Teatre din Italia. Perla de operă a Italiei: Teatrul La Scala Renumită operă din Italia

Vă prezentăm a doua parte a selecției noastre a celor mai frumoase teatre din Italia.

In contact cu

Opera din Roma

Prima clădire a Operei din Roma, cunoscută sub numele de Teatrul Costanzi, a fost construită în 1874. Sala principală a teatrului era legată printr-un pasaj subteran de Hotelul Quirinale, construit în 1865, tocmai în vremea când, datorită unificării Italiei, a avut loc dezvoltarea intensivă a Romei între gara centrală și Piazza Venezia.

În 1926, teatrul a fost cumpărat de administrația Romei. Finalizarea, extinderea și reamenajarea au fost încredințate arhitectului Marcello Piacentini, care și-a schimbat complet aspectul, mărind numărul de niveluri ale auditoriului la patru și instalând cel mai mare candelabru din lume din cristal de Murano. Teatrul a primit numele de „Royal Opera House” și a fost inaugurat la 27 februarie 1928 de Nero di Arrigo Boito.

După al Doilea Război Mondial din 1956, teatrul a început să fie extins și reconstruit din nou. Printre altele, s-a decis crearea unei săli pentru oaspeții de onoare și a unui foaier. Lucrarea a fost finalizată în 1960. Astfel, capacitatea teatrului a fost de 1.700 de locuri.

Tosca de Puccini a avut premiera la Teatrul Costanzi în 1900. Aici a avut loc premiera italiană a „Fata din Vest” cu participarea dirijorului Arturo Toscanini în 1911, precum și „Gianni Schicchi” în 1919. În 1910, teatrul a găzduit premiera „Maia” de Ruggero Leoncavallo, iar zece ani mai târziu, aici a avut loc premiera „Romeo și Julieta” de Riccardo Zandonai.

Pietro Mascagni a fost un obișnuit la opera romană, a fost directorul artistic al acesteia în 1909-1910, același teatru a găzduit astfel de premiere ale compozitorului precum „Honor Rusticana” în 1890, „Friend Fritz” în 1891, „Iris” în 1898 cu cu Enrico Caruso și „The Lark” în 1917.

Pe lângă premiere, publicul și-a amintit de producții precum „Căsătoria lui Figaro” de Mozart (1964), „Don Carlo” de Giuseppe Verdi (1965, dirijor Carlo Maria Giulini, regizor Luchino Visconti).

Opera din Napoli San Carlo

Deschiderea teatrului, construit din ordinul lui Carol al III-lea, a avut loc în 1737 cu opera „Achilles on Skyros” de Domenico Sarro pe libretul lui Pietro Metastasio. Aceasta este cea mai veche operă din Europa și una dintre cele mai mari din Italia. Capacitatea sa este de 2000 de spectatori. În curând, teatrul a devenit inima școlii de operă napolitană și un centru cultural de nivel internațional: în 1751, pe scena sa a fost pusă în scenă „La Clemenza di Tito” de Gluck, în 1761 – „Cato in Utica” și „Alexandra în India” de I.K. Bach, mai târziu Handel, Haydn și tânărul Mozart, care a vizitat prima dată teatrul ca spectator în 1778, au colaborat cu teatrul.

„Ochii sunt orbiți, sufletul este învins. […] Nu există un singur teatru în Europa care să nu se apropie de el, ci să-i constituie doar umbra palidă.” (Stendhal, 1817).

În secolul al XIX-lea, când Napoli strălucea printre capitalele europene și era o etapă obligatorie a „Marele Tur” al copiilor familiilor nobiliare, a început epoca de aur a San Carlo, unde apoi au dirijat Rossini și Donizetti. Toți artiștii celebri din acea vreme au considerat că este o onoare să cânte pe scena acestui teatru. În 1819, Nicolo Paganini a susținut două concerte aici, iar în 1826, pe scena sa a avut loc premiera „Bianca și Fernando” de Vincenzo Bellini, scrisă special pentru San Carlo.

Mai târziu, publicul său s-a bucurat de operele lui Pucini, iar la începutul secolului al XX-lea - muzica „școlii tinere” a lui Mascagni și a napolitanilor prin naștere și educație Leoncavallo, Giordano, Cilea și Alfano.

Teatrul Gran din Veneția „La Fenice”

Construcția teatrului a început în 1789 după proiectul arhitectului Giannantonio Selva și s-a încheiat în 1792. Opera principală din Veneția se află în Sestiere di San Marco. Teatrul a apărut datorită familiei Venier, din moment ce precedentul teatru San Benedetto, unul dintre cele mai elegante și prestigioase din oraș, a fost distrus de incendiu. Numele noului teatru („Phoenix”) simbolizează renașterea artei din cenușă. Numele a devenit profetic, deoarece teatrul a ars ulterior și a fost reconstruit de mai multe ori. Ultima renaștere a avut loc în 2003, după un incendiu puternic din 1996, care a distrus-o complet.

A fost nevoie de șapte ani întregi pentru restaurare și reconstrucție. La deschiderea sa, pe 21 decembrie 2003, uvertura „Consacrarea Casei” a fost dirijată de Riccardo Mutti, iar „Simfonia psalmilor” de Stravinski (compozitorul este înmormântat pe Insula Sf. Mihail din Veneția) și „Te Deum” de Au fost interpretate și Antonio Caldara, un proeminent compozitor venețian din secolele XVII-XVIII. Ceremonia s-a încheiat cu interpretarea „Trei marșuri simfonice” de Wagner, un compozitor cu legături strânse cu Veneția.

Este imposibil de enumerat toate premierele La Fenice. În secolul al XIX-lea, acestea erau opere de Rossini, Bellini, Donizetti și Verdi. Nu mai puțin este lista dirijorilor, cântăreților și regizorilor care au apărut pe scena sa. Din 1930, scena La Fenice a găzduit secțiunea Muzică Contemporană a Bienalei de la Veneția. În cadrul Bienalei, au fost interpretate pentru prima dată câteva lucrări ale lui Stravinsky, Britten, Prokofiev, Nono, Maderna și Malipiero.

