Stilul pop art: o scurtă istorie, caracteristici și fapte interesante. Stilul Pop Art: O scurtă istorie, caracteristici și fapte interesante Pop Art Interior: Video

Direcția în artă a anilor 1950 și începutul anilor 1970 apare ca o obiecție la abstracționismul nemuritor, ca o tranziție către o nouă viziune a avangardei. Artiștii din această direcție folosesc imagini cu produse de consum în masă în munca lor. Combină în lucrările lor obiecte de zi cu zi, fotografii, reproduceri, fragmente din publicații tipărite. Inspiratorii sunt revistele lucioase, televiziunea, publicitatea, fotografia.

Noile tehnici (imprimarea fotografiilor, utilizarea unui proiector de diapozitive, împrumutate din design industrial și publicitate) au lipsit artiștii de stilul lor individual unic de performanță, dar au dezvăluit în același timp latura estetică a mostrelor de producție în masă.

-Istoria artei pop

În 1952, mai mulți artiști, critici și arhitecți de la Institutul de Artă Modernă din Londra au creat „Independent Group”, care a studiat tehnologia modernă și cultura urbană. Pe baza cercetărilor, ei încearcă să formeze o nouă artă. Au luat ca bază cultura americană, care a evocat sentimente duble de ironie și admirație. Unul dintre membrii grupului, criticul Lawrence Alloway, a inventat termenul „pop art” pentru a se referi la acest stil. Prima lucrare care a devenit o icoană a acestei direcții a fost colajul lui Richard Hamilton „Deci, ce face casele noastre de astăzi atât de speciale, atât de atractive?” 1956 După aceea, conectarea diferitelor articole de tipărit devine una dintre tehnicile principale ale artei pop. Alți studenți ai institutului au folosit imagini urbane în lucrările lor - graffiti, afișe publicitare. Puțin mai târziu, în America, publicul a văzut o lucrare care mai târziu avea să devină recunoscută în întreaga lume. Aceasta este opera lui Andy Warhol, realizată în tehnica serigrafiei - un portret al lui Marilyn Monroe. Curând, la această lucrare au fost adăugate și alte lucrări la fel de cunoscute: benzile desenate ale Liechtensteinului în format pictură în ulei, hamburgeri uriași de vinil și altele.

Critica a reacționat diferit la direcția emergentă. Unii spuneau că nu este artă, ci anti-artă. Cu toate acestea, în Los Angeles a fost primit excelent, deoarece nu exista o tradiție artistică strictă și existau rezidenți înstăriți care erau foarte dispuși să colecteze opere de artă modernă. Cu ajutorul a numeroase expoziții, Pop Art s-a răspândit în toată Europa.

- Reprezentanți ai Pop Art

• Richard Hamilton este un pictor englez și membru al Grupului Independent. Creatorul primei lucrări Pop Art intitulată „Deci, ce face casele noastre de astăzi atât de diferite, atât de atractive?”

• Roy Lichtenstein- Artist englez, mare maestru al artei pop. A folosit culori acide și diverse tehnici tipografice pentru a-și crea lucrările. Picturile sale în ulei de benzi desenate au simbolizat viața americană într-o interpretare ironică.

• Andy Warhole- Artist, designer, scriitor american. O figură de cult în direcția Pop Art și, în general, a întregii arte contemporane. El a creat pictura faimoasă a lui Marilyn Monroe în tehnica serigrafiei.

• Claes Oldenburg- celebru sculptor american, clasic al Pop Art. Particularitatea sa a fost modul de a descrie obiectele de zi cu zi la o scară gigantică și de multe ori culori bizare, care ulterior au fost localizate în mod neașteptat în spațiul înconjurător al orașului. De exemplu, în Milano, în fața gării, se află sculptura lui - un ac, din care iese un fir multicolor.

• Robert Rauschenberg- Artist american. Inițial, a fost un reprezentant al expresionismului abstract, iar mai târziu în arta conceptuală și arta pop. Când și-a creat lucrările, îi plăcea să folosească gunoi și diverse gunoaie.

• Tadaomi Shibuya- designer, artist, ilustrator. Creând imagini în stilul pop art, el ia drept bază drept bază, folosește efectul de estompare, înfățișează modele geometrice din care în final se obține o lucrare foarte armonioasă cu imagini bine citite.

• James Rizzi - cel mai talentat artist, vedeta regiei Pop - art. Acest om a făcut lumea mai strălucitoare. Nu existau bariere pentru el, picta pe aproape tot ce putea ajunge: pe orice obiecte mici, pe stofa, pe mașini și case. El a dat fericire tuturor oamenilor.

• Peter Blake - Pictor englez care a fost membru al primei generații de pictori britanici de artă pop. A fost interesat de arta contemporană încă de la o vârstă fragedă. Spre deosebire de mulți artiști ai acestui trend, care au folosit decupaje din reclame și reviste în munca lor, Peter Blake creează imagini picturale reale. De exemplu, o lucrare numită „Playing Chess with Tracy”.

El a proiectat, de asemenea, coperta pentru faimosul sergent al trupei Beatles. Pepper's Lonely Hearts Club Band"

Pop art a apărut ca un înlocuitor pentru arta abstractă serioasă a secolului al XX-lea. Acest stil se bazează în mare parte pe cultura populară, așa că a devenit o formă de divertisment. Direcția s-a dezvoltat cu ajutorul reclamei, a tendințelor, precum și a modei. Fără filozofie, spiritualitate. Pop art (portrete) este una dintre secțiunile artei avangardiste.

Când a apărut stilul?

Accesibilitatea și simplitatea sunt calitățile care au făcut ca acest stil să fie incredibil de popular. Scopul a fost inițial acela de a avea un public larg, astfel încât este posibil să acoperiți cele mai discutate imagini. De aceea, stilul pop art a devenit una dintre cele mai influente mișcări de artă în pictură din secolul al XX-lea și nu numai.

