Dedicat tuturor fetelor
fete, femei și bunici!

Artiștii secolului al XV-lea au început să-și acopere pânzele cu un covor dens de plante, imitând tapiserii. În fața ta vezi o tapiserie din Burgundia înfățișând un unicorn captiv.

Tradiția înfățișării diferitelor plante, înzestrându-le cu semnificație simbolică, a apărut în antichitate. Da, frunze acantus au fost considerate un simbol al morții.

Pe tapiserii, plantele sunt înfățișate cu o acuratețe surprinzător de „botanică”, dar se pare că deocamdată servesc doar ca decor.

În scena de vânătoare de unicorn, în colțul din dreapta jos este portocal. Era o plantă exotică, era considerată un simbol al raiului.

Călători în ţări îndepărtate a permis europenilor să se familiarizeze cu plante noi - palmieri de curmale, De exemplu.

Adesea, diferite tipuri de plante au decorat marginalia manuscriselor.

Legenda despre proprietăți magice rădăcină mătrăgună.

Palmierii păreau cam așa.

Con pini(pinul) a fost un simbol al arborelui vieții.

Mai multe flori erau considerate simboluri ale Fecioarei Maria.

Unele plante aveau semnificații simbolice pentru diferite religii. Imaginea prezintă o frunză dintr-o carte veche evreiască cu o imagine a unei menore și măslini, simbol al păcii. (Spania, secolul al XII-lea)

În scrisoarea inițială a unui manuscris medieval vedem Moartea admirându-se în oglindă și în jur... periwinkles, simbol al tinereții și al frumuseții. Ironia, se pare, aceasta este.

Miturile antice au fost populare în timpul Renașterii. În tabloul lui Cosimo Tura (1465) se află muza Calliope, patrona poeziei. Are o ramură în mână cirese- un simbol al fertilităţii, aici - creativ, aparent.

Raphael Santi „Visul cavalerului” (1504).
Este clar că simbolismul ascuns a cerut literalmente pânzele alegorice. Această imagine „criptează” alegerea dificilă între înțelepciune și plăcerile trupești. În stânga este zeița Minerva, întinzând o carte cavalelui adormit, simbol al cunoașterii, în dreapta este Venus, oferind flori de măr- un simbol al moștenirilor senzuale.

Există mult simbolism în poveștile Vechiului Testament. În pictura lui Albrecht Altdorfer „Susanna și bătrânii” (1526), ​​eroina merge la tribunal (în dreapta), purtând în mâini. Crin- un simbol al inocenței. Dacă îți amintești, bătrânii pofticii au hărțuit-o după ce o priveau făcându-se, iar când evlavioasa i-a refuzat, au acuzat-o în mod fals de adulter. Înțeleptul Rege David a îndeplinit o judecată dreaptă, aducându-i pe libertini apă curată. Vedeți-o pe Susanna trecând pe lângă o tulpină înaltă mulein, numit și „sceptrul regal” - un simbol al puterii și justiției.

O altă tapiserie frumoasă sud-flamandă „The Killing of the Unicorn”. Acum cu simboluri.

Un tufiș este vizibil în colțul din stânga jos căprui este un simbol al bogăției și al abundenței. Veverița este un simbol al muncii grele.

Și, desigur, există o mulțime de simboluri secrete în pictura religioasă secolele 15-16. Coperta erbacee de la picioarele sfinților, mai ales în picturile Renașterii de Nord, este o adevărată carte de referință botanică. Se pare că cunoașterea btanica era o abilitate necesară pentru artiștii de atunci. Interesant, aproape fiecare plantă avea propriul ei sens.

V-am povestit odată în detaliu despre Retabloul din Gent de Jan van Eyck. Permiteți-mi să vă reamintesc că există o mulțime de simboluri aici, inclusiv cele vegetale.

De exemplu, Eva ține în mână fructul Pomului Cunoașterii, dar aici nu este un măr, ci un „măr al lui Adam” sau nu este comestibil. citron iberic.

Apple, ca lămâie- simbol păcat original.

În acest minunat tablou de Matthias Grunewald „Stuppach Madonna” (1517) vedem simboluri ale Mariei într-o vază - alb Crin- inocență și puritate, Trandafir- durerea maternă și rănile lui Hristos, gălbenele(sau gălbenele) - „Aurul Mariei”, darul de mângâiere al Maicii Domnului pentru cei săraci și nenorociți. Maria îi dă copilului Nuc- un simbol al lui Hristos (cochilia nedescriptivă este corpul uman, miezul gustos este esența divină).

Pe același altar din Gent puteți vedea și florile Fecioarei Maria: Trandafir-durere, Crin- puritate, aquilegia și crinul- lacrimi.

lăcrămioare poate fi văzută și la picioarele Sfintei Veronica dintr-un tablou de Robert Campin. Și mai departe păpădie: floare draguta - pruncul Hristos, frunze in forma de lance - sulita lui Longinus, patima lui Hristos.

Jacques Daret, „Madona și Pruncul cu sfinți în grădina interzisă” (1425). La picioarele Mariei - spânz, simbol al lui Hristos și viata eterna. În stânga în colț - iris, simbol al durerii și al chinului matern.

Îngerii o prezintă pe Fecioara cu Pruncul iasomie. Cosimo Rossini (1440-1507)
Iasomia este un simbol al purității.

„Crăciunul” de Hugo van der Goes este precursorul naturii moarte. Fragment:

În prim-planul imaginii îi vedem pe cei deja familiari nouă crini, irisi(albul simbolizează puritatea, albastrul - durerea maternă), aquilegia. Si deasemenea cuișoare- sângele lui Hristos și iubirea mamei, Și violetele- un simbol al smereniei. Spiculete grâu- pâinea, carnea Domnului.

