Scopas tânărul Hercule. Clasicul târziu: Operele lui Scopas. Scopas și „Maenada” lui nebună

Scopas

Leohar

Leocháres, sculptor grec clasic târziu.

Diana de Versailles „Răpirea lui Ganymede” Apollo Belvedere

Praxitel

Praxitel(altă greacă Πραξιτέλης) - sculptor grec antic din secolul al IV-lea î.Hr. e. Presupusul autor al celebrelor compoziții „Hermes cu pruncul Dionysos” și „Apollo ucide șopârla”. Majoritatea operelor lui Praxitele sunt cunoscute din copiile romane sau din descrierile autorilor antici. Sculpturile lui Praxiteles au fost pictate de artistul atenian Nikias. Praxiteles este primul sculptor care a descris o femeie goală cât se poate de realist: o sculptură a Afroditei din Cnidus, în care o zeiță goală ține cu mâna o haină căzută. Ulterior, mulți sculptori au portretizat-o pe zeiță într-o ipostază similară. Afrodita Praxiteles a devenit atât de populară încât a dat naștere unui tip special în sculptura feminină: tip de Afrodita din Cnidus (acest tip aparține, de exemplu, Venus de Milo). Un crater de pe Mercur poartă numele lui Praxiteles.

Afrodita din Cnidus, Apollo ucide șopârla „Hermes cu copilul Ionis”

350-330 d.Hr î.Hr e. Marmură. Luvru, Paris

Luvru, Paris

Scopas

Skopas (greacă Σκόπας, Skopas; c. 395 î.Hr., Paros - 350 î.Hr.) - un sculptor și arhitect grec antic al epocii clasice târzii, un reprezentant al școlii neo-atice. Unul dintre primii maeștri ai clasicilor greci, care a preferat marmura, abandonând practic utilizarea bronzului, materialul preferat al maeștrilor anteriori, în special Miron și Policlet.

A colaborat cu Praxiteles. A participat la construcția templului Atenei din Tegea (350-340 î.Hr.) și a mausoleului din Halicarnas (mijlocul secolului al IV-lea î.Hr.), acționând atât ca arhitect, cât și ca sculptor.

Dintre lucrările lui Scopas care au ajuns până la noi, este considerată cea mai semnificativă friza mausoleului de la Halicarnas înfățișând Amazonomahia(creat împreună cu Briaxis, Leochar și Timothy; fragmente în British Museum).

Multe dintre lucrările lui Scopas sunt cunoscute din copiile romane („Potos”, „Tânărul Hercule”, „Meleagr”, „Maenad”). Respingând stilul clasic tradițional grecesc bazat pe ideea de armonie și liniște, Scopas a introdus în artele vizuale tema experiențelor emoționale, lupta pasiunilor. Pentru a face acest lucru, a folosit compoziție dinamică și tehnici expresive inovatoare pentru sculptarea portretelor (ochi adânciți, riduri etc.).

Lucrările dălții Scopas, marele sculptor care a trăit în secolul al IV-lea î.Hr., sunt puține, au mai rămas doar copii antice romane și chiar și acelea au ajuns la noi în fragmente. Dar epava spune multe. Skopas a fost artistul furtunii, pasionat, înfocat, iar Menada sa este furtuna dansului dionisiac.

Scopas și „Maenada” lui nebună

Toate sculpturile Skopas sunt surprinse în momentul mișcării, mișcările figurilor sunt impetuoase, aproape că își pierd echilibrul. Menada lui își încordează tot corpul, își arcuiește trunchiul convulsiv și își aruncă capul pe spate. Nu se poate să nu se gândească: orgiile grecilor trebuie să fi fost serioase - nu doar divertisment, ci cu adevărat „jocuri nebunești”. Aparent, problema nu se limitează la dansul energizant, gramaticul alexandrin Callistratus descrie această lucrare a lui Skopas sub titlul „Maenad sfâșiind o capră”.

Dar de ce l-a atras asta pe Scopas? Dansurile frenetice ale menadelor erau un obicei foarte străvechi, dar mai devreme elementul dionisiac nu a străpuns cu atâta forță în artă - claritatea și armonia câștigate în artă.

Dar Skopas a respins calmul armonic, cu care se asociază de obicei ideile noastre despre antichitate. Și a preferat - pasiune: ochi nebuni, gura deschisă, trăsături faciale distorsionate. Acest lucru a influențat următoarele generații de sculptori și artă în general.

Statuia Maenadei poate fi privită din diferite laturi - fiecare punct de vedere dezvăluie ceva nou: fie corpul este asemănat cu un arc întins cu arcul său, fie pare curbat în spirală, ca o limbă de flacără. Și acesta a fost încă un pas înainte. Într-adevăr, pe vremuri, sculptura era concepută pentru a fi percepută dintr-un singur punct de vedere.

