Lucrări ale British Tate Gallery. Galeria Tate din Londra (Tate Britan) este interesantă pentru un copil. Galeria Tate Modern

7 mai 2014, ora 21:28

În mai puțin de cinci zile în capitala Marii Britanii, am reușit să vizitez, printre altele, nouă muzee. Aș vrea să vorbesc despre una dintre ele - galeria Tate Modern - în această postare. Ei bine, pentru a nu speria oamenii cu artă cu drepturi depline, povestea va fi diluată cu gânduri despre aspectul arhitectural în schimbare a orașului, fotografii nocturne, o ușoară abatere către Pink Floyd și coperta lor preferată de CD, precum și o conversație. despre economie și gânduri grele despre ceea ce merită să investești în milioane câștigate din greu.

Tate Modern este situată în fosta centrală electrică Bankside, pe malul de sud al Tamisei

Arhitectul clădirii este Sir Giles Gilbert Scott, care a proiectat și Catedrala din Liverpool (mai multe despre asta mai târziu), Podul Waterloo, designul celebrei cutii telefonice roșii și, cel mai important, Battersea Power Station, o centrală electrică pe cărbune care a devenit celebru după ce a fost construit pe coperta legendarului album Pink Floyd Animals

Am fost mai prietenos cu Floyd - una dintre trupele preferate ale tinereții mele - dar în În ultima vreme Waters a greșit cu adevărat cu apelurile lui pentru toți muzicienii să boicoteze Israelul și simt că în curând va trebui să boicoteze trupa lor ca răspuns. Cu toate acestea, poate că va muri mai devreme și mă va scuti de nevoia de a-i vedea cana dezgustătoare la știri. Totuși, m-am distras puțin.

Battersea Power Station a apărut în multe alte lucrări culturale - de exemplu, în filmul Beatles Help!, serialul cult englezesc Doctor Who, episodul Sherlock A Scandal in Belgravia și versiunea britanică a filmului din 1984 și chiar în Filmul Batman „Dark Knight”. Prima apariție „publică” a unei centrale electrice într-un film a avut loc în 1936, în filmul lui Alfred Hitchcock „Sabotage”. După cum sa dovedit, Hitchcock s-a trezit înaintea celorlalți)

Revenind la treburile noastre, singura condiție pusă arhitectului pentru Centrala Bankside a fost ca hornul acesteia să fie mai jos decât turla Catedralei Sf. Paul, situată vizavi.

Nu voi vorbi despre catedrală - cumva nu este comme il faut, dar vă voi arăta câteva fotografii.

Probabil că toată lumea știe că în ultimii ani, de la Catedrala Sf. Paul, situat pe un mal, a fost condus la galeria Tate Modern de pe celălalt mal de Podul Millennium. Când a fost construit exact podul, sper că nu este nevoie să explic)

Apropo, la ultima mea vizită la Londra (2003) acest pod mi-a provocat o panică teribilă (mi-e frică de înălțimi, poduri, apă, oameni și, în general, totul - un evreu tipic în general), dar în această vizită totul s-a dovedit cumva mai bine în siguranță. Am mers impunător de-a lungul podului și chiar am luat o serie de cadre din el, pe care cu siguranță vă voi demonstra.

Aceasta este imaginea actuală a Londrei moderne de pe Millennium Bridge. În centru se vede Tower Bridge, care sper că nu are nevoie de nicio prezentare. În dreapta este The Shard sau „Shard”. Cel mai cladire inalta la Londra (306 metri), iar până de curând cea mai înaltă clădire din Europa (acum Turnul Mercur din Moscova deține palma). La fel ca toți zgârie-norii din Londra, arată îngrozitor și lipsit de atingere, mai ales având în vedere faptul că Turnul de o mie de ani este situat foarte aproape. Construcția Ciobului a stârnit controverse aprinse, dar banii au câștigat, iar acum cei care merg la vechiul Turn Alb pot observa haosul orașului modern fără a părăsi casa de marcat.

În stânga sunt mai mulți zgârie-nori teribil. În centru se află 122 Leadenhall Street, poreclit popular „The Cheese Grater” (britanicii sunt de acord cu umorul - spre deosebire de simțul lor al peisajului). 225 de metri, a patra cea mai înaltă din Londra. Urât ca viața mea. S-a deschis doar în zilele șederii mele în oraș. În stânga, se construiește un alt ciudat, cunoscut în mod popular sub numele de Woki-Toki (Walkie Talkie). 160 de metri, al cincilea cel mai înalt zgârie-nori din Londra. Îngrozitor și nici nu vă voi spune despre celebrul castravete (mulțumesc tuturor sfinților, nu este vizibil în aceste fotografii).

Nu am vrut deloc să aduc asta aici - va fi o postare separată despre orașul modern al Londrei - dar se pare că, la fel ca în cazul New York-ului, nimeni nu s-a angajat serios în planificarea acestor megaorașe. Odată ce am discutat această problemă cu mine văr, când am fost în America, și a spus că nimeni nu s-a gândit cum va arăta o clădire lângă alta în New York (spre deosebire, de exemplu, de San Diego). Toate stilurile au băut la rând, iar acum orașul arată absolut haotic - . Același sentiment este creat la Londra. Fie un Turn vechi de o mie de ani, fie o biserică gotică, iar lângă ea se află un zgârie-nori de sticlă sau un zgârietură de cărămidă. Uneori vezi străzi întregi în același stil, dar acest lucru este foarte rar. Cu toate acestea, acest lucru nu înlătură farmecul capitalei britanice - Londra preia alta.