Teatrul Regal din Torino

Teatrul a fost construit din ordinul regelui Carol Emanuel al III-lea în doar 2 ani de către arhitectul Benedetto Alfieri. Deschiderea a avut loc la 26 decembrie 1740. Acesta a găzduit până la 2.500 de spectatori într-o tribună spațioasă și aici au fost puse în scenă cele mai interesante spectacole cu decorațiuni de lux. Din 1997, teatrul a fost inclus pe Lista Patrimoniului Mondial UNESCO. Numele lui Giacomo Puccini, care a încredințat Teatrului Reggio premiera lui Manon Lescaut și La Bohème, precum și numele lui Richard Strauss, care a dirijat-o pe Salome în timpul premierei sale italiene din 1906, sunt strâns asociate cu teatrul.

În noaptea de 9 februarie 1936, teatrul a fost distrus de incendiu. A fost nevoie de aproape 40 de ani pentru a-l restaura.

Redeschiderea teatrului a avut loc pe 10 aprilie 1973 cu opera lui Giuseppe Verdi „Vecernia siciliană” pusă în scenă de Maria Callas și Giuseppe di Stefano. Teatrul devine din nou un centru semnificativ al vieții culturale în Piemont și Italia. În 1990, teatrul a sărbătorit 250 de ani de la înființare, iar în 1996, centenarul premierei mondiale a filmului La Bohème. În 1998, au fost sărbătorite 25 de ani de la restaurarea teatrului, iar în 2006 au fost sărbătorite cele XX Jocurile Olimpice de iarnă și Olimpiada de Cultură. Din 2007, directorul muzical al teatrului este compozitorul Gianandrea Noseda.

Teatrul Petruzzelli din Bari

Teatro Petruzzelli este al patrulea ca mărime din Italia și cel mai mare teatru privat din Europa. Își datorează înfățișarea din 1903 familiei Petruzzelli, care a dorit să-l aurize complet din interior, precum și să-l doteze cu încălzire și iluminat electric.

Pe scena sa au evoluat încă de la început cei mai mari muzicieni ai timpului lor, printre care compozitorul Pietro Mascagni, tenorii Benjamin Gigli și Mario del Monaco, dirijorii Herbert von Karajan și Riccardo Muti, cântăreața Renata Tebaldi și Luciano Pavarotti. În anii optzeci, teatrul a găzduit două premiere de mare profil: Iphigenia Tauride de Niccolo Piccinni, care nu a mai fost reprezentată niciodată după premiera de la Paris din 1779, și versiunea napolitană a Puritanilor lui Bellini, scrisă special pentru Maria Malibran și care nu a mai fost reprezentată.

În noaptea de 27 octombrie 1991, teatrul a fost avariat de un incendiu. A fost nevoie de aproape 18 ani pentru restaurare. Redeschiderea a fost marcată de interpretarea Simfoniei a IX-a a lui Beethoven, dirijată de Fabio Mastrangelo. Stagiunea de operă a început în același an cu Turandot de Puccini.

Opera Giuseppe Verdi din Trieste

Opera Giuseppe Verdi este una dintre cele mai vechi teatre de operă din lume. Construcția sa a început în 1798 după proiectul arhitectului Gian Antonio Selva (el a proiectat și La Fenice venețiană). Construcția a fost finalizată în 1801 sub conducerea lui Matteo Pertsch. Structura clădirii amintește de La Scala din Milano. Prima producție a fost „Genevieve of Scotland” de Simon Mayr.

În timpul sezonului de operă 1843-1844, Nabucco de Giuseppe Verdi a avut un succes uimitor la public. În 1848, teatrul a avut premiera Le Corsair de Verdi, iar în 1850, Stiffelio. În cinstea marelui compozitor, consiliul orășenesc din Trieste a decis să dea numele lui operei orașului.

Teatrul Massimo din Palermo

Teatrul Massimo Vittorio Emanuele din Palermo este cea mai mare operă din Italia și al treilea ca mărime din Europa după Opera din Paris și Opera de Stat din Viena. Suprafata sa este de 7700 mp.

Clădirea a fost construită în stil neoclasic pe terenul Bisericii Stigmatelor și Mănăstirii Sf. Iulian, care au fost demolate pentru a construi un teatru. Lucrările au început în 1875 după proiectul arhitectului Giovanni Battista Filippo Basile. Vernisajul a avut loc pe 16 mai 1897 cu opera Falstaff de Giuseppe Verdi, în regia lui Leopold Mugnone.

Fapt amuzant:în 1990, teatrul a devenit locația filmărilor pentru Nașul III al lui Francis Ford Coppola, cu Al Pacino, Andy Garcia și Sofia Coppola. Scena a fost filmată aici când Michael Corleone, care a sosit la Palermo, asistă la debutul fiicei sale în „Honor Rusticana” de Pietro Mascagni.

În primul sezon de operă, teatrul a oferit Aida (15 reprezentații), apoi au fost puse în scenă Lohengrin, La Traviata și Manon Lescaut. Opera „Regele din Lahore” de Jules Massenet s-a bucurat de un succes enorm în acei ani. S-a jucat de 17 ori într-un sezon.

Anii 1906-1919 au fost perioada de glorie a „Libertății de la Palermo”, marcată de premierele locale ale operelor lui Wagner: „Walkyrie”, „Siegfried”, „Amurgul zeilor”, „Tristan și Isolda”, „Parsifal”. Au fost puse în scenă premierele mondiale a patru opere: „Lost in the Dark” de Stefano Donaudi, „Veneția” de Riccardo Storti, „Luna Mariei” de Umberto Giordano, „Baronesa Carini” de Giuseppe Mule.

Parma Teatrul Reggio

Clădirea Teatrului Reggio din Parma a început să fie construită în 1821, după proiectul arhitectului Nicola Bettoli, la inițiativa ducesei Marie-Louise a Austriei, soția lui Napoleon, care a fost numită să conducă Ducatul de Parma și Piacenza după Congresul de la Viena. Ducesa a susținut marile tradiții ale muzicii italiene și a considerat Teatrul Farnese existent nedemn de nevoile orașului. Deschiderea noului teatru a avut loc la 16 mai 1829 cu opera „Zaire”, compusă special pentru acest eveniment de Vincenzo Bellini. Primul sezon de operă a continuat cu „Moise și Faraon”, „Moartea lui Semiramis” și „Bărbierul din Sevilla” de Gioachino Rossini.

Încă din momentul înființării, Teatrul Reggio a asistat și a participat la schimbări profunde în genul operei, care au marcat declinul erei lui Rossini și perioada de glorie a lui Verdi, creșterea interesului pentru opera germană și franceză și mișcarea. spre realism în lucrările lui Mascagni, Leoncavallo și Puccini.

