Lista de picturi a artiștilor renascentist. Pictura înaltă renaștere. Trăsături caracteristice în arta Renașterii

7 august 2014

Elevi universități de artă iar oamenii interesați de istoria artei știu că la începutul secolelor XIV-XV a avut loc o schimbare bruscă în pictură - Renașterea. În jurul anilor 1420, toată lumea a devenit brusc mult mai bună la desen. De ce imaginile au devenit dintr-o dată atât de realiste și detaliate și de ce au apărut lumina și volumul în picturi? Nimeni nu s-a gândit multă vreme la asta. Până când David Hockney a luat o lupă.

Să aflăm ce a descoperit...

Într-o zi se uita la desenele lui Jean Auguste Dominique Ingres ( Jean Auguste Dominique Ingres) - conducător al școlii academice franceze din secolul al XIX-lea. Hockney a devenit interesat să-și vadă micile desene la scară mai mare și le-a mărit pe un fotocopiator. Așa a dat peste latura secretă a istoriei picturii încă din Renaștere.

După ce a făcut fotocopii ale desenelor mici ale lui Ingres (aproximativ 30 de centimetri), Hockney a fost uimit de cât de realiste erau. Și, de asemenea, i se părea că replicile lui Ingres erau ceva pentru el
reaminti. S-a dovedit că i-au amintit de lucrările lui Warhol. Și Warhol a făcut asta - a proiectat o fotografie pe o pânză și a conturat-o.

Stânga: detaliu al desenului lui Ingres. Dreapta: desen de Warhol cu ​​Mao Zedong

Lucruri interesante, spune Hockney. Aparent, Ingres a folosit Camera Lucida - un dispozitiv care este o structură cu o prismă care este montată, de exemplu, pe un suport pe o tabletă. Astfel, artistul, privind desenul său cu un ochi, vede imaginea reală, iar cu celălalt - desenul propriu-zis și mâna. Se dovedește iluzie optica, permițându-vă să transferați cu precizie proporții reale pe hârtie. Și aceasta este tocmai „garanția” realismului imaginii.

Desenarea unui portret folosind o cameră lucida, 1807

Apoi Hockney a devenit serios interesat de acest tip „optic” de desene și picturi. În studioul său, el și echipa sa au atârnat pe pereți sute de reproduceri ale picturilor create de-a lungul secolelor. Lucrări care păreau „reale” și cele care nu. Aranjați pe timp de creație și regiune - nord în partea de sus, sud în jos, Hockney și echipa sa au văzut o schimbare bruscă în pictură la începutul secolelor XIV-XV. În general, toți cei care știu chiar și puțin despre istoria artei știe acest lucru - Renașterea.

Poate au folosit aceeași cameră-lucida? A fost brevetat în 1807 de William Hyde Wollaston. Deși, de fapt, un astfel de dispozitiv a fost descris de Johannes Kepler încă din 1611 în lucrarea sa Dioptrice. Atunci poate au folosit un alt dispozitiv optic - o camera obscura? Este cunoscută încă de pe vremea lui Aristotel și este o cameră întunecată în care pătrunde lumina printr-un mic orificiu și astfel în camera întunecată se obține o proiecție a ceea ce este în fața găurii, dar inversată. Totul ar fi bine, dar imaginea care se obține atunci când este proiectată de o cameră pinhole fără obiectiv, ca să spunem ușor, nu este de înaltă calitate, nu este clară, necesită multă lumină puternică, ca să nu mai vorbim de dimensiune a proiecției. Dar lentilele de înaltă calitate erau aproape imposibil de realizat până în secolul al XVI-lea, deoarece nu existau modalități de a obține o sticlă de înaltă calitate la acea vreme. Afaceri, se gândi Hockney, care în acel moment se lupta deja cu problema cu fizicianul Charles Falco.

Cu toate acestea, există un tablou de Jan Van Eyck, un maestru din Bruges, un pictor flamand al Renașterii timpurii, care conține un indiciu. Pictura se numește „Portretul cuplului Arnolfini”.

Jan Van Eyck „Portretul cuplului Arnolfini” 1434

Pictura pur și simplu strălucește cu o cantitate imensă de detalii, ceea ce este destul de interesant, deoarece a fost pictat abia în 1434. Și un indiciu despre cum a reușit autorul să facă asta pas mareînainte în realismul imaginii, o oglindă servește. Și, de asemenea, un sfeșnic - incredibil de complex și realist.

Hockney izbucnea de curiozitate. A pus mâna pe o copie a unui astfel de candelabru și a încercat să o deseneze. Artistul s-a confruntat cu faptul că un lucru atât de complex este greu de desenat în perspectivă. Încă una punct important era materialitatea imaginii acestui obiect metalic. Când înfățișați un obiect din oțel, este foarte important să poziționați elementele evidențiate cât mai realist posibil, deoarece acest lucru oferă un realism deosebit. Dar problema cu aceste momente evidențiate este că se mișcă atunci când ochiul privitorului sau al artistului se mișcă, ceea ce înseamnă că nu sunt deloc ușor de surprins. ȘI imagine realistă metal și strălucire – și asta trăsătură distinctivă picturi ale Renașterii, înainte de asta artiștii nici măcar nu încercaseră să facă acest lucru.

Recreând un model 3D precis al candelabrului, echipa lui Hockney s-a asigurat că candelabru din Portretul Arnolfini a fost desenat cu precizie în perspectivă, cu un singur punct de fuga. Dar problema a fost că instrumente optice atât de precise precum o cameră obscura cu lentilă nu au existat decât la aproximativ un secol de la crearea picturii.

Fragment din pictura lui Jan Van Eyck „Portretul cuplului Arnolfini” 1434

Fragmentul mărit arată că oglinda din tabloul „Portretul cuplului Arnolfini” este convexă. Aceasta înseamnă că au existat și oglinzi, dimpotrivă - concave. Mai mult, în acele vremuri, astfel de oglinzi erau făcute în acest fel - a fost luată o sferă de sticlă, iar fundul ei a fost acoperit cu argint, apoi totul, cu excepția fundului, a fost tăiat. Partea din spate a oglinzii nu era întunecată. Aceasta înseamnă că oglinda concavă a lui Jan Van Eyck ar putea fi aceeași oglindă care este reprezentată în pictură, doar cu reversul. Și orice fizician știe că o astfel de oglindă, atunci când este reflectată, proiectează o imagine a ceea ce este reflectat. Aici, prietenul său, fizicianul Charles Falco l-a ajutat pe David Hockney cu calcule și cercetări.

O oglindă concavă proiectează o imagine a turnului în afara ferestrei pe pânză.

Dimensiunea părții clare și focalizate a proiecției este de aproximativ 30 centimetri pătrați- și aceasta este exact dimensiunea capetelor din multe portrete renascentiste.

Hockney conturează proiecția unui bărbat pe pânză

Aceasta este dimensiunea, de exemplu, a portretului „Doge Leonardo Loredan” de Giovanni Bellini (1501), portretul unui bărbat de Robert Campin (1430), portretul propriu-zis al lui Jan Van Eyck „un bărbat în turban roșu”. ” și multe alte portrete olandeze timpurii.

Portrete renascentiste

Pictura era o muncă foarte bine plătită și, desigur, toate secretele de afaceri erau păstrate în cea mai strictă confidențialitate. Pentru artist a fost benefic ca toți oamenii neinițiați să creadă că secretele sunt în mâinile maestrului și nu pot fi furate. Afacerea era închisă străinilor - artiștii erau membri ai breslei și cei mai mulți diferiți maeștri- de la cei care făceau șei până la cei care făceau oglinzi. Iar în Breasla Sfântului Luca, fondată la Anvers și menționată pentru prima dată în 1382 (atunci s-au deschis bresle similare în multe orașe din nord, iar una dintre cele mai mari a fost breasla din Bruges, orașul în care locuia Van Eyck) erau și maeștri care făceau oglinzi. .

