Artiștii ruși de la începutul secolului al XIX-lea. Mari artiști străini

Pictura rusă mai întâi jumătatea anului XIX secol.

Pentru rusă Arte vizuale s-au caracterizat prin romantism și realism. Cu toate acestea, metoda recunoscută oficial a fost clasicismul. Academia de Arte a devenit o instituție conservatoare și inertă care a împiedicat orice încercare de libertate creativă. Ea a cerut să respecte cu strictețe canoanele clasicismului, a încurajat scrierea de picturi pe subiecte biblice și mitologice. Tinerii artiști ruși talentați nu au fost mulțumiți de cadrul academicismului. Prin urmare, au apelat adesea la genul portretului.

întruchipată în pictură idealuri romantice era ascensiunii naţionale. Respingând principiile stricte ale clasicismului care nu permiteau abateri, artiștii au descoperit diversitatea și originalitatea lumii din jurul lor. Acest lucru nu s-a reflectat doar în genurile deja familiare - portret și peisaj - ci a dat și impuls nașterii picturii de zi cu zi, care a devenit centrul atenției maeștrilor celei de-a doua jumătate a secolului. Deocamdată, campionatul rămâne genul istoric. A fost ultimul refugiu al clasicismului, însă, chiar și aici, în spatele „fațadei” formal clasiciste. idei romanticeși teme.

Romantism - (romantism francez), ideologic și direcție artisticăîn cultura spirituală europeană și americană de la sfârșitul etajului 18 - etajul 1. secolele al XIX-lea Reflectând dezamăgirea în rezultate Revolutia Franceza sfârșitul secolului al XVIII-lea, în ideologia iluminismului și a progresului social. Romantismul a pus în contrast utilitarismul și nivelarea individului cu aspirația pentru libertate nelimitată și „infinit”, setea de perfecțiune și reînnoire, patosul independenței personale și civile. Discordia dureroasă dintre ideal și realitatea socială stă la baza viziunii romantice asupra lumii și a artei. Afirmarea valorii inerente a vieții spirituale și creative a individului, imaginea pasiunilor puternice, imaginea pasiunilor puternice, natura spiritualizată și vindecătoare, pentru mulți romantici - eroii de protest sau de luptă sunt adiacente motivelor „lumii”. întristare”, „răul lumii”, latura „noaptei” a sufletului, îmbrăcat în forme de ironie, poetică grotescă a două lumi. Interes pentru trecutul național (adesea - idealizarea acestuia), tradițiile folclorului și culturii proprii și ale altor popoare, dorința de a crea tablou universal lume (în primul rând istorie și literatură), ideea unei sinteze a artelor și-a găsit expresie în ideologia și practica romantismului.

În artele vizuale, romantismul s-a manifestat cel mai clar în pictură și grafică, mai puțin clar în sculptură și arhitectură (de exemplu, fals gotic). Majoritatea școlilor naționale de romantism în artele vizuale s-au dezvoltat în lupta împotriva clasicismului academic oficial.

În măruntaiele culturii oficiale de stat se remarcă un strat de cultură „elitist”, care servește clasa conducătoare (aristocrația și curtea regală) și are o susceptibilitate deosebită la inovațiile străine. Este suficient să ne amintim pictura romantică a lui O. Kiprensky, V. Tropinin, K. Bryullov, A. Ivanov și alți mari artiștii din secolul al XIX-lea V.

Kiprensky Orest Adamovich, artist rus. Un maestru remarcabil al artei plastice rusești a romantismului, cunoscut ca un minunat portretist. În pictura „Dmitri Donskoy pe câmpul Kulikovo” (1805, Muzeul Rus) a demonstrat o cunoaștere încrezătoare a canoanelor tabloului istoric academic. Dar de la început, zona în care talentul său se dezvăluie cel mai natural și natural este portretul. Primul său portret pictural („A. K. Schwalbe”, 1804, ibid.), scris în maniera „rembrandtiană”, se remarcă prin sistemul său expresiv și dramatic de lumini și umbre. De-a lungul anilor, priceperea sa - manifestată prin capacitatea de a crea, în primul rând, imagini individuale-caracteristice unice, alegând mijloace plastice speciale pentru a pune în evidență această caracteristică - se întărește. Plin de o vitalitate impresionantă: un portret al unui băiat de A. A. Chelishchev (circa 1810-11), imagini pereche ale soților F. V. și E. P. Rostopchin (1809) și V. S. și D. N. Khvostov (1814, toate - Galeria Tretiakov). Artistul se joacă din ce în ce mai mult cu posibilitățile de culoare și contraste de lumini și umbre, fundal peisaj, detalii simbolice („E. S. Avdulina”, despre 1822, ibid.). Artistul știe să realizeze liric chiar și portrete ceremoniale mari, aproape intim relaxate („Portretul vieții husari colonel Yevgraf Davydov”, 1809, Muzeul Rus). Portretul său al tânărului A. S. Pușkin, acoperit de glorie poetică, este unul dintre cele mai bune în crearea unei imagini romantice. Pușkinul lui Kiprensky arată solemn și romantic, într-un halou de glorie poetică. „Mă flatezi, Oreste”, a oftat Pușkin, privind pânza terminată. Kiprensky a fost, de asemenea, un desenator virtuoz, care a creat (în principal în tehnica creionului italian și a pastelului) exemple de pricepere grafică, depășindu-și adesea portretele picturale cu o emoție deschisă, captivantă de ușoară. Acestea sunt tipuri de zi cu zi („Muzicianul orb”, 1809, Muzeul Rus; „Kalmychka Bayausta”, 1813, Galeria Tretiakov) și celebra serie de portrete în creion ale participanților la Războiul Patriotic din 1812 (desene care îl înfățișează pe E. I. Chaplits, A. R. Tomilova) , P. A. Olenina, același desen cu poetul Batiușkov și alții, 1813-15, Galeria Tretiakov și alte colecții); începutul eroic capătă aici o conotaţie sinceră. Un număr mare de schițe și dovezi textuale arată că artistul de-a lungul perioadei sale de maturitate a avut tendința de a crea un mare (în propriile sale cuvinte dintr-o scrisoare către A. N. Olenin în 1834), „spectaculos, sau, în rusă, ca să spunem, puternic și puternic. imagine magică”, unde în formă alegorică rezultă rezultate ale istoria europeană, precum și scopul Rusiei. „Cititorii de ziare din Napoli” (1831, Galeria Tretiakov) - în aparență doar un portret de grup - de fapt, există un răspuns simbolic secret la evenimente revolutionare in Europa.

Totuși, cele mai ambițioase dintre alegoriile picturale ale lui Kiprensky au rămas neîmplinite sau au dispărut (precum Mormântul lui Anacreon, finalizat în 1821). Aceste căutări romantice au primit însă o continuare pe scară largă în lucrările lui K. P. Bryullov și A. A. Ivanov.

manieră realistă reflecta lucrările lui V.A. Tropinină. Portretele timpurii ale lui Tropinin, pictate în culori restrânse (portretele de familie ale conților Morkovs din 1813 și 1815, ambele în Galeria Tretiakov), aparțin încă în totalitate tradiției Epocii Luminilor: modelul este centrul necondiționat și stabil al imaginii în lor. Mai târziu, colorarea picturii lui Tropinin devine mai intensă, volumele sunt de obicei modelate mai clar și mai sculptural, dar cel mai important, un sentiment pur romantic al elementelor în mișcare ale vieții crește insinuator, doar o parte din care eroul portretului pare să fie. fie un fragment („Bulahov”, 1823; „K.G. Ravich”, 1823; autoportret, circa 1824; toate trei - ibid.). Așa este A. S. Pușkin în celebrul portret din 1827 (Muzeul întreg rusesc al lui A. S. Pușkin, Pușkin): poetul, punând mâna pe un teanc de hârtie, de parcă „ar asculta muza”, ascultă visul creator care înconjoară halou invizibil al imaginii. De asemenea, a pictat un portret al lui A. S. Pușkin. Înainte ca privitorul să pară înțelept experienta de viata, Nu e bun om fericit. În portretul lui Tropinin, poetul este fermecător într-un mod familiar. O oarecare căldură și confort special vechi de Moscova emană din lucrările lui Tropinin. Până la 47 de ani, a fost în robie. Prin urmare, probabil, chipurile oamenilor obișnuiți sunt atât de proaspete, atât de inspirate de pânzele sale. Iar tinerețea și farmecul lui „Dantelărie” sunt nesfârșite. Cel mai adesea, V. A. Tropinin s-a îndreptat către imaginea oamenilor din popor („Dântelarul”, „Portretul unui fiu” etc.).

artistice şi căutare ideologică Gândirea socială rusă, așteptarea schimbării s-a reflectat în picturile lui K.P. Bryullov „Ultima zi a Pompeii” și A. A. Ivanov „Apariția lui Hristos către oameni”.

