Picturi ale artiștilor olandezi, vizionarea naturii moarte, mâncare. Semne secrete ale naturii moarte olandeze
Peter Klass „Mic dejun cu șuncă” 1647 g
Experții spun că fiecare natură moartă are propria lui ințelesuri ascunse, ceea ce era de înțeles contemporanilor. Și putem doar ghici despre ce a vrut artistul să spună și cui.
G Pictura olandeză de natură moartă din secolul al XVII-lea se caracterizează prin specializarea îngustă a maeștrilor olandezi în cadrul genului. Tema „Flori și fructe” include de obicei o varietate de insecte. „Trofeele de vânătoare” sunt, în primul rând, trofeele de vânătoare - păsări ucise și vânat. „Mic dejun” și „Deserturi”, precum și imagini cu pești - vii și adormiți și diverse păsări - sunt doar câteva dintre cele mai cunoscute teme ale naturii moarte.
Luate împreună, aceste parcele individuale caracterizează interesul puternic al olandezilor pentru parcele Viata de zi cu zi, și activitățile lor preferate, și pasiunea pentru exotismul ținuturilor îndepărtate (compozițiile conțin scoici și fructe ciudate). Adesea, în lucrările cu motive de natură „vie” și „moartă” există un subtext simbolic care este ușor de înțeles pentru un privitor educat al secolului al XVII-lea.
Astfel, combinația de obiecte individuale ar putea servi ca un indiciu al fragilității existenței pământești: trandafiri care se estompează, un arzător de tămâie, o lumânare, un ceas; sau asociate cu obiceiuri condamnate de morală: așchii, pipe de fumat; sau a indicat o relație amoroasă; scrisoare, instrumente muzicale, friteuza Nu există nicio îndoială că sensul acestor compoziții este mult mai larg decât conținutul lor simbolic.
Naturile moarte olandeze atrag, în primul rând, lor expresie artistică, completitudine, capacitatea de a dezvălui viața spirituală a lumii obiective.
Spre deosebire de flamanzi, care preferă picturile de dimensiuni mari, cu o abundență de tot felul de obiecte, pictorii olandezi se limitează la câteva obiecte de contemplare, ținând seama de cea mai mare unitate compozițională și de culoare. Natura morta („Stilleven” - care înseamnă în olandeză - „ viata linistita") este o ramură unică și destul de populară Pictura olandeză.
Natura moartă olandeză din secolul al XVII-lea
Peter Klass „Pipe and Brazier” 1636
Balthasar van der Ast "Natura moarta cu fructe"
Balthasar van der Ast „Placă cu fructe și coji” 1630 g
Melchior de Hondecoeter „Păsările în parc”
Bartholomeus van der Hels „Noua piață din Amsterdam” 1666
Willem claes Hedp „Mic dejun cu crab” 1648
Ferdinand Bol "Jocul mort"
Abraham Minion „Fructe”
Melchior de Hondecoeter „Trofee de vânătoare”
Johannes Lemans „Vânătoarea natură moartă”
Martin Bullema de Stomme. „Natura moarta cu o cupa Nautilus”
Willem Heda. „Natura moarta cu sunca”. 1656
Jan Brueghel cel Bătrân. „Flori într-un ghiveci de lemn”. 1606/07
Ambrosius Bosshart cel Bătrân. „Buchet de flori într-o nișă”. 1618 g
Balthasar van der Ast. „Coș cu flori”. 1622
Hans Bollongier. „Natură moartă cu flori”. 1639
Nicholas Gillies. "Pune masa" 1611
Floris van Dyck. „Natura moarta cu branza”. BINE. 1615
Jacob van Hulsdonck. „Natura moarta cu anghinare, ridichi, sparanghel, prune si piersici intr-un cos”. 1608-1647
Clara Peters. "Masa servita" 1611
Willem Claes Heda. "Natura moarta cu ulcior de argint si placinta." 1645
Peter Claes. "Natura moarta cu sare." BINE. 1644
Gerrit Willems Heda. „Natura moarta cu ulcior de lut”
Floris Gerrits van Schoten. „Natura moarta cu fructe, legume si scena cinei Emaus”. 1630
Cornelis Delff. „Natura moartă de bucătărie”. 1610-1620
Natalia MARKOVA,
Șeful Departamentului de Grafică al Muzeului de Arte Frumoase Pușkin. A, S, Pușkin
Natura moartă în Olanda secolului al XVII-lea
Putem spune că timpul a acționat ca un obiectiv de cameră: odată cu modificarea distanței focale, scara imaginii s-a schimbat până când în cadru au rămas doar obiecte, iar interiorul și figurile au fost împinse din imagine. „Rame de natură moartă” pot fi găsite în multe tablouri artiști olandezi secolul al XVI-lea Este ușor de imaginat masa așezată din „Portretul de familie” de Martin van Heemskerck (c. 1530) ca un tablou independent. muzeele de stat, Kassel) sau o vază cu flori din compoziția lui Jan Brueghel cel Bătrân. Jan Brueghel însuși a făcut așa ceva, scriind în al lui începutul XVII V. prima floare independentă natură moartă. Au apărut în jurul anului 1600 - această dată este considerată a fi data nașterii genului.
Martin van Heemskerk. Portret de familie. Fragment. BINE. 1530. Muzeele de stat, Kassel.