Teatrul este considerat și astăzi a fi un adevărat custode al tradiției operistice italiene, nu mai puțin decât Scala din Milano și Fenice din Veneția, deși, desigur, este mai puțin cunoscut în lume.

Dacă ai fost vreodată în Italia, atunci știi cu ce se mândresc locuitorii Peninsulei Apenini. Galeria Uffizi și Catedrala Santa Maria del Fiore din Florența, Colosseumul și Fontana Trevi din Roma, Bazilica Sf. Marcu și Canalul Mare din Veneția. Din această listă pare să lipsească ceva? Așa e, teatrul La Scala din Milano, unul dintre cele mai cunoscute teatre de operă din lume, lipsește.

Nume afectuos

Pentru cei care știu puțin italiană, s-ar putea să vă surprindă numele teatrului La Scala. Într-adevăr, cuvântul italian skala tradus în rusă înseamnă, destul de ciudat, o scară obișnuită. Dar, de fapt, teatrul și-a primit numele de la biserica Santa Maria della Scala, pe locul căreia a fost construit. Și biserica a fost botezată în cinstea unei puternice patrone, una din familia domnitorilor din Verona, care purta numele de familie Scaliger.

Un milion de lire pentru un teatru nou

În anii 70 ai secolului al XVIII-lea, Teatrul Regal Ducal exista deja la Milano. Dar în 1776 a fost mistuit de incendiu, așa că locuitorii orașului au trebuit să se gândească la crearea unui nou teatru - nu au vrut să piardă gloria capitalei operei italiene. Cu acordul împărătesei Maria Tereza a Austriei, celebrul arhitect Giuseppe Piermarini a fost însărcinat să proiecteze o nouă clădire pe locul bisericii.

În secolul al XVIII-lea, Teatrul Regal Ducal exista deja la Milano

Teatrul a costat orașul aproape un milion de lire, ceea ce era o sumă uriașă după standardele de atunci! 90 dintre cei mai eminenți aristocrați ai orașului și-au împărțit cheltuielile între ei și au făcut furculițe. Arhitectului Piermarini și asistenților săi i-au trebuit doi ani pentru a crea un exemplu strălucit al stilului neoclasic și deja în 1778 teatrul a fost deschis vizitatorilor.

Cladirea teatrului La Scala

Centrul vieții milaneze

De la deschidere, La Scala a fost iubit de public. Sala teatrului, realizată sub formă de potcoavă uriașă (100 pe 38 de metri!), dotată cu aproape două sute de boxe, fiecare dintre ele putând găzdui până la 10 spectatori, bogat decorată cu aurire, nu a fost niciodată goală.

Sala teatrului, realizată sub formă de potcoavă uriașă

Adevărat, nu toți orășenii au venit la teatru să asculte opera. La acea vreme, La Scala a devenit adevăratul centru al vieții milaneze. Era dotat cu săli de jocuri de noroc și bufete, se țineau petreceri de cărți, baluri și chiar lupte cu tauri în pereții teatrului!

Sala teatrului La Scala

Rossini, Verdi și Ceaikovski

Prima lucrare pusă în scenă pe scena noului teatru a fost opera lui Antonio Salieri „Europa recunoscută”, pe care compozitorul a scris-o special pentru botezul focului de la Scala. Interesant este că, după reconstrucție în 2004, „Europa recunoscută” a redeschis o serie de producții pe scena teatrului. Probabil, locuitorii din Milano văd ceva simbolic în asta.

Capodopere ale unor compozitori celebri au fost puse continuu pe scena teatrului.

Capodopere ale unor compozitori celebri au fost puse continuu pe scena teatrului. De-a lungul anilor de activitate, La Scala a reușit să colaboreze cu Cherudini, Paisiello, Rossini (experții chiar vorbesc despre o perioadă specială Rossini din istoria teatrului). Este imposibil să nu-i amintim de Donizetti, Bellini, Puccini și, bineînțeles, Verdi! Adevărat, acesta din urmă nu s-a împrietenit imediat cu teatrul din Milano. După producția sa Joan of Arc, compozitorul și-a reziliat contractul cu La Scala și a plecat. Puțin mai târziu s-a întors din nou, deja îndrăgostit de acest teatru. Lucrări ale unor clasici ruși au fost puse în scenă pe scena milaneză de mai multe ori. De exemplu, „Regina de pică” de Ceaikovski, „Boris Godunov” și „Khovanshchina” de Mussorgsky, „Dragostea pentru trei portocale” de Prokofiev și „Katerina Izmailova” de Șostakovici au fost primite cu entuziasm.

Giuseppe Verdi

Ciocnirea Titanilor

Desigur, poate exista un teatru fără interpreți? Printre celebrii cântăreți de operă care au evoluat pe scena de la Scala se numără Caruso și Ruffo, De Luca și Skip, Gigli și Benzanzoni, Caniglia și Del Monaco, precum și celebrul cântăreț rus Chaliapin! Iubitorii de operă își amintesc mijlocul secolului al XX-lea ca fiind legendara confruntare dintre două prima donna - Tebaldi și Callas. Fiecare dintre cântăreți a avut propriul club de fani adevărat. Pasiunile au devenit uneori atât de intense încât fanii divelor de operă au trebuit să fie despărțiți de poliție. Este imposibil de spus cine a câștigat această rivalitate, dar în 1955, Callas și-a câștigat titlul de „divin”, interpretând rolul din La Traviata.

Renata Tebaldi

Maria Callas

Geniu de douăzeci de ani

Pentru mulți iubitori de operă, numele de La Scala este puternic asociat cu numele celui mai faimos dirijor al său, Arturo Toscanini. A apărut pentru prima dată pe scena teatrului din Milano în 1887, la vârsta de 20 de ani, deja celebru atunci - a devenit celebru interpretând „Aida” în Brazilia. Tânărul dirijor a debutat cu un succes răsunător, a luat frâiele teatrului și a introdus disciplina de fier. Toscanini a fost neobosit, a condus multe ore de repetiții, în ciuda faptului că mulți actori aproape că s-au prăbușit de oboseală. La începutul anilor 30, geniul a trebuit să părăsească Italia din cauza dezacordului cu ideologia guvernului, iar dirijorul a plecat în America. Când Toscanini a aflat în 1943 că teatrul a fost distrus de bombe, a devenit descurajat. În 1945, a donat un milion de lire pentru a-și restabili creația iubită, iar deja în 1946 a venit în Milano însorit pentru a conduce din nou în teatrul renovat.