Așa a recreat Hockney cum ar putea fi pictat un candelabru complex dintr-un tablou Van Eyck. Nu este deloc surprinzător faptul că dimensiunea candelabrului proiectat de Hockney se potrivește exact cu dimensiunea candelabrului din tabloul „Portret al cuplului Arnolfini”. Și, desigur, evidențierea metalului - pe proiecție stau nemișcate și nu se schimbă atunci când artistul își schimbă poziția.

Dar problema încă nu este complet rezolvată, deoarece apariția opticii de înaltă calitate, care este necesară pentru utilizarea unei camere obscure, a fost la 100 de ani distanță, iar dimensiunea proiecției obținute cu ajutorul unei oglinzi este foarte mică. Cum să pictezi tablouri mai mari de 30 de centimetri pătrați? Au fost create ca un colaj - din multe puncte de vedere, a fost ca o viziune sferică cu multe puncte de fugă. Hockney a înțeles asta pentru că el însuși a făcut astfel de poze - a făcut multe colaje foto care realizează exact același efect.

Aproape un secol mai târziu, în anii 1500 a devenit în sfârșit posibilă obținerea și prelucrarea bine a sticlei - au apărut lentilele mari. Și în cele din urmă puteau fi introduse într-o camera obscura, al cărei principiu de funcționare era cunoscut încă din cele mai vechi timpuri. Obiectivul camerei obscure a reprezentat o revoluție incredibilă în arta vizuală, deoarece proiecția putea avea acum orice dimensiune. Și încă ceva, acum imaginea nu era „unghi larg”, ci aproximativ de aspect normal - adică aproximativ la fel ca și astăzi când este fotografiată cu un obiectiv cu o distanță focală de 35-50 mm.

Cu toate acestea, problema cu utilizarea unei camere pinhole cu un obiectiv este că proiecția înainte de la obiectiv este o imagine în oglindă. Aceasta a dus la un numar mare stângaci în pictură în primele etape de utilizare a opticii. Ca în acest tablou din anii 1600 de la Muzeul Frans Hals, unde un cuplu de stângaci dansează, un bătrân stângaci scutură degetul spre ei, iar o maimuță stângacă se uită pe sub rochia femeii.

Toți cei din această imagine sunt stângaci

Problema se rezolva prin instalarea unei oglinzi in care este indreptata lentila, obtinandu-se astfel proiectia corecta. Dar se pare că o oglindă bună, netedă și mare a costat mulți bani, așa că nu toată lumea o avea.

O altă problemă a fost concentrarea. Cert este că unele părți ale imaginii, la o poziție a pânzei sub razele de proiecție, erau nefocalizate și nu erau clare. În lucrările lui Jan Vermeer, unde utilizarea opticii este destul de evidentă, lucrările sale arată în general ca niște fotografii, puteți observa și locuri lipsite de „focalizare”. Puteți vedea chiar și modelul pe care îl produce obiectivul - notoriul „bokeh”. Ca aici, de exemplu, în tabloul „Lăptașa” (1658), coșul, pâinea din el și vaza albastră sunt nefocalizate. Dar ochiul uman nu poate vedea „în afara focalizării”.

Unele părți ale imaginii nu sunt focalizate

Și în lumina tuturor acestor lucruri, nu este deloc surprinzător că prieten bun John Vermeer a fost Antony Phillips van Leeuwenhoek, om de știință și microbiolog, precum și maestru unic, care și-a creat propriile microscoape și lentile. Omul de știință a devenit administratorul postum al artistului. Acest lucru sugerează că Vermeer și-a descris prietenul pe două pânze - „Geograf” și „Astronomer”.

Pentru a vedea orice parte în focalizare, trebuie să schimbați poziția pânzei sub razele de proiecție. Dar în acest caz au apărut erori de proporții. După cum puteți vedea aici: umărul uriaș al „Anthea” de Parmigianino (circa 1537), capul mic al „Lady Genovese” de Anthony Van Dyck (1626), picioarele uriașe ale unui țăran într-un tablou de Georges de La Tour .

Erori de proporții

Desigur, toți artiștii au folosit lentile în mod diferit. Unele erau pentru schițe, altele erau compuse din diferite părți - la urma urmei, acum era posibil să faci un portret și să termine totul cu alt model sau chiar cu un manechin.

Aproape că nu există desene lăsate de Velazquez. Cu toate acestea, capodopera sa a rămas - un portret al Papei Inocențiu al X-lea (1650). Există un minunat joc de lumină pe mantia papei - evident mătase. Blikov. Și pentru a scrie toate acestea dintr-un punct de vedere, a fost nevoie de mult efort. Dar dacă faci o proiecție, atunci toată această frumusețe nu va fugi nicăieri - luminile nu se mai mișcă, poți picta cu acele lovituri largi și rapide precum Velasquez.

Hockney reproduce pictura lui Velazquez

Ulterior, mulți artiști și-au putut permite o cameră obscura, iar aceasta a încetat să mai fie un mare secret. Canaletto a folosit în mod activ camera pentru a-și crea vederile despre Veneția și nu a ascuns-o. Aceste picturi, datorită acurateții lor, ne permit să vorbim despre Canaletto ca documentarist. Datorită Canaletto, puteți vedea mai mult decât doar imagine frumoasă, dar și povestea în sine. Puteți vedea cum arăta primul pod Westminster din Londra în 1746.

Canaletto „Podul Westminster” 1746

Artistul britanic Sir Joshua Reynolds deținea o cameră obscura și se pare că nu a spus nimănui despre asta, deoarece camera lui se pliază și arată ca o carte. Astăzi se află în Muzeul de Știință din Londra.

Camera obscura deghizată în carte

În cele din urmă, la începutul secolului al XIX-lea, William Henry Fox Talbot, folosind o cameră lucidă - cea în care trebuie să privești cu un ochi și să desenezi cu mâinile, a înjurat, hotărând că un astfel de inconvenient trebuie pus capăt odată pentru o dată. toate, și a devenit unul dintre inventatorii fotografiei chimice, iar mai târziu un popularizator care a făcut-o în masă.

Odată cu inventarea fotografiei, monopolul picturii asupra realismului unei imagini a dispărut acum fotografia a devenit monopolistă. Și iată, în cele din urmă, pictura s-a eliberat de lentile, continuând drumul din care a cotit în anii 1400, iar Van Gogh a devenit precursorul întregii arte a secolului XX.

Stânga: mozaic bizantin din secolul al XII-lea. Dreapta: Vincent Van Gogh, Portretul domnului Trabuc, 1889.

Invenția fotografiei este cel mai bun lucru care i s-a întâmplat picturii în întreaga sa istorie. Nu a mai fost necesar să se creeze imagini exclusiv reale, artistul a devenit liber. Desigur, i-a luat publicului un secol să ajungă din urmă cu artiștii în ceea ce privește înțelegerea muzicii vizuale și să nu mai creadă că oameni precum Van Gogh sunt „nebuni”. În același timp, artiștii au început să folosească în mod activ fotografiile ca „ material de referinta" Apoi au apărut oameni precum Wassily Kandinsky, avangarda rusă, Mark Rothko, Jackson Pollock. În urma picturii, arhitectura, sculptura și muzica s-au eliberat de asemenea. Adevărat, școala academică rusă de pictură este blocată în timp, iar astăzi în academii și școli este încă considerată o rușine să folosești fotografia ca ajutor, iar cea mai mare ispravă este considerată a fi capacitatea pur tehnică de a picta cât mai realist posibil. cu mâinile goale.

