Care artiști au lucrat în natură moartă. Cele mai cunoscute naturi moarte

Despre câțiva artiști iconici care au creat tablouri în genul naturii moarte.

Introducere

Termenul „natura moartă” este folosit pentru a defini picturile care înfățișează obiecte neînsuflețite (din latinescul „natura moartă”). Mai mult, obiectele pot fi de origine naturală (fructe, flori, animale și insecte moarte, cranii etc.) sau create de om (diverse ustensile, ceasuri, cărți și suluri de hârtie, Bijuteriiși așa mai departe). Adesea, o natură moartă include un subtext ascuns transmis printr-o imagine simbolică. Lucrările cu caracter alegoric aparțin subgenului vanitas.

Natura moartă ca gen primit cea mai mare dezvoltareîn Olanda în secolul al XVII-lea ca mod de a protesta împotriva biserica oficialași impunere arta religioasa. ÎN istorie mai departe Picturile olandezilor din acea vreme (Utrech, Leiden, Delft și alții) au avut o influență uriașă asupra dezvoltării artei: compoziția, perspectiva, utilizarea simbolismului ca element al povestirii. În ciuda semnificației și interesului său din partea publicului, conform academiilor de artă, natura moartă ocupa ultimul loc în ierarhia generală a genurilor.

Rachel Ruysch

Ruysch este unul dintre cei mai faimoși realiști olandezi și autori de natură moartă. Compozițiile acestui artist conțin multă simbolism, diverse mesaje morale și religioase. A ei stilul formei este o combinație între un fundal întunecat, o elaborare minuțioasă a detaliilor, culori delicate și imaginea unor elemente suplimentare care adaugă interes (insecte, păsări, reptile, vaze de cristal).

Harmen van Steenwijk

Lucrările acestui realist olandez demonstrează perfect naturile moarte în stilul vanitas, ilustrând agitația vieții pământești. Una dintre cele mai tablouri celebre este „Alegoria deșertăciunii” viata umana„, care arată un craniu uman în raze lumina soarelui. Diverse articole compozițiile se referă la idei despre inevitabilitatea morții fizice. Detaliile și nivelul de realism din picturile lui Steenwijk sunt obținute prin utilizarea unor pensule fine și tehnici de aplicare a vopselei.

Paul Cezanne

Cunoscut pentru peisajele, portretele și lucrările sale de gen, Cézanne a contribuit și la dezvoltarea naturii moarte. După ce interesul pentru impresionism a dispărut, artistul a început să exploreze fructe și obiecte naturale, experimentați cu figuri tridimensionale. Aceste studii au ajutat la crearea perspectivă și volum în naturile moarte nu numai prin metode clasice, ci și prin folosirea magistrală a culorii. Toate direcțiile luate în considerare de Cézanne au fost ulterior studiate de Georges Braque și Picasso în dezvoltarea cubismului analitic. În urmărirea obiectivului de a crea ceva „permanent”, artistul a preferat să picteze aceleași obiecte, iar procesul incredibil de lung de a crea o natură moartă a dus la faptul că fructele și legumele au început să putrezească și să se descompună cu mult înainte ca pictura să fie finalizată. .

Tiv

Elev al lui David Bailly, realistul olandez Hem este cunoscut pentru naturile sale magnifice cu un număr mare de detalii, încărcate cu compoziții, o abundență de insecte și alte elemente decorative și simbolice. Adesea, artistul a folosit motive religioase în lucrările sale, precum Jan Brueghel și Federico Borromeo.

Jean Baptiste Chardin

Fiul unui tâmplar, Jean Chardin și-a dobândit munca grea și pofta de ordine tocmai datorită tatălui său. Picturile maestrului sunt adesea calme și sobre, pentru că el s-a străduit pentru armonie de ton, culoare și formă, obținută în mare parte prin lucrul cu lumini și contraste. Dorința de curățenie și ordine se exprimă și în absența alegoriilor din compoziții.

Frans Snyders

Pictorul baroc de naturi moarte și scene de animale a fost un artist incredibil de prolific, iar capacitatea sa de a înfățișa textura din piele, blană, sticlă, metal și alte materiale a fost de neegalat. Snyders a fost, de asemenea, un pictor remarcabil de animale, înfățișând adesea animale moarte în naturile sale moarte. Mai târziu a devenit pictorul oficial al arhiducelui Albert al Austriei, ceea ce a dus la crearea mai multor Mai mult capodopere.