În acel moment O nu a existat încă o definiție. Termenul „natura moartă” a apărut în Franța în secolul al XVIII-lea. și tradus literal înseamnă „natura moartă”, „natura moartă” (nature morte). În Olanda, picturile care înfățișează obiecte au fost numite „stilleven”, care poate fi tradus atât ca „natura moartă, model”, cât și ca „viață liniștită”, care transmite mult mai exact specificul naturii moarte olandeze. Dar asta concept general a intrat în uz abia din 1650, iar înainte de acea vreme picturile erau numite după subiectul imaginii: b lumentopf - o vază cu flori, banketje - o masă setată, fruytage - fructe, toebackje - naturi moarte cu accesorii pentru fumat, doodshoofd - tablouri cu un craniu. Deja din această listă este clar cât de mare a fost varietatea de obiecte descrise. Într-adevăr, întreaga lume obiectivă din jurul lor părea să se reverse pe picturile artiștilor olandezi.
Abraham van Beuren. Natura moartă cu homari. Secolul XVII, Zurich
În artă, aceasta a însemnat o revoluție nu mai puțin decât cea pe care olandezii au făcut-o în sfera economică și socială, câștigându-și independența față de puterea Spaniei catolice și creând primul Stat democrat. În timp ce contemporanii lor din Italia, Franța și Spania s-au concentrat pe crearea de compoziții religioase uriașe pentru altarele bisericilor, picturi și fresce pe subiecte ale mitologiei antice pentru sălile palatului, olandezii au pictat picturi mici cu priveliști ale colțurilor peisajului lor natal, dansuri la un sărbătoarea satului sau un concert acasă într-o casă de burghez, scene într-o tavernă rurală, pe stradă sau într-o casă de întâlnire, așezat mese cu micul dejun sau desert, adică o natură „joasă”, nepretențioasă, neumbrită de străvechi sau Tradiția poetică renascentist, cu excepția poate poeziei olandeze contemporane. Contrastul cu restul Europei a fost puternic.
Picturile au fost rareori create la comandă, dar au fost vândute în mare parte gratuit în piețe pentru toată lumea și au fost destinate să decoreze camerele din casele locuitorilor orașului și chiar ale locuitorilor din mediul rural - cei care erau mai bogați. Mai târziu, în al 18-lea și secolele XIX, când viața în Olanda a devenit mai dificilă și mai rară, aceste colecții de picturi de acasă au fost vândute pe scară largă la licitație și cumpărate cu ardoare pentru colecțiile regale și aristocratice din întreaga Europă, de unde au migrat în cele din urmă către cele mai mari muzee pace. Când în mijlocul anului 19 V. artiștii de pretutindeni s-au orientat spre înfățișarea realității din jurul lor, picturi ale maeștrilor olandezi din secolul al XVII-lea. le-a servit drept model în toate genurile.
Jan Venix. Natura moartă cu un păun alb. 1692. Muzeul Ermitaj de Stat, Saint Petersburg
O caracteristică a picturii olandeze a fost specializarea artiștilor pe gen. În cadrul genului natură moartă, a existat chiar o împărțire în teme separate, iar orașele diferite aveau propriile lor tipuri preferate de natură moartă, iar dacă un pictor se întâmpla să se mute în alt oraș, adesea își schimba brusc arta și începea să picteze acele soiuri. a genului care era popular în acel loc.
Haarlem a devenit locul de naștere al aspectul caracteristic Natura moartă olandeză - „mic dejun”. Picturile lui Peter Claes înfățișează o masă așezată cu feluri de mâncare și feluri de mâncare. O farfurie de tablă, un hering sau șuncă, o chiflă, un pahar de vin, un șervețel mototolit, o lămâie sau o ramură de struguri, tacâmuri - selecția slabă și precisă a articolelor creează impresia unui set de masă pentru o persoană. Prezența unei persoane este indicată de tulburarea „pitorească” introdusă în aranjarea lucrurilor și de atmosfera unui interior rezidențial confortabil, realizată prin transmiterea unui mediu de lumină-aer. Tonul dominant gri-maroniu unește obiectele într-o singură imagine, în timp ce natura moartă în sine devine o reflectare a gusturilor și stilului de viață individual al unei persoane.
Un alt locuitor din Haarlem, Willem Heda, a lucrat în aceeași ordine cu Klas. Colorarea picturilor sale este încă într-o măsură mai mare subordonată unității tonale, este dominată de un ton gri-argintiu, stabilit de imaginea ustensilelor de argint sau cositor. Pentru această reținere colorată, picturile au început să fie numite „mic dejunuri monocrome”.
Abraham van Beuren. Mic dejun. secolul al 17-lea
Muzeul Pușkin im. Pușkin, Moscova
În Utrecht s-a dezvoltat natura moartă florală luxuriantă și elegantă. Principalii săi reprezentanți sunt Jan Davids de Heem, Justus van Huysum și fiul său Jan van Huysum, care a devenit faimos în special pentru scrisul său atent și colorarea deschisă. La Haga, centrul pescuitului marin, Pieter de Putter și studentul său Abraham van Beyeren au perfecționat reprezentarea peștilor și a altor locuitori ai mării, culoarea picturilor lor strălucește cu strălucirea solzilor, în care pete de roz, roșu și; culorile albastre clipesc. Universitatea din Leiden a creat și îmbunătățit tipul de natură moartă filosofică „vanitas” (deșertăciunea vanităților). În picturile lui Harmen van Steenwijk și Jan Davids de Heem, obiectele care întruchipează gloria și bogăția pământească (armură, cărți, atribute ale artei, ustensile prețioase) sau plăceri senzuale (flori, fructe) sunt juxtapuse cu un craniu sau ca o reamintire a trecătoarei vieţii. O natură moartă de „bucătărie” mai democratică a apărut la Rotterdam în opera lui Floris van Schoten și Francois Reykhals, iar cele mai bune realizări ale ei sunt asociate cu numele fraților Cornelis și Herman Saftleven.
