saturate de lumină, formează o singură gamă tonale. Lucrările ulterioare uimesc prin transmisia virtuoasă a mediului lumină-aer - se crede că Domenico Veneziano a fost unul dintre primii care l-au înfățișat pe pânzele sale.

Îndemânarea pictorului a fost exprimată pe deplin în special în celebrele portrete florentine ale lui Domenico Veneziano.

Cel mai adesea, el a portretizat chipurile femeilor din profil (numele majorității modelelor nu sunt stabilite) pe un cer sau peisaj argintiu. Încercând să facă culorile mai curate și mai strălucitoare, artistul le-a adăugat ulei de in.

Realizările lui Domenico Veneziano au fost dezvoltate de elevul și adeptul său Piero della Francesca, care era considerat de contemporanii săi „monarhul picturii”. Originar din Toscana, care a lucrat la Florența, a studiat opera lui Giotto, Masaccio și Paolo Uccello. Pictura olandeză a avut, de asemenea, o oarecare influență asupra lui. Nu doar artist, ci și cunoscut cercetător de artă, Piero della Francesca a scris tratate teoretice - „Despre perspectiva în pictură” și o broșură „Despre cinci corpuri corecte”.

Lucrările lui Piero della Francesca se disting prin compoziția lor clară și precisă, transmiterea abil a luminii și a aerului, culorile curate și proaspete. Persoana din picturile sale este lipsită de acel conflict intern care va apărea mai târziu în pictura Renașterii târzii și barocului. Eroii lui Piero della Francesca sunt calmi, maiestuoși și curajoși. Aceste calități sunt inerente imaginilor ducelui și ducesei de Urbino - Federigo da Montefeltro și soției sale, Battista Sforza, în celebrul portret de pereche.

Comandantul, politicianul și filantropul, conducătorul lui Urbino Federigo da Montefeltro a fost un prieten apropiat al artistului. Piero della Francesca l-a portretizat pe duce într-un alt tablou celebru - „Madona cu sfinți și îngeri și clientul Federigo da Montefeltro”.

Perfect capabil să transmită perspectiva, Piero della Francesca a scris o magnifică veduță arhitecturală (veduta - un tablou-plan al „orașului ideal”), care a avut o mare influență asupra lucrării arhitecților contemporani.

În timpul Înaltei Renașteri, arta lui Piero della Francesca a început să pară depășită, iar Papa l-a invitat pe Rafael să picteze pereții Vaticanului, acoperiți cu fresce de Piero della Francesca. Rafael a fost de acord și a făcut față cu măiestrie lucrării.

Cele mai vii idealuri artistice ale Quattrocento-ului târziu au fost reprezentate de maestrul școlii de pictură din Umbria, Pietro Perugino. Pictura sa, calmă, contemplativă și lirică, este plină de imagini fragile și grațioase, înconjurate de peisajele deluroase poetice ale Umbriei. Armonia clară a picturilor lui Perugino apropie pictura sa de arta Înaltei Renașteri („Plângerea lui Hristos”, c. 1494-1495; „Madona cu sfinți, 1496). Pictor
a avut o mare influență asupra elevului său – celebrul Rafael.

În aproape fiecare oraș din Italia a existat o școală de artă care avea propria ei personalitate.
Dar toți au căutat să arate în arta lor frumusețea pământului și a omului. În această epocă, unul dintre cele mai importante centre culturale a fost Padova cu faimoasa sa universitate. În acest oraș în secolul al XV-lea. a trăit cunoscătorul de artă Francesco Squarcione. A adunat monede antice, medalii, fragmente de basoreliefuri în vecinătatea Padovei, precum și dincolo de oraș. Entuziasmul lui s-a transferat pictorilor, sculptorilor, aurarilor din Padova, care l-au înconjurat și îl considerau profesorul lor.

Squarcione l-a crescut pe marele pictor Andrea Mantegna, care a venit la el acasă când era un băiețel de zece ani. Lucrarea lui Mantegna, care a trăit o viață lungă, este neobișnuit de multe fațete: pe lângă pictură și gravură, el era pasionat de geometrie, optică și arheologie. Îndrăgostit de arta Romei antice în casa lui Squarcione (în timpul Renașterii în Italia nu știau încă despre arta Greciei Antice), pictorul și-a folosit imaginile în lucrările sale, dându-le trăsături eroico-romantice. Sfinții, conducătorii, războinicii săi, pictați pe fundalul unui peisaj stâncos sumbru, dau impresia de măreție și putere. Multe dintre lucrările lui Mantegna sunt pătrunse de dramă profundă. Așa este celebra sa compoziție „Hristos mort”, care i-a uimit pe contemporani prin emoționalitatea sa.

Mantegna a devenit faimos și ca un gravor talentat pe cupru. El a fost primul care a făcut din gravură o formă egală de artă plastică.

Pictura Proto-Renașterii a atins apogeul în opera lui Botticelli.

Sandro Botticelli

Nu au ajuns prea multe informații la noi despre viața lui Sandro Botticelli și istoria creației sale de lucrări care au devenit ulterior perlele artei plastice mondiale. Criticii și istoricii de artă au devenit conștienți doar de unele fapte din biografia marelui maestru.

