Cele mai neobișnuite tablouri ale artiștilor din lume. Artiști talentați creează picturi extraordinare. Pictură din cadavrele furnicilor

Arta nu numai că poate inspira, ci și fascina sau chiar înspăimânta. Crearea de artiști neobișnuiți întruchipează cele mai ascunse imagini și uneori se dovedesc a fi foarte ciudate. Cu toate acestea, astfel de creații au aproape întotdeauna mulți fani.

Care sunt cele mai neobișnuite imagini ale lumii, cine le creează și despre ce pot spune?

„Mâinile îi rezistă”

Această imagine înfiorătoare își începe istoria în 1972. Atunci din California am găsit o fotografie veche în arhiva mea. Înfățișa copii: Bill însuși și sora lui, care a murit la vârsta de patru ani. Artista a fost surprinsă că fotografia a fost făcută în casa pe care familia a dobândit-o după moartea fetei. Un incident mistic l-a inspirat pe Bill să creeze acest tablou neobișnuit.

Când pânza a fost prezentată criticului de artă, acesta a murit curând. Este greu de spus dacă poate fi numit coincidență La urma urmei, actorul John Marley, care a cumpărat poza, a murit curând. Pânza a fost pierdută și apoi găsită într-o groapă de gunoi. Fiica noilor proprietari ai tabloului a început imediat să observe ceva ciudat - ea a asigurat că copiii pictați se certau sau vin la ușa camerei ei. Tatăl familiei a instalat o cameră în camera cu poza, care ar fi trebuit să reacționeze la mișcare și a funcționat, dar de fiecare dată a rămas doar zgomot pe film. Când pânza a fost scoasă la licitație online la începutul noului mileniu, utilizatorii au început să se plângă că nu se simt bine după ce au văzut-o. Cu toate acestea, l-au cumpărat. Kim Smith, proprietarul unei mici galerii de artă, a decis să cumpere ceva neobișnuit ca expoziție.
Istoria tabloului nu se termină - răul care emană din acesta este acum remarcat de vizitatorii expoziției.

„Băiat care plânge”

Menționând picturi neobișnuite ale artiștilor celebri, nu se poate să nu-l menționăm pe acesta. Despre pânza „blestemata” numită „ băiat care plânge Lumea intreaga stie. Folosit pentru a crea propriul fiu ca sitter. Băiatul nu putea să plângă chiar așa, iar tatăl său l-a supărat în mod intenționat, înspăimântându-l cu chibrituri aprinse. Odată, copilul i-a strigat tatălui său: „Tu însuți arzi!” Și blestemul s-a dovedit a fi eficient - copilul a murit curând de pneumonie, iar tatăl său a ars de viu în casă. Atenția asupra imaginii a fost atrasă în 1985, când incendiile au început să aibă loc în nordul Angliei. Oameni au murit în clădiri rezidențiale și doar o simplă reproducere care înfățișează un copil care plângea a rămas intactă. Notorietatea bântuie imaginea chiar și acum - mulți pur și simplu nu riscă să o atârne acasă. Și mai neobișnuit este că locația originalului rămâne necunoscută.

"Ţipăt"

Picturile neobișnuite atrag în mod constant atenția publicului și chiar provoacă încercări de a repeta capodopera. Unul dintre aceste tablouri, care a devenit un cult în cultura contemporană, este „Scream” al lui Munch. Aceasta este o imagine misterioasă, mistică, care pentru unii pare a fi o fantezie a unei persoane bolnave mintal, pentru alții - o predicție. dezastru ecologic, iar pentru unii chiar un portret absurd al unei mumii. Într-un fel sau altul, atmosfera pânzei se atrage în sine și nu permite să rămână indiferentă. Tablourile neobișnuite sunt adesea pline de detalii, în timp ce „The Scream”, dimpotrivă, este extrem de simplu - folosește două nuanțe principale, iar desenul aspectului personajului central este simplificat la primitivism. Dar tocmai o lume atât de deformată face lucrarea deosebit de atractivă.

Istoria sa este, de asemenea, neobișnuită - lucrarea a fost furată de mai multe ori. Cu toate acestea, a fost păstrat și rămâne în muzeu, inspirând regizorii să creeze filme emoționante, iar artiștii să caute povești nu mai puțin expresive decât aceasta.

"Guernica"

Picasso a pictat picturi foarte neobișnuite, dar unul dintre ele este deosebit de memorabil. Expresiva „Guernica” a fost creată ca un protest personal împotriva acțiunilor naziste din orașul cu același nume. Este plin de experiențe personale ale artistului. Fiecare element al tabloului este plin de simbolism profund: figurile fug de foc, taurul îl călcă în picioare pe războinic, a cărui poză seamănă cu un crucifix, la picioare sunt flori zdrobite și un porumbel, un craniu și o sabie spartă. în stilul unei ilustrații de ziar este impresionantă și afectează puternic emoțiile privitorului.

"Mona Lisa"

Creând picturi neobișnuite cu propriile mâini, Leonardo da Vinci a păstrat prenumeîn eternitate. Pânzele sale nu au fost uitate în secolul al VI-lea. Cea mai importantă dintre ele - „Gioconda”, sau „Mona Lisa”. În mod surprinzător, nu există înregistrări ale lucrărilor la acest portret în jurnalele unui geniu. Nu mai puțin neobișnuit este numărul de versiuni despre cine este reprezentat acolo. Unii cred că aceasta este o imagine feminină ideală sau mama artistului, cineva vede un autoportret în el și cineva vede un elev al lui da Vinci. Potrivit opiniei „oficiale”, Mona Lisa era soția unui negustor florentin. Oricum ar fi, portretul este într-adevăr neobișnuit. Un zâmbet abia perceptibil îndoaie buzele fetei, iar ochii ei sunt uimitoare - se pare că această imagine se uită la lume și nu publicul se uită la ea. La fel ca multe alte picturi neobișnuite ale lumii, „La Gioconda” este realizată într-o tehnică specială: cele mai subțiri straturi de vopsea cu cele mai mici lovituri, atât de evazive încât nici un microscop, nici o radiografie nu pot detecta urme ale operei artistului. Se pare că fata din imagine este în viață, iar lumina ușoară fumurie care o înconjoară este reală.

