Galeria Tate poartă numele. O selecție de reproduceri de picturi de la London Gallery. Galeria Tate (Tate Britain). Cum să ajungi la Tate Modern

Londra are mai multe atracții unde vă puteți bucura de arta tradițională și contemporană. Unul dintre Reprezentanți proeminenți situri culturaleîn capitală se află Galeria Tate, care a devenit cea mai mare colecție de artă britanică din lume, care include lucrări din 1500 până în prezent. Galeria Tate nu este doar un muzeu, ea include mai multe muzee de artă din Londra și alte orașe.

Istoria muzeului

Numele galeriei nu a fost ales întâmplător: fondatorul acesteia a fost Henry Tate. Averea lui provenea din afacerea cu zahăr: Tate a inventat vata de zahăr, atât de îndrăgită de copii, a cărei vânzare i-a adus profituri uriașe. Omul de afaceri era un mare fan al picturii victoriane, așa că a decis să investească în artă. A susținut mulți artiști englezi talentați și inițial le-a cumpărat lucrările pentru el. Propria sa colecție a devenit începutul unei bogate colecții de lucrări din galerie.

Clădirea muzeului a fost ridicată la Londra, lângă podul Vauxhall, după proiectul lui S. Smith. Deschiderea a avut loc în 1897, iar noul muzeu a fost controlat de Consiliul de Administrație al Galeriei Naționale. În primul ghid publicat, se poate observa că colecția a început cu doar trei tablouri, inclusiv lucrare celebră U.D. Sandler „Joi”. Inițial, expoziția a inclus lucrări ale artiștilor născuți după 1790.

Pe lângă colecția Tate, la momentul deschiderii, galeria prezenta picturi din Muzeul South Kensington, lucrări din colecția Vernon, expuse anterior la National Gallery, și picturi de Watts, care au fost donate de însuși artistul.

În 1899, cu fondurile Tate, clădirii principale au fost adăugate 9 săli, făcând din Tate Gallery cea mai spațioasă din capitală. În 1910 s-au deschis mai multe săli noi, unde au fost plasate toate lucrările lui W. Turner, pe care le-a lăsat moștenire statului. Până la deschiderea noilor săli, picturile lui Turner au fost păstrate la National Gallery din Londra.

Colecția muzeului a fost în mod constant completată. În 1917 au început să formeze o colecție de lucrări artiști străiniși sculptori. Industriastul Samuel Courtauld a investit în 1923 bani în achiziționarea de lucrări ale impresioniștilor și postimpresioniştilor pentru muzeu. Când în 1926 a devenit imposibilă depozitarea tuturor lucrărilor împreună, în noua clădire a fost deschis un departament de pictură străină.

În timpul celui de-al Doilea Război Mondial, clădirea galeriei a fost grav avariată, dar exponatele au fost îndepărtate în avans, ceea ce le-a salvat de bombardamente. Expozițiile muzeului au devenit din nou disponibile vizitatorilor în 1949.

Divizia muzeală

Galeria Tate nu este doar despre pictură, ea găzduiește și sculpturi și imprimeuri. Pentru a afișa în mod adecvat toate exponatele disponibile, departamentele și filialele muzeului au început să fie decorate în alte clădiri și chiar în orașe. În 1987 a fost deschisă galeria Clore, unde este cel mai mult întâlnire deplină lucrări de W. Turner. Un an mai târziu, la Liverpool a fost deschisă o sucursală a Tate Gallery. În 1993, în Cornwall a fost creat muzeul Tate St Ives.

Deschis în 2000 piesa noua muzeu din Londra. Era situat vizavi de Catedrala Sf. Paul, pe malul sudic al Tamisei. Locația a fost aleasă pentru a fi o fostă clădire a unei centrale electrice, a cărei sediu era ideal pentru expoziție. artă contemporană. Galeria a fost numită Tate Modern, iar galeria originală Tate a devenit Tate Britain.

Galeria Tate Britain prezintă picturi de la începutul secolului al XVI-lea, iar aranjarea lor urmează cronologia, ceea ce face posibilă înțelegerea principalelor etape ale picturii engleze și a trăsăturilor acestora. Există și o împărțire a picturilor după temă, iar temele se schimbă anual: ochelari victorian, Cultul personalității etc., ceea ce vă permite să priviți picturile dintr-un unghi nou de fiecare dată.

Printre exponate se numără fantezii pe o temă amoroasă, peisaje romantice, picturi care arată viața englezilor, lucrări mistice, portrete ale englezilor celebri și chiar capete încoronate. Vizitatorilor le sunt oferite excursii tematice, prelegeri, precum și divertisment pentru copii. Aici picturile chiar „prind viață”, deoarece majoritatea exponatelor sunt însoțite de efecte sonore, care îi încântă foarte mult pe cei mai tineri vizitatori.

Tate Modern a devenit rapid un loc popular în Londra modernă. Aici au loc diverse expoziții, spectacole și instalații. Vizitatorii se pot bucura de stiluri și genuri complet diferite de lucrări ale autorilor contemporani.

Galeria Tate din Londra Creată inițial ca o expoziție exclusiv de pictură britanică, a fost fondată de Henry Tait în 1897. În calitate de proprietar al companiei Tate & Lyle, devenit bogat în comerțul cu zahăr (sau mai bine zis, datorită invenției vată de zahăr), a decis să investească în artă, deoarece aprecia foarte mult pictura victoriană.

De-a lungul secolului de existență, s-a strâns atât de multă artă încât, din anul 2000, o clădire separată a fost alocată pentru colecția de artă contemporană - Galeria Tate Modern(Tate Modern).
Ca să nu se încurce în nume, vechea galerie, reprezentând doar arta engleză, a început să se numească „Tate Britan”.

Colecția Tate Britain prezentate în ordine cronologică, de la 1500 până în zilele noastre. În fiecare perioadă de timp, există secțiuni tematice, precum Victorian Spectacles, Inventing Britain, Cult of Youth și altele. Subiectele se pot schimba aproximativ o dată pe an.

Portretele persoanelor conducătoare și oameni faimosi din timpul său (inclusiv pensule ale olandezilor invitați), imagini cu viața engleză, fantezii romantice, gravuri mistice și acuarele (misticismul a fost întotdeauna venerat de locuitorii din Foggy Albion) - toate acestea le vei vedea în galerie.