Popularizarea stilului

Mai detaliat, stilul a câștigat popularitate în anii 1960, în ciuda faptului că a fost fondat puțin mai devreme, în anii 1950. Marea Britanie este considerată a fi locul de origine, iar o ascensiune activă a avut loc în Statele Unite ale Americii. Jasper Johns a fost și părintele fondator al artei pop.

Totul a început cu inițiativa Independent Group, care a fost fondat la Londra în 1952 printre artiști și arhitecți întreprinzători. Cultura populară urbană a fost completată de tehnologii moderne atunci când scriu pânze. Pe exemplul culturii americane, maeștrii au studiat influența psihologiei asupra publicului de masă, sensul profund și conținutul lingvisticii. M-a interesat în principal publicitatea industrială, tehnologiile actuale de producere a reclamelor și distribuția de colaje.

"E mâine"

1956 Vernisajul expoziției de artă pop „This is Tomorrow”. Societatea modernă a fost prezentată cu cadre de film ale tuturor filmelor preferate, idoli de la Hollywood, imagini mărite. Mulți s-au inspirat din noul stil neobișnuit. După expoziție, cei mai mulți dintre absolvenții școlilor de artă și nu numai și-au dorit să se alăture noii mișcări.

Motivele principale

Pop art (portretul) are principalele caracteristici prin care este ușor de înțeles că acesta este un anumit stil:

• Când se folosesc desene de artă populară. Afișe, graffiti, benzi desenate, discuri de vinil, grafică Marilyn Monroe.
• Țipete, culori strălucitoare. Protestă față de stilurile monotone obișnuite din interior. Doar disco-thrash și funk pentru tineret.
• „Plasticitatea” obiectivă în vopsele subliniază în mod favorabil originalitatea stilului de tineret.

Primul motiv este luat ca bază, dar altele completează perfect imaginea artei pop. De fapt, acest stil nu este independent, ci doar combină tot felul de detalii și creează o armonie specifică.

Utilizare în interior

Detaliile sunt elementele prin care se manifestă în interior toată versatilitatea artei pop.

• Libertate. Teren spațios, tavane înalte, minimalism. Merge bine în designul camerelor de zi, cafenelelor publice.
• Culoare deschisa. De regulă, un fundal alb extinde vizual spațiul. Mobilierul strălucitor țipător se potrivește întotdeauna perfect în nuanțe neutre.
• Creativitatea formelor. Creatorii ideologici au fost în mod activ pasionați de retro-futurism, pe lângă alte stiluri filistine. Când te afli într-un interior în stil pop art, există șansa să-ți amintești de buna științifico-fantastică din acea vreme.
• Cantitatea minimă de mobilier. Aceeași idee de simplitate și spațiu. Nu vor exista zone încărcate în sala de artă pop. Doar elementele esențiale pentru viață. Dulapuri multifunctionale, dulapuri, canapele.
• Varietate de accesorii. Este ușor să găsești o mulțime de lucruri mărunte: cum ar fi elemente de cultură de masă, detalii colorate și accente strălucitoare. De exemplu, perne care sunt împrăștiate în jurul perimetrului sau umerase atrăgătoare.
• Soluție de iluminat neobișnuită. Multe depind de lumină. Inclusiv starea de spirit a obiectului. Benzi LED, lămpi cu lichid, iluminat de tavan. Observați astfel de lucruri mai ales când toată atenția este concentrată asupra luminii.

Caracteristici de stil

Stilul pop art luminos și original nu este pentru toată lumea. Ar trebui să fie folosit în primul rând acolo unde se află zona de recreere. Mulți notează o asemănare clară cu kitsch-ul. Dar, de fapt, acestea sunt două stiluri diferite. O provocare pentru societate, un protest împotriva plictiselii, o acceptare a propriului gust unic, o dorință de a ieși în evidență - toate acestea arată acest stil într-o lumină favorabilă.

Portret pop art

O surpriză strălucitoare nu își pierde relevanța. Un astfel de cadou va fi de folos tuturor celor care apreciază expresia, stilul, creativitatea și, de regulă, neagă simplitatea.

Nu este un secret că trebuie să oferi emoții. Un portret pop art va face treaba perfect. Luminos, la modă, atrăgător. El va atrage imediat atenția asupra lui. Tot ceea ce este în stil și prezentare se reflectă în desen. Artiștii observă întotdeauna detalii și fapte interesante.

Vedem o nouă creștere a popularității picturilor pop art, fiecare dintre noi are șansa de a-i răsfăța pe cei dragi și prietenii cu un portret elegant și unic. Pentru mulți, acesta va servi drept exemplu și ei înșiși vor începe să facă acte atât de plăcute și romantice.

La începutul apariției sale, acest produs nu a fost remarcat în zadar de mulți oameni bogați și influenți ai vremii, deoarece a dat cu totul peste cap semnificația culturală. Conceptul de mișcare a schimbat adepții stilului. Arta pop este recunoscută în întreaga lume.

Lawrence Alloway a publicat un articol de rezonanță despre provocarea societății culturale, unde a descris în detaliu intențiile tinerelor talente. S-a întâmplat în America, dar, interesant, criticul era din Marea Britanie.

În cele mai multe cazuri, materialul pentru munca artiștilor pop este creat din tot felul de informații și folosește tehnologia combinată cu obiecte și mai interesante. Ca nimeni altcineva, mi-am dat seama la timp și l-am folosit.

Originea artei pop poate fi pusă pe seama perioadei muzicii pop a acelor ani, tocmai acest fapt a influențat dezvoltarea mișcării la Londra. Nu trebuie să căutați departe exemple, Peter Blake a creat coperta pentru The Beatles și Elvis Presley, mai ales că baza principală a lucrărilor sale a fost portretul lui Brigitte Bardot, așa cum Andy Warhol la New York a folosit portretul Marilyn Monroe.

Comparând abordarea engleză cu cea americană, se poate spune absolut sigur că a doua este mult mai agresivă și ironică în mesajul său.

Deși nu trebuie să uităm marele motto al lui Andy Warhol, care a devenit un fel de simbol al culturii americane în general: „Dacă totul în lume este făcut de mașini, atunci voi gândi ca o mașinărie”.

