Cele mai frumoase doamne ale secolului al XIX-lea. Tatiana înainte și după Pușkin: portrete de trei secole. Frumusețile secolului al XX-lea

Pyotr Fedorovich Sokolov (1791-1848)

Întinderile vaste ale Rusiei, diversitatea naturii și diversitatea popoarelor care au locuit-o, au dat naștere unor tipuri speciale, diverse de frumusețe feminină. Rusia a absorbit totul, și sângele sudic al Turciei, și vestul Germaniei și nordul Poloniei... Nu vei întâlni nici un fel de frumuseți în vastitatea ei...

„Portretul unei femei necunoscute într-o beretă roșie”

Sokolov este fondatorul genului de portret acuarelă rusă din viață, care a înlocuit în anii 1820-40. portret în miniatură. Portretele sale în acuarelă sunt ferestre către trecut, prin care frumusețile seculare care au părăsit lumea de mult privesc în secolul XXI. Frumusețea culorilor slabe, farmecul inerent imaginilor, ne obligă și acum, după ce au trecut mai bine de o sută cincizeci de ani, să prețuim foarte mult arta lui.

„Portretul unei fete într-o rochie roșie”

Pyotr Fedorovich a absolvit Academia de Arte în 1809 la clasa de pictură istorică. Pentru „Plângerea lui Andromac asupra trupului lui Hector” a primit o a doua (mică) medalie de aur. La început a fost sărac, dar destul de curând a început să dea lecții de pictură și a început să studieze acuarele, care au avut mare succes datorită vitezei de execuție și a capacității de a picta fără poze obositoare. Înainte de 1917, a avea propria colecție de acuarele acasă era considerat un semn de bun gust și prosperitate. Dar, creând portrete frumoase, artistul s-a sinucis cu gânduri că nu picta grozav tablouri cu subiect, care ar fi trebuit să-l imortalizeze...

„Portretul lui I.G. Poletika” A doua jumătate a anilor 1820

Idalia Grigorievna Poletika (1807–1890), fiică nelegitimă contele G.A. Stroganov. La 19 ani s-a căsătorit cu garda de cavalerie A.M. Poletika și de-a lungul anilor a devenit o doamnă proeminentă a societății din Sankt Petersburg. Ea a personificat tipul de femeie fermecătoare nu atât prin chipul ei drăguț, cât prin mintea ei strălucitoare, veselia și caracterul plin de viață, care i-au adus peste tot un succes constant, fără îndoială. Ea a jucat un rol tragic în istoria pre-duelului lui A.S. Pușkin și a fost cel mai mare dușman al lui.

„Portretul lui A.S. Glinka-Mavrina”

Alexandra Semenovna Glinka-Mavrina (1825-1885) - soția lui Boris Grigorievich Glinka, Cavaler al Sfântului Andrei, general adjutant, nepotul lui V.K. Kuchelbecker. În 1830, Glinka a servit ca intermediar între Pușkin și Kuchelbecker în încercarea de a-și publica lucrările. Pușkin și-a cunoscut soția.

„Portretul lui P.N. Ryumina” 1847

Praskovya Nikolaevna Ryumina (1821–1897). Portretul a fost comandat pentru o nuntă. V.A Sollogub a scris că mirele „se obligă la cea mai ridicolă extravaganță... Vin cadouri inevitabile. Un portret pictat de Sokolov, o brățară sensibilă, un șal turcesc...”

„Portretul S.A. Urusova” 1827

Prințesa Sofia Alexandrovna Urusova (1804–1889) „...Fiicele prințului Urusov erau considerate pe bună dreptate podoaba societății moscovite din acea vreme”, scria istoricul francez Mark Runier. În primăvara anului 1827, Pușkin a vizitat adesea casa soților Urusovi, asupra cărora „frumusețea și amabilitatea tinerelor gospodine au avut un efect incitant și era foarte vesel, plin de duh și vorbăreț”.

"Portret Mare Ducesă Alexandra Feodorovna" 1821

Marea Ducesă Alexandra Feodorovna (1798–1860) a fost soția Marelui Duce Nikolai Pavlovici, viitorul împărat Nicolae I, din 1817. A devenit idolul unei întregi generații, mulți poeți din vremea lui Pușkin și-au dedicat poeziile.

Acest portret este una dintre capodoperele indubitabile. Ținuta sidef aerisit a doamnei august, concepută cu măiestrie, contrastează cu privirea rece a ochilor ei, creând o imagine foarte ambiguă.

„Portretul lui E.K. Vorontsova” în jurul anului 1823

Acest portret este una dintre capodoperele lui Sokolov. Mulți artiști au pictat faimoasa frumusețe din Sankt Petersburg, dar nimeni nu a descris-o atât de fermecătoare și feminină. Artistul folosește suprafața hârtiei albe din imagine, creând un fundal aerisit folosind umbrirea ușoară a acuarelei. Portretul lui Vorontsova încântă prin perfecțiunea decorului în filigran și prin rafinamentul combinațiilor subtile de culori.

„Portretul lui Yu.P. Sokolova” în jurul anului 1827

Iulia Pavlovna Sokolova (1804–1877), din 1820 soția lui P.F. Sokolov. „Viu, cochet, aproape un copil, nu s-a plictisit niciodată de el. Iubit viata sociala, iar soțul ei, care era îndrăgostit de ea până la adorare, se pare că îi împărtășeau pe deplin gusturile”, și-a amintit nepoata lor A.A. Acesta, unul dintre cele mai sincere portrete, a fost creat „într-o sesiune, într-o dimineață”

"Portretul lui A.O. Smirnova - Rosseti"

Alexandra Osipovna Smirnova (1809–1882), prietenă a lui Pușkin, Gogol, Jukovski, Vyazemsky, Aksakov... Aproape toți poeții epocii Pușkin i-au dedicat poezii. Gogol a fost primul care i-a citit capitolele din volumul 2 din Dead Souls. Ea a lăsat cele mai interesante amintiri din viața seculară, literară și spirituală a secolului al XIX-lea.