Arturo Toscanini

Mână în mână cu baletul

Pe lângă operă, La Scala este, desigur, renumită pentru baletul său. Pe scena acestui teatru au lucrat cei mai cunoscuți coregrafi din Europa: Rossi, Franchi, Clerico, Vigano, Taglioni, Casati - aceasta nu este o listă completă.

Pe lângă operă, La Scala este, desigur, renumită pentru baletul său.

Pe scena de la Scala a crescut o întreagă galaxie de dansatori minunați: Vulcani, Pelosini, Fabiani, Franchi, Cerrito, Salvioni și mulți alții. Printre producțiile care sunt încă celebre se numără „Operele lui Prometeu”, „Vestal Virgin”, „Giselle”, „Lacul lebedelor”, „Spărgătorul de nuci”, „Daphnis și Chloe”, „Romeo și Julieta”.

Ekaterina Astafieva

Autorii eseului sunt L. A. Solovtsova, O. T. Leontyeva

Locul de naștere al operei este Italia. Dat la viață de idealurile umaniste ale Renașterii italiene, acest gen a apărut la sfârșitul secolului al XVI-lea. În unitatea poeziei, muzicii și teatrului, un grup de poeți și muzicieni florentini luminați au căutat modalități de a reînvia teatrul antic, de a crea o artă sintetică capabilă să exprime cu adevărat sentimentele umane. Florentinii au proclamat dominația poeziei asupra muzicii; Abandonând polifonia medievală, au propus un nou stil homofonic-recitativ. Potrivit lui B. Asafiev, pastoralele recitative ale florentinilor erau „un fel de propilee” la operă.

În prima jumătate a secolului al XVII-lea. opera s-a conturat treptat ca gen, dobândind o nouă direcție în dezvoltarea sa: trecând dincolo de cercul restrâns al poeților și muzicienilor florentini, a intrat în contact cu un public larg la Mantua, Roma, apoi la Veneția, unde în anii '30. Secolul XVII Prima operă permanentă din lume a fost deschisă. Spectacolele de cameră ale florentinilor au făcut loc unor spectacole de teatru magnifice; în același timp, muzica a început să prevaleze asupra textului – stilul declamator a fost înlocuit treptat de cantilena.

Cea mai mare realizare a operei italiene din secolul al XVII-lea este opera a doi compozitori remarcabili: Claudio Monteverdi (1567-1643) și Alessandro Scarlatti (1660-1725).

Monteverdi a lucrat la Mantua și apoi la Veneția, unde și-a creat cele mai bune lucrări. A fost primul mare compozitor de operă care a întruchipat personaje puternice și mari pasiuni pe scena teatrului. A îmbogățit opera cu o serie de noi mijloace muzicale și expresive; a combinat recitarea melodioasă cu cantilena; a subordonat melodia, armonia și scrierea orchestrală unui concept dramatic. Înaintea erei sale, Monteverdi a urmat calea creării unei drame muzicale realiste.

În spectacolele compozitorilor italieni ulterioare, conținutul dramatic a dispărut treptat în fundal; În același timp, rolul cântului virtuoz în muzica de operă a crescut din ce în ce mai mult.

Dezvoltarea operei italiene în a doua jumătate a secolelor al XVII-lea și al XVIII-lea. asociat cu înflorirea magnifică a artei vocale. Opera lui A. Scarlatti a pus bazele celebrei școli napolitane, care la începutul secolelor al XVII-lea și al XVIII-lea. a ocupat locul dominant deținut anterior de școala venețiană. După ce au adoptat experiența maeștrilor florentini, romani și venețieni, napolitanii și-au folosit realizările creative.

La Napoli s-a conturat în sfârșit genul operei italiene, unde muzica a dominat textul, unde au fost determinate tipurile de forme vocale și a înflorit arta de a cânta. Cântăreți italieni minunați au devenit celebri în întreaga lume nu numai pentru vocile lor frumoase, ci și pentru cea mai înaltă abilitate vocală, numită bel canto. Cu toate acestea, pe tot parcursul secolului al XVIII-lea. arta bel canto a căpătat treptat un caracter din ce în ce mai extern, virtuos. Cei mai buni cântăreți italieni posedau darul creativ al improvizației; În timp ce interpretau arii, le-au variat și au improvizat cadențe. Încercând să-i imite pe celebrii maeștri ai belcantului, vocaliștii mai puțin talentați au depășit adesea granițele a ceea ce era justificabil artistic în interpretarea lor.

Pasiunea cântăreților pentru tehnica virtuozică a influențat și munca compozitorilor. Cedând gusturilor publicului și obiceiurilor cântăreților, compozitorii au supraîncărcat adesea arii cu ornamente virtuoase. Dobândind o strălucire exterioară, muzica și-a pierdut treptat expresivitatea emoțională care a marcat opera lui A. Scarlatti și a celor mai apropiați adepți ai săi. Cântăreții virtuoși au ocupat primul loc în operă, împingând compozitorul și libretistul în plan secund. Atunci când compunea o operă, a fost necesar, în primul rând, să se furnizeze „numere spectaculoase” pentru favoriții publicului care cântă în ea.

Compozitorii școlii napolitane, chiar și în perioada ei de vârf, erau puțin preocupați de problemele dramei. Tipul de operă așa-numită „serioasă” (opera seria) care a apărut la Napoli a constat în principal dintr-o alternanță de arii și recitative; ansamblurile nu au jucat un rol semnificativ; aproape că nu erau coruri; locul principal era ocupat de arii și duete care exprimau sentimentele eroilor; recitativele descriau în principal evenimente și cursul dramei. Pe măsură ce puterea cântăreților virtuoși a crescut, atenția pentru conținutul dramatic a slăbit din ce în ce mai mult. Gusturile obișnuiților din teatrele de curte au avut un impact foarte negativ asupra dezvoltării operei seriale. Intrigile libretelor de operă s-au rezumat adesea la aventuri amoroase fără sens.

