Picturi japoneze: toate subtilitățile picturii orientale. Cei mai mari artiști Ukiyo-e
Yayoi Kusama este puțin probabil să poată răspunde la ce a stat la baza carierei ei de artistă. Are 87 de ani, arta ei este recunoscută în întreaga lume. În curând vor avea loc expoziții majore ale operei ei în SUA și Japonia, dar încă nu a spus lumii totul. „Este încă pe drum. Voi crea asta în viitor”, spune Kusama. Este numită cea mai de succes artistă din Japonia. În plus, ea este cea mai scumpă artistă în viață: în 2014, pictura ei „White No. 28” a fost vândută cu 7,1 milioane de dolari.
Kusama locuiește în Tokyo și se află voluntar într-un spital de psihiatrie de aproape patruzeci de ani. O dată pe zi își lasă pereții să picteze. Se trezește la ora trei dimineața, neputând să doarmă și dorind să-și petreacă timpul productiv la serviciu. „Sunt bătrân acum, dar încă voi crea mai multă muncăși cele mai bune lucrări. Mai mult decât am făcut în trecut. Mintea mea este plină de imagini”, spune ea.
(Total 17 fotografii)
Yayoi Kusama la o expoziție a lucrării sale la Londra în 1985. Foto: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock
De la nouă la șase, Kusama lucrează în studioul său cu trei etaje din confortul unui scaun cu rotile. Poate merge, dar este prea slabă. O femeie lucrează pe pânză așezată pe mese sau fixată pe podea. Atelierul este plin de picturi noi, lucrări strălucitoare presărate cu pete mici. Artista numește acest lucru „auto-tăcere” – repetiție nesfârșită care îneacă zgomotul din capul ei.
Înainte de premiile de artă Praemium Imperiale din 2006 la Tokyo. Foto: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock
O nouă galerie se deschide în curând peste drum, iar un alt muzeu de artă ei este construit la nord de Tokyo. În plus, două expoziții majore ale operei ei sunt deschise. „Yayoi Kusama: Infinity Mirrors”, o retrospectivă a carierei ei de 65 de ani, s-a deschis la Muzeul Hirshhorn din Washington pe 23 februarie și durează până pe 14 mai, înainte de a călători la Seattle, Los Angeles, Toronto și Cleveland. Expoziția include 60 de picturi de Kusama.
Bulinele ei acoperă totul, de la rochii Louis Vuitton până la autobuze oras natal. Lucrarea lui Kusama se vinde în mod regulat cu milioane de dolari și poate fi găsită în toată lumea, de la New York la Amsterdam. Expozițiile cu lucrările artistului japonez sunt atât de populare încât sunt necesare măsuri pentru a preveni aglomerația și revoltele. De exemplu, în Hirshhorn, biletele la expoziție sunt vândute la anumit timp pentru a regla cumva fluxul de vizitatori.
Prezentarea designului comun al Louis Vuitton și Yayoi Kusama la New York în 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Dar Kusama încă are nevoie de aprobare din exterior. Întrebată într-un interviu dacă și-a atins obiectivul de a deveni bogată și faimoasă în urmă cu zeci de ani, ea a spus surprinsă: „Când eram mică, mi-a fost foarte greu să o conving pe mama că vreau să devin artistă. Este adevărat că sunt bogat și faimos?
Kusama s-a născut în Matsumoto, în munții din centrul Japoniei, în 1929, într-o familie bogată și conservatoare care vindea răsaduri. Dar nu era o casă fericită. Mama ei și-a disprețuit soțul înșelat și l-a trimis pe micuțul Kusama să-l spioneze. Fata și-a văzut tatăl cu alte femei, iar acest lucru i-a dat o aversiune pentru viață pentru sex.
Vitrina de tip boutique Louis Vuitton, proiectată de Kusama în 2012. Foto: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock
În copilărie, ea a început să experimenteze halucinații vizuale și auditive. Prima dată când a văzut dovleacul, și-a imaginat că îi vorbește. Viitoarea artistă a făcut față viziunilor creând modele repetate pentru a îneca gândurile din capul ei. Chiar și la o vârstă atât de fragedă, arta a devenit pentru ea un fel de terapie, pe care mai târziu o va numi „medicina artistică”.
Lucrarea lui Yayoi Kusama este expusă la Muzeu artă contemporană Whitney în 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Mama lui Kusama s-a opus ferm dorinței fiicei sale de a deveni artist și a insistat ca fata să urmeze calea tradițională. „Nu m-a lăsat să desenez. Ea a vrut să mă căsătoresc”, a spus artista într-un interviu. - Mi-a aruncat munca. Am vrut să mă arunc sub tren. În fiecare zi m-am luptat cu mama mea și, prin urmare, mintea mea a fost distrusă.”
În 1948, după încheierea războiului, Kusama a mers la Kyoto pentru a studia pictura tradițională nihonga japoneză cu reguli stricte. Ea ura acest tip de artă.
Una dintre exponatele din expoziția Yayoi Kusama de la Muzeul Whitney de Artă Contemporană în 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Când Kusama a locuit în Matsumoto, a găsit o carte de Georgia O'Keeffe și a fost uimită de picturile ei. Fata a mers la ambasada americană din Tokyo pentru a găsi un articol despre O’Keefe în directorul de acolo și pentru a afla adresa ei. Kusama i-a scris o scrisoare și i-a trimis niște desene și, spre surprinderea ei, artist american i-a răspuns.