Botticelli s-a născut în 1444. A studiat pictura la atelierul de artă al lui Filippo Lippi. Opera timpurie a lui Botticelli este marcată de influența artei lui Lippi, precum și de ideile formate la curtea lui Lorenzo de' Medici. Totuși, cu multă încredere, putem spune că imaginile create de marele artist au fost mai voluminoase și mai semnificative decât lucrările pictorilor care lucrau sub auspiciile Medici.

Primele portrete ale lui Botticelli poartă urme ale influenței stilului picturii lui Filippo Lippi, precum și Andrea Verrocchio și Pollaiolo. În lucrările ulterioare, individualitatea maestrului se manifestă mai profund. Astfel, cunoscuta pânză Adorarea Magilor înfățișează membri ai familiei Medici și un autoportret al artistului. Compoziția se distinge prin bogăție, strălucire și, în același timp, tandrețea culorilor, precum și prin grație subtilă și ușurință. Imaginile create de Botticelli sunt pline de lirism și de o frumusețe extraordinară venită din adâncurile sufletului.

În anii 70. secolul 15 apare primul tablou de Botticelli, care i-a adus pictorului o mare faimă în rândul contemporanilor săi și a lăsat memoria maestrului timp de secole. Această pânză este „Primăvara”, acum stocată în Galeria Uffizi din Florența. Lucrarea a fost scrisă după ce artistul a citit una dintre poeziile lui Poliziano. Imaginile-alegorii sunt prezentate pe fundalul unui minunat peisaj forestier. Asemănătoare paradisului, grădina uimește prin neobișnuit și frumusețe nepământeană. Locul central în compoziție este acordat lui Venus. În partea dreaptă a acesteia se află Flora, împrăștiind flori fabuloase, în stânga - grații dansante, ușoare și aerisite, asemănătoare norilor albi, aproape transparente. Dinamica este creată tocmai datorită imaginii grațiilor care se mișcă într-un dans rotund.

Întreaga imagine se distinge prin frumusețe și tandrețe extraordinare. În ciuda faptului că numele său este „Primăvara”, când privim imaginea, apare un sentiment de ușoară tristețe, cu care nu suntem obișnuiți să identificăm primăvara. În mintea oricărei persoane, primăvara este reînnoirea lumii, bucurie, încântare. Botticelli, pe de altă parte, regândește imaginile general acceptate și familiare.

În 1481, Sandro Botticelli a mers la Roma, unde a pictat pereții Capelei Sixtine. Printre alte fresce ale pensulei sale se numără celebra „Viața lui Moise”.

În 1482, artistul s-a stabilit din nou la Florența. Istoricii de artă și biografii consideră anul acesta cel mai fructuos pentru formarea și dezvoltarea operei maestrului pictor. Atunci a apărut celebra pânză „Nașterea lui Venus”, care se află acum în Galeria Uffizi din Florența.

Nu există nicio imagine plană în imagine - Botticelli acționează aici ca un maestru al transferului liniilor spațiale.
Ei sunt cei care creează impresia de profunzime și volum, menite să arate dinamica mișcărilor personajelor din narațiunea picturală. Culorile pastelate deschise ale pânzei și combinațiile de culori utilizate cu pricepere (apele verzi transparente ale mării, pelerine albastre de bezele, părul auriu al lui Venus, o mantie roșu închis în mâinile unei nimfe) creează un sentiment de tandrețe extraordinară și vorbesc a simțului subtil al culorii al artistului.

Figura centrală a compoziției este Venus, care tocmai a ieșit din apele mării albastre. Ea este goală. Cu toate acestea, datorită aspectului ei calm și spiritual, privitorul nu are un sentiment de stângăcie. Zeița este frumoasă, la fel de frumoasă pe cât poate fi o ființă nepământeană care a coborât din rai. Imaginea lui Venus poate fi recunoscută cu ușurință pe pânzele create de Botticelli pe baza unor motive biblice cunoscute. Dintre picturile cu conținut religios, cele mai notabile sunt Madonna în tron ​​(1484) și Madonna in Glory (Magnificat).

Ambele se află în prezent în Galeria Uffizi din Florența. „Madonna in Glory” se distinge prin lirismul subtil al imaginilor. Dinamica compoziției este creată datorită formei rotunde a imaginii, ale cărei ritmuri se repetă.
în aranjarea figurilor în mișcare. Peisajul, adus pe fundalul compoziției, creează volum și spațiu.

Lucrările portretistice ale marelui pictor sunt, de asemenea, neobișnuit de frumoase și lirice. Printre acestea, de interes deosebit sunt
portretul lui Giuliano Medici și „Portretul unui tânăr”. Cu toate acestea, în prezent, unii istorici de artă atribuie paternitatea ultimei lucrări elevului lui Sandro Botticelli Filippino Lippi (fiul lui Filippo Lippi).

anii 90 Secolul al XV-lea a devenit un punct de cotitură pentru artist. Acest timp este marcat de expulzarea Medicilor și de ascensiunea la putere
Savonarola, ale cărei predici religioase aveau ca scop denunțarea Papei și a familiilor florentine bogate. El
a criticat, de asemenea, arta seculară și, potrivit lui Savonarola, toți artiștii și poeții, după moarte, erau așteptați de iadul de foc. Pentru a evita acest lucru, este necesar să renunțăm la artă și să ne pocăim de păcate...