Skopas este un renumit sculptor grec antic din perioada clasică târzie.
S-a născut pe insula Paros și și-a creat lucrările în diferite regiuni ale Greciei: Beoția, Attica, Asia Mică, Arcadia între 370 și 330.
Monumentele sale sunt caracterizate de patos și agitație de sentimente.
Autorii antici menționează mai mult de douăzeci de lucrări ale lui Scopas, deși mult mai puține dintre ele au ajuns până la vremea noastră.
Scopas, printre alți maeștri, a decorat frizele în relief ale mausoleului Halicarnas. Schimbarea sentimentelor, exprimată în Menada prin plasticitatea unei sculpturi rotunde, care s-a simțit la plimbarea în jurul sculpturii, se desfășoară aici pe o panglică de friză plată.
Varietatea unghiurilor din relief este completată de o juxtapunere magistrală de corpuri de fete ușoare și corpuri de bărbați grele, care sunt descrise într-o luptă nemiloasă și crudă.
Scopas joacă combinații de două sau trei figuri, arătându-le din părți diferite și în diferite momente de mișcare. Puterea intensității emoționale este aici incomensurabil mai mare decât în ​​lucrările secolului al V-lea î.Hr.
Frumusețea lumii noi arătate de Scopas în artă constă în dezvoltarea dramei, în fulgerări ale pasiunilor umane, în împletirea sentimentelor complexe. Și, în același timp, se remarcă pierderea clarității monumentale a clasicilor înalți. La urma urmei, în lucrările acestei perioade mintea umană a câștigat, ca principiu cel mai înalt, într-o coliziune cu elementele rampante.
În reliefurile perioadei clasice târzii, nu este armonioasă și holistică cea care domină, ca în Zophora din Partenon, ci o viziune agitată și ascuțită asupra lumii, deoarece acestea au fost create în perioada de distrugere a ideilor familiare vremii lui. clasicism. Conform acestor idei, o persoană este chemată pentru o dominație rezonabilă în lumea din jurul său. Deci, chiar și pe exemplul unui monument, putem vedea slăbiciunea și puterea posibilităților inerente artei clasice târzii.
Această artă a descoperit o mulțime de lucruri noi în natura sentimentelor și emoțiilor umane, dar această realizare a fost obținută în detrimentul pierderii păcii și armoniei înalților clasici.
Praxiteles este un renumit sculptor grec antic, un contemporan mai tânăr al lui Scopas. Născut în jurul anului 390 î.Hr. El a exprimat în lucrările sale stări de spirit complet diferite decât Scopas.
Praxitel provenea dintr-o familie de sculptori. Bunicul său, Praxiteles cel Bătrân, a fost sculptor. Tatăl - Kefisodot cel Bătrân - a fost un maestru celebru în Grecia, autorul statuii lui Eirene cu Plutos.

Biletul 19.

1. Arta Bizanțului din secolul al VI-lea (epoca lui Justinian)

Cultura profund particulară a Bizanțului și-a început călătoria, așa cum ar fi, imediat din punctul culminant: prima sa înflorire cade în secolul al VI-lea, „epoca lui Iustinian” (527-565). În acest moment, Imperiul Bizantin și-a atins puterea supremă, comparabilă cu măreția Romei Imperiale. Ocupa un teritoriu vast, avea un prestigiu internațional enorm. Străinii au fost frapați de aspectul impresionant al capitalei bizantine, Constantinopolul, de splendoarea și luxul curții imperiale, de solemnitatea slujbelor bisericești.

Principalele forțe pe care s-a bazat împăratul Justinian au fost armata și biserica, care și-au găsit în el un patron zelos. Sub Iustinian, s-a format o uniune de putere spirituală și seculară, specifică Bizanțului, bazată pe primatul basileus - împărați,

În epoca lui Iustinian, arhitectura bizantină a atins cel mai înalt nivel. Numeroase fortificații sunt ridicate la granițele țării, temple și palate sunt construite în orașe, marcate de măreția amplorii și splendoarea imperială. În acest moment, au fost fondate două sanctuare principale din Constantinopol - Catedrala Patriarhală Sf. Sofia și Biserica Sf. Apostoli.

Hagia Sofia a fost cea mai înaltă realizare a arhitecturii bizantine: pentru toate secolele următoare ale istoriei Bizanțului, niciun templu nu a fost creat egal cu acesta. Clădirea gigantică, creația arhitecților din Asia Mică Anfimy din Thrall și Isidore din Milet, a devenit întruchiparea puterii statului bizantin și triumful religiei creștine.

Conform planului său, biserica Sf. Sophia este o bazilică cu trei nave, adică o clădire dreptunghiulară, dar spațiul dreptunghiular de aici este încununat de o uriașă cupolă rotundă (așa-numita bazilică cu cupolă). Acest dom este susținut pe două laturi de două semidomuri inferioare, fiecare dintre ele, la rândul său, adiacent cu trei semidomuri mai mici. Astfel, întregul spațiu alungit al navei centrale formează un sistem de semidomuri crescând în sus, spre centru.

Cei patru stâlpi de susținere masivi care poartă cupola principală se camuflează în fața privitorului, în timp ce cele patruzeci de ferestre care îi înconjoară baza într-o coroană luminoasă aproape continuă creează un efect uimitor. Se pare că bolul uriaș al domului plutește în aer ca o coroană luminiferă. Nu este de mirare că biserica Sf. Sophia părea creată „nu prin puterea omului, ci cu permisiunea lui Dumnezeu”.