„Nu îmi venea să cred norocul meu! A fost atât de bună încât a răspuns la izbucnirea bruscă de sentimente a unei fete japoneze modeste de care nu a întâlnit-o în viața ei și de care nici măcar nu auzise”, a scris artista în autobiografia ei „Infinity Net”.
Yayoi Kusama în vitrina ei de tip boutique Louis Vuitton din New York în 2012. Foto: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock
În ciuda avertismentelor lui O'Keeffe că viața era foarte dificilă pentru tinerii artiști din Statele Unite, ca să nu mai vorbim de tinerele singure din Japonia, Kusama a fost de neoprit. În 1957, a reușit să obțină pașaport și viză. Și-a cusut dolari în rochii pentru a evita controalele valutare stricte de după război.
Prima oprire a fost Seattle, unde a susținut o expoziție într-o galerie mică. Apoi Kusama a mers la New York, unde a fost amar dezamăgită. „Spre deosebire de Matsumoto de după război, New York a fost în toate sensurile un loc rău și violent. S-a dovedit a fi prea stresant pentru mine și în curând m-am înfundat în nevroză.” Pentru a înrăutăți lucrurile, Kusama s-a trezit într-o sărăcie completă. O uşă veche îi servea drept pat, iar ea pescuia capete de peşte şi legume putrezite din coşurile de gunoi pentru a face supă.
Instalare Infinity Mirror Room - Love Forever („Camera cu oglinzi infinite – dragoste pentru totdeauna”). Foto: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock
Această situație dificilă l-a determinat pe Kusama să se cufunde și mai mult în munca sa. Ea a început să creeze primele ei picturi din seria Infinity Net, acoperind pânze uriașe (una dintre ele avea 10 metri înălțime) cu valuri fascinante de bucle mici care păreau să nu se termine niciodată. Artista însăși le-a descris astfel: „Rețele albe care învăluie punctele negre ale morții tăcute pe fundalul întunericului fără speranță al neantului”.
Instalare de Yayoi Kusama la deschiderea noii clădiri a Muzeului de Artă Contemporană Garaj din Parcul Gorki din Moscova în 2015. Foto: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock
Această repetiție obsesiv-compulsivă a ajutat să alunge nevroza, dar nu a salvat întotdeauna. Kusama a suferit constant de crize de psihoză și a ajuns într-un spital din New York. Fiind ambițioasă și intenționată și acceptând cu bucurie rolul unei femei asiatice exotice într-un kimono, ea s-a alăturat mulțimii de oameni influenți în artă și a comunicat cu astfel de persoane. artiști recunoscuți, precum Mark Rothko și Andy Warhol. Kusama a spus mai târziu că Warhol i-a imitat munca.
Kusama a câștigat în curând un anumit grad de faimă și a expus în galerii aglomerate. În plus, faima artistului a devenit scandaloasă.
În anii 1960, în timp ce Kusama era obsedată de buline, ea a început să pună în scenă evenimente în New York City, încurajând oamenii să se dezbrace în locuri precum Central Park și Podul Brooklyn și să-și picteze trupurile cu buline.
Prezentare la Art Basel din Hong Kong în 2013. Foto: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock
Cu zeci de ani înainte de mișcarea Occupy Wall Street, Kusama a organizat un eveniment în districtul financiar din New York, declarând că vrea să „distrugă oamenii din Wall Street cu buline”. În această perioadă a început să acopere diverse articole- un scaun, o barcă, un cărucior - cu proeminențe cu aspect falic. „Am început să creez penisuri pentru a-mi vindeca sentimentele de aversiune față de sex”, a scris artista, descriind modul în care acest lucru proces creativ transformând treptat teribilul în ceva familiar.
Instalarea „Passing Winter” la Tate Gallery din Londra. Foto: James Gourley/REX/Shutterstock
Kusama nu s-a căsătorit niciodată, deși a avut o relație asemănătoare căsătoriei cu artistul Joseph Cornell timp de zece ani în timp ce locuia la New York. „Nu mi-a plăcut sexul, iar el era impotent, așa că ne-am potrivit unul altuia foarte bine”, a spus ea într-un interviu pentru Art Magazine.
Kusama a devenit din ce în ce mai faimoasă pentru trăsăturile ei: s-a oferit să se culce cu președintele american Richard Nixon dacă va pune capăt războiului din Vietnam. „Să ne decorăm unul pe altul cu buline”, i-a scris ea într-o scrisoare. Interesul pentru arta ei în sine a dispărut, s-a trezit în nefavoare și problemele cu banii au început din nou.
Yayoi Kusama în timpul unei retrospective a lucrării ei la Muzeul Whitney de Artă Modernă din New York în 2012. Foto: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock
Vestea despre escapadele lui Kusama a ajuns în Japonia. Au început să o numească „dezastru național”, iar mama ei a spus că ar fi mai bine dacă fiica ei ar muri de boală în copilărie. La începutul anilor 1970, cei săraci și a eșuat Kusama s-a întors în Japonia. S-a înregistrat într-un spital de psihiatrie, unde locuiește încă, și s-a scufundat în obscuritatea artistică.
