Pictura Edelfelt, care a fost considerată pierdută, a fost găsită în Muzeul Rybinsk. Pictura contemporană în Finlanda Un istoric de artă finlandez a descoperit accidental o lucrare pierdută a lui Albert Edelfelt în colecțiile unui muzeu regional rus. cercetat

Expoziție permanentă a Muzeului Ateneum ocupă etajul trei al clădirii (acolo sunt amenajate și mici expoziții tematice), iar la etajul al doilea (planul sălilor) au loc expoziții temporare. În această notă, vom vorbi despre unele dintre cele mai interesante și celebre picturi și sculpturi din colecția Ateneum, precum și despre autorii acestora: celebrii Pictori și sculptori finlandezi. Mai multe despre istoria muzeului Ateneum și arhitectura clădirii muzeului poate fi citit. De asemenea, oferă informații utile despre prețul biletelor, programul de lucru si procedura de vizitare a Muzeului Ateneum. Atenție: nu întotdeauna în muzeu puteți vedea toate lucrările celebre în același timp.

Lucrări ale sculptorilor finlandezi

Să începem plimbarea prin muzeul Ateneum chiar de la intrare.

În hol suntem întâmpinați de un grup de marmură " Apollo și Marsyas» (1874) de celebrul sculptor finlandez Walter Runeberg (Walter Magnus Runeberg) (1838-1920), autor al monumentelor lui Johan Runeberg și împăratului Alexandru al II-lea la Helsinki. Tatăl sculptorului, poetul Johan Runeberg, un reprezentant al tendinței romantice naționale în literatură, a introdus în cultura finlandeză idealurile civilizației grecești și romane, inclusiv valoarea curajului și a devotamentului. Fiul său a continuat să exprime aceste idealuri, dar prin intermediul sculpturii. În 1858-62. Walter Runeberg a studiat la Academia de Arte Frumoase din Copenhaga sub îndrumarea sculptorului danez Hermann Wilhelm Bissen, elev al faimosului Thorvaldsen, un maestru recunoscut la nivel internațional al sculpturii neoclasice. În 1862-1876. Runeberg a lucrat la Roma, continuând să studieze moștenirea clasică.

În acest grup sculptural, Runeberg l-a înfățișat pe zeul luminii, Apollo, învingându-l pe satirul Marsyas cu arta sa, personificând întunericul și pământenismul. Figura lui Apollo este realizată în spiritul idealurilor antice, în timp ce această imagine este în mod clar opusă păstorului sălbatic-baroc Marsyas. Compoziția a fost inițial destinată să decoreze noua Casă a Studenților din Helsinki și a fost comandată de către soră, dar apoi doamnele au decis că a fost prea multă nuditate în sculptura lui Runeberg. Într-un fel sau altul, până la urmă, lucrarea a fost prezentată ca un cadou Societății de Artă din Finlanda – și astfel a ajuns în colecția Muzeului Ateneum.

La intrarea în sălile principale de expoziție ale Ateneului de la etajul al treilea, puteți vedea câteva lucrări mai interesante sculptori finlandezi. Deosebit de atractive sunt sculpturile din marmură și bronz, figurinele elegante și vazele realizate de Ville Wallgren (Ville Wallgren) (1855–1940).Ville Wallgren a fost unul dintre primii sculptori finlandezi care, după ce a primit o educație de bază în Finlanda, a decis să-și continue studiile nu la Copenhaga, ci la Paris. Alegerea sa a fost influențată de cunoscutul artist Albert Edelfelt, originar și el din Porvoo. Edelfelt l-a ajutat pe compatriotul impulsiv în alte probleme de viață și profesionale: de exemplu, cu ajutorul lui Wallgren a primit ordin de finalizare a celebrei fântâni Havis Amanda (1908) de pe bulevardul Esplanade în.

Ville Wallgren, care a locuit în Franța de aproape 40 de ani, este cel mai bine cunoscut pentru figurile sale feminine senzuale în stilul Art Nouveau. Cu toate acestea, într-un stadiu incipient al lucrării sale, el a portretizat adesea bărbați tineri și a aderat la un stil mai clasic (exemplele sunt sculpturile poetice din marmură " Ecou" (1887) și " băiat care se joacă cu crabul(1884), în care Wallgren leagă personajele umane și lumea naturală).

La sfârșitul secolului al XIX-lea, Ville Wallgren a câștigat faima mondială ca maestru remarcabil al figurinelor decorative, precum și al vazelor, urnelor funerare și lacrimilor, decorate cu figuri de fete în doliu. Dar cu nu mai puțin persuasiv, bon vivant Wallgren a portretizat bucuriile vieții, inclusiv femei cochete și seducătoare, precum aceeași Havis Amanda. Pe lângă sculptura menționată mai sus „Băiat care se joacă cu un crab” (1884), la etajul trei al muzeului Ateneum puteți vedea lucrări de bronz de Wille Wallgren: „Lacrimă” (1894), „Primăvara (Renașterea)” (1895), „Doi tineri” (1893) și o vază (c. 1894). Aceste lucrări rafinate, cu detalii perfect lucrate, au dimensiuni mici, dar fac o impresie emoțională puternică și sunt amintite pentru frumusețea lor.

Ville Wallgren a parcurs un drum lung către o carieră ca sculptor, dar odată ce și-a găsit direcția și a obținut sprijinul profesioniștilor, a devenit unul dintre cei mai respectați și recunoscuți artiști din istorie. arta finlandeza. De exemplu, el a fost singurul finlandez care a primit medalia Grand Prix pentru munca sa la Expoziția Mondială de la Paris (asta s-a întâmplat în 1900). Wallgren a atras pentru prima dată atenția colegilor și a criticilor în timpul Expoziției Mondiale din 1889, unde a fost prezentat relieful său „Hristos”. Încă o dată, sculptorul finlandez s-a făcut cunoscut în timpul saloanelor simboliste pariziene Trandafir + Croixîn 1892 și 1893. Soția lui Wallgren a fost artistul și sculptorul suedez Antoinette Rostrem ( Antoinette Råström) (1858-1911).

Epoca de aur a artei finlandeze: Albert Edelfelt, Akseli Gallen-Kallela, Eero Järnefelt, Pekka Halonen

Într-una dintre cele mai mari săli de la etajul trei Muzeul Ateneum sunt prezentate picturi clasice, inclusiv lucrarea prietenului Ville Wallgren - Albert Edelfelt (Albert Edelfelt) (1854-1905), cel mai cunoscut în lume artist finlandez.

Atenția publicului este neapărat atrasă de imaginea fabuloasă " Regina Blanca„(1877) – unul dintre cele mai populare și îndrăgite tablouri din Finlanda, un adevărat imn la maternitate. Reproduceri tipărite ale acestui tablou și broderii care o reprezintă pot fi găsite în mii de case din întreaga țară. Edelfelt a fost inspirat din nuvela „Cei nouă argintari” de Zacharias Topelius ( De nio silverpenningarna), în care regina medievală a Suediei și Norvegiei, Blanca de Namur, îl distrează cu cântece pe fiul ei, prințul Hakon Magnusson, viitorul soț al Margaretei I a Danemarcei. Rezultatul acestei căsătorii, organizat drept Regina Blanca, a devenit uniunea Suediei, Norvegiei și Danemarcei - Uniunea Kalmar (1397-1453). Pretty Blanca îi cântă fiului ei mic despre toate aceste evenimente viitoare.

În epoca creării acestei pânze, pictura istorică era considerată cea mai nobilă formă de artă și era solicitată de secțiunile educate ale societății finlandeze, deoarece identitatea națională la acea vreme abia începea să prindă contur. Albert Edelfelt avea doar 22 de ani când a decis să creeze un tablou pe tema istoriei medievale scandinave, iar Regina Blanca a devenit prima sa lucrare serioasă. Artistul a căutat să răspundă așteptărilor poporului său și să întruchipeze scena istorică cât mai viu și autentic posibil (la vremea picturii, Edelfelt locuia într-o mansardă înghesuită din Paris și, la insistențele profesorului său Jean-Leon Gerome, a studiat costumele acelei perioade, au citit cărți despre arhitectura și mobilierul medieval, au vizitat Muzeul medieval Cluny). Privește priceperea cu care sunt scrise mătasea strălucitoare a rochiei reginei, pielea de urs de pe jos și multe alte detalii (artista a închiriat special pielea de urs în magazinul universal). Dar principalul lucru din imagine, cel puțin pentru privitorul modern (și pentru însuși Edelfelt, care și-a iubit mama mai mult decât oricine pe lume), este conținutul ei emoțional cald: chipul mamei și gesturile copilului, care exprimă dragoste, bucurie și intimitate.

O frumoasă parizienă de 18 ani a servit drept model pentru Regina Blanca, iar un băiat italian drăguț a pozat pentru Prinț. Pictura „Regina Blanca” a fost prezentat pentru prima dată publicului în 1877 la Salonul de la Paris, a avut un mare succes și a fost reprodus în publicațiile de artă franceze. Apoi a fost prezentată în Finlanda, după care pânza a fost vândută Aurorei Karamzina. Ulterior, tabloul a ajuns în colecția magnatului Hjalmar Linder, care a donat-o. Muzeul Ateneumîn 1920.

Un alt exemplu de creativitate timpurie Albert Edelfelt tabloul jalnic" Înmormântarea unui copil„(„Transportul sicriului”) (1879). Am spus deja că în tinerețe Edelfelt avea să devină pictor de istorie; s-a pregătit pentru asta în timp ce studia la Anvers, apoi la Paris. Dar până la sfârșitul anilor 1870, idealurile lui s-au schimbat, s-a împrietenit cu artistul francez Bastien-Lepage și a devenit un predicator al picturii în aer liber. Următoarele lucrări Edelfelt sunt deja o reflectare realistă a vieții țărănești și a vieții vie a pământului lor natal. Dar tabloul „Înmormântarea unui copil” nu reflectă doar scena vieții de zi cu zi: transmite una dintre emoțiile fundamentale ale omului - durerea.

În acel an, Edelfelt a vizitat pentru prima dată dacha închiriată de mama sa pe moșia Haikko de lângă Porvoo (mai târziu artistul a venit în aceste locuri frumoase în fiecare vară). Tabloul a fost pictat în întregime în aer liber, pentru care o pânză mare a trebuit să fie atașată de bolovani de coastă pentru a nu flutura în vânt. „Nu credeam că este atât de dificil să pictezi în aer liber”, i-a spus Edelfelt unuia dintre prietenii săi. Edelfelt a schițat chipurile de intemperii ale locuitorilor arhipelagului Porvoo, a ieșit în larg cu pescarii de mai multe ori și chiar a plasat special o barcă de pescuit tăiată în atelierul său pentru a reproduce cu exactitate detaliile. Pictură Edelfelt « Înmormântarea unui copil" a fost expusă la Salonul de la Paris din 1880 și a primit o medalie de gradul III (pentru prima dată artist finlandez a primit o asemenea onoare). Criticii francezi au remarcat diversele merite ale tabloului, inclusiv faptul că este lipsită de sentimentalism excesiv, dar reflectă demnitatea cu care personajele acceptă inevitabilul.