„Portretul lui E.M. Khitrovo”

Elizaveta Mikhailovna Khitrovo (1783–1839), fiica lui M.I. Golenishchev-Kutuzov. Educată european, Elizaveta Mikhailovna a fost în același timp o patriotă sinceră, un gardian devotat al gloriei tatălui ei, o admiratoare înfocată a literaturii ruse și o admiratoare entuziastă a geniului lui Pușkin. Artista a reușit să transmită în portret marea generozitate spirituală, bunătatea și noblețea naturii acestei femei extraordinare. Portretul a fost pictat cu un an înainte de moartea Elizavetei Mihailovna.

„Portretul lui M.T. Pashkova cu fiica ei Alexandra”

„Portretul unei femei necunoscute într-o pelerină albastră cu o hermină” 1843

„Portretul unei femei” 1847

„Portretul contesei A.P. Mordvinova”

„Portretul contesei Shuvalova”

„Portretul lui E.G. Chertkova”

Chertkova Elena Grigorievna (1800-1832), născută Contesa Stroganova. Sora tatălui I.G. Poletiki.

„Portretul unei femei” 1830

Portretul Alexandrei Grigorievna Muravyova (1804-1832)

„Portretul împărătesei Alexandra Feodorovna”

„Prițesa Golitsyna Alexandra Alexandrovna” 1840

„Portretul lui S.F. Tolstoi”

Sarah Fedorovna (1821-1838) - fiica contelui Fiodor Ivanovici Tolstoi. Fata era cunoscută pentru talentul ei extraordinar de poet.

„Portretul contesei Sologub N.L.”

Sologub Nadezhda Lvovna (1815-1903) contesă, domnișoară de onoare.

„Portretul contesei O.A. Orlova” 1829

Contesa Olga Alexandrovna Orlova (1807–1880) În 1826 s-a căsătorit cu contele A.F. Orlov. În 1847 i s-a acordat statutul de domnișoară

Muzică: DiDyuLa „The Secret”

La începutul secolului al XIX-lea, în epoca Imperiului, naturalețea și simplitatea erau la modă. Doamnele chiar au încercat să obțină un efect cosmetic folosind metode naturale: dacă aveau nevoie de paloare, beau oțet, dacă doreau fard, mâncau căpșuni. Chiar și demodă pentru o perioadă Bijuterii. Se crede că cu cât o femeie este mai frumoasă, cu atât are mai puține nevoie de bijuterii...

Pe vremea imperiului, albul și delicatețea mâinilor erau atât de apreciate încât purtau chiar mănuși noaptea.

Ținutele imită clar îmbrăcămintea antică. Deoarece aceste rochii au fost realizate în principal din muselină subțire translucidă, fashionistele riscau să răcească în zilele deosebit de reci.

Madame Recamier este o celebră frumusețe pariziană, cea mai cunoscută proprietară a unui salon literar din istorie.

„Portretul doamnei Recamier” este un tablou al artistului francez Jacques Louis David, pictat în 1800.

Pentru a crea draperii spectaculoase care conturează frumos trăsăturile naturale, doamnele au folosit o tehnică simplă sculptori antici– haine umede nu întâmplător rata mortalității prin pneumonie a fost foarte mare în acei ani;

„Journal de Mode” francez din 1802 chiar le-a recomandat cititorilor săi să viziteze cimitirul Montmarte pentru a vedea câte fete tinere au căzut victime ale modei „dezbracate”.

Teresa Cabarrus

Ziarele pariziene erau pline de cronici de doliu: „Madame de Noël a murit după bal, la nouăsprezece ani, Mademoiselle de Juinier la optsprezece, Mlle Chaptal la șaisprezece!” În doar câțiva ani de această modă extravagantă, au murit mai multe femei decât în ​​ultimii 40 de ani.

Theresa Tallien a fost considerată „mai frumoasă decât Venus Capitolină” - silueta ei era atât de ideală. Ea a introdus moda „goală”. Cea mai ușoară rochie cântărea 200 de grame!

Numai datorită campaniei egiptene a lui Napoleon au intrat în modă șalurile de cașmir, care au fost popularizate pe scară largă de către soția împăratului, Josephine.

În anii 20 ai secolului al XIX-lea, figura unei femei seamănă clepsidră: mâneci rotunjite „umflate”, talie de viespe, fustă largă. Corsetul a intrat la modă. Talia ar trebui să fie nenaturală ca volum - aproximativ 55 cm.

Vladimir Ivanovici Gau. Portretul Nataliei Nikolaevna Goncharova-Pushkina.

Dorința pentru o talie „ideală” duce adesea la consecințe tragice. Așa că, în 1859, o fashionistă de 23 de ani a murit după o minge din cauza faptului că trei coaste comprimate de un corset i-au străpuns ficatul.

V.Gau. Natalia Nikolaevna Goncharova. 1842-1843

De dragul frumuseții, doamnele erau gata să suporte diverse neplăceri: boruri largi de pălării de doamnă care le atârnau peste ochi și trebuiau să se miște aproape la atingere, tivurile lungi și grele de rochii.