Clădirea Klor este cea mai mare din lume colecţie de picturi de W. Turner- aproximativ 300 de tablouri pe care el însuși le-a lăsat moștenire națiunii. Opera sa este la scară largă: de la picturi istorice despre traversarea Alpilor de către Hannibal la peisaje în spiritul impresioniștilor (dar scrise cu jumătate de secol înainte de apariția acestei direcții de artă).

Galeria Tate din Londra este clasică și calmă, dar copiii nu se vor plictisi aici. ținut constant prelegeri în familie, se povestesc tururi tematice, poveștile unor tablouri individuale și chiar picturile sunt „însuflețite” cu efecte sonore.
Sau de exemplu jocul " Găsiți cercul„ – cine va găsi cele mai multe cercuri, și nu numai în tablouri, ci și pe uși, pereți și chiar pe tavan.

În weekend și sărbători, Galeria Tate oferă divertisment interesant - la 12.00 și 17.00 așa-numitul " Cărucior de artă" Conține jocuri și alte divertisment interesante, legate tematic de expozițiile galeriei, interesante atât pentru adulți, cât și pentru copii.
Informații despre activitățile Tate Britain la care copiii pot participa astăzi sunt disponibile la intrarea în muzeu și pe site-ul web.

Site-ul web http://www.tate.org.uk/britain/

Ore de deschidere:
zilnic 10.00 - 18.00, ultima intrare 17.15, prima vineri a fiecărei luni până la ora 22.00
Intrarea este liberă, dar expozițiile sezoniere pot costa un bilet.

Abordare:
Millbank, Londra SW1P
Metrou: Pimlico, Vauxhall
Autobuze: 2, 3, 36, 77A, 88, 159, 185, 507

Între galerii" Tate Britain" Și " Tate Modern„, situată pe diferite maluri ale Tamisei, există serviciu fluvial direct navele companiei Thames Clipper. Navigațiile pleacă la fiecare 40 de minute de la Bankside Pier la Millbank Pier, cu o oprire pe parcurs.
Orarele și prețurile biletelor pot fi găsite pe site-ul companiei fluviale www.thamesclippers.com

Galeria Tate din Londra este cel mai mare complex de muzee de artă. Pereții lor adăpostesc capodopere ale artei britanice din 1500 până în prezent.

Până la sfârșitul secolului trecut, colecția muzeului devenise atât de mare încât nu mai era suficient spațiu pentru a o depozita (darămite a o expune). Ca urmare, colecția a fost împărțită în două părți: pictura modernă(După înțelegerea curatorilor, acesta este secolul al XX-lea), a devenit o galerie separată, Tate Modern și Tate Britain britanică.

Tate Britain este echivalentul englez al nostru.

Galeria a fost fondată în 1897 cu fonduri de la Sir Henry Tait(este inventatorul zahărului rafinat și al vatei de zahăr). Colecția muzeului a fost formată datorită Muzeului South Kensington și colecțiilor private de picturi. Proprietarii lor au decis să doneze statului colecția de picturi.

Particularități

Colectia de picturi din galeria Tate Britain este strict comandata. Fiecare perioadă de timp are propriile sale secțiuni tematice. O dată pe an setul de subiecte se schimbă, acest lucru creează interes și intriga. Principalele exponate ale muzeului sunt picturile prerafaeliților (o mișcare în pictura engleză din a doua jumătate a secolului al XIX-lea) și pânzele aerisite ale lui Turner, care, din păcate, nu sunt reprezentate aici.

Tate Modern ocupă incinta unei foste centrale electrice, clădirea sa este un obiect de artă cu drepturi depline.În pereții săi puteți privi picturile lui Dali, Matisse, Kandinsky și Picasso. Și aici exponatele sunt agățate pe teme, dar nu istorice, ci mai abstracte: „Lucruri în mișcare”, „Poezie și vise”, „Schimbări semnificative”.

Tate Gallery Paintings

John Constable, Flatford Mill (Scena pe un râu navigabil)

William Blake, Satana lovindu-l cu furunculi

J. M. W. Turner, Furtuna de zăpadă, Steam – Boat off a Harbour's Mouth

Sir John Everett Millais, Ophelia

Anna Lea Merritt, Love Locked Out

James Abbott McNeill Whistler, Nocturne: albastru și aur – Podul vechi Battersea

David Bomberg, Baia de noroi

Oberon, Titania și Puck cu zâne care dansează, William Blake

Ecce Ancilla Domini, Dante Gabriel Rossetti

Lovitura de maestru a zânelor, Richard Dadd

Strayed Sheep (Our English Coasts), William Holman Hunt

Mica servitoare de la țară, Camille Pissarro

Moartea maiorului Peirson, John Singleton Copley

Pylades și Oreste aduși ca victime înaintea Ifigeniei, Benjamin West

Coordonatele GPS: 51&grade 29" 27"" N, 0&grade 07" 38"" W

Adresă: Millbank, Londra SW1P 4RG

Muzeul Național de Artă conține cea mai importantă colecție de artă engleză din lume din secolele XVI până în secolele XX. Corpul principal este numit Tate Britainși este situat pe malul de nord al Tamisei, la sud de, lângă Podul Vauxhall. Muzeul include și o altă galerie de artă contemporană. Tate Modern, situat pe malul sudic al Tamisei vizavi.

Galeria a fost fondată de magnatul englez al zahărului Henry Tate pe baza propriei sale colecții de artiști englezi și a fost deschisă pe 21 iulie 1897 într-o clădire proiectată de Sidney Smith. Include, de asemenea, picturi de muzeu din South Kensington, colecția lui Vernon și mai multe picturi de George Frederick Watts, furnizate de artistul însuși.

De-a lungul timpului, clădirea a fost finalizată în mod repetat și au fost deschise încăperi noi pentru lucrări nou achiziționate. În 1917 a început formarea unei expoziții de autori străini contemporani. În 1988, a fost deschisă o sucursală în Liverpool. Iar în anul 2000, în clădirea unei foste centrale electrice de pe malul Tamisei, a fost deschisă galeria Tate Modern, care a adăpostit lucrări din secolul XX. După aceasta, vechea galerie a fost redenumită Tate Britain.

