Picturi necunoscute ale unor artiști celebri. Zece povești distractive despre picturi de la Galeria Tretiakov. La intersecția clasicismului și romantismului

Bill Stoneham „Mâinile îi rezistă”

1972

Această lucrare, desigur, nu poate fi clasată printre capodoperele picturii mondiale, dar faptul că este ciudată este un fapt.
Există legende care înconjoară tabloul cu un băiat, o păpușă și mâinile apăsate de sticlă. De la „oamenii mor din cauza acestei imagini” la „copiii din ea sunt în viață”. Poza arată într-adevăr înfiorător, ceea ce dă naștere la o mulțime de temeri și speculații în rândul oamenilor cu psihic slab.
Artistul a asigurat că poza se înfățișează pe sine la vârsta de cinci ani, că ușa este o reprezentare a liniei de demarcație dintre lumea realași lumea viselor, iar păpușa este un ghid care îl poate ghida pe băiat prin această lume. Mâinile reprezintă vieți sau posibilități alternative.
Pictura a câștigat notorietate în februarie 2000, când a fost listată spre vânzare pe eBay, cu o poveste de fundal care spunea că pictura era „bântuită”. „Hands Resist Him” a fost cumpărat cu 1.025 USD de către Kim Smith, care a fost apoi inundat de scrisori de la povești înfiorătoareși cere arderea tabloului.

Nu este un secret pentru nimeni că personalitățile celebre cad în situații extraordinare mai des decât altele. situatii de viatași diverse povești care, datorită martorilor oculari, sunt întipărite în biografiile lor de secole. De regulă, aceste povești sunt anecdotic amuzante, uneori amuzante și nu foarte plăcute și, de asemenea, instructive, care au devenit parabole. Astăzi vom vorbi despre fapte interesante din viața celebrilor artiști clasici ruși și europeni.

Autograful artistului este de zece ori mai scump decât tabloul în sine

Ilya Efimovici Repin. Într-o zi, o anumită doamnă a cumpărat un tablou cu semnătura „I. Repin”, plătind 100 de ruble pentru el. După un timp, a venit în atelierul pictorului și i-a arătat artistului achiziția ei. Repin, râzând de clientul ghinionist, a scris în partea de jos a pânzei: „Acesta nu este Repin”. După aceasta, doamna a vândut tabloul, dar pentru o mie de ruble.

Pictura este nemuritoare

Pablo Picasso. Un medic destul de faimos de la expoziție l-a abordat pe Picasso și a spus important: „Cunosc destul de bine structura anatomică a corpului uman”. Așadar, pot spune că oamenii din pânzele tale trezesc un oarecare regret și nedumerire. „Este foarte posibil”, a replicat Picasso. - Dar te pot asigura că vor trăi mult mai mult decât pacienții tăi.

Individualismul copiilor

Autoportrete. Pablo Picasso la 15 și la 90 de ani. Odată, după ce a vizitat o expoziție de desene pentru copii, Pablo Picasso a spus gânditor: „Când aveam vârsta lor, puteam să scriu ca Raphael, dar mi-a luat toată viața să învăț să desenez ca ei”.

Portretul mamei artistului (1896), pictat de Picasso, în vârstă de 15 ani.

Cec scump

Salvador Dali. Salvador Dali a avut un truc foarte inteligent pentru proprietarii de restaurante. Vizitând pentru prima dată un centru de divertisment, el a colectat companie mare prieteni și cunoștințe și și-a petrecut toată seara răsfățând pe toată lumea cu orice fel de mâncare și băutură din meniu. Când a venit momentul să plătească facturile, artistul a scris sfidător un cec de o sumă uriașă, apoi... a întors cecul și partea din spate a scris câteva cuvinte calde de recunoștință proprietarului stabilimentului și și-a semnat autograful. Calculul maestrului a fost simplu și de încredere: profitând de faima sa de geniu viu, Dali era sigur că proprietarul restaurantului nu va îndrăzni niciodată să încaseze un cec cu semnătura originală a lui Dali însuși! Așa se întâmpla de obicei: restauratorii au înțeles că în timp pot câștiga mult mai mult mai mulți bani pentru acest cec decât doar suma de pe bancnotă, dar comandantul a economisit o mulțime de bani.

Cine a luat-o razna?

Salvador Dali. Odată, într-o conversație cu prietenii săi, Salvador Dali a spus că toate dezastrele care au loc în natură nu-l mai surprind deloc. Apoi interlocutorul a început să dea cu entuziasm un exemplu de posibilă situație: „Bine, așa să fie, dar dacă la miezul nopții o lumină ar apărea brusc la orizont, vestind zorii dimineții?” Ridică privirea și vezi soarele răsărind. Nu te-ar surprinde asta cu adevărat? Nu ai crede că ești nebun? „Dimpotrivă”, a spus Dali fără ezitare, „aș fi crezut că acest soare a înnebunit”.

Uniuni creative

Isaac Levitan./„Ziua de toamnă. Sokolniki”. (1879)./ Nikolai Cehov. După cum știți, artistul Isaac Levitan s-a „specializat” doar în peisagistică, dar în moștenirea sa există o pânză înfățișând figură feminină plimbare in parc. „Ziua de toamnă. Sokolniki” este numele acestui tablou, pictat de el în anii studenției. Artistul nu s-a angajat niciodată să deseneze oameni și, în mod corect, trebuie remarcat că singura imagine a unei femei a fost pictată nu de artistul însuși, ci de prietenul său. scoala de Arte, frate scriitor faimos- Nikolai Cehov.