Motive clare, simboluri, linii ascuțite. Anti-artă în toate manifestările ei. Dadaiști deosebiti care au refuzat odată pentru totdeauna standardizarea lumii. Este în general acceptat că mâncarea a fost cea mai populară temă în lucrările artiștilor de artă pop, dar aceasta este o concepție greșită: au preferat mai mult obiectele vieții simple și toaleta.

Warhol a dus produsele producătorilor populari la un nou nivel prin multiplicarea siglelor mărcilor de top în lucru.

Concluzie

Astfel, o astfel de artă populară unică și inimitabilă a schimbat cu adevărat ideea de artă peste cap. A făcut o oarecare revoluție în lumea artei și nu numai. Până acum, mulți artiști, designeri, decoratori sunt inspirați, trăiesc și creează cu ajutorul acestui stil și folosesc și arta pop în interior. Stilul de viață numit pop art. Credem că va fi la fel de popular pentru mulți ani de acum înainte ca la mijlocul secolului al XX-lea.

Sperăm că articolul a fost interesant pentru dvs. și că ați reușit să găsiți răspunsuri la toate întrebările dvs. Vă mulțumim pentru atenție, dragi cititori. Apreciază arta.

Acum, prin termenul „pop art” ne referim la patru portrete ale Marilyn Monroe în culori acide, sau orice alte imagini ca aceasta. Cineva își va aminti și pânze uriașe cu imagini în stilul benzilor desenate. Dar puțini oameni pot explica ce este cu adevărat pop art. Cu toate acestea, istoria mișcării pop art este foarte interesantă. Reprezentanții acestei direcții sunt la fel ca descendenții lor: ciudați, dar atractivi în felul lor.

Începutul istoriei artei pop

Era sfârșitul anilor 50. În acei ani, pentru a fi considerat un intelectual și cunoscător al artei, era suficient să te uiți la imagine pentru ceva timp și, în cele din urmă, să tragi un fel de concluzie „profundă”. Și în acea perioadă uimitoare, toată lumea era un cunoscător: la urma urmei, direcția principală a vremii era expresionismul abstract.

Cum era el? Sincer vorbind, lovituri, lovituri, picături de vopsea pe o pânză mare. Și în toate acestea oamenii au încercat să discearnă sensul ascuns. Desigur, să te uiți la modul în care cineva a vărsat vopsea pe pânză se va plictisi mai devreme sau mai târziu, ceea ce, de fapt, s-a întâmplat.

Arta pop a apărut în Anglia în 1952, iar primii ei reprezentanți au fost trei studenți ai King's College. Dar acum este puțin probabil să găsiți informații despre ei, deoarece această direcție de artă a câștigat o reală popularitate în America. Una dintre primele lucrări în stilul pop art a fost colajul „Ce face casele noastre de astăzi atât de diferite, atât de atractive?”.

După cum puteți vedea, valoarea artistică a colajului este destul de controversată; cu greu poate fi atribuită artei înalte. Cu toate acestea, a fost un fel de declarație, un protest împotriva artei moderne. Și a funcționat. Pop art a început să aibă artiști noi și noi care au adus ceva al lor în această direcție. Drept urmare, până la sfârșitul anilor 1970, când arta pop a luat sfârșit în America, fenomenul său se răspândise deja în Anglia, Europa și chiar puțin în Uniunea Sovietică. Adevărat, în acesta din urmă nu a fost oficial, iar de-a lungul timpului, toți admiratorii și creatorii de picturi pop art au părăsit țara.

caracteristici de artă pop

Particularitatea artei pop este dezvăluită în numele său: pop (popular) - popular; arta - art. Pe scurt, este o artă în care se pune accent pe lucrurile mărunte pe care fiecare le poate găsi în împrejurimi. Susținătorii acestei mișcări au încercat să redea materialitatea și tangibilitatea artei. Ei s-au inspirat din viața modernă, din mediul lor și din viața de zi cu zi a americanilor obișnuiți.
Au făcut-o, fiecare în felul lui. Deci, de exemplu, arta pop poate include atât colaje precum cel pe care l-am arătat mai sus, cât și picturi cu artă comică. Unii au transferat fotografii pe pânze uriașe de mătase. Unele femei plate pictate, înconjurate de obiecte de uz casnic aproape tridimensionale. Unii fac găuri în imagine și își pun televizoarele în ele (nu, asta nu este o glumă, vor fi exemple mai jos). În arta pop, fiecare a adus ceva propriu și, prin urmare, această direcție este atât de diversă și ambiguă.

Reprezentanți ai artei pop

Mai jos vom vorbi despre cei mai străluciți și mai semnificativi reprezentanți ai mișcării pop art.

1 Andy Warhol

„Diptic Marilyn”, E. Warhol

Același Andy Warhol care a pictat-o ​​pe Marilyn Monroe. Apropo, el a „pictat” nu numai pe ea, ci și alte personalități celebre. Pe lângă faptul că desenează celebrități, a devenit celebru și pentru pictura sa cu două sute de conserve de supă. Ceea ce, de altfel, i-a adus o sumă uriașă de bani. De fapt, toate tablourile i-au adus profituri uriașe, pentru că zilnic se tipăreau 50-80 de exemplare, pe tot parcursul anului. El a portretizat totul: conserve, vedete, fotografii cu accidente de mașină, portrete ale criminalilor și multe altele. Și au cumpărat totul.

Apropo, Warhol a fost și regizorul care a filmat filmul de 24 de ore. Acest film, totuși, a fost fără un complot special: camera a filmat pur și simplu o persoană care dormea.

2 Roy Lichtenstein

„M-Poate”, R. Lichtenstein

Este renumit pentru că ne-a oferit benzi desenate de doi metri. A făcut totul și mai ușor decât Warhol: a făcut o poză care i-a plăcut, a mărit-o și a transferat-o pe pânze de mătase de 2x3 metri (uneori chiar mai mult). Acum, urmând exemplul lui, realizează o mulțime de tablouri înfățișând supereroi sau supereroine. Uneori, în picturile sale, pe lângă imagini, străluceau cuvinte.