Datorită unui articol al jurnalistului Lawrence Weschler, care a fost prezent în timpul cercetărilor lui David Hockney și Falco, un alt fapt interesant: Portretul lui Van Eyck al cuplului Arnolfini este portretul unui negustor italian din Bruges. Domnul Arnolfini este florentin și, în plus, este un reprezentant al băncii Medici (practic maeștrii Florenței din perioada Renașterii, sunt considerați patroni ai artei de atunci în Italia). Ce înseamnă acest lucru? Faptul că ar fi putut cu ușurință să ia cu el secretul Breslei Sf. Luca - oglinda - la Florența, în care, după cum se crede, istoria traditionala, și a început Renașterea, iar artiștii din Bruges (și, în consecință, alți maeștri) sunt considerați „primitiviști”.

Există o mulțime de controverse în jurul teoriei Hockney-Falco. Dar există cu siguranță un sâmbure de adevăr în ea. În ceea ce privește criticii de artă, criticii și istoricii de artă, este greu de imaginat câte lucrări științifice despre istorie și artă s-au dovedit de fapt a fi un nonsens complet, dar asta schimbă întreaga istorie a artei, toate teoriile și textele lor.

Faptele de utilizare a opticii nu diminuează în niciun fel talentele artiștilor - la urma urmei, tehnologia este un mijloc de a transmite ceea ce își dorește artistul. Și invers, faptul că aceste picturi conțin cea mai reală realitate nu face decât să le adauge greutate - până la urmă, așa arătau oamenii din acea vreme, lucrurile, localurile, orașele. Acestea sunt actele reale.

Pictura Italiei în timpul Renașterii este un fenomen cu adevărat grandios. Niciuna dintre epocile ulterioare, nici vreuna dintre școlile naționale nu cunoșteau atât de multe nume strălucitoare. Nu este o coincidență că, în secolele următoare, artiștii și-au atras invariabil experiența și inspirația din artele plastice ale Renașterii italiene.

În sistemul de vederi renascentist, un rol deosebit a aparținut artelor vizuale. În timpul Renașterii, omul s-a simțit capabil să înțeleagă lumea, dar la început lumea însăși i s-a părut, ca în Evul Mediu, ca o operă de artă grandioasă, creația celui mai mare artist - Dumnezeu.

Masaccio „Trinitatea” 1426-1428. Biserica Santa Maria Novella Datorită utilizării cu pricepere a clarobscurului și cunoașterii legilor perspectivei, Masaccio a dat imaginii o convingere reală. „Trinitate” (1425-1428).

Astfel, imaginea lumii a fost considerată una dintre modalitățile de a o înțelege. Dezvoltarea sistemului de perspectivă directă a făcut din pictură cea mai „umanizată” formă de artă - ochiul privitorului a devenit „punctul de referință” în „spațiul” picturii. Apariția și răspândirea vopselelor în ulei au deschis o cale promițătoare pentru dezvoltarea principiilor tonale și luminoase.

Bătălia de la San Romano (1440-1450), extrem de complexă din punct de vedere compozițional, picturile inovatoare ale lui Uccello nu au găsit adesea înțelegere printre contemporanii săi.

Picturi din Florența, Siena și Perugia.

Pictura florentină a Renașterii timpurii, care a experimentat activ în domeniul perspectivei spațiale, a jucat un rol important în dezvoltarea artei plastice italiene. Capacitatea de a transmite relațiile spațiului real pe un plan a ridicat foarte mult statutul social al artistului, transferându-l din poziția de modest artizan - decorator la categoria unui geometru științific, cuprinzând legile structurii lumii.

Angelico este un artist de cea mai profundă credință. Madonele sale sunt idealul frumuseții spirituale și al evlaviei.

Brunelleschi la începutul anilor 1420 a creat două tablouri cu priveliști ale Florenței, care i-au încântat pe contemporanii săi cu acuratețea lor iluzorie, dar nu au putut fi privite decât cu ajutorul unui sistem ingenios de oglinzi și ferestre. Reproducerea adâncimii spațiului pentru un privitor real pe orice placă sau perete, menținând în același timp unitatea optică a imaginii, necesită nu numai cunoștințele, ci și experiența și flerul unui pictor de înaltă profesie. Masaccio (1401-1428) poseda toate aceste calități. Pictat de el în 1427-1428. Capela Brancacci din biserica florentină Santa Maria del Carmine a devenit imediat un fel de școală pentru artiști.

Piero della Francesca a devenit faimos pentru măiestria sa uimitoare a culorilor.

Un admirator pasionat al lui Masaccio a fost Uccello (1397-1475), un adevărat cântăreț al detaliilor. Artistul și-a petrecut nopțile schițând câteva mici detalii dintr-o perspectivă complexă, de exemplu, structura penajului unei păsări zburătoare. Un alt adept al lui Masaccio, maestrul formelor lapidare severe, Andrea del Castagno (circa 1421-1457), a devenit cel mai faimos pentru pictura sălii de la Vila Carducci, înfățișându-l, printre altele, pe condotierul Pippo Spano, un spaniol care la sfârșitul vieții sale a devenit conducătorul Croației.

Stilul lui Mantegna se distinge prin sculpturalism în redarea formelor volumetrice. „Judith” (circa 1490).

Figura sculptural puternică a unui războinic, care poate îndoi fără efort o lamă de oțel, invadează cu încredere spațiul sălii. Castagno a obținut această impresie deplasând mâna dreaptă și piciorul stâng al personajului său în afara cadrului decorativ al frescei.

Cu toate acestea, nu toți pictorii florentini din prima jumătate a secolului al XV-lea. erau dornici să transmită perspectiva. Astfel, artistul-călugăr Beato Angelico (circa 1400-1455) s-a inspirat în principal din miniaturi din secolul al XIV-lea.

În Giorgione, peisajul capătă o semnificație fără precedent. „Furtună” (1507-1508).

Pictura florentină de la mijlocul secolului, în comparație cu perioada anterioară, este mai calmă, dar mai puțin serioasă. Masaccio în frescele sale a sfințit existența pământească, acum? în care sunt cufundate cele mai sacre subiecte proza ​​cotidiană: aceasta este, în general, lumea picturii a lui Fra Filippo Lippi, populată de madone și îngeri drăguți, vesele, dar deloc sublimi; acesta este spectacolul complex de lux al procesiunii Magilor, prezentat în 1459 pe pereții capelei casei Medici de către artistul Benozzo Gozzoli. Sfârșitul strălucit și tragic al Renașterii florentine timpurii a fost întruchipat în picturile lui Botticelli.

Pictura lui Tizian a devenit punctul culminant al școlii venețiane. „Venus din Urbana” (1538).

Pictura din Siena este prezentată cel mai inițial de Sasseta, autorul picturii „Procesiunea Magi”. În ea, fabulozitatea strălucitoare a limbajului artistic nu interferează cu descoperirile artistice îndrăznețe. Contrastul dintre culorile groase de smalț ale primului plan și tonurile moi, deschise la orizont, este una dintre primele încercări de a descrie spațiul folosind mijloace pur picturale.

Această sarcină a fost capabilă doar de Piero della Francesca (circa 1420-1462), poate cel mai mare dintre pictorii Quattrocento. După ce s-a antrenat la Florența, el și-a dezvoltat totuși propriul stil creativ. Dacă florentinii au plasat omul în centrul universului reprezentat, atunci Piero credea că omul este doar o legătură organică lume mare natura, aceasta din urmă, cu toată diversitatea ei, este supusă legii numărului. Proporțiile corpului uman sunt formele naturii, aceasta din urmă, cu toată diversitatea ei, este supusă legii numărului. proporțiile corpului uman, formele naturii, geometria reală a planului pictural sunt relatate de artist: figura lui Hristos cu articolul său recunoscător, „în creștere” este în consonanță cu verticala trunchiului copacului; coroana sferică luxuriantă a copacului este înscrisă în mod natural în semicercul compoziției.