„Ispita Sfântului Antonie”

Desigur, cele mai neobișnuite imagini ale lumii nu pot fi studiate fără a face cunoștință cu opera lui Salvador Dali. Următoarea poveste este legată de uimitoarea sa lucrare „Ispita Sfântului Antonie”. La momentul creării, a existat un concurs pentru selectarea unui actor pentru adaptarea cinematografică a filmului „Dragă prieten” a lui Guy de Maupassant. Câștigătorul trebuia să creeze imaginea sfântului ispitit. Ceea ce se întâmplă l-a inspirat pe artist cu o temă care a fost folosită și de maeștrii săi preferați, de exemplu, Bosch. A creat un triptic pe această temă. Lucru similar portretizat de Cezanne. Lucrul neobișnuit este că Sfântul Antonie nu este doar un om drept care a văzut o viziune păcătoasă. Aceasta este o figură disperată a unui om, confruntat cu păcate sub formă de animale pe picioare subțiri de păianjen - dacă cedează ispitelor, picioarele păianjenilor se vor rupe și îl vor distruge sub ele.

„Pazul de noapte”

Picturile neobișnuite ale artiștilor dispar adesea sau se găsesc în centrul evenimentelor mistice. Nimic de genul acesta nu s-a întâmplat cu Rembrandt's Night Watch, dar există încă multe mistere asociate cu pânza.

Intriga este evidentă doar la prima vedere - milițiile merg într-o campanie, luând arme cu ei, fiecare erou este plin de patriotism și emoții, fiecare are o individualitate și un caracter. Și imediat apar întrebări. Cine este această fetiță din mulțimea militară care arată ca un înger strălucitor? Un talisman simbolic al echipei sau o modalitate de a echilibra compoziția? Dar nici asta nu este important. Anterior, dimensiunea imaginii era diferită - clienților nu le-a plăcut și au tăiat pânza. A fost amplasat în sală pentru sărbători și întruniri, unde pânza a fost acoperită cu funingine timp de zeci de ani. Acum este imposibil să știi care au fost unele culori. Chiar și cea mai minuțioasă restaurare nu poate îndepărta funinginea din lumânările de seu, așa că privitorul poate doar ghici despre câteva detalii.

Din fericire, acum capodopera este în siguranță. Și cel puțin a lui aspect modern păzit cu grijă. Lui îi este dedicată o cameră separată, cu care nu toate picturile neobișnuite celebre se pot lăuda.

"floarea soarelui"

Pentru a completa lista, care include cele mai faimoase picturi neobișnuite din lume, este Van Gogh. Lucrările sale sunt pline de o emoție profundă și se ascund în spatele lor poveste tragică un geniu nerecunoscut în timpul vieții sale. Unul dintre cele mai memorabile tablouri este pânza „Floarea-soarelui”, care concentrează nuanțele și liniile caracteristice artistului.

Dar acesta nu este singurul motiv pentru care este interesant. Faptul este că pânza este copiată în mod constant, iar numărul de exemplare vândute cu succes le depășește pe cele cu care se pot lăuda alte tablouri neobișnuite. În același timp, în ciuda unei astfel de popularități, imaginea rămâne unică. Și nimeni nu a reușit cu adevărat în afară de Van Gogh.

Arta poate fi orice. Cineva vede frumusețea naturii și o transmite cu o perie sau un tăietor, cineva face fotografii uimitoare corpul uman, și cineva găsește frumusețea în teribil - Caravaggio și Edvard Munch au lucrat în acest stil. Artiștii moderni nu sunt cu mult în urma părinților fondatori.

1. Dado

Iugoslav Dado s-a născut în 1933 și a murit în 2010. La prima vedere, munca lui poate părea complet obișnuită sau chiar plăcută - acest lucru se datorează alegerii culorilor: mulți artiști de groază aleg negru sau roșu, iar lui Dado îi plăceau nuanțele pastelate.

Dar uitați-vă cu atenție la poze precum Big Farm în 1963 sau Football Player în 1964 și veți vedea creaturi grotești în ele. Fețele lor sunt pline de durere sau suferință, tumorile sau organele în plus sunt vizibile pe corpul lor sau trupurile lor sunt pur și simplu formă neregulată. De fapt, imagini precum " ferma mare Ei sperie mult mai mult decât groază - tocmai pentru că la prima vedere nu observi nimic groaznic la ei.

2. Keith Thompson

Keith Thompson este mai mult un artist comercial decât un artist. El a proiectat monștrii pentru Pacific Rim al lui Guillermo Del Toro și Leviathanul lui Scott Westerfield. Munca lui este realizată într-o tehnică pe care ai prefera să o vezi pe cărțile Magic: The Gathering decât într-un muzeu.

Uită-te la pictura sa „Creatura din Pripyat”: monstrul este format din mai multe animale și este teribil de urât, dar dă o idee grozavă despre tehnica lui Thompson. Monstrul are chiar o poveste - se presupune că este un produs al dezastrului de la Cernobîl. Desigur, monstrul este oarecum inventat, de parcă ar fi apărut direct din anii 1950, dar asta nu îl face mai puțin înfiorător.

Fundația SCP a adoptat această creatură drept mascota, numindu-o „SCP-682”. Dar în arsenalul lui Thompson există încă mulți astfel de monștri și sunt alții mai groaznici.

3. Junji Ito

Pe tema artiștilor comerciali: unii dintre ei desenează benzi desenate. În afacerile cu benzi desenate de groază, Junji Ito este campion. Monștrii săi nu sunt doar grotesti: artistul desenează cu atenție fiecare ridă, fiecare cută de pe corpul creaturilor. Acesta este ceea ce sperie oamenii, și nu iraționalitatea monștrilor.

De exemplu, în benzile desenate „The Riddle of Amigar Fault” el dezbracă oamenii și îi trimite într-o gaură umanoidă din stâncă solidă – cu cât vedem mai aproape această gaură, cu atât mai înfricoșător, dar chiar și „de la distanță” pare înfricoșător.

În seria sa de benzi desenate Uzumaki (Spiral), există un tip obsedat de spirale. La început, obsesia lui pare amuzantă, apoi înfricoșătoare. Mai mult, devine înfricoșător chiar înainte ca obsesia eroului să devină magie, cu ajutorul căreia el transformă o persoană în ceva inuman, dar în același timp viu.

Lucrarea lui Ito iese în evidență printre toate mangale japoneze - personajele sale „normale” arată neobișnuit de realiste și chiar drăguțe, iar monștrii par și mai înfiorătoare pe fundalul lor.

4. Zdzisław Beksiński

Dacă un artist spune: „Nu îmi pot imagina ce înseamnă sănătatea mentală în pictură”, sunt șanse să nu picteze pisoi.