În 1989, Centrul pentru Artă Contemporană din New York a organizat o retrospectivă a operei ei. Acesta a fost începutul, deși lent, al unei renașteri a interesului pentru arta lui Kusama. Ea a umplut o cameră cu oglinzi cu dovleci pentru o instalație care a fost expusă la Bienala de la Veneția în 1993 și a avut o expoziție majoră la MoMa din New York în 1998. Aici ea a organizat odată un eveniment.
La expoziția Sufletul meu etern în Centrul Național artă la Tokyo, februarie 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
În ultimii ani, Yayoi Kusama a devenit un fenomen internațional. galerie modernă Tate din Londra și Muzeul Whitney din New York au organizat retrospective majore care au atras mulțimi uriașe de vizitatori, iar modelul ei iconic cu buline a devenit foarte recunoscut.
La expoziția My Eternal Soul la Centrul Național de Artă din Tokyo, februarie 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Artista nu are de gând să nu mai lucreze, dar a început să se gândească la mortalitatea ei. „Nu știu cât timp pot supraviețui chiar și după moarte. Există o generație viitoare care îmi calcă pe urme. Ar fi o onoare pentru mine dacă oamenilor le place să se uite la munca mea și dacă sunt emoționați de arta mea.”
La expoziția My Eternal Soul la Centrul Național de Artă din Tokyo, februarie 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
În ciuda comercializării artei sale, Kusama se gândește la mormântul din Matsumoto - nu în cripta familiei, oricum l-a moștenit de la părinții ei - și cum să nu-l transforme într-un altar. „Dar încă nu mor. Cred că voi trăi încă 20 de ani”, spune ea.
La expoziția My Eternal Soul la Centrul Național de Artă din Tokyo, februarie 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Care acoperă multe tehnici și stiluri. De-a lungul istoriei existenței sale, a suferit un numar mare de schimbări. Au fost adăugate noi tradiții și genuri, iar principiile originale japoneze au rămas. Împreună cu poveste uimitoare Pictura japoneză este, de asemenea, pregătită să prezinte multe fapte unice și interesante.
Japonia antică
Primele stiluri apar în cele mai vechi perioada istoricaţări, chiar î.Hr. e. Atunci arta era destul de primitivă. Mai întâi, în 300 î.Hr. e., diverse figuri geometrice, care erau executate pe ceramică cu ajutorul bețelor. O astfel de descoperire de către arheologi ca ornamentația pe clopotele de bronz datează dintr-o perioadă ulterioară.
Puțin mai târziu, deja în anul 300 d.Hr. e., apar desene rupestre, care sunt mult mai diverse decât modelele geometrice. Acestea sunt deja imagini cu drepturi depline cu imagini. Au fost găsite în interiorul criptelor și, probabil, oamenii care sunt pictați pe ele au fost îngropați în aceste cimitire.
În secolul al VII-lea d.Hr e. Japonia adoptă scrisul care vine din China. Cam în aceeași perioadă, de acolo au venit primele tablouri. Apoi pictura apare ca o sferă separată a artei.
Edo
Edo este departe de primul și nu ultimul tablou, dar a adus o mulțime de lucruri noi culturii. În primul rând, luminozitatea și culoarea au fost adăugate tehnicii obișnuite, realizate în tonuri de negru și gri. Cel mai un artist remarcabil Acest stil este considerat Sotasu. El a creat tablouri clasice, dar personajele lui erau foarte colorate. Mai târziu a trecut la natură, iar majoritatea peisajelor sale au fost pictate pe fundaluri aurite.
În al doilea rând, în perioada Edo, a apărut exotismul, genul namban. A folosit tehnici moderne europene și chinezești care s-au împletit cu stilurile tradiționale japoneze.
Și în al treilea rând, apare școala Nanga. În ea, artiștii mai întâi imită complet sau chiar copiază lucrările maeștrilor chinezi. Apoi apare o nouă ramură, care se numește bunjing.
Perioada de modernizare
Perioada Edo face loc lui Meiji, iar acum pictura japoneză este obligată să o facă noua etapă dezvoltare. În acest moment, genuri precum occidentalul și altele asemenea deveneau populare în întreaga lume, așa că modernizarea artei a devenit o stare comună. Cu toate acestea, în Japonia, o țară în care toți oamenii respectă tradițiile, starea de lucruri în acest moment era semnificativ diferită de ceea ce s-a întâmplat în alte țări. Concurența dintre tehnicienii europeni și locali este acerbă aici.
Guvernul, în această etapă, acordă preferință tinerilor artiști care arată mari promisiuni de a-și îmbunătăți abilitățile în stilurile occidentale. Așa că îi trimit la școli din Europa și America.
Dar asta a fost abia la începutul perioadei. Cert este că criticii celebri au criticat destul de puternic arta occidentală. Pentru a evita o mare agitație în jurul acestei probleme, stilurile și tehnicile europene au început să fie interzise la expoziții, expunerea lor a încetat, la fel și popularitatea lor.
Apariția stilurilor europene
Urmează perioada Taisho. În acest moment, tinerii artiști care au plecat să studieze în școli străine se întorc în patria lor. Desigur, ele aduc cu ei noi stiluri de pictură japoneză, care sunt foarte asemănătoare cu cele europene. Apar impresionismul și postimpresionismul.
În această etapă, se formează multe școli în care stilurile antice japoneze sunt reînviate. Dar este imposibil să scapi complet de tendințele occidentale. Prin urmare, trebuie să combinăm mai multe tehnici pentru a mulțumi atât iubitorilor de clasici, cât și iubitorilor picturii europene moderne.