Vedere exterioară a Bisericii Sf. Sofia, cu pereții săi netezi, se caracterizează printr-o simplitate severă. Dar în interiorul camerei, impresia se schimbă dramatic. Iustinian a plănuit să construiască o clădire nu numai cea mai mare, ci și cea mai bogată în decorațiuni interioare. Biserica este decorată cu peste o sută de coloane de malachit și porfir, aduse special din diverse temple antice, plăci de marmură multicoloră din cele mai valoroase rase, mozaicuri minunate, cu strălucirea lor de fundal auriu și splendoarea culorilor, mii de masive. candelabre de argint. Deasupra amvonului - platforma pe care se rostește predica - se afla un baldachin din metale prețioase, încununat cu o cruce de aur. Din aur erau boluri, vase, legături de cărți sacre. Luxul fără precedent al acestei catedrale i-a uimit atât de mult pe ambasadorii prințului Kievului Vladimir, care a vizitat Constantinopolul în secolul al X-lea (cum era numit principalul oraș al Bizanțului din Rusia), încât aceștia, după cum povestește cronica, nu au putut înțelege dacă erau. pe pământ sau în cer.

Sfânta Sofia nu a devenit un model pentru dezvoltarea ulterioară a arhitecturii bizantine, ci i-a dat un impuls puternic: timp de multe secole s-a înființat aici tipul unei biserici cu cupolă.

În majoritatea bisericilor bizantine, cupola, simbolizând bolta cerului, se ridică în centrul clădirii. Indiferent de aspectul - rotund, pătrat, cu mai multe fațete - toate aceste clădiri sunt numite centrice. Cele mai frecvente dintre ele din secolul al VII-lea sunt bisericile cu cupolă în cruce, în planul lor asemănătoare cu o cruce cu capete egale (greacă) înscrisă într-un pătrat?

Compoziția centrală a atras arhitecții bizantini cu echilibru și un sentiment de pace, iar aspectul (crucea) a îndeplinit cel mai mult cerințele simbolismului creștin.

Dacă expresivitatea templului antic a constat în principal în aspectul său exterior (întrucât toate ritualurile și festivitățile aveau loc în exterior, în piață), atunci principalul conținut și frumusețea bisericii creștine se concentrează în interior, deoarece templul creștin este un loc unde credincioșii se adună pentru a participa la sacrament. Dorința de a crea un mediu special în interiorul bisericii, parcă separat de lumea exterioară, a provocat o atenție deosebită decorațiunii interioare asociate cu nevoile cultului creștin.

Bogăția decorațiunii interioare a fost creată, în primul rând, de mozaicurile care împodobeau bolțile și partea superioară a pereților. Mozaicul este unul dintre principalele tipuri de artă monumentală, care este o imagine sau un model de piese de sticlă multicolore, pietre colorate, metale, email, etc.

În Bizanț, mozaicurile erau apreciate pentru prețioșia lor, pentru capacitatea de a obține efecte optice neașteptate. Cuburile mici de zidărie din mozaic, așezate în unghiuri ușor unul față de celălalt, reflectă lumina în grinzi transversale, care creează o strălucire magică irizată. Cuburile de smalt mai mari, așezate în rânduri uniforme, creează, dimpotrivă, o suprafață „oglindă”, iar mozaicul capătă efectul unei străluciri puternice.

Bisericile și mausoleele din Ravenna, un oraș din nordul Italiei, lângă Marea Adriatică, păstrează exemple unice de mozaicuri bizantine. Cea mai veche dintre ele este decorarea mausoleului reginei bizantine Galla Placidia (mijlocul secolului al V-lea). În interiorul mausoleului, deasupra intrării, se află o minunată compoziție reprezentând pe Hristos, păstorul cel bun într-un peisaj deluros. El este tânăr și fără barbă: așa a fost înfățișat Hristos în primele secole ale creștinismului, când ideile străvechi despre tinerețea veșnică ca atribut al unei zeități erau încă vii. Cu un gest solemn, Isus ridică o cruce, simbolul principal al creștinismului.

Un ciclu ulterior de mozaicuri se găsește în corul Bisericii San Vitale (Sfântul Vitali) din Ravenna (sec. VI). Alături de scene biblice, aici sunt prezentate două scene „istorice”, ieșirea ceremonială a împăratului Iustinian și a soției sale împărăteasa Teodora cu alei lor la templu. Au capturat bogăția și luxul curții bizantine, măreția supra-pământească a monarhului. Figurile înghețate frontale sunt dispuse într-un rând solid pe un fundal auriu. Domnește solemnitatea strictă, pe toate fețele asemănătoare între ele, se citește detașare severă și forță.

Printre cele mai remarcabile lucrări ale picturii monumentale bizantine s-au numărat mozaicurile acum pierdute ale Bisericii Adormirea Maicii Domnului din Niceea (sec. VII) înfățișând „îngerii puterilor cerești”. Fețele acestor îngeri sunt uimitoare, cu atractivitatea lor senzuală distinctă. Dar această senzualitate este necorporală, este asociată cu inspirația interioară extatică. Dorința de a transmite o uriașă concentrare spirituală, până la spiritualizarea supremă a formei de artă a rămas timp de secole idealul pentru arta bizantină.