Copie venețiană a picturii lui Leonardo da Vinci „Leda și lebăda”. În povestea mitologică antică, florile au un sens complet diferit: anemonă- vant, aquilegia- simbol al fertilităţii, brebenocîn mâinile Ledei - putere naturală, pasiune, tinerețe, ranuncul caustic(„orbire nocturnă”) - nepăsare. Stejar deasupra capului Ledei se află un simbol al lui Zeus. O astfel de detalii meticuloase, de obicei ne caracteristice itienilor, au fost adesea „împrumutate” de artiștii pictorilor din nord.

Maria îi dă copilului cuișoare- un simbol al iubirii parentale. (Leonardo da Vinci „Madona Garoafei”).

Gerard David „Nașterea cu donatori, Sfinții Ieronim și Leonard” (1510-15).

Acest lucru este simbolic păpădie, știi deja semnificația lui:

Gerolamo di Labri „Madona și Pruncul cu sfinți” (1520). dafin- glorie, nemurire. Păunul este un simbol al vieții veșnice (din anumite motive, carnea sa a fost considerată incoruptibilă)

Martin Schongauer „Madona Trandafirilor”
De fapt, Trandafir- un simbol al suferinței și jertfei lui Hristos și Mariei, „rănile lui Dumnezeu”. Este interesant că aici nu sunt înfățișați trandafiri, ci cei asemănătoare copacilor. pionii. Se credea că trandafirii din paradis nu au spini, așa că peonul era destul de potrivit pentru acest rol.

Și acestea sunt schițele lui Schongauer (1495). Peon!


Stefan Lochner. Un alt desiș roz. La picioarele Maicii Domnului violetele, simbol al smereniei.

Joos van Cleve (1513-1515). Madona și Pruncul erau adesea înfățișați ținând fructe. Hristos ține în mâini portocale(fructul arborelui paradisului) sau piersică- opoziţia cu mărul, rod-simbol al păcatului originar; piersicul este un simbol al Treimii. Rodie pe tavă este un simbol al Bisericii Universale, struguri- vin - sângele lui Hristos, nucă - știi deja, cireașă- sângele lui Isus, pară- dulceata virtutii.

Filippo Lippi (sfârșitul secolului al XV-lea). La fel rodie.

Giovanni Bellini (1480), aici cu noi pară.

Joos van Cleve (1525). Clar în mână piersică. Lămâie se întinde sfidător în lateral - acesta este un simbol al pasiunilor pământești: frumos pe dinafară, imposibil de acru pe dinăuntru. El se opune clar nuc, simbol al lui Hristos.

Carlo Crivelli (1480). Bebeluș ținut în mână ciredeaua, simbol al patimii lui Hristos. În stânga stă o muscă - diavolul treaz, simbol al morții și al decăderii. Uneori măr a fost interpretat ca un simbol al mântuirii și castravete- puritate și înviere.

Lucas Cranach. Strugurii- Simbol euharistic al lui Hristos, sângele lui Hristos.

Martin Schongauer „Sfânta familie” Strugurii, iar în coș - mure, simbol al purității Fecioarei Maria.

Retable de la Isenheim de Matthias Grunewald, 1510-1515

Sfinții din uși stau pe socluri împletite cu iederă- simbol al învierii, al vieții veșnice, al devotamentului.
Acum avem sfinți.

Adrian Isenbrandt „Maria Magdalena cu peisaj”. În spatele sfântului - ghiocel, simbol al speranței și al purificării.

Lucas Cranach. „Sfânta Dorothea” Când sfânta era condusă la execuție, paznicul, batjocoritor, a invitat-o ​​să facă o minune - să obțină trandafiriîn mijlocul iernii. Un băiat cu un coș cu trandafiri s-a apropiat imediat de sfânt. Acum este un simbol al Sfintei Dorothea.

Antonio Correggio „Sfânta Ecaterina”. Ramura palmieri- un simbol al martiriului.

Albrecht Durer „Maximilian primul”. Rodie- deja știi.
Au mers tot felul de oameni laici.

Hans Suess van Kulbach. O fată țese o coroană din nu-mă-uita- un simbol al devotamentului față de persoana iubită. Acest lucru este confirmat de inscripția de pe bandă.

„Tânărul cavaler într-un peisaj” (ducele de Urbino?). Vittore Carpaccio. Se pare că portretul este postum. Un stârc este atacat pe cer de un șoim lângă apă, deja îl mănâncă. Câinele este fidelitate, crinul este puritate, irisul este întristarea, hermina este simbolul ordinului căruia i-a aparținut cavalerul.

Portretul unei doamne. În coș există flori care indică faptul că aceasta este cel mai probabil mireasa: violetă - smerenie, iasomie - puritate, garoafa - dragoste.

Andrea Solario „Portretul unui om cu garoafa”. Astfel de portrete ceremoniale „de mire” erau foarte populare. Ei au arătat că eroul era îndrăgostit și urma să se căsătorească. Sau tânărul soț i-a prezentat soției sale un astfel de portret în semn de dragoste.

Multe altele:

Necunoscut 1480.

1490

Lucas Cranach. Portretul doctorului Johann Kuspinian și al logodnicei sale (deja soția lui?) Anna Kuspinian.

Hans Holbein. Portretul lui Georg Guisse.