La mijlocul secolului, tema „micului dejun” modest a fost transformată în lucrările lui Willem van Aalst, Jurian van Streck și mai ales Willem Kalf și Abraham van Beyeren în „banchete” și „deserturi” de lux. Paharele aurite, porțelanul chinezesc și faianța Delft, fața de masă pentru covor, fructele sudice subliniază gustul pentru grație și bogăție care s-a impus în societatea olandeză la mijlocul secolului. În consecință, micul dejun „monocrom” este înlocuit cu o aromă suculentă, bogată în culori, aurie-caldă. Influența clarobscurului lui Rembrandt face ca culorile din picturile lui Kalf să strălucească din interior, poetizând lumea obiectivă.
Willem Kalf. Natura moartă cu o ceașcă nautilus și un bol chinezesc din porțelan. Muzeul Thyssen - Bornemisza, Madrid
Maeștrii înfățișării „trofeelor de vânătoare” și „curte de păsări” au fost Jan-Baptiste Wenix, fiul său Jan Wenix și Melchior de Hondecoeter. Acest tip de natură moartă s-a răspândit în special în a doua jumătate - sfârșitul secolului în legătură cu aristocrația burghezilor: înființarea de moșii și distracția vânătorii. Pictura doi ultimii artiști arată o creștere a decorativității, a culorii și a dorinței de efecte externe.
Abilitatea uimitoare a pictorilor olandezi de a transmite Lumea materialăîn toată bogăția și diversitatea ei a fost apreciată nu doar de contemporani, ci și de europenii din secolele XVIII și XIX pe care au văzut-o în naturile moarte, în primul rând și numai această măiestrie strălucită a transmiterii realității; Cu toate acestea, pentru olandezi înșiși Secolul XVII aceste poze erau pline de sens, ofereau hrana nu numai pentru ochi, ci si pentru minte. Tablourile au intrat în dialog cu publicul, spunându-le adevăruri morale importante, amintindu-le de înșelăciunea bucuriilor pământești, de inutilitatea aspirațiilor umane, îndreptând gândurile către reflecții filozofice despre sens viata umana.
Natura moartă olandeză din secolele XVI-XVII - un unic joc intelectual, în care spectatorului i s-a cerut să dezlege anumite semne. Ceea ce a fost ușor de înțeles de contemporani nu este clar pentru toată lumea astăzi și nu întotdeauna.
Ce înseamnă obiectele descrise de artiști?
Ioan Calvin (1509-1564, teolog francez, reformator al bisericii, fondatorul calvinismului) a învățat că lucrurile de zi cu zi au semnificații ascunse, iar în spatele fiecărei imagini ar trebui să existe o lecție morală. Obiectele înfățișate în natura moartă au sensuri multiple: erau înzestrate cu conotații edificatoare, religioase sau de altă natură. De exemplu, stridiile erau considerate un simbol erotic, iar acest lucru era evident pentru contemporani: stridiile ar fi stimulat potența sexuală, iar Venus, zeița iubirii, s-a născut dintr-o coajă. Pe de o parte, stridiile sugerau ispitele lumești, pe de altă parte, o coajă deschisă însemna un suflet gata să părăsească trupul, adică promitea mântuirea. Desigur, nu existau reguli stricte cu privire la modul de a citi o natură moartă, iar privitorul a ghicit exact simbolurile de pe pânză pe care dorea să le vadă. În plus, nu trebuie să uităm că fiecare obiect făcea parte din compoziție și putea fi citit în moduri diferite - în funcție de context și de mesajul general al naturii moarte. Natura moartă florală
Până în secolul al XVIII-lea, un buchet de flori, de regulă, simbolizează fragilitatea, pentru că bucuriile pământești sunt la fel de trecătoare ca frumusețea unei flori. Simbolismul plantelor este deosebit de complex și ambiguu, iar cărțile de embleme, populare în Europa în secolele al XVI-lea și al XVII-lea, au ajutat la înțelegerea sensului, unde ilustrațiile alegorice și motto-urile erau însoțite de texte explicative. Aranjamentele florale nu erau ușor de interpretat: aceeași floare avea multe semnificații, uneori direct opuse. De exemplu, narcisa indica narcisismul și era în același timp considerată un simbol al Maicii Domnului. În naturile moarte, de regulă, ambele sensuri ale imaginii au fost păstrate, iar privitorul era liber să aleagă unul dintre cele două semnificații sau să le combine.
Aranjamentele florale erau adesea completate cu fructe, obiecte mici și imagini cu animale. Aceste imagini au exprimat ideea principală a lucrării, subliniind motivul efemerării, decăderii, păcătoșenia a tot ceea ce este pământesc și incoruptibilitatea virtuții.
Jan Davids de Heem.
Flori într-o vază.
