Probleme moderne ale științei și educației. Imaginea estetică a lumii și problemele formării acesteia Suvorova irina Mikhailovna Metodologie pentru studiul imaginii moderne a lumii ca sistem sinergic

Articolul tratează principiile formării și funcționării viziunii artistice asupra lumii în contextul valorilor spirituale și estetice ale unei persoane. Se determină că, ca urmare a proiecției-refracție a valorilor estetice în artă, tabloul artistic al lumii dobândește calitățile unui instrument cognitiv, o resursă pragmatică care reglementează relațiile sociale, normele și valorile. Coordonatorul aici este artistul, care exprimă simultan atitudinile culturii mentale și conceptele de valoare ale autorului. Ca rezultat, există o varietate de viziune subiectivă asupra lumii și evaluări estetice asupra diferitelor probleme sociale legate de viața unei anumite mentalități. Astfel, conștiința estetică în societate aderă la atitudinile mentale, dar în același timp se manifestă prin ambiguitatea interpretărilor idealurilor și principiilor valorice ale subiecților culturale. Ca urmare, tabloul artistic al lumii societății se construiește pe diversitatea expresiei artistice și estetice ale autorului. Autoarea ajunge la concluzia că integritatea modelului ei depinde de gradul de schimbare a atitudinilor estetice în societate.

factor subiect-obiect

lumea vieții umane

spațiu sociocultural

funcţionarea tabloului artistic al lumii

valorile viziunii asupra lumii

valori spirituale și estetice

constiinta estetica

1. Andreev A.L. Locul artei în cunoașterea lumii. - M.: Politizdat, 1980. - 255 p.

2. Bychkov V.V. Estetică: manual. – M.: Gardariki, 2004. – 556 p.

3. Vidgof V.M. Integritatea conștiinței estetice: abordarea activității (experiența analizei filozofice) / Pod. ed V.N. Sagatovski. - Tomsk: Editura Vol. stat un-ta, 1992. - 153 p.

4. Volkov V.I. Aspectul valoric al artei ca subiect al cercetării sociologice concrete / Percepția artistică.Colecție sub. ed. B.S.Meilakh. - L .: Editura: Nauka, 1971. - S. 93–98.

5. Derzhavin K.N. Voltaire - M .: Editura - în Academia de Științe a URSS, 1946. - 89 p.

6. Kagan M.S. Estetica ca știință filozofică - Sankt Petersburg: LLP TK „Petropolis”, 1997. - 544 p. URL: https://docviewer.yandex.ru (accesat 03/10/2015).

7. Lenin V.I. Ce sunt „prietenii poporului” și cum luptă aceștia împotriva social-democraților? Deplin col. op. Ed. al 3-lea. T. 1. 1937.

8. Mineev V.V. Atlas de istoria și filosofia științei: manual pentru studenți. – Krasnoyarsk: Krasnoyar. stat ped. un-t im. V.P. Astafiev. - 2013. - 120 p.

9. Mineev V.V. În căutarea fundamentelor științei: problema raționalității // Buletinul Universității Pedagogice de Stat din Krasnoyarsk. V.P. Astafiev. - 2007 - Nr. 3. - P. 55–61.

10. Musat R.P. Imagine artistică a lumii ca unitate în diversitate. − Ekaterinburg: OOO Isti: Discuție. - 2014. - Nr. 4 (45). − P. 17–22.

11. Nikitina I.P. Filosofia artei: manual. -M.: Omega-L, 2008. - 560 p.

12. Pocheptsov G.G. Teoria comunicării. −M.: Refl-book, K.: Vakler, 2001. − 656 p.

13. Hrapcenko M.B. Timpul și viața operelor literare / M.B. Hrapcenko // Artistic - L .: Nauka, 1971. - S. 29-57.

14. Jung K.G. Fenomenul spiritului în artă și știință. - M.: Renaștere, 1992. - 320s.

În cercetarea modernă, problemele stării artei, modalitățile de dezvoltare a acesteia preocupă specialiștii din diverse domenii ale cunoașterii. Întrebarea principală aici este eternul hamletian „a fi sau a nu fi”. Se datorează contrastelor lumii moderne, manifestate prin varietatea formelor în activitatea umană, și zgomotului de informații care nici măcar nu sunt înțelese întotdeauna, dar care totuși începe să pătrundă peste tot. În același timp, granițele valorilor spirituale și morale ale societății sunt șterse și apar probleme ale potențialului conținutului integral al culturii. Toate aceste procese se reflectă clar în sfera artei contemporane. Apare ca vârf, înțelegându-l, începi să înțelegi profund ceea ce se întâmplă nu numai în artă, ci și într-o singură societate și în lume, deoarece astăzi este global și, prin urmare, transparent în manifestările sale. Astăzi, natura problematică a artei se datorează contrastului puternic dintre raportul dintre formele clasice și cele inovatoare în reflecție. În lucrările lui V.V. Bychkov despre estetică, este indicată certitudinea că nu toate produsele creative moderne care pretind a fi artă ar trebui să fie numite artă, unele dintre ele se referă doar la practicile artistice. De fapt, o astfel de distincție nu este deja altceva decât o căutare a sprijinului în haosul cultural modern, și nu doar artistic. În primul rând, este o căutare a unui nucleu în ceea ce se află în spatele artei. Și astăzi acesta este modul de a defini, de a pune accente în valorile conținutului spiritual în cultură. În același timp, atmosfera spirituală din societate este întotdeauna importantă pentru normalizarea relațiilor care se dezvoltă în ea. K. Jung remarcă semnificația deosebită a artisticului în contextul timpului cultural, spunând că această reflecție „poartă cu ea ceea ce are cea mai mare nevoie atmosfera... spirituală modernă” . Această semnificație se datorează faptului că valorile ordinii artistice ca rezultat al creativității umane sunt direct legate de valorile sale estetice și de viziune asupra lumii.

Scopul articolului: pentru a determina principiile influenței valorilor estetice asupra formării unei imagini artistice a lumii.