3 Tom Wesselman

Bath Collage, T. Wesselman

A devenit faimos pentru că înfățișează oameni plate, desenați (adesea femei) pe obiecte reale. De asemenea, odată a pictat o natură moartă înfățișând o masă cu fructe pe ea și două tablouri: o stea și un portret al lui Abraham Lincoln. Dar principala caracteristică a acestei imagini a fost că artistul a făcut o gaură în ea în zona mesei și a pus acolo un televizor. În anii 80, apropo, a lucrat cu metal și și-a sculptat desenele pe el.

4 Robert Rauschenberg

„Drumul spre Rai”, R. Rauschenberg

Creatorul de „picturi combinate” care îmbină un desen și un obiect real. Adevărat, dacă Wesselmann a folosit această tehnică pe pânză, Rauschenberg a făcut-o altfel: a expus literalmente obiecte în galerii. Deci, de exemplu, una dintre cele mai faimoase lucrări ale sale este un pat. Literal, patul lui, acoperit cu vopsea și așezat vertical. Adevărat, cel mai adesea într-o direcție similară, el a acționat folosind animale de pluș. În plus, a avut trei etape, conform cărora și-a creat primele lucrări: pe un fundal alb, numerele și figurile erau înfățișate în negru (prima); pe pânză au fost lipite ziare mototolite (al doilea), pe toate acestea au fost așezate obiecte (unghii, ziare, fotografii etc.), iar poza era acoperită cu roșu. Este renumit pentru că a șters un tablou de Willem de Kooning (unul dintre liderii expresionismului abstract) și a expus-o, numindu-l „Desenul șters al lui Willem de Kooning”. Mai târziu, în anii 60 și 70, s-a oprit din desen și a intrat în acțiuni teatrale pe care le-a dat naștere pop art-ului.

5 Jasper Johns

„Două bănci” D. Jones

Un artist care pictează steaguri și turnează periuțe de dinți și cutii de bere în bronz. Și-a început calea creativă pictând tabloul „Steagul”, după ce a dormit pe steagul american. Aproape toate picturile sale în această direcție sunt cu steagul american în diferite culori. Interesant este că Jasper Johns este cel mai scump artist în viață. Iar tabloul său „Steagul alb” a fost cumpărat de muzeu în 1998 pentru mai mult de 20 de milioane de dolari.

Concluzie

Pop art a luat prin simplitate, necomplicație și neobișnuit. A înlocuit stilul abstract și de neînțeles și a fost atât de „viu” și de înțeles pentru toată lumea, încât a devenit imediat parte a culturii de masă. Desigur, totul se termină mai devreme sau mai târziu și intră în declin, dar în acest moment se creează picturi pop art, deși creatorii lor este puțin probabil să înțeleagă esența reală a acestei mișcări.

„200 de conserve de supă Campbell” E. Warhol

Introducere

La începutul secolului al XX-lea, tipul clasic de gândire al epocii moderne se schimbă în non-clasic, iar la sfârșitul secolului - în post-non-clasic. Pentru a fixa specificul mental al noii ere, care era radical diferită de cea anterioară, a fost introdus un nou termen. Starea actuală a științei, culturii și societății în ansamblu în anii 70 ai secolului trecut a fost caracterizată de J.-F. Lyotard ca „starea postmodernității”. Apariția postmodernismului a avut loc în anii 60 și 70. secolul XX, este conectat și decurge logic din procesele epocii moderne ca reacție la criza ideilor sale, precum și la așa-numita moarte a suprafundațiilor: Dumnezeu (Nietzsche), autor (Bart), om ( umanitate).
În perioada postmodernismului, distrugerea acoperă toate aspectele culturii. Postmodernismul ca eră artistică poartă o paradigmă artistică care afirmă că o persoană nu poate rezista presiunii lumii și devine un postuman. Toate tendințele artistice ale acestei perioade sunt pătrunse de această paradigmă, manifestându-l și refractând-o prin concepțiile lor invariante despre lume și personalitate. Arta pop - democrat-dobânditor într-o societate de „consum de masă”; aleatoric - omul este un jucător în lumea situațiilor întâmplătoare; hiperrealism - un sistem de viață impersonal într-o lume crudă și aspră; se intampla: personalitate magistrală, anarhic „liberă”, manipulată într-o lume haotică a evenimentelor întâmplătoare etc.
Pop art a fost o mișcare din anii 50 și 60 care reflecta viața de zi cu zi și înfățișa obiecte utilitare obișnuite. Artiștii de artă pop au estompat linia clară dintre arta înaltă și arta comercială. Arta pop este încă relevantă până în zilele noastre. Astăzi, lumea artei continuă să reflecte unele dintre ideile și tehnicile Pop Art ca mișcare de artă, precum și utilizarea materialelor introduse în artă de artiștii Pop Art.
Scopul acestei lucrări este de a lua în considerare una dintre domeniile postmodernismului – arta pop.
În cadrul acestui obiectiv, sunt necesare următoarele sarcini:

definiți conceptul de „pop art”;
caracterizează această direcție în artă;
luați în considerare munca unor reprezentanți ai artei pop în artă;
luați în considerare principalele varietăți (curenți) ale artei pop.

Arta pop(Ing. Pop Art din arta populară - artă populară, naturală) - o tendință în arta avangardă a Europei de Vest și a SUA în anii 1950 și 1960, în care arta plastică a fost înlocuită cu compoziții din obiecte reale, de obicei în mod neașteptat. sau combinații complet absurde, dezvăluind astfel „aspecte noi ale realității”.
Tendința artei pop s-a dezvoltat din dadaism, a simbolizat „ieșirea” artei în domeniul culturii de masă, al reclamei comerciale, al modei, al condițiilor de piață și, în ciuda ironiei, dorința de scandalos moștenită de la dadaiști nu era artistică, în cele mai multe cazuri, nici măcar activitate estetică. Principala categorie de artă pop nu a fost o imagine, ci o „desemnare” (lat. designatio), care eliberează autorul de procesul „făcut de om” de a descrie ceva. Acest termen a fost introdus de M. Duchamp cu scopul de a extinde conceptul de artă dincolo de limitele genului artistic propriu-zis de activitate.