Imaginea este impregnată de o dispoziție complet diferită, însorită și lipsită de griji. Albert Edelfelt « grădină luxemburgheză» (1887). Când Edelfelt a pictat această pânză, era deja o figură foarte faimoasă în lumea artei pariziene. Fascinat de parcurile pariziene cu numeroși copii și bone care se bucură de vremea bună, a decis să surprindă această frumusețe. Până atunci, pictorul locuia deja la Paris de mai bine de zece ani și este chiar ciudat că acest tablou este singura sa lucrare majoră care descrie viața pariziană. Acest lucru se datorează probabil concurenței acerbe dintre artiști: era mai ușor să ieși în evidență în acest mediu, lucrând la subiecte mai „exotice” finlandeze. Pictura „Grădinile Luxemburgului” este, de asemenea, neobișnuită, deoarece Edelfelt a folosit multe tehnici de impresionism în ea. În același timp, spre deosebire de impresioniști, a lucrat la această pânză mai bine de un an, atât în ​​aer liber, cât și în studio. Lucrările erau adesea încetinite din motive banale: din cauza vremii nefavorabile sau a modelelor târzii. Autocritica Edelfelt a repetat repetat pânza, făcând modificări până în ultimul moment, când a venit timpul să ducă lucrarea la expoziție.

Tabloul a fost expus pentru prima dată la o expoziție în Galerie Petitîn mai 1887. Edelfelt însuși nu a fost foarte mulțumit de rezultat: pe fondul exploziilor de culoare din picturile impresioniștilor francezi, pânza lui părea, așa cum i se părea, anemic, „lichid”. Cu toate acestea, lucrarea a fost bine primită de critici și de public. Ulterior, acest tablou a devenit un fel de simbol al legăturilor strânse ale artei finlandeze - și Edelfelt în special - cu Parisul, care era la acea vreme epicentrul universului artistic.

Poza " Femei la biserica din Ruokolahti» (1887) Albert Edelfelt a scris în atelierul său de vară din Haikko - acolo și-a creat aproape toate lucrările pe tema vieții populare. Deși pictura reflectă impresiile unei călătorii în Finlanda de Est, se știe că femeile din Haikko au fost modelele picturii (au fost păstrate fotografii cu ele pozând pentru Edelfelt în atelierul său). Ca și alte compoziții mari, aceasta nu a fost creată peste noapte, s-au făcut întotdeauna schițe preliminare atente. Totuși, obiectivul principal al artistului a fost întotdeauna obținerea unui efect spontan, viu al „instantaneului”.

Alături de lucrările lui Albert Edelfelt din Muzeul Ateneum, puteți vedea picturi ale unui alt reprezentant al epocii de aur a artei finlandeze, Eero Jarnefelta (Eero Järnefelt) (1863-1937). După ce și-a terminat studiile în Finlanda, Järnefelt a plecat la Saint Petersburg unde a studiat Academia de Arteîmpreună cu unchiul său Mihail Klodt, a devenit apropiat de Repin și Korovin, apoi a plecat să-și continue educația la Paris. În ciuda influențelor străine, opera lui Järnefelt reflectă căutarea identității naționale, dorința de a sublinia natura particulară a culturii sale natale ( mai multe despre creativitate Eero Jarnefelta citit ).

Jarnefelt este cel mai cunoscut ca portretist și autor al peisajelor maiestuoase din zona Koli și din împrejurimile lacului Tuusulanjärvi, unde se afla vila-studioul său Suviranta (alături era casa Ainola, unde a locuit compozitorul Sibelius cu soția sa, sora lui Jarnefelt).

Dar cea mai importantă și faimoasă operă a lui Eero Järnefelt este, desigur, pictura „Sub jug” („Arderea pădurii”)(1893) (alte variante ale numelui - " Spatele aplecat pentru bani», « muncă forțată"). Parcela pânzei este legată de metoda străveche de agricultură, care constă în arderea pădurii pentru a obține teren arabil (așa-numita agricultură de tăiere și ardere). Pictura a fost realizată în vara anului 1893 la o fermă Rannan Puurulaîn Lapinlahti, în regiunea Savo de Nord. În acel an, gerul a stricat recolta pentru a doua oară. Järnefelt a lucrat la ferma unei familii bogate și a observat condițiile dure de viață și de muncă ale muncitorilor fără pământ, care erau plătiți pentru munca lor doar dacă recolta era bună. În paralel, Järnefelt a realizat schițe ale unui peisaj de pădure în flăcări, a studiat comportamentul focului și al fumului și a filmat și sătenii, care în cele din urmă au devenit personajele principale ale imaginii sale.

Un singur personaj din imagine se uită direct la privitor: aceasta este o fată care a întrerupt munca pentru o vreme și ne privește cu o expresie de reproș. Stomacul îi era umflat de foame, fața și hainele erau înnegrite de funingine, iar în jurul capului Jarnefelt înfățișa un fum asemănător cu un halou. Artistul a pictat această imagine de la o tânără de 14 ani pe nume Johanna Kokkonen ( Johanna Kokkonen), servitori la fermă. Persoana din prim plan este Heikki Puurunen ( Heikki Puurunen), fratele fermierului și proprietarul fermei sunt înfățișați pe fundal.

Privind imaginea, poți simți literalmente căldura focului, auzi zgomotul înăbușit al flăcării și scrâșnitul ramurilor. Imaginea are mai multe interpretări, dar sensul său principal este văzut ca o critică dură la adresa poporului oprimat. Fata din imagine a devenit o imagine generalizată a tuturor copiilor săraci și înfometați, a tuturor oamenilor defavorizați din Finlanda. Pânza a fost prezentată pentru prima dată publicului în 1897.

O sală mare întreagă Muzeul Ateneului dedicat operei unui alt reprezentant faimos al epocii de aur a artelor plastice finlandeze - Akseli Gallena-Kallela (Akseli Gallen-Kallela) (1865-1931). Ca și alți artiști mari finlandezi din acea perioadă, a studiat la. Gallen-Kallela a primit o atenție deosebită a publicului parizian în timpul Expoziției Mondiale din 1900, când a executat o serie de fresce pentru pavilionul finlandez bazat pe epicul finlandez Kalevala.

Pe parcursul studiază la Paris Gallen-Kallela a schițat adesea scene pe care le-a observat pe străzi și în cafenele. Un exemplu al creativității acestei perioade este pictura „Nud” („Fără mască”) (Demasquee ) (1888) - aproape singura pânză erotică din opera lui Gallen-Kallela. Se știe că a fost creat de un artist în vârstă de 23 de ani, comandat de colecționarul și filantropul finlandez Fridtjof Antell, care dorea să-și completeze colecția de picturi sexual explicite. Cu toate acestea, când Antell a văzut tabloul, a refuzat să o ia, aparent considerând tabloul prea obscen chiar și pentru gustul său.

Tabloul înfățișează o parizienă goală (aparent o prostituată) stând în atelierul artistului pe o canapea acoperită cu un covor tradițional finlandez. Imaginea oferă o idee despre stilul de viață boem, dar în același timp sugerează că bucuriile lui sunt pline de moarte, o cădere. Artistul înfățișează un crin care simbolizează inocența, care este pus în contrast cu un model senzual și cu o chitară, a cărei formă sporește și mai mult sentimentul erotic. Femeia arată atât seducătoare, cât și intimidantă. Crucifix, statuie lui Buddha și covor finlandez antic ruyu, înfățișat alături de carnea feminină mulțumită de sine, fac aluzie la profanarea sfântului. Un craniu rânji pe masa din fundal - un element frecvent în picturile genului Vanitas, amintind privitorului de fragilitatea plăcerilor pământești și de inevitabilitatea morții. pânză Demasquee a fost expus pentru prima dată în Muzeul Ateneuluiîn 1893.

Multe lucrări ulterioare Gallena-Kallela dedicat "Kalevale". Când înfățișează astfel de eroi ai epopeei finlandeze precum Väinämöinen și Lemminkäinen, artistul folosește un stil aparte, dur și expresiv, plin de culori inimitabil de strălucitoare și ornamente stilizate. Din acest ciclu, merită remarcată imaginea uimitoare „ mama lui Lemminkäinen» (1897). Deși pictura este o ilustrare a epicului, are un sunet mai global, universal și poate fi considerată un fel de Pietă de Nord. Acest cântec pătrunzător al iubirii materne este una dintre cele mai uimitoare lucrări ale lui Gallen-Kallela pe tema " Kalevala».

mama lui Lemminkäinen- un tip vesel, un vânător inteligent și seducător de femei - își găsește fiul la râul negru al Morții (Râul Tuonela), unde a încercat să împuște lebada sacră. Lebada este înfățișată în apa întunecată din fundal, iar cranii și oase sunt împrăștiate pe malul stâncos și florile morții răsar. Kalevala povestește cum o mamă pieptănă apa cu o greblă lungă, greblează toate bucățile și își pliază fiul din ele. Cu ajutorul vrăjilor și alifiilor, ea reînvie Lemminkäinen. Imaginea înfățișează momentul care precede învierea. Se pare că totul a dispărut, dar razele soarelui pătrund în tărâmul morților, dând speranță, iar albina poartă un balsam divin dătător de viață pentru învierea eroului. Culorile întunecate și întunecate sporesc liniștea acestei lumi interlope, în timp ce mușchiul intens roșu-sânge de pe stânci, albul de moarte a plantelor și a pielii lui Lemminkäinen, contrastează cu culoarea aurie divină a albinei și cu grinzile care coboară din cer.

Pentru acest tablou, artistul a fost pozat de propria sa mamă. A reușit să creeze o imagine foarte realistă, cu o privire vie, intensă (aceasta este o emoție autentică: Gallen-Kallela a vorbit în mod deliberat mamei sale despre ceva trist, făcând-o să plângă). În același timp, tabloul este stilizat, ceea ce permite crearea unei atmosfere mitice deosebite, senzația că evenimentele au loc „de cealaltă parte” a realității. Pentru a spori impactul emoțional, Gallen-Kallela a folosit tempera în loc de vopsele în ulei. Formele simplificate, contururile clare ale figurilor și planurile mari de culoare ajută la crearea unei compoziții puternice. Pentru a transmite mai bine starea de spirit sumbră a tabloului, artistul a amenajat o cameră complet neagră în garsoniera sa din Ruovesi, singura sursă de iluminare în care era un luminator. În plus, s-a fotografiat întins gol pe podea și a folosit aceste imagini când a pictat figura lui Lemminkäinen.