Aceste predici au influențat în mod semnificativ viziunea asupra lumii a lui Botticelli, care nu a putut decât să îi afecteze opera. Lucrările pictorului, create în această perioadă, se remarcă prin pesimism neobișnuit de profund, deznădejde și pieire. Autorul se îndreaptă acum din ce în ce mai mult către subiecte creștine, uitând de antichitate. O lucrare caracteristică a lui Botticelli din acest timp este Femeia abandonată, păstrată acum în colecția Pallavicini din Roma. Intriga imaginii este destul de simplă: o femeie care plânge stă pe trepte de piatră lângă un perete cu porțile bine închise. Dar, în ciuda simplității conținutului, imaginea este foarte expresivă și creează o dispoziție deprimantă, tristă și tristă privitorului.

În anii 1490 secolul 15 Apar ilustrațiile lui Botticelli pentru Divina Comedie a lui Dante. Doar 96 de desene au supraviețuit până în prezent, care se află acum în muzeele din Berlin și Vatican. Toate imaginile schițelor sunt neobișnuit de fragile, aerisite și ușoare, ceea ce este un semn distinctiv al întregii opere a lui Botticelli.

În aceiași ani 90. marele maestru a creat pânza „Calomnia”, depozitată în Galeria Uffizi din Florența. Imaginea se remarcă prin faptul că aici se schimbă oarecum modul de a scrie. Liniile care creează imagini devin mai clare și mai ascuțite. Compoziția este plină de patos, emotivitate și mai mare, în comparație cu alte lucrări, de certitudine a imaginilor.

Punctul culminant al expresiei fanatismului religios al artistului a fost un tablou numit „Plângerea lui Hristos”. În prezent, variante ale pânzei sunt stocate în Muzeul Poldi Pezzoli din Milano și Alte Pinakothek din München. De un interes deosebit sunt aici imaginile celor apropiați de Hristos, plini de întristare profundă și dor. Impresia de tragedie este sporită de utilizarea de către artist a culorilor contrastante, uneori întunecate, alteori strălucitoare. Privitorul nu mai este imagini necorporale, aproape imponderabile și invizibile, ci figuri destul de specifice și clare.

Una dintre cele mai strălucitoare lucrări legate de perioada târzie a operei lui Botticelli este pictura „Scene din viața Sfântului Zenobius”, păstrată în prezent în Galeria de Artă Dresda din Germania. Realizată în stilul picturii pe capele antice de altar, compoziția este un fel de colaj alcătuit din tablouri individuale care povestesc despre viața sfântului. Cu toate acestea, în ciuda asemănării cu arta antică, individualitatea creativă a maestrului picturii s-a manifestat în mod clar în pânză. Imaginile lui sunt solide și clare. Ele sunt plasate nu într-un spațiu abstract, ci pe fundalul unui peisaj concret. Locul de acțiune la Botticelli este clar definit: cel mai adesea acestea sunt străzi obișnuite ale orașului, cu o pădure frumoasă vizibilă în depărtare.

De un interes deosebit sunt combinațiile de culori folosite de pictor. Din acest punct de vedere, modul de scriere este în multe privințe similar cu tehnica pictării icoanelor antice, a căror colorare se bazează nu pe contrast luminos, ci pe selecția calmului, apropiat de tonuri de culoare.

Sandro Botticelli a murit la 17 mai 1510. Opera sa a avut o mare influență nu numai asupra maeștrilor secolelor XV-XVI, ci și asupra multor pictori din epocile ulterioare.

În epoca Proto-Renașterii, au lucrat și artiști remarcabili precum pictorii siezi, care au trăit în același timp cu Duccio, frații Ambrogio și Pietro Lorenzetti; florentinii Masolino și Benozzo Gozzoli, umbrianul Gentile de Fabriano; pictor și medaliat Pisanello; Florentinii Filippino Lippi (fiul lui Filippo Lippi) și Piero di Cosimo. Reprezentanții școlii din Umbria au fost pictorii Luca Signorelli, Pinturicchio, Melozzo da Forli. La Ferrara au lucrat Cosimo Tura, Ercole Roberti, Francesco del Cossa, Lorenzo Costa.

În secolul XV. la Florența, un alt gen pictural era foarte popular. Multe familii aveau cufere elegante (cassone) în care fetele își păstrau zestrea. Maeștrii le-au acoperit cu sculpturi iscusite și pictură elegantă. Cel mai adesea, artiștii au folosit teme mitologice pentru picturi murale.

Pictura venețiană

Un loc special în arta Quattrocento îi aparține Veneției. Uimitorul oraș, situat pe o sută optsprezece insule, despărțite între ele de o sută șaizeci de canale, era în acea epocă un oraș-stat. Veneția, o republică a comercianților care comerțează cu Egiptul, Grecia, Turcia, Siria, Bagdadul, India, Arabia, Africa de Nord, Germania și Flandra, era deschisă altor culturi.

Pictura venețiană a fost concepută pentru a surprinde toată frumusețea, bogăția și splendoarea acestui mare oraș. A atins apogeul în a doua jumătate a secolului al XV-lea. Lucrările maeștrilor venețieni, colorate și decorative festiv, împodobesc temple, palate, sedii ale diferitelor instituții publice, încântând domnitori și cetățeni de rând.