Un loc aparte în ansamblul bisericii creștine îi revine icoanei. Primii creștini numeau astfel orice imagine a unui sfânt, contrastând-o cu un „idol”, o imagine păgână. Mai târziu, cuvântul „icoană” a început să fie numit doar lucrări de șevalet, încercând să le deosebească de operele de artă monumentală (mozaice, fresce).

Spre deosebire de un tablou obișnuit de șevalet, o icoană este un obiect de rugăciune. Ea este considerată de biserică ca un simbol special, asociat în mod misterios cu lumea „divină”, suprasensibilă. Contemplând imaginea icoanei, o persoană se poate alătura spiritual acestei lumi.

Originea icoanelor este de obicei asociată cu portretele picturale mortuare egiptene antice, destinate „tranziției” unei persoane către lumea cealaltă. După locul primei mari descoperiri a acestor monumente în oaza Fayum (1887), acestea au fost numite portrete Fayum (Fayum). Imaginile, executate pe scânduri de lemn cu vopsele de ceară în timpul vieții clientului, după moartea acestuia au servit drept mască funerară.

Cele mai vechi icoane supraviețuitoare, apropiate de portretele Faiyum, datează din secolul al VI-lea. De obicei, ele înfățișează un sfânt, cel mai adesea până la talie sau la bust, strict în față sau la trei sferturi de tură. Privirea sfântului, plină de profunzime spirituală, este îndreptată direct către privitor, pentru că între el și rugăciune ar trebui să se nască un fel de legătură mistică.

Trei icoane de la mănăstirea Sf. Ecaterina la Sinai: „Hristos”, „Apostol Petru” și „Maiaba noastră între Sf. Fedor și St. George".

Perioada de prosperitate strălucită (secolele VI-VII) a fost înlocuită de un timp tragic pentru arta bizantină. În secolele VIII - IX, mișcarea iconoclastă a făcut furori în țară, asociată cu interzicerea imaginilor pe teme creștine. Iconoclaștii, de partea cărora stăteau împăratul și curtea sa, patriarhul și cel mai înalt cerc al clerului, s-au răzvrătit împotriva înfățișării lui Dumnezeu și a sfinților în formă umană, pe baza argumentelor teologice despre imposibilitatea reproducerii materiale a esenței divine a lui Hristos. formă.

În perioada iconoclasmului, icoanele au fost interzise oficial, iar multe dintre ele au fost distruse. Bisericile erau decorate în principal cu imagini cu simboluri creștine și picturi ornamentale. S-a cultivat arta seculară: peisaje pitorești, imagini cu animale și păsări, comploturi ale unor mituri antice și chiar competiții la hipodrom. Aceste picturi murale au fost aproape complet distruse de susținătorii venerării icoanelor (în principal secțiuni largi ale oamenilor de rând, clerul de jos, obișnuit să se închine icoanelor) după ce au fost restaurate.

După victoria asupra iconoclasmului, marcată drept erezie în 843, cele mai importante fenomene pentru dezvoltarea sa ulterioară au avut loc în arta bizantină. Ele sunt asociate cu începutul formării canonului iconografic - scheme iconografice constante, de la care nu trebuia să se abată atunci când înfățișează subiecte sacre. Picturile murale ale templelor sunt aduse într-un sistem coerent, fiecare compoziție capătă un loc strict definit.

Hristos Pantokrator (Atotputernicul) a fost înfățișat în cupola templului, înconjurat de îngeri. Între ferestrele din tambur - partea superioară a clădirii care servește drept bază pentru cupole - erau plasați profeți sau apostoli. Pe pânze, în vârful stâlpilor care susțin cupola, au fost așezați evangheliștii, cei patru „stâlpi” ai doctrinei evangheliei. În absidă, cornisa altarului, se află o imagine a Maicii Domnului, cel mai adesea de tipul Orantei, adică rugându-se cu mâinile ridicate. Arhanghelii Mihail și Gavril plutesc în jurul lui. În partea superioară a zidurilor templului sunt prezentate episoade din viața lui Hristos, care au inclus în mod obligatoriu imagini cu 12 sărbători (Vestirea, Crăciunul, Lumânarea, Bobotează etc.). În partea de jos a templului se află figuri ale părinților bisericii, mari preoți, sfinți martiri. Odată găsit, acest sistem de pictură în principalele sale caracteristici a rămas neschimbat timp de multe secole în toate țările lumii ortodoxe.

În perioada post-iconoclastică, mai ales în secolele XI-XII, arta bizantină își găsește cele mai perfecte tipuri și cele mai ideale forme atât în ​​mozaicuri, cât și în icoane și miniaturi de carte. Spiritualitatea profundă a fețelor, figurile ușoare „plutitoare”, fluiditatea netedă a liniilor, contururile rotunjite, strălucirea aurului, saturarea imaginii cu lumină nepământeană, absența oricărei tensiuni - toate acestea creează o lume figurativă foarte specială, plină de pace sublimă, armonie și inspirație divină.

Secolele XIII și XIV - epoca culturii bizantine târzii. În ciuda celei mai puternice slăbiri economice și politice a Bizanțului, care și-a pierdut majoritatea teritoriilor, arta acestui timp a fost marcată de cele mai înalte realizări, în primul rând în pictură. Monumente remarcabile de la începutul secolului al XIV-lea, când arta era atrasă spre o mai mare expresie și libertate, spre transferul mișcării, sunt icoana celor „12 Apostoli”, mozaicurile Bisericii Kahriy Dzhami din Constantinopol, reprezentând viața lui. Hristos și Maica Domnului.