Pictorul polonez Zdzisław Beksiński s-a născut în 1929. Timp de zeci de ani, a creat imagini de coșmar în acest gen realism fantastic până la moartea sa îngrozitoare în 2005 (a fost înjunghiat de 17 ori). Cea mai fructuoasă perioadă din munca sa a căzut în anii 1960 - 1980: apoi a creat imagini foarte detaliate, pe care el însuși le-a numit „fotografii ale viselor sale”.

Potrivit lui Beksiński, nu i-a păsat de semnificația acestei sau acelea picturi, dar unele dintre lucrările sale simbolizează în mod clar ceva. De exemplu, în 1985 a creat tabloul „Trollforgatok”. Artistul a crescut într-o țară devastată de al Doilea Război Mondial, așa că figurile negre din imagine pot personifica cetățenii polonezi, iar capul poate fi un fel de autoritate nemiloasă.

Artistul însuși a susținut că nu avea nimic de acest fel în minte. De fapt, Beksinsky a spus despre această imagine că ar trebui luată ca o glumă - asta înseamnă cu adevărat umorul negru.

5. Wayne Barlow

Mii de artiști au încercat să portretizeze Iadul, dar Wayne Barlow a reușit în mod clar. Chiar dacă nu i-ai auzit numele, probabil că ai văzut lucrarea. A fost implicat în filme precum Avatarul lui James Cameron (regizorul l-a lăudat personal), Pacific Rim, Harry Potter și Prizonierul din Azkaban și Harry Potter și Pocala de Foc. Dar una dintre cele mai remarcabile lucrări ale sale poate fi numită o carte publicată în 1998, numită „Inferno”.

Iadul pentru el nu este doar temnițe cu domni și armate demonice. Barlow a spus: „Iadul este indiferența totală față de suferința umană”. Demonii săi manifestă adesea interes pentru trupurile și sufletele umane și se comportă mai mult ca niște experimentatori - ignoră durerea altor oameni. Oamenii pentru demonii săi nu sunt deloc obiecte de ură, ci pur și simplu un mijloc de divertisment inactiv, nimic mai mult.

6. Tetsuya Ishida

Pe picturi acrilice Oamenii Isis sunt adesea transformați în obiecte precum ambalaje, benzi transportoare, pisoare sau chiar perne cu hemoroizi. De asemenea, are picturi plăcute vizual în care oamenii se îmbină cu natura sau evadează pământ magic imaginația ta. Dar astfel de lucrări sunt mult mai slabe decât picturile în care lucrătorii de la restaurant se transformă în manechine care pompează mâncare către clienți de parcă ar fi întreținut mașinile la o benzinărie.

Indiferent de opinia despre acuratețea și perspicacitatea artistului sau de vivacitatea metaforelor sale, nu se poate nega că stilul operei sale este ciudat. Orice umor în Isis merge mână în mână cu dezgustul și frica. Cariera sa a luat sfârșit în 2005, când Ishida, în vârstă de 31 de ani, a fost lovit de un tren, aproape sigur o sinucidere. Lucrările sale sunt evaluate la sute de mii de dolari.

7. Dariusz Zawadzki

Zavadsky s-a născut în 1958. La fel ca Beksiński, el lucrează în stilul realismului fantastic înfiorător. Profesorii lui în scoala de Arte i-au spus lui Zavadsky că nu are o vedere prea bună și un ochi sărac, așa că nu putea deveni artist. Ei bine, evident că au sărit la concluzii.

Există elemente de steampunk în lucrările lui Zavadsky: el desenează adesea creaturi asemănătoare roboților, sub pielea artificială a cărei mecanisme de lucru sunt vizibile. De exemplu, aruncați o privire la pictura în ulei din 2007 „Cuibul”. Pozele păsărilor sunt aceleași cu cele ale celor vii, dar cadrul este clar metalic, abia acoperit cu frânturi de piele. Poza poate provoca dezgust, dar în același timp atrage privirea - vreau să iau în considerare toate detaliile.

8. Joshua Hoffin

Joshua Hoffin s-a născut în 1973 în Emporia, Kansas. Face fotografii terifiante, în care basmele familiare din copilărie capătă trăsături teribile - povestea, desigur, poate fi recunoscută, dar în același timp sensul ei este foarte distorsionat.

Multe dintre lucrările sale par prea înscenate și nenaturale pentru a le speria cu adevărat. Dar există și serii de fotografii precum „Capodoperele lui Pickman” - acesta este un omagiu adus unuia dintre personajele lui Lovecraft, artistul Pickman.

În fotografiile din 2008, pe care le puteți vedea aici, este fiica lui Chloe. Fața fetei aproape că nu exprimă emoții și aproape că nu privește spre public. Contrastul este înfricoșător: o fotografie de familie pe noptieră, o fată în pijamale roz - și gândaci uriași.

9. Patricia Piccinini

Sculpturile lui Piccinini sunt uneori foarte diferite una de cealaltă: unele sculpturi sunt motociclete de formă neregulată, altele sunt baloane ciudate cu aer cald. Dar mai ales ea creează sculpturi cu care sunt foarte, foarte inconfortabil să stai în aceeași cameră. Arata chiar infricosator in fotografii.

În lucrarea din 2004 Indivizibil, un umanoid este apăsat pe spatele unui copil uman normal. Cel mai deranjant este elementul de încredere și afecțiune - de parcă inocența copilului ar fi fost folosită cu cruzime pentru a-i face rău.

Desigur, opera lui Piccinini este criticată. Ei chiar spuneau despre „Indivizibil” că nu era o sculptură, ci un fel de animal adevărat. Dar nu - este doar o născocire a imaginației ei, iar artista continuă să-și creeze lucrarea din fibră de sticlă, silicon și păr.

10. Mark Powell

Munca australianului Mark Powell este cu adevărat șocantă. Spectacolul său din 2012 este o serie de compoziții în care creaturi fantastice evoluează, se devorează și se excretă unele pe altele din propriile lor corpuri, se înmulțesc și se degradează. Texturile creaturilor și mediilor sunt extrem de convingătoare, iar limbajul corpului figurilor este ales tocmai pentru a face situațiile să pară cât mai obișnuite – și deci convingătoare.

Desigur, internetul nu putea să nu-i aducă un omagiu artistului. „Fundația SCP” menționată mai sus a luat monstrul hidos din imaginea de mai sus și l-a făcut parte dintr-o poveste numită „Carnea care urăște”. Există, de asemenea, multe povești de groază asociate cu opera sa.