O mare operă de artă este pictura „Ultima zi a Pompeii” de Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852). În 1830, artistul rus Karl Pavlovich Bryullov a vizitat săpăturile orașului antic Pompei. S-a plimbat de-a lungul trotuarelor antice, a admirat frescele, iar acea noapte tragică din august 79 d.Hr. a apărut în imaginația lui. e., când orașul era acoperit cu cenușă roșie și piatră ponce a Vezuviului trezit. Trei ani mai târziu, tabloul „Ultima zi a Pompeii” a făcut o călătorie triumfală din Italia în Rusia. Artistul a găsit culori uimitoare pentru a înfățișa tragedia orașului antic, murind sub lavă și cenușa erupției Vezuviului. Imaginea este impregnată de idealuri umaniste înalte. Arată curajul oamenilor, abnegația lor, demonstrată în timpul unei catastrofe groaznice. Bryullov a fost în Italia într-o călătorie de afaceri de la Academia de Arte. În această instituție de învățământ, pregătirea în tehnica picturii și desenului era bine înființată. Cu toate acestea, Academia sa concentrat fără echivoc asupra moștenirii antice și a temelor eroice. Pictura academică s-a caracterizat printr-un peisaj decorativ, teatralitatea compoziției generale. Scene din viața modernă, un peisaj rusesc obișnuit au fost considerate nedemne de pensula artistului. Clasicismul în pictură a fost numit academism. Bryullov a fost asociat cu Academia cu toată munca sa.

Avea o imaginație puternică ochi agerși cu o mână credincioasă – și a dat naștere unor creații vii, în concordanță cu canoanele academismului. Cu adevărat cu grația lui Pușkin, el a reușit să surprindă pe pânză frumusețea celui gol corpul uman, și tremurul unei raze de soare pe o frunză verde. Capodoperele care nu se estompează ale picturii ruse vor rămâne pentru totdeauna pânzele sale „Călărețul”, „Batșeba”, „Dimineața italiană”, „Amiaza italiană”, numeroase fronturi și portrete intime. Cu toate acestea, artistul a gravitat întotdeauna către teme istorice mari, spre reprezentarea unor evenimente semnificative. istoria oamenilor. Multe dintre planurile sale în acest sens nu au fost puse în aplicare. Bryullov nu a părăsit niciodată ideea de a crea o pânză epică bazată pe un complot din istoria Rusiei. Începe pictura „Asediul Pskovului de către trupele regelui Ștefan Batory”. Ea descrie punctul culminant al asediului din 1581, când războinicii din Pskov și. orășenii i-au atacat pe polonezii care au pătruns în oraș și i-au aruncat în spatele zidurilor. Dar imaginea a rămas neterminată, iar sarcina de a crea cu adevărat națională picturi istorice a fost realizat nu de Bryullov, ci generație următoare artiști ruși. La aceeași vârstă cu Pușkin, Bryullov i-a supraviețuit cu 15 ani. A fost bolnav în ultimii ani. Dintr-un autoportret pictat la acea vreme, se uită la noi un bărbat roșcat cu trăsături delicate și o privire calmă, gânditoare.

În prima jumătate a secolului al XIX-lea. a trăit și a lucrat artistul Alexander Andreevici Ivanov (1806-1858). Toate ale mele viata creativa s-a dedicat ideii trezirii spirituale a poporului, întruchipând-o în pictura „Apariția lui Hristos către popor”. Mai bine de 20 de ani a lucrat la tabloul „Arătarea lui Hristos către popor”, în care a pus toată puterea și strălucirea talentului său. În prim-planul pânzei sale grandioase, atrage atenția figura curajoasă a lui Ioan Botezătorul, arătând oamenii spre Hristos care se apropie. Figura lui este dată în depărtare. Încă nu a venit, vine, cu siguranță va veni, spune artistul. Iar chipurile și sufletele celor care îl așteaptă pe Mântuitorul se luminează, se curăță. În această poză, el a arătat, după cum a spus mai târziu I. E. Repin, „un popor asuprit, însetat de cuvântul libertății”.

În prima jumătate a secolului al XIX-lea. Pictura rusă include intriga de zi cu zi.

Alexei Gavrilovici Venetsianov (1780-1847) a fost unul dintre primii care i s-au adresat. Și-a dedicat munca înfățișării vieții țăranilor. El arată această viață într-o formă idealizată, înfrumusețată, aducând un omagiu sentimentalismului la modă de atunci. Cu toate acestea, picturile lui Venetsianov „Ara”, „La recoltă. Vara”, „Pe teren arabil. Primăvara”, „Femeia țărană cu flori de colț”, „Zakharka”, „Dimineața proprietarului”, care reflectă frumusețea și noblețea oamenilor obișnuiți, au servit la afirmarea demnității unei persoane, indiferent de statutul său social.

Tradițiile sale au fost continuate de Pavel Andreevici Fedotov (1815-1852). Pânzele sale sunt realiste, pline de conținut satiric, expunând moralitatea mercenară, viața și obiceiurile elitei societății ("Major's Matchmaking", " cavaler proaspăt" si etc.). Și-a început cariera ca artist satiric ca ofițer de gardă. Apoi a făcut schițe amuzante și răutăcioase ale vieții armatei. În 1848, pictura sa „The Fresh Cavalier” a fost prezentată la o expoziție academică. A fost o batjocură îndrăzneață nu numai a birocrației stupide, mulțumită de sine, ci și a tradițiilor academice. Roba murdară, pe care personajul principal al imaginii l-a îmbrăcat, semăna foarte mult cu o togă antică. Bryullov a stat mult timp în fața pânzei, apoi i-a spus autorului jumătate în glumă pe jumătate serios: „Felicitări, m-ați învins”. Alte tablouri ale lui Fedotov („Micul dejun al unui aristocrat”, „Matchmaking-ul maiorului”) sunt, de asemenea, de natură comică și satiric. Ultimele sale tablouri sunt foarte triste („Ancoră, mai multă ancoră!”, „Văduvă”). Contemporanii l-au comparat pe bună dreptate pe P. A. Fedotov în pictură cu N. V. Gogol în literatură. Expunerea plagilor Rusiei feudale este tema principală a lucrării lui Pavel Andreevich Fedotov.

Pictura rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea.

A doua jumătate a secolului al XIX-lea a fost marcată de înflorirea artelor plastice rusești. A devenit o artă cu adevărat mare, a fost pătrunsă de patos lupta de eliberare oameni, au răspuns la cerințele vieții și au invadat activ viața. Realismul a fost în cele din urmă stabilit în artele vizuale - o reflectare veridică și cuprinzătoare a vieții oamenilor, dorința de a reconstrui această viață pe baza egalității și justiției.

Întorsătura conștientă a noii picturi rusești către realismul democratic, naționalitate, modernitate a fost marcată la sfârșitul anilor 50, odată cu situația revoluționară din țară, cu maturitatea socială a intelectualității raznocintsy, cu iluminarea revoluționară a lui Cernîșevski, Dobrolyubov. , Saltykov-Șcedrin, cu poezia iubitoare de oameni a lui Nekrasov . În „Eseuri despre perioada Gogol” (în 1856), Cernîșevski a scris: „Dacă pictura se află acum, în general, într-o poziție destul de mizerabilă, motivul principalÎn plus, trebuie luată în considerare înstrăinarea acestei arte de aspirațiile moderne. Aceeași idee a fost citată în multe articole ale revistei Sovremennik.

Tema centrală a artei a fost oamenii, nu numai cei asupriți și suferinzi, ci și oamenii - creatorul istoriei, oamenii-luptător, creatorul a tot ce este mai bun în viață.

Afirmarea realismului în artă a avut loc într-o luptă încăpățânată cu direcția oficială, care a fost reprezentată de conducerea Academiei de Arte. Lucrătorii academiei și-au inspirat studenții cu ideea că arta este mai presus de viață, au propus doar teme biblice și mitologice pentru munca artiștilor.

Dar pictura începea deja să se alăture aspirațiilor moderne - în primul rând la Moscova. Școala din Moscova nu se bucura nici măcar de o zecime din privilegiile Academiei de Arte din Sankt Petersburg, dar era mai puțin dependentă de dogmele sale înrădăcinate, atmosfera din ea era mai animată. Deși profesorii de la școală sunt în mare parte academicieni, dar academicienii sunt secundari și vacilați, ei nu și-au suprimat autoritatea așa cum au făcut-o la Academia F. Bruni, pilonul vechii școli, care la un moment dat a concurat cu Bryullov cu pictura. „Șarpele de aramă”.