Însuși procesul de reflecție artistică a lumii este strâns legat de percepția estetică și de conștiința estetică, care este considerată de A.L. Andreev ca „capacitatea spirituală de a da obiectelor și fenomenelor o evaluare estetică, de a forma o atitudine estetică față de ele și de a judeca meritele lor estetice”. La rândul său, o judecată asupra obiectelor implică întotdeauna o comparație, în care anumite linii directoare sunt luate ca bază. Într-un context estetic, acesta este un cadru pentru ideal ca frumos, sublim. Conține dorința unei persoane de mai bine, un fel de vis mai perfect, plin spiritual. Prin manifestarea istorică a monumentelor de artă, observăm cum, într-o relație estetică cu lumea, s-au dezvoltat idei valoroase despre ceea ce este frumos sau sublim și ce este urât, anti-estetic. În opinia noastră, această aliniere în evaluarea lumii reale și a produselor culturale nu a dispărut sub influența transformărilor socioculturale. A rămas organic pentru percepția lumii datorită faptului că într-o astfel de evaluare contrastantă, antinomială, obținem o viziune asupra lucrurilor și fenomenelor care ne pot coordona și eficientiza atitudinea față de acestea, acțiunile directe ale vieții. Prin urmare, atitudinea estetică a unei persoane față de realitatea care o înconjoară este considerată ca o atitudine de valoare. Evaluarea estetică se corelează cu valorile viziunii asupra lumii și ordinii socio-culturale, atunci când sistemul de valori al unei anumite culturi acoperă tot spațiul și activitățile umane ale acesteia, inclusiv sfera artei. Acest lucru este confirmat în studiul său de V.I. Volkov: „Abordarea axiologică a artei este pe deplin consecventă cu esența sa socială, estetică, cognitivă, deoarece arta afirmă idealul estetic social prin reflecția și evaluarea artistică și figurativă a realității”. Pe baza conexiunii artei cu activitatea estetică a unei persoane, se naște și manifestarea polifuncțională a acesteia în societate, capacitatea de a reflecta diferite domenii ale acestei activități.

Deci, funcția integrală a sferei estetice este de a acumula valori spirituale și morale pentru o persoană în societate. Prin urmare, atunci când promovează aceste valori, își asumă și rolul de instrumente cognitive indirecte menite să regleze orientările valorice. Întrucât artisticul este destinat să reflecte conținutul estetic al culturii mentale, în consecință, arta în acest context dobândește calitățile unui fenomen care are o ordine rezultată și constatatoare. Astfel, reflectă și promovează scopul esteticii în societate printr-o varietate de forme de artă. Estetica, reflectată în artă, este proiectată în totalitate pe tabloul artistic al lumii. Ca o imagine a lumii, reprezintă chintesența relației unei persoane cu lumea sub forma interpretării sale artistice și estetice. Prin urmare, modelul atitudinii artistice față de lume ca derivat al tabloului lumii și al artei, în opinia noastră, ar trebui luat în considerare sub aspectul cognitivismului estetic, care determină semnificația artisticului: 1) ca formă de cunoștințe, 2) ca resursă de reglementare și pragmatică, 3) ca fixator al gradului de conștientizare a relațiilor de aliniere în societate. Această abordare permite eficientizarea viziunilor asupra proceselor artistice, sistematizarea lor prin conceptul de model holistic al tabloului artistic al lumii. Concret, consistența sa se construiește în timpul reconstrucției artei, mai precis, când se trece de la analiza operelor de artă la identificarea imaginii lumii care sta la baza acestora. Mecanismul de aici vizează în întregime dezvăluirea relației unei persoane cu lumea, ascunsă în sistemul semn-simbolic al artei. În conținutul său, viziunea estetică asupra lumii interacționează liber cu raționalitatea formațiunilor viziunii asupra lumii, respectiv, iar structura sa se bazează pe legătura a două tipuri de categorii: filozofic și ideologic și artistic și estetic. Prin aceste categorii se exprimă natura atitudinii estetice față de lume, idealurile și normele pentru o persoană.

În același timp, valorile estetice reflectate în tabloul artistic al lumii joacă indirect rolul de regulatori ai relațiilor în cultura mentală. Ele ajută la menținerea unității în sistemul de relații subiectiv-obiect-subiect și sunt axate pe rezolvarea contradicțiilor din structura integrității generale a relațiilor din societate, sugerând că menținerea diferențelor în relațiile dintre subiect și obiect contribuie la apariția unui conștient. organizarea unităţii şi conformităţii lor. Aspectul subiect-obiect este strâns legat de manifestarea creativă a unei persoane, cu factorul influenței sale semnificative asupra proceselor interne ale culturii, asupra schimbărilor sale spirituale și estetice. Procesele artistice sunt un fel de barometru al ceea ce se întâmplă în societate. În același timp, activitatea transformărilor aici depinde de forța miezului culturii, care deține sfera conceptului de viziune asupra lumii și valori estetice. În același timp, nucleul este înconjurat de un spațiu socio-cultural periferic, care, datorită atașării sale de procesele vieții vii, este mobil și schimbător. Artistul ca subiect al culturii este asociat cu aceste două dimensiuni socio-culturale. Impulsurile sale creative la nivelul intuiției subtile captează toate conexiunile relațiilor. Adevărata creativitate este veridică, prin urmare, valorile promovate prin ea ascuți percepția și actualizează conținutul spiritual. Deci artisticul, fiind un fel de refracție a esteticii în domeniul artei, întruchipează „unitatea contemplării estetice a lumii și a talentului artistic realizat într-o operă de artă”. Personalitatea artistului, cultura sa ideologică determină forța capacității sale de a influența societatea, capacitatea de a-și asuma rolul de regulator în sistemul acestor conexiuni. În consecință, începutul creării unei imagini artistice a lumii este direct procesul de creație al artistului. Artistul evaluează fenomenele realității prin prisma valorilor estetice, când faptele și evenimentele vieții sunt reflectate din unghiul viziunii și conceptelor sale. Lucrarea servește drept conducător al atitudinilor sale valorice și actualizează experiențe estetice. Mecanismele de întruchipare artistică a sistematizării normelor sunt prezentate clar în formele tradiționale ale unei opere literare. Pe baza observațiilor lui G.G. Pocheptsov, „literatura (precum ritualul) poate fi privită ca o structură generatoare de norme”. Normele sunt introduse aici ca urmare a pedepsei negativelor și recompensării celor pozitive. Astfel, situația este ordonată în favoarea normei introduse, unde totul este organizat aleatoriu în text pe măsură ce intriga se dezvoltă. Pe baza caracteristicilor specifice ale personajelor, aprecierea autorului asupra circumstanțelor și, în rest, se formează o viziune sistematică. Viziunea sistemică a autorului, formată în lucrări, este reconstruită cu ajutorul unui tablou artistic al lumii.

Considerând tabloul artistic al lumii ca un acumulator de conștiință estetică în spațiul socio-cultural, întâlnim în primul rând un domeniu divers de interese: pe de o parte, este una - la nivelul unei societăți integrale, pe celălalt - bipolar - la nivelul subiectului-autor și al subiectului-destinatar, și în același timp multipolar și multidimensional, ținând cont de faptul că există multe aprecieri subiective în societate.

