Concertele pentru vioară din secolul al XX-lea. Concerte celebre pentru vioară. Ceaikovski. Concert pentru vioară și orchestră Toate concertele pentru vioară

Ceaikovski s-a lăsat luat și a decis să scrie un Concert pentru vioară pentru prietenul său. Relațiile inegale cu Kotek, schimbările constante de dispoziție au dus la faptul că Ceaikovski a început să se îndoiască cui să dedice acest concert și să-l ofere pentru interpretare. Compozitorul l-a preferat pe Kotek celebru violonist L. Auera.

În Europa, și apoi în Rusia, violonistul A. Brodsky a devenit interpretul și propagandistul concertului. Și, aproape ca primul concert pentru pian, a avut loc o schimbare de inițiere. Deși chiar și o parte din prima ediție a concertului a reușit să iasă cu o dedicație lui L. Auer. Mai târziu, toate publicațiile au fost publicate cu o dedicație lui A. Brodsky.

Concertul a fost interpretat pentru prima dată cu o orchestră pe 4 decembrie 1881 la Viena de Adolf Davidovich Brodsky, care a devenit promotorul concertului în Europa și apoi în Rusia. Ceaikovski, apreciind că violonistul a cântat această lucrare virtuoasă în Europa, unde opera lui Ceaikovski era cunoscută atunci destul de puțin, și-a schimbat dedicația anterioară într-o dedicație lui Adolf Davidovich Brodsky.

Concertul pentru vioară și orchestră - unul dintre cele mai bune lucrări Rusă arta muzicala. În prezent, acest concert este o piesă obligatorie pentru interpretare competiție internațională Nume Ceaikovski.

Concertul pentru vioară în re major, op. 35

Viktor Tretiakov, vioară
Orchestra Simfonică Radio din Moscova
Dirijor - Vladimir Fedoseyev

Fragment din partea solo din concert

Concertul pentru vioară al lui Ceaikovski este o lucrare plină de cea mai înaltă armonie spirituală. Profunzimea poetică a muzicii, utilizarea strălucită a posibilităților viorii o pun la egalitate cu lucrările exemplare ale acestui gen - concertele lui Beethoven, Mendelssohn, Brahms. În același timp, este marcat de ștampila individualității lui Ceaikovski: amploarea simfonică, strălucirea virtuozală se îmbină în mod surprinzător cu sinceritate emoționantă și grație modestă. Un prim exemplu servește ca Partea I (Allegro moderato). În ea, muzica ușor reținută a introducerii orchestrale, simplă și nobilă, se înlocuiește firesc și ușor una pe cealaltă. subiectul principal, partea cântecului.

În mod firesc și firesc, temele captivante prin frumusețea și plasticitatea lor melodică se desfășoară, treptat extinzându-se, crescând și „căpătându-și răsuflarea”, cele două teme ale primului Allegro - una mai energică, curajoasă, urmărită ritmic, care stau la baza partidul principal, iar celălalt - liric, feminin moale (partea laterală) - nu contrastează atât de mult, ci se completează reciproc. Ambele au o culoare majoră deschisă și diferă doar în nuanțe de expresie. Deosebit de remarcată pentru amploarea sa melodică și plasticitatea desenului este a doua temă, care poate fi atribuită celor mai frumoase melodii lirice ale lui Ceaikovski. Crescând dintr-un motiv simplu de cântărire, în dezvoltarea sa continuă tensionată atinge o gamă extinsă de mai mult de două octave și capătă un sunet puternic expresiv.

Alpi din jurul Clarens. Frumos în Clarence pentru o lungă perioadă de timp A trăit Piotr Ilici Ceaikovski. Aici și-a scris operele Eugene Onegin și Ioana d’Arc, precum și binecunoscutele sale Concertul pentru vioară și orchestră în re minor(martie 1878). Locul în care a locuit Ceaikovski este acum Hotelul Royal Plaza.