P. Delaroche. Portretul cântăreței Henrietta Sontag, 1831.

În jurnalul britanic autorizat The Lancet din anii 1820, a fost exprimată opinia că slăbiciunea musculară, bolile sistem nervosși alte afecțiuni, femeile ar trebui să dea vina pe greutatea rochiilor lor, care era de aproximativ 20 de kilograme. Doamnele se încurcau adesea în propriile fuste. Regina Victoria și-a întors odată glezna călcându-și tivul.

În a doua jumătate a secolului al XIX-lea, dorința de artificialitate a fost reînviată. O strălucire sănătoasă și bronz, un corp puternic, puternic au devenit semne naștere scăzută. Idealul frumuseții era considerat a fi „taliile de viespe”, fețele palide, delicatețea și rafinamentul.

Râsetele și lacrimile frumuseții unei societăți ar trebui să fie frumoase și grațioase. Râsul nu trebuie să fie zgomotos, ci sfărâmicios. Când plângi, poți să scapi nu mai mult de trei sau patru lacrimi și să privești pentru a nu strica tenul.

Camille Claudel

Feminitatea bolnavă este la modă. E ca și cum boală mintală, în care dezechilibrul se învecinează cu nebunia, simbolul unei asemenea frumuseți poate fi Camille Claudel, muza și elevul sculptorului Auguste Rodin, și bolile corpului, precum Marguerite Gautier, o curtezană bolnavă de moarte, cu tuberculoză - eroina romanului " Doamna cameliilor” de Alexandre Dumas.

Pentru a-și da feței o paloare mată, doamnele luau cretă zdrobită de trei ori pe zi (creta bine purificată se putea obține în farmacii; folosește cretă destinată joc de cărți, era imposibil) și a băut oțet și suc de lămâie, iar cercurile de sub ochi s-au realizat din cauza unei lipse deosebite de somn.

Portretul unei femei la sfârșitul secolului al XIX-lea în Rusia

istoria Rusiei pictură portret – fenomen unicîn istoria culturii mondiale în ansamblu, deoarece rădăcinile ei se întorc în iconografia ortodoxă și se hrănește din pământul fertil al spiritualității profund religioase. Dacă în Europa de Vest Arta portretului datează din vechile modele greco-romane, adică în vremurile precreștine, în Rusia principiile picturii icoanelor au servit inițial drept modele pentru realizarea portretelor.

S-ar putea, desigur, să argumenteze aici, la urma urmei, pictorii de portrete ruși erau bine familiarizați cu cultura antică, copiau numeroase „antichități” - au studiat desenul, înfățișând portrete sculpturale grecești și romane și statui ale zeităților antice. Dar, perfecționând posesia metode tehnice pictura după modelul occidental, în conținutul intern artiștii au rămas legați prin toate firele de spiritualitatea ortodoxă, iar fizicitatea imaginilor, atât de caracteristică capodoperelor europene ale picturii, s-a estompat în fundal. Primele portrete din istoria picturii ruse au apărut relativ (din perspectivă istorică) recent - în secolul al XVII-lea. Au primit numele „parsuna”. Unul dintre primii „parsuns” este „Portretul țarului Fiodor Ioannovici” de la începutul secolului al XVII-lea, din colecția Muzeului de Istorie de Stat din Moscova. După cum ați putea ghici, numele „parsuna” provine de la cuvântul „persoană”. Apoi a fost o inovație fără precedent - au fost reprezentați oameni reali, și nu imagini și scene biblice iconografice.

În vremurile trecute, era considerat egoism inacceptabil să portretizezi contemporanii. Cu toate acestea, nu întâmplător există o opinie printre artiști că orice pictură este un autoportret. Oricât de mult ar vrea artistul să fie obiectiv, să renunțe la „ego”-ul său în numele purității imaginilor, totuși, în fiecare lucrare pe care se exprimă, spiritualizează totul cu propria sa energie spirituală. În arta portretului rusesc, principiul autorului se împletește cu pătrunderea artistului în adâncurile lumii interioare și cu dorința de a exprima acea scânteie a lui Dumnezeu care este inerentă inițial fiecărei persoane. Acest lucru se observă deja în acele „parsuns” foarte asemănătoare cu icoanele tradiționale, numele autorilor cărora, din păcate, s-au scufundat în uitare. Și în secolele următoare, când principiile academice din Europa de Vest au început să prevaleze în arta rusă, apoi tendințele romantismului și realismului, arta portretului rusesc nu și-a pierdut baza ortodoxă în profunzimea conținutului intern al imaginilor. Acest lucru s-a manifestat mai ales în dorința de a vedea „lumina lui Dumnezeu” în întunericul sufletului uman, în care lucrurile pământești, trupești și lumești sunt cu siguranță luminate de spiritualitatea vie. Ideea de a căuta „scânteia lui Dumnezeu” în lumea pământească a fost întotdeauna aproape cultura ortodoxă, dar au atins apogeul în a doua jumătate a secolului al XIX-lea, când au devenit un aspect cheie în căutarea inteligenta creativă– să ne amintim lucrările remarcabile ale lui F. M. Dostoievski și L. N. Tolstoi.