La nivelul contextului social general, atitudinea valoric se bazează pe o schemă-reprezentare a perfectului, idealului, sau, dimpotrivă, necorespunzător acestor idealuri. Astfel, operele de artă din societate dobândesc valoare pentru o persoană, deoarece aceasta este inclusă în procesul social, corelat cu nevoile sale spirituale, scopurile, cu ideea idealului estetic. Pe această bază, tabloul artistic al autorului asupra lumii va reprezenta un gust artistic și o evaluare estetică determinate social. Dar unul dintre subiectele de actualitate pentru cercetătorii de astăzi a devenit întrebarea în ce măsură socialul influențează libertatea de exprimare a autorului, în ce măsură ideile și gustul autorului sunt în concordanță cu idealurile societății, cu acele cerințe evaluative. ale societății care sunt stabilite pentru reflectarea artistică și estetică a lumii. În același timp, politica care există în societate urmărește întotdeauna să subjugă sfera artistică ca sferă de influență puternică asupra unei persoane. Dar, de regulă, adevărații artiști nu vor să-și piardă independența în creativitate. O temă politică poate fi legată de un artist dacă acesta îi împărtășește ideologia sau, dimpotrivă, încearcă să i se opună. În lucrările clasice, valorile și relațiile juridice au devenit foarte des subiectul înțelegerii figurative. Artistul, la rândul său, își propune să interacționeze deschis cu societatea în cadrul identității sale. Acumulând gândurile și atitudinile societății din interior, este un fel de prevestitor al ceea ce se întâmplă. Pentru un artist, este important să se străduiască să fie auzit, văzut, înțeles, adică. simpatizat cu el. Se adresează persoanei-destinatar, care este interesat și de determinarea poziției sale sociale. Deci, la începutul anilor 1970. analiștii de artă au remarcat că artistul devine din ce în ce mai mult un cercetător al proceselor sociale în schimbare. La rândul lor, studiile sociologice apelează la conținutul ideologic și artistic specific al operelor de artă ca material specific pentru a descoperi tendințe în dezvoltarea spirituală a individului și a societății.

O altă poziție este de nivel bipolar, unde formarea și funcționarea conștiinței estetice în spațiul socio-cultural se realizează după principiul expresiei duale, reprezentat de subiect ca autor al unei opere de artă și subiect-destinatar. . Potrivit lui A.N. Tolstoi, „cel care primește artă este același creator cu cel care o dă”. Pe această bază, imaginea artistică a lumii se formează pe combinarea valorilor estetice ale societății și ale autorului. Dar funcționează deja la nivelul destinatarilor care sunt membri ai acestei societăți sau reprezentanți ai altor culturi. Prin contactele cu arta, toți sunt atașați de valori estetice, desigur, în măsura capacităților lor pentru acest gen de percepție. De menționat că poziția destinatarilor poate fi identificată doar pe baza documentelor: memorii, scrisori private, care ating cumva arta vremii lor. Atitudinea faţă de fenomenele artistice contemporane poate fi învăţată de la contemporani din comunicarea directă şi pe baza unor metode speciale care ţin cont de aspectele sociologice. De exemplu, în cadrul abordării dialectice, cercetarea socială este construită ținând cont de metode cantitative și sistemice. Prima metodă aduce calitățile gustului artistic personal sau social sub „un set de evaluări discrete ale artei, judecăți despre valorile artistice”. Cea de-a doua metodă prezintă gustul artistic ca element structural al conștiinței estetice, care acționează „în sisteme sociale de diferite niveluri: societate în ansamblu – grupuri și straturi sociale – un individ inclus într-o anumită comunitate socială”. În același timp, individul nu se dizolvă în social, deoarece studiul anumitor relații sociale ale oamenilor înseamnă studiul „personalităților reale, din ale căror acțiuni sunt compuse aceste relații”.

În general, atitudinea estetică este legată de problema percepției artistice și a abilităților de comunicare ale artei și, ca urmare, de definirea funcțiilor sociale ale tabloului artistic al lumii. Prin urmare, această categorie nu este doar un fixator al proceselor artistice din societate, ci și un exponent al ideologiei sale. Există un exemplu când teoreticienii din anii 1970. a existat o poziţie dublă în raport cu rolul artei în societate. Astfel, susținătorii mișcărilor nerealiste au fost de părere că arta nu este comunicabilă sau are o mică cotă de sociabilitate, întrucât un număr mic de oameni comunică cu arta autentică și aceasta, de regulă, este elita societății. În același timp, arta comercială este axată pe nepretenția gusturilor estetice, respectiv, servește ca mijloc de devastare spirituală. Susținătorii tendințelor realiste, dimpotrivă, consideră că arta realistă este deschisă privitorului și caută să-i transmită acestuia atitudinea sa valorică față de lume, ținând cont de gusturi și atitudini diferite. În lucrarea „Timpul și viața operelor literare” M.B. Khrapchenko relevă un aspect important în percepția și evaluarea operelor de artă. În special, el vorbește despre apariția unui număr mare de lucrări de cercetare de tipul așa-numitului mic-istoric și empiric-comentar, care provoacă „nemulțumire, ca să spunem așa, cu un studiu socio-genetic pur al literaturii”. Totodată, autorul însuși ridică problema influenței artistice și estetice asupra destinatarului, asupra atitudinii sale evaluative și subliniază „necesitatea unui studiu larg... al funcționării vie” a operelor de artă în mediul socio- spatiu cultural.