Un exemplu izbitor de pictură venețiană este opera lui Vittore Carpaccio. Compozițiile sale narative ingenioase reprezintă poetic Veneția în timpul ceremoniilor solemne („Recepția ambasadorilor”). Artistul înfățișează și viața de zi cu zi a orașului natal; pictează scene din istoria sacră, interpretându-le din punctul de vedere al modernității. Acestea sunt „Viața lui Sf. Ursula” (1490), „Scene din Viața Mariei”, „Viața Sf. Ştefan” (1511-1520).

Tendințele realiste ale picturii venețiane a Renașterii timpurii au fost reflectate în opera lui Antonello da Messina. Una dintre cele mai faimoase picturi ale sale este St. Sebastian” (1476). Tema martiriului Sf. Sebastian, care a devenit o victimă a dușmanului creștinismului Dioclețian, a fost larg răspândit printre artiștii Renașterii, dar Antonello da Messina o interpretează într-un mod special: în imaginea lui Sebastian nu există acea exaltare suferintă care este caracteristică lucrărilor scrise pe aceeași. subiect de către alți pictori cu acest subiect. Artistul îl face pe spectator să admire frumusețea corpului uman și să admire curajul și forța unui tânăr frumos. Aerul și lumina pătrund în peisajul calm pe care este înfățișat Sebastian. Clădiri majestuoase ale orașului se ridică în spatele lui, o coloană antică se află la picioarele lui.

Antonello da Messina este un maestru minunat de portrete, cele mai bune lucrări ale acestui gen sunt așa-numitele. „Autoportret” (c. 1473), „Condottiere”, „Portret de bărbat” (1470). Aceste lucrări se caracterizează prin reținere și generalizare, calități atât de apreciate de contemporanii artistului. Lucrarea portretistică a maestrului a anticipat opera lui Giovanni Bellini.

Un maestru major al Quattrocento venețian, Giovanni Bellini este considerat unul dintre fondatorii Înaltei Renașteri. Măreția tragică i-a marcat opera „Madona cu sfinți” (1476), „Plângerea lui Hristos” (1475). Madona sa misterioasă a lacului (c. 1500), inspirată dintr-un poem francez, atrage atenția.
despre epoca de aur „Pelerinajul sufletului”. Această imagine combina imagini frumoase ale antichității și visele unui paradis creștin.

Până acum, cercetătorii nu și-au dat seama pe deplin ce a vrut să spună artistul înfățișând oameni obișnuiți alături de Fecioară, apostoli și sfinți.

Bellini a pictat mai multe portrete minunate („Băiat”, „Portretul Dogului Leonardo Loredano”, etc.), care au început înflorirea portretului la Veneția. Abilitatea pictorului de a înfățișa natura, care este parte integrantă a tuturor lucrărilor sale (Sf. Francisc, anii 1470), a avut o mare influență asupra multor pictori peisagisti venețieni din generațiile următoare. Studenții lui Bellini au fost pictori atât de cunoscuți precum Giorgione și Titian.

Giorgione

Giorgione, nu numai un mare pictor, ci și un muzician și poet talentat, se remarcă în mod clar printre pictorii venețieni. Vasari a scris că „cântarea și cântatul lui la lăută erau venerate ca fiind divine”. Probabil, de aici muzicalitatea și poezia deosebită a picturilor lui Giorgione - în aceasta el nu are egal nu numai în italiană, ci și în arta mondială.

Se știu puține lucruri despre viața lui Giorgione. Numele său adevărat este Giorgio Barbarelli da Castelfranco. După cum scrie Vasari,
porecla Giorgione („Marele Giorgio”) artistul a primit „pentru măreția spiritului”.

Giorgione s-a născut în jurul anului 1478 la Castelfranco. În prima tinerețe a venit la Veneția, unde a intrat în atelierul lui Giovanni Bellini. De atunci, pictorul aproape că nu a mai părăsit Veneția, unde a murit în 1510 în timpul unei epidemii de ciumă.

Una dintre cele mai cunoscute picturi ale lui Giorgione este celebra „Judith”, păstrată în Schit. Legenda spune că frumoasa Judith a intrat în cortul conducătorului armatei inamice, Holofernes, și l-a sedus. Când Holofernes a adormit, fata l-a decapitat.

Artistul rus A. Benois a scris despre acest tablou misterios: „Un tablou ciudat, la fel de „ambiguu” și „insidios” ca picturile lui Leonardo. Este Judith? - Vreau să întreb despre această frumusețe tristă strictă cu chipul Venusului din Dresda, călcându-i atât de calm capul tăiat. Într-adevăr, această pânză conține un fel de contradicție și mister: nemiloasă Judith biblică apare în opera lui Giorgione în imaginea poetică a unei fete visătoare pe fundalul unei naturi calme și liniștite.

Și acesta nu este singurul mister din opera lui Giorgione.

Ce secret se ascunde în imaginea „Furtuna”, în care, sub un cer furtunos, printre copaci și fragmente de coloane străvechi, vedem o tânără așezată, hrănind un copil, și un tânăr mergând de la distanță? De asemenea, nu este clar ce a vrut să spună artistul când a înfățișat două femei goale în compania a doi muzicieni așezați la umbra unui copac pe pânza numită „Concert la țară”. În „Concertul la țară” – ultima sa lucrare – Giorgione nu a avut timp să termine peisajul din fundal, iar Titian a făcut-o pentru el. Deja într-o altă epocă, conceptul de compoziție a fost folosit de E. Manet în celebrul său „Mic dejun pe iarbă”.