Punctul culminant al operei lui Piero della Francesca au fost frescele din altarul Bisericii San Francesco din Arezzo (1452-1466). Ele sunt dedicate unui subiect destul de rar - istoria Pomului Dătător de Viață, adus pe Pământ din Eden de către primii oameni, care mai târziu a fost destinat să devină instrumentul execuției lui Hristos - și cel mai mare dintre sanctuarele lumii creștine. . Artistul este străin de ideea picturii ca iluzie vizuală. Maestrul apreciază naturalul, chiar suprafața peretelui pe care scrie, transformându-i planul într-un suport pentru compozițiile sale maiestuoase și austere. El evită dificil caracteristici personale: personajele sale sunt de același tip, pentru că sunt doar actori într-o piesă universală. In multe exemple creative Piero della Francesca a revenit la experiența lui Giotto, dar în înțelegerea sa despre culoare a fost cu secole înaintea contemporanilor săi. Pictorii sunt obișnuiți să folosească culoarea ca „colorare” mecanică a liniilor sau formelor gata făcute. Pentru Pierrot, forma s-a născut din gradații subtile de culoare. Paleta lui este inepuizabil de bogată. Ochiul artistului observă nu doar culoarea naturală a obiectelor, ci și culoarea aerului lumina soarelui; o nuanță argintie ușor vizibilă conferă paletei lui Pierrot o fidelitate uimitoare, lejeritate formelor și adâncime spațiului.

Școala de pictori din Peru a înflorit brusc și strălucit în ultimele decenii ale secolului al XV-lea. Artiștii locali erau faimoși în primul rând ca maeștri ai picturilor decorative. Frescele așa-numitelor apartamente Borgia din palatul papal din Roma (1493) sunt foarte caracteristice. Autorul lor, Pinturicchio (circa 1454-1513), creează un decor luminos și complicat, în care fiecare detaliu este gândit - de la gresie colorată până la tavanele albastre strălucitoare și aurite. Perugino (1445/1452-1523) a lucrat într-o manieră mai strictă și mai calmă. Într-un efort de a dezorienta privitorul, acest maestru a replicat de bunăvoie motive frumoase, dar asemănătoare: chipuri blânde de vis, arhitectură arcuită ușoară, peisaje „Paștilor” cu copaci subțiri.

Picturi din nordul Italiei și Veneția

Pictura maeștrilor din nordul Italiei a trecut prin propriile etape, diferită de alte școli. Dacă pictura florentină, adresată în general minții, înfățișa în primul rând corpuri tridimensionale, iar maeștrii Italiei Centrale erau ghidați de sentimente și rezolvau în principal probleme spațiale, atunci principala sferă de influență estetică în rândul artiștilor școlii nord-italiene a fost imaginația, tema principală a fost substanța: textura plastică a obiectelor, aerul și lumina. Pe parcursul primei treimi a secolului al XV-lea. Centrele feudale din nordul Italiei (Ferrara, Verona, Mantua) au fost incluse în orbita așa-numitului gotic „internațional”. Principalele probleme stilistice ale acestei mișcări - sensibilitatea la fenomenele naturale, controlul magistral al liniei - și-au găsit expresie în opera lui Pisanello (1395-1455). În portretul unei prințese din casa Ferrara din Este (1430), maestrul a subliniat liniștea blândă a chipului fetei, plasându-l pe un fundal contrastant de frunziș întunecat și dur, punctat cu pete strălucitoare și tremurătoare de flori și fluturi.

Bellini este unul dintre cei mai remarcabili portretişti ai timpului său. „Portretul Dogului Leonardo Loredan” (1501-1505).

Rolul centrului culturii Renașterii în anii 1430. a dobândit Padova, oraș cu un bogat trecut antic, care în 1406 a fost anexat posesiunilor venețiene. Odată cu vechea sa universitate, Padova a devenit faimoasă pentru atelierul lui Francesc Squarcione, un pictor autodidact, un profund cunoscător al monumentelor antice, care a creat o adevărată academie, în care până la 100 de tineri au studiat simultan pictura, printre care și a adoptat lui Squarcione. fiul Andrea Mantegna (1431-1506), cel mai mare maestru al Quattrocento-ului nord-italian, care a combinat asemănarea vieții cu fantasticitatea vie în lucrările sale.

Schimbări radicale au avut loc în pictura Veneției odată cu sosirea aici a artistului sudic al Italiei Antonello da Messina (circa 1430-1479). Giovanni Bellini (circa 1430-1516) a jucat un rol major în formarea stilului original al școlii venețiane. Și-a bazat stilul pe colorism. Armonia fină a culorilor artistului pătrunsă de lumină este asemănătoare cu scenele sale idilice simple preferate, în care peisajul rural de seară joacă un rol semnificativ.

Perioada de glorie a școlii venețiane de pictură a avut loc în prima jumătate a secolului al XVI-lea, când au lucrat marii Giorgione (1477-1510) și Tizian (1488/1490-1576). Giorgione și-a creat propriul gen pictural - „poezie”. Aceste tablouri au fost pictate de el la comenzi de la persoane private și au fost dezabonate de la modern arta europeana intriga sa. Baza structurii lor figurative este imaginația capricioasă a autorului și nu orice eveniment extras dintr-o sursă istorică sau literară. Titian a moștenit lirismul lui Giorgione și l-a combinat cu o senzualitate sănătoasă și o percepție activă a existenței. Înalta Renaștere venețiană și-a găsit expresie în opera acestui maestru.

Pictura italiană a Renașterii – Giotto, Masaccio, Angelico, Titian și Giorgione actualizat: 2 iulie 2017 de: site-ul web

Numele artiștilor Renașterii au fost mult timp înconjurate de recunoașterea universală. Multe judecăți și aprecieri despre ele au devenit axiome. Și totuși, tratarea lor critică nu este doar dreptul, ci și datoria istoriei artei. Abia atunci arta lor își păstrează adevăratul sens pentru posteritate.

Piero della Francesca

Piero della Francesca a fost până de curând cel mai puțin cunoscut și recunoscut. S-a remarcat pe bună dreptate influența maeștrilor florentini de la începutul secolului al XV-lea asupra Piero della Francesca, precum și influența sa reciprocă asupra contemporanilor și succesorilor săi, în special asupra școlii venețiane. Cu toate acestea, poziția excepțională, remarcabilă a lui Piero della Francesca în Pictura italiană nu este încă suficient de realizat. Probabil, în timp, recunoașterea lui va crește.

Piero della Francesca (c. 1420-1492) artist și teoretician italian, reprezentant al Renașterii timpurii

Lucrarea sa cea mai mare și cea mai frumoasă este un ciclu de fresce pe tema „Istoria crucii” din Arezzo (1452-1466). Lucrarea s-a desfășurat după voința negustorului local Bacci. Poate că un duhovnic, executorul testamentului defunctului, a luat parte la dezvoltarea programului. Piero della Francesca s-a bazat pe așa-numita „legendă de aur” a lui J. da Voragine. A avut și predecesori printre artiști. Dar ideea principală îi aparținea în mod evident. Înțelepciunea, maturitatea și sensibilitatea poetică ale artistului strălucesc clar în el.

Cu greu singurul ciclu pictural din Italia din acea vreme, „Istoria Crucii”, are un dublu sens. Pe de o parte, aici este prezentat tot ceea ce este relatat în legenda despre cum a crescut copacul din care a fost făcută crucea Calvarului și cum s-a manifestat ulterior puterea lui miraculoasă. Dar din moment ce picturile individuale nu merg bine succesiune cronologică, acest sens literal pare să se retragă în fundal. Artistul a aranjat picturile în așa fel încât să dea o idee despre diferitele forme de viață umană: despre patriarhal - în scena morții lui Adam și în transferul crucii de către Heraclius, despre secular, curte. , urban - în scenele Reginei din Saba și în Aflarea crucii, și în cele din urmă despre militar, luptă - în „Victoria lui Constantin” și în „Victoria lui Heraclius”. În esență, Piero della Francesca a acoperit aproape toate aspectele vieții. Ciclul său a cuprins: istorie, legendă, viață, muncă, imagini ale naturii și portrete ale contemporanilor. În orașul Arezzo, în biserica San Francesco, subordonată politic Florenței, a existat cel mai remarcabil ciclu de fresce al Renașterii italiene.