În tabloul lui Jan Davids de Heem, la baza vazei, artistul a înfățișat simboluri ale mortalității: flori ofilite și rupte, petale prăbușite și păstăi de mazăre uscate. Iată un melc - este asociat cu sufletul unui păcătos. În centrul buchetului vedem simboluri ale modestiei și purității: flori sălbatice, violete și nu-mă-uita. Sunt înconjurate de lalele, simbolizând frumusețea care se estompează și deșeurile fără sens (creșterea lalelelor în Olanda era considerată una dintre cele mai deșarte activități și, în plus, costisitoare); trandafiri și maci luxurianți, care amintesc de fragilitatea vieții. Compoziția este încununată de două floare mare, având o valoare pozitivă. Irisul albastru reprezintă iertarea păcatelor și indică posibilitatea mântuirii prin virtute. Macul roșu, care era asociat în mod tradițional cu somnul și moartea, și-a schimbat interpretarea datorită poziționării sale în buchet: aici semnifică jertfa ispășitoare a lui Hristos.
Alte simboluri ale mântuirii sunt urechile de pâine, iar un fluture așezat pe o tulpină reprezintă sufletul nemuritor.
Jan Bauman.
Flori, fructe și o maimuță. Prima jumătate a secolului al XVII-lea.
Pictura lui Jan Bauman „Flori, fructe și o maimuță” este un bun exemplu al semnificației multistratificate și al ambiguității unei naturi moarte și a obiectelor de pe ea. La prima vedere, combinația dintre plante și animale pare întâmplătoare. De fapt, această natură moartă ne amintește și de trecătoarea vieții și de păcătoșenia existenței pământești. Fiecare obiect înfățișat transmite o anumită idee: melcul și șopârla în acest caz indică mortalitatea tuturor lucrurilor pământești; o lalea situată lângă un castron de fructe simbolizează decolorarea rapidă; scoici împrăștiate pe masă sugerează o risipă neînțeleaptă de bani; iar maimuța cu piersicul arată spre păcat originalși depravare. Pe de altă parte, un fluture care flutură și fructe: ciorchini de struguri, mere, piersici și pere vorbesc despre nemurirea sufletului și despre jertfa ispășitoare a lui Hristos. La un alt nivel, alegoric, fructele, fructele, florile și animalele prezentate în imagine reprezintă patru elemente: scoici și melci - apă; fluture - aer; fructe și flori - pământ; maimuță – foc.
Natura moartă într-o măcelărie
Peter Aartsen.
Măcelaria, sau Bucătăria cu scena fuga în Egipt. 1551
Imaginea unei măcelărie a fost în mod tradițional asociată cu ideea vieții fizice, personificarea elementului pământ, precum și cu lacomia. Pictat de Peter Aertsen
Aproape tot spațiul este ocupat de o masă încărcată cu mâncare. Vedem multe tipuri de carne: păsări ucise și carcase îmbrăcate, ficat și șuncă, șunci și cârnați. Aceste imagini simbolizează excesul, lăcomia și atașamentul față de plăcerile carnale. Acum să ne îndreptăm atenția asupra fundalului. În partea stângă a imaginii, în deschiderea ferestrei, există o scenă evanghelică a zborului în Egipt, care contrastează puternic cu natura moartă din prim plan. Fecioara Maria dă ultima pâine unei fete cerșetoare. Rețineți că fereastra este situată deasupra farfurii, unde doi pești zac în cruce (simbol al răstignirii) - un simbol al creștinismului și al lui Hristos. In dreapta in fundal este o taverna. Un grup vesel stă la o masă lângă foc, bea și mănâncă stridii, care, după cum ne amintim, sunt asociate cu pofta. O carcasă măcelărită atârnă lângă masă, indicând inevitabilitatea morții și natura trecătoare a bucuriilor pământești. Un măcelar în cămașă roșie diluează vinul cu apă. Această scenă face ecou ideea principală a naturii moarte și se referă la Pilda lui fiu risipitor. Scena din cârciumă, precum și măcelăria plină de bucate, vorbește despre o viață lenevă, disolută, atașament față de plăcerile pământești, plăcută pentru trup, dar distructivă pentru suflet. În scena zborului spre Egipt, personajele practic întorc spatele privitorului: se îndreaptă mai adânc în imagine, departe de măcelărie. Aceasta este o metaforă a evadării dintr-o viață disolută plină de plăceri senzuale. Renunțarea la ele este una dintre modalitățile de a salva sufletul.
Natura moartă într-un magazin de pește
Natura moartă cu pește este o alegorie a elementului apă. Lucrările de acest fel, precum măcelăriile, făceau adesea parte din așa-numitul ciclu elementar și, de regulă, erau create pentru a decora sălile de mese ale palatului. În prim-planul picturii lui Frans Snyders „The Fish Shop” sunt înfățișați mulți pești. Aici sunt bibani și sturioni, caras, somn, somon și alte fructe de mare. Unii au fost deja tăiați, alții își așteaptă rândul. Aceste imagini cu pești nu au nici un subtext - ele gloriifică bogăția Flandrei.
Frans Snyders.
Magazin de peste. 1616
Alături de băiat vedem un coș cu daruri pe care le-a primit de Sfântul Nicolae. Acest lucru este indicat de pantofii roșii din lemn legați de coș. Pe lângă dulciuri, fructe și nuci, coșul conține tije - ca un indiciu de educație cu „morcov și băț”. Conținutul coșului vorbește despre bucuriile și necazurile vieții umane, care se înlocuiesc constant. Femeia îi explică copilului că copiii ascultători primesc cadouri, iar copiii răi primesc pedeapsă. Băiatul se dădu înapoi îngrozit: se gândea că în loc de dulciuri va primi lovituri cu vergele. În dreapta vedem o fereastră care se deschide prin care putem vedea piața orașului. Un grup de copii stă sub ferestre și îl salută cu bucurie pe bufonul păpușilor de pe balcon. Bufonul este un atribut integral al sărbătorilor populare.