Cu toate acestea, noile idealuri artistice nu erau destinate să devină cu adevărat mai puternice pe solul Bizanțului care se estompează. Aparent, nu întâmplător cel mai talentat maestru Constantinopol din a doua jumătate a secolului al XIV-lea, Teofan Grecul, a părăsit imperiul, preferând Rusia.

În 1453, Bizanțul, cucerit de turci, a încetat să mai existe, dar cultura sa a lăsat o amprentă adâncă în istoria omenirii. După ce au păstrat vie tradiția antică, bizantinii au fost primii din lumea medievală care au dezvoltat un sistem artistic care corespundea noilor idealuri spirituale și sociale și au acționat ca un fel de profesori și mentori în relație cu alte popoare ale Europei medievale.

Sculptura lui Leohara

Leohar - un sculptor grec antic de la mijlocul secolului al IV-lea î.Hr. e. Reprezentant al tendinței academice în arta clasicilor târzii. Fiind atenian, a lucrat nu numai la Atena, ci și la Olimpia, Delphi, Halicarnas (împreună cu Skopas). A sculptat din aur și fildeș mai multe statui portret ale membrilor familiei regelui macedonean Filip (folosind tehnica sculpturii crisoelefantine), a fost, ca și Lisip, maestru de curte al fiului său Alexandru de Macedonia („Alexandru la vânătoarea de leu”, bronz. ). A creat imagini ale zeilor („Artemis de Versailles”, o copie romană din marmură, Luvru) și scene mitologice.

Perioada de glorie a artei Leohara datează din anii 350-320 î.Hr. e. În acest moment, a lansat un grup foarte popular în antichitate, înfățișând pe frumosul tânăr Ganymede, care este dus în Olimp de un vultur trimis de Zeus, precum și o statuie a lui Apollo, care a devenit faimoasă în lume sub numele de " Apollo Belvedere" (nume de la Palatul Belvedere Vatican, unde este expusă statuia) - ambele lucrări sunt păstrate în marmură romană
copii (Muzeul Pio-Clementino, Vatican). În statuia lui Apollo Belvedere, cea mai bună lucrare a lui Leochar, care a ajuns până la noi într-o copie romană, captivează nu numai perfecțiunea imaginii, ci și măiestria tehnicii. Statuia, descoperită în Renaștere, a fost multă vreme considerată cea mai bună lucrare a antichității și a fost cântată în numeroase poezii și descrieri. Lucrările lui Leohar sunt realizate cu o pricepere tehnică extraordinară, opera sa a fost foarte apreciată de Platon.
„Diana vânătoarea” sau „Diana de Versailles”, o sculptură realizată de Leochar în jurul anului 340 î.Hr. Neconservat. Sculpturile de acest tip sunt cunoscute de arheologi din săpăturile din Leptis Magna și Antalya. Una dintre copii se află la Luvru.
Artemis este îmbrăcată într-un chiton dorian și himation. Cu mâna dreaptă, se pregătește să extragă o săgeată din tolbă, în timp ce mâna stângă se sprijină pe capul căprioarei care o însoțește. Capul este întors spre dreapta, spre prada probabilă.
„Apollo Belvedere”, o statuie de bronz executată de Leochar în jurul anului 330 î.Hr. n. e. Statuia nu a supraviețuit, dar a fost păstrată în copii romane din marmură. Una dintre statuile de marmură se află în Belvedere, una dintre clădirile Muzeului Vatican. A fost găsit în ruinele vilei lui Nero din Antia cândva la începutul secolului al XVI-lea.
Statuia îl înfățișează pe Apollo, vechiul zeu grec al soarelui și al luminii, sub forma unui tânăr frumos care trage dintr-un arc. Statuie de bronz a lui Leochar, executată c. ., pe vremea clasicilor târzii, nu s-a păstrat.
Montorsoli, un student al lui Michelangelo, a restaurat mâinile, dar a greșit: în mâna dreaptă, Apollo trebuia să țină o coroană de laur, în mâna stângă era un arc, așa cum indică tolba din spatele lui Apollo. Aceste atribute în mâinile unei zeități au însemnat că Apollo pedepsește pe păcătoși și purifică penitentul.

Skopas este un renumit sculptor grec antic din perioada clasică târzie.

S-a născut pe insula Paros și și-a creat lucrările în diferite regiuni ale Greciei: Beoția, Attica, Asia Mică, Arcadia între 370 și 330. Monumentele sale sunt caracterizate de patos și agitație de sentimente. Autorii antici menționează mai mult de douăzeci de lucrări ale lui Scopas, deși mult mai puține dintre ele au ajuns până la vremea noastră.

Una dintre lucrările celebre ale acelei perioade este statuia Maenadei. Sentimentele copleșite de Bacchante și tovarășul zeului Dionysos sunt transmise privitorului, care este inclus în experiența imaginii. Cu „Maenada” sa, Scopas a cucerit spațiul sculpturii. Cu toate acestea, deși statuia lui este concepută pentru o plimbare circulară și nu este plată, precum „Discobolusul” lui Myron, ea este interpretată în același mod și nu poate părăsi „cilindrul” închis în care este executat dansul ei.