Ivan Aivazovsky./ „Pușkin pe malul mării.”/ Ilya Repin. Apropo, aceasta nu a fost singura colaborare creativă din istoria artei. De ce să nu ajuți „din prietenie” un prieten-artist care nu se descurcă bine? Nu mulți oameni știu că figura lui Pușkin din pictura lui Aivazovsky „Pușkin pe malul mării” a fost pictată de Ilya Repin.

K. A. Savitsky și I. I. Shișkin. La începutul anilor 1880 Fotografie. / „Dimineața în pădure de conifere" Iar celebrii urși din pictura lui Shishkin „Dimineața într-o pădure de pini” au fost pictați de artistul Savitsky. Ei bine, nu a mers maestru de geniu peisajul acestor animale amuzante. Dar taxa de patru mii de ruble din vânzarea acestui tablou a fost împărțită fratern, iar inițial erau două autografe pe pânză. Totul este corect... Cu toate acestea, proprietarul picturii, Pavel Tretyakov, a decis să lase autoritatea lui Shishkinin și a șters personal semnătura lui Savitsky.

Litera „B” acordată prenumelui artistului de însuși împăratul

Karl și Alexander Bryullov. Până la începutul secolului al XIX-lea, numele de familie Bryullov nu a existat în Rusia. Karl Bryullov, un celebru artist rus, s-a născut în familia academicianului de sculptură ornamentală Pavel Bryullo, ai cărui strămoși erau din Franța. Litera „v” de la sfârșitul numelui de familie a fost acordată lui Karl și fratelui său Alexandru, arhitect de profesie, prin cel mai înalt decret imperial înainte de călătoria sa de pensionare în Italia.

Expoziția unei capodopere

Arkhip Kuindzhi. În 1880, a avut loc un eveniment fără precedent în lumea artei rusești. La Sankt Petersburg, pictura lui Arkhip Kuindzhi „Noaptea cu lună pe Nipru” a fost expusă publicului pentru prima dată. Lucrul surprinzător a fost că ea a fost singura la expoziție. Zvonurile despre pictura extraordinară s-au răspândit în tot orașul cu mult înainte de a fi afișate, iar chiar în ziua deschiderii, părea că întreg orașul s-a adunat să-l privească. Multe trăsuri au blocat toate străzile din apropiere, iar oamenii s-au înghesuit în rânduri lungi la intrare. Mulți au vizitat expoziția de mai multe ori.

„Noapte de lună pe Nipru”. Publicul a fost fascinat de realismul extraordinar lumina luniiîn imagine, mulți au sugerat că artistul a folosit vopsele luminoase, unii chiar s-au uitat în secret în spatele tabloului, încercând să afle dacă există o lampă care luminează luna.

Jurământul lui Modigliani

Amedeo Modigliani. Amedeo Modigliani - celebru artist italian, - Foarte primii ani a devenit interesat de desen și pictură. Decizia finala A decis să devină artist la vârsta de unsprezece ani, după o pleurezie severă, când, întins în delir, Amedeo a decis: dacă va supraviețui, se va dedica picturii. Și s-a ținut de cuvânt.

Kuindzhi și păsările

Arkhip Kuindzhi. Arkhip Kuindzhi era foarte pasionat de păsări. Putea să stea ore în șir pe acoperișul casei sale, „vorbind” cu porumbei și corbi. Și le spunea adesea prietenilor săi că păsările îi înțeleg cuvintele și cădeau ușor în mâinile lui. Ei bine, desigur.... La urma urmei, în fiecare lună, artistul cheltuia o grămadă de bani pentru hrănirea păsărilor, cumpărând 60 de chifle franțuzești, până la 10 kg de carne și 6 saci de ovăz. Și odată, ilustratorul Pavel Shcherbov a publicat un desen animat în care Kuindzhi dă o clismă unei păsări. Se spune că Arkhip Ivanovici, care nu avea un simț special al umorului, a fost teribil de jignit de colegul său.

Caricatură. Pacienți cu pene (A.I. Kuindzhi pe acoperișul casei sale). Autor: Pavel Shcherbov.

Cinci mii pentru abajur

Konstantin Egorovici Makovski. / Fată îmbrăcată ca Flora. Konstantin Makovsky a fost renumit nu numai pentru portretele sale de salon ale soțiilor soților bogați, ci și pentru prețurile sale exorbitante. Artistului îi plăcea să mănânce și mâncare delicioasă, așa că se spune că era un adevărat gurmand. Dar într-o zi aproape că a avut probleme. Baronul Accurti, care tocmai a cumpărat un conac luxos cu abajururi pictate de Makovsky, dar fără autografe, a invitat cel mai popular artist ia micul dejun la restaurant. În speranța că artistul va semna gratuit abajururile în semn de recunoștință. Acest lucru s-ar fi întâmplat dacă nu pentru un „dar”... Makovsky era deja înmuiat în așteptarea unei mese rafinate și a promis că va merge imediat după ea și va semna toate cele trei abajururi gratuit. Și baronul cu pumnii strâns a făcut în sfârșit o comandă: a poruncit să se servească miros și pâine. „Am mirosit? Eu?” Makovski era indignat pe sine. Și a spus cu voce tare: „Cinci mii de ruble pentru o semnătură pe fiecare abajur!”