ÎN Galeria Tate Britain sunt prezentate lucrările autorilor școlii engleze pe întreaga perioadă a existenței acesteia, începând cu John Betts („Portretul unui bărbat cu șapcă neagră” - 1545) și Hans Holbein cel Tânăr. Autorii larg reprezentați includ: William Hogarth, Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough, William Blake, John Constable, precum și cei mai colecție completă Joseph Mallord William Turner într-o galerie separată Clore.

Cea mai semnificativă colecție de picturi romantice Epoca victoriană, în special Frăția Prerafaelită: John Everett Millais (Ophelia - 1850), Dante Gabriel Rossetti (Vestirea - 1850, Beata Beatrix - 1864), William Holman Hunt (Claudio și Isabella) – 1850). Printre autorii străini prezentați se numără: Claude Monet, Vincent Van Gogh, Camille Pissarro, Paul Cezanne și alții, precum și sculpturi de Auguste Renoir, Aristide Maillol.

Cu privire la galerie de artă contemporană Tate Modern, apoi conține una dintre cele mai bune colecții de suprarealism din lume: Salvador Dali, Max Ernst, Rene Magritte, Joan Miro. Colecție semnificativă de expresionism abstract american: Paul Jackson Pollock, Mark Rothko (Rothko Room cu nouă picturi murale Seagram). Pictura engleză contemporană este reprezentată de lucrările lui Stanley Spencer, Ben Nicholson, Paul Nash, Francis Bacon, Andy Warhol și alții artiști ruși: Naum Gabo, Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich.

Cladirea muzeului

Dragă cititor, probabil nici nu bănuiești că atunci când bei o ceașcă de ceai sau cafea cu un bulgăre de zahăr, atingi... istoria creării Galeriei Tate! Te intrebi cum? Și iată cum! Galeria poartă numele lui Henry Tait (1819–1899), fondatorul ei. Nu se obișnuiește să întrebăm (cu excepția „autorităților competente”) de unde și-a luat cutare sau cutare oligarh uriașul său capital și, în primul rând, acel misterios „capital inițial”. În Europa, o astfel de întrebare este posibilă și, cel mai important, un răspuns la ea. Henry Tate, fiul unui duhovnic, a intrat în afacerea cu zahăr în anii 1860 și a înființat o afacere foarte profitabilă de tăiat cubulețe și ambalare. Antreprenorul s-a îmbogățit și a devenit un filantrop: a investit în spitale, biblioteci, colegii și în cele din urmă a fondat o galerie de artă.

Interiorul muzeului

În sala muzeului

Tate a achiziționat picturi în principal din expozițiile anuale ale Academiei Regale de Arte. Era interesat de lucrări artiștii contemporani, industriașul i-a cunoscut personal pe mulți dintre ei și i-a susținut financiar. El nu numai că a strâns colectie mare picturi ale maeștrilor englezi, dar și-a construit și o clădire pe cheltuiala lui. Se poate spune că Tate a fost pentru arta britanică ceea ce a fost Tretiakov pentru arta rusă.

Galeria Tate - Stat muzeu naționalîn Londra. Aceasta este cea mai mare colecție de pictură engleză din lume, constând din trei mari secțiuni: artă engleză din 1550 până în prezent; colecție de lucrări de William Turner; arta secolului al XX-lea. Fondul general de artă al muzeului a fost distribuit între mai multe galerii „fiice”: Tate Britain, Clore Gallery și Tate Modern.

Galeria Tate Britain

Colecția Galeriei Tate nu putea fi limitată la lucrările doar ale acelor artiști pe care antreprenorul însuși i-a preferat. De-a lungul timpului, colecția a fost completată cu picturi ale vechilor maeștri englezi.

ÎN pictura nationala domină secolele XVI–XVII portret ceremonial. Cea mai veche lucrare a acestui gen, The Man with the Black Hat (1545), a lui John Betts, care este găzduită în muzeu, poartă amprenta influenței lui Hans Holbein cel Tânăr și oferă, în același timp, o perspectivă asupra artei Renașterii engleze.

Următorul secol al XVIII-lea include lucrări ale marilor maeștri - William Hogarth, Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough, George Stubbs.

Arta secolului al XIX-lea este prezentată în Galerie și mai pe deplin. Pe lângă lucrările prerafaeliților și ale lui William Turner, despre care vor fi discutate mai jos, aici sunt păstrate lucrări ale lui William Blake și John Constable. Peisajele altor autori sunt, de asemenea, demne de atenție.

Anii și deceniile au adus schimbări în distribuția comorilor scenice între muzeele britanice. O serie de picturi impresioniste, care se aflau inițial la Tate Gallery, au fost transferate la National Gallery din Londra. Cu toate acestea, muzeul are o colecție foarte impresionantă de picturi ale maeștrilor acestei mișcări, precum și lucrări ale aproape tuturor celor care au stat la originile artei moderne: Pierre Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Edgar Degas, Henri de Toulouse- Lautrec și alții.

Galeria Tate Modern

Galeria Clore

Galeria Clore expune cea mai completă colecție de lucrări ale unuia dintre cei mai talentați și faimoși artiști britanici, William Turner, lăsate moștenire statului. Moșia a fost transferată în 1856, la cinci ani de la moartea sa: aproximativ 300 de tablouri și 30.000 de desene și schițe, precum și caietele lui Turner și lucrările considerate neterminate, o serie de lucrări ale altor autori. Nouă picturi din această colecție au ajuns la National Gallery din Londra, ele demonstrează moștenirea marelui maestru englez în contextul artei mondiale; Aceeași piesă care a alcătuit comoara Tate este în prezent expusă în Galeria dedicată Clore, deschisă în 1987.

Tate Modern

Galeria Tate Modern, ca parte a Galeriei Tate, este cea mai mare colecție națională de artă contemporană mondială, inclusiv engleză. A fost creat în 2000, deschiderea sa a fost programată pentru a sărbători apariția mileniului trei. Reconstruit pentru muzeu clădire monumentală o fostă centrală electrică din centrul Londrei, pe malul opus al Tamisei față de Catedrala Sf. Paul. În timp ce au întreținut exteriorul, arhitecții au schimbat complet interiorul clădirii și au adăugat un acoperiș din sticlă și oțel.