Vii, originale, uneori izbitoare prin forța lor interioară, alteori înduioșătoare cu vulnerabilitatea lor, alteori surprinzătoare prin extravaganță, ne apar imagini de femei create de artiști. sfârşitul XIX-lea secol. Poate că, cu toată diversitatea personajelor, temperamentelor, calităților exterioare ale femeilor descrise în portrete, principala proprietate care le unește poate fi numită cuvântul „Mariness”, adică în fiecare femeie artista (conștient sau nu) exprimă ceva care o face asemănătoare cu Maria biblică... Numai cu care - Fecioara Maria sau Maria Magdalena, cititorul atent va întreba și va avea perfectă dreptate. Dar nu există un răspuns cert la aceasta - la urma urmei, în natura feminină, esențele ambelor sunt împletite. Da, și întrucât arta de la sfârșitul secolului al XIX-lea gravitează spre realism, proprietatea „Mariei” este o reflectare a ambelor principii, puritatea misterioasă, inocența și păcătoșenia, slăbiciunea lumească, care este răscumpărată prin puterea iertării și milei divine. . Dilema dintre imaginile Fecioarei Maria și Maria Magdalena este prezentă latent și în imaginile feminine create de maeștri ai cuvintelor - de exemplu, manualul Sonechka Marmeladova. Amintește-ți câtă murdărie de păcat pământesc există în viața ei și câtă putere de sacrificiu de sine! Sau Nastasya Filippovna - uneori o femeie demonică, alteori întruchiparea compasiunii, milei și sensibilității. În arta portretului, în special în imaginile feminine create la sfârșitul secolului al XIX-lea, principiile realiste nu se reduc la a copia natura și a afișa calități psihologice, ele sunt strâns legate de întreaga complexitate a căutărilor filozofice, religioase și intelectuale care domneau atunci în rândul oamenilor; inteligenta creativă.

Imaginea străinului misterios, cântată de Alexander Blok în 1906, părea să fie anticipată de I. N. Kramskoy în pictura sa din 1883. Nu este ea - „încet, umblând printre bețivi, mereu fără tovarăși, singură, respirând parfum și ceață, se așează lângă fereastră”. Parcă deja vu, îmi amintesc rânduri din poemul lui A. Blok când mă uit la faimosul tablou al lui I. N. Kramskoy.

Femeia din portret se uită oarecum arogant la privitor de la înălțimea trăsurii. Cine este ea și unde se duce? Putem doar ghici, construi propriile concluzii și presupuneri. Poate că este o doamnă de demimonde, care se grăbește la un bal, poate este mireasă sau soția vreunui funcționar sau negustor. Într-un fel sau altul, ea statut social Potrivit artistului, nu ar trebui să intereseze privitorul. Dacă în secolul al XVIII-lea reflectarea statutului social în orice portret era considerată absolut necesară, atunci la sfârșitul secolului al XIX-lea personalitatea era în prim plan, cu toată complexitatea vieții spirituale interioare și unicitatea trăsăturilor aspectului individual. Și I. N. Kramskoy însuși, la începutul carierei sale creative, a căutat să transmită statutul social, dar, cu toate acestea, în portretele sale feminine timpurii, a prevalat reflecția inspirată asupra individualității și unicității frumuseții feminine.

De fiecare dată modelul părea să dicteze artistului noua abordare, iar maestrul a trebuit să caute un limbaj artistic potrivit pentru o întruchipare veridică imagine portretși pentru a obține adâncimea de penetrare în lumea spirituală modele.

Astfel, în portretul lui E. A. Vasilchikova (1867), artista transmite farmecul feminității, puritatea tinereții, energia inspiratoare a frumuseții și armonia spirituală interioară.

Tonurile atenuate ale unui fundal visiniu și maro evocă munca vechilor maeștri, dar spontaneitatea și naturalețea siluetei sale, nepăsarea grațioasă a gestului ei, percepția expresivă a privirii ei - toate acestea vorbesc despre tendințe realiste în artă care au fost noi. pentru acea vreme.

În portretul „Străinului”, principiile realiste sunt oarecum dizolvate și inspirate de ecourile tendințelor neoromantice și ale misterului poetic. Angajamentul lui I. N. Kramskoy față de tendința realistă a picturii (și a fost un reprezentant proeminent al celebrei Asociații de Mobile Expoziții de artă) se manifestă aici în precizia absolută a compoziției, în care totul este subordonat creării unei imagini sublim închise. Linia netedă a siluetei străinului și ovalul obișnuit al feței ei concentrează atenția privitorului, iar spațiul clar definit și închis de spatele trăsurii este inseparabil de modelarea plastico-volumetică.

Deși avem în fața noastră o imagine generalizată a unui „străin”, cât de uimitor de individuale sunt trăsăturile feței ei. În privirea ei există fie dispreț, fie compasiune, fie tristețe, fie răceală - un mister. Colorarea imaginii este rezolvată cu măiestrie, ajutându-ne - nu, nu să rezolvăm această ghicitoare, ci să admirăm la nesfârșit imposibilitatea de a o rezolva. Catifea albastru închis și mătasea hainelor ei - ca un indiciu al juxtapunerii din imaginea ei de tandrețe catifelată și răceală a mătăsii - subliniază paloarea nobilă a pielii și frumusețea naturală a fardului de obraz. Spatele auriu al trăsurii deschise adaugă căldură culorii imaginii, dar strălucirea și reflexiile par să înăbușească nuanțele calde, subliniind atât răcoarea vremii, cât și ciudata răceală interioară a modelului, cauzată de influențele superficiale ale seculare. modă sau unele experiențe profund personale. Silueta femeii iese în evidență clar pe fundalul orașului acoperit de zăpadă, iar doar penele albe de pe pălărie o conectează vizual cu spațiul înconjurător. În imaginea ei se vede melancolia singurătății, ea este un ideal de care lumea muritorilor îi este străină și, în același timp, este doar o privire a contemporanului artistului. În această lucrare, I. N. Kramskoy ne transmite tristețea sa, dorul etern al artistului de ideal și perfecțiune - parcă inspirație, perfecțiune pentru subtil, trecător. Încă un moment, iar cocherul invizibil va conduce caii, iar trăsura, purtând străinul în necunoscut, se va topi și va dispărea într-un giulgiu înzăpezit... Da, frumusețea va dispărea, dar visul va rămâne, surprins de secole. de peria sensibilă a maestrului.