Partea a II-a (Andante) - canzonetta - centrul liric al concertului. Culoarea sa este moale, ușor mată - o vioară solo și atât. instrumente cu coarde juca cu mute. O canzonet în miniatură, acoperită într-o ceață de lumină, gândire superficială (Se știe că Ceaikovski a scris mai întâi o altă parte din mijloc, mai detaliată ca formă și pictată în tonuri elegiace. Dar, evident, compozitorul a simțit că nu corespunde suficient cu structura generală a lucrării și ar putea provoca un sentiment de tergiversare Acesta a fost motivul înlocuirii acesteia cu una mai simplă și mai scurtă. Partea scrisă inițial a fost inclusă în ciclul de trei piese pentru vioară și pian op.42 numit „Meditație” ( „Reflecție”), scris într-o formă simplă în trei părți, cu o temă principală a cântecului, în care puteți auzi ecouri ale impresiilor italiene ale compozitorului și un mijloc mai plin de viață în mișcare.

Panorama lacului Geneva. P.I. locuia în aceste locuri. Ceaikovski în timp ce scria Concertul

Muzica ușoară de vis, care încadrează canzonetta, servește ca o tranziție către final (Allegro vivacissimo). În același timp, unul dintre motivele ei devine intonația cheie a temei principale a finalului - elastic și fierbinte. Ceaikovski urmează conceptul simfonic deja stabilit în opera sa, făcând referire la imaginile distracției populare festive. Partea laterală a formei rondo-sonate, cu tema sa ritmică puternic accentuată, care sună pe fundalul cincimilor „rurale” ale violoncelului și repetări încăpățânate, parcă tentante ale unei scurte ture melodice, are un folk deosebit de pronunțat. -personaj de gen. O altă temă, feminină și tristă, pare să ridice o insulă de versuri intime în mijlocul mării clocotite a sărbătorii. Un sentiment de plinătate de vitalitate domină acest final.

Vioara are origine populară. Progenitorii viorii au fost rebab arab, fidel spaniol, compania germană, a cărei fuziune a format viola.

Forme de vioară setate la secolul al XVI-lea. Până la această vârstă și începutul XVII secolele sunt producători cunoscuți de viori - familia Amati. Instrumentele lor au o formă excelentă și un material excelent. În general, Italia era renumită pentru producția de viori, printre care viorile Stradivari și Guarneri sunt în prezent foarte apreciate.

Vioara este un instrument solo din secolul al XVII-lea. Primele lucrări pentru vioară sunt: ​​„Romanesca per violino solo e basso” de Marini din Brescia (1620) și „Capriccio stravagante” de contemporanul său Farin. Fondator joc artistic vioara este considerată A. Corelli; apoi urmează Torelli, Tartini, Pietro Locatelli (1693-1764), un elev al lui Corelli, care a dezvoltat tehnica de a cânta la vioară bravura.

Vioara și-a dobândit forma modernă în secolul al XVI-lea și a devenit larg răspândită în secolul al XVII-lea.

dispozitiv de vioară

Vioara are patru coarde acordate în cincimi: g, re, a, e (sarea unei octave mici, re, la a primei octave, mi a celei de-a doua octave).

Gama viorii este de la g (sarea octavei mici) la a (la a octavei a patra) și mai mare.

Timbrul viorii este gros în registrul mic, moale la mijloc și strălucitor în agut.

Corpul viorii are o formă ovală cu crestături rotunjite pe laterale, formând o „talie”. Rotunjimea contururilor exterioare și liniile „taliei” asigură confortul jocului, în special în registrele înalte.

Punțile superioare și inferioare ale carenei sunt conectate între ele prin scoici. Puntea de jos este realizată din arțar, iar cea de sus este din molid tirolez. Ambele au o formă convexă, formând „bolți”. Geometria arcadelor, precum și grosimea lor, într-o măsură sau alta determină puterea și timbrul sunetului.

Un alt factor important care influențează timbrul unei viori este înălțimea scoicilor.

Două găuri rezonatoare sunt făcute în puntea superioară - efs (în formă seamănă literă latină f).