În 1862, Consiliul Academiei de Arte din Sankt Petersburg a decis egalizarea drepturilor tuturor genurilor, abolind primatul. pictura de istorie. Medalia de aur a fost acum acordată indiferent de tema imaginii, având în vedere doar meritele acesteia. Cu toate acestea, „libertățile” dintre zidurile academiei nu au durat mult.

În 1863, tinerii artiști care participau la un concurs academic au depus o petiție „pentru permisiunea de a alege liber subiecte pentru cei care doresc acest lucru, în plus față de tema dată”. Consiliul Academiei a refuzat. Ceea ce s-a întâmplat în continuare este numit în istoria artei ruse „răzvrătirea celor paisprezece”. Paisprezece elevi ai clasei de istorie nu au vrut să picteze pe tema propusă din mitologia scandinavă - „Sărbătoarea în Valgaal” și au depus, sfidător, o petiție - să părăsească academia. Aflându-se fără ateliere și fără bani, rebelii s-au unit într-un fel de comună - asemănătoare comunelor descrise de Cernîșevski în romanul „Ce este de făcut?” - Artelul Artiștilor, condus de pictorul Ivan Nikolaevici Kramskoy. Muncitorii Artel au primit comenzi pentru reprezentarea diferitelor opere de artă, locuiau în aceeași casă, s-au adunat într-o cameră comună pentru conversații, discuții despre picturi și citirea cărților.

Artel s-a despărțit șapte ani mai târziu. În acest moment, în anii 70, la inițiativa artistului Grigory Grigorievich Myasoedov, a apărut o asociație - Asociația Inserțiilor mobile artistice, o asociație profesională și comercială a artiștilor care se aflau pe poziții ideologice apropiate.

Asociația Rătăcitorilor, spre deosebire de multe dintre asociațiile de mai târziu, s-a făcut fără declarații și manifeste. Statutul său prevedea doar că membrii Asociației ar trebui să-și conducă singuri treburile materiale, nedepinzând de nimeni în acest sens, precum și să organizeze ei înșiși expoziții și să le ducă în diferite orașe („mută-le” prin Rusia) pentru a-i familiariza pe tara cu arta ruseasca . Ambele puncte au avut o importanță semnificativă, afirmând independența artei față de autorități și voința artiștilor de a comunica pe scară largă cu oamenii nu numai din capitală. rolul principalîn crearea Parteneriatului și dezvoltarea statutului său, pe lângă Kramskoy, i-a aparținut lui Myasoedov, Ge - din Petersburgi și din Moscoviți - lui Perov, Pryanishnikov, Savrasov.

„Rătăcitorii” au fost uniți în respingerea „academismului” prin mitologia sa, peisaje decorativeși teatrul pompos. Au vrut să reprezinte trăind viața. Locul principal în munca lor a fost ocupat de scenele de gen (de zi cu zi). Țărănimea s-a bucurat de o simpatie deosebită față de Rătăcitori. Ei i-au arătat nevoia, suferința, poziția asuprită. La acea vreme - în anii 60-70. Secolul al XIX-lea - latura ideologică a artei a fost apreciată mai sus decât estetica. Abia cu timpul artiștii și-au amintit valoarea inerentă a picturii.

Poate cel mai mare tribut adus ideologiei a fost oferit de Vasily Grigorievici Perov (1834-1882). Este suficient să ne amintim picturile sale precum „Sosirea ofițerului de poliție pentru anchetă”, „Bea ceai în Mytishchi”. Unele dintre lucrările lui Perov sunt impregnate de o tragedie autentică („Troica”, „Bătrâni părinți la mormântul fiului”). Perov a pictat o serie de portrete ale contemporanilor săi celebri (Ostrovski, Turgheniev, Dostoievski).

Câteva pânze ale „Rătăcitorilor”, pictate din viață sau sub impresia unor scene reale, ne-au îmbogățit ideile despre viața țărănească. Pictura de S. A. Korovin „Despre lume” arată o încăierare la o întâlnire rurală între un om bogat și un om sărac. V. M. Maksimov a captat furia, lacrimile și durerea diviziunii familiei. Festivitatea solemnă a muncii țărănești este reflectată în pictura lui G. G. Myasoedov „Cositoare”.

În opera lui Kramskoy, locul principal a fost ocupat de portrete. A pictat Goncharov, Saltykov-Shchedrin, Nekrasov. El deține unul dintre cele mai bune portrete ale lui Lev Tolstoi. Privirea scriitorului nu părăsește privitorul, din orice punct ar privi pânza. Una dintre cele mai puternice lucrări ale lui Kramskoy este pictura „Hristos în deșert”.

Prima expoziție a Rătăcitorilor, care a fost deschisă în 1871, a demonstrat în mod convingător existența unei noi direcții care luase contur de-a lungul anilor ’60. Pe ea erau doar 46 de exponate (spre deosebire de expozițiile voluminoase ale Academiei), dar selectate cu grijă și, deși expoziția nu era programatică în mod deliberat, programul general nescris se profila destul de clar. Au fost prezentate toate genurile - istoric, viața de zi cu zi, portrete peisagistice - iar publicul a putut judeca ce le-au adus „Rătăcitorii”. Doar sculptura a avut ghinion (a existat una, și chiar și atunci o sculptură puțin remarcabilă de F. Kamensky), dar acest tip de artă a fost „ghinionist” multă vreme, de fapt, toată a doua jumătate a secolului.

Până la începutul anilor '90, printre tinerii artiști ai școlii moscovite se numărau totuși cei care au continuat cu demnitate și seriozitate tradiția civică itinerantă: S. Ivanov cu seria sa de picturi despre imigranți, S. Korovin - autorul cărții pictura „Despre lume”, unde este interesant și ciocnirile dramatice (cu adevărat dramatice!) ale satului pre-reformei sunt dezvăluite cu grijă. Dar nu ei au dat tonul: se apropia Lumea Artei, care era la fel de departe de Rătăcitori și de Academie. Cum arăta Academia la acea vreme? Fostele ei atitudini artistice rigoriste au dispărut, nu mai insista asupra exigențelor stricte ale neoclasicismului, asupra notoriei ierarhii a genurilor, era destul de tolerantă cu genul de zi cu zi, prefera doar să fie „frumos” decât „muzhik” (un exemplu de lucrări non-academice „frumoase” - scene din viața antică a popularului de atunci S. Bakalovich). În cea mai mare parte, producția non-academică, așa cum a fost în alte țări, a fost de tip burghez-salon, „frumusețea” ei - frumusețe vulgară. Dar nu se poate spune că nu a prezentat talente: G. Semiradsky, menționat mai sus, a fost foarte talentat, V. Smirnov, care a murit devreme (care a reușit să creeze un impresionant imagine de ansamblu„Moartea lui Nero”); nu se poate nega anumite merite artistice ale picturii lui A. Svedomsky și V. Kotarbinsky. Despre acești artiști, considerându-i purtători ai „spiritului elen”, a vorbit aprobator în ai lui ani mai târziu Repin, l-au impresionat pe Vrubel, la fel ca Aivazovsky - tot un artist „academic”. Pe de altă parte, nimeni altul decât Semiradsky, în perioada de reorganizare a Academiei, s-a exprimat ferm în favoarea gen casnic, arătând spre Perov, Repin și V. Mayakovsky ca exemplu pozitiv. Deci au fost destule puncte de convergență între „Rătăcitori” și Academie, iar vicepreședintele de atunci al Academiei I. I. Tolstoi a înțeles acest lucru, din a cărui inițiativă au fost chemați să predea conducătorii „Rătăcitori”.

Dar principalul lucru care nu exclude complet rolul Academiei de Arte, în primul rând ca instituție de învățământ, în a doua jumătate a secolului este simplul fapt că mulți artiști remarcabili au ieșit din zidurile ei. Acesta este Repin, și Surikov, și Polenov și Vasnetsov, iar mai târziu - Serov și Vrubel. Mai mult, nu au repetat „răzcoala celor paisprezece” și, se pare, au beneficiat de ucenicia lor.

Respectul pentru desen, pentru forma constructivă construită, își are rădăcinile în arta rusă. Orientarea generală a culturii ruse către realism a devenit motivul popularității metodei Chistyakov - într-un fel sau altul, pictorii ruși până la și inclusiv Serov, Nesterov și Vrubel au onorat „legile eterne de nezdruncinat ale formei” și s-au ferit de „dematerializare”. „sau subjugarea elementului amorf colorat, oricât de mult iubeau culoarea.