Arta lui Piero della Francesca este mai mult reală decât ideală. În el domnește un principiu rațional, dar nu și raționalitatea, care poate îneca vocea inimii. Și în acest sens, Piero della Francesca personifică cele mai strălucitoare și mai fructuoase forțe ale Renașterii.

Andrea Mantegna

Numele lui Mantegna este asociat cu ideea unui artist umanist, îndrăgostit de antichitățile romane, înarmat cu vaste cunoștințe despre arheologia antică. Toată viața i-a slujit pe ducii de Mantua d'Este, a fost pictorul lor de curte, le-a îndeplinit instrucțiunile, i-a slujit cu fidelitate (deși nu i-au dat întotdeauna ceea ce merita, dar în adâncul sufletului și în artă era). independent, închinat înaltului său idealul vitejii străvechi, fanatic fidel dorinței sale de a da lucrărilor sale o precizie de bijutier. Aceasta a necesitat un efort enorm de forță spirituală se deosebeşte de arta lui Piero della Francesca şi se apropie de Donatello.

Andrea Mantegna. Autoportret în Capela Ovetari

El gloriifică vitejia romană, aproape mai bine decât au făcut-o romanii înșiși. Eroii săi sunt blindați și statuari. Munții săi stâncoși sunt sculptați cu precizie de dalta unui sculptor. Chiar și norii care plutesc pe cer par să fie turnați din metal. Printre aceste fosile și piese turnate, acționează eroi înrăutăți de luptă, curajoși, severi, perseverenți, devotați simțului datoriei, dreptății și gata de sacrificiu de sine. Oamenii se mișcă liber în spațiu, dar, aliniându-se într-un rând, formează o aparență de reliefuri de piatră. Această lume a lui Mantegna nu vrăjește ochiul; Dar nu se poate să nu admită că a fost creat de impulsul spiritual al artistului. Și, prin urmare, importanța decisivă aici a fost erudiția umanistă a artistului, nu sfaturile prietenilor săi învățați, ci imaginația sa puternică, pasiunea legată de voință și pricepere încrezătoare.

În fața noastră se află unul dintre fenomenele semnificative din istoria artei: marii maeștri, prin puterea intuiției lor, stau în linie cu strămoșii lor îndepărtați și realizează ceea ce nu se poate face. mai târziu la artiști care au studiat trecutul, dar nu au putut să-l egaleze.

Sandro Botticelli

Botticelli a fost descoperit de prerafaeliții englezi. Cu toate acestea, chiar și la începutul secolului al XX-lea, în ciuda toată admirația pentru talentul său, nu l-au „iertat” pentru abaterile de la regulile general acceptate - perspectivă, lumină și umbră, anatomie. Ulterior, s-a decis că Botticelli s-a întors la gotic. Sociologia vulgară și-a rezumat explicația pentru aceasta: „reacția feudală” din Florența. Interpretările iconologice au stabilit legăturile lui Botticelli cu cercul neoplatoniștilor florentini, evident mai ales în celebrele sale picturi „Primăvara” și „Nașterea lui Venus”.

Autoportret al lui Sandro Botticelli, fragment din compoziția de altar „Adorarea magilor” (circa 1475)

Citind comentariile academice moderne despre acest tablou, este greu de crezut că artistul însuși ar putea pătrunde atât de adânc în intriga mitologică pentru a veni cu tot felul de subtilități în interpretarea figurilor, care nici astăzi nu pot fi înțelese dintr-o privire. , dar pe vremuri, se pare, erau înțelese doar în cana Medici. Este mai probabil ca acestea să fi fost sugerate artistului de către un erudit și acesta a reușit să realizeze faptul că artistul a început să traducă interliniar secvența verbală în cea vizuală. Cel mai încântător lucru despre pictura lui Botticelli sunt figurile și grupurile individuale, în special grupul celor Trei Grații. În ciuda faptului că a fost reprodus de un număr infinit de ori, nu și-a pierdut farmecul până în prezent. De fiecare dată când o vezi, experimentezi un nou atac de admirație. Cu adevărat, Botticelli a reușit să comunice cu creaturile sale tinerete Eterna. Unul dintre comentatorii savanți ai picturii a sugerat că dansul grațiilor exprimă ideea de armonie și discordie, despre care neoplatoniștii florentini au vorbit adesea.

Botticelli deține ilustrații de neegalat pentru „ Comedie divină„Cine și-a văzut foile își va aminti invariabil când îl citește pe Dante. El, ca nimeni altcineva, a fost impregnat de spiritul poemului lui Dante. Unele dintre desenele lui Dante au caracterul unei căptușeli grafice precise pentru poem. Dar cele mai frumoase sunt cele în care artistul își imaginează și compune în spiritul lui Dante Sunt mai multe dintre ilustrațiile paradisului S-ar părea că pictura paradisului a fost cea mai dificilă pentru artiștii Renașterii, care au iubit atât de mult pământul parfumat, Botticelli nu renunță. perspectiva Renașterii, impresiile spațiale, în funcție de punctul de vedere al privitorului în paradis, el se ridică pentru a transmite esența neperspectivă a obiectelor în sine se potrivesc într-un cerc, ca într-un simbol al sferei cerești.

Leonardo da Vinci

Leonardo este unul dintre geniile general recunoscute ale Renașterii. Mulți îl consideră primul artist al vremii, în orice caz, numele lui vine în minte în primul rând când vine vorba de oameni minunati Renaştere. Și de aceea este atât de greu să vă abateți de la opiniile obișnuite și să luați în considerare moștenirea sa artistică cu o minte imparțială.

Autoportret în care Leonardo s-a portretizat ca un bătrân înțelept. Desenul este păstrat la Biblioteca Regală din Torino. 1512

Leonardo a fost un mare om de știință, un gânditor perspicace, un scriitor, autorul Tratatului și un inginer inventiv. Completitudinea sa l-a ridicat deasupra nivelului majorității artiștilor din acea vreme și, în același timp, i-a pus o sarcină dificilă - de a combina o abordare analitică științifică cu capacitatea artistului de a vedea lumea și de a se preda direct sentimentelor. Această sarcină a ocupat ulterior mulți artiști și scriitori. Pentru Leonardo, a căpătat caracterul unei probleme insolubile.

Să uităm o vreme tot ce ne șoptește frumos mit despre un artist - un om de știință și îi vom judeca pictura în același mod în care judecăm pictura altor maeștri ai timpului său. Ce face ca munca lui să iasă în evidență de a lor? În primul rând, vigilență a viziunii și înaltă artă de execuție. Ele poartă amprenta măiestriei rafinate și a celui mai bun gust. În tabloul „Botezul” al profesorului său Verrocchio, tânărul Leonardo a pictat un înger atât de sublim și sublim, încât alături de el drăguțul înger Verrocchio pare rustic și josnic. De-a lungul anilor, „aristocrația estetică” s-a intensificat și mai mult în arta lui Leonardo. Aceasta nu înseamnă că la curțile suveranelor arta lui a devenit curtenească și curtenească. În orice caz, Madonele lui nu pot fi numite niciodată femei țărănești.

A aparținut aceleiași generații cu Botticelli, dar a vorbit dezaprobator, chiar batjocoritor despre el, considerându-l în urmă vremurilor. Leonardo însuși a căutat să continue căutarea predecesorilor săi în artă. Nelimitându-se la spațiu și volum, el își pune sarcina de a stăpâni mediul de lumină-aer care învăluie obiectele. Aceasta a însemnat următorul pas în înțelegerea artistică lumea reala, a deschis într-o oarecare măsură calea colorismului venețienilor.