Continuând gândirea funcționării vie, ar trebui să se îndrepte spre aspecte importante ale formării unei opere de artă din punctul de vedere al relevanței sale sociale. Se datorează în primul rând conexiunii artistului cu contextul socio-cultural, care este reprezentat structural de două niveluri: „spațiul social” și „lumea vieții”. Primul este un „sistem organizat colectiv, ordonat”, în care componenta individuală depinde de activitatea unei persoane ca subiect al societății. Însuși componenta subiectivă în conținutul culturii se naște la celălalt nivel al acesteia - în spațiul lumii vieții, unde „orizontul tuturor semnificațiilor și posibilităților conștiinței, structuri a priori ale experienței pre-predicative, din care valorile. „de cultură apoi crește” este ascuns. Aceste straturi din spațiul culturii înconjoară subiectul, devin baza pentru imaginea lui despre lume, care include în integritatea sa „o varietate de forme și metode de cunoaștere”. În consecință, ei primesc refracție în imaginea artistică a lumii. Lumea vieții este un teren viu pentru opere de artă. Când un artist, în contact cu această lume, acționează în conformitate cu convingerea sa interioară în transmiterea adevărului vieții, ridică și generalizează semnificațiile acestei lumi, opera atinge nivelul unor astfel de înălțimi artistice care aruncă în aer chiar și conștiința celebrului artiștilor. Și aici poziția lor este definită ca fiind poziția de destinatari ai unei categorii speciale, reprezentând diferite vremuri culturale. Deci, în secolul al XVIII-lea. Voltaire, care caracterizează opera lui W. Shakespeare, declară diversele manifestări ale operei sale: pe de o parte, îl numește părintele tragediei engleze și, pe de altă parte, părintele barbariei: „Înalt geniu, un geniu fără cultură și fără gust, a creat un teatru haotic”. În opinia noastră, valoarea creativității lui Shakespeare constă în faptul că ne prezintă o imagine artistică a lumii în contextul deschis al viziunii sale creatoare asupra lumii, metoda creativă a scriitorului. El nu s-a străduit pentru rafinarea vieții, cultivarea ei artificială, ci a unit toate contradicțiile umane în impulsurile lor înalte și manifestările de bază. Din aceasta Shakespeare a căpătat putere. Opera sa sparge granițele formelor obișnuite de exprimare a vieții și a valorilor estetice. Aceasta se realizează prin schimbarea granițelor spațio-temporale, a ritmului, când spațiul social cu universalurile sale stabilite începe să invadeze deschis spațiul lumii vieții, în care există propria expresie a sentimentelor, propria sa dinamică etc. De obicei sunt spontane. Prin urmare, Shakespeare are una lângă alta comedie și tragedie, bufonerie și pierderi ireparabile. Aici întâlnim un exemplu clar al modului în care aleatorietatea se manifestă prin atitudinea autorului față de viață și prin raportul dintre frumusețe și urâțenie în artă, dar într-o formă neobișnuit de contrastantă, agravată emoțional. Opera lui Shakespeare s-a dovedit a fi semnificativă, iar evaluarea sa a fost dezvoltată în istorie. Pentru romantici, lucrările sale au devenit un exemplu de „artă neobișnuit de strălucitoare, îndrăzneață, care respinge tot felul de canoane, reguli scolastice părtinitoare”. În același timp, romanticul Byron „a fost foarte critic la adresa lui Shakespeare”. L.N. a fost și el critic la vremea lui. Tolstoi, supunându-și operele unor critici dure. Și toate acestea s-au întâmplat pentru că Shakespeare a fost un scriitor în afara tradiției. Dar asta nu înseamnă că lucrările sale nu pot fi numite o viziune holistică asupra lumii. Opera sa ne arată o imagine artistică a lumii, construită pe integritatea percepției senzoriale, de aceea a devenit un model al unor astfel de imagini artistice care nu au un spațiu și un timp cultural specific, ele trăind în afara acestor dimensiuni după standardele universal. Desigur, Voltaire, care aderă la canoanele clasice ale iluminismului, nu a înțeles ieșirea liberă a intențiilor de viață contrastante în artistic și estetic. La rândul său, evaluarea lui Voltaire exprimă o poziție predeterminată de timp și de puncte de vedere asupra artei care a existat în iluminismul. Ideile iluminatorilor (Voltaire, Rousseau, Diderot, Lessing) aveau ca scop educarea unui nou cetățean. Arta, în opinia lor, ar trebui să se concentreze pe reproducerea realităților vieții și pe imitarea „naturii naturale”. Iluminatorii au căutat să scoată arta din cadrul clasicismului și să o îndrepte pe calea tendințelor realiste. Au rezolvat sarcina de a depăși contradicțiile dintre elită și democratic în artă prin sfera educației gustului. Dar, judecând după recenzia lui Shakespeare, Voltaire Iluminatorul nu era pregătit pentru realismul deschis și el însuși s-a trezit într-o situație limită, între elitism și democrație, așa că franchețea lui Shakespeare l-a șocat pur și simplu. Reflectarea artistică a lumii a lui Shakespeare este holistică și puternic contrastată datorită faptului că este creată după standardele clasice ale valorilor estetice - de la urât la frumos. Prin imaginația sa, el activează conținutul valoric estetic, trezind și umplând lumea spirituală a unei persoane în societate. Acest exemplu arată clar că imaginea artistică a lumii este capabilă să existe în afara timpului și a atitudinilor sale ideologice datorită faptului că un artist adevărat vede mai departe și își simte timpul mai profund. În același timp, ideile filozofice care interpretează modalitățile de dezvoltare a artei nu au ținut întotdeauna pasul cu dezvoltarea artei datorită unui anumit dogmatism și apartenență la sfera de elită a culturii.

Deci, principiile formării și funcționării imaginii artistice a lumii sunt conectate cu contextul valorilor spirituale și estetice ale unei persoane. La rândul său, conștiința estetică este construită pe sinteza idealurilor de viziune asupra lumii cu valori multiple și a principiilor valorice ale subiecților culturale. Ca urmare a proiecției-refracție a valorilor estetice în artă, tabloul artistic al lumii dobândește calitățile unui instrument cognitiv, o resursă pragmatică care reglementează relațiile sociale, normele și valorile. Coordonatorul aici este artistul, care exprimă simultan atitudinile culturii mentale și conceptele de valoare ale autorului. Datorită naturii multidirecționale a pozițiilor prezentate, tabloul artistic al lumii devine ambiguu. Ca rezultat, există o varietate de viziune subiectivă asupra lumii și evaluări estetice asupra diferitelor probleme sociale legate de viața unei anumite mentalități. Ca urmare, conștiința estetică este construită pe sinteza idealurilor ambigue și a principiilor valorice ca invariante în cultură; în consecință, imaginea artistică a lumii societății devine ambiguă. În spatele evaluării estetice se află un conținut complex, care dezvăluie simultan aprecieri din punct de vedere al idealurilor morale, socio-politice și de altă natură. Menținând diferențele în relația dintre subiect și obiect, se realizează organizarea conștientă a unității și corespondenței lor armonioase. Autorul ajunge la concluzia că integritatea modelului este construită pe baza modelelor invariante, în timp ce stabilitatea depinde de gradul de schimbare a atitudinilor estetice în societate.

Recenzători:

Svitin A.P., doctor în științe filologice, profesor, profesor la Universitatea Federală Siberiană, Krasnoyarsk;

Mineev V.V., doctor în științe filologice, profesor, profesor al KSPI. V.P. Astafieva, Krasnoyarsk.