Scopas, împreună cu alți sculptori, a participat la decorarea mausoleului din Halicarnas cu frize în relief. Împreună cu alții, a creat imagini cu care, Amazonomahie și centauromahie. Dintre acestea, doar câteva fragmente din a treia friză, creată în 352, au supraviețuit. În ele, stilul diferiților maeștri se simte destul de clar.

În reliefurile lui Scopas, se acordă mai multă atenție expresiei luptătorilor. Figurile lui sunt plasate mai liber.

Este imposibil să le așezi mai aproape, deoarece expresivitatea emoțională a fiecăruia dintre ele este enormă. Dacă s-ar afla mai aproape, ar începe să se înghesuie.

Printre alți maeștri, predomină interesul pentru jocul decorativ al faldurilor de mantie și haine. Pe friza mausoleului Halicarnas, contrastele de clarobscur produc un efect deosebit: dramatizează fulgerări de lumină, care sunt înlocuite cu umbre adânci. Ele aduc în scena luptei o anxietate străină de reliefurile secolului al V-lea. Spre deosebire de Zophoros din Partenon, unde mișcarea a început încet, apoi a mers mai repede, iar la final a încetinit din nou, terminându-se într-o pace solemnă, aici mișcarea este deseori întreruptă, ca și când ar întâmpina un obstacol. Și în clipa următoare se dezvăluie cu și mai mare forță.

În imaginile frizei se subliniază alternanța personajelor joase și înalte, care stau în picioare, în genunchi sau în lungime, uneori întinse, astfel încât legătura punctelor superioare ale figurilor generează o linie ondulată. În același timp, se arată creșterea și scăderea tensiunii luptei, schimbarea dispoziției. Furia merge împreună cu disperarea.

(c. 395 î.Hr. - 350 î.Hr.)

Scopas poate fi numit pe bună dreptate unul dintre cei mai mari sculptori ai Greciei Antice. Direcția pe care a creat-o în arta plastică antică a supraviețuit artistului mult timp și a avut un impact imens nu numai asupra contemporanilor săi, ci și asupra maeștrilor generațiilor următoare.

Se știe că Skopas era din insula Paros din Marea Egee, o insulă renumită pentru minunata sa marmură, și a lucrat între anii 370-330 î.Hr. Tatăl său, Aristandros, a fost sculptor, în atelierul căruia, se pare, s-a format talentul lui Scopas.

Artistul a executat comenzi din diferite orașe. Au fost două lucrări de Scopas în Attica. Una, înfățișând zeițele răzbunătoare Erinyes, se află la Atena, cealaltă, Apollo-Phoebe, în orașul Ramnunte. Două lucrări ale lui Scopas au împodobit orașul Teba din Beoția.

Una dintre cele mai bogate opere emoționale ale lui Scopas este un grup de trei figuri care îi înfățișează pe Eros, Pothos și Himeros, adică dragostea, pasiunea și dorința. Grupul se afla în templul zeiței iubirii Afrodita din Megaris, un stat situat la sud de Beoția.

Imaginile lui Eros, Himeros și Pothos, potrivit lui Pausanias, sunt la fel de diferite una de cealaltă pe cât diferă de fapt sentimentele pe care le întruchipează.

„Construcția compozițională a statuii lui Potos este mult mai complicată decât în ​​lucrările anterioare ale lui Skopas”, scrie A. G. Chubova. - Ritmul unei mişcări lin şi moale trece prin braţele întinse într-o parte, capul ridicat, corpul puternic înclinat. Pentru a transmite emoția pasiunii, Scopas nu recurge aici la expresii faciale puternice. Fața lui Pothos este gânditoare și concentrată, o privire melancolică și lângă este îndreptată în sus. Totul în jurul lui nu pare să existe pentru tânăr. Ca toate sculpturile grecești, statuia lui Pothos a fost pictată, iar culoarea a jucat un rol important în designul artistic general. Pelerina atârnată de brațul stâng al tânărului era albastru sau roșu aprins, ceea ce sublinia bine albul corpului gol, lăsat în culoarea marmurei. Pe fundalul mantiei, ieșea clar o pasăre albă cu aripi ușor colorate în gri. Au fost vopsite și părul, sprâncenele, ochii, obrajii și buzele lui Pothos.

Probabil că statuia lui Pothos, ca și statuia lui Himeros, stătea pe un piedestal jos, iar statuia lui Eros pe unul mai înalt. Așa se explică întoarcerea figurii lui Pothos și direcția privirii sale. Sarcina stabilită de Scopas în această lucrare a fost nouă și originală pentru artele plastice ale vremii. După ce a întruchipat în statuile lui Eros, Pothos și Himeros nuanțele marilor sentimente umane, el a dezvăluit artei plastice posibilitățile de a transmite diverse alte emoții.

Lucrând în templul orașului Peloponesian Tegey, Skopas a devenit faimos nu numai ca sculptor, ci și ca arhitect și constructor.