Pop art este satisfacția artistică a „dorului de obiectivitate” generat de dominația îndelungată a abstractionismului și neoabstracționismului în arta occidentală. Unii cercetători văd chiar arta pop ca o reacție la arta neobiectivă. Estetizarea întregii lumi materiale devine principiul acestei arte. Pop art este o nouă artă figurativă. Pop art s-a opus respingerii abstracționiste a realității cu lumea brută a lucrurilor materiale, care este atribuită statutului artistic și estetic.
Teoreticienii artei pop susțin că, într-un anumit context, fiecare obiect își pierde sensul original și devine o operă de artă. Prin urmare, sarcina artistului este înțeleasă nu ca crearea unui obiect artistic, ci ca oferirea de calități artistice unui obiect obișnuit prin organizarea unui anumit context pentru perceperea acestuia. Estetizarea lumii materiale devine principiul artei pop. Artiștii se străduiesc să obțină atractivitatea, vizibilitatea și inteligibilitatea creațiilor lor, folosind poetica etichetelor și a reclamei pentru aceasta. Pop art este o compoziție de obiecte de zi cu zi, uneori combinate cu un model sau o sculptură. Mașini mototolite, fotografii decolorate, fragmente de ziare și postere lipite pe cutii, un pui umplut sub un borcan de sticlă, un pantof zdrențuit pictat cu vopsea albă de ulei, motoare electrice, cauciucuri vechi sau sobe pe gaz - acestea sunt exponatele de artă ale pop art.
Aceste instalații artistice au propria lor logică estetică: obiectele care în antichitate aveau un scop pur utilitar (vase pentru depozitarea cerealelor, amfore care conservau vinul) au căpătat în cele din urmă un sens pur artistic și acum stau pe standuri „sub sticlă” în cele mai bune muzee din lumea.
Artiștii și teoreticienii artei pop pornesc de la premisă: nu trebuie să așteptăm ora în care produsele utilitare ale epocii moderne își pierd scopul practic și, ca amforele antice, capătă o valoare artistică incontestabilă. În această sferă estetică este posibil să „accelerăm mișcarea istoriei” și să punem un pantof modern pe un stand de muzeu, dând acestei exponate un statut artistic și estetic.
Pop art este axat pe principii intuitive și iraționale ale creativității și abordări ale realității. Critica occidentală scrie despre asta: „Tot ce este mai bun în arta pop acționează indirect... Principiul care stă la baza acestei arte este acela de a găsi un mijloc de comunicare care să submineze orice formulare clară a gândirii la rădăcină”
Potrivit criticilor și esteticii occidentale, arta pop este „anti-artă” (G. Reid), „o perversiune din artă” (Planter), „un amestec de panopticon și gunoi” (Karl Borev), „o oglindă a realității americane”. ” (Willy Bond), „o reflectare a visului consumatorului” (Richard Hamilton), „o insultă la adresa a tot ceea ce este sinonim cu armonie” (A. Boske), „un mod de a atrage atenția asupra proprietăților abstracte ale lucrurilor banale” (Roy Lichtenstein).
Pop art a prezentat conceptul de identitate a consumatorului din societatea de „consum de masă”. Personalitatea ideală a artei pop este un consumator uman, pentru care naturile moarte estetizate ale compozițiilor de mărfuri ar trebui să înlocuiască cultura spirituală. Cuvintele înlocuite cu bunuri, literatura înlocuită cu lucruri, frumusețea înlocuită cu utilitate, lăcomia de material, consumul de mărfuri, înlocuirea nevoilor spirituale sunt caracteristice artei pop. Această direcție este orientată în mod fundamental către o persoană de masă, necreativă, lipsită de gândire independentă și împrumutând „își” gândurile din reclamă și mass-media, o persoană manipulată de televiziune și alte media. Această personalitate este programată de arta pop pentru a îndeplini rolurile date de dobânditor și consumator, demolând cu respect influența alienantă a civilizației moderne. Personalitate Pop Art - Zombie de cultură de masă.
De regulă, arta pop nu se ocupă de probleme sociale. Unele curente ale artei pop au influențat estetica vieții de zi cu zi, altele - asupra artei vitrinei.
Estetizarea și idealizarea lucrurilor caracteristice artei pop au fost întâlnite de mai multe ori în artă. Naturile moarte ale „micilor olandezi” au cântat frumusețea lucrurilor poetizate ca creații ale mâinilor umane; în aceste naturi moarte se cântau produsele muncii creatoare. În arta pop, un lucru este estetizat ca obiect de „consum de masă” într-o „societate de masă”. Există un fetișism estetizat al consumului, un cult al lucrurilor. Aceasta este esența artei pop. Afirmând un dobânditor de persoană, arta pop poetizează un lucru care ar trebui să intre în „consum de masă”, sau un lucru care a fost deja folosit, a servit, a depășit, dar încă păstrează pecetea uzului uman (compoziții din sobe cu gaz uzate, anvelope, mobilier).
Demonstrarea unui lucru vechi, uzat, uzat, spart „prin negație” stabilește un produs nou, cu drepturi depline. Deci, de exemplu, la Expoziția Mondială de la Montreal, în pavilionul SUA, s-a putut vedea o mașină veche și ponosită, cu ajutorul căreia nu numai mărcile de renume mondial de mașini americane, nu numai confort și servicii, ci, în cele din urmă, Imaginile americane au fost promovate „dimpotrivă”. Aceasta este o importantă tehnică publicitară și estetică a artei pop - arătând un lucru vechi, uzat sau spart, care „dimpotrivă” dovedește nevoia unui produs nou, cu drepturi depline.
Pop art - propaganda publicitară a unui lucru și declarația unei atitudini fetișiste față de acesta. Acest lucru se realizează cu ajutorul colajelor (de exemplu, în compozițiile lui K. Oldenburg) sau cu ajutorul unui interior decorat (de exemplu, o lopată atârnată pe un lanț - „Bucătărie” de J. Dine). Estetica artei pop este estetica utilitarismului, adesea nihilist, afirmând un lucru ca fetiș prin negație.
Arta pop este o artă în exterior rebelă care a îndeplinit o funcție „protectoare” de adaptare a unei persoane la societate. O întreagă aripă de artă pop s-a unit cu nihilismul social al Noii Stângi. Conținutul artei pop este negarea universală, iar scopul este extazul universal, colectiv, care este „un act de rebeliune împotriva tuturor și a oricărei forme de alienare”. Rebeliunea „noii stângi” a fost o formă de obișnuire cu personalitatea tânără din societatea occidentală. Aripa artei pop, care a servit această rebeliune, a încercat în toate modurile posibile să se îndepărteze de literatură, de cuvânt, de estetică - de tot ceea ce formulează verbal orientările de viziune asupra lumii ale individului. Și aceasta este contradicția internă a rebelilor.
Pop art s-a contopit cu nihilismul social al „noii stângi”, animat de patosul negării universale. Acest lucru a fost perceput de ei ca o eliberare a „potențialităților revoluționare”, ca o rebeliune împotriva alienării Pentru „noua stângă” muzica pop și impactul ei asupra publicului de masă a devenit un model al funcției sociale a artei. Ei au preferat muzica pop, deoarece tinde să fie percepută direct, colectiv și extatic.