Ar fi greșit să spunem că pasiunea lui pentru știință a interferat cu creativitatea artistică a lui Leonardo. Geniul acestui om a fost atât de enorm, priceperea lui atât de înaltă, încât nici măcar o încercare de a „rezista până la gâtul cântecului său” nu i-a putut distruge creativitatea. Darul său de artist a depășit în mod constant toate restricțiile. Ceea ce este captivant în creațiile sale este fidelitatea inconfundabilă a ochiului, claritatea conștiinței, ascultarea pensulei și tehnica virtuozică. Ne captivează cu farmecele lor, ca o obsesie. Oricine a văzut La Gioconda își amintește cât de greu este să te desprinzi de ea. Într-una dintre sălile Luvru, unde s-a găsit lângă cele mai bune capodopere ale școlii italiene, ea triumfă și domnește cu mândrie peste tot ce atârnă în jurul ei.

Picturile lui Leonardo nu formează un lanț, ca mulți alți artiști renascentistes. În lucrările sale timpurii, precum Madona lui Benoit, există mai multă căldură și spontaneitate, dar chiar și în el experimentul se face simțit. „Adorația” în Uffizi - și aceasta este o pictură excelentă, temperamentală, imagine live oameni întorcându-se cu evlavie spre o femeie grațioasă cu un copil în poală. În „Madonna of the Rocks”, îngerul, un tânăr cu părul creț care se uită din imagine, este fermecător, dar ideea ciudată de a transfera idila în întunericul peșterii este respingătoare. Ilustru" ultima cina„Am admirat întotdeauna caracterizarea potrivită a personajelor: blândul Ioan, severul Peter, răufăcătorul Iuda. Totuși, faptul că astfel de figuri vii și emoționate sunt situate trei la rând, pe o parte a mesei, pare un nejustificat. convenție, violență împotriva naturii vii. Cu toate acestea, este marele Leonardo da Vinci și, din moment ce a pictat tabloul în acest fel, înseamnă că a intenționat-o astfel, iar acest mister va rămâne timp de secole.

Observația și vigilența, pe care Leonardo le numea artiști în Tratatul său, nu îi limitează capacitățile creative. A încercat deliberat să-și stimuleze imaginația privind pereții, crăpați de vârstă, în care privitorul își putea imagina orice complot. În faimosul desen de la Windsor cu „Furtuna” sanguină de Leonardo, a fost transmis ceea ce i-a fost dezvăluit privirii de pe un vârf de munte. O serie de desene Windsor pe această temă inundație globală- dovada unei intuiții cu adevărat strălucitoare a artistului-gânditor. Artistul creează semne care nu au răspuns, dar care trezesc un sentiment de uimire amestecat cu groază. Desenele au fost create de marele maestru într-un fel de delir profetic. Totul este spus în ele în limbajul întunecat al viziunilor lui Ioan.

Discordia internă a lui Leonardo în zilele sale de declin se face simțită în două dintre lucrările sale: Luvru „Ioan Botezătorul” și autoportretul din Torino. În regretatul autoportret din Torino, artistul, ajuns la bătrânețe, se privește în oglindă cu o privire deschisă din spatele sprâncenelor încruntate - vede în chipul său trăsăturile decrepitudinei, dar vede și înțelepciunea, o semn al „toamnei vieții”.

Primii vestitori ai artei renascentiste au aparut in Italia in secolul al XIV-lea. Artiști ai acestui timp, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) și (mai ales) Giotto (1267-1337) când au creat picturi cu teme religioase tradiționale, au început să folosească noi tehnici artistice: construirea unei compoziții tridimensionale, folosind un peisaj în fundal, care le-a permis să facă imaginile mai realiste și mai animate. Acest lucru a distins clar opera lor de tradiția iconografică anterioară, plină de convenții în imagine.
Termenul folosit pentru a desemna creativitatea lor Proto-Renaștere (1300 - „Trecento”) .

Giotto di Bondone (c. 1267-1337) - artist și arhitect italian al epocii proto-renascentiste. Una dintre figurile cheie din istoria artei occidentale. După ce a depășit tradiția picturii icoanelor bizantine, a devenit adevăratul fondator al școlii italiene de pictură și a dezvoltat o abordare complet nouă a descrierii spațiului. Lucrările lui Giotto au fost inspirate de Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo.


Renașterea timpurie(1400 - „Quattrocento”).

La începutul secolului al XV-lea Filippo Brunelleschi (1377-1446), om de știință și arhitect florentin.
Brunelleschi a dorit să facă mai vizuală percepția asupra băilor și teatrelor pe care le-a reconstruit și a încercat să creeze picturi în perspectivă geometrică din planurile sale pentru un anumit punct de vedere. În această căutare a fost descoperit perspectiva directa.

Acest lucru a permis artiștilor să obțină imagini perfecte ale spațiului tridimensional pe o pânză de pictură plată.

Pentru alții pas important Pe drumul către Renaștere a fost apariția artei nereligioase, laice. Portretul și peisajul s-au impus ca genuri independente. Chiar subiecte religioase a dobândit o interpretare diferită - artiștii Renașterii au început să-și vadă personajele ca pe niște eroi cu trăsături individuale pronunțate și motivație umană pentru acțiuni.

Cel mai artiști celebri aceasta perioada - Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - celebru pictor italian, cel mai mare maestru al școlii florentine, reformator al picturii din epoca Quattrocento.

Frescă. Miracol cu ​​statir.

Pictura. Răstignire.

Frescă. Povestea reginei din Saba. Biserica San Francesco din Arezzo

Arc.

Nașterea lui Venus.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Florenta) (1452-1519) - artist italian (pictor, sculptor, arhitect) si om de stiinta (anatomista, naturalist), inventator, scriitor.

Auto portret

Doamnă cu hermină. 1490. Muzeul Czartoryski, Cracovia

Mona Lisa (1503-1505/1506)

Madonna Litta. 1490-1491. Muzeul Ermitaj.

Madonna Benois (Madona cu o floare). 1478-1480

Madona cu garoafa. 1478

În timpul vieții sale, Leonardo da Vinci a făcut mii de note și desene despre anatomie, dar nu și-a publicat opera. În timp ce diseca corpurile oamenilor și animalelor, el a transmis cu precizie structura scheletului și a organelor interne, inclusiv piese mici. Potrivit profesorului de anatomie clinică Peter Abrams, munca stiintifica da Vinci a fost cu 300 de ani înaintea timpului ei și în multe privințe superioară celebrei Grey's Anatomy.

Lista de invenții, atât reale, cât și atribuite lui:

Parașuta, săCastelul Olestsovo, înbicicletă, tank, lpoduri portabile ușoare pentru armată, pproiector, laatapultă, rambele, dTelescopul Vuhlens.

Picturile și sculpturile lui Michelangelo Buonarotti sunt pline de patos eroic și, în același timp, de un sentiment tragic al crizei umanismului. Picturile sale exprimă puterea și puterea omului, frumusețea corpului său, subliniind în același timp singurătatea lui în lume.

Geniul lui Michelangelo și-a pus amprenta nu numai asupra artei Renașterii, ci și asupra întregii culturi mondiale ulterioare. Activitățile sale sunt legate în principal de două orașe italiene- Florența și Roma.

Totuși, artistul și-a putut realiza cele mai ambițioase planuri tocmai în pictură, unde a acționat ca un adevărat inovator al culorii și al formei.
Comandat de Papa Iulius al II-lea, el a pictat tavanul Capela Sixtină(1508-1512), reprezentând poveste biblică de la crearea lumii până la potop și incluzând mai mult de 300 de figuri. În 1534-1541, în aceeași Capela Sixtină, a pictat frescă grandioasă și dramatică „Judecata de Apoi” pentru Papa Paul al III-lea.
Capela Sixtină 3D.