Valentin sau Anton Serov

Portretul lui Mika Morozov. / Valentin Serov. Prietenii și familia l-au numit pe Valentin Serov Anton. Acest nume i-a rămas ferm în copilărie, când părinții lui, din excesul de sentimente față de copil, îi spuneau pe micuțul Valentin Valentosha, Tosha și uneori Tonya. Puțin mai târziu, în familia Mamontov, Tosha s-a transformat în Antosha. Iar scrisorile pe care Ilya Repin le-a scris lui Serov, deja adult, începeau adesea cu adresa: „Anton, Anton!”

Micul șantajist

*Fata cu piersici*. Autor: V. Serov. Rudele lui știau mai ales că Valentin Serov lucra încet. Și când artista a decis să picteze un portret al fiicei de 11 ani a lui Savva Mamontov, Vera, (iar pânza a fost concepută ca un cadou pentru ziua de naștere a Elizavetei Mamontova, mama fetei), Serov a întâlnit un protest categoric din viitor. model. Verochka și-a dat imediat seama de consecințele acceptării să pozeze pentru artist. Nu era deloc tentată să stea săptămâni întregi într-o poziție nemișcată, în loc să alerge prin împrejurimile satului împreună cu semenii ei. Verochka era încăpățânată și Serov nu avea de ales decât să accepte condițiile ei: după fiecare sesiune, călărește cu ea pe cai.

*Fata cu piersici*. fragment. / Verochka Mamontova.

De-a lungul timpului, multe opere de artă capătă o serie întreagă de povești. Bine sau nu, complet diferite, neobișnuite, adesea înfiorătoare, adaugă o anumită aură celei mai modeste imagini. Apropo, astfel de aure sunt perfect vizibile specialiștilor în bioenergetică și psihicului. Evenimentele sunt, de asemenea, asociate cu picturile. Indiferent dacă apar ca urmare sau pur și simplu coincid în timp - nu vom argumenta. Dar vom face o scurtă trecere în revistă a unor astfel de lucrări și vom spune istoria picturilor.

Una dintre cele mai notabile dintre „damnați” este o reproducere a unui tablou a spaniolului Giovanni Bragolin „ băiat care plânge„Se știe că artistul a pictat-o cu propriul fiu. Însă șatarul, din cauza vârstei sale, nu a putut plânge la comandă. Apoi tatăl s-a pus pe treabă și a adus copilul la starea potrivită. Știa că copilul era îngrozit de foc. Prin urmare, tatăl a aprins chibrituri și le-a ținut lângă fața băiatului, copilul a început să plângă, iar artistul s-a pus pe treabă.

Bragolin a sacrificat nervii copilului său de dragul pasiunii sale pentru desen. Mai mult, legenda spune că într-o zi copilul nu a suportat asta și i-a urat tatălui său: „Arde-te!”, iar câteva săptămâni mai târziu copilul a murit de pneumonie. Și tatăl său i-a supraviețuit pentru o perioadă scurtă de timp, a ars în casa lui.

Istoria ulterioară a continuat în Anglia în 1985. În acest moment, a început o epidemie de incendii în partea de nord a țării. Clădirile de locuințe ard, complet arbitrar, iar oamenii mor.

Singurul detaliu interesant devine că după incendiu rămâne un singur lucru neatins – o anumită reproducere. Numărul de mesaje este în creștere și atinge o masă critică.

Unul dintre inspectori afirmă că „Băiatul care plânge” se dovedește a fi trasatura comuna toate incendiile.
După aceasta, ziarele și poliția primesc un val de mesaje care descriu toate cazurile care implică această reproducere. Se ajunge în punctul în care se propune oficial să scăpăm de această poză de rău augur din casă. Interesant este că originalul în sine este considerat pierdut, există doar o copie.

Următoarea „pânză cu pericol de incendiu” este creația impresionistului Monet „Nuferi”.

Unul după altul, atelierul creatorului a ars dintr-un motiv necunoscut, apoi casele proprietarilor - un cabaret în Montmartre din Paris, casa unui filantrop francez, Muzeul din New York. artele contemporane. Pe acest moment Tabloul se comportă liniștit și atârnă calm în Muzeul Mormoton (Franța).

Un alt „arzător” este situat în Edinburgh, în Muzeul Regal. Nu în mod deosebit poza impresionanta, portretul unui bătrân cu cu bratul intins. Potrivit legendei, degetele acestei mâini se mișcă, dar nu toată lumea poate vedea acest lucru. Dar cei care au văzut-o vor muri curând în foc.

Există două victime cunoscute ale acestui tablou - Belfast (un căpitan de mare) și Lord Seymour. Ambii au susținut că au văzut degetele mișcându-se și ambii au murit. Directorul muzeului s-a trezit și el între câteva incendii. Pe de o parte, publicul cere să scape de pictura „blestemata”, iar pe de altă parte, acesta este principalul mijloc de atragere a vizitatorilor. Așa că bătrânul este în largul lui în muzeu.