Totuși, nu trebuie să ne gândim că în a doua jumătate a secolului al XIX-lea, artiștii s-au inspirat doar din imaginea străinilor, misterul sufletului feminin, misterul interior. Tendința opusă s-a manifestat și ea foarte activ în această perioadă - reprezentarea femeilor ca fiind active social, active, puternice, chiar curajoase și oarecum nepoliticoase. După abolirea iobăgiei și o serie de reforme, rolul femeii în viata publica. Iar artiștii acestei perioade ne transmit cu măiestrie imagini ale femeilor, pline de un sentiment de valoare de sine, semnificație, mândrie, forță și independență.

Astfel, într-un tablou al lui K. E. Makovsky din 1879, îl vedem pe proprietarul vechii moșii Kachanovka, situată la granița provinciilor Poltava și Cernigov. Sofya Vasilievna Tarnovskaya este soția unui foarte influent filantrop și colecționar ucrainean Vasily Tarnovsky, un iubitor pasionat de artă, pasionat de muzică (a avut chiar propria orchestră și teatru) și literatură și, bineînțeles, de pictură. El l-a invitat pe artist să rămână la moșia sa și, în același timp, să picteze o serie de tablouri pentru el, printre care se număra și un portret al iubitei sale soții, care a susținut activ activitățile soțului ei și i-a împărtășit interesele. Artistul dezvăluie publicului trăsăturile de caracter ascunse ale modelului.

K. E. Makovski. Portretul lui S. V. Tarnovskaya. 1879

Portretul arată o femeie impunătoare, nu mai tânără, ci voinică. În privirea ei, o anumită aroganță se îmbină cu moliciunea spirituală, caracteristică femeilor de provincie, neîntărită de agitația socială emasculată a capitalelor. Țesătura visiniu închisă care servește ca fundal amintește de scenele de teatru - este foarte posibil ca S. V. Tarnovskaya să fi pozat pentru artist în incinta teatrului imobiliar. Iar artistul, la rândul său, reamintește publicului cât de asemănătoare este viața noastră de zi cu zi cu o reprezentație pe scenă. În unele locuri, artistul aduce culoarea verde închis a țesăturii de îmbrăcăminte la o culoare neagră profundă, subliniind astfel claritatea umbrei care căde și înviorând modelarea generală a luminii și umbrelor soluțiilor volumetrico-spațiale. În această abordare se poate simți inspirația maestrului din capodoperele lui Rembrandt. Și în psihologismul său sensibil, K. E. Makovsky este aproape de celebrul pictor olandez. În calmul gesturilor și a posturii impunătoare se simte încredere interioară și o noblețe sufletească deosebită, naturală și nu prefăcută. Un nas ușor întors în sus indică o manifestare de capricios, dar în moliciunea generală a trăsăturilor faciale se poate citi simplitate și liniște.

Un exemplu izbitor de portret feminin realist al perioadei analizate este „Portretul Olgăi Sergeevna Alexandrova-Gaines”, creat de I. E. Repin în 1890. Artista este clar interesată de imaginea acestei femei, de parcă ar întruchipa noile realități sociale ale vremii: în fața noastră se află o femeie activă, voinică, puternică, chiar într-o oarecare măsură severă, conștientă de importanța ei și fără îndoială. mandru de. I. E. Repin, un reprezentant al Asociației progresive a expozițiilor de artă itinerante, a gravitat spre gen în lucrările sale. În portretele pe care le-a creat, practic nu există un fundal neutru - el înfățișează modelul în mediul ei tipic pentru a-și dezvălui mai profund lumea interioară, pentru a arăta privitorului atmosfera, mediul de care modelul este indisolubil legat. Aici fundalul a fost conceput de I. E. Repin cât mai detaliat.

Rama aurita a tabloului, fețe de masă și covoare brodate cu fir de aur, legături de cărți aurite pe masă - toate acestea creează o atmosferă de lux, șic oriental, atât de apropiată de gustul fiicei negustorului din Kazan S. E. Alexandrov. Frumusețea vieții prospere a negustorului este arătată cu mare atenție de către artist. Privirea lui iscoditoare nu-i pierde din vedere pe cei adusi din ţări îndepărtate lucruri. Ne atrage atenția, de exemplu, asupra unei cochilii decorative uriașe de sidef de pe perete, probabil din Asia de Sud-Est, sau frumos covor iranian, care amintește de rafinamentul culorii în miniaturi persane. Fiind căsătorită cu inginerul militar guvernatorul general al Kazanului A.K. Gaines, Olga Sergeevna a fost implicată activ în lucrări de caritate și colecționează picturi și gravuri în limba rusă și artiști străini. Lucrările lui I. E. Repin se disting, așa cum este ușor de observat din exemplul luat aici, prin capacitatea de a vedea o persoană în toată complexitatea lumii sale interioare și originalitatea aspectului său exterior.

În schema de culori a acestui portret, suntem în mod deosebit frapați de abundența diferitelor nuanțe aurii, uneori „țipând”, parcă sclipind în lumină, alteori pâlpâind calm, alteori atenuate și abia distinse, transformându-se lin în alte tonuri. Catifea neagră a rochiei nu numai că ascunde în mod inteligent plenitudinea siluetei femeii, dar face și silueta ei clar lizibilă în contextul spațiului artistic complex construit al fundalului. Dinamica scrisului de mână pictural reiese clar în redarea ornamentelor - I. E. Repin nu le transmite cu acuratețe, nu seamănă cu autorii miniaturii persane antice, ci conturează îndoirile liniilor ornamentale cu linii mari, transmițând privitorului nu graficul. natura imaginii lor, dar o mobilitate și expresivitate deosebită, muzicalitate și poezie, care se aseamănă cu ritmul rafinat al poeziei orientale.