2. Formarea și dezvoltarea artei pop ca direcție artistică

Statele Unite suferă de un complex de inferioritate culturală: ei simt că stratul lor istoric și cultural este mic (doar două sau trei sute de ani, în Europa este de zece ori mai mare), în plus, nu a fost civilizația Americii, ci cultura. al Parisului care a dictat modele artistice ale lumii; de regulă, în Europa s-au născut noi tendințe artistice. Și America a fost cea care a creat o nouă direcție artistică în anii 60 - arta pop. Totuși, este America?
Cu mult înainte ca artiștii americani să proclame crearea unei noi direcții - arta pop, ideea sa principală a fost proclamată și implementată în Rusia. În 1919, David Burliuk, împreună cu un grup de futuriști, a călătorit prin orașele de provincie sovietice, cuprinse de războiul civil din Rusia. Într-un oraș de provincie au fost anunțate spectacole ale futuriștilor, însoțite de o expoziție de artă. Din cauza transportului și necazurilor generale ale epocii, picturile lui Burliuk nu au ajuns la timp și expoziția a fost anulată. Apoi, la propunerea lui V. Shklovsky, la expoziție au fost agățate exponate, pe care astăzi le-am putea atribui artei pop art: capodopera principală a acestei expoziții au fost șosetele lui Shklovsky, așezate sub sticlă într-un cadru.
Pași importanți în dezvoltarea artei pop în Statele Unite au fost expozițiile New Realism care au început în 1962 la Sydney Janis Gallery și la Muzeele de Artă Contemporană Guggenheim. În același an, Richard Hamilton a expus o serie de litografii și picturi ideologice părtinitoare create în spiritul artei pop, Let's Explore the Stars Together, pe tema programului de explorare spațială al lui Kennedy. În centrul expoziției, Hamilton a plasat un colaj foto-poster publicitar care îl înfățișează pe Kennedy în costum spațial al unui astronaut la cârma unei nave spațiale interplanetare.
Arta pop a trecut curând oceanul și a apărut în Europa la Bienala de la Kassel (1964). Din 1964, Hamilton și-a expus lucrările de artă pop nu numai la New York, ci și la Londra, Milano, Kassel și Berlin. Galeria Tate din Londra (1970) a organizat prima expoziție retrospectivă a operei lui Hamilton. Au fost expuse 170 dintre lucrările sale: de la schițe în creion (ilustrări pentru romanul lui James Joyce „Ulysses”) până la douăsprezece schițe care înfățișează modele de modă populare într-un mod stilizat folosind colaj, email și produse cosmetice (ciclul „Mode Cliche”, 1969). Cele mai faimoase lucrări ale lui Hamilton includ: Interior II (1964), Whitley Bay (1965), I Dream of a White Christmas (1967).
Criticii americani au observat că utilizarea metodelor moderne de tipărire, care modelează în mare măsură ideile noastre despre lume, conferă lucrării lui Hamilton caracterul de viziuni obsesive.
Diferiți artiști de artă pop au o specializare de „gen”. Deci, D. Chamberlain este dependent de mașinile dărâmate. Genul preferat al lui K. Oldenburg este colajul, J. Dine este interioarele casnice. R. Rauschenberg s-a format ca artist de teatru, iar problema organizării subiectului a spațiului în noua sa activitate a rămas în frunte. El aranjează lucrurile după principiul „dezorderii artistice”. În plus, Rauschenberg a creat o „pictură combinată”, care este exprimată de echipamente audio. Una dintre tehnicile sale a fost fotomontajul combinat cu resturi de ziare, picturi și lucruri vechi.