Temele eroico-pastorale, subiectele din mitologie și din Evul Mediu au servit doar ca pânză, dând naștere unor arii virtuoase strălucite. Cât de indiferenți erau atât interpreții, cât și ascultătorii față de unitatea stilistică a muzicii poate fi judecat după faptul că în anii 20. secolul al XVIII-lea S-a răspândit tipul de opere în care toate actele aparțineau diferiților compozitori. Astfel de opere se numeau pasticcio („pate”).

În mod repetat de-a lungul secolului al XVIII-lea. iar poeţii şi compozitorii au încercat să întărească dramaturgia operei „serioase”. Un merit considerabil pentru aceasta aparține poeților A. Zeno și Pietro Metastasio. Dar ei nu au depășit schematismul în construirea unui spectacol de operă: la fel ca predecesorii lor, Zenon și Metastasio au plecat nu din cerințele dramaturgiei, ci din ordinea stabilită în distribuirea arii și recitativelor între acte. Dramaturgia muzicală a operei a rămas în esență aceeași; în special, episoadele recitative au avut caracterul unor conexiuni formale între numerele vocale. În timpul spectacolului de recitative, publicul vorbea de obicei tare sau părăsea sala pentru a lua o gustare și a juca cărți.

Asta nu înseamnă că „printre compozitorii italieni nu existau artiști serioși, gânditori. În a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, în epoca iluminismului italian, a existat o dorință din ce în ce mai mare de a ridica nivelul artistic al operei „serioase”, dar niciunul dintre compozitorii italieni de la acea vreme nu a îndrăznit să se abată de la structura general acceptată. de opera seria, de a abandona virtuozitatea lipsită de sens a ariilor.

Concomitent cu opera „serioasă” a apărut și în măruntaiele aceleiași școli napolitane și opera comică (opera buffa). După ce a câștigat o mare popularitate de la primii pași, s-a răspândit rapid în toate orașele Europei, înlocuind opera „serioasă” chiar și de pe scenele teatrelor de curte.

Cu originile sale datând din secolul al XVIII-lea, opera comică italiană a luat naștere din scenele de comedie și interludiile care au intercalat operele venețiene și napolitane din acea vreme; cealaltă sursă a acesteia erau comediile dialectale (bazate pe dialecte populare), interpretate de obicei cu cântece simple. Ca gen, opera comică s-a stabilit în interludiile lui Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736); în ultimul sfert de secol a atins maturitatea clasică în lucrările lui Giovanni Paisiello (1740-1816) și Domenico Cimorosa (1749-1801). Democrată în aspirațiile sale, opera buffa a apărut ca reacție împotriva artei operei „serioase”, care se desprinsese de viață, și a apărut ca răspuns la cerințele unei noi estetici, care impunea artei să aibă o legătură specifică cu modernitatea. .

Opera comică italiană a arătat pe scenă aventuri distractive din viața contemporanilor săi; a ridiculizat viciile și a parodiat adesea chiar genul operei „serioase”. Opera buffa a pus în contrast patosul înclinat al operei seriale, arii virtuoase și recitativele sale care și-au pierdut expresivitatea cu comedia și temele de zi cu zi, melodiile populare simple și de zi cu zi, ritmurile de dans pline de viață și recitativele caracteristice, atât de apropiate de zgomotul comediilor în dialect popular. . Ansamblurile dinamice pline de acțiune au căpătat o mare importanță în opera comică.

Pe parcurs, opera buffa a evoluat; anumite elemente ale operei „serioase” au pătruns în comic și invers. Dar aceste genuri au continuat să coexiste separat chiar și în secolul al XIX-lea.

În zorii mișcării de eliberare națională care a zguduit întreaga Italie (primele decenii ale secolului al XIX-lea), romantismul literar a devenit expresia estetică a ideilor progresiste. Primii romantici italieni, participanți la mișcarea revoluționară a poeților carbonari, considerau ca sarcina principală a artei și literaturii să fie slujirea poporului. Ei au luptat pentru dezvoltarea culturii naționale, au cerut studiul vieții poporului, gândurile și aspirațiile lor, istoria și arta.

Crezând conștiința națională în poporul italian, ei au cerut țării să se unească și să răstoarne jugul sclavitorilor.

Mișcarea de eliberare națională s-a reflectat și în arta operei, insuflând în ea spiritul vieții moderne. O nouă direcție în operă s-a format sub influența progresivă a romantismului literar italian. Respingând subiectele mitologice tradiționale, compozitorii italieni s-au îndreptat către om, către lumea sa spirituală.

Opera lui Gioachino Rossini (1792-1868) a fost, parcă, o verigă de legătură în dezvoltarea operei italiene, completându-și etapa anterioară și punând bazele unei noi școli naționale. În operele comice ale compozitorului (cel mai bun dintre ele este „Bărbierul din Sevilla”), cu conținutul lor îndrăzneț, de actualitate, opera buffa a atins cel mai înalt vârf.

Rossini a îmbogățit și domeniul operei „serioase”, care la vremea aceea trecea printr-o criză ideologică și dramatică profundă. Adevărat, în lucrările sale au rămas multe convenții care au încălcat naturalețea dezvoltării dramatice. Este suficient să spunem că Rossini a transferat cu ușurință fragmente de muzică de la o operă la alta. Și totuși, în genul operei „serioase”, a creat o serie de lucrări remarcabile.

Rossini a apelat la teme eroice care răspund nevoilor timpului nostru; în operele sale au început să sune coruri puternice, au apărut ansambluri dinamice și dezvoltate, iar orchestra a devenit colorată și dramatic expresivă. William Tell de Rossini a pus bazele unui nou gen de operă romantică eroic-istoric.

Opera genialului Rossini și a contemporanilor și adepților săi mai tineri - Vincenzo Bellini (1801-1835) și Gaetano Donizetti (1797-1848) - sunt cele mai bune realizări ale artei operistice italiene din prima treime a secolului al XIX-lea. Acești compozitori au actualizat limbajul muzical al operei italiene, umplându-l cu melodii frumoase, apropiate intonațional de cântecele populare. Au știut să creeze melodii care scot în evidență cele mai bune aspecte ale talentelor cântăreților. Numele lui Rossini, Bellini și Donizetti sunt asociate cu activitățile interpretative ale unor mari cântăreți precum G. Pasta, G. Rubini, M. Malibran, A. Tamburini, L. Lablache, G. Grisi, care au stabilit gloria operei italiene. pe toate scenele europene.