Unele școli sunt finanțate de stat, datorită căruia este posibil să se păstreze multe dintre tradițiile naționale. Proprietarii privați sunt nevoiți să urmeze exemplul consumatorilor care își doreau ceva nou s-au săturat de clasici.
Pictură din al Doilea Război Mondial
După începutul timpului de război, pictura japoneză a rămas departe de evenimente pentru ceva timp. S-a dezvoltat separat și independent. Dar asta nu putea dura la nesfârşit.
De-a lungul timpului, când situația politică din țară se înrăutățește, figuri înalte și respectate atrag mulți artiști. Unii dintre ei au început să creeze în stiluri patriotice chiar la începutul războiului. Restul încep acest proces doar la ordinele autorităților.
În consecință, arta plastică japoneză nu a putut să se dezvolte în special în timpul celui de-al Doilea Război Mondial. Prin urmare, pentru vopsire poate fi numit stagnant.
Suibokuga etern
Pictura japoneză sumi-e, sau suibokuga, înseamnă literal „pictură cu cerneală”. Aceasta determină stilul și tehnica acestei arte. A venit din China, dar japonezii au decis să-l numească al lor. Și inițial tehnica nu avea nicio latură estetică. A fost folosit de călugări pentru auto-îmbunătățire în timp ce studiau Zen. Mai mult decât atât, ei au desenat mai întâi imagini și, ulterior, și-au antrenat concentrarea în timp ce le priveau. Călugării credeau că liniile stricte, tonurile neclare și umbrele - tot ceea ce se numește monocrom - ajută la îmbunătățire.
Pictura cu cerneală japoneză în ciuda mare varietate picturile și tehnicile nu sunt atât de complicate pe cât ar părea la prima vedere. Se bazează pe doar 4 parcele:
- Crizantema.
- Orhidee.
- Ramura de prun.
- Bambus.
Un număr mic de parcele nu face ca stăpânirea tehnicii să fie rapidă. Unii maeștri cred că învățarea durează toată viața.
În ciuda faptului că sumi-e a apărut cu mult timp în urmă, este întotdeauna la cerere. Mai mult, astăzi puteți întâlni maeștri ai acestei școli nu numai în Japonia, ci este larg răspândită dincolo de granițele sale.
Perioada modernă
După sfârșitul celui de-al Doilea Război Mondial, arta în Japonia a înflorit doar în marile orașe, sătenii și sătenii aveau de ajuns să-și facă griji. În cea mai mare parte, artiștii au încercat să se îndepărteze de pierderile din timpul războiului și să înfățișeze pe pânză viața modernă a orașului, cu toate ornamentele și caracteristicile sale. Ideile europene și americane au fost adoptate cu succes, dar această stare de lucruri nu a durat mult. Mulți maeștri au început să se îndepărteze treptat de ei către școlile japoneze.
Stilul tradițional a rămas întotdeauna la modă. Prin urmare, pictura japoneză modernă poate diferi doar în tehnica de execuție sau materialele utilizate în proces. Dar majoritatea artiștilor nu percep bine diversele inovații.
Este imposibil să nu mai vorbim de modă subculturi moderne, cum ar fi anime și stiluri similare. Mulți artiști încearcă să estompeze granița dintre clasici și ceea ce este solicitat astăzi. În cea mai mare parte, această stare de lucruri se datorează comerțului. Genurile clasice și tradiționale practic nu sunt cumpărate, prin urmare, nu este rentabil să lucrezi ca artist în genul tău preferat, trebuie să te adaptezi la modă.
Concluzie
Fără îndoială, pictura japoneză este o comoară de artă plastică. Poate că țara în cauză a fost singura care nu a urmat tendințele occidentale și nu s-a adaptat la modă. În ciuda multor lovituri în timpul apariției noilor tehnici, artiștii japonezi au fost încă capabili să se apere traditii nationaleîn multe genuri. Acesta este probabil motivul pentru care picturile realizate în stiluri clasice sunt foarte apreciate la expoziții de astăzi.
Artă și Design
2643
01.02.18 09:02
Scena artistică de astăzi din Japonia este foarte diversă și provocatoare: privind lucrările maeștrilor din Țara Soarelui Răsare, vei crede că ai ajuns pe o altă planetă! Cămin al inovatorilor care au schimbat peisajul industriei la scară globală. Iată o listă de 10 artiști japonezi contemporani și creațiile lor, de la creaturile incredibile ale lui Takashi Murakami (care își sărbătorește ziua de naștere astăzi) până la universul colorat din Kusama.
De la lumi futuriste la constelații punctate: artiști japonezi contemporani
Takashi Murakami: tradiționalist și clasic
Să începem cu eroul ocaziei! Takashi Murakami este unul dintre cei mai emblematici artiști contemporani ai Japoniei, lucrând la picturi, sculpturi la scară largă și îmbrăcăminte de modă. Stilul lui Murakami este influențat de manga și anime. Este fondatorul mișcării Superflat, care susține tradițiile artistice japoneze și cultura postbelică a țării. Murakami i-a promovat pe mulți dintre colegii săi contemporani, iar pe unii dintre ei îi vom întâlni astăzi. Lucrările „subculturale” ale lui Takashi Murakami sunt prezentate pe piețele de artă ale modei și artei. Provocatorul său My Lonesome Cowboy (1998) a fost vândut la New York la Sotheby's în 2008 pentru un record de 15,2 milioane de dolari. Murakami a colaborat cu lumea mărci celebre Marc Jacobs, Louis Vuitton și Issey Miyake.