Hans Memling

Dirk Jaakobs. Portretul lui Pompeus Occo (1534)

Michael Wolgemuth „Portretul Ursulei Tücher” (1478)

Atelierul lui Jan van Eyck

Pisanello, Portretul contesei Guinevere d'Este (1447)
Și acesta este portretul unei fete care era deja moartă la momentul creării sale. Ea a murit la 21 de ani, iar soțul ei a fost acuzat de moartea lui (a murit și a doua soție în mod ciudat). În imagine sunt flori simbolice: aquilegia - lacrimi, garoafa - dragoste (posibil parentală, nu știm cine a comandat pictura), fluturi și o crenguță de ace de pin - nemurire în memoria celor dragi.

Domenico Gerlandaio „Portretul unei doamne”. Se pare că este o mireasă, un alt simbol al purității este floarea de portocal

Albrecht Durer, autoportret la 22 de ani.
Portretul a fost destinat unei tinere sotii, sfintul din mainile ei este un simbol al fidelitatii conjugale. Poza m-a inspirat să creez această postare.

Neuzv. Doamnă din familia Hofer. Nu-mă-uita - loialitate, devotament. Poate că soțul doamnei a murit - musca de pe coafură poate indica acest lucru aici este un simbol al morții, al fragilității existenței.

Lady Philippa Kingsby. Cireș - fertilitate, abundență

Portretul unei doamne (1576). Aici, o bogăție în mâinile tale înseamnă bogăție, o primulă înseamnă căsnicie, se pare că mătușa ta!

Mirabello Cavalori „Băiat cu zambile și piersici”. Zambila simbolizează curajul, dexteritatea și jocul. Uneori - înțelepciune, dar aici - cu greu. Și zambilele miros bine - mi le-au dat astăzi.

Și în sfârșit, un portret al lui Nicolaus Copernic de Tobias Steamer. Crinul este un simbol al amărăciunii și al lacrimilor. După cum știți, omul de știință a avut multe din aceste lucruri!

Și vă doresc să nu simțiți amărăciune, ci să vărsați lacrimi numai de bucurie!

Evul Mediu este adesea descris ca fiind întunecat și sumbru. Acest lucru a fost facilitat războaie religioase, acte ale Inchiziției, medicină nedezvoltată. Cu toate acestea, au lăsat multe monumente culturale demne de admirație pentru posteritate. Arhitectura și sculptura nu au stat pe loc: absorbind trăsăturile vremii, au dat naștere unor noi stiluri și tendințe. Alături de ei, pictura Evului Mediu a continuat fără încetare. Despre asta vom vorbi astăzi.

În strânsă colaborare

Din secolele XI până în secolele XII în toate arta europeana A dominat stilul romanic. Și-a primit principala expresie în arhitectură. Templele din acea vreme erau caracterizate de o structură cu trei nave, sau mai rar cu cinci nave a bazilicii, ferestre înguste care nu asigurau prea multă iluminare. Arhitectura acestei perioade este adesea numită sumbră. Stilul romanic în pictura din Evul Mediu s-a remarcat și printr-o oarecare severitate. Aproape complet cultura artistică a fost dedicat temelor religioase. Mai mult, actele divine erau descrise într-o manieră destul de amenințătoare, în conformitate cu spiritul vremurilor. Maeștrii nu și-au pus sarcina de a transmite detaliile anumitor evenimente. Accentul lor era sens sacru Prin urmare, pictura din Evul Mediu, în timp ce s-a oprit pe scurt asupra detaliilor, a transmis în primul rând sens simbolic, distorsionând proporții și relații în acest scop.

Accente

Artiștii de atunci nu cunoșteau perspectiva. Pe pânzele lor personajele sunt pe aceeași linie. Cu toate acestea, chiar și cu o privire trecătoare, este ușor de înțeles care figură este principala din imagine. Pentru a stabili o ierarhie clară a personajelor, maeștrii le-au făcut pe unele semnificativ mai înalte decât altele. Astfel, figura lui Hristos a stăpânit mereu peste îngeri, iar ei, la rândul lor, au dominat asupra oamenilor obișnuiți.

Această tehnică avea partea din spate: Nu a oferit prea multă libertate în a descrie decorul și detaliile de fundal. Drept urmare, pictura din Evul Mediu din acea perioadă a acordat atenție doar punctelor principale, fără a se deranja să surprindă secundarul. Tablourile erau un fel de diagramă care transmitea esența, dar nu și nuanțele.

Subiecte

Pictura din Evul Mediu european în stil romanic a fost plină de imagini cu evenimente și personaje fantastice. Se prefera adesea poveștile sumbre care povesteau despre viitoarea pedeapsă cerească sau despre faptele monstruoase ale dușmanului rasei umane. Scenele din Apocalipsă au devenit larg răspândite.

Etapa de tranziție

Artele plastice ale perioadei romanice s-au transformat în pictură Evul Mediu timpuriu când se află sub presiune evenimente istorice Multe dintre speciile sale au dispărut practic, iar simbolismul a dominat. Frescele și miniaturile din secolele XI-XII, care exprimă primatul spiritualului asupra materialului, au deschis calea dezvoltării ulterioare. direcții artistice. Pictura din acea perioadă a devenit o etapă de tranziție importantă de la arta simbolică sumbră a vremurilor și raidurile barbare constante la un nou nivel calitativ, care își are originea în epoca gotică.

Schimbări favorabile

Ideologul ordinului, Francisc de Assisi, a adus schimbări nu numai în viata religioasa, dar și în viziunea asupra lumii om medieval. Ghidați de exemplul său de iubire pentru viață în toate manifestările ei, artiștii au început să acorde mai multă atenție realității. Pe pânze artistice Ca și până acum, au început să apară detalii ale situației cu conținut religios, desenate la fel de atent ca și personajele principale.

gotic italian

Pictura de pe teritoriul moștenitoarei Imperiului Roman a dobândit destul de devreme multe trăsături progresive. Aici au trăit și au lucrat Cimabue și Duccio, doi fondatori ai realismului vizibil, care până în secolul al XX-lea a rămas principala direcție în artele plastice ale Europei. Imaginile de altar pe care le-au interpretat adesea o înfățișau pe Fecioara cu Pruncul.