Natura moartă cu masă pusă
În numeroasele variante ale decorurilor de masă de pe pânzele maeștrilor olandezi, vedem pâine și plăcinte, nuci și lămâi, cârnați și șunci, homari și raci, feluri de mâncare cu stridii, pește sau scoici goale. Aceste naturi moarte pot fi înțelese în funcție de setul de obiecte.
Gerrit Willems Heda.
Şuncă şi argintărie. 1649
În tabloul lui Gerrit Willems Heda vedem un vas, un ulcior, un pahar înalt de sticlă și o vază răsturnată, un vas cu muștar, o șuncă, un șervețel mototolit și o lămâie. Acesta este setul tradițional și preferat al lui Heda. Dispunerea obiectelor și alegerea lor nu sunt întâmplătoare. Argintăria simbolizează bogățiile pământești și inutilitatea lor, șunca simbolizează plăcerile carnale, iar o lămâie cu aspect atractiv, dar acru în interior, reprezintă trădarea. O lumânare stinsă indică fragilitate și efemeritate. existenţei umane, o mizerie pe masă este pentru distrugere. Un pahar înalt „flaut” de sticlă (în secolul al XVII-lea astfel de pahare erau folosite ca recipient de măsurare cu semne) este la fel de fragil ca viața umană și, în același timp, simbolizează moderația și capacitatea unei persoane de a-și controla impulsurile. În general, în această natură moartă, ca și în multe alte „mic dejun”, tema deșertăciunii și lipsa de sens a plăcerilor pământești este jucată cu ajutorul obiectelor.
Peter Claes.
Natura moartă cu brazier, hering, stridii și pipă de fumare. 1624
Majoritatea obiectelor descrise în natura moartă a lui Peter Claes sunt simboluri erotice. Stridiile, pipa, vinul se referă la plăceri carnale scurte și dubioase. Dar aceasta este doar o opțiune pentru a citi o natură moartă. Să privim aceste imagini dintr-un unghi diferit. Astfel, scoicile sunt simboluri ale fragilității cărnii; o pipă, cu care nu numai că fumau, ci și suflau bule de săpun, este un simbol al bruștei morții. Contemporanul lui Claes, poetul olandez Willem Godschalk van Fockenborch, a scris în poemul său „Speranța mea este fum”:
După cum puteți vedea, a fi este asemănător cu a fuma o pipă,
Și chiar nu știu care este diferența:
Unul este doar o briză, celălalt este doar un fum.
Tema trecerii existenței umane este pusă în contrast cu nemurirea sufletului, iar semnele de fragilitate se dovedesc dintr-o dată a fi simboluri ale mântuirii. Pâinea și paharul de vin din fundal sunt asociate cu trupul și sângele lui Isus și indică sacramentul sacramentului. Heringul - un alt simbol al lui Hristos - ne amintește de hrana de post și de post. Și scoici deschise cu stridii le pot schimba sens negativ exact opusul, desemnând sufletul omenesc, separat de trup și gata să intre în viața veșnică.
Diferitele niveluri de interpretare a obiectelor îi spun în mod subtil privitorului că o persoană este întotdeauna liberă să aleagă între spiritual și etern și tranzitoriu pământesc.
Vanitas, sau natură moartă „Scientist”.
Genul așa-numitei naturi moar „științifice” a fost numit vanitas - tradus din latină înseamnă „deșertăciunea deșertăciunii”, cu alte cuvinte - „memento mori” („amintiți-vă de moarte”). Acesta este cel mai intelectual tip de natură moartă, o alegorie a eternității artei, a fragilității gloriei pământești și a vieții umane
Jurian van Streck.
vanitate. 1670
Sabia și casca cu un penaj luxos din pictura lui Jurian van Streck indică natura trecătoare a gloriei pământești. Cornul de vânătoare simbolizează bogăția care nu poate fi luată cu tine într-o altă viață. În naturile moarte „științifice” există adesea imagini cu cărți deschise sau hârtii nepăsătoare cu inscripții. Ele nu numai că vă invită să vă gândiți la obiectele descrise, dar vă permit și să le utilizați în scopul propus: citiți pagini deschise sau ascultați muzică scrisă într-un caiet. Van Streck a descris o schiță a capului unui băiat și o carte deschisă: aceasta este tragedia Electra a lui Sofocle, tradusă în olandeză. Aceste imagini indică faptul că arta este eternă. Dar paginile cărții sunt ondulate și desenul este șifonat. Acestea sunt semne ale începutului corupției, sugerând că după moarte nici arta nu va fi de folos. Craniul vorbește și despre inevitabilitatea morții, dar spicul de cereale împletit în jurul lui simbolizează speranța învierii și a vieții veșnice. Până la mijlocul secolului al XVII-lea, un craniu împletit cu un spic de cereale sau iedera veșnic verde avea să devină un subiect obligatoriu pentru reprezentarea în naturi moarte în stilul vanitas.
Un fenomen cultural unic XVII secolul se numește natură moartă florală olandeză, care a avut o influență semnificativă asupra tuturor dezvoltare ulterioară pictura în Europa.
Cu dragoste și grijă, artiștii au descoperit frumusețea naturii și lumea lucrurilor, arătându-și bogăția și diversitatea. Buchete de trandafiri, nu-mă-uita și lalele de Ambrosius Bosschaert cel Bătrân, care a devenit fondatorul picturii florale cu natură moartă ca mișcare independentă, fermecă și atrag privirea.