Printre rătăcitorii invitați la Academie s-au numărat doi pictori de peisaj - Șișkin și Kuindzhi. Tocmai în acel moment, hegemonia peisajului a început în artă atât ca gen independent, unde domnea Levitan, cât și ca element egal al picturii cotidiene, istorice și parțial portretistice. Contrar previziunilor lui Stasov, care crede ca rolul peisajului va scadea, in anii 1990 a crescut ca niciodata. „Peisajul stării de spirit” liric a prevalat, conducându-și descendența de la Savrasov și Polenov.

Rătăcitorii au făcut descoperiri autentice în pictura peisajului. Alexei Kondratievich Savrasov (1830-1897) a fost capabil să arate frumusețea și lirismul subtil al unui peisaj rusesc simplu. Pictura sa „The Rooks Have Arrived” (1871) i-a făcut pe mulți contemporani să arunce o privire nouă asupra naturii lor native.

Fiodor Alexandrovici Vasiliev (1850-1873) a trăit o viață scurtă. Munca lui, întreruptă chiar de la început, s-a îmbogățit pictura internă aproape de peisaje dinamice, interesante. Artistul a avut succes mai ales în stările de tranziție din natură: de la soare la ploaie, de la calm la furtună.

Ivan Ivanovici Șișkin (1832-1898) a devenit cântărețul pădurii rusești, lățimea epică a naturii rusești. Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841-1910) a fost atras de jocul pitoresc de lumină și aer. Lumina misterioasă a lunii în nori rari, reflexele roșii ale zorilor pe pereții albi ai colibelor ucrainene, razele oblice ale dimineții care străpunge ceața și se joacă în bălți pe un drum plin de noroi - acestea și multe alte descoperiri pitorești sunt surprinse pe el. pânze.

Top rusesc peisagistică Secolul XIX a ajuns în opera elevului lui Savrasov Isaac Ilici Levitan (1860-1900). Levitan este un maestru al peisajelor calme, linistite.O persoana foarte timida, timida si vulnerabila, nu putea decat sa se relaxeze singur cu natura, impregnat de starea de spirit a peisajului pe care l-a iubit.

Odată a venit la Volga să picteze soarele, aerul și întinderile râului. Dar nu era soare, nori nesfârșiti se târau pe cer și ploile terne s-au oprit. Artistul a fost nervos până când a fost atras de această vreme și a descoperit farmecul deosebit al culorilor liliac ale vremii rea rusești. De atunci, Volga Superioară, orașul provincial Ples, a intrat ferm în activitatea sa. În acele părți, și-a creat lucrările „ploioase”: „După ploaie”, „Ziu mohorâtă”, „Deasupra păcii eterne”. Acolo au fost pictate și peisaje de seară liniștite: „Seara pe Volga”, „Seara. Golden reach”, „Sonn de seară”, „Locuință liniștită”.

În ultimii ani ai vieții, Levitan a atras atenția asupra operei artiștilor impresioniști francezi (E. Manet, C. Monet, C. Pizarro). Și-a dat seama că are multe în comun cu ei, că căutările lor creative mergeau în aceeași direcție. Ca ei, a preferat să lucreze nu în studio, ci în aer (în aer liber, după cum spun artiștii). Asemenea lor, a înseninat paleta, alungând culorile întunecate, pământii. Asemenea lor, a căutat să surprindă efemeritatea ființei, să transmită mișcările luminii și ale aerului. În aceasta au mers mai departe decât el, dar aproape au dizolvat forme tridimensionale (case, copaci) în fluxuri de aer ușor. A evitat-o.

„Picturile lui Levitan necesită o examinare lentă”, a scris un mare cunoscător al operei sale, K. G. Paustovsky, „Nu uimesc ochiul. Sunt modeste și precise, precum poveștile lui Cehov, dar cu cât le privești mai mult, cu atât devine mai dulce liniștea așezărilor provinciale, a râurilor familiare și a drumurilor de țară.

În a doua jumătate a secolului al XIX-lea. cont pentru înflorire creativă I. E. Repin, V. I. Surikov și V. A. Serov.

Ilya Efimovici Repin (1844-1930) s-a născut în orașul Chuguev, în familia unui colonist militar. A reușit să intre la Academia de Arte, unde P. P. Chistyakov i-a devenit profesor, care a crescut o întreagă galaxie de artiști celebri(V. I. Surikova, V. M. Vasnetsova, M. A. Vrubel, V. A. Serov). Repin a învățat multe și de la Kramskoy. În 1870, tânărul artist a călătorit de-a lungul Volgăi. Numeroase schițe aduse din călătorie, le-a folosit pentru pictura „Vălci de șlep pe Volga” (1872). Ea a produs impresie puternică catre public. Autorul a intrat imediat în rândurile celor mai faimoși maeștri.

Repin a fost un artist foarte versatil. Pensula lui aparține unui număr de picturi monumentale de gen. Poate că nu mai puțin impresionant decât „Barge halers” este făcut de „Procesiunea religioasă din provincia Kursk”. Cerul albastru strălucitor, norii de praf de drum străpunși de soare, strălucirea aurie a crucilor și a veșmintelor, poliția, oamenii de rând și schilozii - totul se potrivește pe această pânză: măreția, puterea, slăbiciunea și durerea Rusiei.

În multe dintre tablourile lui Repin au fost atinse teme revoluţionare („Refuzul mărturisirii”, „Nu au aşteptat”, „Arestarea propagandistului”). Revoluționarii din picturile sale sunt păstrați simplu și natural, evitând ipostaze și gesturi teatrale. În tabloul „Refuzul spovedaniei”, omul condamnat, ca intenționat, și-a ascuns mâinile în mâneci. Artistul a simpatizat în mod clar cu eroii picturilor sale.

O serie de picturi ale lui Repin sunt scrise pe teme istorice („Ivan cel Groaznic și fiul său Ivan”, „Cazacii compunând o scrisoare sultan turc" si etc.). Repin a creat o întreagă galerie de portrete. A pictat portrete ale - oamenilor de știință (Pirogov și Sechenov), - scriitorilor Tolstoi, Turgheniev și Garșin, - compozitorilor Glinka și Mussorgsky, - artiștilor Kramskoy și Surikov. La începutul secolului XX. a primit o comandă pentru tabloul „Marea Întâlnire Consiliul de Stat". Artistul a reușit nu doar să plaseze un număr atât de mare dintre cei prezenți pe pânză, ci și să ofere o descriere psihologică a multora dintre ele. Printre ei erau și așa figuri celebre, ca S. Yu. Witte, K. P. Pobedonostsev, P. P. Semenov Tyan-Shansky. Cu greu se observă în imagine, dar Nicolae al II-lea este scris foarte subtil.

Vasily Ivanovich Surikov (1848-1916) s-a născut la Krasnoyarsk, într-o familie de cazaci. Perioada de glorie a operei sale cade în anii 80, când a creat trei dintre cele mai faimoase picturi istorice ale sale: „Dimineața execuției Streltsy”, „Menșikov în Berezov” și „Boiar Morozova”.

Surikov cunoștea bine viața și obiceiurile epocilor trecute, știa să dea caracteristici psihologice vii. În plus, a fost un excelent colorist (colorist). Este suficient să ne amintim de zăpada proaspătă, strălucitoare, strălucitoare din tabloul „Boierul Morozova”. Dacă te apropii de pânză, zăpada, așa cum ar fi, „se prăbușește” în linii albastre, albastre, roz. Această tehnică de pictură, când două sau trei lovituri diferite se îmbină la distanță și dau culoarea dorită folosit pe scară largă de impresioniştii francezi.

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), fiul compozitorului, a pictat peisaje, pânze pe teme istorice și a lucrat ca artist de teatru. Dar faima i-a adus, mai presus de toate, portrete.

În 1887, Serov, în vârstă de 22 de ani, se afla în vacanță în Abramtsevo, dacha de lângă Moscova a filantropului S. I. Mamontov. Printre numeroșii săi copii, tânărul artist a fost bărbatul său, un participant la distracția lor. Odată, după cină, doi oameni au zăbovit accidental în sala de mese - Serov și Verusha Mamontova, în vârstă de 12 ani. Stăteau la o masă pe care erau lăsate piersici, iar în timpul conversației Verusha nu a observat cum artista a început să-și schițeze portretul. Munca a durat o lună, iar Verușa era supărată că Anton (cum era numit Serov acasă) o obliga să stea în sala de mese ore întregi.

La începutul lunii septembrie, Fata cu piersici s-a terminat. În ciuda dimensiunilor reduse, tabloul, pictat în tonuri de aur roz, părea foarte „spațios”. Era multă lumină și aer în ea. Fata, care s-a așezat la masă parcă un minut și și-a fixat privirea asupra privitorului, fermecată de claritate și spiritualitate. Și întreaga pânză a fost avântată cu o percepție pur copilărească a vieții de zi cu zi, când fericirea nu este conștientă de sine și o viață întreagă este în față.