În liniște, Ashima și universul ei suprarealist
Membră a companiei de producție de artă Kaikai Kiki și a mișcării Superflat (ambele fondate de Takashi Murakami), Chicho Ashima este cunoscută pentru peisajele sale urbane fantastice și creaturile pop ciudate. Artistul creează vise suprareale locuite de demoni, fantome, frumuseți tinere, înfățișate pe fundalul naturii ciudate. Lucrările ei sunt de obicei la scară largă și sunt tipărite pe hârtie, piele și plastic. În 2006, acest modern artist japonez a participat la Art on the Underground din Londra. Ea a creat 17 arcade consecutive pentru platformă - peisajul magic s-a transformat treptat de la zi la noapte, de la urban la rural. Acest miracol a înflorit la stația de metrou Gloucester Road.
Chiharu Shima și firele nesfârșite
Un alt artist, Chiharu Shiota, lucrează la instalații vizuale la scară largă pentru repere specifice. S-a născut la Osaka, dar acum locuiește în Germania - la Berlin. Temele centrale ale operei ei sunt uitarea și memoria, visele și realitatea, trecutul și prezentul, precum și confruntarea cu anxietatea. Cel mai lucrări celebre Chiharu Shiota - rețele impenetrabile de fir negru, care acoperă multe obiecte casnice și personale - cum ar fi scaune vechi, Rochie de mireasă, pian ars. În vara lui 2014, Shiota a legat împreună pantofii și cizmele donate (dintre care erau peste 300) cu fire de fire roșii și le-a atârnat pe cârlige. Prima expoziție Chiharu din capitala Germaniei a avut loc în timpul Berlinului săptămâna arteiîn 2016 și a făcut furori.
Hei Arakawa: peste tot, nicăieri
Hei Arakawa este inspirat din stări de schimbare, perioade de instabilitate, elemente de risc, iar instalațiile sale simbolizează adesea teme de prietenie și munca în echipă. Credo-ul artistului japonez contemporan este definit de performativul, nedefinit „pretutindeni, dar nicăieri”. Creațiile sale apar în locuri neașteptate. În 2013, lucrările lui Arakawa au fost expuse la Bienala de la Veneția și în cadrul expoziției de artă contemporană japoneză de la Muzeul de Artă Mori (Tokyo). Instalația Hawaiian Presence (2014) a fost Afiliere la un proiect comun cu artista din New York Carissa Rodriguez și a participat la Bienala Whitney. Tot în 2014, Arakawa și fratele său Tomu, cântând ca un duo numit United Brothers, le-au oferit vizitatorilor Frieze London „lucrarea” lor „The This Soup Taste Ambivalent” cu legume „radioactive” Fukushima daikon.
Koki Tanaka: Relații și repetiții
În 2015, Koki Tanaka a fost recunoscută drept „Artistul anului”. Tanaka explorează experiența comună a creativității și imaginației, încurajează schimbul între participanții la proiect și pledează pentru noi reguli de colaborare. Instalarea sa în pavilionul japonez la Bienala de la Veneția din 2013 a constat în videoclipuri cu obiecte care au transformat spațiul într-o platformă de schimb artistic. Instalațiile lui Koki Tanaka (a nu se confunda cu actorul său omonim complet) ilustrează relația dintre obiecte și acțiuni, de exemplu, videoclipul conține înregistrări ale gesturilor simple efectuate cu obiecte obișnuite (un cuțit care taie legume, berea fiind turnată într-un pahar). , deschiderea unei umbrele). Nu se întâmplă nimic semnificativ, dar repetarea obsesivă și atenția la până la cele mai mici detalii face spectatorul să aprecieze lumea.
Mariko Mori și forme raționalizate
Un alt artist japonez contemporan, Mariko Mori, „invocă” obiecte multimedia, combinând videoclipuri, fotografii și obiecte. Ea se caracterizează printr-o viziune futuristă minimalistă și forme suprareale elegante. O temă recurentă în opera lui Mori este juxtapunerea legendei occidentale cu cultura occidentală. În 2010, Mariko a fondat Fundația Fau, o cultură educațională organizație non profit, pentru care a realizat o serie de instalații de artă în onoarea celor șase continente locuite. Cel mai recent, instalația permanentă a Fundației „Ring: One with Nature” a fost ridicată peste o cascadă pitorească din Resende, lângă Rio de Janeiro.
Ryoji Ikeda: sinteză audio și video
Ryoji Ikeda este un artist și compozitor new media a cărui activitate se ocupă în primul rând de sunetul în diverse stări „brute”, de la undele sinusoidale la zgomot folosind frecvențe la marginea auzului uman. Instalațiile sale captivante includ sunete generate de computer care sunt transformate vizual în proiecții video sau modele digitale. Arta audiovizuală a lui Ikeda folosește scară, lumină, umbră, volum, sunete electronice și ritm. Celebra instalație de testare a artistului este formată din cinci proiectoare care luminează o zonă de 28 de metri lungime și 8 metri lățime. Configurația convertește datele (text, sunete, fotografii și filme) în coduri de bare și modele binare de unu și zero.