Într-un stil complet diferit, idilic și aproape frivol, tripticul lui Gallen-Kallela " Legenda lui Aino» (1891). Compoziția este dedicată intrigii din Kalevala despre tânăra Aino și bătrânul înțelept Väinämöinen. Aino, prin decizia părinților ei, urma să fie dată în căsătorie cu Väinämöinen, dar ea fuge de el, preferând să se înece. În partea stângă a tripticului este prezentată prima întâlnire a unui bătrân și a unei fete îmbrăcate într-o ținută tradițională kareliană în pădure, iar în partea dreaptă îl vedem pe tristul Aino. Pregătindu-se să se arunce în apă, plânge pe mal, ascultând chemările fecioarelor mării care se joacă în apă. În cele din urmă, panoul central înfățișează sfârșitul poveștii: Väinämöinen ia o barcă pe mare și pleacă la pescuit. După ce a prins un pește mic, nu recunoaște în el pe fata care s-a înecat din vina lui și aruncă peștele înapoi în apă. Dar în acel moment, peștele se transformă în Aino – o sirenă care râde de bătrânul căruia i-a fost dor de ea și apoi dispare în valuri pentru totdeauna.

La începutul anilor 1890 Gallen-Kallela a fost un susținător al naturalismului și cu siguranță avea nevoie de modele autentice pentru toate figurile și obiectele din imagine. Așadar, pentru imaginea lui Väinämöinen cu barba sa lungă și frumoasă, un locuitor al unuia dintre satele din Karelia a pozat pentru artist. În plus, artistul a uscat bibani pentru a obține cea mai fidelă imagine a unui pește speriat de un bătrân. Până și brățara de argint care sclipește pe mâna lui Aino a existat în realitate: Gallen-Kallela i-a prezentat această bijuterie tinerei sale soții Mary. Se pare că a servit ca model pentru Aino. Peisajele pentru triptic au fost schițate de artist în timpul lunii de miere din Karelia.

Compoziția este încadrată de un cadru de lemn cu ornamente și citate din Kalevala scrise de mâna lui Gallen-Kallela însuși. Acest triptic a devenit punctul de plecare al mișcării romantismul național în Finlanda- Versiunea finlandeză a Art Nouveau. Artistul a realizat prima versiune a acestui tablou la Paris în 1888-89. (acum deținut de Banca Finlandei). Când pictura a fost prezentată pentru prima dată la Helsinki, a fost întâmpinată cu mare entuziasm, iar Senatul a decis să comande o nouă versiune pe cheltuială publică. O astfel de idee pare destul de naturală în urma mișcării Fennomani, care a idealizat și romantizat națiunea finlandeză. În plus, arta a fost percepută ca un mijloc puternic de exprimare a idealurilor naționale finlandeze. În același timp, expedițiile artiștilor în Karelia au început în căutarea unui „stil finlandez adevărat”. Karelia a fost văzută ca singurul pământ neatins unde s-au păstrat urmele Kalevala, iar Gallen-Kallela însuși a perceput această epopee ca o poveste despre vremuri trecute de măreție națională, ca o imagine a unui paradis pierdut.

Pictură de Gallen-Kallela " Blestemul lui Kullervo„(1899) vorbește despre un alt erou al Kalevala. Kullervo a fost un tânăr de o forță extraordinară, un orfan care a fost dat în sclavie și trimis în pustie să păzească vaci. Stăpâna rea, soția fierarului Ilmarinen, i-a dat pâine pentru călătorie, în care era ascunsă o piatră. Încercând să taie pâinea, Kullervo a spart cuțitul, singura amintire a tatălui său. Înfuriat, adună o nouă turmă de lupi, urși și râși, care o sfâșie pe stăpână. Kullervo scapă din sclavie și se întoarce acasă după ce află că familia lui este în viață. Cu toate acestea, nenorocirile lui Kullervo nu se termină aici. O spirală nesfârșită de răzbunare îi distruge nu numai noua familie, ci și pe sine. Mai întâi întâlnește și seduce o fată care se dovedește a fi sora lui, iar din cauza acestei relații păcătoase, sora se sinucide. În curând, toate rudele lui mor. Apoi Kullervo se sinucide aruncându-se pe sabie.

Tabloul lui Gallen-Kallela prezintă un episod în care Kullervo încă slujește ca cioban (turma lui este vizibilă în fundal, iar în față este înfățișată pâinea cu piatră coaptă). Tânărul își scutură pumnul și jură că se va răzbuna pe dușmanii săi. Artistul l-a înfățișat pe eroul înfuriat pe fundalul unui peisaj însorit de început de toamnă, dar norii se adună deja în fundal, iar rowanul turnat în roșu servește drept avertisment, o profeție a viitoarei vărsări de sânge. În această imagine, tragedia este combinată cu frumusețea naturii Kareliane, iar eroul răzbunător poate fi văzut, într-un fel, ca un simbol al spiritului de luptă finlandez și al conștiinței naționale în creștere. Pe de altă parte, avem în fața noastră un portret al furiei și al dezamăgirii, al neputinței unui bărbat care a fost crescut de străini care i-au exterminat familia, într-o atmosferă de violență și răzbunare, iar asta i-a lăsat o amprentă tragică asupra destinului său.

Mai multe despre creativitate Gallena-Kallela citit .

Încheiem această secțiune cu o poveste despre opera unui alt reprezentant marcant al romantismului național finlandez în pictură, celebrul artist al Epocii de Aur finlandeze - Pekka Halonen. Pekka Halonen (Pekka Halonen) (1865-1933) a devenit proeminentă în anii 1890, dovedindu-se un maestru desăvârșit al peisaj de iarnă. Una dintre capodoperele acestui gen este pictura " Pini tineri sub zăpadă„(1899), considerat un exemplu Japonismul finlandezși Art Nouveau în pictură. Zăpada moale pufoasă care acoperă răsadurile, jucându-se cu diferite nuanțe de alb, creează o atmosferă pașnică a unui basm de pădure. Aerul cețos este saturat cu ceață rece de iarnă, iar straturile luxuriante de zăpadă subliniază frumusețea fragilă a pinilor tineri. Copacii în general au fost unul dintre motivele preferate în creativitate. Pekki Halonena. De-a lungul vieții, a înfățișat cu entuziasm copacii în diferite perioade ale anului și a iubit în special primăvara, dar cu toate acestea a devenit cel mai faimos tocmai ca maestru. peisaj de iarnă- puțini pictori au îndrăznit să creeze în frig. Pekka Halonen nu i-a fost frică de iarnă și a lucrat în aer liber pe orice vreme de-a lungul vieții. Un susținător al lucrărilor în aer liber, era disprețuitor de artiștii care „privesc lumea printr-o fereastră”. În picturile lui Halonen, ramurile crăpă de îngheț, copacii se lasă sub greutatea capacelor de zăpadă, soarele aruncă umbre albăstrui pe pământ, iar locuitorii pădurii lasă urme pe un covor alb moale.

Peisajele de iarnă au devenit un fel de simbol național al Finlandei, iar Pekka Halonen a realizat o duzină de pânze pe tema naturii finlandeze și a vieții populare pentru pavilionul finlandez la Expoziția Mondială de la Paris din 1900. Acest ciclu include, de exemplu, pictura „ La gaura„(Spălarea pe gheață”) (1900). Interesul lui Halonen pentru a descrie „exotismul nordic” a apărut în timp ce studia cu Paul Gauguin la Paris, în 1894.

De obicei, artiști epoca de aur a picturii finlandeze proveneau din clasa de mijloc urbană. Un alt lucru este Pekka Halonen, care provenea dintr-o familie de țărani și artizani luminați. S-a născut în Lapinlahti (Estul Finlandei) și a devenit destul de devreme interesat de artă - nu numai pictură, ci și muzică (mama artistului era o interpretă talentată de kantele; ea i-a insuflat și fiului ei o atitudine grijulie și dragoste pentru natură, iar mai târziu această iubire s-a transformat aproape într-o religie). Tânărul a început să studieze pictura puțin mai târziu decât colegii săi, dar după patru ani de studiu la școala de desen a Societății de Artă din Finlanda și o absolvire excelentă a acesteia, Halonen a reușit să primească o bursă care i-a permis să meargă la studiază în Mecca artistică din acea vreme. A studiat mai întâi la Académie Julian, apoi, în 1894, a început să ia lecții private de la Paul Gauguinîmpreună cu prietenul său Vyaino Bloomstead. În această perioadă, Halonen a făcut cunoștință cu simbolismul, sintetismul și chiar teosofia. Cunoașterea ultimelor tendințe artistice, totuși, nu l-a determinat să abandoneze maniera realistă și nu a împrumutat paleta strălucitoare a lui Gauguin, cu toate acestea, sub influența lui Gauguin, Halonen a devenit un profund cunoscător al artei japoneze și a început să colecteze copii ale gravurilor japoneze.

De exemplu, opera sa prezintă adesea un pin curbat, un motiv popular în arta japoneză. În plus, în multe tablouri, Halonen acordă o atenție deosebită detaliilor, modelelor decorative de ramuri sau unui model special de zăpadă, iar tema peisajelor de iarnă în sine nu este neobișnuită în arta japoneză. De asemenea, Halonen se caracterizează printr-o preferință pentru pânze verticale înguste, cum ar fi „kakemono”, compoziții asimetrice, prim-planuri și unghiuri neobișnuite. Spre deosebire de mulți alți pictori de peisaj, el nu a pictat vederi panoramice tipice de sus; peisajele lui sunt pictate adânc în pădure, aproape de natură, unde copacii înconjoară literalmente privitorul, invitându-l în lumea lui tăcută. Gauguin a fost cel care l-a inspirat pe Halonen să-și descopere propriul stil în a descrie natura și l-a încurajat să-și caute temele în rădăcini naționale. La fel ca Gauguin, Halonen a căutat să găsească ceva primar, primordial, cu ajutorul artei sale, dar numai dacă francezul își căuta idealul în insulele Pacificului, atunci artistul finlandez a căutat să reînvie „paradisul pierdut” al poporului finlandez. în pădurile virgine, sălbăticiile sacre descrise în Kalevala.

Lucrarea lui Pekka Halonen s-a remarcat întotdeauna prin căutarea păcii și armoniei. Artistul credea că „arta nu ar trebui să irită nervii ca șmirghel – ar trebui să creeze un sentiment de pace”. Chiar și înfățișând munca țărănească, Halonen a realizat compoziții calme și echilibrate. Deci, la muncă Pionierii în Karelia» (« Construcție de drumuri în Karelia”) (1900) i-a prezentat pe țăranii finlandezi ca pe muncitori independenți, inteligenți, care nu trebuiau să depună eforturi excesive pentru a-și îndeplini treaba. În plus, artistul a subliniat că se străduiește să creeze o impresie decorativă generală. Acesta a fost răspunsul său față de contemporanii care au criticat „starea senină de duminică” nerealistă a imaginii și au fost surprinși de hainele prea curate ale muncitorilor, cantitatea mică de așchii de pe pământ și aspectul ciudat al bărcii în mijlocul pădure. Dar artistul a avut o idee complet diferită. Pekka Halonen nu a vrut să creeze o imagine a muncii grele și obositoare, ci să transmită ritmul calm și măsurat al muncii țărănești.