Locuitorii casei „Abramtsevo” au înțeles, desigur, că un miracol s-a întâmplat sub ochii lor. Dar numai timpul dă estimări finale. A plasat „Fata cu piersici” printre cele mai bune lucrări de portret din arta rusă și mondială.

În anul următor, Serov a reușit aproape să-și repete magia. A pictat un portret al surorii sale Maria Simonovich („Fata luminată de soare”). Numele a rămas puțin inexact: fata stă la umbră, iar poiana din fundal este luminată de razele soarelui dimineții. Dar în imagine totul este atât de unit, atât de unit - dimineața, soarele, vara, tinerețea și frumusețea - încât este greu să ne gândim la un nume mai bun.

Serov a devenit un portretist la modă. Pozat în fața lui scriitori celebri, artiști, artiști, antreprenori, aristocrați, chiar și regi. Aparent, nu pentru toți cei pe care i-a scris, i-a stat sufletul. Unele portrete din înalta societate, cu o tehnică de filigran, s-au dovedit a fi reci.

Timp de câțiva ani, Serov a predat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova. Era un profesor exigent. Un adversar al formelor înghețate de pictură, Serov, în același timp, credea că căutările creative ar trebui să se bazeze pe o stăpânire solidă a tehnicii desenului și scrisului pictural. Mulți maeștri remarcabili se considerau studenți ai lui Serov. Acesta este M.S. Saryan, K.F. Yuon, P. V. Kuznetsov, K. S. Petrov-Vodkin.

Multe picturi de Repin, Surikov, Levitan, Serov, „Rătăcitori” au ajuns în colecția lui Tretiakov. Pavel Mihailovici Tretiakov (1832-1898), un reprezentant al unei vechi familii de negustori din Moscova, a fost o persoană neobișnuită. Subțire și înalt, cu o barbă stufoasă și o voce liniștită, părea mai degrabă un sfânt decât un negustor. A început să colecteze tablouri ale artiștilor ruși în 1856. Hobby-ul a devenit principala afacere a vieții sale. La începutul anilor 90. colecția a ajuns la nivelul unui muzeu, absorbind aproape întreaga avere a colecționarului. Mai târziu a devenit proprietatea Moscovei. Galeria Tretiakov a devenit o lume muzeu celebru Pictura, grafica si sculptura rusesti.

În 1898, la Sankt Petersburg, în Palatul Mihailovski (creația lui K. Rossi), a fost deschis Muzeul Rusiei. A primit lucrări ale artiștilor ruși de la Schit, Academia de Arte și unele palate imperiale. Deschiderea acestor două muzee, parcă, a încununat realizările picturii rusești din secolul al XIX-lea.

Prima jumătate a secolului al XIX-lea este o pagină strălucitoare în cultura Rusiei. Toate direcțiile - literatura, arhitectura, pictura din această epocă sunt marcate de o întreagă constelație de nume care au adus faima mondială artei ruse.
s-a dezvoltat pe fundalul unei culturi în continuă creștere identitate nationala poporul rus și în acest sens a avut o pronunțată caracter national. Războiul Patriotic din 1812 a avut un impact semnificativ asupra literaturii, teatrului, muzicii și artelor plastice, ceea ce a accelerat creșterea conștiinței naționale de sine a poporului rus și consolidarea acesteia într-un grad fără precedent.

Clasicism

La începutul secolului al XIX-lea, clasicismul a jucat un rol important în pictura rusă.
Una dintre lucrările celebre ale începutului de secol pe o temă istorică este pictura lui Dmitri Ivanovici Ivanov (1782 - după 1810) „Marfa Posadnitsa”, scrisă în 1808. Artistul se referă la istoria Rusiei antice, perioada de luptă a principatului Novgorod cu principatul în creștere a Moscovei.
Tabloul îl înfățișează pe Miroslav, care se pregătește să-i conducă pe novgorodieni să lupte împotriva Moscovei și acceptă sabia lui Ratmir de la pustnicului Teodosie Borețki. Miroslava a fost adusă la pustnic de fiica lui Teodosie, Marta, care conduce opoziția din Novgorod. Atât natura intrigii, cât și limbaj artistic tablouri.

Romantism

El a adus noutate de vederi la arta rusă Romantismul este o mișcare europeană care s-a dezvoltat la începutul secolelor al XVIII-lea și al XIX-lea. Cu o modă pentru ruine, sacramente francmasonice, romante cavalereşti iar romanțele au legat dezvoltarea romantismului în pictura rusă.
În Rusia, romantismul și-a dobândit propria sa particularitate: la începutul secolului, a avut o colorare eroică, iar în anii reacției de la Nikolaev, una tragică. În același timp, romantismul în Rusia a fost întotdeauna o formă de gândire artistică, apropiată în spirit de stările de spirit revoluționare și iubitoare de libertate.

Portretele lui Orest Kiprensky

Romantismul s-a manifestat cel mai clar în arta portretului. Un portret romantic afirmă o individualitate unică lumea spirituală o persoană, se distinge prin imediatitatea expresiei, acuratețea și claritatea caracteristicilor fizionomice, emoționalitatea vie.
Cel mai important pictor portretist din prima treime a secolului al XIX-lea. a fost Orest Adamovich Kiprensky (1782-1836). Deja în 1804, el a creat una dintre cele mai interesante lucrări ale sale - un portret al tatălui său vitreg - Adam Schwalbe.
În opera lui Kiprensky, s-a format un tip deosebit de portret de cameră, dezvăluind viața spirituală a unei persoane cu o adâncime pătrunzătoare. Majoritatea eroilor lui Kiprensky sunt purtători de cea mai înaltă bunătate, principii morale și umaniste înalte.

Alexei Gavrilovici Venetsianov

Alexey Gavrilovici Venetsianov (1780-1847), studentul preferat al lui Borovikovsky, a fost un pictor remarcabil, creatorul unei tendințe național-romantice deosebite în pictura rusă. Venetsianov a creat un stil unic, combinând în lucrările sale tradițiile academicismului capitalei, romantismului rus. începutul XIX V. şi idealizarea vieţii ţărăneşti. A devenit strămoșul genului rusesc de uz casnic.

Alexander Osipovich Orlovsky

Un alt reprezentant celebru al picturii ruse la începutul secolului este Alexander Osipovich Orlovsky (1777-1832). În opera lui Orlovsky, precum și în Kiprensky, tendințele romantice au fost exprimate clar. Artistul a fost interesat de liber, oameni puternici, caracteristicile naționale ale diferitelor naționalități. În picturile sale, Orlovsky a descris uneori scene caracteristice, emoționante. Imaginea romantică preferată a artistului este un bărbat pe cal. Călăreți și scene ecvestre într-un peisaj emoționant sunt prezente în multe dintre operele sale de artă.

Vasili Andreevici Tropinin

Renumitul portretist rus Vasily Andreevici Tropinin (1776-1857) și-a continuat activitate creativă mai bine de o jumătate de secol, cea mai mare parte a vieții sale rămânând iobag. Cei mai buni ani Opera artistului a coincis în timp cu perioada de glorie a talentului lui Kiprensky. Ambii artiști au fost apropiați în dorința lor de simplitate și ușurință a imaginii unei persoane. Cu toate acestea, personajele lui Tropinin sunt mai cotidiene și mai simple, ceea ce indică faptul că artistul a urmat noile tendințe caracteristice acelei vremuri spre democratizarea artei.
Până la 47 de ani, a fost în robie. Prin urmare, probabil, chipurile oamenilor obișnuiți sunt atât de proaspete, atât de inspirate de pânzele sale. Iar tinerețea și farmecul lui „Dantelărie” sunt nesfârșite.

Una dintre cele mai faimoase și portrete realiste A.S. Pușkin, este un portret pictat de V. Tropinin în 1827.
Hainele poetului sunt foarte simbolice: artistul l-a înfățișat într-un halat largi, aruncat peste o cămașă albă cu guler răsturnat. O eșarfă de mătase și părul ușor dezordonat completează aspectul. Adevăratul Byron rus în halat! Nu degeaba Tropinin a ales această ținută specială pentru imaginea lui Pușkin: ca nimeni altul, transmite cu acuratețe trăsăturile principale ale caracterului poetului, dragostea lui pentru libertate și liberă gândire.
Portretul îl arată nu pe poet Pușkin, ci pe omul Pușkin. Întreaga sa postură vorbește despre energia lui ireprimabilă, poate părea că într-o clipă, se va ridica și va pleca.
Artistul a reușit să transmită cu măiestrie prin portret spiritualitatea și bogata lume interioară a lui Alexander Sergeevich, datorită cărora imaginea rezultată evocă admirația și dragostea publicului.