Copacii, dealurile, distanțele strălucitoare din lucrările lui Giorgione nu sunt doar un fundal pe care sunt descrise figurile oamenilor. Peisajul este indisolubil legat de personaje cu ideea lucrărilor maestrului venețian. Așadar, în compoziția „Trei filozofi”, un bătrân în veșminte antice, un bărbat de vârstă mijlocie în turban oriental și un tânăr, întruchipând diferite etape ale cunoașterii naturii, reprezintă cu ea un singur tot: verdeața delicată. a unei văi de munte, o masă stâncoasă, un cer palid luminat de raze de soare blânde.

Aceeași idee despre armonia omului și a naturii a fost reflectată în una dintre capodoperele lui Giorgione - pânza „Venus adormită”. Nuditatea senzuală și în același timp castă a frumuseții adormite a devenit personificarea peisajului încântător și în același timp simplu italian, ale cărui tonuri de galben auriu se repetă în nuanțele calde ale corpului lui Venus. Mai târziu, motivul „Venusului adormit” a fost folosit de Tizian („Venus din Urbino”), apoi D. Velasquez („Venus în fața unei oglinzi”), F. Goya („Mach”) și E. Manet („ Olimpia").

Interesul profund al lui Giorgione pentru peisaj ca element independent de compoziție a pregătit apariția unui nou gen în pictura italiană - peisajul.

Lucrarea lui Giorgione a avut un impact semnificativ nu numai asupra Veneției, ci și asupra întregii picturi italiene. Remarcabilul artist a devenit unul dintre fondatorii artei Înaltei Renașteri. Mai târziu, principiile și ideile artei sale Giorgione s-au reflectat în lucrările unui student al lui Tițian.

Trăsături caracteristice în arta Renașterii

Perspectivă. Pentru a adăuga profunzime și spațiu tridimensional lucrării lor, artiștii Renașterii au împrumutat și au extins foarte mult conceptele de perspectivă liniară, linia orizontului și punctul de fuga.

§ Perspectivă liniară. A picta cu perspectivă liniară este ca și cum ai privi pe fereastră și a picta exact ceea ce vezi pe geamul ferestrei. Obiectele din imagine au început să aibă propriile dimensiuni, în funcție de distanță. Cele care erau mai departe de privitor au scăzut și invers.

§ Orizont. Aceasta este o linie la distanța la care obiectele se micșorează la un punct la fel de gros ca această linie.

§ Punct de disparitie. Acesta este punctul în care liniile paralele par să convergă departe în depărtare, adesea la linia orizontului. Acest efect poate fi observat dacă stai pe șinele de cale ferată și te uiți la șinele care merg la da. l.

Umbre și lumină. Artiștii s-au jucat cu interes în modul în care lumina cade asupra obiectelor și creează umbre. Umbrele și lumina ar putea fi folosite pentru a atrage atenția asupra unui anumit punct dintr-un tablou.

Emoții. Artiștii Renașterii și-au dorit ca privitorul, privind opera, să simtă ceva, să experimenteze o experiență emoțională. Era o formă de retorică vizuală în care spectatorul se simțea inspirat să devină mai bun la ceva.

Realism și naturalism. Pe lângă perspectivă, artiștii au căutat să facă obiectele, în special oamenii, să pară mai realiste. Au studiat anatomia umană, au măsurat proporțiile și au căutat forma umană ideală. Oamenii păreau reali și au arătat o emoție autentică, permițând privitorului să facă inferențe despre ceea ce gândeau și simțeau oamenii înfățișați.

Epoca „Renașterii” este împărțită în 4 etape:

Proto-Renaștere (a doua jumătate a secolului al XIII-lea - secolul al XIV-lea)

Renașterea timpurie (începutul secolului al XV-lea - sfârșitul secolului al XV-lea)

Înalta Renaștere (sfârșitul secolului al XV-lea - primii 20 de ani ai secolului al XVI-lea)

Renașterea târzie (mijlocul anilor 16 - 1590)

Proto-Renaștere

Proto-Renașterea este strâns legată de Evul Mediu, de fapt, a apărut în Evul Mediu târziu, cu tradiții bizantine, romanice și gotice, această perioadă a fost premergătoarea Renașterii. Este împărțit în două subperioade: înainte de moartea lui Giotto di Bondone și după (1337). Artist și arhitect italian, fondator al epocii Proto-Renașterii. Una dintre figurile cheie din istoria artei occidentale. După ce a depășit tradiția picturii icoanelor bizantine, a devenit adevăratul fondator al școlii italiene de pictură, a dezvoltat o abordare complet nouă a descrierii spațiului. Lucrările lui Giotto au fost inspirate de Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo. Figura centrală a picturii a fost Giotto. Artiștii Renașterii l-au considerat un reformator al picturii. Giotto a conturat calea pe care a mers dezvoltarea sa: umplerea formelor religioase cu conținut secular, o tranziție treptată de la imagini plane la imagini tridimensionale și în relief, o creștere a realismului, a introdus un volum plastic de figuri în pictură, a descris un interior în pictură. .