Templul antic din Tegea a ars în anul 395 î.Hr. Pausanias spune că „templul actual, prin măreția și frumusețea lui, întrece toate templele, câte sunt în Peloponez... Arhitectul său a fost Parian Skopas, cel care a construit multe statui în Grecia antică, Ionia și Caria. ”

Pe frontonul de răsărit al templului Atenei Alea din Tegea, maestrul a prezentat vânătoarea mistrețului Calydonian.

„O scenă dintr-un mit a fost prezentată pe frontonul vestic”, scrie G. I. Sokolov, „de asemenea, departe de participarea zeităților olimpice supreme populare în secolul al V-lea, dar cu o coliziune complexă și un deznodământ dramatic. Grecii nu l-au recunoscut pe fiul lui Hercule Telephus, care a intrat în război cu Troia, și a început o bătălie, care s-a încheiat cu moartea multora dintre participanții săi. Tragice nu sunt doar parcelele alese pentru aceste frontoane, ci și imaginile în sine.

Stăpânul arată capul unuia dintre răniți ușor aruncat înapoi, parcă într-o durere chinuitoare. Liniile curbate ascuțite ale sprâncenelor, gurii, nasului transmit emoție și tensiune extraordinară a sentimentelor. Colțurile interioare ale orbitelor, tăiate adânc în grosimea marmurei, sporesc contrastele clarobscurului și creează efecte dramatice puternice. Relieful feței cu mușchii umflați ai arcadelor superciliare, colțurile gurii umflate, este neuniform, accidentat, distorsionat de suferința ascunsă.

Cea mai semnificativă dintre creațiile Scopas din plastic rotund poate fi considerată statuia Bacchante (Maenad) cu un puști.

Doar o copie excelentă a statuii, păstrată la Muzeul Dresda, a supraviețuit. Dar scriitorul din secolul al IV-lea Callistratus a lăsat o descriere detaliată a statuii:

„Scopas a creat o statuie a Bacchantei din marmură de Parian, putea părea vie... Se putea vedea cum această piatră, dură din fire, imitând tandrețea feminină, a devenit ea însăși parcă lumină și ne dă o imagine feminină... Privată de natura capacității de a se mișca, sub mâinile artistului, el a învățat ce înseamnă să te grăbești într-un dans bacchic... Extazul nebunesc era atât de clar exprimat pe chipul Bacchantului, deși manifestarea extazului este nu este caracteristic unei pietre; și tot ceea ce îmbrățișează sufletul, rănit de înțepătura nebuniei, toate aceste semne de suferință psihică severă au fost prezentate limpede aici prin darul creator al artistului într-o combinație misterioasă. Părul, așa cum spune, a fost dat voinței lui Zephyr, pentru ca el să se joace cu el, iar piatra însăși părea să se transforme în cele mai mici șuvițe de păr magnific...

Același material i-a servit artistului pentru înfățișarea vieții și a morții; Ne-a prezentat Bacchante în fața noastră în viață, când ea se străduiește pentru Kieferon, iar această capră este deja moartă...

Astfel, Skopas, creând imagini chiar și ale acestor ființe fără viață, a fost un artist plin de veridicitate; în trupuri a fost capabil să exprime miracolul sentimentelor spirituale..."

Mulți poeți au scris poezii despre această operă. Iată una dintre ele:

Piatra Parian Bacchante,

Dar sculptorul i-a dat un suflet pietrei.

Și, parcă în stare de ebrietate, a sărit în sus și s-a repezit în dans.

După ce am creat această fiada într-o frenezie cu o capră moartă

Închinându-te la daltă, ai făcut un miracol, Skopas.

Celebrele creații ale lui Scopas au fost și în Asia Mică, unde a lucrat în anii cincizeci ai secolului al IV-lea î.Hr., în special, a decorat templul lui Artemis din Efes.

Și cel mai important, împreună cu alți sculptori, Skopas a participat la proiectarea Mausoleului Halicarnas, finalizat în 352 și decorat cu adevărată splendoare orientală. Erau statui ale zeilor, Mausolus, soția lui, strămoși, statui de călăreți, lei și trei frize în relief. Pe una dintre frize a fost înfățișată o cursă de care, pe de altă parte - lupta grecilor cu centauri (jumătate oameni fantastici, jumătate cai), pe a treia - Amazonomahia, adică lupta grecilor cu Amazonele. Din primele două reliefuri au supraviețuit doar mici fragmente, din a treia - șaptesprezece lespezi.

O friză cu amazonomahie, având o înălțime totală de 0,9 metri, cu cifre egale cu aproximativ o treime din înălțimea umană, a înconjurat întreaga structură, iar dacă nu putem spune cu exactitate în ce parte a fost plasată, atunci îi putem determina totuși lungimea. , aproximativ egal cu 150-160 de metri. Probabil că pe el au fost plasate peste 400 de figuri.

Legenda Amazonelor - un trib mitic de femei războinice - a fost una dintre temele preferate ale artei grecești. Potrivit legendei, ei au trăit în Asia Mică pe râul Fermodon și, întreprinzând campanii militare îndepărtate, au ajuns chiar și la Atena. Au intrat în lupte cu mulți eroi greci și s-au distins prin curaj și dexteritate. Una dintre aceste bătălii este înfățișată pe friza halicarnasiană. Bătălia este în plină desfășurare și este greu de spus cine va fi câștigătorul. Acțiunea se desfășoară într-un ritm alert. Amazonii și grecii pe jos și călare atacă cu înverșunare și se apără cu curaj. Chipurile combatanților sunt surprinse de patosul bătăliei.