Lucrările lui Giorgione și Titian se disting prin interesul pentru peisaj și poetizarea intrigii. Ambii artiști au obținut o mare măiestrie în arta portretului, cu ajutorul căreia au transmis caracter și bogăție. lumea interioara personajele lor.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - artist italian, reprezentant al școlii venețiane de pictură.

Venus adormită. 1510

Judith. 1504 g

Tițian a pictat picturi pe subiecte biblice și mitologice a devenit celebru și ca portretist. A primit ordine de la regi și papi, cardinali, duci și prinți. Titian nu avea nici treizeci de ani când a fost recunoscut drept cel mai bun pictor al Veneției.

Auto portret. 1567

Venus din Urbino. 1538

Portretul lui Tommaso Mosti. 1520

Renașterea târzie.
În urma jefuirii Romei de către trupele imperiale în 1527, Renașterea italiană a intrat într-o perioadă de criză. Deja în opera regretatului Rafael s-a conturat o nouă linie artistică, numită manierism.
Această epocă se caracterizează prin linii umflate și întrerupte, figuri alungite sau chiar deformate, ipostaze adesea goale, tensionate și nenaturale, efecte neobișnuite sau bizare asociate cu dimensiunea, iluminarea sau perspectiva, utilizarea unei game cromatice caustice, compoziția supraîncărcată etc. primul stăpânește manierismul Parmigianino , Pontormo , Bronzino- a trăit și a lucrat la curtea ducilor casei Medici din Florența. Moda manieristă s-a răspândit mai târziu în Italia și nu numai.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - „locuitor din Parma”) (1503-1540) artist și gravor italian, reprezentant al manierismului.

Auto portret. 1540

Portretul unei femei. 1530.

Jacopo Robusti, mai cunoscut ca Tintoretto (1518 sau 1519-1594) - pictor al școlii venețiane a Renașterii târzii.

Cina cea de Taină. 1592-1594. Biserica San Giorgio Maggiore, Veneția.

Hristos pe cruce. BINE. 1577. Colecție privată.

Treime. 1579 Prado.

Nu întâmplător mulți navigatori și oameni de știință care au câștigat faima mondială în epoca Marilor Descoperiri Geografice - P. Toscanelli, X. Columb, J. Cabot, A. Vespucci - au fost italieni. Italia, fragmentată politic, era la acea vreme țara cu cea mai dezvoltată economie și cultură din Europa. În vremurile moderne, a intrat în mijlocul unei revoluții culturale grandioase, numită Renaștere, sau în franceză - Renaștere, pentru că a însemnat inițial renașterea moștenirii antice. Cu toate acestea, Renașterea a fost o continuare a Evului Mediu nu mai puțin decât o întoarcere la antichitate s-a născut pe baza culturii foarte dezvoltate, sofisticate și complexe a Evului Mediu.

Conceptul Renașterii. Umanism

Alături de conceptul de „Renaștere”, conceptul de „umanism”, derivat din latinescul humanis - uman, este utilizat pe scară largă. Este strâns legat de conceptul de „Renaștere”, dar nu este echivalent cu acesta. Termenul „Renaștere” desemnează întregul complex de fenomene culturale caracteristice unei epoci istorice date. „Umanismul” este un sistem de vederi format în epoca Renașterii, conform căruia se recunoaște înalta demnitate a persoanei umane, dreptul acesteia la liberă dezvoltare și manifestarea abilităților sale creative.

În timpul Renașterii, conceptul de „umanism” a însemnat și un complex de cunoștințe despre om, locul său în natură și societate. O problemă specială este atitudinea umaniștilor față de religie. Umanismul a coexistat bine cu creștinismul, cea mai frapantă dovadă a căruia a fost participarea activă a clerului la mișcarea umanistă și, mai ales, patronajul papilor. În timpul Renașterii, religia s-a transformat dintr-un subiect de credință oarbă într-un obiect de îndoială, reflecție, studiu științific și chiar critică. Dar, în ciuda acestui fapt, Italia în ansamblu a rămas o țară religioasă, predominant catolică. Tot felul de superstiții încă persistau în societatea italiană, iar astrologia și alte pseudoștiințe au înflorit.

Reînvierea a trecut prin mai multe etape. Renașterea timpurie (XIV și majoritatea secolul al XV-lea) caracterizată prin apariția literaturii renascentiste și a științelor umaniste conexe și prin înflorirea umanismului în general. În perioada B Înalta Renaștere (sfârșitul secolului al XV-lea - prima treime a secolului al XVI-lea) A existat o înflorire fără precedent a artei plastice, dar a existat deja o criză clară în viziunea umanistă asupra lumii. În aceste decenii, Renașterea sa extins dincolo de Italia. Renașterea târzie (cea mai mare parte a secolului al XVI-lea)- o perioadă în care dezvoltarea sa a continuat în paralel cu Reforma religioasă din Europa.

Capitala Renașterii italiene a fost orasul principal Toscana - Florența, unde s-a dezvoltat o combinație unică de circumstanțe care au contribuit la creșterea rapidă a culturii. La apogeul Înaltei Renașteri, centrul arta renascentista mutat la Roma. Papii Iulius al II-lea (1503-1513) și Leon al X-lea (1513-1521) au făcut atunci mari eforturi pentru a reînvia gloria lor de odinioară Orașul etern, datorită căruia s-a transformat cu adevărat într-un centru al artei mondiale. Al treilea cel mai mare centru Veneția a devenit Renașterea italiană, unde arta Renașterii a căpătat o colorare unică datorită caracteristicilor locale.

Arta Renașterii italiene

Avântul cultural care a avut loc în Italia în timpul Renașterii. cel mai clar manifestat în arte plastice și arhitectură. Ei au reflectat cu o forță și o claritate deosebită marele punct de cotitură al epocii, care a determinat calea pentru dezvoltarea ulterioară a artei mondiale.

Una dintre cele mai proeminente figuri ale Renașterii italiene a fost Leonardo da Vinci (1452-1519), care a combinat multe talente - pictor, sculptor, arhitect, inginer, gânditor original. A trăit o viață furtunoasă și creativă, creând capodoperele sale în slujba Republicii Florentine, pentru Ducele de Milano, Pan de Roma și Regele Franței. Fresca lui Leonardo „Cina cea de Taină” reprezintă unul dintre vârfurile de dezvoltare a întregii arte europene, iar „La Gioconda” este unul dintre cele mai mari mistere ale sale.

Pictura era pentru Leonardo remediu universal nu doar o reflectare a lumii, ci și cunoașterea ei. După propria sa definiție, aceasta este „o abilitate uimitoare, totul constă din cele mai subtile speculații”. Cu observațiile sale experimentale, aceasta artist de geniu a îmbogățit aproape toate domeniile științei timpului său. Iar invențiile sale tehnice au inclus, de exemplu, un proiect de parașută.

Leonardo a concurat cu geniul nu mai puțin mare artist Michelangelo Buonarroti (1475-1564), a cărui stea a început să se ridice la începutul secolului. Era greu de imaginat oameni atât de diferiți: Leonardo - sociabil, nu străin de manierele seculare, mereu în căutare, cu o gamă largă de interese adesea în schimbare; Michelangelo este rezervat, sever, cufundat în opera sa, concentrat pe fiecare dintre noile sale lucrări. Michelangelo a devenit faimos ca sculptor și arhitect, pictor și poet. Printre primele sale capodopere se numără grupul sculptural „Plângerea lui Hristos”. În 1504, locuitorii Florenței au purtat într-o procesiune triumfală figura colosală a lui David, care este capodopera acestui maestru. A fost instalat solemn în fața clădirii consiliului orașului. Frescele Capelei Sixtine din Vatican i-au adus o faimă și mai mare, unde Michelangelo a pictat 600 de metri pătrați în patru ani. m scene din Vechiul Testament. Mai târziu, celebra sa frescă „Judecata de Apoi” a apărut în aceeași capelă.