Giotto di Bondone, care a trăit puțin mai târziu, a devenit faimos pentru picturile sale care înfățișau oameni pământeni. Personajele de pe pânzele sale par vii. Giotto a fost în multe privințe înaintea erei sale și abia după un timp a fost recunoscut ca un mare artist dramatic.

Frescuri

Chiar și în perioada romanică, pictura din Evul Mediu a fost îmbogățită cu o nouă tehnică. Meșterii au început să aplice vopsele deasupra tencuielii încă umede. Această tehnică a fost asociată cu anumite dificultăți: artistul a trebuit să lucreze rapid, pictând fragment după fragment în acele locuri în care stratul era încă umed. Dar această tehnică a dat roade: vopseaua, fiind absorbită în tencuială, nu s-a prăbușit, a devenit mai strălucitoare și a putut rămâne intactă foarte mult timp.

Perspectivă

Pictura Evului Mediu în Europa a căpătat încet adâncime. Un rol semnificativ în acest proces l-a jucat dorința de a transmite realitatea în imagine cu toate volumele sale. Încet, perfecționându-și abilitățile de-a lungul anilor, artiștii au învățat să descrie perspectiva, să ofere corpurilor și obiectelor o asemănare cu originalul.

Aceste încercări sunt clar vizibile în lucrările aparținând goticului internațional sau internațional, apărut spre sfârșitul secolului al XIV-lea. Pictura medievală din acea perioadă avea trăsături speciale: atenție la detaliile mici, o oarecare sofisticare și sofisticare în transmiterea imaginilor și încercări de a construi perspectiva.

Miniaturi de carte

Trăsăturile caracteristice ale picturii acestei perioade sunt vizibile cel mai clar în micile ilustrații care împodobeau cărțile. Dintre toți maeștrii miniaturii merită o mențiune specială frații Limburg, care au trăit la începutul secolului al XV-lea. Ei au lucrat sub patronajul ducelui Jean de Berry, care era fratele mai mic al regelui Franței, Carol al V-lea. Unul dintre cei mai lucrări celebre artiștii au devenit „Magnifica cartea de ore a ducelui de Berry”. El a adus glorie atât fraților, cât și patronului lor. Cu toate acestea, până în 1416, când urma Limburgilor s-a pierdut, aceasta a rămas neterminată, dar cele douăsprezece miniaturi pe care maeștrii au reușit să le picte le caracterizează atât talentul, cât și toate trăsăturile genului.

Transformare calitativă

Puțin mai târziu, în anii 30 ai secolului al XV-lea, pictura s-a îmbogățit cu un stil nou, care a avut ulterior o influență uriașă asupra tuturor artelor plastice. Inventat în Flandra vopsele de ulei. Uleiul vegetal amestecat cu coloranți a conferit noi proprietăți compoziției. Culorile au devenit semnificativ mai saturate și mai vibrante. În plus, nevoia de a se grăbi, care însoțea pictura cu tempera, a dispărut: gălbenușul care i-a format baza s-a uscat foarte repede. Acum pictorul putea lucra măsurat, acordând atenția cuvenită tuturor detaliilor. Straturile de pensule aplicate unele peste altele au deschis posibilități necunoscute până acum pentru jocul culorilor. Vopselele în ulei au deschis astfel maeștrilor o lume cu totul nouă, necunoscută.

Artist faimos

Robert Campin este considerat fondatorul unei noi mișcări în pictură în Flandra. Cu toate acestea, realizările sale au fost eclipsate de unul dintre adepții săi, cunoscut astăzi aproape tuturor celor interesați de arte plastice. Era Jan van Eyck. Uneori i se atribuie invenția vopselelor în ulei. Cel mai probabil, Jan van Eyck a îmbunătățit doar tehnologia deja dezvoltată și a început să o folosească cu succes. Datorită pânzelor sale, picturile în ulei au devenit populare și în secolul al XV-lea s-au răspândit dincolo de Flandra - în Germania, Franța și apoi în Italia.

Jan van Eyck a fost un mare portretist. Culorile de pe pânzele sale creează acel joc de lumini și umbre de care mulți dintre predecesorii săi le lipsea pentru a transmite realitatea. Printre lucrările celebre ale artistului se numără „Madona cancelarului Rolin” și „Portretul cuplului Arnolfini”. Dacă te uiți cu atenție la acesta din urmă, devine clar cât de semnificativă a fost priceperea lui Jan van Eyck. Cât valorează pliurile de îmbrăcăminte scrise cu atenție?

in orice caz loc de muncă principal maestru - „Retarul din Gent”, format din 24 de tablouri și înfățișând peste două sute de figuri.

Jan van Eyck este numit mai degrabă un reprezentant al Renașterii timpurii decât Evul Mediu târziu. Școala flamandăîn general, a devenit un fel de etapă intermediară, a cărei continuare logică a fost arta Renașterii.

Pictura medievală, acoperită pe scurt în articol, este enormă atât ca timp, cât și ca semnificație. fenomen cultural. Trecând de la amintiri atrăgătoare, dar inaccesibile despre măreția Antichității, la noile descoperiri ale Renașterii, ea a oferit lumii multe lucrări care, în mare măsură, vorbesc nu despre formarea picturii, ci despre căutarea. mintea umană, înțelegerea lui despre locul său în Univers și relația cu natura. Înțelegerea profunzimii fuziunii dintre spirit și corp caracteristică Renașterii, semnificația principiilor umaniste și unele reveni la canoanele de bază ale artei plastice grecești și romane vor fi incomplete fără a studia epoca care a precedat-o. În Evul Mediu a apărut un sentiment al mărimii rolului omului în Univers, atât de diferit de imaginea obișnuită a unui bug, a cărui soartă este complet în puterea unui zeu formidabil.