Tatsuo Miyajima și contoare LED
Sculptorul și artistul de instalații japonez contemporan Tatsuo Miyajima folosește circuite electrice, videoclipuri, computere și alte gadget-uri în arta sa. Conceptele de bază ale lui Miyajima sunt inspirate de idei umanisteși învățăturile budiste. Contoarele LED din instalațiile sale clipesc continuu în repetare de la 1 la 9, simbolizând călătoria de la viață la moarte, evitând însă finalitatea care este reprezentată de 0 (zero nu apare niciodată în opera lui Tatsuo). Numerele omniprezente din grile, turnuri și diagrame exprimă interesul lui Miyajima pentru ideile de continuitate, eternitate, conexiune și fluxul de timp și spațiu. Recent, „Săgeata timpului” a lui Miyajima a fost prezentată la expoziția inaugurală „Gânduri neterminate vizibile în New York”.
Nara Yoshimoto și copiii răi
Nara Yoshimoto creează picturi, sculpturi și desene cu copii și câini - subiecte care reflectă sentimentele de plictiseală și frustrare din copilărie și independența acerbă care vine în mod natural copiilor mici. Estetica operei lui Yoshimoto amintește de ilustrațiile tradiționale de cărți, un amestec de tensiune agitată și dragostea artistului pentru punk rock. În 2011, primul expoziție personală Yoshimoto, intitulat „Yoshitomo Nara: Nobody’s Fool”, acoperind cariera de 20 de ani a artistului japonez contemporan.
Yayoi Kusama și spațiul crescând în forme ciudate
Uimitor biografie creativă Yayoi al lui Kusama se întinde pe șapte decenii. În acest timp, uimitoarea japoneză a reușit să studieze domeniile picturii, graficii, colajului, sculpturii, cinematografiei, gravurii, artei ecologice, instalației, precum și literaturii, modă și design vestimentar. Kusama a dezvoltat un stil foarte distinctiv de artă cu puncte, care a devenit marca ei comercială. Viziunile iluzorii descrise în opera lui Kusama, în vârstă de 88 de ani, în care lumea pare acoperită de forme întinse, ciudate, sunt rezultatul halucinațiilor pe care le-a experimentat încă din copilărie. Camerele cu puncte colorate și oglinzi „infinite” care reflectă grupurile lor sunt recunoscute și nu pot fi confundate cu nimic altceva.
Dacă crezi că toți marii artiști sunt în trecut, atunci nu ai idee cât de greșit ai. În acest articol veți afla despre cele mai faimoase și artiști talentați modernitate. Și, crede-mă, lucrările lor vor rămâne în memoria ta nu mai puțin profund decât lucrările maeștrilor din epoci trecute.
Wojciech Babski
Wojciech Babski este un artist polonez contemporan. Și-a finalizat studiile la Institutul Politehnic din Silezia, dar s-a asociat cu. În ultima vreme pictează în principal femei. Se concentrează pe exprimarea emoțiilor, se străduiește să obțină cel mai mare efect posibil folosind mijloace simple.
Iubește culoarea, dar folosește adesea nuanțe de negru și gri pentru a obține cea mai bună impresie. Nu-ți este frică să experimentezi diferite tehnici noi. Recent, a câștigat o popularitate din ce în ce mai mare în străinătate, în special în Marea Britanie, unde își vinde cu succes lucrările, care se găsesc deja în multe colecții private. Pe lângă artă, el este interesat de cosmologie și filozofie. Ascultă jazz. În prezent locuiește și lucrează în Katowice.
Warren Chang
Warren Chang - modern artist american. Născut în 1957 și crescut în Monterey, California, a absolvit cu onoare Art Center College of Design din Pasadena în 1981, unde a primit un BFA. În următoarele două decenii, a lucrat ca ilustrator pentru diverse companii din California și New York, înainte de a începe o carieră ca artist profesionist în 2009.
Picturile sale realiste pot fi împărțite în două categorii principale: picturi interioare biografice și picturi care înfățișează oameni la lucru. Interesul său pentru acest stil de pictură datează din opera artistului din secolul al XVI-lea Johannes Vermeer și se extinde la subiecte, autoportrete, portrete ale membrilor familiei, prieteni, studenți, interioare de studio, săli de clasă și case. Scopul său este să tablouri realiste creați starea de spirit și emoția prin manipularea luminii și utilizarea culorilor dezactivate.
Chang a devenit faimos după ce a trecut la artele plastice tradiționale. În ultimii 12 ani, el a câștigat numeroase premii și onoruri, dintre care cea mai prestigioasă este Master Signature de la Oil Painters of America, cea mai mare comunitate de pictură în ulei din Statele Unite. Doar unei persoane din 50 i se oferă posibilitatea de a primi acest premiu. Warren locuiește în prezent în Monterey și lucrează în studioul său și predă și (cunoscut ca un profesor talentat) la Academia de Artă din San Francisco.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni – artist italian. Născut în Blair, 15 octombrie 1955. A primit o diplomă în scenografie de la Institutul de Artă din Spoleto. Ca artist, este autodidact, deoarece a „construit în mod independent o casă a cunoașterii” pe temelia pusă în școală. A început să picteze în ulei la vârsta de 19 ani. În prezent locuiește și lucrează în Umbria.