Francisco de Zurbaran

Zurbaran - autor celebru picturi pe temă religioasă – este una dintre cei mai mari creatori naturi moarte. Pictat strict tradiții spaniole, opera sa are o calitate atemporală și o simplitate impecabilă. De regulă, ele prezintă un număr mic de obiecte pe un fundal întunecat.

Conor Walton

Din autori moderni Conor Walton merită atenție. Contribuția artistului irlandez la dezvoltarea naturii moarte poate fi văzută clar în lucrările „Hidden: Oranges and Lemons” (2008), „Still Life with Large Orhids” (2004). Lucrarea artistului este precisă și realizată cu o utilizare excepțională a luminii pentru a ajuta la transmiterea texturilor diferitelor suprafețe.

Cele mai bune naturi moarte actualizat: 14 noiembrie 2017 de: Gleb

I. Mashkov „Natura moartă” (1930)

Cuvântul „natura moartă” cu limba franceza tradus ca „natura moartă” (fr. nature morte).

Despre natura moartă

Tot ceea ce nu mai trăiește, nu mai respiră, care a fost smuls, tăiat, dar continuă să încânte o persoană cu existența sa - toate acestea sunt subiectul unei naturi moarte.

Natura moartă a început să existe ca gen independent de pictură în secolul al XVII-lea. în operele olandezilor şi artiști flamand. Anterior, era doar un decor și îndeplinea o funcție utilitară.

Naturile moarte timpurii conțineau adesea o alegorie ascunsă (alegorie), care era exprimată prin obiecte de zi cu zi dotate cu sens simbolic. Uneori, naturile moarte înfățișau un craniu, care trebuia să amintească de trecătoarea vieții și de inevitabilitatea morții.

Se numea natura moartă alegoric Vanitas (lat. vanitas, lit.: „deşertăciune, deşertăciune”). Centrul său compozițional este în mod tradițional craniul uman.

Bartholomeus Brain cel Bătrân (prima jumătate a secolului al XVI-lea). Vanitas

„Deşertăciunea deşertăciunii”, a spus Eclesiastul, „deşertăciunea deşertăciunii, totul este deşertăciune!”

Willem Claes Heda. Vanitas

Craniul simbolizează fragilitatea vieții umane. O pipă de fumat este un simbol al trecătorului și evaziv plăcerile pământești. Sticla simbolizează fragilitatea vieții. Cheile sunt puterea gospodinei care își gestionează proviziile. Cuțitul ne amintește de vulnerabilitatea și mortalitatea umană. O foaie de hârtie, de obicei, cu o zicală moralizantă (adesea pesimistă). De exemplu:

Hodie mihi cras tibi - azi pentru mine, maine pentru tine;

Memento mori - memento Mori;

Aeterne pungit cito volat et occidit - gloria faptelor eroice se va risipi la fel ca un vis;

Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum - totul este distrus de moarte, moartea este limita finală a tuturor lucrurilor;

Nil omne - totul este nimic.

Dar, mai des, în naturile moarte, se poate simți admirația artistului pentru obiecte: ustensile de bucătărie, flori, fructe, articole de uz casnic - astfel de tablouri erau achiziționate de clienți pentru a decora interioarele caselor lor.

De la mijlocul secolului al XVII-lea. Natura moartă în pictura olandeză a devenit larg răspândită ca gen independent. Și unul dintre primii care au ieșit în evidență a fost natura moartă florală, în special în lucrările lui Ambrosius Bosschaert cel Bătrân și Balthasar van der Ast, iar apoi și-a continuat dezvoltarea în naturile moarte de lux ale lui Jan Davids de Heem în a doua jumătate a lui. secolul al XVII-lea. Natura moartă florală este, de asemenea, populară printre artiștii timpului nostru.

Subiectul naturii moarte este amplu: acestea sunt naturile moarte florale deja menționate, imaginile micului dejun, mesele servite, naturile moarte științifice care înfățișează cărți și alte obiecte ale activității umane, instrumente muzicale si etc.

Să ne uităm la unele dintre cele mai multe faimoase naturi moarte.