Halonen a fost, de asemenea, foarte influențat de călătoriile sale în Italia (1896-97 și 1904), inclusiv de capodoperele renascentiste timpurii pe care le-a văzut la Florența. Ulterior, Pekka Halonen împreună cu soția și copiii săi (cuplul avea opt copii în total) s-a mutat în Lacul Tuusula, ale cărui împrejurimi pitorești liniștite au servit drept sursă inepuizabilă de inspirație și muncă fructuoasă departe de Helsinki, „sursa a tot ceea ce este prozaic și urât. " Aici, schiând pe lac, artistul și-a căutat un loc pentru viitoarea sa casă, iar în 1899 cuplul a cumpărat un teren pe mal, unde câțiva ani mai târziu a crescut casa de garsonieră a lui Pekka Halonen - o vilă numită de el. Haloseniemi (Halosenniemi) (1902). Această locuință confortabilă din lemn în spiritul romantic național a fost proiectată de artistul însuși. Astăzi, casa găzduiește Muzeul Pekka Halonen.

Simbolisti finlandezi

Una dintre cele mai interesante secțiuni din colecția Muzeului Ateneum este opera unică a lui Hugo Simberg și a altor simboliști finlandezi.

Într-o cameră separată a muzeului Ateneum, faimoasa pictură „ Înger rănit» (1903) artist finlandez Hugo Simberg. Această pânză melancolică înfățișează o procesiune ciudată: doi băieți îmbufnați poartă pe targă o fată îmbrăcată în alb, un înger, legat la ochi și cu aripa rănită. Fundalul imaginii este un peisaj gol al primăverii devreme. În mâna îngerului se află un buchet de ghiocei, primele flori ale primăverii, simboluri ale vindecării și ale vieții noi. . Procesiunea este condusă de un băiat îmbrăcat în negru, asemănător unui funerar (probabil un simbol al Morții). Privirea altui băiat este îndreptată către noi, pătrunzând direct în sufletul privitorului și amintindu-ne că subiectele vieții și morții sunt relevante pentru fiecare dintre noi. Îngerul căzut, alungarea din paradis, gânduri despre moarte - toate aceste subiecte au preocupat în special artiștii - simboliști. Artistul însuși a refuzat să ofere interpretări gata făcute ale picturii, lăsând privitorul să tragă propriile concluzii.

Hugo Simberg a lucrat mult timp la acest tablou: primele schițe se găsesc în albumele sale din 1898. Unele schițe și fotografii reflectă fragmente individuale ale compoziției. Uneori un înger este condus într-o roabă, alteori nu băieți, dar draci mici sunt reprezentați ca hamali, în același timp, figura unui înger rămâne mereu centrală, iar fundalul este un adevărat peisaj. Procesul de lucru la pictură a fost întrerupt când Simberg s-a îmbolnăvit grav: din toamna anului 1902 până în primăvara anului 1903, artistul a fost tratat la spitalul Institutului Diaconess din Helsinki ( Helsingin Diakonissalaitos) în zona Kallio. Avea o boală nervoasă gravă, agravată de sifilis (din cauza căreia artistul a murit ulterior).

Se știe că Simberg și-a fotografiat modelele (copiii) în atelier și în parcul Eleintarcha, situat lângă spitalul menționat anterior. Calea descrisă în imagine există și astăzi - merge de-a lungul coastei golfului Töölönlahti. Pe vremea lui Simberg, parcul Eleintarcha era o zonă populară de recreere a clasei muncitoare. În plus, acolo erau amplasate multe instituții caritabile, inclusiv o școală de fete pentru nevăzători și un orfelinat pentru persoane cu dizabilități. Simberg a observat în mod repetat locuitorii parcului când a mers acolo în primăvara anului 1903, plecând de la o boală gravă. Aparent, în timpul acestor lungi plimbări, ideea imaginii a prins contur în sfârșit. Pe lângă interpretările filozofice ale picturii „Îngerul rănit” (un simbol al expulzării din paradis, un suflet uman bolnav, neputința unei persoane, un vis rupt), unii îl văd ca personificarea stării dureroase a artistului și chiar fizic specific. simptome (conform unor rapoarte, Simberg ar fi suferit și de meningită).

Pictura lui Simberg Înger rănit a avut un mare succes imediat după finalizare. Prezentarea a avut loc la expoziția de toamnă a Societății de Artă din Finlanda în 1903. Inițial, pânza era expusă fără titlu (mai precis, în loc de titlu era o liniuță), ceea ce sugera imposibilitatea oricărei interpretări. Pentru această lucrare profund individuală și emoționantă, artistul a primit un premiu de stat în 1904. A doua versiune a Îngerului rănit a fost executată de Simberg în timp ce decora interiorul Catedralei din Tampere cu fresce, unde a lucrat împreună cu Magnus Enckel.

Potrivit unui sondaj realizat în Finlanda în 2006, „ Înger rănit”a fost recunoscută drept cea mai populară lucrare din colecția Ateneum, cea mai iubită „pictură națională” a Finlandei și simbolul artistic al țării.

Hugo Simberg (Hugo Simberg) (1873-1917) s-a născut în orașul Hamina, apoi a trăit și a studiat în, iar apoi în, unde a urmat școala Societății de Artă din Finlanda. A petrecut adesea verile la moșia familiei din Niemenlautta (Syakkijärvi), pe coasta Golfului Finlandei. Simberg a călătorit mult în Europa, a vizitat Londra și Parisul, a vizitat Italia și Caucazul. O etapă importantă în dezvoltarea sa ca artist a venit într-un moment în care Simberg, deziluzionat de educația academică stereotipă, a început să ia lecții private de la Akseli Gallen-Kallela într-o zonă îndepărtată din Ruovesi, unde Gallen-Kallela și-a construit casa atelierului. Gallen-Kallela a apreciat foarte mult talentul elevului său și i-a prezis un viitor minunat în lumea artei, comparând munca lui Simberg cu predici veridice și pasionale pe care toată lumea ar trebui să le audă. Simberg a vizitat Ruovesi de trei ori între 1895 și 1897. Aici, într-o atmosferă de libertate artistică, și-a găsit rapid propriul limbaj. De exemplu, în prima toamnă a șederii sale la Ruovesi, a scris celebra lucrare „ Congelare(1895), care amintește oarecum de The Scream a lui Munch. În acest caz, fenomenul meteorologic, frica fermierilor din întreaga lume, a primit o întruchipare vizibilă, chip și formă: este o figură palidă de moarte, cu urechi mari, care stă deasupra unui snop și otrăvește totul în jur cu suflarea ei mortală. . Spre deosebire de The Scream de Munch, finalizat cu câțiva ani mai devreme, Simberg's Frost evocă nu groază și disperare completă, ci un sentiment ciudat de amenințare și milă în același timp.

Un moment important în viața lui Simberg a fost expoziția de toamnă din 1898, după care a fost admis în Uniunea Artiștilor Finlandezi. Simberg a călătorit mult în Europa, a predat și a participat la expoziții. Cu toate acestea, amploarea talentului artistului a fost cu adevărat apreciată abia după moartea sa. Accentul pus pe înfiorător și supranatural a fost departe de a fi înțeles de toți criticii și telespectatorii de atunci.

Hugo Simberg a fost una dintre cele mai mari Simbolisti finlandezi. A fost atras nu de situațiile banale de zi cu zi - dimpotrivă, a descris ceva care deschidea uși către o altă realitate, atingea mintea și sufletul privitorului. El a înțeles arta „ca o oportunitate de a transfera o persoană în mijlocul iernii într-o dimineață frumoasă de vară și de a simți cum natura se trezește și tu însuți ești în armonie cu ea. Asta caut într-o operă de artă. Ar trebui să ne vorbească despre ceva și să vorbească cu voce tare, astfel încât să fim duși într-o altă lume.

Lui Simberg îi plăcea mai ales să înfățișeze ceea ce poate fi văzut doar în imaginație: îngeri, diavoli, troli și imagini ale Morții însăși. Cu toate acestea, chiar și aceste imagini le-a dat moliciune și umanitate. Moartea din Simberg este adesea binevoitoare și plină de simpatie, îndeplinindu-și îndatoririle fără entuziasm. Aici a venit cu trei flori albe să o ridice pe bătrână. Cu toate acestea, Moartea nu se grăbește, își poate permite să asculte băiatul cântând la vioară. Doar ceasul de pe perete marchează trecerea timpului (" Moartea ascultă", 1897).

În muncă " gradina mortii”(1896), creat în timpul primei călătorii de studii la Paris, Simberg, după cum a spus el însuși, a înfățișat locul în care sufletul uman merge imediat după moarte, înainte de a merge în rai. Trei schelete în haine negre îngrijesc cu tandrețe sufletele plantelor cu aceeași dragoste cu care călugării îngrijesc grădina mănăstirii. Această lucrare a fost de mare importanță pentru artist. Aproape zece ani mai târziu, Simberg a repetat-o ​​sub forma unei mari fresce în Catedrala din Tampere. Farmecul ciudat al acestei lucrări constă în detaliile drăguțe de zi cu zi (o udață, un prosop atârnat de un cârlig), o atmosferă pașnică și o imagine blândă a Morții în sine, care nu este o forță de distrugere, ci întruchiparea grijii. Interesant este că în basmul lui Hans Christian Andersen „Povestea unei mame” găsim și o imagine similară: povestitorul descrie o seră uriașă a Morții – o seră, în care un suflet uman este „fixat” în spatele fiecărei flori sau copac. Moartea se numește grădinarul lui Dumnezeu: „Îi iau florile și copacii și îi transplantez în marea grădină a Edenului, într-un pământ necunoscut”.

Primul imaginea Morții a apărut în lucrarea lui Simberg " Moartea și țăranul» (1895). O pelerină neagră scurtă și pantaloni scurti îi conferă Morții un aspect blând și abătut. Această lucrare a fost realizată de Simberg în Ruovesi în timp ce studia cu Akseli Gallen-Kallela. În acea primăvară, fiica cea mică a profesorului a murit de difterie, iar „Moartea și Țăranul” poate fi văzută ca o expresie a simpatiei pentru un bărbat care a pierdut un copil.

Asemenea diavolilor, îngerii lui Hugo Simberg sunt umanizați și, prin urmare, vulnerabili. Ei încearcă să-i îndrume pe oameni pe calea bunătății, dar realitatea este departe de a fi ideală. Loc de munca " Vis”(1900) ridică întrebări privitorului. De ce plânge o femeie în timp ce un înger dansează cu soțul ei? Poate că soțul își părăsește soția pentru o altă lume? Un alt nume pentru această lucrare a fost „Pocăința”, așa că poate fi interpretată în diferite moduri.

Imaginile îngerilor au apărut pentru prima dată în opera lui Simberg în toamna anului 1895 (lucrarea " Pietate"). În această piesă răutăcioasă, fata-înger care se roagă nu observă că îngerul vecin are în minte cu totul altceva. Și într-adevăr, aripile acestui al doilea înger sunt departe de a fi atât de albe. Există o luptă între senzualitate și spiritualitate.