Karl Pavlovici Bryullov

Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852) a fost unul dintre cei mai străluciți și, în același timp, controversați artiști din pictura rusă a secolului al XIX-lea. Bryullov avea un talent strălucitor și un mod independent de a gândi. În ciuda tendințelor vremurilor (influența romantismului), artistul nu a putut scăpa complet de canoanele clasice. Poate de aceea munca sa a fost foarte apreciată de departe de avansată Academia de Arte din Sankt Petersburg: în tinerețe a fost studentul ei, iar mai târziu a devenit un profesor onorat.

Căutările artistice și ideologice ale gândirii sociale rusești, așteptarea schimbărilor, s-au reflectat în tabloul lui K.P. Bryullov „Ultima zi a Pompeii”.
În 1830, Bryullov a vizitat săpăturile orașului antic Pompei. S-a plimbat de-a lungul trotuarelor antice, a admirat frescele, iar acea noapte tragică din august 79 d.Hr. a apărut în imaginația lui. e., când orașul era acoperit cu cenușă roșie și piatră ponce a Vezuviului trezit. Trei ani mai târziu, tabloul „Ultima zi a Pompeii” a făcut o călătorie triumfală din Italia în Rusia.

Alexandru Andreevici Ivanov

În prima jumătate a secolului al XIX-lea. a trăit și a lucrat artistul Alexander Andreevici Ivanov (1806-1858). Și-a dedicat întreaga viață creatoare ideii de trezire spirituală a oamenilor, întruchipând-o în tabloul „Apariția lui Hristos în popor”. Mai bine de 20 de ani a lucrat la acest tablou, în care a pus toată puterea și strălucirea talentului său. În prim-planul pânzei sale grandioase, atrage atenția figura curajoasă a lui Ioan Botezătorul, arătând oamenii spre Hristos care se apropie. Figura lui este dată în depărtare. Încă nu a venit, vine, cu siguranță va veni, spune artistul. Iar chipurile și sufletele celor care îl așteaptă pe Mântuitorul se luminează, se curăță. În această poză, el a arătat, după cum a spus mai târziu I. E. Repin, „un popor asuprit, însetat de cuvântul libertății”.

Pavel Andreevici Fedotov

Numele lui Pavel Andreevich Fedotov (1815-1852) este asociat cu o etapă importantă în formarea picturii realiste rusești din secolul al XIX-lea. Fedotov poseda puteri ascuțite de observație, percepea cu sensibilitate deficiențele sistemului social. Posedând talentul unui satiric, artistul pentru prima dată în pictura rusă a oferit genului de zi cu zi o expresie socială, critică. În picturile sale, pictorul arăta viața orășenilor: printre personajele operelor sale se numărau negustori, ofițeri, funcționari și săraci. Fedotov mare importanță atașat de observațiile vieții din jurul lui, a făcut o mulțime de schițe din natură. Adesea, acțiunile picturilor sale sunt construite pe un conflict, unde sunt date caracteristicile sociale ale oamenilor.
În centrul scenariului pentru tabloul „Major’s Matchmaking” este o căsătorie obișnuită de conveniență între fiica unui comerciant bogat și un nobil maior ruinat. La acea vreme, astfel de tranzacții erau obișnuite: unii căutau să obțină bani, în timp ce alții căutau să obțină titluri în societate, iar familia pur și simplu avea nevoie să supraviețuiască, falimentul era un colaps inevitabil.

În 1848, pictura sa „The Fresh Cavalier” a fost prezentată la o expoziție academică. Tabloul înfățișează un funcționar căruia, cu o zi înainte, i-a fost înmânat primul său premiu - un ordin - și acum, în visele sale, urcă deja pe scara carierei până în vârf, prezentându-se fie ca primar, fie ca guvernator.
A fost o batjocură îndrăzneață nu numai a birocrației stupide, mulțumită de sine, ci și a tradițiilor academice. Roba murdară, pe care personajul principal al imaginii l-a îmbrăcat, semăna foarte mult cu o togă antică. Bryullov a stat mult timp în fața pânzei, apoi i-a spus autorului jumătate în glumă pe jumătate serios: „Felicitări, m-ați învins”.

În ciuda diversității indivizilor creativi și a diferenței de sarcini artistice specifice, tendința generală în pictura rusă din prima jumătate a secolului al XIX-lea a fost de a aduce toate genurile de artă mai aproape de viață. Această tendință s-a reflectat în apelul majorității artiștilor la subiectele și problemele contemporane, în atenție la lumea interioară a unei persoane, la experiențele artistului însuși. De aceea, cunoașterea operei maeștrilor primei jumătate a secolului al XIX-lea evocă privitorului un simț viu al epocii, dă o idee despre gândurile și sentimentele societății ruse.

Tendințele picturii din secolul al XIX-lea sunt strâns legate de tendințele secolului precedent. La începutul secolului, direcția de conducere în multe țări era. Originar din secolul al XVIII-lea, acest stil a continuat să se dezvolte, în plus, în tari diferite dezvoltarea sa a fost individuală.

Clasicism

Artiștii care au lucrat în această direcție apelează din nou la imaginile antichității. Cu toate acestea, prin subiecte clasice ei încearcă să exprime sentimente revoluționare - dorința de libertate, patriotism, armonie între om și societate. Un reprezentant proeminent al clasicismului revoluționar a fost artistul Louis David. Adevărat, de-a lungul timpului, clasicismul a crescut într-o direcție conservatoare, care a fost susținută de stat, ceea ce înseamnă că a devenit fără chip, alunecat de cenzură.

O înflorire deosebit de strălucitoare a picturii în secolul al XIX-lea a fost observată în Rusia. În acest moment, aici s-au format multe stiluri și tendințe noi. Analogul clasicismului în Rusia a fost academismul. Acest stil avea trăsăturile stilului clasic european - un apel la imaginile antichității, teme sublime, idealizarea imaginilor.

Romantism

Aceasta este o tendință încăpătoare, reflectată în arta multor țări. Sensul său este exaltarea luptei revoluționare, crearea de noi canoane de frumusețe, pictarea tablourilor nu numai cu pensula, ci și cu inima. Emoționalitatea este aici în prim-plan. Romantismul se caracterizează prin introducerea imaginilor alegorice într-un complot foarte real, un joc abil de clarobscur. Reprezentanții acestei tendințe au fost Francisco Goya, Eugene Delacroix, Rousseau. În Rusia, lucrările lui Karl Bryullov sunt clasificate drept romantism.

Realism

Un fenomen interesant al secolului al XIX-lea a fost Școala de artiști din Barbizon. Acest termen a unit mai mulți maeștri francezi care și-au dezvoltat propriul stil diferit. Dacă în direcţiile clasicismului şi romantismului naturii căi diferite idealizat, atunci soții Barbizoni au căutat să înfățișeze peisaje din natură. În imaginile lor - imagini natură nativă, și oameni obișnuiți pe acest fundal. Cei mai cunoscuți artiști Barbizon sunt Theodore Rousseau, Jules Despres, Vergil la Peña, Jean-Francois Millet, Charles Daubigny.

Jean Francois Millet

Creativitatea Barbizonilor a influențat dezvoltare ulterioară pictura secolului al XIX-lea. În primul rând, artiștii acestui trend au adepți în mai multe țări, inclusiv în Rusia. În al doilea rând, barbizonienii au dat impuls apariției impresionismului. Au fost primii care au pictat în aer liber. În viitor, tradiția înfățișării peisajelor reale a fost preluată de impresioniști.

A devenit etapa finală a picturii secolului al XIX-lea și a căzut în ultima treime a secolului. Artiștii impresioniști au abordat și mai revoluționar reprezentarea realității. Ei au căutat să transmită nu natura însăși și nu imagini în detaliu, ci impresia pe care o produce cutare sau cutare fenomen.

Impresionismul a reprezentat o descoperire în istoria picturii. Această perioadă a oferit lumii multe tehnici noi și opere de artă unice.