Nu mai puține mistere sunt asociate cu celebra „Gioconda” a lui da Vinci. Și aici impresiile sami despre imagine sunt variate: unii sunt încântați de ea, în timp ce alții sunt speriați și își pierd cunoștința. Există o părere că asta portret celebru are un efect foarte rău asupra privitorului. Peste o sută de astfel de evenimente au fost înregistrate oficial (!), când vizitatorii muzeului și-au pierdut cunoștința în timp ce contemplau pictura. Una dintre aceste victime a fost scriitor francez Stendhal.

Există și informații că modelul Mona Lisa a murit relativ tânăr, la 28 de ani, și marele Leonardo Timp de șase ani lungi a refăcut tabloul, corectând-o, până la moartea sa.

Un alt tablou prost, „Venus cu oglindă”, este de Velazquez. Se crede că toți cei care l-au achiziționat fie au murit de o moarte violentă, fie au dat faliment...

Chiar și muzeele au fost foarte reticente în a-l include în expozițiile lor, iar tabloul a migrat constant. Până când într-o zi un vizitator a atacat-o, tăind pânza cu un cuțit.

Următoarea poveste de groază, „Hands Resist Him”, a fost scrisă de artistul suprarealist din California, Bill Stoneham. A scris-o cu o fotografie a lui și a surorii sale în 1972. Poza arăta un băiat cu fața nedesenată și o fată păpușă, aproape de mărimea unui copil, stând lângă o ușă de sticlă. Mâinile copiilor se sprijină pe ușă din interior.
Povestea necazurilor cu acest tablou a început cu criticul de artă care a evaluat-o.

A murit pe neașteptate și repede. Următorul a fost un actor de film. Mai mult, există un gol în poveste; pictura a fost considerată a dispărut. Și atunci o anumită familie o descoperă în grămada de gunoi și, bineînțeles, o târăște în casă. Mai mult, îl atârnă în creșă. Drept urmare, fiica nu doarme noaptea, țipă și spune că copiii din imagine se mișcă și se luptă. Au pus o cameră cu senzor de mișcare în cameră și se stinge noaptea.

Familia decide să scape de tablou și îl scoate la licitație online. Imediat, organizatorii au început să primească o mare de plângeri că, după ce s-au uitat la filme pentru o lungă perioadă de timp, oamenii s-au îmbolnăvit, chiar având infarcte.

În cele din urmă, „Hands Resist Him” este cumpărat de proprietarul unui privat Galerie de artă. Care acum devine și proprietarul unui morman de plângeri împotriva ei. Apropo, el primește și oferte de la exorciști. Parapsihicii vorbesc, în general, cu o singură voce despre răul care emană din pictură.

Această fotografie a fost prototipul pentru „Hands Resist Him”:

Acesta este și Stoneham, dar mai târziu

Pictura rusă are și ciudateniile ei. Încă de la școală, toată lumea cunoaște Troica lui Perov. Rădăcina acestui trio este un băiețel frumos. Perov a găsit un model pentru această imagine la Moscova. O femeie cu fiul ei de 12 ani mergea pe stradă într-un pelerinaj.

Femeia și-a pierdut toți ceilalți copii și soțul ei, iar Vasya a devenit ultima ei consolare. Chiar nu voia ca băiatul să pozeze, dar mai târziu a fost de acord oricum. Dar după ce pictura a fost finalizată, foarte repede, Vasia a murit... Femeia cere să-i dea poza, dar artistul nu mai poate, tabloul la acea vreme este deja în Galeria Tretiakov. Și Perov pictează apoi un portret al băiatului și îl dăruiește mamei sale.

Vrubel are și ea atât de multă muncă. Portretul fiului său Savva a fost pictat cu puțin timp înainte moarte neașteptată băiat.
Dar „Demonul învins”... Vrubel a rescris-o constant, a schimbat culoarea, iar lucrarea a avut un impact foarte grav asupra psihicului artistului.

Nu a încetat niciodată să lucreze, nici după ce lucrarea a fost plasată la expoziție... Vrubel a venit chiar la expoziție și a lucrat la pânză. Bekhterev însuși l-a examinat. Drept urmare, rudele îl sună pe psihiatru Bekhterev și acesta pune un diagnostic teribil. Vrubel este internat într-un spital, unde moare curând.

Mai mult cuplu interesant tablouri

Unul dintre ele este „Maslenitsa” de Kuplin

al doilea îi aparține lui Antonov.

Picturile au câștigat o faimă deosebită în 2006, când o înregistrare a apărut pe internet, se presupune că în numele unui student. Cine a afirmat că copia aparține stiloului unui nebun, dar există o caracteristică în imagine care indică imediat dezordine mentala autor. Mulți oameni încep să caute această diferență, dar bineînțeles că nu o găsesc... sau mai degrabă, sunt multe opțiuni oferite, dar nu este posibil să verificați corectitudinea... încă)

O altă sperietoare a fost portretul Mariei Lopukhina, pictat în timpul lui Pușkin.
Viața ei a fost foarte scurtă și aproape imediat după ce a creat imaginea a murit de tuberculoză.