Digul din zona Niemenlautta, unde Simberg își petrecea aproape întotdeauna timpul de vară la casa familiei, era un loc de întâlnire popular pentru tineri în serile de vară. Atrași de sunetele acordeonului, tinerii și femeile au mers aici să danseze cu barca, chiar și de departe. Simberg a făcut în mod repetat schițe ale dansatorilor. Dar la serviciu Dansează pe malul apei„(1899) fetele nu dansează cu băieții, ci cu figurile Morții, atât de des întâlnite în Simberg. Poate că Moartea de data aceasta nu a venit pentru o recoltă groaznică, ci vrea pur și simplu să ia parte la distracția generală? Din anumite motive, acordeonul nu cântă.

După cum puteți vedea Hugo Simberg- un artist extrem de original, a cărui operă nu este lipsită de o ironie aparte, dar în același timp este pătrunsă de misticism și se concentrează pe temele binelui și răului, ale vieții și ale morții, caracteristice artei simboliști. În lucrările lui Simberg, întrebările filozofice profunde sunt împletite cu umor blând și simpatie profundă. „Săracul diavol”, „Moartea blândă”, regele brownie-urilor - toate aceste personaje au venit la munca lui din vise și basme. Fără rame aurite și pânze strălucitoare: „Numai dragostea face operele de artă reale. Dacă durerile de travaliu vin fără iubire, atunci copilul se va naște nefericit.

Pe lângă lucrările lui Hugo Simberg, Muzeul Ateneum expune lucrările lui pictor simbolist finlandez Magnus Enkel (Magnus Enckell) (1870-1925), ca Simberg, care a lucrat la fresce pentru Catedrala din Tampere (1907). Enkel s-a născut într-o familie de preot în orașul Hamina, a studiat pictura și în 1891 a plecat la Paris, unde și-a continuat studiile la Academia Julian. Acolo a devenit interesat de simbolismul și ideile mistice ale rozicrucianului J. Peladan. Din acesta din urmă, Magnus Enkel a adoptat idealul androgin al frumuseții, pe care a început să-l folosească în lucrările sale. Enckel a fost fascinat de ideea unui paradis pierdut, o puritate pierdută a omului, iar băieții foarte tineri cu frumusețea lor androgină au reprezentat pentru artist cea mai pură formă a ființei umane. De asemenea, nu trebuie uitat că Enkel era un homosexual și adesea picta băieți goi și bărbați cu o înfățișare sincer erotică, senzuală. În 1894-95. artistul a călătorit prin Italia și la începutul secolului XX, sub influența artei clasice italiene, precum și a postimpresionismului, paleta sa devine mult mai colorată și mai ușoară. În 1909, împreună cu coloriştii Werner Thomé şi Alfred Finch, a fondat grupul Septembrie.

Lucrările timpurii ale lui Magnus Enkel, dimpotrivă, sunt marcate de o gamă mut, asceza de culoare. La acea vreme, paleta artistei era limitată la nuanțe de gri, negru și ocru. Un exemplu este pictura Trezire„(1894), scrisă de Enkel în timpul celei de-a doua vizite a artistului la. Pânza se distinge prin minimalismul culorilor, o compoziție simplificată și o linie subliniată a desenului - toate acestea sunt folosite pentru a sublinia semnificația imaginii. Tânărul, ajuns la vârsta pubertății, s-a trezit și stă gol pe pat, cu capul plecat cu o expresie serioasă pe față, cufundat în gânduri. Poziția răsucită a corpului său nu este doar un gest familiar de a te ridica din pat; acest motiv, des întâlnit printre artiștii simboliști, este mai complex. Pubertatea și trezirea sexuală/pierderea inocenței au fost teme care i-au atras pe mulți dintre contemporanii lui Enckel (cf., de exemplu, pictura tulburătoare a lui Munch Maturation (1894/95)). Gama alb-negru subliniază starea de spirit melancolică a întâlnirii cu lumea opresivă.

O alta pictor simbolist finlandez, deși nu este cel mai cunoscut, este Väinö Bloomstedt (Blomstedt) (Vaino Blomstedt) (1871-1947). Bloomstedt a fost artist și designer textil și a fost influențat în special de arta japoneză. A studiat mai întâi în Finlanda, apoi cu Pekka Halonen în. După cum știm deja, în timpul vizitei lor la Paris, acești artiști finlandezi l-au întâlnit pe Gauguin, care se întorsese recent din Tahiti, și au început să ia lecții de la el. Impulsivul Bloomstedt a căzut instantaneu sub influența lui Gauguin și a pânzelor sale colorate. Căutarea paradisului pierdut în opera lui Gauguin a fost foarte aproape de Bloomstedt. Numai dacă Gauguin căuta acest paradis în țări exotice, atunci Väinö Bloomstedt, la fel ca mulți artiști finlandezi din acea vreme, avea ca scop căutarea originilor patriei sale, pământul virgin Kalevala. Eroii picturilor lui Bloomstedt sunt adesea personaje imaginare sau mitologice.

După ce l-a întâlnit pe Gauguin, Bloomstedt a abandonat pictura realistă la mijlocul anilor 1890 și a apelat la simbolismși multicolor strălucitor sintetic paletă. Conform ideologiei simbolismului, arta realistă bazată pe observația vizuală este prea limitată și nu permite să surprindă cel mai important lucru dintr-o persoană, esența sa emoțională și spirituală, secretul vieții însăși. Dincolo de realitatea cotidiană se află o altă lume, iar scopul simboliștilor este de a exprima această lume prin artă. În loc să încerce să creeze o iluzie tridimensională a realității, artiștii simboliști au recurs la stilizare, simplificare, decorativitate, au căutat să găsească ceva pur și poetic. De aici și interesul lor pentru Renașterea italiană timpurie, utilizarea tehnicilor de tempera și frescă. Unul dintre cele mai clare exemple simbolism în opera artiștilor finlandezi este o imagine Väinö Bloomstedt « Francesca„(1897), cufundând privitorul în lumea somnului și a uitării, o atmosferă statică și magică cu miros îmbătător de mac.

Inspirația pentru acest tablou a fost Divina Comedie a lui Dante, în care poetul o întâlnește în iad pe Francesca da Rimini și îi spune povestea dragostei ei tragice pentru Paolo. Imaginea unei fete care amintește de Madona, peisajul „Renașterii” cu chiparoși întunecați și suprafața de culoare translucidă a picturii (pânza strălucește clar prin culori) sugerează fresce vechi din bisericile italiene. În plus, datorită tehnicii speciale de execuție, imaginea seamănă parțial cu o tapiserie ponosită. Tabloul a fost pictat de Bloomstedt în timpul unei călătorii în Italia. Se vede și influența artei prerafaeliților.

Femei în artă: artiști finlandezi

Muzeul Ateneului se remarcă și prin faptul că o parte semnificativă a colecției sale este alcătuită din lucrări artiste feminine, inclusiv cele celebre în lume precum artist finlandez Helena Schjerfbeck. În 2012, Muzeul Ateneum a găzduit o amplă expoziție cu lucrările Helenei Schjerfbeck, dedicată aniversării a 150 de ani de la nașterea ei. Muzeul Ateneum adăpostește cea mai mare și mai completă colecție de lucrări ale Helenei Schjerfbeck din lume (212 picturi, desene, caiete de schițe).

Helena Schjerfbeck (Helena Schjerfbeck) (1862-1946) s-a născut la Helsinki, a început să studieze pictura devreme și deja în tinerețe a dobândit o abilitate remarcabilă. Viața Helenei a fost marcată de o rănire gravă la șold în urma unei căderi din copilărie pe scări. Din această cauză, fata a primit o educație acasă - nu a mers la o școală obișnuită, dar a avut mult timp să deseneze și a fost acceptată la o școală de artă la o vârstă neobișnuit de fragedă. (Din păcate, leziunea șoldului și-a amintit de ea însăși cu o șchiopătare pentru tot restul vieții). După ce a studiat în Finlanda, inclusiv la academia privată a lui Adolf von Becker, Schjerfbeck a primit o bursă și a plecat unde a studiat la Academia Colarossi. În 1881 şi 1883-84. a lucrat și în coloniile de artiști din Bretania (pictură " Băiat care își hrănește sora mai mică(1881), scrisă în această regiune a Franței, este considerat acum chiar începutul modernismului finlandez). În Bretania, ea a cunoscut un artist englez necunoscut și s-a căsătorit cu el, dar în 1885 logodnicul a rupt logodna (familia sa credea că problemele de șold ale Helenei erau legate de tuberculoză, de la care a murit tatăl ei). Helena Schjerfbeck nu s-a căsătorit niciodată.

În anii 1890, Schjerfbeck a predat la Școala Societății de Artă, de la care ea însăși absolvise cândva. În 1902, din cauza problemelor de sănătate, a părăsit predarea și s-a mutat împreună cu mama ei într-o provincie îndepărtată din Hyvinkää. Având nevoie de tăcere, artistul a dus o viață retrasă, dar a continuat să participe la expoziții. „Descoperirea” lui Schjerfbeck pentru public a avut loc în 1917: prima expoziție individuală a artistei a avut loc în salonul de artă al lui Ëst Stenman din Helsinki, care a avut un mare succes de spectatori și critici și i-a încălcat existența retrasă. Următoarea expoziție majoră a avut loc la Stockholm în 1937, cu recenzii încântătoare, urmată de o serie de expoziții similare în toată Suedia. În 1935, când mama ei a murit, Helena s-a mutat să locuiască în Tammisaari și și-a petrecut ultimii ani în Suedia, într-un sanatoriu din Saltsjöbaden. În Finlanda, atitudinea față de opera lui Schjerfbeck a fost mult timp controversată (talentul ei a fost recunoscut abia în a doua jumătate a secolului al XX-lea), în timp ce în Suedia arta ei a fost primită destul de devreme, cu mare entuziasm. Dar recunoașterea internațională cu adevărat largă a lui Schjerfbeck a venit în 2007, când au avut loc expoziții retrospective la scară largă ale operei ei la Paris, Hamburg și Haga.

Dintre toate tablourile Helenei Schjerfbeck, cele mai faimoase din lume sunt numeroase autoportrete autocritice, care fac posibilă urmărirea atât a evoluției stilului ei, cât și a schimbărilor din artista însăși, care și-a fixat fără milă chipul îmbătrânit. În total, Schjerfbeck a scris aproximativ 40 de autoportrete, primul la vârsta de 16 ani, ultimul la 83 de ani. Șase dintre ele se află în colecția Ateneum.

Dar poate cel mai faimos tablou Helena Schjerfbeck este pânza convalescent"(1888), adesea denumită o bijuterie Muzeul Ateneum. Foarte apreciat de public, acest tablou al artistului în vârstă de 26 de ani a fost distins cu o medalie de bronz la Expoziția Mondială de la Paris din 1889 (unde această pânză a fost expusă sub titlul „Primul verde” ( Primă verdeață) - așa a numit inițial însăși Schjerfbeck poza). Tema copiilor bolnavi era comună în arta secolului al XIX-lea, dar Schjerfbeck înfățișează nu doar un copil bolnav, ci un copil care se recuperează. Ea a pictat acest tablou în pitorescul oraș de coastă St. Ives, în Cornwall, în sud-vestul Angliei, unde artista a mers la sfatul prietenului ei austriac în 1887-1888 și din nou în 1889-1890.