Expoziția este amplasată în patru aripi ale clădirii. Trei sunt destinate principalelor mișcări de artă ale secolului XX: suprarealism, minimalism, artă abstractă, iar al patrulea este pentru cubismul și futurismul strâns legate. Lucrările multor apropiați sunt grupate în jurul principalelor tendințe numite.

Galeria prezintă munca semnificativa Pablo Picasso și Henri Matisse. Găzduiește una dintre cele mai bune colecții de suprarealism din lume, inclusiv picturi de Salvador Dali, Max Ernst, Rene Magritte și Joan Miro, opere de artă abstractă americană și artă pop.

Galeria Tate nu este numai colectia muzeului, dar și focalizarea viata culturala. Aici vă puteți satisface toate interesele artistice. Infrastructura bogată și bine organizată a Galeriei oferă vizitatorului multe oportunități de a explora arta la diferite niveluri de cunoaștere și implicare în ea. Acesta este, de asemenea, un loc minunat de relaxare, unde este plăcut să stai într-o cafenea după ce te-ai plimbat prin sălile de expoziție, să asculți un concert de lucrări ale compozitorilor diferite epoci sau alegeți divertismentul potrivit gusturilor și vârstei dvs.

Arta secolelor XVII-XVIII

Johann Zoffany. doamna Woodhull. Pe la 1770

scoala britanica. Doamnelor familiei Holmondeley. 1600–1610

Acest tablou realizat de un maestru englez necunoscut din secolul al XVII-lea este extrem de interesant prin idee și într-un adevărat sens unic. Numai pentru că ilustrează un caz absolut fantastic, care este povestit de inscripția de mai jos din stânga: „Două doamne dintr-o familie din Holmondeley, născute în aceeași zi, s-au căsătorit în aceeași zi și au născut în aceeași zi”.

Imaginându-ne mentalitatea unui englez medieval, se poate fi sigur că, deși această coincidență pare neplauzibilă, ea a avut loc și nu a fost o născocire a imaginației artistului. Aparent, într-o anumită măsură, ele sunt întruchiparea artistică a imaginilor doamnelor ale căror nume nu sunt cunoscute cu siguranță. Acesta, s-ar putea spune, este un portret ceremonial al surorilor cu copiii lor. Asemenea mamelor în travaliu, ele sunt arătate în pat, micuții lor învelite în pânză stacojie. Artistul locuia în Cheshire, nu departe de care se află moșia numită. Eroinele ar fi putut fi locuitorii Castelului Holmodel, care există și astăzi.

La prima vedere, se pare că femeile poartă aceleași rochii, seamănă foarte mult, la fel ca bebelușii lor. Dar aici a fost demonstrată uimitoarea abilitate a artistului. El a introdus cea mai subtilă varietate în toate detaliile la fel de importante ale acestui portret dublu (chiar, s-ar putea spune, cvadruplu). Merită să comparați dantelă de rochii, coliere etc. în plus sarcina dificila era să împiedice privitorul (dată fiind asemănarea evidentă a statutului surorilor) să aibă impresia de atractivitate mai mare sau mai mică a uneia sau a celeilalte. Probabil, acum nimeni nu va putea dovedi că unul dintre cei doi este mai frumos.

ÎN estetic imaginea este extrem de interesantă: demonstrează o diversitate uimitoare în cadrul unei anumite unități. O analogie completă cu acest fenomen în pictura engleză este prima colecție publicată de muzică națională virginală - „Parthenia”, publicată în același timp, în 1611. Atât aici, cât și acolo se bazează metoda artistica constă principiul variaţiei. Este ușor să ne imaginăm un alt exemplu al acestei diversități conținute în identitate: două doamne, așezate la două instrumente la fel de asemănătoare, vor cânta piesa lui Gilis Farnaby „For Two Virginels”, în care ambele părți sunt egale...

William Hogarth (1697–1764). Artistul și moșul lui. 1745

William Hogarth este un mare artist englez, gravor și teoretician al artei.

Titlul „oficial” al lucrării nu este în întregime corect; Acest tablou în cadrul unui tablou continuă tradiția barocului unor astfel de autoportrete. În prim plan sunt obiecte care identifică modelul ca artist (paletă) și literar persoană educată(cărți ale căror coturi scriu „Shakespeare”, „Swift”, „Milton”). Și acest lucru este adevărat, mai târziu, în 1753, va fi publicat propriul tratat al lui Hogarth „Analiza frumuseții”, dar ideile sale sunt deja reflectate în acest autoportret. Să aruncăm o privire mai atentă la paletă: arată o linie curbă și se oferă o explicație: „Linia frumuseții și a grației”. Această idee va deveni principala în tratat: „linia frumuseții”, conform învățăturilor lui Hogarth, este o linie în formă de S, care este granița a două spații care sunt cel mai armonios combinate între ele. Este necesară o mare abilitate pentru a-l desena în cel mai perfect mod. După ce a realizat-o, Hogarth s-a asemănat cu artistul grec antic Apelles - personificarea perfecțiunii în arta picturii, care a trasat o linie atât de fină și perfectă încât nimeni nu o putea repeta. Dar dacă Apelles, conform legendei, avea o linie dreaptă, atunci Hogarth a luat una curbă ca standard. În prefața tratatului, artistul a recunoscut că „nici o hieroglifă egipteană nu a ocupat mintea atât de mult timp” ca această linie. „Pictorii și sculptorii au venit la mine pentru a afla sensul acestor cuvinte, nu au fost mai puțin nedumeriți de ei decât oricine altcineva până au primit o explicație.”

Al doilea personaj important Tabloul este câinele preferat al autorului - Trump the pug. Dacă te uiți cu atenție la ambele descrise, atunci, așa cum se întâmplă adesea, poți găsi unele asemănări în aparițiile lor. În acest caz, câinele servește ca întruchipare a caracterului bellicios al proprietarului.