Tatăl ei, despre care se zvonește că este un Maestru Mason, a reușit să surprindă spiritul fiicei sale într-un tablou. Și acum fiecare fată care se uită la portret riscă să moară. Are deja peste o duzină de fete tinere în contul ei. În 1880, pictura a fost cumpărată de filantropul Tretiakov. După aceasta, zvonurile se sting.

Următorul tablou „întunecat” este „The Scream” de Munch. Viața lui a fost o mare tragedie neagră - moartea mamei sale în vârstă fragedă, moartea unei surori și a unui frate, apoi „schizofrenia” unei alte surori. În anii 90, după o cădere de nervi, a fost tratat cu electrocutare. Îi este frică de sex și, prin urmare, să nu se căsătorească. Munch moare la vârsta de 81 de ani, după ce i-a predat picturile (1200), schițele (4500) și 18.000 de fotografii.
Pictura principală a lui Munch a fost „The Scream”.

Mulți dintre cei care au trebuit să intre în contact cu tabloul primesc o lovitură a sorții - se îmbolnăvesc, se ceartă cu cei dragi, cad în depresie severă sau mor.
Sunt deja destul de multe povești de groază. Un angajat, o persoană complet sănătoasă, l-a scăpat accidental și, ca urmare, a primit atacuri de cefalee cu o severitate crescândă, aceasta a durat până când angajatul s-a sinucis. O altă persoană care a scăpat tabloul a fost lovită accident de mașinăși a suferit fracturi severe la brațe, picioare, coaste, pelvis și o comoție cerebrală. Și aici putem include un vizitator curios care a înțepat poza cu degetul. Câteva zile mai târziu arde de viu în propria sa casă.

Olandezul Pieter Bruegel cel Bătrân a scris „Adorarea magilor” în decurs de doi ani.

Modelul pentru Fecioara Maria a fost verișoara lui, o femeie stearpă care a fost bătută de soțul ei pentru asta. Ea a fost cea care a provocat aura proastă a imaginii. Pânza a fost cumpărată de colecționari de patru ori și după aceea nu s-a născut niciun copil în familii timp de 10-12 ani. În 1637, Jacob van Kampen a cumpărat tabloul. Până atunci, avea deja trei descendenți, așa că nu se temea de blestem.

Dacă te uiți la această imagine timp de aproximativ cinci minute la rând, fata din imagine se schimbă - ochii ei devin roșii, părul devine negru și colții cresc.

„The Rain Woman” a fost scris de Svetlana Taurus în 1996. Cu jumătate de an înainte, ea a început să simtă un fel de atenție, observație.

Apoi, într-o zi, Svetlana s-a apropiat de pânză și a văzut-o pe această femeie acolo, întreaga ei imagine, culori, texturi. Ea a pictat foarte repede tabloul, a simțit că cineva mișca mâna artistului.
După aceasta, Svetlana a încercat să vândă tabloul. Dar primul cumpărător a returnat rapid tabloul, pentru că i s-a părut că e cineva în apartament, a visat la această femeie.

Era un sentiment de tăcere, un sentiment de frică și anxietate. Ploaie. Același lucru s-a repetat de mai multe ori. Acum tabloul atârnă într-unul dintre magazine, dar nu mai sunt cumpărători pentru el. Deși artistul crede că pictura își așteaptă pur și simplu privitorul, cel căruia îi este destinată.

Astăzi, în fiecare muzeu puteți asculta ghizi minunați care vă vor povesti în detaliu despre colecție și artiștii reprezentați în ea. În același timp, mulți părinți știu că pentru majoritatea copiilor le este greu să petreacă chiar și o oră într-un muzeu, iar poveștile despre istoria picturii îi obosesc destul de repede. Pentru a preveni ca copiii să se plictisească în muzeu, oferim părinților o „foaie de înșelăciune” - zece povești distractive despre tablouri din Galeria Tretiakov, care va fi interesant atât pentru copii, cât și pentru adulți.

1. Ivan Kramskoy. „Sirenele”, 1871

Ivan Kramskoy este cunoscut în primul rând drept autorul picturii „Necunoscut” (deseori este numit în mod greșit „Străin”), precum și o serie de portrete frumoase: Leo Tolstoi, Ivan Shishkin, Dmitri Mendeleev. Dar este mai bine ca copiii să înceapă să se familiarizeze cu munca lui tablou magic„Sirenele”, cu care aceasta este povestea.
În august 1871, artistul Ivan Kramskoy vizita moșia de țară a prietenului său, iubitor de artă și faimosului filantrop Pavel Stroganov. Plimbându-se seara, a admirat luna și a admirat lumina ei magică. În timpul acestor plimbări, artistul a decis să picteze un peisaj de noapte și să încerce să transmită tot farmecul, toată magia unei nopți cu lună, pentru a „prinde luna” - în propriile sale cuvinte.
Kramskoy a început să lucreze la pictură. Malul râului a apărut în lumina lunii, un deal și o casă pe el, înconjurat de plopi. Peisajul era frumos, dar ceva lipsea - magia nu s-a născut pe pânză. Cartea lui Nikolai Gogol „Serile la fermă lângă Dikanka” a venit în ajutorul artistului. mai precis povestea intitulat „Noaptea de mai sau femeia înecată” - fabulos și puțin înfiorător. Și apoi au apărut fete-sirenă în imagine, luminate de lumina lunii.
Artistul a lucrat cu atâta atenție la pictură încât a început să viseze la ea și a dorit constant să finalizeze ceva în ea. La un an după ce a fost cumpărat de către fondatorul Galeriei Tretiakov, Pavel Tretyakov, Kramskoy a vrut din nou să schimbe ceva în ea și a făcut mici modificări chiar în sala de expoziție.
Pânza lui Kramskoy a devenit prima pictură „de basm” din istoria picturii ruse.