Această lucrare este adesea numită ultimul exemplu de pictură în lumină naturalistă din opera lui Schjerfbeck (mai târziu ea a trecut la modernismul stilizat și la expresionismul aproape abstract cu o paletă ascetică). Aici artista lucrează cu pricepere cu lumina, atrăgând privirea privitorului spre chipul unei fete în refacere, cu părul dezordonat și obrajii roșii febril, care ține în mâini o cană cu o crenguță înflorită fragilă - simbol al primăverii și al vieții noi. Un zâmbet joacă pe buzele copilului, exprimând speranța de recuperare. Această imagine captivantă prinde privitorul, îl face să simtă empatie. Poza, într-un fel, poate fi numită un autoportret al artistei, care în acel moment tocmai încerca să-și revină după ruperea logodnei ei. De asemenea, este posibil ca în această poză Schjerfbeck să se fi înfățișat pe ea însăși în copilărie, povestindu-ne despre ceea ce a simțit ea însăși, fiind adesea țintă la pat și bucurându-se de primele semne ale primăverii.

Vă rugăm să rețineți că în prezent cele mai faimoase lucrări ale Helenei Schjerfbeck sunt „în turneu” în Suedia. O expoziție are loc la Stockholm și va dura până la sfârșitul lunii februarie 2013, cealaltă - la Göteborg (până în august 2013).

Încă una artist finlandez, a cărei lucrare poate fi găsită în Muzeul Ateneum, este Probleme Shernschanz (Sternshantz)(Beda Stjernschantz) (1867–1910). Apropo, în 2014 la muzeu este programată o expoziție de amploare a lucrărilor acestui artist. Beda Shernschanz a fost un reprezentant important al generației artiști simboliști finlandezi la cumpăna dintre secolele al XIX-lea şi al XX-lea. S-a născut într-o familie aristocratică din orașul Porvoo. În 1886, tatăl ei a murit, iar familia s-a confruntat cu dificultăți financiare. Spre deosebire de alte artiste de sex feminin, Shernschantz a trebuit să muncească pentru a-și câștiga existența. În 1891, în același timp cu o altă artistă finlandeză cunoscută, Ellen Tesleff, a venit la Paris, iar fetele s-au înscris împreună la Academia Colarossi. Mentorul lui Bede a fost Magnus Enckell, sub influența căruia a absorbit ideile de simbolism. Reprezentanții acestei tendințe erau convinși că arta nu trebuie să copieze în mod servil natura, ci ar trebui purificată de dragul frumuseții, expresia sentimentelor și experiențelor subtile. Din cauza lipsei de bani, Shernschanz a locuit la Paris doar un an. Revenită în Finlanda, nu și-a găsit un loc pentru ea însăși și în 1895 a mers pe insula estonă Vormsi, unde a existat o veche așezare suedeză care și-a păstrat limba, obiceiurile și hainele. Acolo artistul a pictat tabloul Peste tot suntem chemați de o voce» (1895). Titlul picturii este un citat din celebrul „Cântece ale Finlandei” ( Suomen laulu), cuvintele cărora le-a fost scris poetul Emil Kwanten. După cum puteți vedea, nu numai Karelia a fost locul în care artiștii finlandezi au mers în căutarea naturii și a oamenilor curați.

Pe această pânză poetică, artista a înfățișat un grup de copii suedezi care au reușit să-și păstreze tradițiile și limba națională într-un mediu străin. Din această cauză, unii critici au văzut în imagine un sens patriotic, mai ales că instrumentul kantele, cântat de una dintre fete, ocupă un loc important în compoziție. O altă fată cântă, iar aceste sunete umplu peisajul ascetic cu mori de vânt. Din cauza ipostazei complet statice, înghețate și a golului peisajului înconjurător, privitorul, așa cum spune, începe și el să asculte muzica care răsună în pânză. Se pare că până și vântul s-a stins, nici frunzele, nici morile de vânt nu se mișcă, de parcă ne-am afla într-un regat fermecat, un loc căzut din timp. Dacă pornim de la interpretarea simbolistă a imaginii, atunci fețele pioase și concentrate ale copiilor pe fundalul acestui peisaj mistic sunt o modalitate de a transmite starea de inocență. În plus, la fel ca în multe alte lucrări ale simboliștilor, un rol special este atribuit muzicii, cea mai eterică și mai nobilă dintre arte.

În 1897-98. Beda Shernschanz, după ce a primit un grant de la guvernul finlandez, a plecat să călătorească în Italia, dar activitatea ei creatoare după această perioadă a dispărut. Deși moștenirea artistei este mică, ea atrage interesul cercetătorilor, iar în viitor sunt așteptate o serie de conferințe și publicații, care vor face posibilă cunoașterea mai multor despre semnificația operei sale în contextul internațional al întoarcerii secol.

Un alt artist finlandez interesant din aceeași perioadă este Elin Danielson-Gambogi (Elin Danielson-Gambogi) (1861-1919). Elin Danielson-Gambogi a aparținut primei generații de finlandezi femei artiste care au primit studii profesionale. Ea a lucrat în principal în genul unui portret realist, iar atât în ​​viață, cât și în munca ei s-a diferit de colegii ei prin emancipare și stil de viață boem. Ea a criticat poziția femeilor în societate, a purtat pantaloni și a fumat, a dus o viață anticonformistă și s-a asociat cu mulți artiști, inclusiv cu sculptorul norvegian Gustav Vigeland (au avut o aventură în 1895). Picturile ei cu femei în situații de zi cu zi au fost considerate vulgare și indecente de mulți critici.

« auto portret» Elin Danielson-Gambogi (1900) a fost pictată într-o perioadă în care artistul începea să obțină recunoaștere în Europa. Artista este înfățișată în atelierul ei, cu o pensulă și o paletă în mână, iar lumina curge prin perdeaua din fața ferestrei, creând un halou în jurul capului ei. Formatul mare al pânzei, poziția și aspectul artistului - toate acestea exprimă o natură independentă și încrezătoare în sine. Pentru acest tablou, Danielson-Gambogi a primit o medalie de argint la Florența în 1900.

Elin Danielson-Gamboji s-a născut într-un sat de lângă orașul Pori. În 1871, ferma familiei lor a dat faliment, iar tatăl ei s-a sinucis un an mai târziu. În ciuda acestui fapt, mama a reușit să găsească fonduri, astfel încât, la vârsta de 15 ani, Elin s-a mutat și a început să studieze pictura. Fata a crescut într-o atmosferă liberă, în afara tabuurilor sociale stricte. În 1883, Danielson-Gambogi a plecat, unde și-a continuat studiile la Academia Colarossi, iar vara a studiat pictura în Bretania. Apoi artista s-a întors în Finlanda, unde a comunicat cu alți pictori și a predat la școli de artă, iar în 1895 a primit o bursă și a plecat la Florența. Un an mai târziu, s-a mutat în satul Antignano și s-a căsătorit cu pictorul italian Raffaello Gamboggi. Cuplul a participat la numeroase expoziții în toată Europa; munca lor a fost prezentată la Târgul Mondial din 1900 de la Paris și la Bienala de la Veneția din 1899. Dar la începutul secolului al XX-lea au început problemele de familie și dificultățile financiare, trădările și bolile soțului ei. Elin Danielson-Gambogi a murit de pneumonie și a fost înmormântată la Livorno.

In fine, printre Artiste de sex feminin finlandezi nu poate fi apelat Ellen Thesleff (Ellen Thesleff) (1869-1954). Puțini autori finlandezi au primit o recunoaștere atât de timpurie. Deja în 1891, tânăra Thesleff a participat la expoziția Societății de Artă a Finlandei cu minunata sa lucrare " Ecou» ( Kaiku) (1891) a fost apreciată de critică. La acea vreme, ea tocmai absolvise academia privată Gunnar Berndtson ( GunnarBerndtson) și mergea în prima ei călătorie, unde fata a intrat la Academia Colarossi împreună cu prietena ei Beda Shernschanz. La Paris, a făcut cunoștință cu simbolismul, dar de la bun început și-a ales propriul drum independent în artă. În această perioadă, ea a început să creeze picturi în culori ascetice.

Cea mai importantă sursă de inspirație pentru Ellena Tesleff a fost arta italiană. Deja în 1894, ea a plecat în patria Renașterii timpurii, la Florența. Aici artista a văzut multe lucrări frumoase de pictură religioasă, inclusiv lucrări ale lui Botticelli, a cărui opera a admirat-o în Luvru. Thesleff a copiat și frescele mănăstirii. Influența picturii spirituale italiene a întărit dorința ei de artă poetică, sublimă, iar în anii următori, asceza culorii în opera ei a primit o expresie maximă. Motivele tipice ale operelor ei sunt peisaje stricte, de culoare închisă și figuri umane, fantomatice și melancolice.

Un exemplu de lucrări din această perioadă este dimensiunea modestă " auto portret» (1894-95) Ellen Tesleff, desenată cu creion. Acest autoportret, creat la Florența, a fost rezultatul a doi ani de muncă pregătitoare. Chipul plin de suflet care iese din întuneric ne spune multe despre artistă și despre idealurile ei la acea vreme. În conformitate cu filosofia simbolismului, ea a pus întrebările fundamentale ale ființei și a studiat sentimentele umane. În acest autoportret se poate vedea întruparea modernă a artei lui Leonardo da Vinci cu întrebările și misterele vieții sale. În același timp, poza este foarte personală: reflectă durerea lui Thesleff din cauza morții tatălui ei iubit, care a avut loc cu doi ani mai devreme.

Thesleff a crescut într-o familie muzicală și din copilărie i-a plăcut să cânte și să cânte muzică cu surorile ei. Unul dintre cele mai frecvente motive din opera ei a fost ecoul sau țipătul - cea mai primitivă formă de muzică. De asemenea, ea a descris adesea cântând la vioară - unul dintre cele mai sublime și complexe instrumente muzicale. De exemplu, un model pentru pictura " cântând la vioară” („Violinistă”) (1896) a fost interpretată de sora artistului, Tira Elizaveta, care a pozat adesea pentru ea în anii 1890.

Compoziția este susținută în tonuri calde translucide, sidef-opal. Violonistul s-a întors de la privitor, concentrându-se asupra jocului. Tema muzicii, venerată ca fiind cea mai spirituală, artă divină, a fost una dintre cele mai comune în simbolism, dar artiștii au descris rar muziciene de sex feminin.

La fel ca prietenul ei Magnus Enkkel, într-un stadiu incipient al lucrării sale, Ellen Thesleff a preferat asceza colorată. Dar apoi stilul ei s-a schimbat. Sub influența lui Kandinsky și a cercului său din München, artista a devenit primul fauvist din Finlanda, iar în 1912 a fost invitată să participe la expoziția Asociației Finlandeze. Septembrie care a susținut culorile pure strălucitoare.