William Hogarth (1697–1764). Șase șefi de servitori ai lui Hogarth. 1750–1755

William Hogarth a avut o atitudine negativă față de portretele ceremoniale seculare stereotipe pe care contemporanii săi le-au creat din abundență. De obicei le scria rudelor și persoanelor apropiate. Un portret de grup al servitorilor este o astfel de lucrare. Este remarcabil nu numai din punct de vedere estetic ca o lucrare a unui mare maestru, ci și din punct de vedere social - transmite demnitate umană oameni care ocupă trepte joase în ierarhia socială, dar posedă în același timp o noblețe spirituală neîndoielnică.

Acest portret neobișnuit de grup a fost atârnat inițial în studioul lui Hogarth. Patronii și clienții artistului l-au putut vedea. Lucrarea a servit drept dovadă a abilității de neegalat a autorului de a transmite caracteristicile individuale ale modelului. Nu a fost comandat, pictorul a creat-o pentru propria sa plăcere, și poate pentru servitorii săi.

Pictura este formată din mai multe capete neînrudite. Artistul a realizat unitatea compoziției cu ajutorul dispoziției lor simetrice și a luminii uniforme dintr-o sursă situată în exteriorul tabloului, în colțul din stânga sus. Ideea lui Hogarth de a picta portrete ale servitorilor în afara muncii lor zilnice s-a dovedit a fi unică. Atitudinea maestrului însuși față de ei este clar vizibilă - dispoziție completă. Încurajează privitorul să-și imagineze viața calmă, ordonată și moderată a artistului în casa lui bine întreținută.

Un studiu al lucrării a stabilit că dimensiunea ei inițială era mai mare și autorul intenționa să plaseze șapte capete. Dar ultimul nu a fost lucrat la fel de atent ca celelalte și atunci artistul a avut ideea să taie marginea, astfel încât cele șase capete finalizate să arate mai complete în compoziție.

George Stubbs (1724–1806). Iepe și mânji pe fundalul unui peisaj cu un râu. Pe la 1763–1768

George Stubbs este faimos, în primul rând, pentru că a fost unul dintre primii pictori remarcabili englezi care și-a dedicat opera cailor. În anii 1760, Stubbs a petrecut doi ani făcând studii anatomice ale acestor animale. Numeroasele sale schițe au fost publicate în 1766 ca o carte separată numită „Anatomia cailor”. Artistul a lucrat un timp neobișnuit de lung la fiecare dintre pânzele sale, ceea ce a fost o consecință a meticulozității sale extreme și a absorbției totale în opera sa. Un astfel de interes științific mare ar putea, într-un fel, să devină chiar un obstacol în calea implementării pur sarcini artistice, dar acest lucru nu s-a întâmplat în cazul lui Stubbs. Toate imaginile sale cu cai sunt neobișnuit de vii, frumoase și energice.

Pictura oferă privitorului o adevărată plăcere în compoziția, designul și paleta sa colorată. Un orizont îndepărtat și larg, întinderi mari de pământ și apă, un loc înalt unde pasc caii, absența oricăror bariere pentru ei - toate acestea creează o stare de spirit și un sentiment de pace și voință, atât de dorit în comunicarea cu aceste animale și așa rar în relațiile dintre oameni.

Joshua Reynolds (1723–1792). Colonelul Acland și Lordul Sydney. Arcașii. 1769

Pictorul englez Joshua Reynolds a fost primul președinte al Academiei Regale de Arte.

Pictura este portretul a doi aristocrați englezi - colonelul Acland (dreapta) și Lord Sidney, un politician și diplomat irlandez. Aici sunt încă tineri, mai târziu colonelul va lua parte la războiul Statelor Unite ale Americii pentru independență (de partea coroanei britanice), va fi rănit la picioare (? 777), va supraviețui captivității și va reveni la el. patria, unde va fi ales deputat. Dar până acum nu s-a arătat a fi un erou, iar Reynolds îl prezintă ca pe un aristocrat obișnuit, pasionat, alături de Lord Sydney, de vânătoare - întotdeauna considerată o distracție a înaltei societăți. Au reușit deja: trofeele zac la picioarele lor.

Reynolds a prezentat scena cu o intensitate extraordinară. Emoția vânătorilor și tensiunea lor sunt transmise minunat. Apropo, în mare măsură, aceasta din urmă este exprimată prin corzile arcului întinse elastic ale arcurilor arcașilor. În momentul în care a fost creată imaginea, arcul era deja o armă a vremurilor trecute, vânătoarea se desfășura cu arme. Reynolds a idealizat momentul și a stabilit decorul în Renașterea imaginată romantic. Acest lucru este sugerat și de faptul că în figura lui Acland există în mod clar un indiciu al unui alt vânător, sau mai degrabă, o vânătoare - Diana - un personaj din pictura renascentist a lui Titian „Moartea lui Actaeon” (1562. galeria Națională, Londra).

Joshua Reynolds (1723–1792). Lady Bamfield. 1776–1777

Acest portret a fost comandat de maestrul Charles Warwick Bamfield cu ocazia căsătoriei sale cu Catherine Moore, Lady Bamfield. Imaginea tinerei fermecătoare este o adaptare plină de spirit a statuii clasice a lui Venus de Medici (din colecția Medici), considerată întotdeauna întruchiparea frumusețe feminină. Întoarcerea lui Reynolds către idealurile estetice ale antichității a fost destul de organică: la un moment dat, în 1749, a plecat în Europa, a trăit în Italia, a vizitat Florența, unde în Galeria Uffizi a văzut o copie din marmură a pierdutului. sculptură antică zeite. Talentul marelui portretist a fost pe deplin demonstrat în această lucrare, care a fost matură în pricepere. Imaginea captivantă a modelului este dată, ca de obicei, de Reynolds, pe fundalul naturii.

Este de remarcat faptul că, odată cu realizarea acestui portret, un alt artist, Johann Zoffany, a pictat acum faimoasa pictură „Tribuna Galeriei Uffizi”, înfățișând comori de artă Galeriile și statuia asta. Lucrarea era cunoscută în Anglia pentru că a fost păstrată la Windsor, în castelul regal.