Perioada de glorie a operei italiene a fost de scurtă durată. După crearea lui William Tell (1829), Rossini nu a mai scris opere. La mijlocul anilor 30. tânărul Bellini a murit. Până la începutul anilor 40. Munca lui Donizetti grav bolnav a mers la vale. Opera Națională trecea din nou printr-o criză gravă. Scena italiană a fost inundată cu un flux de opere mediocre compuse de numeroși imitatori ai lui Rossini, Bellini și Donizetti. În lucrările, care în cea mai mare parte au fost create în grabă, pentru sezonul următor, și au fost imediat uitate, s-a acordat extrem de puțină atenție problemelor de conținut ideologic și problemelor de dramaturgie. Melodiile de operă erau pline de efecte care nu rezultau din natura imaginilor și uneori chiar intrau în conflict cu conținutul. Compozitorii au continuat să scrie librete compilate după șabloane acceptate; numerele muzicale din opere au urmat modele familiare, neconectate organic prin acțiune.

Crearea libretelor de operă cu drepturi depline a fost împiedicată de rutina care domnea în casele de operă. Chiar și atunci când libretele au fost scrise de cei mai buni poeți ai vremii - precum celebrul Felice Romani -, când libretiștii s-au îndreptat către operele clasicilor literaturii mondiale, au încadrat intrigile într-o schemă standard, ceea ce le-a sărăcit inevitabil.

Opera italiană a fost scoasă din criza ideologică și dramatică de către Giuseppe Verdi (1813-1901), un curajos inovator, un campion înflăcărat, convins și consecvent al principiilor realiste ale literaturii italiene din epoca mișcării de eliberare națională.

Dacă fondatorul școlii naționale de operă a fost Rossini, atunci în opera lui Verdi a atins cel mai înalt vârf. Italia nu a avut un compozitor egal cu Verdi ca importanță și puterea talentului nici în timpul vieții lui Verdi, nici după moartea sa. Primele opere eroice ale compozitorului, apărute în anii 40, s-au născut din avântul tot mai mare al revoluției, când toate forțele culturale ale țării s-au alăturat mișcării de eliberare. Democrat și patriot convins, Verdi a creat o artă extrem de ideologică și, în același timp, accesibilă maselor largi. Meritul cel mai mare al muzicianului este că încă de la primii pași creativi, bazându-se pe tradițiile operei naționale și apărând identitatea națională, a urmat calea inovației, pe calea unei neobosite căutări a adevărului dramatic.

Artist inteligent și dramaturg înnăscut, el și-a dat seama că rutina formală și indiferența față de conținutul dramatic au dus opera italiană într-o fundătură. Dându-și seama că principalele defecte ale operelor italiene sunt înrădăcinate în schematismul construcției, a purtat o luptă neobosită pentru a crea librete dramatic cu drepturi depline și a supravegheat activ munca libretiștilor săi.

Verdi s-a străduit constant pentru vitalitatea realistă a personajelor și a situațiilor dramatice. Căuta noi forme dramatice și veridice. A încercat să subordoneze toate mijloacele expresive din operă identificării ideii principale.

Trecută printr-o fascinație pentru „romantismul feroce” al lui Hugo și al romanticilor spanioli apropiați și stăpânind critic realizările operei contemporane din Europa de Vest, Verdi în lucrările sale ulterioare - în Aida, Othello și Falstaff - a realizat o fuziune ideală. de acțiune, cuvinte și muzică, a ajuns să creeze o adevărată dramă muzicală realistă.

În anii 70-80. ai secolului trecut în opera italiană, care trecea printr-o perioadă de căutare și luptă între direcții, cei doi poli în jurul cărora s-au grupat forțele muzicale erau numele lui Verdi și Wagner. Fascinația pentru romanticii germani - și mai ales Wagner - și dorința de a-i imita au capturat o parte semnificativă a tinereții italiene. Acest hobby, care de multe ori se rezuma la simpla imitație, avea laturile sale pozitive și negative.

Studiul muzicii germane a trezit un interes crescut în rândul compozitorilor italieni pentru armonie, polifonie și orchestră. Dar, în același timp, au mers pe calea greșită, măturând tradițiile operei italiene, eliminând moștenirea operei clasice. Ei chiar au tratat munca lui Verdi cu dispreț. Cel mai proeminent reprezentant al acestei tendințe a fost Arrigo Boito (1852-1918), a cărui operă Mephistopheles s-a bucurat de un mare succes la acea vreme.

În ultimul deceniu al secolului, wagnerismului, care se răspândea în toată Italia, i s-a opus o nouă mișcare de operă - verismul (de la cuvântul „vero” - adevărat, adevărat). Terenul apariției opera verismului a fost pregătit de mișcarea literară a anilor 80, purtând același nume.

Prima operă veristă - „Onoarea Rusticana” a lui Pietro Mascagni (1890) - a fost scrisă pe baza intriga unei nuvele de Giovanni Verga. Atât „Honor Rusticana”, cât și continuarea sa „Pagliacci” de Ruggero Leoncavallo (1892) au avut un succes uriaș în rândul publicului, obosit de simbolismul vag din comploturile operistice ale imitatorilor italieni ai lui Wagner.

Credo creativ al verismului este adevărul vieții. Veriștii au luat temele operelor lor din viața de zi cu zi. Eroii lor nu sunt personalități remarcabile, ci oameni obișnuiți, obișnuiți, cu dramele lor intime. În acest sens, verismo italian este aproape de opera lirică franceză. Limbajul melodic al veriștilor italieni a fost influențat de melodia sensibilă a lui Gounod, Thomas și Massenet. Lucrările realiste ale lui Bizet și Verdi au câștigat o dragoste deosebită în rândul veriștilor. Veriștii au apreciat „Carmen” lui Bizet la fel de mult ca și operele lui Verdi, de la care au adoptat emoționalitatea accentuată a muzicii și severitatea situațiilor dramatice. Tocmai aceste trăsături ale creativității lor, precum și melodiile temperamentale și accesibile, veriștii au câștigat o mare popularitate. Cu toate acestea, interpretarea intrigilor din operele lor a căpătat adesea un caracter melodramatic. Dorind să arate viața de zi cu zi „fără înfrumusețare”, veriștii au înlocuit adesea reproducerea realistă a realității cu „fotografie” a acesteia. Și asta a dus la reducerea personajelor, uneori la ilustrativitatea superficială a muzicii, la naturalism.