În mijloc punte superioară există un suport prin care trec sforile fixate pe suportul de corzi (sub-gât). Cordicul este o bandă de abanos, care se extinde spre atașarea corzilor. Capătul său opus este îngust, cu un șir de venă groasă sub formă de buclă, este conectat la un buton situat pe cochilie. Standul afectează și timbrul instrumentului. S-a stabilit experimental că chiar și o mică schimbare a suportului duce la o schimbare semnificativă a timbrului (la deplasarea în jos, sunetul este înăbușit, în timp ce se mișcă în sus, este mai pătrunzător).

În interiorul corpului viorii, între punțile superioare și inferioare, este introdus un știft rotund din molid rezonant - dragă (de la cuvântul „suflet”). Această componentă transmite vibrații de la puntea superioară către partea inferioară, oferind rezonanță.

Gâtul unei viori este o placă lungă din abanos sau plastic. Partea inferioară a gâtului este atașată de o bară rotunjită și lustruită, așa-numita gât. De asemenea, asupra puterii și timbrului sunetului instrumente cu arc redă influență mare materialul din care sunt realizate și compoziția lacului.

Tehnica de joc la vioară

Corzile sunt apăsate cu patru degete ale mâinii stângi pe bord ( deget mare exclus). Corzile sunt conduse cu un arc în mâna dreaptă a jucătorului.

Apăsarea degetului pe panou scurtează coarda, ridicând astfel înălțimea coardei. Șirurile care nu sunt apăsate de un deget se numesc șiruri deschise și sunt notate cu zero.

Partea de vioară este scrisă cu cheia de sol.

Gama viorii este de la sarea unei octave mici la a patra octavă. Sunetele mai înalte sunt dificile.

Din semiapăsarea coardei în anumite locuri se obțin armonici. Unele sunete armonice depășesc intervalul de vioară indicat mai sus.

Aplicarea degetelor mâinii stângi se numește degetare. Degetul arătător al mâinii se numește primul, mijlocul - al doilea, inelarul - al treilea, degetul mic - al patrulea. O poziție este o degetare a patru degete adiacente distanțate la un ton sau un semiton. Fiecare șir poate avea șapte sau mai multe poziții. Cu cât poziția este mai mare, cu atât este mai dificilă. Pe fiecare șir, excluzând cincimi, ele merg în principal doar până la poziția a cincea inclusiv; dar pe a cincea sau pe primul șir și, uneori, pe a doua, se folosesc poziții mai înalte - de la a șasea la a douăsprezecea.

Modalitățile de conducere a arcului au o mare influență asupra caracterului, forței, timbrului sunetului și, într-adevăr, asupra frazei.

Pe o vioară, puteți lua în mod normal două note simultan pe coarde adiacente (corzi duble), în cazuri excepționale - trei (este necesară o presiune puternică a arcului), și nu simultan, dar foarte repede - trei (corzi triple) și patru. Astfel de combinații, mai ales armonice, sunt mai ușor de executat cu coarde goale și mai dificil fără ele și sunt de obicei folosite în lucrări solo.

O tehnică orchestrală tremolo foarte comună este alternarea rapidă a două sunete sau repetarea aceluiași sunet, creând efectul de tremur, tremur, pâlpâire.

Tehnica col legno, care înseamnă lovirea coardei cu axul arcului, provoacă un sunet de ciocănit, mortal, care este folosit cu mare succes și de compozitorii din muzică simfonică.

Pe lângă faptul că se joacă cu un arc, ei folosesc unul dintre degete pentru a atinge corzile. mana dreapta- pizzicato.

Pentru a slăbi sau a înăbuși sunetul, ei folosesc un mute - o placă de metal, cauciuc, cauciuc, os sau lemn, cu niște adâncituri în partea inferioară pentru șiruri, care este atașată la partea superioară a suportului sau a puțului.

Vioara este mai ușor de cântat în acele clape care permit cea mai mare utilizare a coardelor goale. Cele mai convenabile pasaje sunt cele care sunt compuse din scale sau părți ale acestora, precum și arpegii de chei naturale.