Arta Evului Mediu este oarecum ciudată și uneori foarte ambiguă. Se obișnuiește să-l admiri, dar, în același timp, chiar și istoricii de artă tac uneori sfios despre ceea ce se întâmpla în acea perioadă. Nu s-a vorbit despre realismul imaginilor, iar mulți dintre artiști erau pur și simplu călugări plictisiți care trageau marginile cărților pentru a trece cumva timpul. Inutil să spun că această perioadă este radical diferită de tot ce s-a întâmplat mai târziu în artă.

1. Iepurașii ucigași

Călugării medievali au creat „manuscrise iluminate” - cărți în care fiecare pagină era plină cu opere de artă colorate (miniaturi și ornamente). Uneori umpleau pagina imagini frumoase flori si iedera. Uneori, călugării au desenat ilustrații pentru carte în sine, iar uneori, din anumite motive, au desenat iepuri care loveau oamenii în cap. Iepurii care torturează oamenii este o temă surprinzător de comună în arta medievală. Istoricii de artă modernă nu au găsit încă un răspuns la această întrebare.

Există imagini cu iepuri care se grăbesc în luptă, mutilând cavaleri, furând femei, bătând oamenii cu bâte și tăiându-i cu topoarele - și astfel de imagini nu au niciodată legătură cu ceea ce este vorba. despre care vorbimîn cărți. Teoria principală este că astfel de desene au fost făcute pe câmp de călugări plictisiți care doreau doar să se distreze. Au crezut că ideea ca iepurii să se răzbune pe oamenii care îi vânau este amuzantă. Dar aceasta este doar o teorie.

2. Pisicile își lingă fundul

Imaginile cu pisici au devenit populare mult mai devreme decât internetul. Artiști medievali Le-am desenat destul de des. Singura excepție a fost că nu s-au concentrat să facă ca imaginea să evoce emoții pozitive și crize de drăgălășenie.

Din anumite motive, artiștii medievali credeau că există un singur moment demn de a fi imortalizat într-o operă de artă: momentul în care o pisică se aplecă și își linge propriul anus. Epoca medievală a lăsat în urmă o colecție ciudat de extinsă de toarce care își lingau fundul sau testiculele. Uneori, aceste imagini sunt foarte realiste, dar cel mai adesea pisica a fost reprezentată îndoită într-un cerc complet, cu limba în zona celui de-al cincilea punct.

3. Femei călare pe Aristotel

Filosoful grec Aristotel a apărut destul de des în picturi. Dar înăuntru perioadă scurtă la începutul Renașterii, din anumite motive au început să-l înfățișeze în aceeași ipostază ciudată și specifică. De câțiva ani, artiștii l-au înfățișat pe unul dintre cei mai respectați filozofi ai lumii, în patru picioare, cu o femeie călare pe el.

Uneori Aristotel avea un frenulum în gură. În alte ocazii, femeia l-a bătut. Și uneori ar fi o imagine explicită a unei femei goale care l-a bătut pe tatăl gândirii științifice. Originea unor astfel de picturi a fost povestea populară a soției lui Alexandru cel Mare, care l-a păcălit pe Aristotel să-i dea o plimbare ca ponei.

Morala poveștii a fost că femeile sunt ispite rele și toată lumea ar trebui să se abțină de la dorințele carnale. Acesta este modul în care artiștii medievali au demonstrat lumii că sunt „mai presus de poftă”.

4. Cavaleri care luptă cu melci

Unul dintre cele mai ciudate lucruri pe care călugărilor le plăcea să le înfățișeze pe marginile cărților erau bătăliile epice dintre cavaleri și melci. Între secolele al XIII-lea și al XIV-lea, din motive necunoscute, acest lucru a devenit foarte subiect popular.

„Pot fi găsite peste tot în marginile manuscriselor gotice”, a spus un savant. „Sunt literalmente peste tot și nimeni nu știe de ce.” Unii cred că aceasta este o alegorie a luptei sociale, a discriminării sau a luptei disperate a omului împotriva morții inevitabile, în timp ce alții atribuie totul plictiselii călugărilor.

5. Moise cu coarne

De multă vreme oamenii au avut obicei ciudat desenează imagini ale lui Moise cu coarne pe cap. Este foarte ciudat să înfățișăm un asemenea detaliu cu aspect demonic despre bărbatul care i-a condus pe evrei din Egipt. Și totuși, există multe exemple similare (chiar și Michelangelo a pictat ceva asemănător).

Există o părere că artiștii medievali nici nu s-au gândit să-și bată joc de Moise. Ei chiar credeau că are coarne. Cele mai multe traduceri ale Bibliei spun că atunci când Moise a coborât de pe Muntele Sinai cu cele Zece Porunci, chipul lui a fost „luminat cu raze de lumină”. Dar cuvântul ebraic original „keren” poate însemna fie „rază de lumină”, fie „corn”.

Așa că Biblia poate să fi declarat de fapt că Moise avea coarne. În epoca medievală, a fost chiar tipărită o copie a Bibliei care spunea că Moise a coborât de pe munte cu coarnele pe cap. Sună nebunesc, dar unii oameni încă cred că aceasta este traducerea corectă.