3. Reprezentanții artei pop în artă

Cei mai cunoscuți reprezentanți ai artei pop, reflectând pragmatismul civilizației tehnice, au fost E. Warhol, J. Segal, R. Rauschenberg, K. Oldenburg.
Criticii americani îl numesc pe artistul american „părintele artei pop”. E. Warhol. Cariera sa a început în 1962, când impresarul Irwin Bloom a organizat o expoziție la Los Angeles. Pentru prima dată, spectatorii au văzut multe imagini mărite ale etichetelor de la conserve și sticle de suc de roșii în loc de picturi. Warhol a transformat trăsături specifice ale reclamei, cum ar fi expresivitatea, zgomotul deliberat, banalitatea, primitivismul și orientarea către omul obișnuit într-un principiu estetic al operei sale. E. Warhol a scris că vrea să fie o mașină inumană, separată de arta pe care o creează.
Imaginile sale sincer împrumutate și replicate cu Marilyn Monroe, Elvis Presley, Coca-Cola și dolarul american au zguduit literalmente arta mondială. Era epoca anilor 60 cu valul vulcanic al energiei tineretului, setea de reînnoire, activarea culturii populare și apariția artei pop. Această America a devenit protagonistul lucrărilor lui Warhol, ceea ce i-a adus faima ca primul superstar printre artiști. Popularitatea lui Warhol era de neimaginat. La una dintre expoziții, s-a expus chiar și ca opera sa. Energia lui Warhol s-a manifestat într-o varietate de domenii, arătând un nou tip de artist contemporan. Nenumăratele sale serigrafie, zecile de ore de filme, casetofonul omniprezent mereu activ, revista lui Interviu, unde vedetele intervievează vedete, Fabrica, așa cum își spunea studioul, localurile și părul vopsit în argint - toate acestea este Warhol- artist. Cartea „The Philosophy of Andy Warhol (From A to B and Vice Versa)” se află și ea în acest rând. Nu seamănă cu memoriile și declarațiile obișnuite ale artiștilor, este mai degrabă o lucrare pur literară, complexă eseistic, dintre care un număr de capitole sunt scrise în genul dialogului lui Andy (A) cu un anumit interlocutor (B). Textul acestei cărți este cheia pentru înțelegerea personalității și a operei lui Andy Warhol. Un text despre dragoste și faimă, despre timp și moarte, despre artă și frumusețe și despre cum să economisiți bani și despre cum să curățați și de ce toată lumea are nevoie de un coafor, iar uneori branțurile sunt mai importante decât un diamant. Adevăruri simple și complexe ale fiecărei zile din viața unui artist.
Robert Earnest Milton Rauschenberg(1925-2008) - artist american, reprezentant al expresionismului abstract, iar apoi al artei conceptuale și al artei pop. În lucrările sale, a gravitat spre colaj și tehnici readymade. În lucrările sale a folosit gunoaie și diverse gunoaie.
Lucrările timpurii ale lui Rauschenberg au fost o încercare de a scăpa de stereotipurile „metodei picturale” și de scopurile înalte ale artei tradiționale. De exemplu, a șters un desen de Willem de Kooning și l-a postat sub titlu Erased de Kooning. În anii 1950, opera lui Rauschenberg a crescut treptat numărul de obiecte reale - fotografii din ziar, bucăți de pânză, lemn, conserve, iarbă, animale de pluș - până când s-a ajuns la senzația că pânza sau întreaga compoziție era pe cale să izbucnească într-o altă lume. , realitate ciudat distorsionată. Cele două lucrări cheie ale lui Rauschenberg sunt colajele Pat(1955) și Monogramă(1955–1959). Primul dintre acestea a fost un pat real Rauschenberg, stropit cu vopsea și așezat drept ca un tablou; al doilea colaj a fost decorat cu o capră angora umplută. În anii şaizeci, Rauschenberg a început să organizeze spectacole, să colaboreze cu ingineri şi să folosească diverse materiale tipărite; el a căutat să exprime complexitatea și existența pe mai multe straturi a societății industriale moderne. În anii 1980, au fost publicate mai multe albume de fotografii ale lui Rauschenberg, care au fost concluzia logică a utilizării frecvente a materialului fotografic în colaje și întruchiparea ideii autorului despre lume ca un morman absurd de imagini.
Roy Lichtenstein(1923-1997) - artist american, reprezentant al artei pop. Împrumutând teme și mimând tehnicile producției picturale comerciale – benzi desenate, afișe de filme, publicitate – Lichtenstein a modelat iconografia culturii de consum americane.
Lichtenstein s-a născut pe 27 octombrie 1923 la New York într-o familie bogată. În 1940 a intrat la Facultatea de Arte Plastice de la Universitatea de Stat din Ohio. În 1960, Lichtenstein i-a cunoscut pe Klaas Oldenburg, Jim Dine și alți artiști de avangardă din New York. La acea vreme, „întâmplările” erau adesea aranjate la New York. Din aceste spectacole semiimprovizate, semiteatrale, când obiectele obișnuite au fost plasate într-un context neobișnuit, Lichtenstein și colegii săi au dezvoltat un nou stil care poetizează viața de zi cu zi - arta pop.
În primele sale lucrări de artă pop, Lichtenstein a folosit cele mai banale teme și obiecte de producție comercială: mingi de golf, adidași, hot dog și alte bunuri de larg consum, ipostaze care amintesc de fotografiile pornografice ( Fata cu o minge, 1961), și scene de violență crudă din benzi desenate și ficțiune tabloid ( Torpedo... los!, 1963). În celelalte lucrări ale sale, într-un mod similar stilizat și ironic, sunt interpretate intrigi și forme caracteristice cubismului, fauvismului, suprarealismului, expresionismului abstract și altor domenii ale artei contemporane. Lichtenstein a produs, de asemenea, sculpturi, picturi murale și picturi la fel de abstracte precum pictura pe care a denunțat-o în arta sa pop.
Claes Oldenburg(1929) - Sculptor american de origine suedeză, un clasic al artei pop. Fiul unui diplomat suedez, Oldenburg a locuit în SUA din 1936. A trăit în principal la New York și Chicago între 1946-1950. a studiat la Universitatea Yale și apoi, până în 1954, la Institutul de Artă din Chicago. În anii 1960 Oldenburg a jucat foarte mult cu diverse tipuri de întâmplări. Mai târziu a devenit mai implicat în arta obiectului.
Cea mai caracteristică tehnică a Oldenburgului este imaginea sculpturală a unui obiect destul de mic și complet obișnuit la o scară disproporționat de gigantică și adesea, de asemenea, colorat în mod bizar și situat în mod neașteptat în spațiu. Inițial provocatoare, lucrările lui Oldenburg sunt acum citite ca un joc elegant care se încadrează cu ușurință în peisajul urban - prin urmare, de-a lungul timpului, lucrările lui Oldenburg sunt folosite mai activ ca soluție vizuală pentru mediul urban. Așadar, intrarea în agenția de publicitate Chiat \ Day din Los Angeles a fost făcută de Oldenburg sub formă de binoclu negru uriaș, iar la Milano, în piața din fața gării Cadorna, un ac uriaș era pe jumătate înfipt în pământ. cu un fir roșu-galben-verde strălucitor ieșit din el (pe partea opusă a pătratului se află celălalt capăt al firului, cu un nod). În 1989, Oldenburg a fost distins cu Premiul Wolf în domeniul artei, în 1995 - Premiul Rolf Schock.
George Segal(1924-2000) Pictor și sculptor american, cunoscut pentru munca sa în ipsos. Primele desene și pânze ale lui Sehgal din anii 1950 arată lumea complexă a oamenilor în situații dramatice de viață. Ca sculptor care a început să lucreze în epoca artei pop, Sehgal își creează lucrările din ipsos și prezintă prima lucrare situațională în 1959/1960. bărbat pe bicicletă, înfățișând o figură de ipsos a unui biciclist pe o bicicletă obișnuită de fabrică. Primele sale figuri de ipsos aveau un cadru din lemn sau sârmă. Din 1961, realizează direct piese turnate în ipsos, îndepărtându-le din părți ale corpului uman. În anii următori, articole de mediu precum „ Cinema" (1963) și " Restaurant» (1967). La începutul anilor 1980, J. Segal a creat naturi moarte sculpturale din fructe de ipsos. Lucrează și cu bronz (compoziții): „ femeie de lângă lac"(bronz, acoperit cu lac alb, 1985)" întâlnire întâmplătoare"(bronz, 1989)" Femeie pe bancă„(bronz, acoperit cu lac alb; bancă metalică, 1989).
Lucrările lui Segal îndeplinesc principiile de bază ale artei pop americane - curentul. S-a inspirat din imaginile vieții de zi cu zi. Benzile desenate, publicitatea și produsele industriale au devenit sursele lumii ei imaginative. Unul dintre fondatorii artei pop, Richard Hamilton, și-a definit conținutul în următoarele cuvinte: popular, de scurtă durată, ieftin, de masă, tânăr, spiritual, sexy, jucăuș, șic și Big Business. Instantaneitatea intrigii este subliniata in pictura cu ajutorul unei tehnici care seamana cu efectele fotografiei, in sculptura - cu o recreare atenta a micilor detalii. Reproducând aspectele cotidiene, obișnuite, generale ale vieții umane, Sehgal lasă întotdeauna un loc privitorului în spațiul lucrărilor sale.