Willem Claes Heda (1594-1682) „Natura moartă cu șuncă și argint” (1649)

Willem Claes Heda „Natura moartă cu șuncă și argintărie” (1649)

În această imagine, abilitățile virtuoase ale artistului de a transmite obiecte obișnuite, de zi cu zi, este vizibilă. Kheda le înfățișează în așa fel încât este evident că el însuși le admiră: se creează un sentiment de tangibilitate a fiecărui obiect.

Pe o măsuță acoperită cu o față de masă bogată și grea, vedem o lămâie și îi admirăm moliciunea de chihlimbar, simțim aroma șuncii proaspete și auzim clinchetul argintului sclipitor. Micul dejun s-a terminat, așa că articolele de pe masă sunt în dezordine naturală.

Argintărie înseamnă bogăție pământească, șuncă - bucurii senzuale, lămâie - frumusețea exterioară, în interiorul căruia se ascunde amărăciunea. Imaginea se încheie cu o reflecție asupra faptului că trebuie să aveți grijă nu numai de trup, ci și de suflet.

Natura statică este concepută într-un singur ton maro-gri, caracteristic întregului Pictura olandeză acel timp. Pânza nu este doar frumoasă, ci vorbește și despre ascuns " viata linistita» obiecte văzute de ochiul atent al artistului.

Natura moartă este în Muzeul de Stat Arte Frumoase lor. A. S. Pușkin la Moscova.

Paul Cézanne (1830-1906) Piersici și pere (1895)

Paul Cezanne „Piersici și pere” (1895)

Paul Cézanne a fost cel mai mare artist francez sfârşitul XIX-lea V. După ce a experimentat influența impresionismului, Cezanne le-a opus cu propria sa metodă. El s-a opus dorinței lor de a urma doar impresia lor vizuală în artă - a fost pentru o transmitere obiectivă a realității bazată pe tipare din natură. Voia să o vadă nu schimbătoare, ci calitățile ei constante. Cezanne a spus: „Vreau să întorc eternitatea naturii”. Artistul și-a condus căutările creative prin sinteza formei și culorii, formei și spațiului. Această căutare este evidentă mai ales în naturile lui moarte.

Fiecare dintre obiectele din această natură moartă este reprezentat dintr-un punct de vedere diferit. Vedem masa de sus, fata de masa si fructele din lateral, masa de jos si ulciorul din diferite puncte de vedere simultan. Cezanne se străduiește să arate cât mai deplin forma și volumul caracteristic piersicilor și perelor. Tehnica lui se bazează pe legea optică: culorile calde (roșu, roz, galben, auriu) ni se par să iasă în afară, iar culorile reci (albastru, albastru deschis, verde) par să se retragă mai adânc în pânză.

Forma obiectelor din naturile moarte ale lui Cezanne nu depinde de iluminarea întâmplătoare, ci devine constantă, inerentă fiecărui obiect. Prin urmare, naturile moarte ale lui Cezanne par monumentale.

Pictura se află la Muzeul de Stat de Arte Frumoase. A. S. Pușkin la Moscova.

Henri Matisse (1869-1954) „Fața de masă albastră” (1909)

Henri Matisse „Fața de masă albastră” (1909)

faimos artist francez Henri Matisse în arta straina secolul XX ocupă unul dintre locurile de frunte. Dar acest loc este special.

Chiar la începutul secolului al XX-lea. Matisse a devenit șeful primului grup nou V pictura europeană, care s-a numit fauvism(din franceză „sălbatic”). O caracteristică a acestei direcții a fost libertatea de a folosi orice culoare aleasă în mod arbitrar de artist și dorința de colorat decorativ. Acest lucru a simțit ca o provocare la normele stabilite ale artei oficiale.

Dar după ceva timp, acest grup s-a despărțit, iar Matisse nu mai aparținea nici unei direcții, ci și-a ales propriul drum. Cu arta sa clară și veselă, Matisse a căutat să dea pace sufletelor chinuite ale oamenilor în atmosfera emoțională a secolului al XX-lea.