Link bibliografic

Enciclopedia percepției (de pe site-ul editorului)

Fotografia aparține artelor plastice. O mulțime de copii au fost sparte, totuși, acum acest lucru poate fi afirmat cu siguranță. Următoarea este o traducere a unui articol din - în general non-ficțiune - Enciclopedia percepției a lui Bruce Goldstein. Am dat din întâmplare în această carte: am fost „jucat” de Richard Zakia - o carte ce trebuia pur și simplu citită pentru oamenii care țin de fotografie - Richard Zakia „Percepție și imagine / Fotografie: un mod de a vedea” - și m-am grăbit să o caut sau un înlocuitor al acestuia. Așa am dat de Goldstein.

Voi face o rezervare imediat: traducerea este practic fără editare, faceți o reducere la asta.

Articolul a fost tradus și postat cu permisiunea deținătorului drepturilor de autor. Drepturi de autor de la SAGE Publications Inc.

Articolul original: E. Bruce Goldstein's Encyclopedia of Perception, Aesthetic Appreciation of Pictures. pp. 11-13 Copyright 2010, SAGE Publications Inc.

Vizionarea operelor de artă plastică, deși are un puternic impact emoțional, rămâne un proces complet personal. În discuția despre percepția estetică a unui tablou în cadrul studiului proceselor perceptive, se încearcă să se reducă decalajul dintre o înțelegere clară a proceselor de la nivelul inferior - percepția vizuală și corticală * a caracteristicilor obiective ale imaginii, cum ar fi culoarea și forma și o înțelegere mai puțin clară a nivelului superior al fenomenologiei vizuale sau a experienței subiective.

De-a lungul secolelor, definiția și conținutul conceptului de „experiență estetică” au fost prezentate de oameni în moduri complet diferite. De obicei, în cadrul studiului proceselor perceptive (studii percepției), evaluarea estetică este determinată printr-o preferință bazată pe frumusețea percepută a imaginii în cauză. Studiul percepției se bazează astfel din abordările estetice atât ale lui David Hume, cât și ale lui Immanuel Kant, în ceea ce privește gustul și frumusețea pe care le discută. Factorii care influențează răspunsul estetic la o pictură sunt considerați a fi atât caracteristicile fizice ale operei în sine, care se află „în interiorul cadrului”, cât și influențele contextuale, cum ar fi titlul lucrării și modul în care este prezentată (prezentare) , care există „în afara cadrului”.

Cercetarea problemelor percepției estetice se bazează încă pe metode de grup (abordare nomotetică), totuși, există o părere că doar studiul individului/individului (sau abordarea ideografică) poate servi ca punct de plecare dacă scopul este acela de a realiza pe deplin. înțelege procesul. Acest articol se concentrează asupra modului în care este măsurată estetica, definește abordările obiectiviste și subiectiviste ale esteticii și vorbește despre utilizarea acestor abordări de către cercetători.

Măsurarea esteticii

Originile esteticii empirice sunt de obicei atribuite lui Gustav Fechner și cărții sale Elementary Aesthetics, iar lui Daniel Berlyne i se atribuie reînviorarea interesului pentru aplicarea metodelor științifice la studiul esteticii în anii 1970. Aceste experimente timpurii au avut ca scop identificarea preferințelor individuale. a subiecților prin evaluarea unor seturi mari de stimuli creați artificial, denumite „poligoane” (poligon).Poligonii se deosebeau unul de celălalt printr-un set dat de variabile cantitative (calculabile) divizibile prin colative (de exemplu, complexitate), psihofizice (de ex. culoare) și de mediu (de exemplu, semnificație/sens) Conform abordării psihobiologice a lui Berline, experiența/percepția estetică ar trebui să fie mai mare pentru nivelul mediu de excitare, excitarea fiind calculată ca suma proprietăților implicate: astfel, de exemplu, poligoane cu mai multe laturi ar trebui să conțină mai puțină culoare decât poligoane cu mai puține laturi.

Aceste studii timpurii au identificat abordări de măsurare a experienței estetice folosind o scară numerică simplă (cunoscută și sub numele de scară Likert) prin care imaginile sunt solicitate să fie sortate sau clasate de la cel mai puțin preferat/frumoase la cele mai preferate/frumoase. În ciuda faptului că această metodă se pretează la o critică ușoară din cauza inaccesibilității întregii game de evaluări pentru subiecți, astfel de măsurători subiective stau la baza studiului perceptiv al esteticii. De-a lungul timpului, evaluările subiective ale experienței estetice au fost completate cu metrici obiective, cum ar fi timpul petrecut privind o singură imagine și oxigenarea sângelui în creier, pentru a oferi date convergente pentru înțelegerea experienței estetice.

Estetica „În interiorul cadrului”

Primele experimente care au vizat înțelegerea esteticii prin studiul percepției au arătat o simplificare semnificativă a abordării. S-a presupus că se poate ajunge să înțeleagă originile frumuseții operei de artă în cauză prin studierea reacțiilor individuale la elementele de bază ale percepției vizuale. În același timp, evaluarea generală a picturii a fost împărțită în studiul preferinței componentelor sale individuale: combinații de culori, orientarea liniilor, dimensiunile și formele. Un factor limitator comun pentru multe studii psihologice este discrepanța dintre capacitatea de a controla materialele propuse în interiorul pereților laboratorului și, prin urmare, capacitatea de a generaliza datele obținute și exemplele mult mai diverse și mai bogate de artă vizuală care există în lumea reală. Cercetarea bazată pe stimuli vizuali abstracti înseamnă că subiecții nu au avut o expunere prealabilă la imagini, iar acest lucru limitează experiența estetică la latura primitivă, unde influența schemei sau a memoriei este exclusă, iar imaginea este evaluată doar prin stimuli. Și aceste tipuri de stimuli sunt departe de a fi reali: studiul poligoanelor ne va spune ceva despre opera lui Picasso?

William Turner, Epava

O oportunitate de a explora la intersecția nivelurilor inferioare și superioare ale experienței vizuale este oferită de opera lui Piet Mondrian, în care elementele picturale sunt suprapuse în mod special pe forme vizuale de bază, precum orientarea liniilor și culoarea. Ei le-au oferit cercetătorilor posibilitatea de a schimba în mod constant distanța dintre linii, orientarea și grosimea acestora, plasarea și combinațiile de culori în cadrul imaginii în cauză, pentru a evalua nivelul de schimbare la care subiecții au găsit compoziția originală Mondrian mai atractivă din punct de vedere estetic. decât cel modificat. Rezultatele au arătat că chiar și subiecții fără pregătire în arte vizuale au acordat note mai mari picturilor originale, sugerând că percepția estetică se datorează parțial plasării elementelor vizuale în imagine. Alte studii au arătat că preferința estetică pentru picturile originale față de picturile nealterate se aplică și lucrărilor cu caracter reprezentativ, deși preferința pentru lucrările originale a fost dezvăluită abia după ce au fost aduse modificări semnificative. Aceste observații au sugerat că de preferat din punct de vedere estetic ar fi o imagine în care artistul a obținut cea mai bună aranjare (sau echilibru) a elementelor, iar acest echilibru compozițional este ușor de perceput de către non-artişti. Descoperirile sunt în acord excelent cu principiul psihologiei Gestalt al lui Prägnanz (cunoscut și ca „corectitudine vizuală”) și oferă dovezi pentru universalismul experienței estetice.