Ei bine, totuși vom reveni la înaltă artăși traversați podul de la Catedrala Sf. Pavel

Spre galeria Tate Modern. Toate cele de mai sus au fost doar un preludiu - mi s-a spus de mai multe ori în trecut că arta plictisește oamenii și că nu trebuie să fii prea elitist și înțelept, așa că am decis să arăt puțin și să discut despre probleme stringente. Dar acum scoate-ți pernele, că intrăm într-un muzeu!

Apropo, clădirea stației de cărbune a fost amenințată cu demolare de mulți ani, până când a fost transformată în cea mai muzeu celebru artă contemporanăîn lume. În aceste zile au loc schimbări mari, iar vechii clădiri i se adaugă o aripă nouă, ultramodernă.

Aici puteți vedea proiectul puțin mai bine - clădirea albă chiar în spatele conductei. Arata bine, dar in complex va fi ca la toata noua Londra - absolut deconectata. Contrastul dintre vechi și nou și confuzia completă a stilurilor nu funcționează în acest oraș, IMHO.

Ei bine, acum totul este despre muzeul în sine. Tate Modern găzduiește o expoziție Matisse extrem de populară în aceste zile (în ciuda prețului). Totuși, am văzut destul de Matisse la Copenhaga, așa că vă voi povesti despre colecția permanentă a muzeului. În plus, are unul dintre cele mai multe tablouri scumpe lume - Nud, frunze verzi și bust, pensule de Picasso.

Walter Picasso a pictat tabloul care o înfățișează pe Marie-Thérèse în 1932 - într-o singură zi. În 2010, a fost vândut recent cu 106(!) milioane de dolari (trading art în ultimii ani pare să fie mai profitabil decât petrolul). Acesta este și cel mai mare preț primit la licitație. Se crede că acest tablou simbolizează vârful energiei creatoare a artistului.

Un alt portret al Marie-Thérèse Walter, „Femeie goală într-un scaun roșu”. Aici femeia este reprezentată ca suma cercurilor senzuale. Chiar și brațele scaunului sunt ridicate special pentru a sublinia forma rotundă. Fața poate fi considerată fie ca o metamorfoză care are loc cu figura, fie ca dublu figura- partea dreaptă poate fi interpretată ca chipul unui iubit care sărută o femeie pe buze.

Picasso este în general bine reprezentat în Galeria Tate (cu toate acestea, spaniolul a fost un artist prolific și este bine reprezentat în zeci de muzee din întreaga lume, inclusiv în Israel. Din anumite motive, el este cel mai prost reprezentat în Muzeul Picasso din Barcelona) . Unul dintre cele mai cunoscute tablouri ale sale - Guernica (apropo, încă nu l-am văzut) - a devenit un simbol al ororilor celui de-al Doilea Război Mondial. Apoi, timp de multe luni, Picasso a pictat tablouri de continuare bazate pe figurile din Guernica. Pe pictura murală care reflectă bombardarea nazistă a unui oraș spaniol, puteți vedea, de asemenea femeie care plângeținând în brațe un copil mort. Această poză de continuare este ultima din serie, cea mai detaliată și mai bine dezvoltată. Modelul a fost Dora Maar, o altă iubitoare a lui Picasso.

Un alt „portret” al Dorei Maar, pictat pe 5 mai 1944. Configurația complexă reflectă atmosfera ultimele luni ocuparea Parisului de către naziști. Tensiunea și constrângerea sunt principalele senzații pe care Picasso a încercat să le exprime în acest tablou. Mai mult, doi dintre cei mai apropiați prieteni evrei ai artistului - poeții Robert Desnos și Max Jacob - au fost deportați. Desnos a murit mai târziu de tifos în lagărul de concentrare Terezin, iar Jacob, care era și homosexual, a murit în lagărul de la Drancy. Cu toate acestea, în film există o licărire de speranță - în martie, Dora Maar, împreună cu Sartre și Simone de Beauvoir, au luat parte la piesa pe care a pus-o în scenă Picasso. Albert Camus. Pe această temă, consider că Picasso este abordat și, în sfârșit - doar pictura lui, care îmi place - „Trei dansatori”.

Acest tablou este amintirea lui Picasso triunghi amoros, care s-a încheiat cu sinuciderea prietenului său Carlos Casagemas. Pe o pânză plină de energie, dragostea, sexul și moartea sunt legate între ele într-un dans extatic. Dansatorul din stânga este în general într-o stare de nebunie dionisiacă. Fața ei simbolizează o mască din Noua Guinee, ceea ce indică legătura lui Picasso cu arta africană și influența acesteia - mai ales în tot ceea ce ține de sexualitate și autoexprimare - asupra artistului.