6. Maria Magdalena acoperită cu păr

Când artiștii gotici au pictat-o ​​pe Maria Magdalena, au făcut-o să arate ca o „expoziție” de la circul lui Barnum. Au pictat o femeie care era complet acoperită cu păr gros de la gât în ​​jos. Mai mult, acesta nu era un fetiș medieval ciudat, dar exact așa ar fi trebuit să arate, în opinia oamenilor de atunci, un sfânt. La acea vreme, povestea Mariei Magdalena s-a încheiat cu ea acoperită de păr lânos, făcând-o să arate ca o capră.

Potrivit legendei, Maria Magdalena a renunțat complet la toate bunurile pământești după moartea lui Isus. Ea a încetat să mai facă baie și să-și schimbe hainele, iar în cele din urmă hainele ei au fost complet uzate și rupte. Miracolul care a salvat-o pe Maria de a rătăci în jurul lumii goală a fost părul care i-a crescut pe tot corpul. După aceasta, pentru tot restul vieții, Maria a mers goală și păroasă.

7. Uciderea oamenilor fără griji

Majoritatea arta medievală era brutală. Dar oricât de groaznică a fost moartea cuiva, victima era mereu plictisită. Există imagini cu oameni călcați în picioare de călăreți, cu un cuțit înfipt în craniu sau tăiați în bucăți cu secure. Cu toate acestea, în fiecare imagine, victima arată de parcă se luptă să rețină un căscat. Teoria este că totul se leagă de conceptul medieval de Ars moriendi - arta de a muri bine. Moartea, conform oamenilor de la acea vreme, era un test moral.

A fost o perioadă în care omul trebuia să stea în fața judecății divine, iar felul în care a răspuns la aceasta a spus multe despre caracterul său. Dacă o persoană plângea, țipa și înjură în momentul morții, înseamnă că probabil că va merge în iad. Și dacă ultima suflare a fost întâlnită cu un zâmbet, atunci persoana a plecat în rai. Toți acești oameni plictisiți oameni morți ar putea să-și demonstreze pur și simplu pregătirea lor stoică de a merge în Rai. Sau artiștii medievali erau pur și simplu săraci la desenarea expresiilor faciale.

8. Oameni în „nave spațiale”

Din anumite motive, multe exemple de artă medievală arată oameni care zboară în mașini mici care arată ciudat de asemănător cu Sputnik 1. Acest lucru este comun în toate picturile lui Isus. Picturi medievale arată Puncte importanteîn viața lui Hristos, cum ar fi momentul în care mama sa Maria a ținut pentru prima dată pruncul în brațe sau momentul în care a murit pe cruce.

În colțul imaginii de pe cer este în mod invariabil reprezentat om scundîn „cabana unei mici rachete albe” zburând în spațiu. Există mai multe teorii cu privire la ceea ce reprezintă aceste imagini. Cea mai academică teorie este că imaginile sunt menite să simbolizeze „prezența străină a lui Dumnezeu”. Aceasta este doar o teorie și singura explicație, a cărei sursă este artistul medieval însuși, sună complet fantastic.

O gravură de Hans Glaser arată cerul deasupra unui oraș plin de țevi și sfere. Glaser a semnat gravura, afirmând că este o imagine a ceea ce a văzut petrecându-se pe cerul de deasupra Nürnberg: o bătălie între obiecte zburătoare necunoscute. Se consemnează că bătălia s-a încheiat cu sferele și mai multe „tijețe” zburând în soare, iar alte câteva obiecte s-au prăbușit la pământ într-un nor de fum.

9. Demoni cu fețele în picioare

Artiștilor medievali le plăcea să picteze demoni. Arta lor era plină de monștri înspăimântători care erau gata să ia sufletele celor nevinovați. Și dintr-un anumit motiv, mulți dintre demoni aveau doi ochi, un nas și o gură mare chiar pe picioare. Pozele astea erau ciudat de sexy.

Adesea, fața din picioare a demonului scotea un foc falic ciudat chiar între picioarele lui. Uneori, aceste fețe nu acopereau doar picioarele, ci erau situate la vârfurile organelor genitale. Era un mod de a arăta răul ispitei sexuale gratuite. Demonii erau meniți să simbolizeze pericolele poftei, iar fețele din picioare erau o modalitate de a arăta unde se ascundea adevărata față a răului.

Unii oameni erau atât de îngrijorați de pericolele poftei, încât demonii au fost cel mai popular subiect de artă în timpul Evului Mediu. Se pare că alți oameni au fost mai puțin îngrijorați, deoarece al doilea subiect cel mai popular a fost oamenii care se implicau în plăcerile sexuale.

10. Lucruri care ies din fund

Se pare că atunci când artiștii medievali nu desenau animale ucigașe și demoni cu fețele în picioare, își umpleau cărțile cu ilustrații care păreau foarte ciudate lângă Cuvântul lui Dumnezeu: imagini cu oameni cu lucruri ieșite din anus.

De obicei, aceasta a fost o țeavă, dar există și alte exemple. Unele pagini au fost decorate modele frumoase din flori și frunze care au ieșit dintr-un bărbat aplecat cu spatele spre cititor. De asemenea, destul de comune au fost imaginile cu oameni care trăgeau săgeți în ținte rotunde roșii pictate unul pe fesele celuilalt. De ce au pictat așa ceva este un mister.

Pe baza materialelor de pe listverse.com

Tema artei din Evul Mediu este încă de interes pentru mulți astăzi. Nu degeaba a apărut un proiect de benzi desenate pe internet. Anterior, am publicat 15 tablouri cu legende sarcastice moderne care au fost incluse în el.

Arta medievală a Europei ca întruchipare a mentalității religioase creștine. Estetica identităților: canonicitate, antinovatism, anonimat, repetare a intrigilor și imaginilor tradiționale. Dominante estetice ale Evului Mediu timpuriu, matur și târziu. Stiluri de arhitectură medievală: stil romanic, stil gotic.