La sfârșitul secolului al XIII-lea, clădirea principală a templului, Catedrala Santa Maria del Fiore, a fost ridicată la Florența, autorul a fost Arnolfo di Cambio, apoi Giotto a continuat lucrarea.

Cele mai importante descoperiri, cei mai străluciți maeștri trăiesc și lucrează în prima perioadă. Al doilea segment este legat de epidemia de ciumă care a lovit Italia.

Arta proto-Renașterii s-a manifestat pentru prima dată în sculptură (Niccolò și Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). Pictura este reprezentată de două școli de artă: Florența și Siena.

Renașterea timpurie

Perioada așa-numitei „Renașteri timpurii” în Italia acoperă perioada cuprinsă între 1420 și 1500. În acești optzeci de ani, arta nu a renunțat încă complet la tradițiile trecutului recent (evul mediu), ci încearcă să amestece în ele elemente împrumutate din antichitatea clasică. Abia mai târziu, sub influența condițiilor din ce în ce mai schimbătoare de viață și de cultură, artiștii au abandonat complet fundațiile medievale și au folosit cu îndrăzneală exemple de artă antică, atât în ​​conceptul general al operelor lor, cât și în detaliile lor.

În timp ce arta în Italia urma deja cu hotărâre calea imitației antichității clasice, în alte țări s-a păstrat mult timp la tradițiile stilului gotic. La nord de Alpi, precum și în Spania, Renașterea nu vine decât la sfârșitul secolului al XV-lea, iar perioada sa timpurie durează până la jumătatea secolului următor.

Artiști ai Renașterii timpurii

Unul dintre primii și cei mai străluciți reprezentanți ai acestei perioade este considerat a fi Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), celebrul pictor italian, cel mai mare maestru al școlii florentine, reformatorul picturii din epoca Quattrocento.

Prin opera sa, a contribuit la trecerea de la gotic la o artă nouă, gloriind măreția omului și a lumii sale. Contribuția lui Masaccio la artă a fost reînnoită în 1988 când creația sa principală - Frescuri în Capela Brancacci din Santa Maria del Carmine, Florența- au fost restaurate la forma lor originală.

- Învierea fiului lui Teofil, Masaccio și Filippino Lippi

- Adorarea Magilor

- Miracol cu ​​stater

Alți reprezentanți importanți ai acestei perioade au fost Sandro Botticelli. mare pictor renascentist italian, reprezentant al școlii florentine de pictură.

- Nașterea lui Venus

- Venus și Marte

- Arc

- Adorarea Magilor

Înalta Renaștere

A treia perioadă a Renașterii - perioada celei mai magnifice dezvoltări a stilului său - este denumită în mod obișnuit „Înalta Renaștere”. Se extinde în Italia din aproximativ 1500 până în 1527. În acest moment, centrul de influență al artei italiene de la Florența s-a mutat la Roma, datorită urcării pe tronul papal a lui Iulius al II-lea - un om ambițios, curajos, întreprinzător, care a atras la curtea sa pe cei mai buni artiști ai Italiei, i-a ocupat. cu numeroase și importante lucrări și a dat altora un exemplu de dragoste pentru artă. . Sub acest Papă și sub urmașii săi imediati, Roma devine, parcă, noua Atena din vremea lui Pericle: în ea sunt construite multe clădiri monumentale, sunt create lucrări sculpturale magnifice, sunt pictate fresce și picturi, care sunt încă considerate perle de pictură; în același timp, toate cele trei ramuri ale artei merg armonios mână în mână, ajutându-se reciproc și acționând reciproc. Antichitatea este acum studiată mai amănunțit, reprodusă cu mai multă rigoare și consecvență; liniștea și demnitatea înlocuiesc frumusețea jucăușă care era aspirația perioadei precedente; reminiscențe ale medievalului dispar complet și o amprentă complet clasică cade asupra tuturor operelor de artă. Dar imitația anticilor nu le înăbușește independența în artiști și, cu mare inventivitate și vioiciune a imaginației, ei prelucrează și aplică liber în afaceri ceea ce consideră potrivit să împrumute pentru ei înșiși din arta antică greco-romană.

Opera a trei mari maeștri italieni marchează apogeul Renașterii, acesta este Leonardo da Vinci (1452-1519) Leonardo di Ser Piero da Vinci mare pictor renascentist italian, reprezentant al școlii florentine de pictură. Artist italian (pictor, sculptor, arhitect) și om de știință (anatomista, naturalist), inventator, scriitor, muzician, unul dintre cei mai mari reprezentanți ai artei Înaltei Renașteri, un exemplu viu al „omului universal”

Ultima cina

Mona Lisa,

-Omul Vitruvian ,

- Madonna Litta

- Madonna în stânci

-Madonă cu un fus

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni. Sculptor italian, pictor, arhitect [⇨], poet [⇨], gânditor [⇨]. . Unul dintre cei mai mari maeștri ai Renașterii [⇨] și ai barocului timpuriu. Lucrările sale au fost considerate cele mai înalte realizări ale artei renascentiste în timpul vieții maestrului însuși. Michelangelo a trăit aproape 89 de ani, o epocă întreagă, de la Înalta Renaștere până la originile Contrareformei. În această perioadă, au fost înlocuiți treisprezece papi - a executat ordine pentru nouă dintre ei.