Ei bine, acum hai să vorbim despre totul în ordine. Dezbaterea despre arta contemporană este, în mare, eternă. Au existat și discuții în postările mele – mai ales când vine vorba de Warhol sau Basquiat. Mondrian, a cărui poză este prezentată mai sus, provoacă și confuzie printre mulți. Unele pătrate, care, în esență, nu necesită nicio abilitate specială pentru a desena (apropo, una dintre cele mai faimoase picturi ale sale se află în muzeul nostru de artă din Tel Aviv). Cu toate acestea, olandezul este unul dintre cei mai cunoscuți și căutați artiști ai timpului nostru. Deci care este ideea?

În perioada dintre cele două războaie mondiale, artiștii au dezvoltat noi forme artă abstractă, bazat pe idealismul estetic, și pe dorința de mai mult societate ideală. Mondrian și alți artiști care au trăit într-o eră de războaie și revoluții nesfârșite au fost forțați să se îndepărteze de angajamentul lor față de individualism și să se îndrepte către armonie forme geometrice. Tocmai acest tip de pătrate și linii au devenit pentru mulți artiști forma perfecta lume noua. Naum Gabo (Nehemia Berkovich Pevzner) - unul dintre liderii konstrutivismului, care a experimentat toate deliciile revoluției ruse - a afirmat că „deconstrucția materiei care a avut loc în vremea noastră nu ne privează de optimism, deoarece trecem în o nouă eră numită reconstrucție”.

Schimbări au avut loc și în inginerie, în arhitectură și mai ales în sculptură (aceasta se vede peste tot în zilele noastre - de la Tumarkin în Piața Rabin până la Henry Moore). În ceea ce privește arta în sine, reținerea și precizia formelor au făcut loc unei revolte de culoare. Albul a început să predomine în picturi, ca simbol al purității și al inocenței (de asemenea culoarea principală toate arhitectura moderna, al cărui tată era La Corbusier).

In ceea ce priveste cele doua tablouri prevazute mai sus - In conformitate cu tendintele moderne, Mondrian a decis sa-si reduca paleta la culori primare. În ciuda aparentului haos, artistul s-a străduit pentru un „echilibru dinamic”. Toate liniile, deși nu împart spațiul în părți clare și egale, au un scop și un scop clar.

Se presupune că „Copacul” nu este un tablou complet standard al lui Mondrian. Totuși, și aici artistul transformă ceva viu într-o formă clară, monotonă. Ramurile și trunchiul sunt reduse la o rețea de verticale și orizontale, în încercarea de a indica ordinea în natură. „Vreau să ajung la esența lucrurilor și până când se întâmplă acest lucru, intenționez să transform totul – chiar și cele mai vii elemente în abstracție”, a spus Mondrian.

Forme în forme sau reflectarea unui tablou în cadrul unui tablou. Încercarea mea de o lovitură semnificativă.

Această instalație luminoasă a fost creată sub influența directă a lui Mondrian. Artistul a fost încântat de limpede forme geometrice Dutchman, totuși, a decis să aducă influențe anterioare de la alți maeștri - în acest caz, expresionismul și culoarea.

După cum s-a dovedit, Diego Rivera a desenat și tot felul de absurdități. Artistul mexican, preocupat în primul rând de producția de fresce realiste la scară largă pe teme comuniste și de aventuri cu numeroase femei, a fost influențat de cubism și Juna Gris în timp ce locuia la Paris între 1913 și 1917. Deosebit de remarcată este prezența în pictură a copertii cărții lui Nietzsche „The Gay Science”, în care el anunță moartea lui Dumnezeu. Sensul este interpretat în două moduri - cineva susține că Rivera proclamă astfel fie moartea vechiului regim în epoca războiului și revoluției, fie moartea artei vechi în favoarea noilor tendințe și tendințe.

Acum nici un muzeu nu se poate lipsi de el - Francis Bacon. Aproape toate picturile lui Bacon sunt o încercare de a explora omul și sufletul său. În acest tablou, fața este distorsionată, așa că nu putem determina identitatea persoanei. Spre deosebire de Mondrian, în picturile lui Bacon există un haos total - în acest portret anume, pe lângă deformarea feței, putem observa și deformarea spațiului. Conturul cutiei sau cutiei (semnătura lui Bacon) în care se află figura simbolizează esența umană într-o lume modernă care a revenit din nou în haos, guvernată de izolare și claustrofobie.

Leon Kossof - „Un bărbat așezat într-un scaun cu rotile”. În ultima vreme îmi place din ce în ce mai mult acest evreu din Rusia care a fugit în Marea Britanie. Kossoff aparține Școlii din Londra - o mișcare postbelică a pictorilor englezi care au lucrat nu numai în stilul artei abstracte, ci s-au îndreptat și către forma tradițională de artă figurativă.

Lee Krasner - soția celebrului artist american Jackson Pollock. Deoarece și-a petrecut cea mai mare parte a timpului cu soțul ei nebun de talentat, dar complet lipsit de valoare, picturile ei sunt mult mai puțin cunoscute. Pictura se numește „Gothic Lagdschaft” – evident pentru că linii verticale, dominând centrul pânzei, pot fi priviți ca copaci. Tabloul a fost pictat după moartea soțului ei în 1956 și mulți cred că mișcările crude, dure și expresive reflectă durerea artistului. Și iată-l pe Pollock însuși.