Michelangelo a obținut succese nu mai puțin impresionante în arhitectură. Din 1547 până la sfârșitul vieții, a condus construcția Catedralei Sf. Petru, destinată să devină principala biserică catolică din lume. Michelangelo a schimbat radical designul original al acestei structuri grandioase. Conform designului său ingenios, a fost creat o cupolă, care până în prezent este de neîntrecut nici ca mărime, fie ca grandoare. Această catedrală romană este una dintre cele mai mari creații ale arhitecturii mondiale.

Ca urbanist, Michelangelo și-a exprimat întreaga putere a talentului său în crearea ansamblului arhitectural din Piața Capitoliului. El și-a format de fapt o nouă imagine a Romei, care de atunci a fost legată indisolubil de numele său. Pictura renascentista italiana a atins apogeul in opera lui Raphael Santi (1483-1520). A luat parte la construirea Catedralei Sf. Petru, iar în 1516 a fost numit inspector șef al tuturor antichităților romane. Cu toate acestea, Rafael s-a arătat în primul rând ca un artist, în a cărui operă au fost completate canoanele picturale ale Înaltei Renașteri. Printre realizările artistice ale lui Rafael se numără pictura sălilor de stat ale Palatului Vatican. A pictat portrete ale lui Iulius al II-lea și Leon al X-lea, datorită cărora Roma s-a transformat în capitala artei renascentiste. Imaginea preferată a artistului a fost întotdeauna Maica Domnului, simbol al iubirii materne. Nu întâmplător, cea mai mare capodopera a sa este uluitoarea Madona Sixtină.

Un loc onorabil în istoria artei renascentiste este ocupat de școala venețiană de pictură, al cărei fondator a fost Giorgione (1476/77-1510). Capodoperele sale precum „Judith” și „Venus adormită” au primit recunoaștere în întreaga lume. . Cel mai remarcabil artist al Veneției a fost Titian (1470/80 - 1576). Tot ce a învățat de la Giorgione și de la alți maeștri, Tizian a adus la perfecțiune, iar stilul liber de scris pe care l-a creat a avut un impact asupra influență mare asupra dezvoltării ulterioare a picturii mondiale.

Printre capodoperele timpurii ale lui Tizian se numără pictura „Iubire pământească și iubire cerească”, care a fost originală ca concept. artist venețian A devenit cunoscut pe scară largă ca un portretist de neîntrecut. Atât marii preoți romani, cât și capete încoronate au considerat că este o onoare să pozeze pentru el.

Arhitectura si sculptura

Fondatorii noului stil arhitectural au devenit maeștri remarcabili ai Florenței, în special Filippo Brunelleschi, care a creat cupola monumentală a Catedralei Santa Maria del Fiore. Dar principalul tip de structură arhitecturală în această perioadă nu a mai fost o clădire de biserică, ci o clădire seculară - un palazzo (palat). Stilul renascentist este caracterizat de monumentalitate, creând o impresie de grandoare și a subliniat simplitatea fațadelor și confortul interioarelor spațioase. Designul complex al clădirilor gotice, care i-a copleșit pe oameni cu măreția lor, a fost pus în contrast cu noua arhitectură, care a creat un mediu de viață fundamental nou, mai în concordanță cu nevoile umane.

În timpul Renașterii, sculptura s-a separat de arhitectură și a apărut separat monumente în picioare Ca element independent al peisajului urban, arta portretului sculptural s-a dezvoltat rapid. Genul portretului, răspândit în pictură, sculptură și grafică, a răspuns spiritului umanist al culturii renascentiste.

Literatură, teatru, muzică

Literatura Renașterii, care a fost creată inițial în latină, a făcut loc pas cu pas literaturii naționale, italiene. Pe la mijlocul secolului al XVI-lea. Limba italiană, bazată pe dialectul toscan, devine predominantă. A fost prima limbă literară națională din Europa, tranziția la care a contribuit la răspândirea pe scară largă a educației renascentiste.

Pe tot parcursul secolului al XVI-lea. În Italia a apărut un teatru național înțelegere modernă acest cuvânt. Comediile populare italiene au fost primele din Europa scrise în proză și aveau un caracter realist, adică corespundeau realității.

Pasiunea pentru muzică a fost întotdeauna mai răspândită în Italia decât în ​​orice altă țară europeană. Era răspândită și reprezenta un element integral Viata de zi cu zi cele mai largi secțiuni ale populației. Renașterea a adus mari schimbări în acest domeniu. Orchestrele sunt deosebit de populare. Sunt create noi tipuri de instrumente muzicale, vioara ocupând primul loc în rândul instrumentelor cu coarde.

O nouă înțelegere a istoriei și nașterea științei politice

Gânditorii Renașterii au dezvoltat o viziune originală asupra istoriei și au creat o periodizare fundamental nouă a procesului istoric, care era radical diferită de schema mitică împrumutată din Biblie. Conștientizarea că a sosit unul nou epoca istorica, a devenit cea mai originală caracteristică a Renașterii italiene. Contrastându-se cu Evul Mediu, umaniștii s-au orientat către maeștri ca predecesori direcți ai lor lumea antica, iar mileniul dintre timpul său „modern” și antichitate a fost desemnat drept „Evul Mediu” fără nume. Astfel s-a născut o abordare cu totul nouă a periodizării istoriei, care este acceptată și astăzi.

Cel mai mare gânditor al Renașterii italiene, care a adus o contribuție neprețuită la dezvoltarea gândirii atât istorice, cât și politice, a fost Niccolo Machiavelli (1469-1527). Originar din Florența, a deținut funcții de conducere în guvern și a îndeplinit misiuni diplomatice importante în anii în care Italia a devenit scena unei rivalități internaționale acerbe. În această epocă catastrofală pentru țara sa, gânditorul florentin a încercat să răspundă la cele mai stringente probleme ale timpului nostru. Pentru el, istoria a reprezentat experiența politică a trecutului, iar politica a reprezentat istoria modernă.

Principalele preocupări pentru Machiavelli au fost „binele comun” al poporului și „interesul statului”. Protecția lor, și nu interesele private, este cea care, în opinia sa, ar trebui să determine comportamentul conducătorului. „Dovada onestității și fidelității mele este sărăcia mea”, a scris Machiavelli în sprijinul concluziilor sale. Testamentul său politic au fost cuvintele: „să nu te abate de la bine, dacă se poate, ci să poți merge pe calea răului, dacă este necesar”. Această chemare este adesea percepută ca o justificare pentru politici imorale care nu disprețuiesc niciun mijloc de a-și atinge scopurile, pentru care a fost chiar inventat conceptul de „machiavelianism”.

Din cartea „Prințul” de N. Machiavelli

„Intenția mea este să scriu ceva util pentru cineva care îl va înțelege, motiv pentru care mi s-a părut mai corect să caut adevărul real, mai degrabă decât imaginarul.” La urma urmei, „distanța de la modul în care curge de fapt viața este atât de mare până la modul în care ar trebui să trăiești”.

„Atât statele bine înființate, cât și prinții înțelepți s-au străduit în mod deosebit să nu amărească nobilii și, în același timp, să-i mulțumească pe oameni, să-i facă fericiți, pentru că aceasta este una dintre cele mai importante afaceri ale prințului.” Și „cei în mâinile cărora le este dată puterea nu trebuie să se gândească niciodată la ei înșiși”.

Suveranul „trebuie să pară milostiv, credincios, uman, sincer, evlavios; ar trebui să fie așa, dar trebuie să-ți întărești spiritul în așa fel încât, la nevoie, să devii diferit... să te transformi în opusul.” „La urma urmei, oricine ar dori întotdeauna să mărturisească credința în bunătate va pieri inevitabil printre atât de mulți oameni care sunt străini de bunătate.”

Referinte:
V.V. Noskov, T.P. Andreevskaya / Istoria de la sfârșitul secolului al XV-lea până la sfârșitul secolului al XVIII-lea