Crearea lui Adam

Judecata de Apoi

și Raphael Santi (1483-1520). mare pictor, grafician și arhitect italian, reprezentant al școlii din Umbria.

- Școala din Atena

- Madonna Sixtina

- Transformare

- Minunat grădinar

Renașterea târzie

Renașterea târzie din Italia acoperă perioada cuprinsă între anii 1530 și 1590-1620. Contrareforma a triumfat în sudul Europei ( contrareforma(lat. Contrareformare; din contra- împotriva și reformatio- transformare, reformare) - o mișcare bisericească-politică catolică în Europa la mijlocul secolelor XVI-XVII, îndreptată împotriva Reformei și care urmărea restabilirea poziției și prestigiului Bisericii romano-catolice.), care privea cu prudență orice liber liber. gândire, inclusiv incantarea corpului uman și reînvierea idealurilor antichității ca pietre de temelie ale ideologiei renascentiste. Contradicțiile viziunii asupra lumii și un sentiment general de criză au dus la Florența în arta „nervoasă” a culorilor exagerate și a liniilor întrerupte - manierismul. În Parma, unde a lucrat Correggio, manierismul a ajuns abia după moartea artistului în 1534. Tradițiile artistice ale Veneției aveau propria lor logică de dezvoltare; până la sfârșitul anilor 1570, Palladio a lucrat acolo (nume real Andrea di Pietro). mare arhitect italian al Renașterii târzii și al manierismului. Manierism(din italiană maniera, manieră) - Stilul literar și artistic vest-european din secolul al XVI-lea - prima treime a secolului al XVII-lea. Se caracterizează prin pierderea armoniei renascentiste între trup și spiritual, natură și om.) Fondatorul palladianismului ( Paladianismul sau Arhitectura paladiană- o formă timpurie de clasicism, care a apărut din ideile arhitectului italian Andrea Palladio (1508-1580). Stilul se bazează pe aderarea strictă la simetrie, luând în considerare perspectivele și împrumutând principiile arhitecturii clasice a templului din Grecia Antică și Roma.) Și clasicism. Probabil cel mai influent arhitect din istorie.

Prima lucrare independentă a lui Andrea Palladio, ca designer talentat și arhitect talentat, este Bazilica din Vicenza, în care s-a manifestat talentul său original inimitabil.

Dintre casele de țară, cea mai remarcabilă creație a maestrului este Vila Rotunda. Andrea Palladio l-a construit în Vicenza pentru un oficial pensionar al Vaticanului. Se remarcă prin faptul că este prima clădire seculară a Renașterii, construită sub forma unui templu antic.

Un alt exemplu este Palazzo Chiericati, care este neobișnuit prin faptul că primul etaj al clădirii a fost aproape în întregime destinat utilizării publice, ceea ce era în concordanță cu cerințele autorităților orașului din acele vremuri.

Dintre celebrele construcții urbane ale lui Palladio, trebuie menționat cu siguranță Teatrul Olimpico, proiectat în stilul unui amfiteatru.

Tizian ( Titian Vecellio) Pictor italian, cel mai mare reprezentant al școlii venețiane a Înaltei și Târzii Renașteri. Numele lui Titian este la egalitate cu artiștii renascentist precum Michelangelo, Leonardo da Vinci și Rafael. Tițian a pictat tablouri pe subiecte biblice și mitologice, a devenit faimos ca portretist. A fost comandat de regi și papi, cardinali, duci și prinți. Titian nu avea nici treizeci de ani când a fost recunoscut drept cel mai bun pictor din Veneția.

De la locul său de naștere (Pieve di Cadore în provincia Belluno, Republica Veneția), el este uneori denumit da cadore; cunoscut și sub numele de Tițian cel Divin.

- Înălțarea Fecioarei Maria

- Bacchus și Ariadna

- Diana și Actaeon

- Venus Urbino

- Răpirea Europei

a cărei opera avea puţine în comun cu fenomenele de criză din arta Florenţei şi Romei.

În secolul XV. Renașterea italiană intră în perioada Quattrocento, când principiile de bază ale „noului stil” devin dominante. Renașterea timpurie se caracterizează prin apariția și ascensiunea diferitelor școli de artă teritoriale, interacțiunea și lupta lor activă. În cultura acelei perioade se formează cultul frumosului, în special frumusețea omului. Pictura devine principala formă de artă, iar artiștii se străduiesc să înfățișeze oameni frumoși și perfecți. Nivelul general ridicat al operelor de artă, abundența de talente și diversitatea indivizilor creativi sunt izbitoare.