În natura moartă „Fața de masă albastră” Matisse își folosește preferatul dispozitiv compozițional: țesătură care coboară din vârf. Materia din prim-plan pare să închidă spațiul pânzei, făcându-l puțin adânc. Privitorul admiră jocul capricios al ornamentelor albastre pe fundalul turcoaz al feței de masă și liniile obiectelor naturii moarte. Artista a generalizat formele cafelei aurii, carafei verzi și merele roșii din vază și-au pierdut volumul, iar obiectele mici au ascultat ritmul țesăturii, completează accentul colorat al tabloului;

Natura moartă în pictura rusă

Natura moartă ca gen independent de pictură a apărut în Rusia în începutul XVIII secol, dar inițial a fost considerat un gen „inferior”. Cel mai adesea a fost folosit ca producția de instruireși a fost permis doar într-o înțelegere limitată ca pictura de flori și fructe.

Dar la începutul secolului al XX-lea. Natura moartă în pictura rusă a înflorit și a devenit pentru prima dată un gen egal. Artiștii căutau noi posibilități în domeniul culorii, formei și compoziției naturii moarte. Printre pictorii ruși de natură moartă se poate numi I.F. Hrutsky, I.E. Grabar, P.P. Konchalovsky, I. Levitan, A. Osmerkin, K. Petrov-Vodkin, M. Saryan, V. Nesterenko și alții.

Cea mai faimoasă natură moartă a lui P. Konchalovsky este „Liliac”.

P. Konchalovsky „Liliac” (1939)

P. Konchalovsky „Liliac” (1939)

P. Konchalovsky a fost un adept al lui Cezanne în pictură el a căutat să exprime festivitatea culorii caracteristică rusului arta Folk, cu ajutorul culorii constructive a lui Paul Cézanne. Artistul și-a câștigat faima tocmai datorită naturilor sale moarte, adesea executate într-un stil apropiat de cubism și fauvism.

Natura lui moartă „Liliac” este plină de această culoare festivă, plăcută ochiului și imaginației. Se pare că aroma de primăvară a liliacului curge din pânză.

Grupurile de liliac sunt descrise în termeni generali, dar memoria internă ne spune contururile fiecărei flori din buchet și de aceea pictura lui Konchalovsky pare realistă.

Contemporanul lui Konchalovsky, I. Mashkov, nu a fost mai puțin generos în a descrie materialitatea lumii și paleta colorată.

I. Mashkov „Bace pe fundalul unei tăvi roșii” (1910)

Această natură moartă are și o revoltă de culori, capacitatea de a te bucura de fiecare clipă pe care o dă viața, pentru că fiecare clipă este frumoasă.

Toate obiectele naturii moarte ne sunt familiare, dar se simte că artistul admiră generozitatea naturii, bogăția lumii înconjurătoare și ne invită să împărtășim cu el această bucurie.

V. Nesterenko „Tatăl patriei” (1997)

V. Nesterenko „Tatăl patriei” (1997)

Aceasta este o natură moartă artist contemporan V. Nesterenko. Tema picturii este exprimată în titlul său, iar conținutul este dezvăluit în reprezentarea obiectelor naturii moarte - simboluri ale puterii imperiale a lui Petru I. Portretul împăratului se află pe fundal scena de lupta, dintre care au fost multe în viața lui. Nu are rost să repovestim toate acele fapte pentru care Petru I este numit Tatăl Patriei. Poate fi auzit opinii diferite despre activitățile primului împărat rus, dar în acest caz artistul își exprimă opinia, iar această opinie este exprimată foarte convingător.

Natura moartă este la Kremlin, în sala de recepție a președintelui Federației Ruse.

Într-o vară înăbușitoare de țară sau într-un viscol persistent. Fără să pleci de acasă, te poți inspira în fructe obișnuite sau flori neobișnuite. Subiectul nu încearcă să întoarcă capul, ca într-un portret, și nu schimbă umbrele în lumină în fiecare secundă, ca într-un peisaj. Asta este ceea ce este bun la genul natură moartă. Iar „natura moartă” tradusă din franceză sau „viața liniștită a lucrurilor” în versiunea olandeză, însuflețește cu adevărat interiorul. Natalya Letnikova prezintă primele 7 naturi moarte ale artiștilor ruși.