Picturile timpurii ale lui Bruni sunt înrădăcinate în suprarealism, dar în timp el începe să se concentreze pe apropierea romantismului liric și a simbolismului, sporind această combinație cu rafinamentul și puritatea personajelor sale. Obiectele animate și neînsuflețite dobândesc demnitate egală și arată aproape hiper-realiste, dar în același timp nu se ascund în spatele unei perdele, ci îți permit să vezi esența sufletului tău. Versatilitatea și rafinamentul, senzualitatea și singurătatea, chibzuința și rodnicia sunt spiritul lui Aurelio Bruni, hrănit de splendoarea artei și armonia muzicii.
Aleksander Balos
Alkasander Balos este un artist polonez contemporan specializat în pictura în ulei. Născut în 1970 la Gliwice, Polonia, dar din 1989 locuiește și lucrează în SUA, în Shasta, California.
În copilărie, a studiat arta sub îndrumarea tatălui său Jan, un artist și sculptor autodidact, așa că a vârstă fragedă, activitate artistică a primit sprijin deplin din partea ambilor părinți. În 1989, la vârsta de optsprezece ani, Balos a părăsit Polonia pentru Statele Unite, unde a profesor de școală iar artista cu fracțiune de normă Katie Gaggliardi l-a încurajat pe Alkasander să se înscrie la școala de artă. Balos a primit apoi o bursă completă la Universitatea din Milwaukee, Wisconsin, unde a studiat pictura cu profesorul de filozofie Harry Rozin.
După ce a absolvit în 1995 cu o diplomă de licență, Balos s-a mutat la Chicago pentru a studia la Școala de Arte Frumoase, ale cărei metode se bazează pe opera lui Jacques-Louis David. Realism figurativ și pictură portret au fost cel mai Lucrările lui Balos în anii 90 și începutul anilor 2000. Astăzi Balos folosește figură umană pentru a evidenția trăsăturile și a arăta neajunsurile existenței umane, fără a oferi soluții.
Compozițiile subiectului picturilor sale sunt destinate să fie interpretate în mod independent de către privitor, abia atunci picturile își vor dobândi adevăratul sens temporal și subiectiv. În 2005, artistul s-a mutat în California de Nord, de atunci subiectul lucrării sale s-a extins semnificativ și acum include metode de pictură mai libere, inclusiv abstracția și diverse stiluri multimedia care ajută la exprimarea ideilor și idealurilor de existență prin pictură.
Alyssa Monks
Alyssa Monks este o artistă americană contemporană. Născut în 1977, în Ridgewood, New Jersey. Am început să fiu interesat de pictură când eram încă copil. A studiat la New School din New York și Universitate de stat Montclair și a absolvit Colegiul din Boston în 1999, cu o licență în studii superioare. În același timp, a studiat pictura la Academia Lorenzo de' Medici din Florența.
Apoi și-a continuat studiile în programul de masterat la New York Academy of Art, la catedra de Artă Figurativă, absolvind în 2001. A absolvit Fullerton College în 2006. De ceva vreme a ținut prelegeri la universități și institutii de invatamantîn toată țara, a predat pictura la Academia de Artă din New York, precum și la Universitatea de Stat Montclair și la Lyme Academy of Art College.
„Folosind filtre precum sticlă, vinil, apă și abur, deformez corpul uman. Aceste filtre vă permit să creați suprafețe mari design abstract, cu insule de culoare care ies cu ochiul prin - părți ale corpului uman.
Picturile mele se schimbă aspect modern la pozițiile și gesturile tradiționale deja consacrate ale femeilor care fac baie. Ei ar putea spune spectatorului atent multe despre lucruri aparent evidente de la sine, cum ar fi beneficiile înotului, dansului și așa mai departe. Personajele mele se apasă pe geamul ferestrei dușului, deformându-și propriile trupuri, realizând că, făcând acest lucru, influențează renumita privire masculină asupra femeie goală. Straturile groase de vopsea sunt amestecate pentru a imita sticla, aburul, apa si carnea de la distanta. Cu toate acestea, de aproape, proprietățile fizice uimitoare devin evidente. vopsea cu ulei. Experimentând cu straturi de vopsea și culoare, găsesc un punct în care pensulele abstracte devin altceva.
Când am început să pictez corpul uman, am fost imediat fascinat și chiar obsedat de el și am crezut că trebuie să-mi fac picturile cât mai realiste posibil. Am „profesit” realismul până când a început să se dezlege și să dezvăluie contradicții în sine. Acum explorez posibilitățile și potențialul unui stil de pictură în care pictura reprezentativă și abstracția se întâlnesc – dacă ambele stiluri pot coexista în același moment în timp, o voi face.”
Antonio Finelli
artist italian – „ Observator de timp” – Antonio Finelli s-a născut pe 23 februarie 1985. În prezent trăiește și lucrează în Italia, între Roma și Campobasso. Lucrările sale au fost expuse în mai multe galerii din Italia și din străinătate: Roma, Florența, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York și pot fi găsite și în colecții private și publice.
Desene in creion " Observator de timp„Antonio Finelli ne poartă într-o călătorie eternă prin lumea interioară a temporalității umane și analiza scrupuloasă asociată acestei lumi, al cărei element principal este trecerea prin timp și urmele pe care le lasă pe piele.