2. Vasili Vereșchagin. „Apoteoza războiului”, 1871

S-a întâmplat ca oamenii să se bată mereu. Din timpuri imemoriale, lideri curajoși și conducători puternici și-au echipat armatele și i-au trimis la război. Desigur, doreau ca descendenții îndepărtați să știe despre isprăvile lor militare, așa că poeții au scris poezii și cântece, iar artiștii au creat picturi și sculpturi frumoase. În aceste tablouri, războiul arăta de obicei ca o vacanță - culori deschise, războinici neînfricat care merg la luptă...
Artistul Vasily Vereshchagin a știut de război direct - a luat parte la bătălii de mai multe ori - și a pictat multe tablouri în care a descris ceea ce a văzut cu ochii săi: nu numai soldați curajoși și comandanții lor, ci și sânge, durere și suferință. .
Într-o zi, s-a gândit cum să arate toate ororile războiului într-o singură imagine, cum să-i facă pe spectatori să înțeleagă că războiul este întotdeauna durere și moarte, cum să îi lase pe alții să se uite la detaliile sale dezgustătoare? Și-a dat seama că nu era suficient să picteze o imagine a unui câmp de luptă punctat soldați căzuți, - au existat astfel de tablouri înainte. Vereshchagin a venit cu un simbol al războiului, o imagine, doar privind la care, toată lumea își poate imagina cât de teribil este orice război. A pictat un deșert ars, în mijlocul căruia se înalță o piramidă de cranii umane. În jur sunt doar copaci uscați, fără viață, și numai corbii zboară la ospățul lor. În depărtare se vede un oraș dărăpănat, iar privitorul poate ghici cu ușurință că nici acolo nu mai este viață.

3. Alexei Savrasov. „The Rooks au sosit”, 1871

Toată lumea cunoaște pictura „The Rooks Have Arrived” încă din copilărie și probabil că toată lumea a scris din ea eseuri școlare. Și astăzi, profesorii vor spune cu siguranță copiilor despre peisajele lirice ale lui Savrasov și că deja în numele acestei imagini se poate auzi un vestitor vesel al dimineții anului și totul în el este umplut cu o semnificație profundă aproape de inimă. Între timp, puțini oameni știu că faimoasele „Rooks...”, precum și toate celelalte lucrări ale lui Savrasov, s-ar putea să nu fi existat deloc.
Alexey Savrasov era fiul unui mic galant din Moscova. Dorința băiatului de a se angaja în pictură nu a provocat încântare părintelui, dar, cu toate acestea, Kondrat Savrasov și-a trimis fiul la Școala de Pictură și Sculptură din Moscova. Atât profesorii, cât și colegii de clasă au recunoscut talentul tânăr artistși i-a prezis un viitor mare. Dar s-a dovedit că, fără măcar să studieze timp de un an, Alexey, se pare că din cauza bolii mamei sale, a fost forțat să înceteze să mai studieze. Profesorul său Karl Rabus a apelat pentru ajutor la șeful poliției din Moscova, generalul-maior Ivan Luzhin, care l-a ajutat pe tânărul talentat să primească o educație artistică.
Dacă Luzhin nu ar fi luat parte la soarta tânărului artist, unul dintre cele mai faimoase picturi din istorie pictura nationala nu s-ar fi născut niciodată.

4. Vasili Polenov. „Curtea Moscovei”, 1878

Uneori, pentru a scrie imagine frumoasă, artista călătorește mult, lung și meticulos căutând cel mai mult Privelisti frumoase, în cele din urmă, găsește locul prețuit și vine din când în când acolo cu un caiet de schițe. Și, de asemenea, se întâmplă că, pentru a crea o lucrare minunată, trebuie doar să meargă la propria fereastră, să privească o curte complet obișnuită din Moscova - și se întâmplă un miracol, apare un peisaj uimitor, plin de lumină și aer.
Acesta este exact miracolul care s-a întâmplat artistului Vasily Polenov, care s-a uitat pe fereastra apartamentului său la începutul verii anului 1878 și a pictat destul de repede ceea ce a văzut. Norii alunecă ușor pe cer, soarele se ridică din ce în ce mai sus, încălzind pământul cu căldura lui, luminând cupolele bisericilor, scurtând umbrele groase... S-ar părea a fi o simplă poză, pe care artistul însuși nu a făcut-o. serios la început: a scris-o și aproape a uitat de el. Dar apoi a fost invitat să participe la expoziție. Nu avea nimic semnificativ și Polenov a decis să expună „Curtea Moscovei”.
Destul de ciudat, această „poză nesemnificativă” a fost cea care i-a adus faimă și glorie lui Vasily Polenov - atât publicului, cât și criticilor i-au plăcut: are căldură și culori strălucitoare, iar personajele sale pot fi privite la nesfârșit, inventând o poveste despre fiecare dintre ele. .