Lumea este plină de oameni creativi și în fiecare zi apar sute de tablouri noi, se scriu cântece noi. Desigur, în lumea artei, există niște pași greșiți, dar există astfel de capodopere ale unor adevărați maeștri care sunt pur și simplu uluitoare! Vă vom arăta munca lor astăzi.

creion realitate augmentată

Fotograful Ben Heine a continuat să lucreze la proiectul său, care este un amestec de desene in creion si fotografii. Mai întâi, el face o schiță cu mâna liberă cu un creion pe hârtie. Apoi fotografiază desenul pe fundalul unui obiect real și rafinează imaginea rezultată în Photoshop, adăugând contrast și saturație. Rezultatul este magie!

Ilustrații de Alisa Makarova

Alisa Makarova este o artistă talentată din Sankt Petersburg. Într-o epocă în care majoritatea imaginilor sunt create folosind un computer, interesul compatriotului nostru pentru formele tradiționale de pictură este respectat. Unul dintre cele mai recente proiecte ale sale este tripticul „Vulpes Vulpes”, care prezintă fermecătoare vulpi roșii de foc. Frumusețe și multe altele!

Gravura fină

Artiștii în lemn Paul Rodin și Valerie Lou au anunțat crearea unei noi gravuri intitulate „Moth”. Muncă minuțioasă iar măiestria grațioasă a autorilor nu-i lasă indiferenți nici pe cei mai încăpățânați sceptici. Gravura va fi expusă la o expoziție viitoare din Brooklyn, pe 7 noiembrie.

Desene cu pix

Probabil, măcar o dată la prelegeri, în loc să noteze cuvintele profesorului, fiecare a desenat diferite figuri într-un caiet. A fost artista Sarah Esteje (Sarah Esteje) printre acești studenți este necunoscut. Dar faptul că desenele ei cu pix sunt impresionante este un fapt incontestabil! Sarah tocmai a demonstrat că nu trebuie deloc să ai materiale speciale pentru a crea ceva cu adevărat interesant.

Lumile suprarealiste ale lui Artem Chebokha

Artistul rus Artem Chebokha creează lumi incredibile unde există doar mare, cer și armonie nesfârșită. Pentru noile sale lucrări, artistul a ales imagini foarte poetice - un rătăcitor care călătorește prin locuri necunoscute și balene care se învârt în nori-valuri - zborul fanteziei al acestui maestru este pur și simplu nelimitat.

Vedeți portrete

Cineva se gândește la tehnica stroke-ului, cineva se gândește la contrastul dintre lumină și umbră, dar artistul Pablo Jurado Ruiz desenează cu puncte! Artistul a dezvoltat ideile genului punctillism, care era încă inerent autorilor erei neoimpresionismului și și-a creat propriul stil, în care detaliile sunt totul. Ca rezultat, creează mii de atingeri pe hârtie portrete realiste la care vrei să te uiți.

Imagini de pe dischete

Într-o epocă în care multe lucruri și tehnologii devin învechite cu viteza unui expres care trece, destul de des trebuie să scapi de gunoaie inutile. Cu toate acestea, după cum s-a dovedit, nu totul este atât de trist, iar obiectele vechi pot fi făcute foarte uniforme operă contemporană artă. Artistul englez Nick Gentry (Nick Gentry) a strâns dischete pătrate de la prieteni, a luat un borcan cu vopsea și a pictat portrete uimitoare pe ele. A iesit foarte frumos!

În pragul realismului și suprarealismului

Artistul berlinez Harding Meyer adoră să picteze portrete, dar pentru a nu deveni un alt hiperrealist, a decis să experimenteze și a creat o serie de portrete în pragul realității și suprarealismului. Aceste lucrări oferă o perspectivă asupra chip uman ca ceva mai mult decât un simplu „portret uscat”, evidențiind baza acestuia – imaginea. Ca urmare a unor astfel de căutări de muncă, Harding a fost observat de Galerie artă contemporană la München, care va expune opera artistului pe 7 noiembrie.

Pictură cu degetul pe iPad

Mulți artiști moderni experimentează cu materiale pentru a crea picturi, dar japonezul Seikou Yamaoka le-a întrecut pe toate, luându-și iPad-ul drept pânză. Pur și simplu a instalat aplicația ArtStudio și a început nu numai să deseneze, ci și să reproducă cel mai mult capodopere celebre artă. Mai mult, face asta nu cu niște pensule speciale, ci cu degetul, care este admirat chiar și de oamenii care sunt departe de lumea artei.

Pictura „din lemn”.

Folosind totul, de la cerneală la ceai, artistul de prelucrare a lemnului Mandy Tsung a creat picturi cu adevărat fascinante, pline de pasiune și energie. Ca temă principală, ea a ales imaginea misterioasă a unei femei și poziția ei în lumea modernă.

hiperrealist

De fiecare dată când găsești opera artiștilor hiperrealişti, îți pui involuntar întrebarea: „De ce fac ei toate astea?” Fiecare dintre ei are propriul răspuns la aceasta și uneori o filozofie destul de contradictorie. Dar artistul Dino Tomik spune răspicat: „Pur și simplu îmi iubesc foarte mult familia”. Zi și noapte a pictat și a încercat să nu rateze niciun detaliu din portretul rudelor sale. Un astfel de desen ia luat cel puțin 70 de ore de muncă. A spune că părinții au fost încântați înseamnă a nu spune nimic.

Portrete de soldat

Pe 18 octombrie, la galeria din Londra Opera Gallery a lansat o expoziție de lucrări ale lui Joe Black (Joe Black) numită „Ways of Seeing”. Pentru a-și crea picturile, artistul a folosit nu numai vopsele, ci și cele mai neobișnuite materiale - șuruburi, insigne și multe altele. Totuși, materialul principal a fost .... soldații de jucărie! cu cel mai mult exponate interesante expozițiile includ portrete ale lui Barack Obama, Margaret Thatcher și Mao Zedong.

Portrete senzuale în ulei

Artista coreeană Lee Rim (Lee Rim) nu a fost atât de faimoasă în urmă cu câteva zile, dar noile ei picturi „Girls in Paint” au provocat un răspuns și rezonanță larg în lumea artei. Lee spune: „Tema principală a muncii mele sunt emoțiile umane și starea psihologica. Chiar dacă trăim în medii diferite, la un moment dat ne simțim la fel când privim un obiect.” Poate de aceea, privind munca ei, vreau să înțeleg această fată și să-i simt gândurile.

Pictura, dacă nu iei în calcul realiștii, a fost, este și va fi întotdeauna ciudată. Metaforic, caută noi forme și mijloace de exprimare. Dar unele imagini ciudate sunt mai ciudate decât altele.