Henry Robert Morland (1716–1797). Servitoarea călcă haine. 1765–1782

De-a lungul vieții sale, Henry Morland a pictat imagini idealizate cu servitori, servitoare și barzi. Toate aceste picturi, și acesta, sunt executate în stilul, ca să spunem așa, al „picturii imaginare” - un gen de pictură foarte dulce și emoționant din epoca sentimentalismului. Totul în astfel de lucrări este fermecător, confortabil, sigur, calm și încălzește sufletul. Întotdeauna a existat și, evident, va exista o cerere pentru acest gen de muncă în anumite cercuri ale societății. O serie de maeștri, printre care Morland, au făcut din acest stil stindardul operei lor. Ca orice mișcare artistică, are propriile sale lumini. O capodoperă recunoscută este „Fata de ciocolată” din Dresda de J. E. Lyotard. O astfel de pictură are analogii în muzică (Carl Philipp Emmanuel Bach - unul dintre fiii cei mai mari ai lui J. S. Bach), literatură (devreme J. V. Goethe), arhitectură (case „unifamiliale” urbane din toată Europa). Cererea pentru astfel de picturi a fost atât de mare încât aceeași parcelă a fost replicată de pictori de multe ori. Imaginea asta a unei tinere servitoare ocupată cu călcat, pare să existe în cinci versiuni, scrise în perioada de timp indicată în data creării operei.

John Singleton Copley, artist american și englez, reprezentant al clasicismului, portretului și picturii de istorie, s-a născut la Boston. Tatăl său vitreg a fost un maestru al periei și mai târziu și-a ajutat fiul vitreg. În 1774, în ajunul războiului de revoluție americană, Copley a părăsit America și s-a stabilit la Londra. Aici s-a întors spre genul istoric. Maestrul a fost membru al Academiei Regale de Arte.

Imaginea este cunoscută și sub cel de-al doilea titlu - „Jersey Assault”. Pentru a înțelege pictura de luptă, trebuie să cunoașteți echilibrul politic și militar al puterii, cine a luptat și cu cine. Furtuna din Jersey a fost o încercare a Franței de a invada insula și de a elimina amenințarea pe care aceasta o reprezenta pentru transportul american în timpul Războiului Revoluționar. Jersey a fost folosit de britanici ca baza militara, iar Franța, eternul dușman al Angliei, intrând în război ca aliat al Statelor Unite, a vrut să obțină controlul asupra acesteia.

Francezii au debarcat în Jersey la 5 ianuarie 1781. Guvernatorul a predat insula după căderea capitalei sale, St. Helier, dar maiorul Francis Pearson, în vârstă de douăzeci și patru de ani, comandantul garnizoanei, a respins capitularea și a condus un contraatac reușit. În realitate, maiorul a fost ucis cu puțin timp înainte de bătălie, dar Copley îl înfățișează murind sub steagul britanic în momentul victoriei. Servitorul negru al lui Pearson împușcă, răzbunând moartea stăpânului său.

Francis Pearson a devenit un erou național în Marea Britanie și pictura a atras mulțimi când a fost expusă pentru prima dată. Este reprodus pe bancnota de zece lire Jersey.

Henry Fusli (1741–1825). Visul ciobanului din Paradisul pierdut. 1793

Henry Fusli este un artist, grafician, istoric și teoretician elvețian și englez. A slujit ca pastor, apoi a studiat pictura la Berlin, din 1764 a lucrat în Anglia și a fost prieten cu William Blake. Opera maestrului este unul dintre cele mai timpurii exemple de romantism din Anglia.

Poeziile lui John Milton „Paradisul pierdut” și „Paradisul recâștigat” i-au atras atenția lui Fusli în timpul tinereții sale în Elveția. Mulți artiști romantici au apelat la ei, dorind să ilustreze episoade individuale. Această imagine descrie versuri din prima carte a poeziei, care vorbesc despre spiriduși de basm:

Spiridușii care la ora miezului nopții
Pe malurile pâraielor și în păduri
Ei dansează pe margini; pieton întârziat
El le vede în realitate, sau poate în delir,
Când luna domnește peste el, spre pământ
Reducendu-și zborul palid, se zbârnesc,
Învârtirea (...)
În loc să-i înfățișeze pe spiriduși dansând, așa cum se făcea de obicei, autorul îi imaginează ținându-se de mână și întorcându-se deasupra ciobanului adormit, care vede acest lucru în fanteziile sale. Fusli își mobilizează toată imaginația pentru a crea creaturi supranaturale, locuind imaginea. Sunt interesante de privit.

Lucrarea a fost scrisă pentru marea galerie de imagini din poezia lui Milton creată de artist.

Philip James de Lauterburg (1740–1812). Vederea unui cal alb. 1798

Philip James de Lauterburg (cunoscut sub numele de Philippe-Jacques, și Philip Jacob cel Tânăr) este un artist englez de origine franceză. A studiat la Strasbourg, părinții l-au pregătit să devină preot luteran, dar tânărul a insistat să fie artist, în acest scop a plecat la Paris și acolo a devenit în scurt timp celebru. În 1771, maestrul s-a mutat la Londra și a acceptat invitația actorului David Garik de a lucra ca scenograf pentru cel mai vechi teatru din Londra, Drury Lane. În acest domeniu a avut realizări deosebite.

Ultimele decenii ale secolului al XVIII-lea (epoca Marii Revoluții Franceze, războaiele ulterioare și anticiparea unui nou mileniu care se apropie relativ curând) au dat impuls unei alte interpretări a temei apocaliptice. Artiștii au început să dezvolte comploturi despre moartea lumii, Judecata de Apoi și sfârșitul umanității. Pictura lui Lauterburg îi arată pe primii doi dintre cei patru călăreți ai Apocalipsei - „Cuceritorul” („M-am uitat și iată un cal alb, iar un călăreț pe el avea un arc și i s-a dat o coroană; și a ieșit afară. biruitor și să biruiască.” – Apoc. 6:2) și „Război” („Și a ieșit un alt cal roșu; și celui ce ședea pe el i s-a dat putere să ia pacea de pe pământ, ar trebui să se ucidă unii pe alții și i s-a dat o sabie mare.” – Apoc. În interpretarea acestei intrigi, autorul s-a bazat în mod clar pe faimoasa gravură a lui Durer „Cei patru călăreți ai Apocalipsei” din seria sa „Apocalipsa”.