Cu toate acestea, participarea ei nu a depășit sfera expoziției: Tesleff nu s-a alăturat niciunui grup, considerând că singurătatea este o stare normală a unei personalități puternice. Îndepărtându-se de vechea gamă gri-maro, la o vârstă mai matură, Thesleff a început să creeze fantezii colorate și stratificate. A vizitat în mod repetat Toscana împreună cu sora și mama ei, unde a pictat peisaje italiene însorite.

Tesleff nu s-a căsătorit niciodată, dar ea i-a luat locul ca persoană creativă. Artistul a trăit o viață lungă și a primit recunoaștere.

Artă străină în Ateneum

Colecția de artă străină a Muzeului Ateneum conține peste 650 de picturi, sculpturi și desene create de maeștri celebri precum Cezanne, Wag Gogh, Chagall, Modigliani, Munch, Repin, Rodin, Zorn.

Dintr-o colecție străină Muzeul Ateneum singur afară „Strada din Auvers-sur-Oise” a lui Van Gogh(1890). Vincent van Gogh a pictat acest tablou cu puțin timp înainte de moartea sa, în micul oraș Auvers-sur-Oise ( Auvers-sur-Oise), situat în valea unui afluent al Senei, la aproximativ 30 km nord-vest de. Van Gogh, suferind de crize de boală mintală, s-a dus la Auvers-sur-Oise la sfatul fratelui său Theo, pentru a fi tratat de doctorul Paul Gachet. În Auvers-sur-Oise a existat o clinică a acestui medic - un om care nu este indiferent față de artă, familiarizat cu mulți artiști francezi și care a devenit și prieten cu Van Gogh.

Orașul Auvers-sur-Oise a devenit în cele din urmă locul morții artistului, care s-a simțit ca o povară pentru fratele său și pentru familia sa. Van Gogh s-a împușcat și apoi a murit sângerând. Artistul a locuit în Auvers-sur-Oise în ultimele 70 de zile din viață, completând 74 de picturi în această scurtă perioadă, dintre care unul se află acum în principalul muzeu de artă din Helsinki. Este posibil ca tabloul să fi fost lăsat neterminat (grund este vizibil pe alocuri). Luminozitatea cerului scoate în evidență tonul verde mai calm al pământului și nuanța roșiatică a acoperișurilor de țiglă. Se pare că întreaga scenă este în mișcare spirituală, pătrunsă de energie agitată.

O poveste foarte interesantă este modul în care a intrat pictura „Strada din Auvers-sur-Oise”. Muzeul Ateneum. Un timp după moartea lui Van Gogh, a aparținut fratelui artistului, Theo, și apoi văduvei sale, de la care Julien Leclerc a cumpărat pânza ( Julien Leclercq) este un poet și critic de artă francez. Se știe că în 1900 Leclerc a achiziționat cel puțin 11 tablouri Van Gogh de la văduva lui Theo. Un an mai târziu, a organizat prima expoziție retrospectivă a lui Van Gogh, dar în curând a murit pe neașteptate. Soția lui Leclerc a fost pianista Fanny Flodin ( FannyFlodin), sora artistei și sculptoarei finlandeze Hilda Flodin ( Hilda Flodin). În 1903, Fanny a vândut un tablou Van Gogh reprezentanților colecționarului Fridtjof Antell, care a fost menționat în repetate rânduri mai sus, pentru 2.500 de mărci (aproximativ 9.500 de euro în banii de astăzi). Această pânză a devenit primul tablou al bisericii vechi Wag Gogh

Timp de mulți ani s-a crezut că portretul nepoților lui Alexandru al III-lea, pictat de Albert Edelfelt, a fost pierdut sau distrus. Foto: Erkka Mikkonen / Yle

Un istoric de artă finlandez a descoperit accidental o lucrare pierdută a lui Albert Edelfelt în colecțiile unui muzeu regional rus. Cercetătorul ar dori să aducă tabloul la o expoziție în Finlanda.

Pânza faimosului pictor finlandez Albert Edelfelt (1854-1905), care a fost considerată pierdută de mulți ani, a fost găsită în Rusia în Muzeul Rybinsk. Istoricul de artă finlandez Sani Kontula-Webb a găsit tabloul, pictat în 1881, folosind un motor de căutare pe Internet.

– Am văzut lucrarea întâmplător, dar am identificat-o pentru că anterior studiasem cu atenție acest subiect.

Un absolvent al Academiei de Arte din Sankt Petersburg Kontula-Webb a văzut schițe ale acestei lucrări în Muzeul de Artă Ateneum din Helsinki. Cu ajutorul schițelor s-a putut stabili și identitatea copiilor reprezentați în portret: aceștia sunt nepoții țarului rus Alexandru al III-lea. Pe una dintre schițe, Edelfelt le-a indicat numele.

Băieții cu părul lung din imagine sunt îmbrăcați în rochii conform modului de la sfârșitul secolului al XIX-lea. Muzeul Rybinsk credea că pe el sunt reprezentate fete. Lucrătorii muzeului au fost mulțumiți de noile informații despre pictură.

„Am crezut că acestea sunt fete, dar s-a dovedit că fiii Marelui Duce Vladimir Boris și Kirill sunt reprezentați”, spune directorul adjunct Serghei Ovsyannikov.

Pictura povestește despre contactele lui Edelfelt cu familia regală

Lucrarea a intrat în colecția Muzeului Rybinsk după revoluție. Conform semnăturii de pe reversul picturii, acesta a fost amplasat anterior în Palatul Vladimir din Sankt Petersburg.

O semnificație suplimentară descoperirii este dată de faptul că pictura indică contactele strânse ale artistului finlandez cu orașul de pe Neva și familia regală.

„Probabil că acest portret a fost decisiv în ceea ce privește dezvoltarea strălucitoare a carierei lui Edelfelt la curtea regală”, notează Kontula-Webb.

Ulterior, Edelfelt a pictat un portret al copiilor lui Alexandru al III-lea, Mihail și Xenia, precum și mai multe portrete ale ultimului țar rus Nicolae al II-lea.

Legăturile artiștilor finlandezi cu Rusia au fost până acum puțin explorate.

La un moment dat, Edelfelt era popular în Rusia. Lucrările sale sunt păstrate în colecțiile atât ale Ermitului din Sankt Petersburg, cât și ale Muzeului Pușkin din Moscova.

Astăzi, Edelfelt, precum și alți artiști din perioada de aur a picturii finlandeze, sunt practic necunoscute publicului rus. De asemenea, în studiile de artă finlandeză, atenția nu este concentrată în mod deosebit pe legăturile artiștilor finlandezi cu Rusia.

Kontula-Webb pregătește în prezent o disertație despre legăturile Academiei de Arte din Sankt Petersburg cu viața artistică finlandeză.

„Sper că datorită acestei descoperiri, Edelfelt se va regăsi în Rusia, iar Finlanda își va aminti de legăturile importante dintre artiștii finlandezi și Rusia.

Kontula-Webb a întrebat personalul Muzeului Rybinsk despre posibilitatea de a aduce pictura pierdută la o expoziție în Finlanda. Directorul adjunct Serghei Ovsyannikov a reacționat pozitiv la idee.

– Dacă Finlanda dorește să obțină un tablou pentru o expoziție, atunci vom face tot ce ne stă în putere pentru ca proiectul să fie un succes.

Cu toate acestea, potrivit lui Ovsyannikov, pentru o potențială călătorie în Finlanda, pictura trebuie restaurată.

Cultura și arta sunt moștenirea și proprietatea fiecărui stat. „Țara celor o mie de lacuri” nu este doar un paradis pentru schi și pescuit pentru călători și turiști, ci și un loc pentru diverși istorici de artă și pur și simplu cunoscători ai creativității. Arta este foarte dezvoltată în Finlanda, în special pictura. Multe galerii de artă, muzee și expoziții îi vor încânta chiar și pe cei mai sofisticați cunoscători de artă plastică.

Artiștii din țara Suomi, care au primit o educație europeană în secolul al XIX-lea, au devenit principalul și motivat factor care a dat impuls dezvoltării artelor plastice în Finlanda. Înainte de a începe să facem cunoștință cu reprezentanții picturii finlandeze, să facem cunoștință cu opera „părintelui artei și picturii finlandeze” Robert Ekman.

Robert Wilhelm Ekman

Născut în 1808, artistul în picturile sale a înfățișat viața țăranilor obișnuiți finlandezi, toate greutățile vieții lor, a concentrat atenția societății asupra politicii sociale a statului finlandez în raport cu oamenii de rând. Când Robert avea 16 ani, a plecat la Stockholm pentru a studia la Academia Suedeză de Arte. Fiind un talent tânăr și strălucit, Ekman a primit o bursă suedeză pentru talentul său, iar mai târziu vocația sa de artist a contribuit la faptul că a plecat să studieze în Italia și Franța, iar apoi în Olanda. În aceste țări, maestrul periei a petrecut șapte ani întregi, între 1837 și 1844.

Întors în țara Suomi, Robert Wilhelm s-a stabilit în orașul Turku, unde a început să picteze catedrala locală cu frescele și desenele sale. După aceea, a fondat o școală de desen în oraș, pe care a condus-o până în 1873. El a conturat foarte clar abisul care se afla între nobilime și țărani. Tablourile pictorului au șocat pe toată lumea cu realismul lor unic și neinventat. „Părintele picturii și artei finlandeze” a murit în 1873.

Akseli Waldemar Gallen Kallela (Gallen-Kallela Akseli)

Akseli Gallen Kallela s-a născut în micul oraș finlandez Bjorneborg (nume modern Pori) în aprilie 1863. Luptător pentru independența Finlandei, artistul din opera sa a făcut tot posibilul pentru a descrie un apel către națiune de a lupta pentru independența țării lor. Modernismul inerent pictorului i-a permis lui Axel Gallen Kallela să creeze picturi foarte realiste. După încheierea Războiului Civil finlandez (1918), artistul s-a implicat în heraldică și designul steagurilor. La mijlocul secolului XX, artistul a trăit și a lucrat ceva timp în Statele Unite ale Americii, unde a susținut cu succes expoziții ale lucrărilor sale. Pictorul a murit în 1931 la Stockholm, a murit de pneumonie.

Oscar Kleineh

Cel mai faimos pictor peisagist marin finlandez s-a născut în septembrie 1846 în capitala Finlandei. Rădăcinile germane ale lui Oscar „au venit în ajutor”, ceea ce i-a permis să studieze în Germania, și anume la Düsseldorf. Mai târziu, Kleinech și-a continuat studiile la Sankt Petersburg și Karlsruhe. Cea mai mare popularitate a pictorului marin a fost adusă de picturile care înfățișează naturi și peisaje marine, opera unui autor fiind chiar expusă în Schitul din Sankt Petersburg. Artistul a murit în orașul său natal, Helsinki, în 1919.