Unele opere de artă par să lovească privitorul în cap, uluite și uimitoare. Unele dintre ele te atrag în gând și în căutarea unor straturi semantice, simbolism secret. Unele tablouri sunt acoperite de secrete și mistere mistice, iar unele surprize la un preț exorbitant.

Este clar că „ciudățenia” este un concept destul de subiectiv și pentru toată lumea există picturi uimitoare care ies în evidență dintr-o serie de alte opere de artă. De exemplu, lucrările lui Salvador Dali nu sunt incluse în mod deliberat în această selecție, care se încadrează complet sub formatul acestui material și sunt primele care vin în minte.

Salvador Dali

„O tânără fecioară care comite sodomie cu coarnele propriei castități”

1954

Edvard Munch „Tipă”
1893, carton, ulei, tempera, pastel. 91x73,5 cm
galeria Națională, Oslo

The Scream este considerat un eveniment expresionist de referință și unul dintre cele mai multe tablouri celebreîn lume.

„Mergeam pe potecă cu doi prieteni - soarele apunea - brusc cerul s-a înroșit sângele, m-am oprit, simțindu-mă epuizat, și m-am rezemat de gard - m-am uitat la sângele și flăcările peste fiordul negru-albăstrui și peste oraș - prietenii mei au continuat, și am stat, tremurând de emoție, simțind un țipăt nesfârșit, spunea despre pictura Edvard Munch despre istoria naturii.

Există două interpretări ale ceea ce este reprezentat: eroul însuși este cuprins de groază și țipă în tăcere, lipindu-și mâinile de urechi; sau eroul își închide urechile de strigătul lumii și al naturii care răsună în jurul lui. Munch a scris 4 versiuni din „The Scream”, și există o versiune conform căreia această poză este rodul unei psihoze maniaco-depresive de care a suferit artista. După un curs de tratament la clinică, Munch nu s-a întors să lucreze pe pânză.

Paul Gauguin "De unde venim? Cine suntem? Unde mergem?"
1897-1898, ulei pe pânză. 139,1x374,6 cm
Muzeu Arte Frumoase, Boston

Adânc tablou filosofic post-impresionistul Paul Gauguin a fost scris de el în Tahiti, unde a fugit din Paris. La sfârșitul lucrării, a vrut chiar să se sinucidă, pentru că „cred că această pânză nu este doar superioară tuturor celor anterioare și că nu voi crea niciodată ceva mai bun sau chiar asemănător”. A mai trăit 5 ani și așa s-a întâmplat.

La îndrumarea lui Gauguin însuși, imaginea trebuie citită de la dreapta la stânga - cele trei grupuri principale de figuri ilustrează întrebările puse în titlu. Trei femei cu un copil reprezintă începutul vieții; grupa mijlocie simbolizează existența cotidiană a maturității; în grupul final, așa cum a fost conceput de artist, " femeie in varsta, apropiindu-se de moarte, pare împăcat și predat reflecțiilor ei”, la picioarele ei „o pasăre albă ciudată... reprezintă inutilitatea cuvintelor”.

Pablo Picasso "Guernica"
1937, ulei pe pânză. 349x776 cm
Muzeul Reina Sofia, Madrid

Uriașa frescă „Guernica”, pictată de Picasso în 1937, povestește despre raidul unității de voluntari Luftwaffe asupra orașului Guernica, în urma căruia al șase mii oraș a fost complet distrus. Tabloul a fost pictat în doar o lună - primele zile de lucru la tablou, Picasso a lucrat 10-12 ore și deja în primele schițe se vedea Ideea principală. Acesta este unul dintre cele mai bune ilustrații coșmarul fascismului, precum și cruzimea și durerea umană.

„Guernica” prezintă scene de moarte, violență, brutalitate, suferință și neputință, fără a preciza cauzele lor imediate, dar sunt evidente. Se spune că în 1940 Pablo Picasso a fost chemat la Gestapo din Paris. Conversația s-a îndreptat imediat spre imagine. "Ai facut asta?" - "Nu, ai făcut-o."

Jan van Eyck „Portretul Arnolfini”
1434, ulei pe lemn. 81,8x59,7 cm
Galeria Națională din Londra, Londra

Portretul presupus al lui Giovanni di Nicolao Arnolfini și al soției sale este unul dintre cele mai multe lucrări complexeȘcoala occidentală de pictură a Renașterii de Nord.

Celebrul tablou este complet plin de simboluri, alegorii și diverse referințe - până la semnătura „Jan van Eyck was here”, care a transformat-o nu doar într-o operă de artă, ci într-un document istoric care confirmă un eveniment real, la care a participat artistul.

In Rusia anii recenti tabloul a câștigat o mare popularitate datorită asemănării portretistice a lui Arnolfini cu Vladimir Putin

Mikhail Vrubel „Demonul așezat”
1890, ulei pe pânză. 114x211 cm
Galeria Tretiakov, Moscova

Tabloul lui Mikhail Vrubel surprinde cu imaginea unui demon. Tipul trist cu părul lung nu seamănă deloc cu ideile universale despre cum ar trebui să arate Duh rău. Artistul însuși a vorbit despre cel mai faimos tablou al său: „Demonul nu este atât un spirit rău, cât unul suferind și jalnic, cu toate acestea un spirit dominator, maiestuos”.

Aceasta este o imagine a puterii spiritului uman, a luptei interioare, a îndoielilor. Mâinile strânse tragic, Demonul stă cu ochii triști, uriași îndreptați spre depărtare, înconjurat de flori. Compoziția subliniază constrângerea figurii demonului, parcă cuprinsă între barele transversale superioare și inferioare ale cadrului.

Vasily Vereshchagin „Apoteoza războiului”
1871, ulei pe pânză. 127x197 cm
Galeria de Stat Tretiakov, Moscova

Vereșchagin este unul dintre principalii pictori de lupte ruși, dar a pictat războaie și bătălii nu pentru că le-a iubit. Dimpotrivă, a încercat să transmită oamenilor atitudinea sa negativă față de război. Odată Vereshchagin, în căldura emoției, a exclamat: „Mai mult tablouri de luptă Nu voi scrie - asta e! Iau prea aproape de inimă ceea ce scriu, strig (la propriu) durerea fiecărui rănit și ucis. „Probabil, rezultatul acestei exclamații a fost imaginea teribilă și vrăjitoare „Apoteoza războiului”, care înfățișează un câmp, corbi și un munte de cranii umane.