Marcel Duchamp

Estetica „în afara cadrului”

Spre deosebire de abordarea obiectivistă a studiului empiric al esteticii, în care frumusețea unui tablou este considerată a fi ascunsă în organizarea elementelor vizuale în sine, abordarea subiectivistă subliniază rolul factorilor externi în determinarea a ceea ce este frumos și a ceea ce este frumos. nu este. Necesitatea unei componente subiectiviste in estetica va fi evidenta pentru oricine a avut ghinionul de a insoti un iubitor de pictura renascentista prin galeria de arta moderna. Faptul că indivizii pot avea răspunsuri foarte diferite la aceiași stimuli vizuali sugerează că atitudinile față de artă și pregătire au un impact semnificativ asupra percepției estetice. Comparațiile între percepțiile spectatorilor neantrenați și cele ale criticilor de artă sunt comune în literatura științifică, deși înțelegerea a ceea ce înseamnă a fi „critic de artă” sau „ce constituie un critic de artă” nu a fost niciodată atinsă. Pe baza diferențelor dintre arta figurativă și arta abstractă, culoarea originală sau alb-negru alterat, preferințele estetice ale „începătorilor” tind să fie către arta figurativă în culoare, în timp ce criticii de artă tind să aibă o gamă mult mai largă de preferințe.

Edward Munch

Se crede că numele picturii are un impact asupra răspunsului estetic al privitorului. Totuși, această influență depinde atât de conținutul titlului, cât și de tipul de imagine la care se referă. Adăugarea unui titlu descriptiv pentru picturile reprezentative poate fi redundantă (de exemplu, Epava de William Turner, Epava), dar titlurile lucrărilor mai abstracte (de exemplu, Nud coborând o scară de Marcel Duchamp) pot ajuta privitorul să deblocheze elementele ambigue individuale de pe pânză. Mai mult, informații suplimentare despre originea, stilul sau interpretarea unei lucrări pot influența semnificativ răspunsul unui individ. Astfel, informația conform căreia în lucrarea „The Scream” (1893) a lui Edvard Munch (The Scream) personajul din prim-planul imaginii nu țipă de fapt, ci mai degrabă încearcă să se protejeze de strigătul naturii, poate schimba radical perceptia estetica a pânzei . Au existat studii care compară răspunsurile la titluri fără titlu și titluri descriptive sau explicative. Titlurile descriptive sunt adesea utile pentru a obține imaginea corectă, în timp ce titlurile explicative tind să conducă la un răspuns estetic mai profund. Un alt factor extern care influențează percepția estetică este locul în care este privită imaginea. În interesul purității experimentului, persoanelor care participă la cercetarea estetică experiențială li se cere cel mai adesea să vizualizeze imagini pe monitorul unui computer pentru o perioadă limitată de timp. Acest lucru este fundamental diferit de vizualizarea picturilor într-o galerie, unde sunt prezentate în dimensiunea lor originală; distanța de vizionare este adesea calculată cu atenție, iar timpul de vizionare nu este limitat. Există puține date care compară percepția originalelor și a copiilor reduse și nu indică diferențe semnificative de percepție; cu toate acestea, se poate presupune că o parte din efectul optic sau de scară intenționat de artist se poate pierde atunci când dimensiunea este redusă. De exemplu, pânzele mari color ale lui Mark Rothko pot fi judecate diferit dacă dimensiunile lor nu sunt păstrate. S-a dedus experimental că o persoană petrece de obicei o jumătate de minut uitându-se la o imagine. Constrângerile de timp pot limita, de asemenea, profunzimea analizei unui tablou, ducând la o evaluare estetică doar a proprietăților generale ale imaginii.

Este simțul gustului măsurabil?

Compararea abordărilor obiectiviste și subiectiviste ale percepției estetice a operelor de artă a condus la începutul procesului de unificare; noua abordare se numește interactiv. În apărarea abordării obiectiviste, atât pictura reprezentațională, cât și cea abstractă evocă un răspuns estetic și, ca atare, relația dintre abordări trebuie privită prin lentila picturii în sine, nu prin conținutul acesteia. În apărarea abordării subiectiviste, stimuli vizuali identici pot duce la preferințe estetice diferite. Devine clar că alternative la abordarea nomotetică a esteticii empirice trebuie luate în considerare. Prin descompunerea stimulilor vizuali complexi în componentele lor principale, cercetătorii au găsit dificil să creeze un model de grup de satisfacție estetică care să reflecte în mod adecvat personalitatea. Mai mult, aplicarea clinică a esteticii tinde să încline spre o abordare ideografică. De exemplu, beneficiul paliativ al vizionării artei medicale se bazează mai mult pe personal decât pe cel instituțional. Deși pacienții aflați în stadiile incipiente ale bolii Alzheimer diferă între ei în ceea ce privește clasificarea imaginilor, preferințele lor estetice pot rămâne stabile pe o perioadă de două săptămâni, în timp ce memoria explicită nu rămâne stabilă în această perioadă. În cele din urmă, exemplele existente de imagini ale corpului masculin și feminin, care reflectă ideile de ideal, au arătat că evaluările estetice depind în mare măsură de o serie de factori socio-psihologici inerenți momentului de creare a acestor imagini. Înțelegerea esteticii atât la nivel individual, cât și la nivel de grup promite să conducă la o înțelegere mai intensă și mai frumoasă a mediului. Cercetările în estetică empirică au dovedit că este într-adevăr posibil să găsim o dimensiune de gust, deși unele dintre cele mai importante aspecte ale experienței estetice rămân evazive.

Ben Dyson

Voi adăuga de la mine.

Percepţie- (din latină perceptio - reprezentare, percepție) procesul de reflectare directă a realității obiective de către simțuri.

arta figurativa(din latină figura - aspect, imagine) - lucrări de pictură, sculptură și grafică, în care, spre deosebire de ornamentația abstractă și arta abstractă, există un început pictural

Cortical - care se referă la cortexul cerebral, cortical

scara Likert- numit după Rensis Likert - o scală de preferințe folosită pentru a identifica preferințele în sondaje.