Liniile ornamentate de pe fața de masă, pe covor, pe legăturile cărților creează un ritm mișcător, măsurat, iar linia siluetei pare să subjugă acest ritm, concentrând atenția privitorului. Costumul eroinei pare nepotrivit de strict pe un fundal atât de luminos și atent proiectat, captivându-ne privirea cu o varietate de modele și un lux spectaculos. Cu toate acestea, complexitatea modelelor de dantelă ale gulerului și mânecilor pare să răspundă liniilor de ornamente atât de bogate în fundal. Merită să acordați atenție poziționării figurii. Poza exprimă forța interioară a caracterului, încrederea în sine, calmul și mulțumirea. În fața noastră este o natură puternică, independentă, oarecum grosolană, dar creativă. Se pare că era stângacă - la urma urmei, ține evantaiul în mâna stângă. Și acesta este, de asemenea, un semn de originalitate, independență și creativitate. Cu mâna dreaptă, Olga Sergeevna își susține capul, parcă îngreunată de multe gânduri, iar mâna stângă, mâna unei persoane obișnuite să dea instrucțiuni, ține un evantai pliat, coborât în ​​jos. Olga Sergeevna a părut să se gândească câteva minute, s-a așezat să se odihnească, dar încă o clipă - și și-a fluturat evantaiul, dar nu cu un gest de flirt pentru a se mișca pe față cu manierele unei domnișoare de salon, ci pentru a da ordine. în posesiunile ei, folosindu-l ca indicator și subliniind importanța și expresivitatea emoțională a cuvintelor tale.

Trăsăturile feței pot părea dure la prima vedere. Cu toate acestea, la o examinare atentă, vom observa nu numai intelect puternic, prudență de negustor, voință, dar și ușoară tristețe și oboseală în privire. Mândria, aroganța și o oarecare răceală nu eclipsează feminitatea naturală, ci îi conferă un gust aparte. Aceasta feminitate se afla in curatenia parului, in stralucirea ochilor, in arcurile usor ridicate ale sprancenelor, in umflarea buzelor si in fardul subtil al obrajilor. În spatele gospodinei rece și calculatoare, I. E. Repin a reușit să deslușească un suflet feminin sensibil, în mod fundamental, desigur, moale și vulnerabil, dar cu pricepere deghizat de severitate, inflexibilitate și eficiență deliberată. Portretul Olgăi Sergeevna, creat de un pictor rus remarcabil, se remarcă prin umanitate, profunzime expresivă poetică și, în același timp, realistă, pricepere de neegalat și putere uimitoare a talentului.

Lumea lirică și misterioasă a sentimentelor și experiențelor unei femei este reflectată în opera sa de V. A. Serov, care a descoperit cu îndrăzneală noi posibilități de expresivitate picturală a culorilor, combinând în multe dintre lucrările sale prospețimea impresionistă și ușurința mișcării rapide cu un grad ridicat de generalizarea realistă și claritatea reprezentării naturii, cu viață veridică persuasivitatea imaginilor create. Mediul de lumină-aer din portretele sale creează un spațiu bogat emoțional, care este în armonie cu lumea interioară a modelului. În portretele pe care le avem în vedere aici, putem observa cu ușurință lumina pătrunzătoare, ușoară și argintie, înmoaie forma plastică și îmbogățește paleta cu o varietate de nuanțe. Ca impresionisti francezi, V. A. Serov saturează fiecare mișcare a pensulei cu putere luminoasă. În portretul lui Z. V. Moritz, pictat în 1892, V. A. Serov pare să „încălzi” cu lumină o colorare în general rece. Violetîn gamă este considerată cea mai rece, spre deosebire de roșu – cea mai „caldă”, chiar „fierbintă”, culoare. Dar fondul mov rece este saturat de multe reflexii, așa-numitele „reflexe”, care aduc note majore minorului melancolic general, impregnat de tristețe lirică subtilă, sunet de culoare. Culorile sunt văzute de artist în variabilitatea lor, iluzorie impresionistă. Senzația de mobilitate anxioasă este sporită de penele scrise impetuos ale șalului, parcă ar flutura în vânt rece.

Emoționalitatea imaginii lui Z. V. Moritz este dată de soluția de lumini și umbre, și de poziția deosebită a figurii, o ușoară întoarcere a capului și o bărbie ușor ridicată. Lăsată pe spate în scaun, ea se înfruntă cu privitorul. Acest moment de comunicare cu privitorul este în general o caracteristică a multor portrete ale lui V. A. Serov. Portretul uimește prin acuratețea imaginii, claritatea ochiului artistului, ușurința de improvizație combinată cu succes cu un înalt profesionalism și o atenție magistrală a coloristicului și soluții compoziționale. Jocul de lumini de pe colier scoate in evidenta usor albul aristocratic al pielii. Trăsăturile faciale simple și tipice sunt transformate de artist - el le spiritualizează cu concentrare interioară, poezie, în armonie cu starea de spirit generală care domnește în imagine.