Pollock a fost cel care a dezvoltat sistemul de pictură fără a atinge pânza (ceea ce a înfuriat toate feministele din această lume - aș prefera să tac în legătură cu motivul). Această metodă, a spus el, l-a făcut liber și mai intuitiv în raport cu propriul „eu”. În cazul acestui tablou, Pollock a turnat pur și simplu vopsea neagră pe pânză și apoi a ridicat-o, permițând vopselei să curgă și să accepte formă abstractă. Apoi a adăugat galben și violet.

Mark Rothko. Sincer, mi-e greu cu acest artist). Pictura a fost pictată sub influența lui Michelangelo (??). Artistul a crezut că privitorul ar trebui să se îmbine complet în imagine și abia atunci va veni un fel de conștientizare sau înțelegere, dar dacă stimulii externi nu-mi permit această unitate spirituală sau dacă sunt prea critic în acest caz, nu fac. nu stiu.

Puțin suprarealism și preferatul meu De Chirico. Apropo, poza îmi amintește de „Turnul Roșu” de la Muzeul Guggenheim. Se numește „Incertitudinea poetului”. De Chirico însuși și-a descris picturile ca fiind „metafizice” - capacitatea de a combina scene din Viata de zi cu ziși fantezii despre lumea antica, creând astfel o „realitate fantastică” foarte complexă. Suprarealiştilor le plăceau acest tip de imagini misterioase cu perspectivă distorsionată. "Aceste pătrate sunt foarte asemănătoare cu pătratele existente și, totuși, nu am văzut niciodată așa ceva. Ne aflăm într-o lume de neînțeles", a spus poetul Paul Eluard. Și ca să nu fii complet confuz - o altă Kiriko.

Aici, titlul explică mai multe - „Melancolia despărțirii”) Fereastra și harta cu un traseu punctat indică o călătorie și o încercare de a evada dintr-un studio închis, claustrofob. Chirico, un italian care trăiește în Grecia, s-a simțit deconectat de mediul său și s-a comparat cu argonauții din celebrul mit grecesc. Călătoria lor i s-a părut o singurătate eternă, traversând oceane nesfârșite

Iar acest tablou a fost pictat sub influența lui Chirico de englezul Tristram Hillier, care, la fel ca Nan și Wadsworth, adora figurile misterioase ale greco-italienului. Ancora uriașă este uimitoare și te face să te gândești la semnificația acestui monument ciudat. Ei bine, din moment ce vorbim despre suprarealiști, nu putem scăpa de cel principal.

„Metamorfozele lui Narcis”. Nici nu voi încerca să explic picturile lui Dali. Încă două pentru a consolida subiectul și mergem mai departe.

Canibalismul de toamnă. Pictat imediat după izbucnirea războiului civil spaniol în 1936. Înfățișează un cuplu într-un fel de act canibal. Se așează deasupra unei mese care se îmbină cu tonurile peisajului tipic spaniol. Conflictul se reflectă în forma unui măr - o referire la legenda William Tell în care un tată a fost forțat să-și împuște propriul fiu.

În această imagine puteți vedea toată dualitatea simbolurilor lui Dali: râul poate fi văzut și ca un pește - o dualitate menită să se îndoiască de raționalitatea a ceea ce se întâmplă. Pictura are atât un fundal personal, cât și social: părinții lui Dali au vizitat acest râu după moartea primului lor copil, numit și Salvador, și se credea că artistul era bântuit de imaginea fratelui său mort, pe care nu-l văzuse niciodată. În plus, telefonul deconectat simbolizează relația dintre premierul britanic Chamberlain și Hitler după anexarea Sudeților în 1938.

O altă imagine despre influența nazismului. Max Ernst - Întregul oraș. Orașul se profilează vag sub luna strălucitoare, exprimând pesimismul cu privire la preluarea Germaniei de către naziști. Folosind o nouă tehnică - Scrapping, Ernst arată un peisaj distrus, un oraș aglomerat, fără oameni și fără optimism.

Ai putea crede că e Basquiat, dar nu. Pur și simplu mi-a plăcut poza, care reflectă bine influența miturilor africane asupra artei occidentale.

Și aceasta este doar o fotografie grozavă făcută de fotograful armean Sargsyan în timpul războiului din Siria. Mi-a plăcut inscripția uriașă „TSUM” în mijlocul Alepului)) Există un alt magazin rusesc sub ea - este păcat că nu este vizibil în această fotografie)

Și acesta este Matisse din expoziția permanentă. Frumos portret calm. Greta Moll este înfățișată - ea și soțul ei Osakr au fost printre primii zece studenți la academiei de artă Matisse. O ofer aici ca contrast)

Iubitul meu Emil Nolde. Acest peisaj marin Artistul a pictat-o ​​în timpul șederii sale pe insula Sylt din Germania. Mișcări expresive și culori deschise kakbe indică o furtună care se apropie. În memoriile sale, Nolde a scris „Am vrut să văd din nou marea în toată splendoarea ei sălbatică Nori de furtună, o furtună care se revarsă în mare - am șase astfel de peisaje, a căror lucrare s-a desfășurat într-o stare de extaz complet. ” Am scris multe despre Nold în timpul călătoriei mele în Scandinavia -. În acest link despre cel mai bun muzeu lumea, de altfel, este despre Chirico, și despre Mondrian, și despre mulți alții. Vă recomand.