Opera celui mai remarcabil compozitor italian al secolului al XX-lea este, de asemenea, în mare măsură legată de verism. Giacomo Puccini (1858-1924), care nu a scăpat de influența romantismului german în operele sale timpurii. În ceea ce privește aspirațiile sale creative de bază și trăsăturile caracteristice ale stilului său, Puccini este un verist, deși mult din opera sa depășește limitele verismului. Puccini este cel mai talentat și mai multifațetat dintre compozitorii acestei mișcări.

Verismul lui Puccini se manifestă în primul rând în atitudinea sa față de complotul operistic. În viața obișnuită, nevoiată, Puccini găsește material pentru o dramă profund emoționantă. Discursul său muzical este întotdeauna sincer din punct de vedere emoțional. Din punct de vedere al bogăției și prospețimii limbajului său muzical, compozitorul se remarcă printre contemporanii săi - veriștii. Și deși Puccini nu s-a putut ridica în opera sa până la culmile realiste ale lui Verdi, ci în ceea ce privește imediatul emoțional al impactului muzicii, în claritatea organică a melodiei, în puterea și strălucirea talentului său dramatic, el este moștenitorul direct al lui Verdi și un artist cu adevărat italian.

Cea mai bună moștenire a operei clasice italiene este opera lui Rossini, Bellini, Donizetti, Puccini și, mai ales, Verdi. Lucrările acestor compozitori sunt incluse în repertoriul majorității teatrelor muzicale și sunt auzite invariabil în concerte și la radio.

Opera clasică italiană, cu conținutul său ideologic progresiv, tradițiile naționale puternice și adevărata sa „vocalitate”, are un loc onorabil în vistieria culturii muzicale mondiale.

Mai departe, în secolul al XX-lea. Compozitorii italieni s-au arătat mai clar în formele muzicii instrumentale. Cu toate acestea, opera nu este uitată în Italia modernă. Autorul a zece opere, dintre care opera „Duminica”, pusă în scenă în 1904 la Torino, după romanul lui L. Tolstoi, s-a bucurat de un succes deosebit, a fost Franco Alfano (1877-1954). La începutul secolului al XX-lea. interpretat în genul operistic de Ottorino Respighi (1879-1936), un reprezentant al impresionismului italian, care a cunoscut și influența semnificativă a lui Rimski-Korsakov. Primele sale opere au fost „Regele Enzio” (1905) și „Semirama” (1910), puse în scenă la Bologna. În 1927, pe scena Teatrului din Hamburg a fost interpretată opera sa „Clopotul scufundat” bazată pe drama cu același nume de Gerhard Hauptmann. În perioada ulterioară a operei sale, Respighi a evoluat către neoclasicism. Rezultatul acestei întorsături a fost o adaptare liberă a operei lui Monteverdi Orpheus (1935), care a jucat un rol important în renașterea și redescoperirea operei de operă a acestui mare compozitor italian.

Cel mai mare reprezentant al generației mai vechi de compozitori italieni moderni care lucrează în genul operistic este Ildebrando Pizzetti (1880-1968). Stilul său compozițional sa format în studiul tradițiilor clasice și preclasice ale artei naționale. Pizzetti a compus constant opere pentru celebrul teatru din Milano La Scala. Celebrul Arturo Toscanini a condus premierele multora dintre ele. Prima a fost „Phaedra” după drama lui Gabriel d'Annunzio (1915) Opera „Fra Gherardo” bazată pe cronica istorică a Parmei în secolul al XIII-lea a fost pusă în scenă cu succes în 1928. Pizzetti, care a compus cincisprezece opere, nu poate. fi numit un inovator în teatrul muzical, dar operele sale au avut întotdeauna suficient succes pentru a rămâne în repertoriu mult timp. În anii de după cel de-al Doilea Război Mondial, venerabilul compozitor a continuat să lucreze intens pentru teatru în mod regulat: în 1947 - „Aur”, în 1949 - „Cadă Lupa”, în 1950. - „Iphigenia”, în 1952 - „Cagliostro” Aceste lucrări au păstrat unele trăsături ale verismului italian târziu, combinate cu influența lui Debussy (the recitarea rafinată și melodioasă a lui „Pelléas et Mélisande”) cel mai de succes și a câștigat recunoașterea în afara Italiei: „Fiica lui Iorio” după textul lui G. d'Annunzio (1954), pusă în scenă la Napoli de celebrul regizor Roberto Rossellini, „Murder in the Cathedral” „(1958) și „Clytemnestra”. " (1964). „Murder in the Cathedral”, o operă primită cu un interes deosebit de publicul englez, a fost scrisă pe baza textului poetic al unei piese populare a poetului și dramaturgului englez modern T. S. Eliot. Drama spune povestea vieții și morții arhiepiscopului de Canterbury, Thomas Becket, care a fost cancelarul regelui englez Henric al II-lea. Două motive formează un profund conflict ideologic în această lucrare: uciderea politică a lui Beckett, justificată demagogic de „necesitatea istorică” - „în numele puterii absolute a monarhului” - și martiriul acceptat voluntar de erou. Dramaturgul, în alcătuirea piesei sale, a prevăzut dinainte o posibilă structură muzicală. Inițial, combină formele de cult catolic și tragedia greacă antică cu un cor de comentarii.

În ceea ce privește amploarea talentului creativ și a rolului în teatrul muzical, lângă Pizzetti poate fi plasat doar Gian Francesco Malipiero (1882-1973). La fel ca mulți compozitori italieni ai secolului al XX-lea, a trecut printr-o pasiune pentru impresionism, care s-a reflectat într-o atenție deosebită acordată colorului orchestral. Dar deja în anii 20. acest compozitor s-a orientat către un studiu profund al maeștrilor italieni ai barocului și renașterii și a devenit un adept al neoclasicismului larg răspândit. După ce a dedicat mult timp și efort editării și restaurării operelor lui Claudio Monteverdi și Antonio Vivaldi, Malipiero însuși a fost puternic influențat stilistic de acești compozitori. Melodia diatonica a unui cântec popular antic și a cântecului gregorian a avut, de asemenea, o mare importanță în formarea stilului său.