5. Ivan Şişkin. „Dimineața într-o pădure de pini”, 1889

„Dimineața într-o pădure de pini” de Ivan Shishkin este probabil cea mai mare tablou faimos din colecția Galeriei Tretiakov. La noi toată lumea o cunoaște, datorită reproducerilor din manualele școlare, sau poate datorită bomboanelor de ciocolată „Mishka Clubfoot”.
Dar nu toată lumea știe că Shișkin însuși a pictat doar o pădure de dimineață într-o ceață cețoasă și nu are nimic de-a face cu urșii. Acest tablou este rodul creativității comune dintre Shișkin și prietenul său, artistul Konstantin Savitsky.
Ivan Şişkin era maestru desăvârșitînfățișează tot felul de subtilități botanice – critic Alexandru Benois A fost certat destul de mult pentru pasiunea lui pentru acuratețea fotografică, numind picturile sale lipsite de viață și reci. Dar artistul nu era prieten cu zoologia. Ei spun că acesta este motivul pentru care Șișkin s-a adresat lui Savitsky cu o cerere de a-l ajuta cu urșii. Savitsky nu și-a refuzat prietenul, dar nu și-a luat munca în serios - și nu a semnat.
Mai târziu, Pavel Tretyakov a cumpărat acest tablou de la Șișkin, iar artistul l-a invitat pe Savitsky să lase o semnătură pe pictură - la urma urmei, au lucrat împreună la ea. Savitsky a făcut așa, dar lui Tretiakov nu i-a plăcut. Declarând că a cumpărat tabloul de la Shishkin, dar nu a vrut să știe nimic despre Savitsky, a cerut un solvent și a eliminat semnătura „în plus” cu propriile mâini. Și așa s-a întâmplat că astăzi Galeria Tretiakov indică paternitatea unui singur artist.

6. Viktor Vasnețov. „Bogatyrs”, 1898

Viktor Vasnetsov este considerat cel mai „fabul” artist din istoria picturii ruse - pensulele sale aparțin astfel de lucrări celebre, precum „Alyonushka”, „Cavalerul de la răscruce”, „Salt eroic” și multe altele. Dar cel mai mult poză celebră- „Bogatyrs”, care înfățișează personajele principale ale epopeilor rusești.
Artistul însuși a descris imaginea după cum urmează: „Eroii Dobrynya, Ilya și Alyosha Popovich sunt într-o ieșire eroică - ei observă pe teren dacă există un inamic pe undeva, jignesc pe cineva?
În mijloc, pe un cal negru, Ilya Muromets privește în depărtare de sub palmă, eroul are o suliță într-o mână și o bâtă de damasc în cealaltă. În stânga, pe un cal alb, Dobrynya Nikitich își scoate sabia din teacă. În dreapta, pe un cal roșu, Alyosha Popovich ține în mâini un arc și săgeți. Există o poveste curioasă legată de eroii acestei imagini - sau mai degrabă de prototipurile lor.
Viktor Vasnetsov s-a gândit multă vreme cum ar trebui să arate Ilya Muromets și pentru o lungă perioadă de timp nu a putut găsi fața „potrivită” - curajos, cinstit, care exprimă atât puterea, cât și bunătatea. Dar într-o zi, complet întâmplător, l-a întâlnit pe țăranul Ivan Petrov, care a venit la Moscova pentru a câștiga bani. Artistul a fost uimit - pe o stradă din Moscova a văzut adevărata Ilya Muromets. Țăranul a acceptat să pozeze pentru Vasnețov și... a rămas secole.
În epopee, Dobrynya Nikitich este destul de tânără, dar din anumite motive pictura lui Vasnetsov înfățișează un bărbat de vârstă mijlocie. De ce a decis artistul să acționeze atât de liber cu povesti din folclor? Soluția este simplă: Vasnetsov s-a portretizat în imaginea lui Dobrynya, doar compară imaginea cu portretele și fotografiile artistului.

7. Valentin Serov. „Fata cu piersici. Portretul lui V. S. Mamontova”, 1887

„Fata cu piersici” este una dintre cele mai multe portrete celebreîn istoria picturii ruse, scrisă de artistul Valentin Serov.
Fata din portret este Verochka, fiica filantropului Savva Mamontov, a cărei casă artistul a vizitat-o adesea. Este interesant că piersicile aflate pe masă nu au fost aduse din regiuni calde, ci au crescut nu departe de Moscova, chiar în moșia Abramtsevo, ceea ce era un lucru complet neobișnuit în secolul al XIX-lea. Un grădinar-mag a lucrat pentru Mamontov - în mâinile sale iscusite pomi fructiferi Au înflorit chiar și în februarie, iar recolta a fost recoltată la începutul verii.
Datorită portretului lui Serov, Vera Mamontova a intrat în istorie, dar artistul însuși și-a amintit cât de greu i-a luat să convingă o fată de 12 ani, care avea un caracter neobișnuit de agitat, să pozeze. Serov a lucrat la pictură aproape o lună, iar în fiecare zi Vera a stat în liniște în sala de mese timp de câteva ore.
Lucrarea nu a fost în zadar: când artistul a prezentat portretul la expoziție, publicului i-a plăcut foarte mult tabloul. Și astăzi, mai mult de o sută de ani mai târziu, „Fata cu piersici” îi încântă pe vizitatorii Galerii Tretiakov.