ABROSIUS BOSCHART BĂTRÂNUL 1573-1621
Bosschaert și-a început cariera la Anvers în 1588. Din 1593 până în 1613 a lucrat la Middelburg, apoi la Utrecht (din 1616) și la Breda.
Pe pânzele lui Bosshart, fluturi sau scoici sunt adesea înfățișați lângă buchetele de flori. În multe cazuri, florile sunt atinse de ofilire, ceea ce introduce un motiv alegoric al fragilității existenței în picturile lui Bosshart ( vanitas)
Lalele, trandafiri, garoafe albe și roz, nu-mă-uita și alte flori într-o vază.
La prima vedere, buchetele par a fi pictate din natură, dar la o privire mai atentă devine evident că sunt formate din plante care înfloresc în timp diferit.Impresia de naturalețe și verosimilitate apare datorită faptului că imaginile culorilor individuale se bazează pe „studii” naturale individuale.
Un fragment mărit al unei schițe de Jan Van Huysum, care este păstrat la Met.
Jan Baptiste von Fornenbruch. Sered. secolul al 17-lea
Aceasta a fost metoda obișnuită de lucru pentru pictorii de naturi moarte cu flori. Artiștii au realizat desene atente în acuarelă și guașă, desenând flori din viață, din diferite unghiuri și sub diferite lumini, iar aceste desene le-au servit apoi în mod repetat - le-au repetat în picturi.
Jacob Morrel. „Două lalele”
Ca material de lucru au fost folosite și desene ale altor artiști, gravuri din colecții tipărite și atlase botanice.
Clienții, nobili și burghezi, apreciau în naturile moarte că florile reprezentate erau „ca și cum ar fi vii”. Dar aceste imagini nu erau naturaliste. Sunt romantici și poetici. Natura în ele este transformată prin pictură.
Natura moartă cu flori într-o vază 1619
„Portrete” de flori, pictate pe pergament în acuarelă și guașă, au fost create pentru albume floristice în care grădinarii căutau să imortalizeze plante ciudate. Imaginile cu lalele sunt deosebit de numeroase. Aproape fiecare natură moartă olandeză conține lalele.
Ambrosius Bosshart „Flori într-o vază” 1619.Rijksmuseum, Amsterdam.
În secolul al XVII-lea A fost un adevărat boom de lalele în Olanda, uneori, o casă era ipotecata pentru un bulb de lalele rar.
Lalelele au venit în Europa în 1554. Au fost trimiși la Augsburg de ambasadorul german la curtea turcă, Busbeck. În timpul călătoriilor sale prin țară, a fost fascinat de vederea acestor flori delicate.
Curând, lalelele s-au răspândit în Franța și Anglia, Germania și Olanda. Proprietarii de bulbi de lalele în acele vremuri erau oameni cu adevărat bogați - oameni de sânge regal sau cei apropiați. La Versailles, au fost organizate sărbători speciale în onoarea dezvoltării de noi soiuri.
Natura moartă cu flori.
Nu numai nobilii olandezi, ci și burgherii obișnuiți își puteau permite să dețină naturi moarte frumoase.
Numărul de naturi moarte olandeze cu flori este uriaș, dar acest lucru nu le diminuează valoare artistică. După licitaţii, când situatia economica Olanda a devenit mai puțin strălucitoare, colecțiile pitorești din casele burgherilor au ajuns în palatele nobililor și regilor europeni.
Buchet de flori 1920
În centrul acestui buchet vedem un crocus, dar este uriaș. O mică informație despre această floare care ne este familiară.
Crocusul este o plantă medicinală, afrodisiacă și colorantă. Din staminele sale fac un condiment excelent - șofranul, care se adaugă dulciuri orientale. Locul de naștere al crocusului este Grecia și Asia Mică. La fel ca zambilele și crinii, crocusul a devenit un erou al miturilor grecilor antici și a fost reprezentat în subiectele picturilor palatului.
Conform legendei antice, pământul a fost acoperit cu zambile și crocusuri pentru nuntă și mai întâi noaptea nunții Hera și Zeus.
O altă legendă descrie povestea unui tânăr pe nume Crocus, care cu frumusețea sa a atras atenția unei nimfe, dar a rămas indiferent la frumusețea ei. Apoi, zeița Afrodita l-a transformat pe tânăr într-o floare și pe nimfa într-o ligară, creând astfel o uniune inseparabilă.
Flori într-o vază de sticlă.
Dorința artiștilor de a-și diversifica compoziția buchetelor i-a forțat să călătorească în diferite orașe și să facă desene la scară largă în grădinile iubitorilor de flori din Amsterdam, Utrecht, Bruxelles, Haarlem și Leiden. De asemenea, artiștii au fost nevoiți să aștepte schimbarea anotimpurilor pentru a captura floarea dorită.
Flori. 1619
Flori într-o vază chinezească.
Flori într-un coș.
Natura moartă cu flori într-o nișă.
Flori într-o nișă.
În naturile moarte cu fructe și flori, o combinație aparent aleatorie de reprezentanți aparent neînrudiți ai florei și faunei a întruchipat indirect idei despre păcătoșenia perisabilă a tuturor lucrurilor pământești și, dimpotrivă, incoruptibilitatea adevăratei virtuți creștine.