Albert Gustav Aristide Edelfelt (1854–1905)

Albert Edelfelt s-a născut în 1854 în Finlanda, lângă Porvo. Tatăl său era arhitect. De la tatăl său, a adoptat dragostea pentru muzică și desen. Cu toate acestea, mama a fost cea mai apropiată persoană de viitorul artist. Albert Edelfelt a fost în multe privințe creația ambițioasei sale mame.

Portretul mamei artistului. 1883

Băiatul a primit primele lecții de pictură la școala Societății de Artă finlandeză din Helsinki. Hotărând să se dedice picturii, intră la Academia de Arte Frumoase din Anvers, dar un an mai târziu se mută la Paris, unde ia lecții de la L. Jerome.

Reprezentant realist. A experimentat influența impresionismului. Autor de pânze istorice, picturi din viața populară, peisaje, portrete, marcate de libertatea și expresivitatea formei artistice, de transmiterea subtilă a mediului lumină-aer, de strălucirea festivă a culorii.

Deja la vârsta de douăzeci și trei de ani, Edelfelt a devenit cea mai proeminentă figură din pictura finlandeză și a condus lupta tinerei generații de artiști pentru realism și munca din natură. Inițial, Albert intenționa să devină pictor de istorie. De la el se așteptau picturi patriotice. Cea mai faimoasă pictură a acestui plan a fost profanarea rămășițelor lui C. Fleming a ducelui Karl (1878). Această poveste evidențiază lupta pentru putere în Finlanda care a avut loc la sfârșitul secolului al XVI-lea.

Profanarea ducelui Charles peste rămășițele lui K. Fleming. 1878

Un joc minunat de culori și prospețimea tinereții atrage tabloul „Regina Blanca cu un copil” (1877).

Dar treptat viața vie a pământului său natal îl atrage din ce în ce mai mult. Următoarele lucrări ale pictorului au fost deja create în stilul unei descrieri realiste a vieții populare. Acasă, Albert a călătorit cu pescari în larg de mai multe ori, iar apoi în studioul din Heiko a amenajat special o barcă de pescuit tăiată pentru executarea precisă a detaliilor. Succesul picturii „Înmormântarea unui copil” (1879), precum și succesul real al tabloului „La mare” (1883), l-au făcut pe Edelfelt un maestru recunoscut în patria sa.

Înmormântarea unui copil. 1879

Pe mare. 1883

Reputația lui A. Edelfelt ca artist național a fost confirmată cel mai mult de picturile sale din viața oamenilor obișnuiți din Finlanda: „Băieți lângă apă” (1884), „Fata cu greblă” (1886), „Femei din Ruoholahti” ( 1887).

Criticul rus V.V. Stasov a scris: „Cel mai bun dintre toți finlandezii lor, desigur, este Edelfelt și are cea mai remarcabilă imagine a Laundress (1889), plină de realism și viață sănătos, proaspăt”. Această poză a rămas în Rusia, iar din 1930 se află în Ermitage.

Spălătorii. 1889

Atenția publicului este întotdeauna atrasă de pictura cu adevărat „spirit parizian” „În grădinile Luxemburgului” (1887). În lucrările în aer liber din acești ani, A. Edelfelt acordă multă atenție problemelor luminii și culorilor.

În Grădinile Luxemburgului. 1887

După ce a făcut o călătorie prin Europa, Edelfelt s-a oprit multă vreme la Sankt Petersburg. A venit pentru prima dată la Sankt Petersburg în 1881. Artiștii și societatea ruși l-au întâmpinat cu entuziasm pe A. Edelfelt.În 1881, tânărul pictor finlandez și-a prezentat lucrările la curtea Academiei din Sankt Petersburg. A avut un mare succes: i s-a acordat titlul de academician și a organizat o expoziție personală la Tsarskoye Selo. Edelfelt a fost prezentat familiei regale. La cererea țarului Alexandru al III-lea, a realizat o copie a picturii „Pe mare” și a realizat o serie de lucrări la comandă. În aceeași perioadă, artistul realizează mai multe portrete de gen, dintre care cel mai popular a fost portretul surorii artistului, Berta, cu un câine într-o clădire din Heiko.

Prieteni buni. 1881

Sub titlul „Prieteni buni” (1881), copii ale acestui tablou sunt păstrate la Ateneum și la Göteborg. Tabloul „În creșă” (1885), apropiat de caracter, a fost cumpărat de Alexandru al III-lea pentru Palatul Gatchina. Athenium expune și un portret al Sophiei Manzey creat în acești ani.

Portretul Sophiei Manzey.

Datorită popularității și autorității lui A. Edelfelt, arta Finlandei a câștigat recunoaștere în Rusia. La Sankt Petersburg, Edelfelt i-a întâlnit pe tinerele figuri ale noii arte rusești, Serghei Diaghilev și Alexander Benois: „Ne-am atârnat literalmente de Edelfelt, în ochii noștri capul lui era înconjurat de un halou de recunoaștere pariziană”, a scris Benois mai târziu. Apropierea artiștilor finlandezi și ruși a fost marcată de mai multe expoziții comune. Cel mai mare dintre ele a fost în 1898 în muzeul de la școala baronului Stieglitz. Acolo au fost prezentate lucrări ale tinerilor artiști la acea vreme: Serov, Repin, Vrubel - din rusă; și M. Enkel, Gallen-Kallela, Yarnefeld - din partea finlandeză. Expoziția a trezit un mare interes pentru cultura finlandeză și pentru Finlanda însăși în rândul publicului rus.

Dar principala formă de creativitate pentru A. Edelfelt în anii săi de maturitate a fost pictura portretului. Edelfelt a lucrat intens și cu succes în genul portretului. Pdespre ordinul guvernului Franței, a scris elportret de Louis Pasteur (1885). În anii 1880 și 1890, Edelfelt a lucrat intens la ordinele curții regale ruse. Dar, pe lângă portretele oficiale, a realizat creații frumoase: „Portretul unei mame”, „Povestitorul Larin Paraske”, portretele marilor actrițe finlandeze Aine Akte și Ida Aalberg.

Peisajul ocupă relativ puțin spațiu în opera lui Edelfelt. Cu toate acestea, în Schit se află lucrările sale: „Vedere din Porvo”, acuarelă „Vedere asupra lacului din Kaukola”, gravură „Pin în zăpadă”. Schitul are, de asemenea, o serie de desene și ilustrații ale remarcabilului maestru finlandez.

O schiță a operei lui Edelfelt ar fi incompletă fără a menționa ultima sa lucrare: În 1900-1904, artistul era ocupat cu realizarea unui panou monumental în sala de adunări a Universității din Helsinki pe tema: „Marea deschidere a universității din Turku în 1640. ." Compoziția a fost realizată sub forma unui cortegiu de paradă în costume din secolul al XVII-lea.

Marea deschidere a universității din Turku în 1640 1902 (Se poate face clic)

Albert Edelfelt a murit brusc într-o vilă de lângă Porvo în august 1905. A fost o lovitură pentru arta finlandeză. Dar picturile sale sunt interesante și de înțeles pentru noi, deoarece erau apropiate de contemporanii săi.

Vladimir Losev

Tânără în budoar. 1879

Pe Champs Elysees. 1886

Portretul surorii artistului Berta Edelfelt. 1884

Portretul mamei artistului. 1902

Femeie sub o umbrelă. 1886

Copiii țarului Alexandru al III-lea

model parizian. 1885

Maria Magdalena. 1891

Vai. 1894

pescari finlandezi. 1898

Hristos și Maria Magdalena. 1890

Portretul lui Louis Pasteur. 1885

Băieți care se joacă pe plajă. 1884

Barcă mică. 1884

Femeie într-o barcă. 1886

Vecinii care stau lângă biserică după Liturghie. 1887

femei din Karelian. 1887

Fată care tricotează un ciorap. 1886

Căpșună.

Femeie gânditoare la biserică. 1893

Solveig

Închinare în arhipelagul Uusimaa.

Întoarcerea de la botez.

Portretul unei tinere femei. 1891

Citind parizian. 1880

Portretul doamnei Valerie Rado. 1888

Fondată în 1933 la Helsinki. Inițial, a reunit 23 de artiști de diverse specialități, până la sfârșitul anilor 1930 - aproximativ 45. Primul președinte al societății a fost arhitectul și artistul de interior L. E. Kurpatov, din 1934 acest post a fost ocupat de E. A. Buman-Kolomiytseva, din 1935 - Baronul R. A. Shtakelberg (ales membru de onoare în 1936), din 1936 - V. P. Shchepansky. Societatea a găzduit expoziții anuale ale muncii membrilor săi (cu premii în bani) și baluri caritabile anuale (de obicei la Hotel Grand); a existat un fond de beneficii mutuale, s-au ținut seri amicale și s-au citit rapoarte publice despre artă. Printre reportajele citite în diferiți ani: „Teatrul rusesc în ultimii 25 de ani” de S. M. Veselov (1935), „Peisagiști ruși” de V. P. Shchepansky (1936; dedicat memoriei artistei M. A. Fedorova), „Cultura acasă " L. E. Kurpatova (1936) și alții. Societatea a participat la organizarea anuală a Zilei Culturii Ruse, sărbătorită la ziua de naștere a lui A. S. Pușkin, iar în 1937 - la evenimente legate de centenarul morții poetului. În 1934, s-a decis organizarea unui atelier de artă, iar vara să închirieze împreună o cabană de vară pentru a lucra la schițe.

La expozițiile societății au participat: M. Akutina-Shuvalova, N. P. Bely, A. P. Blaznov, N. Blinov, E. A. Buman-Kolomiytseva, P. Varlachev, V. A. Veiner, S. M. Veselov , V. I. Voutilainen, E. V. Deppelters Shmakov, S. Dobrovolsky, P. S. Zakharov, S. G. Irmanova, I. M. Karpinsky, I. Krasnostovsky, L. Kratz, L L. Kuzmin, N. G. Kuzmina, I. Kurkiranta, L. E. Kurpatov, O. Kurpatova, T. Kurto, A. Lindenberg, P. Lomakin, baronesa M. B. Maidel, M. Milova, M. M. von Mingin, V. Mitinin, M.N. Nemilova, M. Pets-Blaznova, L. Platan, G. Presas, Yu. I. Repin, V. I. Repina, M. Romanov, S. Rumbin, V. P. Semenov-Tyan-Shansky, M. A. Fedorova, T. Schwank, V. Shermanova -Brown, M. N. Shilkin, A. L. von Schultz, G. Schumacher, M. N. Shchepanskaya, V. P. Shchepansky.

Odată cu izbucnirea ostilităților împotriva Finlandei în 1939, activitățile societății au încetat și au devenit mai active abia după război. În 1945 societatea a fost transformată în Uniunea Artiștilor Ruși din Finlanda, prezidată de I. M. Karpinsky. În anul următor, această organizație a devenit membru colectiv al Uniunii Cultural Democrate din Rusia, iar în 1947 a avut loc prima sa expoziție la Salonul de Artă Harhammer.