William Blake (1757–1827). Nabucodonosor. 1795–1805

Artist, poet, mistic, vizionar englez William Blake a studiat la Londra la Academia Regală de Arte. Formarea sa a fost influențată de tendințele romantismului național. Provenind dintr-o familie foarte religioasă, el copilărie timpurie a cultivat respect pentru Biblie, ale cărei imagini l-au stăpânit de-a lungul vieții și a creat un număr mare de ilustrații pentru ea, care erau foarte originale în idei, compoziție și tehnică. Lumea lui Blake este populată de personaje fantastice, prezentate în imagini și fenomene excepționale în contextul artei de la începutul secolelor al XVIII-lea și al XIX-lea. Blake nu are nicio paralelă în epoca lui. De fapt, doar câteva dintre creațiile suprarealiștilor se pot compara cu revolta imaginației sale. Galeria Tate găzduiește 175 de lucrări ale artistului.

Puteți înțelege imaginea lui Blake dacă cunoașteți povestea lui Nebucadnețar din Cartea biblică a lui Daniel (4:26–30): „La sfârșitul a douăsprezece luni, mergând prin palatele regale din Babilon, regele a spus: „Nu este aceasta. maiestuosul Babilon, pe care l-am zidit ca o împărăție prin puterea puterii mele și spre slava măreției mele „Pe când acest cuvânt era încă în gura împăratului, s-a auzit un glas: „Ei spun! ție, rege Nebucadnețar: împărăția s-a îndepărtat de la tine!” Și te vor despărți de oameni și locuința ta va fi cu fiarele câmpului; Îți vor hrăni iarba ca un bou și vor trece de șapte ori peste tine, până vei ști că Cel Preaînalt stăpânește peste împărăția omului și o dă cui vrea El „Îndată s-a împlinit acest cuvânt asupra lui Nebucadnețar! excomunicat dintre oameni, a mâncat iarbă, ca un bou, iar trupul i-a fost udat cu roua cerului, astfel încât părul i-a crescut ca al leului și ghearele ca ale unei păsări.”

După șapte ani, și-a ridicat ochii spre cer, l-a lăudat pe Atotputernicul și a revenit imediat la fosta sa condiție umană.

arta secolului al XIX-lea

Albert Moore. A inflori. 1881

John Constable (1776–1837). Scenă pe un râu navigabil. 1816–1817

Acest tablou al pictorului peisagist englez John Constable este cunoscut sub al doilea titlu - „Fletford Mill”. Moara era situată chiar în centrul regiunii, unde cantitati mari Se cultiva porumb care, de altfel, în timpul războiului cu Franța, când Anglia, din cauza blocadei lui Napoleon, nu putea conta decât pe resursele proprii de hrană, era o afacere profitabilă. Tatăl artistului a avut succes, iar acest susținător al familiei, care stă pe malul râului Stour, în micul sat East Berghoult, unde s-a născut pictorul, apare de mai multe ori în picturile sale. În tinerețe, Constable a călătorit foarte mult prin zonă, făcând schițe și schițe. Potrivit autorului însuși, aceste schițe „l-au făcut un artist, pentru care este foarte recunoscător”.

Buștenul mare din colțul din stânga jos al imaginii este, desigur, unul dintre suporturile morii, ceea ce explică animația locuitorilor de pe mal. Barja se desprinde de cal, deoarece acum trebuie să pornească.

Într-una dintre scrisorile sale, Constable recunoaște că își asociază adolescența lipsită de griji, în primul rând, cu River Stour, pentru că datorită ei a devenit maestru. În acest peisaj, această asociație de copii se exprimă prin mijloace artistice. În imagine domnește un calm rar, o seninătate aproape arcadiană a existenței, accesibilă tuturor.

Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Loch Buttermere, cu vedere la Cromacwater din Cumberland. Duș. 1798

Joseph Mallord William Turner este un maestru de neîntrecut al peisajului romantic, în esență un impresionist în spiritul picturii sale. În 1871, Claude Monet și Camille Pissarro, care și-au văzut lucrările la Londra, nu le venea să creadă că artist britanic cu câteva decenii înaintea impresioniştilor parizieni, el a reuşit să anticipeze căutările lor stilistice. Galeria Tate are cea mai mare colecție de lucrări ale lui Turner, cu 4.187 de desene, schițe și schițe.

Inspirația pentru pictură a fost poemul „Primăvara” al poetului scoțian James Thomson:

Înclinat spre vest, apare soarele
Atât de strălucitor - și strălucire rapidă
Se lovește direct în munți - și din ceața galbenă
Decolează, grăbindu-se spre infinit
Arc de aer, înflorire de culori.
pictura engleza si literatura XVIII secolele oferă o mulțime de motive pentru a compara imaginile glorificate în ele. Filosofii britanici au creat un concept nou, original al „sublimului”: este eterogen. În peisaje, se pot distinge două tipuri: primul este numit convențional „înfricoșător de sublim”, asociat cu furtuni și dezastre, al doilea - „sublim natural” - se adresează stărilor mai calme ale naturii. Aici Turner a schimbat câteva detalii și, în esență, s-a schimbat imagine poetică, la Thomson este un exemplu al primului, în timp ce la pictor este foarte dramatic. Autorului îi plăcea să înfățișeze natura posedată de elemente. pe a lui desen pregătitor, făcută în timpul unei călătorii în nordul Angliei cu un an mai devreme, spune: „Negru”. Turner va continua să furnizeze picturilor sale direcții de scenă, al căror scop este de a trezi privitorului admirație și teamă față de măreția și forțele naturii.

Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Viscolul Hannibal și armata sa traversează Alpii. 1812

Tabloul datează de la începutul carierei lui Turner este una dintre cele mai îndrăznețe și semnificative lucrări ale tânărului pictor. Intriga se bazează pe povestea istoricului roman antic Titus Livy despre bătălia cartaginezului Hannibal cu triburile locale în timpul tranziției prin Alpi către Italia în 218 î.Hr. e. Turner a ales Valea Aosta drept decor pentru acțiune, pe care a vizitat-o ​​în timpul călătoriei sale din 1802. Bătălia arătată cu un anumit punct inalt, se desfășoară pe întreg spațiul pânzei, aceasta, lovită de o furtună incredibilă, se duce în depărtare, unul dintre elefanții legendari ai armatei lui Hannibal este vizibil la orizont. Pictorul este un maestru al înfățișării acțiunilor pe scară largă. Incertitudinea cauzată de conturul neclar creează o imagine neobișnuit de sublimă.