Aproape fiecare „personaj” al naturii moarte într-un limbaj complex de simboluri denota o anumită idee: mortalitatea a tot ceea ce este pământesc (de exemplu, o șopârlă sau un melc), păcătoșenia stupidă și fragilitatea vieții umane, pe care o lalea, în special, ar putea simboliza.
Flori într-o vază de sticlă.1606
Conform ideilor flamanzilor și olandezilor, această floare delicată nu era doar o întruchipare vizibilă a frumuseții care se estompează rapid, dar cultivarea ei a fost, de asemenea, percepută de mulți ca una dintre cele mai zadarnice și egoiste profesii);
Scoici exotice de peste mări, cândva o colecție la modă, sugerau cheltuirea neînțeleaptă a banilor; o maimuță cu o piersică a fost considerată în mod tradițional un simbol al păcatului original.
Natura moartă cu flori într-o sticlă verde de sticlă.
Pe de altă parte, o muscă pe aceeași piersică sau trandafir a evocat de obicei asocieri cu simbolismul morții, răului și păcatului; struguri și rupte nuci- a sugerat Căderea și, în același timp, jertfa ispășitoare a lui Hristos pe cruce. Boabele roșii ale unei cireșe coapte sunt un simbol al iubirii divine, în timp ce un fluture care flutură personifică sufletul mântuit al celor drepți.
Coş.
Direcția artistică a lui Ambrosius Bosschaert a fost dezvoltată în continuare de cei trei fii ai săi - Ambrosius Bosschaert cel Tânăr, Abraham Bosschaert și Johannes Bosschaert, precum și ginerele său Balthasar van der Ast Lucrările lor, în general destul de numeroase, sunt invariabil la cerere la licitațiile de artă.
Surse.
Willem Claes Hedda. Natura moartă cu plăcintă, 1627
Epoca „de aur” a naturii moarte a fost secolul al XVII-lea, când a prins în cele din urmă contur ca gen independent de pictură, în special în lucrările olandezilor și artiști flamand. În același timp, termenul „viață liniștită, înghețată” (olandeză stilleven, germană Stilleben, engleză natură moartă) părea să desemneze naturi moarte. Primele „stillevens” erau simple ca intriga, dar chiar și atunci obiectele descrise pe ele aveau și o încărcătură semantică: pâine, un pahar de vin, pește - simboluri ale lui Hristos, un cuțit - un simbol al sacrificiului, lămâie - un simbol al sete nestinsă; nuci în coajă - un suflet încătușat de păcat; mărul amintește de Cădere.
Treptat, limbajul simbolic al picturii a devenit mai bogat.
Franciscus Geysbrechts, secolul al XVII-lea.
Simbolurile găsite pe pânze au fost menite să ne reamintească de fragilitatea vieții umane și de trecerea plăcerilor și realizărilor:
Craniul este o amintire a inevitabilității morții.
Fructele putrede sunt un simbol al îmbătrânirii.
Fructele coapte simbolizează fertilitatea, abundența, la figurat bogăție și prosperitate.
O serie de fructe au propria lor semnificație: Toamna este reprezentată de pere, roșii, citrice, struguri, piersici și cireșe și, bineînțeles, măr. Smochinele, prunele, cireșele, merele sau piersicii au conotații erotice.
Germeni de cereale, ramuri de iederă sau dafin (rar) sunt un simbol al renașterii și al ciclului vieții.
Scoici de mare, uneori melci vii - o coajă de moluște este rămășițele unui animal cândva viu, semnifică moartea și mortalitatea.
Melcul târâtor este personificarea păcatului de moarte al lenei.
Scoicile mari denotă dualitatea naturii, un simbol al poftei, un alt păcate de moarte.
Baloane de săpun - concizia vieții și bruscitatea morții; o referire la expresia homo bulla - „o persoană este un balon de săpun”.
O lumânare (cenușă) sau o lampă cu ulei pe moarte, fumegătoare; capac pentru stingerea lumânărilor - o lumânare aprinsă este un simbol suflet uman, estomparea sa simbolizează plecarea.
cupe, carti de joc sau zaruri, șah (rar) - un semn al unui scop de viață eronat, o căutare a plăcerii și viata pacatoasa. Egalitatea de șanse în jocuri de norocînsemna și un anonimat condamnabil.
O pipă de fumat este un simbol al plăcerilor pământești trecătoare și evazive.
O mască de carnaval este un semn al absenței unei persoane în interiorul ei. De asemenea, destinate mascaradelor festive, plăcerii iresponsabile.
Oglinzi, bile de sticlă (oglindă) - o oglindă este un simbol al vanității, în plus, este, de asemenea, un semn de reflexie, umbră și nu un fenomen real.
Beyeren. Natura morta cu homar, 1667
Vase sparte, de obicei pahare de sticlă. Un pahar gol, opus celui plin, simbolizează moartea.
Sticla simbolizează fragilitatea, porțelanul alb ca zăpada simbolizează puritatea.
Mortarul și pistilul sunt simboluri ale sexualității masculine și feminine.
Sticla este un simbol al păcatului beției.
Un cuțit ne amintește de vulnerabilitatea și mortalitatea umană.
Ceasuri de clepsidră și ceasuri mecanice - trecerea timpului.
Instrumente muzicale, note - concizia și natura efemeră a vieții, un simbol al artelor.
Cărți și Hărți geografice(mappa mundi), un stilou de scris este un simbol al științei Globul, atât pământul, cât și cerul înstelat.
O paletă cu ciucuri, o coroană de lauri (de obicei pe capul unui craniu) sunt simboluri ale picturii și poeziei.