Malipiero a compus cel puțin treizeci de lucrări muzicale și teatrale diferite. Din 1918 până în 1922, compozitorul a lucrat la trilogiile de operă „Orpheides” și „Goldoniana”. În 1932, a finalizat a treia trilogie, intitulată Misterul venețian. Una dintre cele mai faimoase opere ale lui Malipiero este Povestea fiului schimbător (1933), bazată pe piesa lui Luigi Pirandello. De asemenea, notăm operele „Distracția lui Callot” (1942) bazată pe povestea lui E. T. A. Hoffmann „Princess Brambilla” și „Don Juan” (1964) după „Oaspetele de piatră” a lui Pușkin.

O trecere în revistă a operei de operă a compozitorilor italieni contemporani din vechea generație ar fi incompletă fără numele de Alfredo Casella (1883-1947), deși domeniul muzicii instrumentale care nu este asociat cu cuvintele l-a atras pe acest mare maestru mult mai mult decât opera. În genul operistic, a compus trei lucrări: „Femeia șarpe” (1931) după piesa lui C. Gozzi (o stilizare a vechii opere italiene buffa), o operă de cameră într-un act „Povestea lui Orfeu” ( pusă în scenă în 1932) și o operă-mister într-un act „Deșertul ispitei” (1937), comandată de stat într-un stil fals „ceremonial monumental” și care povestește despre misiunea „culturală și creativă” a armatei italiene care a ocupat Etiopia. Sub dictatura fascistă, eforturile creative chiar și ale celor mai talentați compozitori au fost adesea limitate și distorsionate de cerințele demagogic pervertite ale „etnografiei”, „istoricismului” și naționalității și relevanței politice fals interpretate. Aceste pretenții, într-o atmosferă de izolare provincială, au caracterizat pseudoclasicismul „epocii Mussolini”, care s-a lăudat pe sine „epoca de aur” a artei.

Luigi Dallapiccola (1904-1975) a rămas un oponent de principiu al fascismului și al politicilor sale în artă, a cărui operă a primit o recunoaștere binemeritată în anii postbelici. În tinerețe, Dallapiccola a fost aproape de mișcarea neoclasică răspândită în Italia, dar deja la sfârșitul anilor 30. muzica lui dezvăluie trăsături expresioniste. Popularitatea lui Dallapiccola în anii postbelici a fost mult facilitată de două opere într-un act puse în scenă în mai multe țări ca spectacole de televiziune. Acestea sunt „Zborul de noapte” (1940) după povestea lui A. de Saint-Exupéry și „Prizonierul” (1949) după nuvela „Tortura prin speranță” de V. de Lisle-Adam. Dallapiccola este un exponent strălucit al ideilor rezistenței italiene în arta muzicală. În opera sa „Prizonierul”, acțiunea se mută în Spania în secolul al XVI-lea. Un luptător anonim flamand pentru libertate lâncește într-o închisoare spaniolă. Este chinuit de false promisiuni de libertate, zvonuri provocatoare despre evenimentele din patria sa și, în cele din urmă, este dus la executare. Ascultătorii nu au nicio îndoială că tema operei este teroarea fascistă și rezistența, lupta împotriva dictaturii politice care încalcă libertatea individului și a poporului.

Muzica lui Dallapiccola este profund expresivă, deși complexitatea limbajului său muzical împiedică uneori compozițiile sale să fie ușor de înțeles.

În anii 50 și 60. Operele italiene au pus în scenă lucrări ale unor compozitori care deveniseră anterior celebri pentru muzica lor de film. Este vorba despre Nino Rota (1911-1979) și în principal Renzo Rossellini (1908-1982), fratele celebrului regizor de film. Eforturile acestor compozitori au marcat o încercare de democratizare și actualizare a operei italiene moderne. Rossellini, în operele sale „Război” (1956), „Vârtej” (1958), „Carcatiță” (1958), „Vedere de pe pod” (1961), a ales în mod conștient subiecte moderne și a căutat să simplifice limbajul muzical, să-și aducă muzica mai apropiată de folclor și genuri de cântece populare.

Un exemplu și mai decisiv de reînnoire a teatrului muzical italian este opera lui Luigi Nono (1924-1990), Intoleranță, care a câștigat o mare popularitate în afara Italiei din 1961. Cu această lucrare, compozitorul a intenționat să reînvie tradiția teatrului politic, agitator al lui Brecht. Programul ideologic și estetic al lui Nono a necesitat rezolvarea unui număr de probleme complexe și, în primul rând, compozitorul a trebuit să combine cumva cerințele de accesibilitate și inteligibilitate ale operei cu mijloace tehnice noi și moderne de compoziție. Nono este unul dintre acei puțini reprezentanți ai „avangardei” postbelice care acceptă învățătura marxistă despre rolul artei în viața societății și recunoaște nevoia de a crea artă pentru oameni, o artă care să fie înțeleasă de larg. mase de ascultători. Prin urmare, în opera sa, Nono are grijă de simplitate și melodiozitate, introduce întorsături melodice populare, ritmuri de dans populare caracteristice și folosește un cor vorbitor de dragul intensității și impactului direct. Corurile cântătoare, preînregistrate pe bandă, sunt difuzate prin numeroase difuzoare. Sunetul lor puternic „stereofonic” ar trebui să evoce ideea muzicii monumentale a străzilor și piețelor, a muzicii în aer liber. Libretul operei, scris de însuși compozitorul, este foarte concis și schematic, permițând variații în situațiile individuale ale intrigii în interesul celei mai mari relevanțe a conținutului. Textul cuprinde un montaj de diferite strofe poetice de diferiți autori, declarații aforistice, sloganuri, care, din punctul de vedere al compozitorului, exprimă clar spiritul vremurilor. Prima versiune a operei s-a numit „Intoleranță. 1960” și conținea un protest împotriva războiului din Algeria. Montată mai târziu, această operă a fost plină de alte sloganuri de actualitate și citate din documente relevante din punct de vedere politic ale zilei. Opera și-a început călătoria pe scenele europene cu un scandal politic la festivalul de la Veneția din 1961. Cauza scandalului a fost tema sa - rezistența la violență, intransigența, propaganda ideilor de transformare socialistă a societății. Această lucrare a fost pusă în scenă în multe teatre europene, în ciuda naturii sale oarecum „de încercare”, experimentală. Acum există într-o nouă versiune sub titlul „Intoleranță. 1970”, ajustată cu noi tehnici regizorale, noi detalii intrigă, dar compozitorul continuă încă căutările ulterioare în această direcție, străduindu-se spre cea mai completă sinteză a tehnicilor dramatice ale teatrului politic modern cu noi mijloace muzicale și expresive.