Pictura medievală (miniaturi de carte, pictură monumentală, artă vitralii). Literatura medievală: și trăsăturile sale. Principalele tradiții literare: Literatură latină:, epopee, Literatură curtenească:, Literatură urbană:. Modul bisericesc și genurile muzicale medievale.

Pictura. Subiectele pentru picturi și sculpturi erau teme ale măreției și puterii lui Dumnezeu. Caracteristica stilistică a acestor imagini era că figura lui Hristos era semnificativ mai mare ca mărime decât alte figuri. În general, proporțiile reale nu erau importante pentru artiștii romanici: în imagini, capetele sunt adesea mărite, corpurile sunt schematice, uneori alungite. În Germania în secolul al XI-lea. tot mai mult spațiu în imagine. Tema crucificării, morții și învierii lui Hristos începe să ocupe locul. În viitor, acest motiv va deveni dominant în catolicism și chiar va înlocui imaginea lui Hristos ca Pantocrator. Pictură monumentală medievală timpurie.În ea, alături de tradițiile creștine timpurii, sunt observate trăsături de impetuozitate și expresie. Monumente din secolul al IX-lea care au ajuns în vremea noastră. Picturile bisericești din Franța fac posibilă distincția între școlile de fundal „luminoase” și „albastre”. Prima, comună în vestul și centrul Franței, se caracterizează printr-un fundal deschis, contururi ascuțite și o interpretare plată a formelor (frescele „Bătălia Arhanghelului Mihail cu Dragonul” din Biserica Saint-Savain din Poitou ). Pentru al doilea (sud și estul țării) este orientativ fundaluri albastre, culoare bogată și influență clară a artei bizantine. „Școala Fundalurilor Albastre” este deosebit de bine reprezentată de complexul de picturi Berze-la-Ville creat la începutul secolului al XII-lea. Astfel, în arta secolului al XIV-lea, deși era încă controlată de biserică, trăsăturile laice și realiste s-au intensificat. Vitraliu. În perioada de glorie a stilului romanic, existau două tehnici de pictură pe vitralii: grisaille(negru și vopsea gri pe sticlă incoloră de o nuanță verzuie fumurie) și pe compunerea sticlei colorate(sticlă se fierbea în cuptoare speciale, apoi se tăia conform desenului pregătit și se dactilografiază pe șabloane speciale, după care se acoperi cu pictură pe fond colorat). Cu toate acestea, vitraliul a atins cea mai mare înflorire în perioada gotică. Scopul principal al acestor „imagini de fereastră” a fost să le arate oamenilor care nu puteau citi Scripturile ce ar trebui să creadă. Datorită varietatii de subiecte, vitraliile sunt gotice. catedralele au concurat cu succes cu sculptura. Pe lângă compoziții pe subiecte biblice și evanghelice, figuri individuale ale lui Hristos, Mariei și apostolilor, acestea conțineau și episoade din legende despre viața sfinților și imagini ale evenimentelor istorice. Niciodată până acum culoarea și lumina au jucat un rol atât de simbolic. Se credea că culoarea naturală a goticului era violet - culoarea rugăciunii și a aspirației mistice a sufletului, ca o combinație între culoarea roșie a sângelui și cerul albastru. Culoarea albastra a fost considerat și un simbol al fidelității. Prin urmare, culorile roșu, albastru și violet au predominat în vitraliile. Alături de ei, portocaliu, alb, galben, Culoarea verde A. Cel mai bun goth. vitraliile sunt în catedralele din Chartres („Fecioara cu copilul”) și Paris (Saint-Chapelle).

Literatură. Toată literatura din Evul Mediu poate fi împărțită în epopee eroică, poezia curtenească cavalerească, romanul curtenesc cavaleresc și poezia și proza ​​clasei urbane. Epopee eroică au reprezentat basme care glorificau isprăvile eroilor, cele mai importante evenimente reale, basme bazate pe legende populare. Cele mai vechi lucrări de acest gen au fost „cântece despre isprăvi”. Interpreții acestor cântece-poezii au fost jongleri, cântăreți ambulanți și muzicieni. În Franța, cel mai mare monument al acelei epoci este „Cântarea lui Roland” (cavalerul ideal, patriot și iubitor de adevăr, apărător al creștinilor de necredincioși). Legendele bretone (Bretania - regiune din Franța) și celtice vorbesc despre regele britanic Arthur și Cavalerii Mesei Rotunde, precum și despre căutarea Sfântului Graal, cupa în care, potrivit legendei, sângele Mântuitorului. a fost colectat când trupul său a fost pus în sicriu. Cea mai faimoasă poezie a acestui ciclu gloriifică isprăvile cavalerului Parzival. În Germania - epopee „Cântecul Nibelungilor” despre moartea regatului Burgundian și moartea regelui hun Attila. Eroul Siegfried apare în țara Nibelungilor și se îndrăgostește de sora regelui Gunther. Regele îi cere lui Z. ajutorul pentru a îndeplini isprăvile eroice și se căsătorește cu regina islandeză. Mai târziu, înșelăciunea este dezvăluită. Poezie de curte cavalerească (curte). Poezia curtenească a început cu cultul „doamnei inimii”. Poeții-cavaleri au cântat frumusețea și noblețea Doamna frumoasa, care era, de regulă, soția stăpânului. Dragostea curtenească este secretă, poetul a evitat să-și numească doamna subtilă, rafinată. Ar trebui să arate ca o adorație reverentă. A fost cântat de trubaduri (Sudul Franței), trouvères (Nordul Franței), minnesingers (Germania) și menestreli (engleză). În Provence (și acolo au apărut primele poezii de dragoste cavalerești) au existat multe forme de poezie curtenească. Canzona(„cântecul” în formă narativă a prezentat o temă de dragoste. Alba(„zorii de dimineață”) a fost dedicat iubirii pământești, împărtășite. Îndrăgostiții se despart în zori, a căror apropiere este avertizată de un servitor sau prieten care stă de pază. Baladă- cântec de dans. Pastorela- un cântec despre întâlnirea unui cavaler și a unei păstorițe. Strigăt- un cântec în care poetul tânjește sau își plânge soarta, deplânge moartea unei persoane dragi. Tenson- poezie. disputa, pisica. fie participă doi poeți, fie un poet și P.D., poezie și Lyubov. Sirventes- cântec, pisică. Rețelele sociale sunt deja în creștere. întrebări: cine este demn de dragoste - un om de rând politicos sau un baron fără glorie? romantism cavaleresc curtenesc. Autorii - oameni învăţaţi. Primele romane au apărut în Franța. și au fost o fuziune a epopeilor celtice. legende cu lucrările antice târzii ale lui Homer, Ovidiu, Vergiliu, povești fascinante ale cruciaților despre țări necunoscute. Unul dintre creatorii lui Chretien de Trouy „Yvain sau Cavalerul cu Leul”. Acțiunile eroilor lui Chrétien de Troyes vizează realizarea unei isprăvi, în timp ce nu dragostea îl împinge pe cavaler la aventură, ci pasiunea pentru aceste isprăvi. Tehnici mai complexe de dezvăluire a oamenilor. har-ra au fost folosite de Chrétien de Troyes în Povestea Graalului, unde o faptă de „dificultate crescută” condamnă eroul la asceză.