V. A. Serov, în fiecare dintre lucrările sale, folosește principiile picturii în aer liber, subliniind astfel naturalețea și luminozitatea deosebită grațioasă a imaginilor, precum și legătura strânsă a modelului cu spațiul care îl înconjoară. Prin opera sa, el își afirmă propria înțelegere a imaginii unei femei și a mijloacelor de întruchipare picturală a acesteia. Fata, spontană și respirând frumusețea tinereții, apare în tabloul „Fata luminată de soare”.

Modelul nu pare să pozeze, ci parcă locuiește în acest spațiu pitoresc. Colorarea imaginii se bazează pe o comparație armonioasă a tonurilor strânse auriu-verde, maro în natura de vară, tonuri roz pe față și tonuri gălbui pal, precum și tonuri albastre în haine. culoare alba Bluza fetei este transformată de jocul reflexelor luminoase, toate nuanțele strălucirii soarelui care străpunge frunzișul unui copac puternic par să se răspândească în ea ca un curcubeu. Portretul este și expresiv în silueta sa. Fața este conturată cu o linie netedă plastic expresivă, fluidă, transformându-se în linie comună silueta figurii. Aici găsim temperamentul scrisului, sonoritatea gamei colorate și senzualitatea poetică.

Portretul a fost pictat de maestru ca dintr-o singură mișcare, deși artistul a lucrat la el toată vara, obligându-și vărul răbdător să pozeze aproape în fiecare zi. Lejeritatea și naturalețea artistică vizibilă au fost obținute de artist cu sensibilitate și pricepere, observație și capacitatea de a vedea, simți și întruchipa în mod surprinzător de subtil atât impresiile vizuale ale lumii înconjurătoare, cât și lumea spirituală interioară a modelului reprezentat.

Studiul atent și reflectarea atentă în operele multor artiști și scriitori din acea vreme a vieții oamenilor, a modului de viață și a moravurilor, au adus genul social într-unul dintre primele locuri în mediul artistic al vremii. O tendință notabilă în pictura portretelor feminine din perioada studiată a fost interesul artiștilor pentru imaginile femeilor din oameni, și nu numai pentru „ socialiști", clienți bogați, sau străini frumoși. De fapt, aceste imagini pot fi numite și un fel de „străini” - artiștii nu și-au lăsat numele pentru istorie, au căutat să creeze o imagine generalizată a contemporanilor lor, reprezentanți ai diferitelor pături sociale; Astfel de „portrete” nu sunt doar „portrete” în sensul clasic. Acestea sunt „portrete – picturi”, apropiate de genul de zi cu zi, care până atunci a atins apogeul popularității sale. Prin crearea unor astfel de lucrări, artiștii par să se echilibreze pe o linie fină între diverse genuri– portret și gospodărie.

Imaginea vânzătorului de flori, surprinsă de pensula lui N. K. Pimonenko, este pătrunsă de spontaneitate accentuată și energie vitală majoră.

Combinația dintre tonul albastru strălucitor al îmbrăcămintei cu verdele smarald al frunzelor de crin și florile lor albe ca zăpada, efectul este uniform. iluminat solar- instrumente pentru a ajuta la dezvăluire imaginea umană. Fundalul aici este forfota străzii, scăldat în lumina soarelui, spațiul artistic se desfășoară în diagonală în adâncuri, evidențiat de linia trotuarului și de o serie de case stând la rând, sporind senzația de mișcare a figurilor grăbite în jurul lor. afaceri sau trecători care se plimbă leneși. Fața roșie și bătută de vreme a tinerei fete atrage privirea privitorului cu deschiderea și simplitatea, zâmbetul strălucitor și natural și expresivitatea privirii ei. Vinde cu viteză crini albi, parcă ar simboliza în acest context înflorirea și puritatea tinereții. Impresia de prospețime, spontaneitatea nașterii imaginii ne încântă privirea și rămâne pentru totdeauna în memoria noastră vizuală și mentală.

Astfel de lucrări dezvăluie idealuri umaniste și interesul acut al intelectualității creatoare pentru destinele oamenilor. tara natala. Aproape de pictura de icoane și, în același timp, profund realist și modern, imagine femininăîntruchipat de N. A. Yaroshenko în portretul unei surori a milei. O figură strict conturată pe un fundal întunecat, trăsăturile ascetice ale feței fetei, o oarecare planeitate și izolarea interioară a imaginii - toate acestea evocă imagini ale icoanelor ortodoxe. Culorile sunt unite într-o armonie calmă, armonioasă. Cu o schemă de culori rafinată, o gamă aproape monocromă de tonuri maro-gri și auriu pal, artistul subliniază „calitatea iconică” a imaginii create.

Apariția unei surori a milei poartă trăsăturile unei imagini colective, tipice. Spațiul întunecat este iluminat ca de o explozie bruscă de lumină. Aici lumina servește ca o metaforă expresivă și ușor de citit - parcă lumina soarelui, faptele acestei tinere și fragile fete luminează viața multor oameni pe care îi ajută. Paleta rafinată decolorată a portretului juxtapune cu grijă tonurile de maro și cenușiu atenuate ale îmbrăcămintei, crucea roșie aprinsă și luminile gălbui. Mâinile artistei sunt frumos pictate - suprasolicitate și fragile, sunt întruchiparea feminității, căldurii, grijii, tandreței... Ea este ca o sfântă pe o icoană miraculoasă - la urma urmei, o minune nu este doar ceva mistic, poate fi realizat de orice persoană înzestrată cu bunătate sufletească și cu dorința de a face bine . În fiecare zi a vieții ei face un miracol - ea încălzește lumea cu ajutorul ei, cu bunătatea sufletului ei și cu valoarea muncii ei.