„Violete de pădure și nu-mă-uita”

Violete de pădure și nu-mă-uita

Pictura lui Isaac Levitan este ca un cer albastru și un nor alb - de la cântărețul naturii rusești. Numai pe pânză nu sunt spații deschise native, ci un buchet de flori sălbatice. Păpădii, liliac, flori de colț, nemuritoare, ferigi și azalee... Atelierul artistului după ce pădurea s-a transformat în „fie seră, fie florarie" Levitan iubea naturile moarte cu flori și și-a învățat elevii să vadă atât culoarea, cât și inflorescențele: „Nu ar trebui să miroasă a vopsea, ci a flori”.

„Mere și frunze”

Mere și frunze

Lucrările lui Ilya Repin au pus în evidență organic decorul strălucit al Muzeului Rus. Artistul itinerant a compus o compoziție pentru elevul său, Valentin Serov. S-a dovedit atât de pitoresc, încât însuși profesorul a luat pensula. Șase mere dintr-o grădină obișnuită - învinețite și cu „butoaie” și un morman de frunze, zdrențuite culorile toamnei, ca sursă de inspirație.

"Buchet de flori. Phloxes"

Buchet de flori. Phloxes

Pictură de Ivan Kramskoy. „Nu va fi persoană talentată petreceți timp înfățișând, să zicem, bazine, pești etc. Acest lucru este bine de făcut pentru oamenii care au deja totul, dar avem multe de făcut”, i-a scris Kramskoy lui Vasnețov. Și totuși, la sfârșitul vieții, celebrul portretist nu a ignorat genul naturii moarte. Buchet de phloxes în vază de sticlă a fost prezentat la XII expoziție itinerantă. Tabloul a fost cumpărat înainte de ziua deschiderii.

"Natură moartă"

Natură moartă

Kazimir Malevich în drum spre „Piața Neagră” prin impresionism și cubism, ocolind realismul. Fructera - fructe căutări creative, chiar și în cadrul aceleiași imagini: linii groase și negre ale tehnicii franceze cloisonné, feluri de mâncare plate și fructe voluminoase. Toate componentele imaginii sunt unite doar prin culoare. Caracteristic unui artist - luminos și bogat. Ca o provocare pentru culori pastelate viata reala.

„Hering și lămâie”

Hering și lămâie

Patru copii și pictură. Această combinație în viața unui artist dictează în mod inconfundabil genul. Iată ce s-a întâmplat cu Zinaida Serebryakova. Numeroase portrete de familie și naturi moarte, din care poți crea un meniu: „Coș cu fructe”, „Sparanghel și căpșuni”, „Struguri”, „Pește pe verdeață”... În mâinile unui adevărat maestru, „hering și lămâie”. ” va deveni o operă de artă. Poezie și simplitate: coajă de lămâie în spirală și pește fără bibelouri.

„Natura moarta cu samovar”

Natura moartă cu samovar

Un student al lui Serov, Korovin și Vasnetsov, „Jack of Diamonds” - Ilya Mashkov îi plăcea să portretizeze lumea, da mai luminos. Figurine și begonii de porțelan, dovleci... Carne, vânat - în spiritul vechilor maeștri, și pâinea de la Moscova - schițe din piața Smolensk a capitalei. Și conform tradiției ruse, unde am fi fără un samovar? O natură moartă din zona vieții festive cu fructe și feluri de mâncare strălucitoare este completată de un craniu - o amintire a fragilității vieții.

„Studiați cu medalii”

Studiază cu medalii

Natura moartă în stil sovietic. Artistul secolului XX Anatoly Nikich-Krilichevsky a arătat într-un tablou întreaga viață a primului campion mondial sovietic la patinaj viteză, Maria Isakova. Cu cupe, în spatele fiecăruia sunt ani de antrenament; medalii care au fost câștigate într-o luptă acerbă; scrisori și buchete uriașe. Imagine frumoasă pentru artist şi cronică artistică succes sportiv. poveste de natură moartă.

Natura moartă este un gen care a câștigat proeminență în arta occidentală spre sfârșitul secolului al XVI-lea și a rămas de atunci. gen important. Picturile cu natură moartă sunt clasificate în funcție de reprezentarea obiectelor obișnuite, care pot fi naturale, cum ar fi flori, fructe etc., sau artificiale, cum ar fi ochelari, instrumente muzicale etc. Mai jos este o listă cu cele mai cunoscute 10 naturi moarte. artiști celebri inclusiv Chardin, Paul Cézanne, Van Gogh și Giorgio Morandi.