Iubitul meu Paul Klee. O serie de pânze triunghiulare interconectate creează o singură linie de bărci într-o mișcare elegantă, ondulată. Compoziția ritmică amintește de diagrama desenată de Klee într-una dintre prelegerile sale Bauhaus, în care vorbea despre „o linie activă limitată în mișcare de puncte constante”. Am mai scris de mai multe ori despre Îngerul său al istoriei, care este păstrat și în Muzeul nostru Israel.

Leonora Carrington. Pictura se numește Elohim - Dumnezeu în ebraică. Artista amestecă miturile tradiționale irlandeze, pe care dădaca ei i le spunea în copilărie, și lumea inventată de mama ei. Dar, mai ales, creaturi mitologice pot fi văzute adesea în picturile ei. Și în sfârșit - câteva postere din vremurile noastre iubite sovietice)

Apropo, anul acesta Tate Modern va găzdui o retrospectivă a picturilor lui Kazimir Malevich

Deci tema ruso-sovietică din muzeu este prezentată perfect

Galeria Tate din Londra Creată inițial ca o expoziție exclusiv de pictură britanică, a fost fondată de Henry Tait în 1897. În calitate de proprietar al companiei Tate & Lyle, devenit bogat în comerțul cu zahăr (sau mai bine zis, datorită invenției vată de zahăr), a decis să investească în artă, deoarece aprecia foarte mult pictura victoriană.

De-a lungul secolului de existență, s-a strâns atât de multă artă încât, din anul 2000, o clădire separată a fost alocată pentru colecția de artă contemporană - Galeria Tate Modern(Tate Modern).
Pentru a evita confuzia în nume, vechea galerie, reprezentând doar artă engleză, a început să se numească „Tate Britan”.

Colecția Tate Britain prezentat în ordine cronologica, de la 1500 până în zilele noastre. În fiecare perioadă de timp, există secțiuni tematice, precum Victorian Spectacles, Inventing Britain, Cult of Youth și altele. Subiectele se pot schimba aproximativ o dată pe an.

Portretele persoanelor conducătoare și oameni faimosi din timpul său (inclusiv pensule ale olandezilor invitați), imagini cu viața engleză, fantezii romantice, gravuri mistice și acuarele (misticismul a fost întotdeauna venerat de locuitorii din Foggy Albion) - toate acestea le vei vedea în galerie.

Clădirea Klor este cea mai mare din lume colecţie de picturi de W. Turner- aproximativ 300 de tablouri pe care el însuși le-a lăsat moștenire națiunii. Opera sa este la scară largă: de la picturi istorice despre traversarea Alpilor de către Hannibal la peisaje în spiritul impresioniștilor (dar scrise cu jumătate de secol înainte de apariția acestei direcții de artă).

Galeria Tate din Londra este clasică și calmă, dar copiii nu se vor plictisi aici. ținut constant prelegeri în familie, se povestesc tururi tematice, poveștile unor tablouri individuale și chiar picturile sunt „însuflețite” cu efecte sonore.
Sau, de exemplu, jocul „ Găsiți cercul„ – cine va găsi cele mai multe cercuri, și nu numai în tablouri, ci și pe uși, pereți și chiar pe tavan.

În weekend și sărbători, Galeria Tate oferă divertisment interesant - la 12.00 și 17.00 așa-numitul " Cărucior de artă" Conține jocuri și alte divertisment interesante, legate tematic de expozițiile galeriei, interesante atât pentru adulți, cât și pentru copii.
Informații despre activitățile Tate Britain la care copiii pot participa astăzi sunt disponibile la intrarea în muzeu și pe site-ul web.

Site-ul web http://www.tate.org.uk/britain/

Ore de deschidere:
zilnic 10.00 - 18.00, ultima intrare 17.15, prima vineri a fiecărei luni până la ora 22.00
Intrarea este liberă, dar expozițiile sezoniere pot costa un bilet.

Abordare:
Millbank, Londra SW1P
Metrou: Pimlico, Vauxhall
Autobuze: 2, 3, 36, 77A, 88, 159, 185, 507

Între galerii" Tate Britain" Și " Tate Modern„, situată pe diferite maluri ale Tamisei, există serviciu fluvial direct navele companiei Thames Clipper. Navigațiile pleacă la fiecare 40 de minute de la Bankside Pier la Millbank Pier, cu o oprire pe parcurs.
Orarele și prețurile biletelor pot fi găsite pe site-ul companiei fluviale www.thamesclippers.com

Galeria Tate din Londra este cel mai mare complex de muzee de artă. Pereții lor adăpostesc capodopere ale artei britanice din 1500 până în prezent.

Până la sfârșitul secolului trecut, colecția muzeului devenise atât de mare încât nu mai era suficient spațiu pentru a o depozita (darămite a o expune). Ca urmare, colecția a fost împărțită în două părți: pictura contemporană (în opinia curatorilor, acesta este secolul al XX-lea), a devenit o galerie separată, Tate Modern și Tate Britain britanică.

Tate Britain este echivalentul englez al nostru.