4. Varietăți de artă pop

Pop art ca direcție de artă are o serie de varietăți (tendințe):

op art(efecte optice organizate artistic, combinații geometrizate de linii și puncte),
ocr art(compoziții, organizarea artistică a mediului care înconjoară privitorul),
el-art(obiecte și structuri care se mișcă cu ajutorul motoarelor electrice, această tendință de artă pop s-a remarcat ca o direcție artistică independentă - cinetismul).

Concluzie

Rezumând cele de mai sus, se pot trage următoarele concluzii.
Arta pop(Ing. Pop Art din arta populară - artă populară, naturală) - o tendință în arta avangardă a Europei de Vest și a SUA în anii 1950 și 1960, în care arta plastică a fost înlocuită cu compoziții din obiecte reale, de obicei în mod neașteptat. sau combinatii complet absurde .
Termenul de „art pop” (artă populară) a fost introdus de criticul L. Eloway în 1965. Ca direcție artistică, arta pop întărește opoziția care s-a conturat mult timp în artă: masă – folk; masă – elită.
Pop art este satisfacția artistică a „dorului de obiectivitate” generat de dominația îndelungată a abstractionismului și neoabstracționismului în arta occidentală. Unii cercetători văd chiar arta pop ca o reacție la arta neobiectivă. Estetizarea întregii lumi materiale devine principiul acestei arte. Pop art este o nouă artă figurativă. Pop art a opus respingerii abstracționiste a realității cu lumea brută a lucrurilor materiale, căreia i se atribuie un statut artistic și estetic.
Pop art a prezentat conceptul de identitate a consumatorului din societatea de „consum de masă”. Personalitatea ideală a artei pop este un consumator uman, pentru care naturile moarte estetizate ale compozițiilor de mărfuri ar trebui să înlocuiască cultura spirituală.
etc.................

(eng. pop art, prescurtare pentru arta populară populară, artă publică; al doilea sens al cuvântului este asociat cu onomatopeea engleză pop sacadat, lovitură, palmă, adică producerea unui efect șocant) direcția artistică de la sfârșitul anilor 1950 începutul anilor 1970; apare ca o opoziție față de abstractionismul non-obiectiv; marchează trecerea la conceptul unei noi avangarde.

Reprezentanții artei pop și-au proclamat scopul „o întoarcere la realitate”, dar o realitate deja mediată de mass-media: reviste glossy, publicitate, ambalaje, televiziunea, fotografia au devenit sursa lor de inspirație. Pop art a returnat obiectul artei, dar nu a fost o viziune artistică poetizată, ci un obiect deliberat cotidian, asociat cu cultura industrială modernă și, în special, cu formele moderne de informare (print, televiziune, cinema).

Tehnici noi împrumutate din designul industrial și din publicitate: imprimarea foto, utilizarea unui proiector de diapozitive, includerea de obiecte reale, au contribuit atât la „depersonalizarea” modului de creație individuală a artistului, cât și la „dezvăluirea valorii estetice”. " de mostre de producție în masă.

Arta pop își are originea în Anglia; Artiștii americani și francezi au obținut cea mai mare faimă. Tendințe similare au apărut în Italia, Germania și chiar în URSS, care la acea vreme era separată de restul lumii prin Cortina de Fier.

Kuzmina M. Arta pop. În cartea: Modernism. Ed. a 3-a, M., 1980
Katalin Keseru. Variații la POP ART. Budapesta, 1994
Obukhova A., Orlova M. Pictură fără margini. De la pop art la conceptualism. 19601970. Istoria picturii. Secolului 20. M., Galart, 2001

Găsiți „POP ART” pe