Seria nr. 10 de naturi moarte, artistul Tom Wesselman

Mișcarea pop art a apărut în anii 1950 și folosește imagini recunoscute din cultura populară. Printre cele mai populare opere de artă pop se numără o serie de naturi moarte de Tom Wesselmann. Naturile lui moarte descriu elementele lumea modernă, nu fructe și legume generatia precedenta artiști ai acestui gen. Această lucrare (Still Life #30) este o combinație de pictură, sculptură și un colaj de mărci înregistrate pe care Tom le-a văzut pe stradă.

Nr. 9 Vanitas cu vioara si bila de sticla

Artist: Peter Claes

Atitudine față de natura moartă în diferite epoci schimbat, uneori practic uitau de el, iar alteori era cel mai mult gen popular pictura. Ca gen independent de pictură, a apărut în lucrările artiștilor olandezi în secolul al XVII-lea. In Rusia pentru o lungă perioadă de timp Natura moartă a fost tratată ca un gen inferior și abia la începutul secolului al XX-lea a devenit un gen cu drepturi depline. Peste o istorie de patru secole, artiștii au creat multe un numar mare de naturi moarte, dar chiar și printre acest număr putem distinge cele mai faimoase și lucrări semnificative pentru gen.

„Natura moartă cu șuncă și argintărie” (1649) de Willem Claes Heda (1594-1682).

Artistul olandez a fost un maestru recunoscut al naturii moarte, dar acest tablou iese în evidență în opera sa. Aici, abilitățile virtuoase ale Hedei de a transmite obiecte de uz casnic sunt remarcabile - se creează un sentiment de realitate pentru fiecare dintre ele. Pe masă, acoperită cu o față de masă bogată, stă o lămâie chihlimbar, o bucată de șuncă proaspătă și argintărie. Mâine tocmai s-a terminat, așa că există o ușoară mizerie pe masă, ceea ce face imaginea și mai reală. La fel ca majoritatea naturilor moarte olandeze din această perioadă, aici fiecare obiect poartă un fel de semnificație. Astfel, argintăria vorbește despre bogăția pământească, șunca denotă bucurii senzuale, iar lămâia - frumusețe exterioară care ascunde amărăciunea interioară. Prin aceste simboluri, artista ne amintește că ar trebui să ne gândim mai mult la suflet, și nu doar la corp. Pictura este realizată într-o singură paletă maro-gri, caracteristică tuturor picturii olandeze din această epocă. Pe lângă caracterul decorativ evident, această natură moartă vorbește și despre „viața liniștită” discretă a obiectelor, care a fost observată de ochiul atent al artistului.

„Piersici și pere” (1895) Paul Cézanne (1830-1906).

Genul natura moartă a fost întotdeauna foarte conservator. Prin urmare, aproape până la începutul secolului al XX-lea, arăta la fel ca în secolul al XVII-lea. Până când Paul Cezanne a preluat-o. El credea că pictura ar trebui să transmită în mod obiectiv realitatea, iar picturile ar trebui să se bazeze pe legile naturii. Cezanne a căutat să transmită nu calitățile schimbătoare, ci constante ale unui obiect, prin sinteza formei și culorii, unificarea formei și spațiului. Iar genul naturii moarte a devenit un obiect excelent pentru aceste experimente. Fiecare dintre obiectele din natura moartă „Piersici și pere” este reprezentat din diferite unghiuri de vedere. Deci vedem masa de sus, fructele și fața de masă din lateral, o măsuță de jos și ulciorul în general simultan cu laturi diferite. Cezanne încearcă să transmită cât mai exact forma și volumul piersicilor și perelor. Pentru a face acest lucru, el folosește legile optice, astfel încât nuanțele calde (roșu, roz, galben, auriu) sunt percepute de noi ca proeminente, iar nuanțele reci (albastru, indigo, verde) - se retrag în adâncuri. Prin urmare, forma obiectelor din naturile sale moarte nu depinde de iluminare, ci devine constantă. De aceea Cezanne arată monumental.

„Fața de masă albastră” (1909) Henri Matisse (1869-1954).