Celălalt miercuri are o cu totul altă tonalitate. roman - „Tristan și Isolda”, bazat pe o pisică. Povești irlandeze despre dragostea nefericită a două inimi tinere. Intriga lipsește o aventură cavalerească și aduce în prim-plan conflictul insolubil dintre motivele individuale ale eroilor și normele general acceptate. Pasiunea distructivă a tânărului Tristan și a reginei Isolda îi împinge să-l calce în picioare pe vasal și datoria conjugala, într-un lanț de prefăcătorie și înșelăciune. Eroii nu mor sub loviturile adversarilor puternici, ei devin victime ale sorții, ale sorții. Poezia și proza ​​munților. moșii. Genurile populare sunt fabliau (în Franța), schwank (în Germania). Eroii sunt orășeni și țărani cu ingeniozitatea și bunul simț, cat. lupta cu adversitatea de zi cu zi, menținând în același timp optimismul. Toate situațiile sunt de natură comică sau aventuroasă, dar nu depășesc granițele unei reprezentări realiste de zi cu zi. Cea mai cunoscută epopee. ciclul este fr. „Un roman despre o vulpe”, în care viața srvekului este descrisă într-o formă alegorică. Europa. Tema principală este lupta de succes a vulpei Renard, lider. ingeniozitate, dexteritate si viclenie, cu un lup prost, insetat de sange. Fenomen deosebit- poezia școlarilor rătăcitori - vagași. Aceștia au făcut atacuri ascuțite împotriva prinților bisericii, ceea ce i-a făcut pe vagabondi militanti eretici. Temele preferate ale melodiilor lor sunt sărbătorile, flirtul ușor, plângerile ironice despre soarta lor grea („Pe partea franceză...”). Comedia populară s-a transformat în satiră și a dat naștere gen nou- farsă (comedie brută cu batjocură inerentă).

Muzică. Muzică Cultura Evului Mediu timpuriu este reprezentată în principal de cântece și dansuri populare și de curte, cântând muzică. instrumente și muzică religioasă. Toate nivelurile societății erau pasionate de muzică, cântec și dans. Imn bisericesc. Deja la sfârșitul secolului al VI-lea. baza pentru muzica. Cultul catolic a devenit o cântare bisericească cu o singură voce, interpretată de un cor masculin la unison sau de solişti în latin. Acesta este așa-numitul Cântul gregorian (numit după Papa Grigore I, care, conform legendei, a stabilit acest gen de cântare). Cântarea creștină uniformă a fost introdus treptat în toate țările Europei de Vest. Secolele KIX-X - primele înregistrări ale lucrărilor polifonice. Piesele de organum cu două voci au fost create de maeștri din Franța. Mănăstirea Saint-Marcel, pe care au împrumutat-o ​​de la cântăreți improvizatori. Distributie muzică Motetul a devenit un gen începând cu secolul al XIII-lea. Pentru a scrie un motet, comp. a luat o melodie cunoscută și i-a adăugat una, două sau trei voci. Și muzica bisericească a fost compusă după același principiu. ritual. Acesta are polifon. Pe baza și cântecele trubadurilor și trouvèrelor, creativitatea comp. târziu Evul mediu. Cântece diverse genuri și forme: rondouri, balade, madrigale. Această perioadă din istoria muzicii se numește Ars nova(lat. artă nouă), deoarece poezia seculară rafinată era acum pusă pe o muzică de un nou tip, impregnată cu o vioiciune deosebită și o bogăție de culori sonore. Un maestru remarcabil al IT. Ars nova a fost Francesco Landino. Orbirea timpurie nu l-a împiedicat să devină un organist virtuoz și autorul multor cântece lirice. pr. Ars nova a condus computerul. iar poetul Guillaume de Machaut, cat. contemporanii l-au poreclit „zeul pământesc al armoniei”. Balada din opera sa a devenit un exemplu de lirism sofisticat. A fost interpretată de un cântăreț cu acompaniament instrumental polifonic. Creativitatea ambilor a deschis calea. scena – muzica Renaştere