Înflorirea extraordinară a artei Quattrocento a avut multe cauze. În primul rând, împrejurarea că păturile aristocratice ale societății italiene, inclusiv Papa, au apreciat arta foarte mult și au iubit frumosul. S-au provocat reciproc pentru oportunitatea de a invita cei mai buni artiști să lucreze pentru ei înșiși. Astfel, la Florența, în timpul domniei Medici, lupta pentru putere s-a potolit și s-a transformat într-o luptă pentru deținerea capodoperelor de artă, în rivalitate în lux. Dar aceasta a fost o cauză externă. Principalul lucru este că arta a jucat cel mai important rol în viața societății: a îndeplinit funcția de cunoaștere universală, înaintea științei și a filozofiei în acest sens. Noua atitudine a omului față de lume, dorința de a o stăpâni ca o adevărată arenă a acțiunilor sale au necesitat studiul ei. Primul pas în această cunoaștere a fost o viziune clară și sobră asupra lumii, înțelegând natura lucrurilor. Reprezentarea lumii așa cum o vedea o persoană a fost principiul inițial al artiștilor Renașterii - un principiu care a devenit o adevărată revoluție în cultură, exprimată într-o respingere completă a principiilor anterioare. Cunoașterea perspectivei, teoria proporțiilor, structura corpului uman și mecanismul mișcărilor sale, capacitatea de a transmite volumul pe un plan și în mișcările corpului de a exprima mișcările sufletului - toate acestea devin atât o condiție necesară pentru creativitate și o adevărată nevoie pentru artiștii înșiși. Cei mai mari maeștri ai culturii renascentiste timpurii sunt arhitectul Filippo Brunelleschi, sculptorul Donatode Nicolò di Betti Bardi, supranumit Donatello, artiștii Tomaso di Giovanni di Simone Cassai, supranumit Masaccio, și Alessandro Filipepi, supranumit Sandro Botticelli.

Masaccio

Masaccio a devenit fondatorul unei noi tendințe în pictura italiană din secolul al XV-lea; a reînviat tradițiile lui Giotto, renunțând la verbozitatea caracteristică picturii la sfârșitul secolului al XIV-lea - începutul secolului al XV-lea. Stilul artistic individual al lui Masaccio este cel mai pronunțat în fresca sa Trinity. Compoziția frescei include un arc de triumf cu o boltă adâncă. Îl înfățișează pe Dumnezeu Tatăl, pe Duhul Sfânt sub forma unui porumbel și pe Hristos răstignit. Lângă crucifix sunt Maria și Ioan, iar clienții îngenunchiați sunt așezați în fața arcului pe ambele părți. Dogma creștină a Sfintei Treimi a afirmat unitatea Tatălui, Fiului și Duhului Sfânt ca centru al lumii cerești. Masaccio interpretează aceste imagini ca fiind figuri istorice reale. Compoziția este construită pe baza principiului perspectivei liniare, care corelează și conectează figurile într-un singur întreg. Pe fresca lui Masaccio, toate figurile reprezentând pe Dumnezeu și pe om sunt combinate într-o imagine a lumii creată de mintea umană. Lucrarea principală a lui Masaccio au fost picturile murale ale Capelei Brancacci din Biserica Santa Maria del Carmine din Florența, înfățișând episoade din viața Sf. Petru și două povești biblice „Căderea” și „Alungarea din Paradis”. Pe fresca „Expulzarea din Paradis”, Adam și Eva sunt cuprinsi de o disperare fără speranță, resemnați față de soartă, sunt urmăriți de un înger zburător cu o sabie în mână. Această frescă a fost inovatoare în multe privințe: corpurile goale sunt reprezentate anatomic corect; volumul lor este modelat folosind clarobscurul; figurile sunt prezentate în mișcare naturală, liberă; ipostazele expresive, vii, gesturile și expresiile faciale dezvăluie starea de spirit a personajelor. Adam și Eva, în ciuda căderii și suferinței, nu provoacă un sentiment de condamnare în audiență.

Spiritul Renașterii timpurii s-a manifestat și printr-un interes pentru antichitate, pentru ideile și imaginile ei, pentru comploturile mitologiei păgâne, a cărei recurs era interzisă în Evul Mediu.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli a întruchipat imagini păgâne în opera sa. De obicei, acest favorit al domnitorului Florenței, Lorenzo Medici, este numit ultimul artist al culturii florentine din secolul al XV-lea. Caracteristica sa distinctivă este apelul la lumea interioară a personajelor, la dispozițiile și experiențele lor. Cele mai cunoscute sunt picturile sale „Primăvara” și „Nașterea lui Venus”. Până în prezent, intriga tabloului „Primăvara” rămâne un mister, unde diverse personaje mitologice sunt amplasate pe o peluză înflorită împrejmuită cu copaci cu fructe portocalii pe ramuri: Mercur, cele trei grații, Venus, peste care plutește Cupidon, zeița. a primăverii și a florilor Flora, o nimfă a pădurii și zeul vântului ușor Zefir. Personajele nu sunt interconectate prin desfășurarea acțiunii, sunt cufundate în sine, tăcute, chibzuite, singure în interior. Nici măcar nu se observă. Aceste imagini frumoase și rafinate dau naștere la tristețe visătoare, bucurie liniștită, melancolie vagă, vagă și speranță strălucitoare.

Pictura „Nașterea lui Venus” este aproape de dispoziție, unde o zeiță păgână goală a iubirii înoată încet până la țărm, stând într-o coajă condusă de un suflu ușor de bezele. Venus este întâmpinată de o nimfă, gata să o acopere cu un văl ușor. Chipul surprinzător de frumos al zeiței, plin de tristețe ascunsă. Potrivit istoricilor de artă, Nașterea lui Venus nu este o incantare păgână a frumuseții feminine. Are mai multă frumusețe spirituală, iar goliciunea ei înseamnă naturalețe și puritate.