Pregnanz(clar, clar) - se referă la Legea sarcinii, formulată de Ivo Köhler, unul dintre fondatorii psihologiei Gestalt. Legea sarcinii sau a „închiderii” este că „elementele câmpului sunt izolate în forme care sunt cele mai stabile și provoacă cel mai puțin stres” (Forgus). Deci, dacă imaginea unui cerc rupt clipește pe ecran cu o frecvență înaltă, vom vedea acest cerc ca un întreg.

Înțelegerea obiectului măsurării

placa este împrumutată de la psylib.org.ua. Autor - O.V. Belova

Am primit recent un mesaj de la o persoană care spunea că îi plac fotografiile mele, dar, din păcate, nu are „ochi fotografic”. Acest lucru m-a determinat să scriu următorul articol despre elementele de bază ale esteticii în fotografie.

Exprimă-ți opinia

Când vorbim despre estetică, ne referim la faptul că unele imagini sunt mai atractive pentru ochii noștri, fie că sunt fotografii, picturi sau sculpturi.

Diferența dintre un fotograf și orice altă persoană nu este capacitatea de a observa frumusețea, ci că fotograful trebuie să fie capabil să explice de ce anumite elemente sunt plăcute și altele nu. Există o înțelegere a esteticii în toată lumea. Oricine o poate vedea, dar doar câțiva pot analiza imaginea și explica tehnicile compoziționale care creează o imagine frumoasă.

Aceste tehnici nu au fost „inventate” de artiști experți. Au fost găsite într-o mare varietate de discipline. De exemplu, raportul de aur are semnificație nu numai în fotografie sau pictură, ci și în arhitectură, matematică și chiar aranjamente florale. Aceasta înseamnă că putem aplica unele dintre aceste reguli universale pentru a crea imagini pe care majoritatea oamenilor le percep ca fiind armonioase vizual.

Elemente compozite

Linii de conducere

Ochiul privitorului este ghidat automat de linii directoare și alte forme geometrice. Liniile principale ajută la accentuarea obiectului care devine în centrul atenției. Dacă ochii urmăresc în mod natural liniile și în cele din urmă se opresc la obiect, se creează o impresie foarte armonioasă.

Regula treimilor

Regula treimilor se bazează pe un principiu simplificat al raportului de aur și împarte imaginea în trei zone egale. Ajută să plasați subiectul decentrat și să creați un efect plăcut.

Zonele ideale pentru plasarea obiectelor sunt patru puncte formate ca urmare a intersectării liniilor paralele cu laturile cadrului. În fotografia de stradă, este de dorit să folosiți punctele înalte. Ne vor permite să arătăm mai mult subiectul asupra căruia dorim să ne concentrăm.

triunghiuri

Formele geometrice ajută la crearea unei mișcări dinamice într-o fotografie. Ele formează o bază auxiliară care îmbunătățește percepția și unește elementele individuale ale cadrului într-un singur întreg. De exemplu, obiectele geometrice precum triunghiurile și cercurile sunt populare.

regula ciudata

Fotografia anterioară arată deja un exemplu în care trei obiecte formează un triunghi. Dar privitorul este încântat să perceapă nu numai trei obiecte. 5 sau chiar 7 puncte de interes pot crește foarte mult valoarea estetică a unei imagini.

Această regulă ciudată se explică prin faptul că, dacă obiectele sunt ușor de aranjat, puse în perechi (2, 4, 6 etc.), atunci creierul nostru devine neinteresant.

rupe simetria

O imagine simetrică este o realizare grozavă, dar un cadru 100% simetric este prea clar. Pentru a-l face mai interesant, puteți doar să plasați obiectul la stânga sau la dreapta axei secțiunii.

Rezumând

Aceste tehnici de compoziție vă vor ajuta să creați fotografii plăcute din punct de vedere estetic. Nu trebuie să te naști cu niște ochi „excepționali” pentru a vedea imagini interesante. Fiecare om are un simț estetic. Diferența constă în a putea explica și recrea fotografii sau picturi plăcute pentru ochi.

Regulile de bază sunt o modalitate simplă de a crea o anumită strălucire în imagine, evitând haosul total. Cu alte cuvinte: o imagine reușită din punct de vedere estetic nu devine automat grozavă. Este doar o bază excelentă pentru a aranja intriga.

artă- un set de arte plastice, reprezentat prin pictură, grafică și sculptură, reflectând realitatea în imagini vizuale.

Pictura- un tip de artă plastică, ale cărei lucrări sunt create folosind vopsele aplicate pe suprafață.

Arta plastică se bazează pe capacitatea creativă a mâinii umane, controlată de creier și ochi, pe identitatea directă, direct vizibilă a imaginii și a obiectului, a imaginii și a celui reprezentat. Această identitate este ideală. Este, de asemenea, un produs al capacității unei persoane, dezvoltată istoric în activitatea practică, de a întruchipa o imagine ideală într-o formă materială, de a o obiectiva, de a o pune la dispoziție pentru percepție de către alte persoane.

Imaginea, purtătoare de subiectivitate umană, poartă o generalizare.

O imagine artistică este întotdeauna o asemănare vizibilă a unei imagini ideale care a apărut în mintea unei persoane și întruchipată într-un anumit material. Arta plastică este o cale specifică prin vizibil până la esență, prin contemplare până la reflecție, prin individ și accidental către universal și natural. Imaginea este un mod special de generalizare artistică, dezvăluind în crearea unei asemănări vizibile a imaginii și obiectului sensul vieții, idealul artistului, purtătoare de adevăr obiectiv accesibil ochiului.

Pictura ca formă de artă se distinge prin trăsături precum universalitatea figurativă, specificitatea senzuală asociată cu reflectarea întregii diversități a realității prin imagini direct vizibile și reproducerea în culori pe un plan.

Principalul mijloc de expresivitate a picturii este culoarea. În istoria culturii europene, culorii a primit adesea o semnificație simbolică: de exemplu, durere neagră, măreție sau suferință roșie, smerenie și remuşcări violete, speranţă sau frumuseţe verde. Aceste direcții s-au dezvoltat deosebit de strălucitor în epoca Evului Mediu. O nouă înțelegere a posibilităților culorii este asociată cu dezvoltarea abstractionismului (vezi teoria lui V. Kandinsky).