Galeria a fost fondată în 1897 cu fonduri de la Sir Henry Tait(este inventatorul zahărului rafinat și al vatei de zahăr). Colecția muzeului a fost formată datorită Muzeului South Kensington și colecțiilor private de picturi. Proprietarii lor au decis să doneze statului colecția de picturi.

Particularități

Colectia de picturi din galeria Tate Britain este strict comandata. Fiecare perioadă de timp are propriile sale secțiuni tematice. O dată pe an setul de subiecte se schimbă, acest lucru creează interes și intriga. Principalele exponate ale muzeului sunt picturile prerafaeliților (o mișcare în pictura engleză din a doua jumătate a secolului al XIX-lea) și pânzele aerisite ale lui Turner, care, din păcate, nu sunt reprezentate aici.

Tate Modern ocupă incinta unei foste centrale electrice, clădirea sa este un obiect de artă cu drepturi depline.În pereții săi puteți privi picturile lui Dali, Matisse, Kandinsky și Picasso. Și aici exponatele sunt agățate pe teme, dar nu istorice, ci mai abstracte: „Lucruri în mișcare”, „Poezie și vise”, „Schimbări semnificative”.

Tate Gallery Paintings

John Constable, Flatford Mill (Scena pe un râu navigabil)

William Blake, Satana lovindu-l cu furuncule

J. M. W. Turner, Furtuna de zăpadă, Steam – Boat off a Harbour's Mouth

Sir John Everett Millais, Ophelia

Anna Lea Merritt, Love Locked Out

James Abbott McNeill Whistler, Nocturne: albastru și aur – Podul vechi Battersea

David Bomberg, Baia de noroi

Oberon, Titania și Puck cu zâne care dansează, William Blake

Ecce Ancilla Domini, Dante Gabriel Rossetti

Lovitura de maestru a zânelor, Richard Dadd

Strayed Sheep (Our English Coasts), William Holman Hunt

Mica servitoare de la țară, Camille Pissarro

Moartea maiorului Peirson, John Singleton Copley

Pylades și Oreste aduși ca victime înaintea Ifigeniei, Benjamin West

Tate Britain - Tate Britain. Face parte dintr-o rețea de galerii naționale de stat (și, prin urmare, gratuite!) în Marea Britanie, unde puteți găsi peste șaizeci de mii de opere de artă - picturi, sculpturi, desene și gravuri. Acest " Londra Tretiakov„a fost fondată de un magnat al zahărului Tate, iar primul său local (deschis în 1897) se află pe locul închisorii. Iată-l colecție completă lucrări ale celebrului englez Strungar, precum și tablouri Gainsborough, Blake, agent. De asemenea, în colecție se află și prerafaeliții și toți cei mai importanți impresioniști și postimpresionişti europeni, cum ar fi Pissarro, Cezanne, Lautrec, Van Gogh, Munch, Matisse, Kokoschka, Kandinsky, Chagall si etc.