Călăreață, 1832

„Fata culegând struguri” 1827

„Portretul contesei Iulia Samoilova cu fiica ei adoptivă”

„Moartea Inessei de Castro” 1834

Portretul lui M. A. Beck cu fiica sa, 1840

Erminia la ciobani

Portretul copiilor Volkonsky cu un rap, 1843

Portretul contesei Iulia Pavlovna Samoilova cu o elevă și o femeie de culoare, 1832-1834

Portretul contesei O. I. Orlova-Davydova cu fiica ei, 1834

Portretul Teresa Michele Tittoni cu fiii ei, 1850-1852

Venetsianov Alexey Gavrilovici- pictor rus de origine greacă, unul dintre fondatorii genului de zi cu zi în pictura rusă.
Dintr-o familie de negustori din regiunea Tver. Născut la Moscova la 7 februarie 1780.
Slujind în tinerețe ca funcționar, a fost forțat să studieze arta în mare parte pe cont propriu, copiend picturile Schitului. În 1807-1811. a luat lecții de pictură de la V. L. Borovikovsky.
Este considerat fondatorul desenelor animate tipărite rusești. În timpul Războiului Patriotic din 1812, împreună cu I. I. Terebenev, a realizat o serie de tablouri propagandistice și satirice pe temele rezistenței populare la invadatorii francezi.
Din 1811 Venetsianov - membru de onoare Academia de Arte.
Retras în 1819, A. G. Venetsianov s-a stabilit în sat. Safonovka, districtul Vyshnevolotsky, provincia Tver, unde a început să scrie picturi de gen din viata rurala de natura idilica.
În satul său a întemeiat scoala de Arteîn care au primit pregătire peste 70 de pictori. Venetsianov, împreună cu Jukovski V. A. și Bryullov K. P., au contribuit la eliberarea lui Shevchenko T. G. din iobăgie. ()

Zaharka, 1825

Iată acestea și cina lui Batkin, 1824

Portretul lui A. A. Venetsianova, fiica artistului, 1825-1826

Păstor adormit, 1823-182

Copii țărani la câmp, anii 1820

Portretul lui Nastenka Khavskaya, 1826

Băiat de țăran care își pune pantofii, anii 1820

Kiprensky Orest Adamovici- Artist, pictor și grafician rus, maestru al picturii portretistice.
S-a născut la 13 martie (24) 1782 la conacul Nezhinskaya (acum regiunea Leningrad). Probabil a fost fiu nelegitim proprietarul terenului A.S. Dyakonova. La un an de la naștere, mama sa, iobag țăran, a fost dată în căsătorie cu curtea Adam Schwalbe. Numele de familie Kiprensky a fost inventat.
Când băiatul avea șase ani, Dyakonov i-a dat libertate și l-a plasat la o școală educațională la Academia de Arte din Sankt Petersburg.
Nouă ani mai târziu, Kiprensky a fost admis la clasa de pictură istorică, care la acea vreme era considerată cel mai înalt gen Arte vizuale.
În 1805, Kiprensky O. A. își rezumă studiile la academie cu tabloul „Dmitri Donskoy despre victoria asupra lui Mamai”, pentru care primește Marele medalie de aurși dreptul de a călători în străinătate. Cu toate acestea, din cauza ostilităților armatelor lui Napoleon, această călătorie trebuie amânată.
După absolvirea Academiei, portretul a devenit principalul lucru în opera artistului. Kiprensky O. A. a fost unul dintre primii din Rusia care a început să dezvolte o compoziție portret, în care prestigiul de clasă socială al modelului a fost în cele din urmă înlocuit de un interes pentru personalitatea unei persoane, recunoașterea valorii sale de sine. De fapt, el este unul dintre fondatori stil romanticîn pictura rusă.
Kiprensky locuiește la Moscova (1809), Tver (1811), Petersburg (din 1812).
În această perioadă, cele mai cunoscute lucrări din opera sa sunt: ​​portretele unui băiat de A. A. Chelishchev (1810-1811), E.D. Davydova (1809), E.P. Rostopchina (1809), P.A. Olenin (1813), soții V. S. Hvostov și D. N. Hvostova (1814) și V. A. Jukovski (1816) și alții.
În 1816, O. A. Kiprensky a plecat în străinătate. Călătoria de afaceri italiană s-a dovedit a fi fructuoasă pentru pictor. A fost inundat de ordine. Apreciind priceperea artistului rus, Galeria Uffizi din Florența i-a comandat un autoportret (1820).
LA cele mai bune lucrări din această perioadă aparține tabloului „Grădinarul italian” (1817), portrete ale lui A.M. Golitsyn (circa 1819) și E.S. Avdulina (circa 1822), ş.a.
Este necesar să menționăm „Portretul lui Mariucci”, care a jucat un rol semnificativ în soarta artistului. Modelul pentru el a fost fermecătoarea fata Mariuccia Falcucci. Mama ei nu avea un stil de viață decent. Kiprensky, părăsind Italia, a cumpărat-o pe Mariuccia de la mama sa destrămată și a plasat-o într-un internat al mănăstirii.
Rusia l-a întâlnit pe artist neprietenos. Cu toate acestea, în 1824, după o altă expoziție publică la Academia de Arte, unde Kiprensky și-a demonstrat lucrările, reputația i-a fost restaurată.
În 1827, artistul a pictat faimosul portret al lui A.S. Pușkin. „Mă văd ca într-o oglindă, Dar această oglindă mă măgulește...”, a scris celebrul poet într-o scrisoare de mulțumire.
În 1828, Kiprensky O. A. a plecat din nou la Roma, unde s-a căsătorit cu o fostă elevă Mariuccia. Pentru a se căsători, a trebuit să treacă în secret la catolicism. Cu toate acestea, viața de familie nu a adus fericire artistului. El nu a creat nimic altceva semnificativ.
La 17 octombrie 1836, Kiprensky Orest Adamovich a murit la Roma de pneumonie și a fost înmormântat acolo în biserica Sant'Andrea delle Fratte. Fiica Clotilde s-a născut după moartea sa.

Fată într-o coroană de mac cu o garoafa în mână (Mariuccia)

băieți pescari napolitani

Fata napolitana cu fructe

Portretul Avdotia Ivanovna Molchanova cu fiica ei Elisabeta, 1814

Mamă cu copil (Portretul doamnei Pres?)

Portretul lui A.A. Chelishcheva, 1808 - începutul anului 1809

<Tropinin Vasili Andreevici- artist rus, academician, reprezentant al romantismului în artele plastice rusești, maestru al portretului.
Născut în satul Karpovka (provincia Novgorod) la 19 (30) martie 1776 în familia de iobagi contele A. S. Minikh; mai târziu a fost trimis la dispoziția contelui I. I. Morkov ca zestre pentru fiica lui Munnich.
Tropinin V. A. A dat dovadă de abilitatea de a desena în copilărie, dar maestrul l-a trimis la Sankt Petersburg să studieze ca cofetar. A urmat cursurile la Academia de Arte, mai întâi pe furiș, iar din 1799 - cu permisiunea lui Morkov; în anii de studiu, l-a cunoscut pe Kiprensky O. A ..
În 1804, proprietarul l-a chemat pe tânărul artist la locul său, iar de atunci a locuit alternativ fie în Ucraina, în noua moșie Morkovo Kukavka, fie la Moscova, în postura de pictor iobag.
În 1823, V. A. Tropinin a primit libertatea și titlul de academician, dar, după ce și-a abandonat cariera la Sankt Petersburg, a rămas la Moscova. ()

Băiat cu secure, anii 1810

Portretul lui Arsenie Vasilievici Tropinin, circa 1818

Portretul unui băiat, anii 1820

Portretul lui V.I. Ershova cu fiica ei, 1831

băiat cu regret

Portretul prințului Mihail Alexandrovici Obolensky (?) în copilărie, circa 1812

Băiat cu un carduitor, 1825

Fata cu o papusa, 1841

Băiat cu un carduitor mort, 1829

Portretul lui Dmitri Petrovici Voikov cu fiica sa Varvara Dmitrievna și englezoaica Miss Forty, 1842

<Makovski Konstantin Egorovici(20.06.07.20.1839 - 17.09.30.1915), artist rus, membru titular al Academiei de Arte din Sankt Petersburg (1898).
Născut la Moscova, în familia lui E. I. Makovsky, unul dintre organizatorii Școlii de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova. Fratele mai mare al artistului Vladimir Makovsky.
A studiat la MUZHVZ (1851-58) sub S.K. Zaryanko și la Academia de Arte (din 1858).
Unul dintre participanții la „răzvrătirea celor paisprezece” (Kramskoy, Korzukhin, Lemokh, Venig, Grigoriev și alții), Konstantin Makovsky a părăsit Academia de Arte în 1863, devenind unul dintre membrii Artelului Artiștilor și apoi a fost un membru al Asociației Wanderers (vezi artiști Wanderers).
Lucrarea lui Konstantin Makovski poate fi împărțită în două etape. În anii 1860 - începutul anilor 1870, sub influența ideilor rătăcitoare, a apelat la scene din viața populară („Femeia hering” 1867, „Balagans pe Piața Admiralteyskaya” 1869, ambele picturi în Muzeul de Stat al Rusiei, Sankt Petersburg, ” Mărunțișoare de orgă la gard iarna” 1868, colecție privată).
Punctul de cotitură în opera artistului poate fi considerat o călătorie în Egipt și Serbia (mijlocul anilor 1870). După acest eveniment, Makovsky a început să încline din ce în ce mai mult spre academicism („Întoarcerea covorului sacru de la Mecca la Cairo”, 1876, Muzeul Rus).
În 1883, a avut loc ruptura finală cu Wanderers. Din acel moment, a pictat în principal portrete exterior spectaculoase și scene istorice de gen (portretul soției artistului, 1881, „Ritul sărutării”, 1895, ambele la Muzeul Rusiei; „Prințul Repnin la sărbătoarea lui Ivan cel Groaznic” , Muzeul Regional de Artă Irkutsk). Picturile lui Konstantin Makovsky au avut un succes uriaș în înalta societate. A fost unul dintre cei mai apreciați artiști ai vremii.
Makovsky Konstantin Yegorovici a murit într-un accident (un tramvai s-a ciocnit de echipajul său) în 1915, la Sankt Petersburg. Artistul a lăsat o uriașă moștenire artistică.