Se crede că pictura este o artă plată. Cu toate acestea, această afirmație este condiționată, deoarece pictura unor tendințe din istorie este caracterizată de o dorință de volum. Este suficient să amintim câteva idei de cubism (în special perioada târzie), artiștii renascentiste (căutarea perspectivei) sau trăsături ale imaginii în Egiptul antic (egiptenii înfățișau o persoană ca din puncte de vedere diferite, ceea ce aduce pictura mai aproape de volumul sculpturii).

Tipuri de pictură: monumentală și decorativă (picturi murale, plafoane, panouri), șevalet (tablouri), decor (decoruri de teatru și film), pictură decorativă de obiecte, pictură cu icoane, miniatură (ilustrări, portret), diagramă și panoramă.

Sunt considerate mijloace de exprimare în pictură: culoare, desen, compoziție, textură, clarobscur, tip de material, tip de tehnică, astăzi este și designul tabloului (adică rama, peretele sau locul în care este expus tabloul) , etc.

Genurile în pictură sunt: ​​portret, peisaj, natură moartă, animalistic, liric, istoric, luptă, cotidian, laic etc.

Principalele soiuri tehnice: ulei, apă pe tencuială, brut (fresco), uscat (a seco), tempera, lipici, ceară, email, mozaic, vitraliu, acuarelă, guașă, pastel, cerneală.

Arte grafice(lat. Eu scriu) - un tip de artă plastică bazat pe desenul și tipărirea unei imagini artistice.

Tipuri de grafică: șevalet (desen, tipar, tipar popular), carte și ziar și revistă (ilustrări, design), aplicat (mărci poștale, exlibris) și afiș.

Mijloace expresive grafice: linie de contur, contur, linie, ritm de compoziție, pată de culoare, culoare locală, culoare, fundal, contur, textură, suprafață a obiectelor recreate.

Sculptură(lat. - Decupez, sculpt) - un tip de artă plastică, ale cărei lucrări au o formă tridimensională, tridimensională și sunt realizate din materiale solide sau plastice.

Sculptura prezintă o anumită afinitate cu arhitectura: ea, ca și arhitectura, se ocupă de spațiu și volum, se supune legilor tectonicii și este materială în natură. Dar spre deosebire de arhitectură, aceasta nu este funcțională, ci picturală. Principalele caracteristici specifice ale sculpturii sunt fizicitatea, materialitatea, laconismul și universalitatea.

Materialitatea sculpturii se datorează capacității unei persoane de a simți volumul. Dar cea mai înaltă formă de atingere în sculptură, care o aduce la un nou nivel de percepție, este capacitatea unei persoane de a „atinge vizual” forma percepută prin sculptură, atunci când ochiul dobândește capacitatea de a corela adâncimea și convexitatea diferitelor suprafeţe, subordonându-le integrităţii semantice a oricărei percepţii.

Materialitatea sculpturii se manifestă în concretetatea materialului, care, dobândind o formă artistică, încetează să mai fie o realitate obiectivă pentru o persoană și devine purtător material al unei idei artistice.

Sculptura este arta de a transforma spațiul prin intermediul volumului. Fiecare cultură aduce propria înțelegere a relației dintre volum și spațiu: antichitatea înțelege volumul corpului ca o aranjare în spațiu, Evul Mediu - spațiul ca o lume ireală, epoca baroc - spațiul ca mediu captat de volumul sculptural. și cucerit de acesta, clasicismul - echilibrul spațiului și al volumului și al formei. Secolul al XIX-lea a permis spațiului să „pătrundă” în lumea sculpturii, dând volumului fluiditate în spațiu, iar secolul XX, continuând acest proces, a făcut sculptura mobilă și accesibilă pentru spațiu.

Laconismul sculpturii este legat de faptul că este practic lipsită de intriga și narațiune. Prin urmare, poate fi numit purtătorul de cuvânt al abstractului în concret. Ușurința de percepere a sculpturii este doar un aspect superficial. Sculptura este simbolică, condiționată și artistică, ceea ce înseamnă că este complexă și profundă pentru percepția sa.

Lumea sculpturii este reprezentată de o mare varietate de tipuri și genuri:

plastic mic (gliptice antice - sculptură pe minerale semiprețioase; sculptură în oase; figuri din diferite materiale, amulete și talismane; medalii etc.);

sculptură de forme mici (figurine de cameră de până la jumătate de metru cu teme de gen, destinate interioarelor și concepute pentru intimitatea percepției);

sculptură de șevalet (o statuie concepută pentru vizionare de jur împrejur, aproape de viața dimensiunilor reale ale corpului uman, autonomă și care nu necesită conexiune cu un interior anume);

sculptură monumentală și decorativă (reliefuri, frize pe pereți, statui pe frontoane, atlante și cariatide, lucrări destinate parcurilor și piețelor, decorațiuni de fântâni etc.),

monumentale (pietre funerare, monumente, monumente).

Cel mai popular gen în sculptură este portretul. Dezvoltarea genului portretului în sculptură merge aproape în paralel cu ideile despre rolul individului în istorie. În funcție de această înțelegere, portretul devine fie mai realist, fie idealizat. Formele portretului în istorie au fost variate: măști de mumie, un herm (un stâlp cu patru fețe cu cap de portret) la greci, un bust roman. Portretul a început să fie împărțit în funcție de scopul său: față și cameră.

Genul animalist se dezvoltă în sculptură chiar mai devreme decât portretul. Dar se dezvoltă reală odată cu prăbușirea ideilor antropocentrice despre lume și conștientizarea umană a materialității unice a lumii.

Un loc special în sculptură este acordat genului fragment - părți individuale ale corpului uman. Fragmentul sculptural ia naștere pe baza culegerii de fragmente de statui antice și se dezvoltă ca un fenomen independent cu noi posibilități artistice și estetice de exprimare a conținutului în care nu există o parcelă dată, ci doar un motiv plastic. O. Rodin este considerat strămoșul acestui gen.

Genul istoric este asociat cu reflectarea unor evenimente istorice specifice și cu povestea participanților acestora. Cel mai adesea, acest gen se realizează în forme monumentale.

Mijloace de expresivitate a sculpturii: construirea unei forme tridimensionale, modelare plastică, dezvoltarea siluetei, textură, material, clarobscur, uneori culoare.

Estetica artei plastice constă în posibilitatea de a vizualiza perfecțiunea. În vizualizare a apărut simțul frumuseții al unei persoane. În centrul percepției vizuale a unei persoane despre frumusețe se află capacitatea sa de a corela ceea ce este perceput direct cu ideea deja stabilită de perfecțiune. Experiența estetică a imaginii este plină de diversitate ca nimeni altul.