Literele simbolizează relațiile umane.
Instrumentele medicale sunt o amintire a bolilor și a fragilității corpului uman.
Portofele cu monede, cutii cu bijuterii - bijuteriile și produsele cosmetice sunt menite să creeze frumusețe, atractivitate feminină, în același timp sunt asociate cu vanitatea, narcisismul și păcatul mortal al aroganței. Ele semnalează și absența proprietarilor lor pe pânză.
Armele și armura sunt un simbol al puterii și puterii, o desemnare a ceea ce nu poate fi luat cu tine în mormânt.
Coroanele și tiarele papale, sceptrele și globurile, coroanele de frunze sunt semne ale dominației pământești trecătoare, care se opun ordinii mondiale cerești. Asemenea măștilor, ele simbolizează absența celor care le-au purtat.
Cheile - simbolizează puterea gospodinei care gestionează proviziile.
Ruine - simbolizează viata tranzitorie cei care le-au locuit cândva.
Naturile moarte descriu adesea insecte, păsări și animale. Muștele și păianjenii, de exemplu, erau considerate simboluri ale zgârceniei și răului, în timp ce șopârlele și șerpii erau simboluri ale înșelăciunii. Racii sau homarii reprezentau adversitate sau înțelepciune.
Jacques Andre Joseph Aved. Pe la 1670.
Cartea este tragedia lui Sofocle „Electra” - în acest caz, simbolul are mai multe valori. Așezându-l în compoziție, artistul amintește de inevitabilitatea răzbunării pentru fiecare crimă, nu pe pământ, ci în ceruri, întrucât tocmai acest gând este cel care pătrunde în tragedie. Motivul antic din astfel de naturi moarte simbolizează adesea continuitatea artei. Pe Pagina titlu stă numele traducătorului, celebrul poet olandez Joost van den Vondel, ale cărui lucrări despre vechi și povestiri biblice erau atât de actuale încât a fost chiar persecutat. Este puțin probabil ca artistul să-l plaseze pe Vondel din întâmplare - este posibil ca, vorbind despre vanitatea lumii, să fi decis să menționeze vanitatea puterii.
Sabia și casca sunt emblema gloriei militare trecătoare.
Penul alb și roșu este centrul compozițional al imaginii. Penele înseamnă întotdeauna vanitate și vanitate. Pictura este datată pe baza coifului cu pene. Lodewijk van der Helst l-a înfățișat purtând o astfel de cască în portretul său postum al amiralului Stirlingwerf în 1670. Coiful amiralului este prezent în mai multe naturi moarte ale lui van Streck.
Portretul unui sanguinic. Spre deosebire de ulei, sangvinul este foarte prost conservat, la fel ca hârtia în contrast cu pânza. Această foaie vorbește despre inutilitatea eforturilor artistului;
Franjuri aurii sunt vanitatea luxului.
Craniu - în cultura antica atributul lui Kronos (Saturn), adică un simbol al timpului. Roata Norocului a fost de asemenea înfățișată cu un craniu. Pentru creștini, este un semn al deșertăciunii lumești, contemplarea mentală a morții, un atribut al vieții unui pustnic. Cu el au fost înfățișați Sfântul Francisc de Assisi, Sfântul Ieronim, Maria Magdalena și Apostolul Pavel. Craniul este, de asemenea, un simbol viata eterna Hristos răstignit pe Golgota, unde, conform legendei, a fost îngropat craniul lui Adam. Urechea înfășurată în jurul craniului este un simbol al nemuririi sufletului („Eu sunt pâinea vieții” – Ioan 6:48), speranță pentru viața veșnică.
Un teanc de hârtii vechi este vanitatea cunoașterii.
Un corn de pulbere pe un lanț este un subiect foarte caracteristic naturii moarte olandeze. Aici, aparent, ar trebui interpretat ca ceva care aduce moartea, spre deosebire de cornul abundentei
Adrian van Utrecht."Vanitas". 1642.
lacramioare, violete, nu-mă-uita înconjurate de trandafiri, garoafe, anemone - simboluri ale modestiei și purității;
o floare mare în centrul compoziției este „coroana virtuții”;
petalele sfărâmate lângă vază sunt semne de fragilitate;
o floare ofilită este un indiciu al dispariției sentimentelor;
irisii sunt un semn al Fecioarei Maria;
Trandafir alb - dragoste platonicăși un simbol al purității;
trandafirii rosii sunt un simbol al iubirii pasionale si un simbol al Fecioarei Maria;
florile roșii sunt un simbol al jertfei ispășitoare a lui Hristos;
Crinul alb nu este doar o floare frumoasă, ci și un simbol al purității Fecioarei Maria;
albastru și flori albastre– o amintire a azurului ceresc;
ciulinul este un simbol al răului;
garoafa - un simbol al sângelui vărsat al lui Hristos;
macul - o alegorie a somnului, a uitării, un simbol al unuia dintre păcatele capitale - lenea;
anemonă - ajută la boală;
lalele - un simbol al frumuseții care dispare rapid creșterea acestor flori a fost considerată una dintre cele mai zadarnice și zadarnice; lalea a simbolizat și dragostea, simpatia, înțelegerea reciprocă o lalea albă - dragoste falsă, o lalea roșie - dragoste pasională (în Europa și America, lalea este asociată cu primăvara, lumina, viața, culorile și este considerată o floare confortabilă, primitoare; ; în Iran, Turcia și alte țări din Orient, lalea asociată cu sentimente de dragoste și erotism).