Prima expunere a picturii la Academia Regală de Arte din Londra a fost însoțită de publicarea poeziei lui Turner „The Deception of Hope”. Conține aceste rânduri:

<…>se uită liderul
Cu speranța pentru apusul care se stinge,
Unde este marginea vântului italienesc
Tăiat la marginea anului.
Ce îi așteaptă, stânci îmbibate de sânge
Și alunecări de teren, dincolo de deșertul de piatră?
Și-a imaginat: câmpiile bogate ale Campaniei.
Vântul urla: ispitele Capua sunt otravă!
„Răspunsul” vântului se referă la descrierea lui Livy a căderii ulterioare a armatei lui Hannibal datorită faptului că viața abundentă de pe platoul italian a subminat puterea morală și fizică a soldaților.

Pictura face o altă aluzie - la Napoleon Bonaparte: cu doi ani înainte de crearea pânzei, Turner a văzut opera lui Jacques-Louis David „Napoleon la pasul Sf. Bernard”, în care Primul Consul este prezentat ca un Hannibal modern. Astfel, opera lui Turner se referă la invazia lui Napoleon în Alpii tirolezi, a fost scrisă în apogeul războiului cu Franța. Împreună cu avertismentul poetic, furtuna de zăpadă înfățișată poate fi percepută ca un simbol și un semn al prăbușirii ambițiilor atât ale Cartaginei, cât și ale Franței napoleoniene.

Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Bay Bay cu Apollo și Sibyl. 1823

Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Bay Bay cu Apollo și Sibyl. 1823 (fragment)

Turner a arătat acest tablou la Academia Regală de Arte din Londra în același an în care a terminat-o. Între timp, lucrările la ea, se pare, fuseseră efectuate mai devreme, iar pânza a devenit un fel de rezultat al primei călătorii a autorului în Italia în toamna anului 1819. Apoi a vizitat Veneția, Napoli, Florența și Roma, unde, sub patronatul lui Canova, a fost ales membru de onoare al Academiei Sf. Luca.

Turner a fost captivat de vederile Italiei. Acest lucru este dovedit nu numai de pictura în sine, ci și de motto-ul latin înscris pe ea din oda lui Horațiu „Către Calliope”: „Seu liquidae placuere Baiae” („sau Baia pe litoral mă atrage”).

Deși, conform titlului lucrării și a afirmațiilor istoricilor de artă, aici este înfățișat Golful Golfului, este destul de evident că pictura reprezintă un peisaj idealizat romantic și amintește de peisaje similare ale lui C. Lorrain. Se știe o poveste amuzantă: mai tânărul contemporan al lui Turner, artistul George Jones, a vorbit despre pictură cu un călător care vizitase recent țărmurile Bay Bay. El a declarat că „jumătate din scenă a fost pur și simplu fictivă”. Apoi un coleg indignat a înscris pe cadru: „Splendide mendax” (din latină - „minciuna strălucitoare”). Turner s-a distrat și pentru o lungă perioadă de timp Nu am șters această inscripție.

Pe această pânză, Golful Golfului a devenit decorul pentru povestea lui Apollo și a Sibila cumaeană. Intriga se întoarce la Metamorfozele lui Ovidiu. Acesta spune povestea modului în care Apollo s-a îndrăgostit de Sibila din Cumae, în nordul Italiei. Dumnezeu a sedus-o, promițându-i pentru îmbrățișarea lui că îi va prelungi viața pentru atâția ani câte grăunte de praf sunt conținute într-o mână de praf. Și deși l-a refuzat, Apollo s-a ținut de cuvânt și a înzestrat-o cu longevitate, dar nu i-a dat tinerețea veșnică. Astfel, ea a fost sortită să existe timp de secole sub forma unei bătrâne decrepite. Sibila, o tânără femeie, este prezentată așezată în fața lui Apollo. Mâinile ei în cupă sunt pline de praf. Dumnezeu stă în fața ei pe o piatră, una dintre mâinile lui este pe liră. Acest complot este destul de târziu, a apărut pentru prima dată în secolul al XVII-lea.

Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Furtună pe mare. Pe la 1840

Deși Turner era cu siguranță un locuitor al orașului, el a fost întotdeauna atras de mare. De la începutul anilor 1830, a vizitat constant Margate, un oraș de coastă din Kent. Aici artistul a realizat multe schițe ale vederilor mării în diferite momente: calm, valuri, furtuni, în timpul zilei, la apus...

În picturile autorului, atât ideea în sine, cât și priceperea implementării acesteia uimesc și încântă. În ceea ce privește ideea, privitorul „aude” mereu în peisajele sale, în special peisajele marine, un anumit motiv romantic, care pare să revarsă chiar din adâncurile și colțurile ascunse. suflet uman. Se pare că peisajul lui Turner spune literalmente ceva, inspiră... Captează privitorul, îl face complice, ascultând chemarea naturii.

Pasiunea pictorului pentru peisaje care înfățișează vremea furtunoasă se explică prin interesul său pentru tema sublimului. El își amintește din nou și din nou puterea naturii, înfățișând marea ca pe un element frumos și în același timp terifiant. Pentru Turner, oceanul a fost fundalul pe care s-a desfășurat acțiunea și s-a jucat drama. Acest lucru este clar mai ales atunci când factorul uman este introdus efectiv în imagine, de exemplu, sub forma unui naufragiu. Dar chiar și pe această pânză, unde sunt vehiculate doar elementele, se simte posibilitatea unei astfel de catastrofe.

Folosind o gamă aproape monocromă de tonuri întunecate, maestrul înfățișează o perdea densă de nori de furtună. Se pare că iată că folosește aceeași metodă pe care a folosit-o atunci când a creat desene similare pe hârtie: desenează crestele valurilor de furtună și îndepărtează o cantitate mică de vopsea cu vârful degetelor pentru a transmite mai clar curbele valurilor.

Sfârșitul primei părți