Copii care fug de o furtună, 1872

Prânz țărănesc pe câmp. 1871

Portretul unui fiu în studio

Mici râșnitori de orgă la gard iarna, 1868

În atelierul artistului, 1881

Portretul familiei Volkov

Principesa Maria Nikolaevna

Portretul copiilor artistului, 1882

Portret de familie, 1882

Copiii domnului Balashov

Poveștile bunicului. 1881(?)

povestitor

<Makovsky Vladimir Egorovici(26 ianuarie (7 februarie), 1846, Moscova - 21 februarie 1920, Petrograd) - un artist rus remarcabil, academician (1873), membru cu drepturi depline al Academiei de Arte din Sankt Petersburg (1893).
Unul dintre cei mai mari maeștri ai genului de zi cu zi în pictura realistă a secolului al XIX-lea.
Născut la Moscova, în familia lui E. I. Makovsky, unul dintre organizatorii Școlii de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova. Fratele lui K. E. Makovski.
Din 1861 până în 1866 Vladimir a studiat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova sub succesorul Școlii Venețiane S. K. Zaryanko, E. S. Sorokin și V. A. Tropinin însuși.
A absolvit facultatea cu medalie de argint și titlul de artist de clasă de gradul III pentru lucrarea „Lectură literară”. În această perioadă, care a coincis cu ascensiunea genului cotidian realist în pictura rusă, a fost determinată direcția sa creativă.
În 1869, pentru tabloul Băieți țărani care păzesc cai, Makovsky a primit titlul de „artist de clasă de gradul întâi cu medalia de aur Vigée-Lebrun pentru expresie”. În 1873, Makovsky V. E. a fost promovat ca academician pentru pictura „Iubitorii privighetoarelor”.
Membru al Asociației Expozițiilor de Artă Itinerante din 1872.
Din 1894 Makovsky V. E. a locuit la Sankt Petersburg. De asemenea, a acționat cu succes ca ilustrator și profesor de cărți și reviste (din 1882 a predat la Școala de Pictură și Artă din Moscova, apoi la Academia de Arte).

În lucrarea sa, Makovsky V. E. a continuat și a dezvoltat cele mai bune tradiții ale fondatorilor genului rus - A. G. Venetsianov și V. A. Tropinin, remarcabili pictori de gen ruși P. A. Fedotov și V. G. Perov.

Băiat care vinde cvas, 1861

Data, 1883

Băieți țărani, 1880

Din ploaie, 1887

Joc de bani, 1870

Păstorile, 1903

Pescari, 1886

Copii țărani, 1890

Băieți de țărani care păzesc caii noaptea, 1869

<Perov Vasili Grigorievici- pictor rus, maestru al picturii casnice, portretist, pictor istoric.
Născut la Tobolsk la 21 sau 23 decembrie 1833 (2 sau 4 ianuarie 1834). Era un fiu nelegitim (pentru că părinții săi erau căsătoriți după nașterea lui) al unui procuror local, baronul G.K.
Anii copilăriei și-a petrecut parțial la Arzamas, unde a studiat la școala lui A.V. Stupin (1846-1849, cu intermitențe).
În 1853 a intrat la Școala de Pictură și Sculptură din Moscova. Profesorii lui Perov au fost Scotty M.I., Mokritsky A.N., Zaryanko S.K., coleg de clasă și prieten - Pryanishnikov I.M.
În 1858, tabloul său „Sosirea unui polițist pentru anchetă” (1857) a primit o medalie mare de argint, apoi a primit o medalie mică de aur pentru tabloul „First rang. locație necunoscută). Primele lucrări ale lui Perov au avut un mare succes la expoziții. Perov V. G. a pregătit pictura Predica în sat (1861, Galeria de stat Tretiakov) pentru concursul final. Autorului i s-a acordat Marea Medalie de Aur și dreptul de a călători în străinătate.
După ce a plecat în străinătate, artistul s-a stabilit la Paris. Cu toate acestea, „neștiind nici oamenii, nici modul lor de viață, nici caracterul”, Perov nu a văzut beneficiul lucrului în Franța și a cerut permisiunea de a se întoarce acasă înainte de program. A primit permisiunea de a-și continua mandatul de pensionar în Rusia și în 1864 a venit la Moscova.
Perov V. G. a intrat în istoria artei ca lider al tendinței critice în pictura cotidiană rusă din anii 1860, combinând în lucrarea sa simpatia pentru „umiliți și insultați” și patosul furios al înfățișării satirice a celor de la putere. Opera artistului a avut un impact semnificativ asupra dezvoltării artei ruse, în special a Moscovei, din a doua jumătate a secolului al XIX-lea.
A fost unul dintre membrii fondatori ai Asociației Rătăcitorilor (1870).
În 1871-1882 Perov V.G. a predat la Școala de Pictură, Sculptură și Arhitectură din Moscova, unde printre studenții săi s-au numărat Kasatkin N.A., Korovin S.A., Nesterov M.V., Ryabushkin A.P.
Perov V. G. a murit în satul Kuzminki (în acei ani - lângă Moscova) la 29 mai (10 iunie), 1882. ()

Văzând morții

copii adormiti

Troica

Fata cu ulcior

Băiat de lucru care se uită la un papagal

Pescuit

<Korzukhin Alexey Ivanovici(1835 - 1894) - pictor rus de gen. Viitorul artist s-a născut pe 11 martie (23), 1835, la uzina Uktus (acum Ekaterinburg) în familia unui iobag de aur. Abilități artistice descoperite devreme. Deja în perioada adolescenței, el a pictat portrete ale rudelor și a participat la pictura de icoane pentru Biserica locală Schimbarea la Față (1840).
În 1857 Korzukhin a sosit la Sankt Petersburg și un an mai târziu a devenit student al Academiei de Arte. Aici a studiat din 1858 până în 1863. Tabloul său „Tatăl bețiv al familiei” din 1861 a fost distins cu o mică medalie de aur de către Academie. Cu toate acestea, a refuzat să concureze pentru o mare medalie de aur și dreptul la călătoria unui pensionar: împreună cu alți participanți la celebra revoltă din 14 din 1863, a părăsit Academia și a devenit membru al Artelului Artiștilor (în special Kramskoy). , Konstantin Makovski, Lemokh și alții au fost incluși).
În 1868, Korzukhin a primit titlul de academician al Academiei de Arte pentru pictura „Întoarcerea tatălui familiei de la târg”.
Membru fondator al Asociației Rătăcitorilor: semnătura sa se afla sub statutul Asociației, adoptat de guvern în 1870.
Opera lui Korzukhin nu s-a limitat la picturile de gen. Artistul a pictat și portrete, a executat adesea ordine bisericești (a participat la decorarea picturală a Catedralei Mântuitorului Hristos, pictura catedralei din Yelets și a realizat o serie de imagini pentru catedrala din Riga).
Uciderea împăratului Alexandru al II-lea de către Narodnaya Volya ca martor involuntar, pe care pictorul a devenit în 1881, a avut un șoc extrem asupra lui și a avut un impact grav asupra sănătății artistului. Cu toate acestea, a continuat activitatea creativă activă.
Korzukhin Alexei Ivanovici a murit la Sankt Petersburg la 18 (30) octombrie 1894.

Întoarcerea din oraș

Fete țărănești pierdute în pădure

duşmanii păsărilor

Fată

Bunica cu nepoata

La pâine

Principala sursă de cunoștințe este site-ul webstarco.narod.ru, completat de reproduceri din diferite galerii de artă: arttrans.com.ua, rita-redsky.livejournal.com și multe altele.