8. Ilya Repin. „Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan 16 noiembrie 1581”, 1883–1885.

Privind cutare sau cutare pictură, te întrebi adesea care a fost sursa de inspirație pentru artist, ce l-a determinat să picteze tocmai o astfel de lucrare? În cazul picturii lui Ilya Repin „Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan, 16 noiembrie 1581”, ghiciți despre motive adevărate deloc usor.
Pictura înfățișează un episod legendar din viața lui Ivan cel Groaznic, când într-un acces de furie i-a dat o lovitură fatală fiului său, țareviciul Ivan. Cu toate acestea, mulți istorici cred că, de fapt, nu a existat nicio crimă și prințul a murit de boală și deloc din mâna tatălui său. S-ar părea că ce ar putea obliga un artist să apeleze la un asemenea episod istoric?
După cum și-a amintit însuși artistul, ideea de a picta pictura „Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan” i-a venit după... un concert la care a auzit muzica compozitorului Rimski-Korsakov. Era suită simfonică— Antar. Sunetele muzicii l-au captat pe artist, iar acesta a dorit să întrupeze în pictură starea de spirit care s-a creat în el sub influența acestei lucrări.
Dar muzica nu a fost singura sursă de inspirație. Călătorind prin Europa în 1883, Repin a participat la o luptă cu tauri. Vederea acestui spectacol sângeros l-a impresionat pe artist, care a scris că, „infectat... cu această sângerărie, la sosirea acasă, a început imediat scena sângeroasă „Ivan cel Groaznic cu fiul său”. Iar imaginea de sânge a fost un mare succes”.

9. Mihail Vrubel. „Demon așezat”, 1890

Cum uneori titlul unui tablou înseamnă mult. Ce vede privitorul când se uită pentru prima dată la pictura lui Mikhail Vrubel „Demonul așezat”? Un tânăr musculos stă pe o stâncă și privește cu tristețe apusul. Dar de îndată ce rostim cuvântul „demon”, apare imediat imaginea unei creaturi magice malefice. Între timp, demonul lui Mikhail Vrubel nu este deloc un spirit rău. Artistul însuși a spus de mai multe ori că demonul este un spirit „nu atât de rău, cât suferind și întristat, dar în același timp un spirit puternic,... maiestuos”.
Acest tablou este interesant pentru tehnica sa de pictură. Artistul aplică vopsea pe pânză nu cu o perie convențională, ci cu o placă subțire de oțel - un cuțit de paletă. Această tehnică vă permite să combinați tehnicile unui pictor și ale unui sculptor, literalmente „sculpând” o imagine folosind vopsele. Așa se obține un efect de „mozaic” - se pare că cerul, pietrele și chiar corpul eroului însuși nu sunt pictate cu vopsea, ci sunt așezate din pietre lustruite cu grijă, poate chiar prețioase.

10. Alexandru Ivanov. „Apariția lui Hristos către popor (Apariția lui Mesia)”, 1837–1857.

Pictura lui Alexander Ivanov „Apariția lui Hristos în popor” este un eveniment unic în istoria picturii ruse. Nu este ușor să vorbești despre asta cu copiii, în special cu cei de 6-7 ani, dar cu siguranță ar trebui să vadă această pânză monumentală, la care artistul a lucrat mai bine de 20 de ani și care a devenit opera sa de viață.
Intriga imaginii se bazează pe capitolul al treilea al Evangheliei după Matei: Ioan Botezătorul, botezând poporul evreu pe malul Iordanului în numele Mântuitorului așteptat, Îl vede deodată venind, în numele căruia botează oameni. . DESPRE caracteristici compoziționale tablouri, despre simbolurile sale și limbaj artistic copiii vor afla mai târziu. În timpul primei cunoștințe, merită să vorbim despre modul în care un tablou a devenit opera vieții artistului.
După ce și-a terminat studiile la Academia de Arte din Sankt Petersburg, Alexander Ivanov a fost trimis „pentru un stagiu” în Italia. „Apariția lui Hristos în popor” trebuia să fie o lucrare de înregistrare. Dar artistul își ia munca foarte în serios: studiază cu atenție Sfanta Biblie, istorie, petrece luni bune căutând peisajul potrivit, petrece o perioadă nesfârșită de timp căutând o imagine pentru fiecare personaj din imagine. Banii care i-au fost alocați pentru muncă se epuizează, Ivanov duce o existență mizerabilă. Muncă minuțioasă peste tablou a dus la deteriorarea vederii artistului și a fost obligat să se supună unui tratament de lungă durată.
Când Ivanov și-a finalizat opera, publicul italian a acceptat cu entuziasm pictura, acesta a fost unul dintre primele cazuri de recunoaștere europeană a unui artist rus. În Rusia, nu a fost apreciat imediat - abia după moartea artistului i-a venit faima reală.
În timp ce lucra la pictură, Ivanov a creat peste 600 de schițe. În sala în care este expusă, puteți vedea câteva dintre ele. Este interesant să folosim aceste exemple pentru a urmări modul în care artistul a lucrat la compoziția, peisajul și imaginile personajelor din imagine.