Poza este scrisă atât de profund și emoțional încât în ​​spatele fiecărui craniu care zace în această grămadă, începi să vezi oameni, soarta lor și soarta celor care nu vor mai vedea acești oameni. Vereshchagin însuși, cu sarcasm trist, a numit pânza „natura moartă” - înfățișează „natura moartă”.

Toate detaliile imaginii, inclusiv culoarea galbenă, simbolizează moartea și devastarea. Cerul albastru limpede subliniază caracterul mort al imaginii. Ideea „Apoteozei războiului” este exprimată și de cicatricile de la sabii și găurile de gloanțe de pe cranii.

Grant Wood" gotic american"
1930, ulei. 74x62 cm
Institutul de Artă din Chicago, Chicago

„American Gothic” este una dintre cele mai recunoscute imagini din arta americană XX, cel mai faimos meme artistice din secolele XX și XXI.

Poza cu un tată și o fiică posomorâtă este plină de detalii care indică severitatea, puritanismul și retrograditatea oamenilor înfățișați. Fețe supărate, o furcă chiar în mijlocul imaginii, haine de modă veche chiar și după standardele din 1930, un cot la vedere, cusături pe hainele fermierului care repetă forma unei furci și, prin urmare, o amenințare care se adresează oricui se învață. Toate aceste detalii pot fi privite la nesfârșit și se pot înfiora de disconfort.

Interesant este că arbitrii concursului de la Institutul de Artă din Chicago au perceput „Gothic” ca pe un „Valentine umoristic”, iar oamenii din Iowa au fost teribil de jignit de Wood pentru că i-a portretizat într-o lumină atât de neplăcută.

Rene Magritte "Iubitorii"
1928, ulei pe pânză

Tabloul „Lovers” („Lovers”) există în două versiuni. Pe una, un bărbat și o femeie, ale căror capete sunt înfășurate într-o pânză albă, se sărută, iar pe cealaltă „se uită” la privitor. Poza surprinde și fascinează. Cu două figuri fără chip, Magritte a transmis ideea orbirii iubirii. Despre orbire în toate sensurile: îndrăgostiții nu văd pe nimeni, noi nu le vedem adevăratele fețe și, în plus, iubiții sunt un mister chiar și unul pentru celălalt. Dar cu această aparentă claritate, continuăm să ne uităm la iubitorii Magritte și să ne gândim la ei.

Aproape toate picturile lui Magritte sunt puzzle-uri care nu pot fi rezolvate complet, deoarece ridică întrebări despre însăși esența ființei. Magritte vorbește tot timpul despre înșelăciunea vizibilului, despre misterul lui ascuns, pe care de obicei nu-l observăm.

Marc Chagall "Mergere"
1917, ulei pe pânză
Galeria de Stat Tretiakov

De obicei extrem de serios în pictura sa, Marc Chagall a scris un manifest încântător al propriei fericiri, plin de alegorii și dragoste.

„Walk” este un autoportret cu soția sa Bella. Iubita lui se înalță pe cer și pare să fie târâtă în zbor și Chagall, care stă precar pe pământ, ca și cum ar fi ating-o doar cu degetele pantofilor. Chagall are un țâț în cealaltă mână - este fericit, are un țâț în mâini (probabil pictura lui) și o macara pe cer.

Hieronymus Bosch „Grădina” plăcerile pământești"
1500-1510, ulei pe lemn. 389x220 cm
Prado, Spania

„Grădina deliciilor pământești” - cel mai faimos triptic al lui Hieronymus Bosch, care și-a luat numele de la tema părții centrale, este dedicat păcatului voluptuozității. Până în prezent, niciuna dintre interpretările disponibile ale imaginii nu a fost recunoscută ca fiind singura adevărată.

Farmecul de durată și în același timp ciudățenia tripticului constă în modul în care artistul exprimă ideea principală prin multe detalii. Poza este plină de figuri transparente, structuri fantastice, monștri deveniti halucinații, caricaturi infernale ale realității, pe care le privește cu o privire cercetătoare, extrem de ascuțită.

Unii oameni de știință au vrut să vadă în triptic o imagine a vieții umane prin prisma vanității sale și imagini ale iubirii pământești, alții - triumful voluptuozității. Cu toate acestea, inocența și o oarecare detașare cu care sunt interpretate figurile individuale, precum și atitudinea favorabilă față de această lucrare din partea autorităților bisericești, fac să se îndoiască că slăvirea plăcerilor trupești ar putea fi conținutul ei.

Gustav Klimt „Trei vârste ale femeii”
1905, ulei pe pânză. 180x180 cm
Galeria Națională de Artă Modernă, Roma

„Three Ages of Woman” este atât vesel, cât și trist. În ea, povestea vieții unei femei este scrisă în trei figuri: nepăsare, pace și disperare. Tânăra este împletită organic în podoaba vieții, bătrâna se remarcă din ea. Contrastul dintre imaginea stilizată a unei tinere și imaginea naturalistă a unei bătrâne devine sens simbolic: prima fază a vieții aduce cu sine posibilități și metamorfoze nesfârșite, ultima aduce constantă constantă și conflict cu realitatea.

Pânza nu se lasă, intră în suflet și te face să te gândești la profunzimea mesajului artistului, precum și la profunzimea și inevitabilitatea vieții.

Egon Schiele „Familia”
1918, ulei pe pânză. 152,5x162,5 cm
Galeria Belvedere, Viena

Schiele era elev al lui Klimt, dar, ca orice elev excelent, nu și-a copiat profesorul, ci căuta ceva nou. Schiele este mult mai tragic, ciudat și înfricoșător decât Gustav Klimt. În lucrările sale există o mulțime de ceea ce s-ar putea numi pornografie, diverse perversiuni, naturalism și, în același timp, disperare dureroasă.

„Familie” – a lui ultima munca, în care disperarea este dusă la absolut, în ciuda faptului că aceasta este cea mai puțin ciudată imagine a lui. L-a pictat chiar înainte de moartea sa, după ce soția sa însărcinată Edith a murit de gripă spaniolă. A murit la vârsta de 28 de ani, la doar trei zile după Edith, reușind să o deseneze pe ea, pe el și pe copilul lor nenăscut.

Frida Kahlo „Cele două Frida”
1939

Poveste viata grea artist mexican Frida Kahlo a devenit cunoscută pe scară largă după lansarea filmului „Frida” cu Salma Hayek în rolul principal. Kahlo a pictat în mare parte autoportrete și a explicat simplu: „Mă pictez pentru că petrec mult timp singur și pentru că sunt subiectul pe care îl cunosc cel mai bine”.