O caracteristică a construcției compoziționale a frizei a fost așezarea liberă a figurilor pe un fundal care odată a fost pictat în albastru strălucitor. O comparație a plăcilor supraviețuitoare arată concepția artistică generală, structura compozițională generală a frizei. Este foarte posibil ca compoziția să aparțină unui singur artist, dar este puțin probabil ca autorul însuși să fi aranjat toate figurile și grupurile individuale. El ar putea schița dispunerea generală a figurilor, să le dea dimensiunile, să conceapă caracterul general al acțiunii și să lase alți meșteri să termine relieful în detaliu.

Pe plăcile acestei frize cel mai bine conservate se distinge destul de clar „scrierea de mână” a celor patru maeștri. Trei lespezi cu zece figuri de greci și amazoni, găsite pe partea de est a ruinelor, se remarcă prin merit artistic remarcabil; sunt atribuite lui Scopas. Pe plăci, care sunt considerate opera lui Leohar și Timotei, rapiditatea mișcării este subliniată nu numai de posturile luptătorilor, ci este sporită și de mantale și chitonuri fluturate. Scopas, dimpotrivă, îi înfățișează pe amazoane doar în haine scurte și strâmte, iar grecii complet goi și realizează o expresie a forței și a vitezei de mișcare în principal prin ture îndrăznețe și complexe ale figurilor și expresia gesturilor.

Una dintre tehnicile de compoziție preferate ale lui Scopas a fost tehnica ciocnirii mișcărilor direcționate opus. Așadar, un tânăr războinic, căzând în genunchi, își menține echilibrul, atingând pământul cu mâna dreaptă și ocolind lovitura Amazonului, se apără întinzând înainte mâna stângă cu un scut. Amazonul, îndepărtându-se de războinic, și-a aruncat în același timp toporul spre el. Chitonul Amazonului se potrivește strâns corpului, conturând bine formele; liniile de pliere subliniază mișcarea figurii.

Și mai dificilă este locația figurii Amazon pe farfuria următoare. Tânărul războinic, retrăgându-se din greacul cu barbă care atacă rapid, reușește totuși să-l lovească cu o lovitură energică. Sculptorul a făcut o treabă bună în a transmite mișcările dibace ale Amazonului, evitând rapid un atac și transformându-se imediat într-un atac. Montarea și proporțiile figurii, hainele care s-au deschis astfel încât jumătate din corpul Amazonului să fie expus - totul seamănă foarte mult cu celebra statuie a Bacanei. Mai ales cu îndrăzneală, Scopas a folosit tehnica mișcărilor opuse în figura unui Amazon ecvestru. Călărețul iscusit a lansat calul bine dresat în galop, a întors-o cu spatele la cap și a tras în inamici cu un arc. Chitonul ei scurt se deschise, dezvăluind o musculatură puternică.

În compozițiile lui Scopas, impresia intensității luptei, a ritmului rapid al bătăliei, a vitezei fulgerătoare a loviturilor și a atacurilor a fost realizată nu numai prin ritmul diferit de mișcare, așezarea liberă a figurilor în plan, ci tot prin modelarea plastică şi executarea măiestrie a îmbrăcămintei. Fiecare figură din componența lui Scopas este în mod clar „citită”. În ciuda reliefului scăzut, adâncimea spațiului se simte peste tot. Scopas probabil a lucrat și pe scena cursei de care. S-a păstrat un fragment dintr-o friză cu o figură a unui car. O față expresivă, o curbă netedă a corpului, haine lungi care se potrivesc bine pe spate și pe șolduri - totul seamănă cu Amazonele lui Skopas. Interpretarea ochilor și a buzelor este apropiată de capetele tegeene.

Personalitatea strălucitoare a lui Scopas, metodele sale inovatoare de a dezvălui lumea interioară a unei persoane, de a transmite experiențe dramatice puternice nu au putut să nu afecteze pe toți cei care au lucrat alături de el. Skopas a avut o influență deosebit de puternică asupra tinerilor maeștri - Leohar și Briaxis. Potrivit lui Pliniu, sculptorii Skopas, Timothy, Briaxis și Leohar au făcut această clădire atât de remarcabilă prin lucrările lor încât a fost inclusă în cele șapte minuni ale lumii.

„Fluent în diverse tehnici de sculptură, Skopas a lucrat atât marmură, cât și bronz”, scrie A. G. Chubova. - Cunoștințele lui de anatomie plastică erau perfecte. Imaginea celor mai complexe poziții ale figurii umane nu i-a fost dificilă. Fantezia lui Scopas a fost extrem de bogată, a creat o întreagă galerie de imagini viu caracterizate.

Lucrările sale realiste sunt impregnate de înalt umanism. Captând diverse aspecte ale experiențelor profunde, înfățișând tristețea, suferința, pasiunea, extazul bacchic, ardoarea marțială, Scopas nu a interpretat niciodată aceste sentimente într-un mod naturalist. Le-a poetizat, forțând privitorul să admire frumusețea spirituală și puterea eroilor săi.