Este dificil să devii violonist la vârsta adultă (dar posibil!), deoarece sensibilitatea degetelor și memoria musculară sunt foarte importante pentru acești muzicieni. Sensibilitatea degetelor unui adult este mult mai mică decât cea a unui tânăr, iar memoria musculară durează mai mult pentru a se dezvolta. Cel mai bine este să înveți să cânți la vioară de la cinci, șase, șapte ani, poate chiar de la o vârstă mai fragedă.

Jean Sibelius
Concertul pentru vioară în re minor, Opus 47 (1903)

1. Allegro moderato
2. Adagio di molto
3. Allegro, ma non tanto

Concertul emoționant, maiestuos și incitant a fost multă vreme favoritul publicului. Un critic a comparat muzica concertului cu „peisaje pitorești de iarnă scandinave, în care artiștii obțin efecte rare, uneori hipnotice și puternice prin jocul subtil de alb pe alb”.

S. Prokofiev
Concertul pentru vioară nr. 2 în sol minor (1935)

1. Allegro moderato
2. Andante assai
3. Allegro, ben marcato

Concertul secund pentru vioară al lui Prokofiev este plin de descoperiri melodice fericite - aceasta este o creație tipic lui Prokofiev, atât în ​​ceea ce privește orientarea emoțională, cât și figurativă - de la cele mai fine versuri la răutăți, grotesc, sarcasm și în ceea ce privește mijloacele folosite (interval caracteristic, inepuizabil). ingeniozitate ritmică, inovații de timbru și culoare, astringență armonică, claritate a formei). Muzica concertului este cu adevărat teatrală – unele dintre momentele sale amintesc de baletele târzii ale lui Prokofiev, în special de Cenușăreasa. Concertul începe cu o melodie simplă de vioară asociată cu muzica populară rusă, a doua parte este un Andante minunat, în final se remarcă motive spaniole - tema principală a rondoului este însoțită de trosnitul castanetelor de fiecare dată când apare (prokofiev). soția este spaniolă).

I. Stravinsky
Concertul pentru vioară în re (1931)

Concertul pentru vioară al lui Stravinsky este o compoziție neoclasică scrisă cu un accent clar pe Bach. La fel ca în majoritatea lucrărilor perioadei neoclasice, Stravinsky păstrează aici calmul epic, aderarea la matematica muzicală și prescrie interpretilor un joc sec și detașat. Instrumentul solo și orchestra sunt pe picior de egalitate în el, iar ascultarea sunetelor ciudate ale acompaniamentului orchestral nu este mai puțin interesantă decât liniile măsurate trasate de vioară, cu toate acestea, totul sună ca un concert de vioară complet exemplar, iar în interpretare interpreți contemporani destul de expresiv.

A. Khachaturyan
Concertul pentru vioară în re minor (1940)

1. Allegro con fermezza
2. Andante sostenuto
3. Allegro vivace

Concertul pentru vioară al lui Khachaturian folosește într-un mod original o serie de tehnici folosite în armeană și georgiană muzica folk(accent repetat pe un sunet, ornamentație, cromatism, ritm capricios), trăsăturile improvizației sunt apropiate de cântarea așugurilor, se amintește de estul fabulos al lui Rimski-Korsakov, Borodin, Balakirev.

M. Ravel "țigan"
concert rapsodie pentru vioară și orchestră (1924)

„Gypsy Woman” a lui Ravel se bazează pe melodii din stilul verbunkos (un gen de limba maghiară). muzică dance, care a apărut în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea, precum și stilul maghiarului muzica instrumentala sfârşitul XVIII-lea- începutul secolului al XIX-lea), sau mai bine zis, asemănarea lor stilizată. Partea solo este scrisă într-un stil genial de concert, partitura este marcată de un timbru de eleganță franceză pură, plină de combinații extraordinar de subtile de vioară și orchestră.