Frida Kahlo nu zâmbește în niciun autoportret: o față serioasă, chiar mâhnită, sprâncene groase topite, o mustață ușor vizibilă peste buzele strâns comprimate. Ideile picturilor ei sunt criptate în detalii, fundal, figurile care apar alături de Frida. Simbolismul lui Kahlo se bazează pe traditii nationaleși este strâns legată de mitologia indiană din perioada prehispanică.

Într-una din cele mai bune poze- „Două Frida” – ea a exprimat principiile masculin și feminin, legate în ea printr-un singur sistem circulator, demonstrându-și integritatea. Pentru mai multe informații despre Frida, vezi AICI o postare frumoasă și interesantă

Claude Monet "Podul Waterloo. Efectul de ceață"
1899, ulei pe pânză
Schitul de Stat, Saint Petersburg

Când vizionează imaginea de la o distanță apropiată, privitorul nu vede decât o pânză pe care sunt aplicate frecvente lovituri groase de ulei. Toată magia lucrării este dezvăluită atunci când începem să ne îndepărtăm treptat de pânză la o distanță mai mare.

În primul rând, în fața noastră încep să apară semicercuri de neînțeles, trecând prin mijlocul imaginii, apoi, vedem contururile clare ale bărcilor și, după ce s-au deplasat pe o distanță de aproximativ doi metri, toate lucrările de legătură sunt clar desenate și aliniate într-un lanț logic în fața noastră.

Jackson Pollock „Numărul 5, 1948”
1948, plăci de fibre, ulei. 240x120 cm

Ciudația acestei imagini este că pânza liderului american al expresionismului abstract, pe care a pictat-o, turnând vopsea peste o bucată de plăci de fibre întinse pe podea, este cea mai poza scumpaîn lume. În 2006, la licitația Sotheby's, au plătit 140 de milioane de dolari pentru el. David Giffen, un producător și colecționar de filme, l-a vândut finanțatorului mexican David Martinez.

„Continuu să mă îndepărtez de instrumentele obișnuite ale unui artist, cum ar fi șevalet, paletă și pensule. Prefer bețișoarele, cutele, cuțitele și vopsea turnată sau un amestec de vopsea cu nisip, sticlă spartă sau altceva. Când sunt în interiorul unui tablou, nu sunt conștient de ceea ce fac. Înțelegerea vine mai târziu. Nu am nicio teamă de a-și schimba imaginea sau de a-și distruge viața. . Dar dacă pierd contactul cu imaginea, se dovedește murdărie și mizerie. Dacă nu, atunci este armonie pură, ușurința în care iei și daruiești."

Joan Miro „Bărbat și femeie în fața unui morman de excremente”
1935, cupru, ulei, 23x32 cm
Fundația Joan Miro, Spania

Bun titlu. Și cine ar fi crezut că această poză ne vorbește despre ororile războaielor civile. Pictura a fost realizată pe o foaie de cupru în săptămâna dintre 15 și 22 octombrie 1935.

Potrivit lui Miro, acesta este rezultatul unei încercări de a portretiza tragedia război civilîn Spania. Miro a spus că aceasta este o poză despre o perioadă de neliniște.

Tabloul înfățișează un bărbat și o femeie care își întind brațele unul altuia, dar fără să se miște. Organele genitale mărite și culorile de rău augur au fost descrise drept „pline de dezgust și sexualitate dezgustătoare”.

Jacek Jerka „Eroziune”

Neosuprrealistul polonez este cunoscut în întreaga lume pentru picturile sale uimitoare, în care realitățile se unesc pentru a crea altele noi.

Bill Stoneham „Mâinile îi rezistă”
1972

Această lucrare, desigur, cu greu poate fi considerată o capodopera a artei mondiale, dar faptul că este ciudată este un fapt.

În jurul imaginii cu un băiat, o păpușă și palmele apăsate de sticlă, sunt legende. De la „din cauza acestei imagini mor” la „copiii din ea sunt în viață”. Poza arată cu adevărat înfiorător, ceea ce dă naștere la o mulțime de temeri și presupuneri la oamenii cu un psihic slab.

Artistul, pe de altă parte, a asigurat că pictura s-a înfățișat pe sine la vârsta de cinci ani, că ușa era o reprezentare a liniei de demarcație dintre lumea realăși lumea viselor, iar păpușa este un ghid care îl poate conduce pe băiat prin această lume. Mâinile reprezintă vieți sau posibilități alternative.

Pictura a câștigat notorietate în februarie 2000, când a fost listată spre vânzare pe eBay, cu o poveste de fundal care spunea că tabloul a fost „bântuit”.

„Hands Resist Him” a fost cumpărat cu 1.025 USD de Kim Smith, care a fost apoi inundat de scrisori de la povești înfiorătoare despre cum au apărut halucinațiile, oamenii chiar au înnebunit uitându-se la lucrare și au cerut să ardă imaginea

Când o persoană, dintr-un motiv oarecare, nu vrea să se bazeze pe moduri traditionale creând imagini, apoi încep experimentele. Când nu este mulțumit de „realismul” din lucrările sale, când lucrările lui Leonardo și Boucher par plictisitoare și neinteresante, se naște o nouă privire asupra artei. Când pentru el jocul cu trecutul devine o modalitate de a privi în viitor, apare o altă artă. Adevărat, uneori, astfel de aspirații trec granița, transformându-se în ceva departe de artă, iar atunci principalul lucru este să surprinzi cu originalitate.

Deci, artiști neobișnuiți, moduri neobișnuite creând tablouri și picturi neobișnuite.

DESPRE valoare artistică nu voi vorbi. Fiecare dintre autorii enumerați se numește artist, creator. Fiecare dintre spectatori va determina singur ce este artă și ce nu, precum și linia dincolo de care nu există deja scandalos, dar există ceva de neînțeles.

Hong roșu

Autorul care m-a cucerit cu o privire neobișnuită asupra celor mai obișnuite obiecte sau nu tocmai obiecte. Pentru ea, creativitatea nu se limitează la vopsele și pensule, pentru că este mult mai interesant să dai frâu liber fanteziei și să o lași să se transforme în ceva interesant și viu. Și fantezia este așa ceva încât poate duce la ideea de a folosi o ceașcă de cafea sau o minge de baschet în loc de perie, sau, în general, te poți descurca cu șosete.
"Când am vizitat pentru prima dată Shanghai, am dat peste o alee veche pe care lenjeria se dezvolta pe bețișoare de bambus ieșite din ferestrele caselor. A fost o priveliște incredibil de frumoasă! Un lucru uimitor sunt astfel de tradiții într-o metropolă modernă plină de viață. M-a inspirat să creez ceva neobișnuit din lucrurile obișnuite din zona mea natală"

Carne Griffiths

Și ce se întâmplă dacă, împreună cu culorile obișnuite, folosești și altele neobișnuite? Nu, nu magie, dar destul de obișnuite aproape vopsele, mai ales dacă le scapi rochie albă. Ce se întâmplă dacă folosești ceai sau brandy ca vopsea, sau poate whisky sau vodcă? Și rezultatul va fi aerisit, fără pete negre, plămânii plini linii de lucru care atrag cu o simbioză ciudat de atractivă între uman și natural.