Rețeaua de galerii menționată (din 2010) este formată din patru „celule”. Acest Tate Britain V Londra, este o galerie veche Tate, care a găzduit o colecție de limba engleză pictura XVI- secolele XIX și o colecție de străini arta secolului al XIX-lea secol. Mai departe, Tate Modern, galeria modernă Tate (Tate Modern), este și ea în Londra, unde europeană și arta americană, datând din 1900 până în prezent. În 1988 s-a deschis și el filiala galeriei din Liverpool. De asemenea, funcționează Tate St Ives V Cornwall, din 1993. Și, în sfârșit, există un site web, un adevărat muzeu virtual pe Internet - Tate Online. Baza colecției a fost o colecție de picturi artiști britanici, care a aparținut cândva domnului Henry Tate(Domnule Henry Tate, 1819–1899), de altfel, un magnat al zahărului. Începutul a fost făcut de trei pânze - una dintre ele este „Joi” de W.D. Sadler. Galeria a fost construită pe locul unei foste închisori și a fost deschisă la 21 iulie 1897. Astăzi este cea mai mare colecție de artă engleză din lume din secolele XVI-XX. În multe privințe, are același sens ca Galeria Tretiakov avem. În 1926, clădirii principale a fost adăugată un departament de pictură străină. În timpul celui de-al Doilea Război Mondial, clădirea a fost avariată de raidurile aeriene. Dar colecția a fost evacuată cu prudență. Muzeul a fost restaurat și deschis complet vizitatorilor în 1949. În 1979 au fost deschise săli pentru colecția de artă contemporană. Și în 1987 așa-numitul Galeria Clore, care expune cea mai completă colecție de lucrări Strungar. El a lăsat moștenire picturile sale Angliei cu condiția ca toate să fie păstrate ca o singură expoziție. Ei bine, domnule Charles Clore(1904–1979) au oferit fonduri pentru aceasta. De exemplu, nu-i plăcea fotbalul, așa că... unde să mai pună banii? Așadar, în galerie, în primul rând, veți găsi lucrări ale pictorilor englezi: John Betts (d. ca. 1576), William Hogarth (1697–1764), Joshua Reynolds (1723–1792), Thomas Gainsborough (1727–1788). ), Richard Wilson (1713–1782), George Stubbs (1724–1806), William Blake (1757–1827), John Constable (1776–1837). Perla expoziţiei „artiştilor locali” este, fireşte, o colecţie de lucrări Joseph Mallord William Turner (1775–1851). Tot în galerie puteți vizualiza lucrările prerafaeliților - Dante Gabriel Rossetti (1828–1882), John Everett Millais (1829–1896), William Holman Hunt (1827–1910). Artiști străini sunt reprezentate în principal de picturile impresioniştilor şi postimpresioniştilor francezi. Aceștia sunt Claude Monet (1840–1926), Camille Pissarro (1830–1903), Alfred Sisley (1839–1899), Paul Cézanne (1839–1906), Vincent van Gogh (1853–1890), Henri de Toulouse-Lautrec (1864). – 1901), Henri Matisse (1869–1954), Edvard Munch (1863–1944), Oskar Kokoschka (1886-1980), Amedeo Modigliani(1884–1920), Pablo Picasso (1881–1973), Georges Braque (1882–1963), Fernand Leger (1881–1955), Kandinsky V.V. (1866–1944), Kazimir Malevich (1878–1935), Marc Chagall (1887–1985), Max Ernst (1891–1976), Salvador Dali (1904–1989). Există și sculpturi ale lui Auguste Renoir (1841–1919), Edgar Degas (1834–1917), Georges Seurat (1859–1891), Auguste Rodin (1840–1917) și Aristide Maillol (1861–1944). Galeria a început să organizeze expoziții temporare - cu o retrospectivă a lucrărilor dadaistului Marcel Duchamp (1887-1968) cu puțin timp înainte de moartea sa, în 1966. În fiecare an, galeria premiază așa-numitul Premiul Turner- Premiul Turner. Este acordat artiștilor care creează în Marea Britanie. Expoziția este deschisă de luni până sâmbătă de la 10 la 18 ore, dar intrarea este închisă la 17.45 (fie britanicii cred că 15 minute sunt suficiente pentru toate acestea, fie acesta este timpul în care poți fugi până în cel mai îndepărtat colț). a galeriei și înapoi). Dar nu trebuie să alergi în fiecare prima vineri a lunii - sălile sunt deschise până la ora 22:00. Galeria este închisă pe 24, 25, 26 decembrie, dar pe 1 ianuarie funcționează de parcă nimic nu s-ar fi întâmplat! În weekend se aranjează excursii gratuite. Intrarea în galerie este liberă, cu excepția cazului în care există expoziții speciale. Galeria are un magazin care vinde suveniruri, inclusiv reproduceri și cărți poștale ale lucrărilor expuse, precum și o cafenea și un restaurant. Restaurantul are chiar și preparate vegetariene!

Conținutul articolului

GALERIA TATE(Galeria Tate) - stat muzeu naționalîn Londra, păstrând peste şaizeci de mii de opere de artă: picturi, sculpturi, desene, gravuri. Este împărțit în două părți: Tate Britain sau vechea Tate Gallery, care este o colecție de pictură engleză din secolele XVI-XIX. Și arta straina secolul al XIX-lea și galerie modernă Tate Modern - artă europeană și americană din 1900 până în prezent.

Baza colecției Galeriei Tate este colecția privată de picturi Sir Henry Tate (1819–1899) ale artiștilor englezi. Galeria s-a deschis pe 21 iulie 1897.

În timpul celui de-al Doilea Război Mondial, clădirea galeriei a fost grav avariată în urma raidurilor aeriene. Colecția a fost evacuată în prealabil. Muzeul a fost deschis complet pentru vizitatori în 1949.

Galeria a fost finalizată de mai multe ori. În 1926, o nouă clădire adăpostește o colecție de picturi străine. În 1979 au fost deschise săli pentru colecția de artă contemporană. În 1987 - deschiderea Galeriei Clore, construită special pentru lucrările lui Turner (1775–1851), care a lăsat moștenire picturile sale Angliei cu condiția ca toate să fie păstrate ca o singură expoziție. Sir Charles Clore (1904–1979) a oferit fonduri pentru construirea galeriei.

Galeria modernă Tate a fost deschisă în mai 2000. Clădirea a fost transformată dintr-o centrală electrică ridicată în anii 1930 în centrul orașului, vizavi de Catedrala Sf. Ioan. Paul. În timp ce au întreținut exteriorul centralei, arhitecții au reproiectat complet interiorul clădirii și au adăugat un acoperiș din sticlă și oțel.

Galeria modernă Tate s-a îndepărtat de aranjarea tradițională a lucrărilor în ordine cronologică. Colecția este formată din patru mari secțiuni: „Natura moartă, obiect, viață reală”, „Peisaj și mediu inconjurator», « Pictură de istorie", "Nud, Acțiune, Corp." Autorii expoziției se conectează diverse direcții: lucrări ale vechilor maeștri cu cele moderne, pictură și sculptură cu fotografii și videoclipuri. Galeria găzduiește multe expoziții temporare ale artiștilor contemporani.

COLECȚIA MUZEULUI

Pictura engleză.

În holurile vechii Tate Gallery puteți obține o imagine completă a ce este pictura engleză, care sunt principalele etape și direcții viata artisticaîn țară.

Cea mai veche lucrare a școlii naționale este Portretul unui bărbat cu pălărie neagră(1545) John Betts (d. c. 1576), adeptul artistului Renașterea de Nord Hans Holbein cel Tânăr (c. 1498–1543).