Alban Berg
Concertul pentru vioară „În memoria unui înger” (1936)

1. Andante - Allegretto
2. Allegro - Adagio

Concertul pentru vioară al lui Alban Berg este dedicat memoriei tinerei talentate violoniste Anna Gropius, fiica văduvei lui Gustav Mahler, care a murit la vârsta de șaptesprezece ani (numele ei nu este în dedicație. Se scrie doar: „Dem Andenken eines Engels” – „În memoria unui înger”). Concertul are la bază o temă dodecafonică, urcând de la sunetul cel mai scăzut al viorii până la registrul superior, unde atârnă de „fa” a treia octave. În secțiunea a 2-a a celei de-a doua, ultimei mișcări, Berg citează coralul lui Bach, care se încadrează în mod surprinzător de organic în țesătura de douăsprezece tonuri a Concertului. În muzică domnesc contemplația luminată și detașarea.

D. Şostakovici
Concertul pentru vioară nr. 1 în la minor, op. 77 (1948)

I. Nocturne (Moderato)
II. Scherzo (Allegro)
III. Passacaglia (Andante)
IV. Burlesque (Allegro con brio - Presto)

Şostakovici a scris primul său concert pentru vioară în 1948. În concert, starea de spirit a acelei epoci, „întunericul secolului al XX-lea”, este exprimată cu ascuțimea pătrunzătoare inerentă numai acestui compozitor.

Bela Bartok
Concertul pentru vioară nr.2 (1938)

I. Allegro non troppo
II. Andante tranquillo
III. Allegro molto

Concertul al doilea pentru vioară al lui Béla Bartók a fost de mult timp clasice muzicale XX, făcând din ritmurile populare maghiare din curțile Europei de Est proprietatea clasicilor lumii. „De la întunericul, groaza și deznădejdea zilelor noastre – până la pace, lumină și bucurie” – așa s-ar putea caracteriza programul ascuns al acestui concert.

Edward Elgar
Concertul pentru vioară și orchestră, op.61 (1910)

I. Allegro
II. Andante
III. Allegro molto

Concertul în si minor al lui Elgar, Opus 61, scris în 1910, este unul dintre puținele concerte englezești „de modă veche” care au rămas în repertoriul englezei, țesute din formule romantice familiare, afișând splendoarea victoriană și sensibilitate emoțională în același timp.

Karol Szymanowski
Concertul pentru vioară nr.2, op.61 (1933)

Al doilea concert al lui Szymanowski combină contemplația franceză cu sălbăticia slavă, folclorul antic huțul și modernul limbaj muzical. Partitura este plină de spiritul ritmurilor populare, entuziasmul și sinceritatea lirică - compozitorul pătrunde în acele adâncimi în care se află preintoațiile arhaice ale muzicii poloneze.

Dacă dorim să numim cel mai mult persoană misterioasăîn istoria artei în general și a muzicii în special, unul dintre primii concurenți va fi fără îndoială. Unii contemporani l-au considerat un „violinist diavolesc”, alții și-au exprimat regretul că posteritatea nu va ști niciodată cum cânta... Multe întrebări referitoare la viața și opera sa rămân fără răspuns până astăzi, iar unul dintre misterele lui Paganini rămâne concertele sale pentru vioară cu orchestră. Muzicologii nu au un răspuns exact cu privire la câte astfel de lucrări au fost create de Paganini, ceea ce înseamnă că, poate, o parte din creațiile sale ne rămâne ascunsă. Putem spune cu încredere despre șase concerte pentru vioară - partiturile lor sunt în posesia moștenitorilor compozitorului, unele au fost publicate pentru prima dată în timpul vieții autorului, altele - în secolul XX; sunt incluse în repertoriul violoniștilor, deși unele concerte sunt populare în Mai mult, altele într-o măsură mai mică. Cu toate acestea, una dintre scrisorile compozitorului menționează un concert în fa minor, iar autobiografia sa menționează încă două, scrise la Parma în 1796. În plus, Conestabile, biograful italian al compozitorului, menționează două concerte scrise în tonuri rar folosite, mi - diez major. și si diez minor (poate că au necesitat o acordare specială a viorii). Astfel, câteva dintre concertele lui Paganini rămân astăzi necunoscute.