Vinicius Quesada

După cum se spune - Sângele este viață?: Atunci artistul Vinicius Quesada a dat viață operei sale în sens literal, pentru că pictează cu propriul sânge. Picturile sunt ciudat de atractive în nuanțele lor de roșu.

Iordan Eagles

Lucrările acestui artist, care folosește și sânge, deși nu al său, dar luat la abator, surprind și mai mult. Jordan Eagles creează ceva înfricoșător de atractiv, mai ales când știi ce și cum își creează opera. Folosind diferite tehnici, el transformă sângele însuși într-un obiect de artă.

Jordan McKenzie

Jordan McKenzie a mers și mai departe, care creează și cu lichid din corpul uman. Pentru lucrările sale, folosește pânza, mâinile și... penisul său. Totul este surprinzător de simplu - un strop de spermă pe pânză, puțină prelucrare tehnică și imaginea este gata. Dintr-o astfel de creativitate este o plăcere și nu ai nevoie de mirosul răutăcios de sânge, pensule pentru desen și chiar și o ceașcă de cafea.

Millie Brown

Millie Brown varsă și lichide, dar acum acestea nu sunt în întregime naturale.

Elisabetta Rogai

Dar Elisabetta Rogai își creează lucrările din material rafinat - vin alb și roșu. Acest lucru, s-ar părea, ar trebui să-i limiteze paleta de culori, dar acest lucru nu interferează deloc cu munca ei.

Judith Brown

Va fi problematic să pictezi o imagine fără mâini, dar dacă mâinile înseși devin o perie și creează. Ce se va întâmpla dacă degetele devin un instrument, iar praful de cărbune obișnuit înflorește într-o varietate de forme și tipuri? Și vor ieși lucrările artistei Judith Brown, care îmbină într-un mod ciudat imagini abstracte și concrete.

Doug Landis

Și poți desena fără mâini, ca Doug Landis (Doug Landis). După ce a rămas paralizat, a început să deseneze cu creionul în gură! Și rămâne doar să-i invidiezi forța.

Tim Patch

Faceți cunoștință cu Tim Patch, alias Prickasso, alias artistul penisului. De ce un penisist? Și pentru că desenează pentru ei.

Ani Kay

O altă persoană crede că poate crea o operă de artă fără a folosi pensule sau creioane tradiționale și nu are nevoie de mâini. De asemenea, este un susținător al ideii că desenul cu mâinile este plictisitor. Ani Kay a decis să deseneze cu limba.

Natalie Irish

Sărutul, după cum se dovedește, sunt multe lucruri pe care nu le știm despre el. La urma urmei, poți crea cu un sărut, punând dragostea ta în ceea ce se creează. De fapt, asta face artista Natalie Irish - pictează cu sărutări și ruj.

Kira Ayn Varszegi

Poți folosi mâinile, poți folosi penisul, poți folosi buzele, dar de ce pieptul nu este un instrument, s-a gândit Kira Ein Varzeji și a început să creeze. Pictează cu sânii, dar fiind limitată de forma sânului în sine, creează imagini abstracte, spre deosebire de același Patch, care reușește chiar să realizeze portrete. Dar Kira are totul în față! Mult succes în acest domeniu dificil al artei.

Stephen Murmer.

Nu departe de ei și de Stephen Murmer, care desenează fesele.

Ungeți al cincilea punct cu vopsea, așezați-vă pe pânză și gata! Și dacă ceva lipsește, atunci puteți urma exemplul aceluiași Patch. Și, în general, le puteți desena pe amândouă simultan. După cum se spune - ieftin și vesel, deși m-am entuziasmat de ieftin - aceste tablouri au un preț considerabil.

Martin von Ostrowski

„Artistul are dreptul de a folosi materiale cu prezența particulei autorului pentru a arăta sau dovedi că face parte din lumea organică. Sperma îmi păstrează genele care joacă rol important pentru a reproduce o ființă umană împreună cu un ou femelă. Și în fecalele mele există microorganisme care trăiesc în simbioză cu alimentele digerate. Așadar, artistul face parte dintr-un mare complex de nenumărate lumi organice și, pentru a nu se pierde în el, trebuie să lase o amprentă tangibilă asupra artei pe care o creează.

Și până la urmă te poți desena singur

sau oameni celebri

sau aceste portrete, folosind sperma pentru a crea.

P/S/ are și lucrări mai puțin „uimitoare”.

Chris Ofili

Poate nu chiar atât de original. Puteți folosi secreții animale în locul celor umane. Aici vă va plăcea culoarea evidențierii elefantului și luați-o, folosiți-o, nimeni nu va spune un cuvânt. Mai mult, oferă o astfel de amploare în alegerea nuanțelor de maro. Ce a căzut de fapt pentru Chris Ofili.

Mark Quinn

Puteți desena cu sânge uman, dar puteți face și sculpturi din el. Îngheţat. Da, și din a lui. Un astfel de portret ia aproximativ 4 litri de sânge, dacă nu mai mult.

Val Thompson

Dar poți trage nu numai cu sânge și tot felul de secreții. Puteți desena după persoana însăși, sau mai degrabă după ce a mai rămas din ea după moarte. Cenușă, de exemplu, așa cum face Val Thompson. Din cenușă s-au făcut deja diamante artificiale, acum mai poți desena, tot ce ai nevoie este să-l amesteci cu vopsele.

Xiang Chen

Toată lumea poate desena, principalul lucru este că ochii nu se tem, dar mâinile da. Dar uneori ochiul însuși devine un instrument pentru creator, în cel mai adevărat sens al cuvântului. Artistul Xiang Chen pictează cu ochii folosind un instrument special.

Va urma...

Desenați cu un cuțit, gumă de mestecat, bandă adezivă, cuie sau cârlige, cuvinte și panglici, bacterii... nu există nicio barieră în calea imaginației umane.