William Hogarth (1697–1764): Opera cerșetorului (1729), Autoportret cu un câine (1745), Bal de nuntă(c. 1745), Portretul servitorilor(1750), Oh, friptura de vită din vechea Anglie(Poarta din Calais) (1748), numeroase portrete.

Joshua Reynolds (1723–1792): Cele Trei Haruri decorează herma lui Hymen (1774), Portretul amiralului Keppel (1780), Portretul doctorului Samuel Johnson(1772), două autoportrete, portrete pentru copii.

Thomas Gainsborough (1727–1788): Vedere la Dedham(c. 1760), Apus de soare. Cai trasi într-o căruță, bând apă dintr-un pârâu(c. 1760), Sir Benjamin Truman (1774), Fiica artistului, Mary (1777), Giovanna Baccelli (1782).

Richard Wilson (1713–1782): Tamisa lângă Twickennm (1762).

George Stubbs (1724–1806): Cai în natură (1762–1768), Recoltarea fânului (1785), Secerători (1785).

Lucrarea lui William Blake (1757–1827), care a ilustrat în acuarele și gravuri, este prezentată pe deplin compoziții proprii, precum și Shakespeare, Dante, Biblia: Dumnezeu l-a creat pe Adam, Newton, Moartea lui Abel, Îngeri buni și răi, Pacat (1795–1804).

Joseph Mallord William Turner (1775–1851): Pescarii pe mare (1796), Tamisa Podul Walton(c. 1807), Naufragiu(c. 1805), Dimineață geroasă. Zori (1813), Trecând pârâul (1815), Înmormântare pe mare(1842). Pânze cu vedere la Veneția: Podul Suspinelor, Palatul Dogilor și Vama, Veneția: Canaletto la șevalet(1833), etc. Peisaje impresioniste ale artistului: Interior la Petworth(c.1837), Castelul Norham. răsărit(c. 1840). Viscol. Un vas cu aburi la intrarea în port dă un semnal de primejdie după ce a intrat în apă puțin adâncă(1842) – o reprezentare perfectă a unei furtuni pe mare. Galeria afișează sute de schițe și singurul Auto portret Turner (1798).

John Constable (1776–1837): Sala Malvern (1809), Moara Flatford (1817), Hamstead Heath(c.1820), Castelul Hadley(c. 1828–1829), Deschiderea podului Waterloo (1832).

Prerafaeliți Dante Gabriel Rossetti (1828–1882): Beata Beatrix(c. 1863), Proserpina(1874); John Everett Millais (1829–1896): Ofelia(c. 1850); William Holman Hunt (1827–1910): Claudis și Isabella (1850).

Colecție de artă străină

a început să prindă contur în 1917. Această secțiune începe cronologic cu pictura impresioniștilor și postimpresioniştilor francezi și are o colecție vastă de maeștri ai acestor mișcări.

Claude Monet (1840–1926): Doamnă așezată pe o bancă(mijlocul anilor 1870), Sena lângă Port-Villeuse (1894), Plopi pe Epte (1890).

Camille Pissarro (1830–1903): Mic servitoare (1882), Auto portret (1903), Piloții Jatt. Le havre Dimineață înnorată (1903).

Alfred Sisley (1839–1899): Pod pe Sevres(c. 1877), Poteca de lângă râu. Arc(1880), etc.

Sculpturile lui Auguste Renoir (1841–1919) Venus Cuceritorul(1914) și Edgar Degas Dansator de paisprezece ani (1880).

Georges Seurat (1859–1891): Le Bec face Hock (1885).

Paul Cézanne (1839–1906): Aleea din Jas de Bouffan(c. 1874), Portretul unui grădinar(1906); Paul Gauguin (1848–1903): Pregătirea pentru vacanță sau pastorala tahitiana (1898), Recolta. Le Pouldu (1890).

Vincent Van Gogh (1853–1890): Scaun cu pipa de tutun (1888), Fotoliul lui Gauguin la iluminat de noapte (1888).

Henri de Toulouse-Lautrec (1864–1901): Portretul artistului Emil Bernard(1885), Doi prieteni(1890).

Sculpturi ale maeștrilor de la începutul secolelor XIX-XX. Auguste Rodin (1840–1917): Pup (1901–1904), Muză(1896) și Aristide Maillol (1861–1944): Mișcare restricționată (1906), Trei nimfe (1930–1938).

Henri Matisse (1869–1954): Portretul lui Andre Derain (1905), Nud în picioare (1907), Melc(1953) – aplicație mare colorată, precum și o serie de patru reliefuri din bronz – Nud cu spatele (1909-1930).

Edvard Munch (1863–1944): Fata bolnava(1907); Oskar Kokoschka (1886-1980): Vedere la Tamisa (1959).

Amedeo Modigliani (1884–1920): Micul țăran(1917), sculptură Cap(c. 1913).

Pablo Picasso (1881–1973): Femeie în chemise(c. 1905) – se referă la perioada „albastră”; Nud așezat(1909) - un exemplu de cubism; Trei dansatori(1925) sunt scrise într-un spirit suprarealist. Sculptură expusă: Natură moartă (1914), penis mare (1932).