Finelli pictează portrete ale oamenilor de orice vârstă, sex și naționalitate, ale căror expresii faciale indică trecerea în timp, iar artistul speră să găsească, de asemenea, dovezi ale lipsei de milă a timpului asupra trupurilor personajelor sale. Antonio își definește lucrările cu un singur titlu, general: „Autoportret”, deoarece în desenele sale în creion el nu numai că înfățișează o persoană, dar permite privitorului să contemple rezultate reale trecerea timpului în interiorul unei persoane.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni este o artistă italiană în vârstă de 37 de ani, fiica unui diplomat. Ea are trei copii. Ea a locuit la Roma timp de doisprezece ani și trei ani în Anglia și Franța. Ea a primit o diplomă în istoria artei la BD School of Art. Apoi a primit diploma de restaurator de arta. Înainte de a-și găsi chemarea și de a se dedica în totalitate picturii, a lucrat ca jurnalist, colorist, designer și actriță.
Pasiunea Flaminiei pentru pictură a apărut în copilărie. Mediul ei principal este uleiul, deoarece îi place să „coiffer la pate” și, de asemenea, să se joace cu materialul. Ea a recunoscut o tehnică similară în lucrările artistului Pascal Torua. Flaminia este inspirată din marii maeștri ai picturii precum Balthus, Hopper și François Legrand, precum și din diverse mișcări artistice: arta stradală, realismul chinezesc, suprarealismul și realismul renascentist. Preferatul ei artistul Caravaggio. Visul ei este să descopere puterea terapeutică a artei.
Denis Chernov
Denis Chernov - talentat artist ucrainean, născut în 1978 în Sambir, regiunea Lviv, Ucraina. După ce a absolvit Harkov scoala de Arteîn 1998 a rămas la Harkov, unde locuiește și lucrează în prezent. A studiat și la Harkov Academia de Stat design și arte, catedra de grafică, absolventă în 2004.
El participă în mod regulat la Expoziții de artă, în acest moment au fost peste şaizeci, atât în Ucraina, cât şi în străinătate. Majoritatea lucrărilor lui Denis Chernov sunt păstrate în colecții private din Ucraina, Rusia, Italia, Anglia, Spania, Grecia, Franța, SUA, Canada și Japonia. Unele dintre lucrări au fost vândute la Christie's.
Denis lucrează într-o gamă largă de tehnici de grafică și pictură. Desenele în creion sunt una dintre cele mai preferate metode de pictură ale sale, o listă a subiectelor sale desene in creion este, de asemenea, foarte divers, pictează peisaje, portrete, nuduri, compoziții de gen, ilustrații de carte, literare și reconstituiri istorice si fantezii.
Hokusai, un artist japonez din secolul al XVIII-lea, a creat o cantitate amețitoare de lucrări de artă. Hokusai a lucrat până la bătrânețe, afirmând în mod invariabil că „tot ce a făcut înainte de vârsta de 70 de ani nu merită și nu merită atenție”.
Poate cel mai faimos artist japonez din lume, s-a remarcat întotdeauna de colegii săi contemporani prin interesul său pentru Viata de zi cu zi. În loc să înfățișeze gheișe strălucitoare și samurai eroici, Hokusai a pictat muncitori, pescari și scene de gen urban, care nu erau încă un subiect de interes pentru arta japoneză. De asemenea, a adoptat o abordare europeană a compoziției.
Aici lista finaliștilor termeni cheie care vă vor ajuta să navigați puțin în munca lui Hokusai.
1 Ukiyo-e sunt imprimeuri și picturi populare în Japonia din anii 1600 până în anii 1800. Direcția către Arte Frumoase Japonia, dezvoltată din perioada Edo. Acest termen provine de la cuvântul „ukyo”, care înseamnă „lume schimbătoare”. Uikiye este un indiciu asupra bucuriilor hedoniste ale clasei de comercianți în plină dezvoltare. În această direcție, Hokusai este cel mai cunoscut artist.
Hokusai a folosit cel puțin treizeci de pseudonime de-a lungul vieții sale. În ciuda faptului că folosirea pseudonimelor era o practică obișnuită printre artiștii japonezi din acea vreme, el a depășit semnificativ pe alți autori majori în numărul de pseudonime. Pseudonimele lui Hokusai sunt adesea folosite pentru a periodiza etapele operei sale.
2 Perioada Edo este perioada cuprinsă între 1603 și 1868 din istoria Japoniei, când s-a remarcat creșterea economică și un nou interes pentru artă și cultură.
3 Shunrō este primul pseudonim al lui Hokusai.
4 Shunga înseamnă literal „imaginea primăverii”, iar „primăvara” este argou japonez pentru sex. Astfel, acestea sunt gravuri de natură erotică. Au fost create de cei mai respectați artiști, inclusiv Hokusai.
5 Surimono. Cele mai recente „surimono”, așa cum au fost numite aceste imprimeuri personalizate, au avut un mare succes. Spre deosebire de imprimeurile ukiyo-e, care erau destinate publicului de masă, surimono au fost rareori vândute publicului larg.
6 Muntele Fuji este un munte simetric care se întâmplă să fie cel mai înalt din Japonia. De-a lungul anilor, a inspirat mulți artiști și poeți, inclusiv Hokusai, care a publicat seria ukiyo-e Thirty-Six Views of Mount Fuji. Această serie include cele mai faimoase imprimeuri ale lui Hokusai.
7 Japonismul este influența de durată pe care Hokusai a avut-o asupra generațiilor ulterioare de artiști occidentali. Japonismul este un stil inspirat culori deschise imprimeuri ukiyo-e, lipsă de perspectivă și experimente compoziționale.