Dar dacă putem regreta concertele pierdute, atunci nu putem decât să le admirăm pe cele care au ajuns până la noi. Desigur, concertele pentru vioară au fost create cu mult înaintea lui Niccolo Paganini, dar tot ceea ce a venit înaintea lui nu poate fi comparat cu măreția creațiilor sale. Amploarea formei, luminozitatea contrastelor, bogăția melodică, patosul comparabil cu drama unui spectacol de operă, multe efecte de culoare interesante - toate acestea disting așa-numitul " concert mare”, al cărui început a fost pus de Paganini. Așa cum susținea el, posibilitatea multor tehnici „spectaculoase și pline de spirit” care apăreau în concertele lui Paganini, violoniștii nu bănuiseră niciodată până atunci, dar din moment ce au fost descoperite de marele italian, ar fi nevoie de o carte întreagă pentru a le descrie pe toate.

Principiul „concurenței” care stă la baza genului concert instrumental, în operele lui Paganini este adusă la limită, partea de vioară în ele este ca un rol într-o reprezentație dramatică, actor care devine un artist romantic. O astfel de concentrare asupra personalității creatorului duce la creșterea rolului principiului improvizației - în concertele lui Paganini există multe „afirmații” dramatice. digresiuni, care dezvoltă liber monologuri fantastice care adaugă varietate structurii formei. De exemplu, în prima parte a Concertului nr. 1 în re major, apare o refracție instrumentală particulară a intonațiilor, care este caracteristică recitativelor din opere. Pe lângă acest „monolog” din prima parte a lucrării, nu există inovații speciale în domeniul formă muzicală, se resimte însă o trăsătură caracteristică concertului romantic: în structura figurativă a sonatei allegro, partea laterală joacă un rol mai semnificativ decât partea principală, construită pe contraste de registre în cadrul aceleiași linii melodice. A doua parte seamănă cu o arie de operă dramatică, inspirată. La fel ca prima parte, aici există mișcări melodice foarte largi - există un salt cu o zecimă în melodie, dar dacă în prima parte astfel de intonații au fost percepute ca parte integrantă a imaginii eroice, atunci în Adagio ele fac lirica. afirmație mai expresivă, saturând-o cu intensitate emoțională. Este de remarcat faptul că în manuscrisul acestui concert părțile instrumentelor orchestrale și ale viorii solo au fost scrise de compozitor în tonuri diferite: orchestra în mi bemol major, solistul în re major, ceea ce presupune că instrumentul solo este reglat cu un semiton mai sus și face posibile unele efecte.

Cel mai celebru a fost Concertul nr. 2 în si minor, mai exact, mișcarea sa finală – „Campanella” („Clopot”). În acest rondo, unul dintre trasaturi caracteristice stilul lui Paganini - o abundență de ornamente, care nu are nimic de-a face cu „decor”. Decorațiile și pasajele melismatice se încadrează organic în contururile melodice, dându-le fie patos oratoric, fie eleganță rafinată. În tema principală a „Campanella” melismele reproduc cele mai subtile revărsări ale sunetului acelor clopote care se auzeau la carnavalele italiene. La această impresie contribuie registrul și claritatea loviturilor „săritoare”. Imaginea este îmbogățită cu tehnici coloristice - de exemplu, utilizarea flageoleților. Adesea „Campanella” este interpretată în transcriere, dar în acest caz, rondo-ul își pierde o parte din farmecul său – atât din cauza armoniilor „mai grele”, cât și din cauza dispariției episodului liric exclus de Kreisler.

Concertele pentru vioară de Niccolò Paganini au fost interpretate și continuă să fie interpretate de mulți muzicieni. Sunt una dintre acele „reflecții” ale artei marelui violonist, al cărui farmec nu slăbește cu timpul.

Toate drepturile rezervate. Copierea este interzisă.