La sfârșitul secolului al XIX-lea, la întorsătura alarmantă a turbulenței istoria nationalași secole dramatice, în 1900, în portretul feminin, tendințele simbolismului se întăresc din ce în ce mai mult, iar realismul se estompează pe fundal, epoca se schimbă, iar în pictură apar noi priorități, dorința de a dezvălui alte posibilități ale limbajului artistic. Acest lucru este firesc - la urma urmei, calea căutării creative este inepuizabilă, mobilă și nesfârșită. Dorința de expresivitate decorativă și simbolică a culorii, de artă, de a juca cu imaginația privitorului se intensifică din ce în ce mai mult. Expresivitatea figurativă nu are ca scop transmiterea de senzații și observații vii, ci este axată pe obținerea plăcerii subtile emoționale și intelectuale, poezie și alegorie, unele convenții și ritm poetic, ceea ce face pictura asemănătoare muzicii și cuvintelor.

Imagine sofisticată și misterioasă doamna frumoasa, romantizat și plin de armonie poetică, creat de K. A. Somov în celebra sa lucrare „Doamna în rochie albastră”. Acesta nu mai este același străin din Kramskoy care ni s-a părut atât de firesc și de viu, de parcă ar fi apărut în fața noastră pentru câteva clipe din umbra secolelor. Străinul lui K. A. Somov este, mai degrabă, portretul unei actrițe care joacă un rol, își pune o mască și reflectă asupra unei poezii citite recent. De fapt, acesta este un portret al artistului E. M. Martynova.

Cel mai fin joc de semitonuri creează o dispoziție lirică. Subtilitatea gustului coloristic se manifestă în textura pitorească - culoare mată decolorată, mișcări curgătoare care fac ecoul liniei de contur netede. Precizia desenului și flexibilitatea traseului conferă o anumită uscăciune și decorativitate, subliniind arta doamnei înfățișate. Ca fundal, un peisaj stilizat convențional este jucat cu pricepere, evocând din nou o asociere nu atât cu un peisaj real, cât cu scene de teatru. Acest tip de dorință de a recrea o lume fictivă - o îndepărtare de la o realitate sărăcită din punct de vedere spiritual și o imersiune completă în lumea creativității - corespunde pe deplin noilor cerințe estetice ale epocii. Această paradigmă se manifestă în multe lucrări ale maeștrilor. asociere creativă„Lumea artei”, căreia i-a aparținut K. A. Somov.

Poate cel mai predispus la teatralizarea imaginilor, fantasmagoriei și misticismului a fost M. A. Vrubel - pictura sa pare a fi o misterioasă revelație ezoterică în culoare. El a căutat să întrupeze frumusețea și să-i vadă secretul interior, să ridice vălul misterului însăși esenței frumuseții. Ideea unei astfel de căutări este apropiată de noile tendințe ale epocii și ecou în mod clar ceea ce putem observa în poezia vremii, în muzică și în teatru. Este suficient să ne amintim replicile lui Ivan Bunin, scrise în 1901:

Caut combinatii in lumea asta,

Frumos și secret, ca un vis...

Acesta, desigur, nu este un credo sau o chemare, ci o formulare clară și adecvată a paradigmei creatoare a mediului literar și artistic de la începutul secolului.

M.A.Vrubel alege un stil de scriere foarte original și unic. Pictează nu cu forme, nu cu volume, ci cu avioane zdrobitoare, ca un mozaic pâlpâind în întuneric...

A realizat adesea portrete ale soției sale N. I. Zabela-Vrubel, care joacă în producții teatrale, în imaginile diferitelor personaje - fie apare în imaginea lui Gretel, fie în imaginea Prințesei Lebădă din opera de N. A. Rimsky-Korsakov bazat pe basmul despre țarul Saltan.

Tabloul-portret al Prințesei Lebădă a fost creat chiar la începutul secolului, în acele vremuri tulburi care prefigurau o serie de schimbări dramatice.

M. A. Vrubel. Prințesa lebădă. 1900

Senzația de mișcare tremurătoare este perfect exprimată soluție coloristică. Liliac și albastru închis par să intre într-o confruntare dramatică cu sclipici majore roz și gălbui de reflexe luminoase, sporind profunzimea disonanței sonore, spunând în culori contradicția dintre vis și realitate, ceresc și pământesc, spiritual și lumesc, sublim și monden. Figura, captivantă prin misterul ei, este înfățișată într-o mișcare violentă, de parcă și-ar fi bătut din toată puterea aripile albe ca zăpada, încercând din toate puterile să decoleze chiar în fața spectatorilor surprinși. În ochii uriași, larg deschiși, picături mari de lacrimi păreau să înghețe, sclipind la unison cu strălucirea flăcărilor apusului, unind culorile tabloului într-o unitate coloristică atât de complexă. Ce este acesta - un simbol nerezolvat sau un rol jucat cu măiestrie, sau poate o reflectare a mișcărilor subtile interioare ale sufletului artistului pline de poezie exaltată? Poate că fiecare privitor ar trebui să găsească el însuși răspunsul sau, mai bine, pur și simplu să nu se gândească la asta, ci să se bucure de frumusețea sclipitoare care atinge firele ascunse ale sufletului uman, trezind un basm în adâncul inimii.

Artiștii din toate timpurile s-au inspirat din imaginile femeilor - puternice și vointe sau fragile și vulnerabile, simple și modeste sau extravagante și curajoase, mature și pline de griji cotidiene sau tinere și naive, naturale și pământești sau sofisticate și maniere. . Într-o serie de portrete feminine create de cei mai talentați mesteri domestici la sfârșitul secolului al XIX-lea s-a reflectat o nouă înțelegere a femeii pentru acele vremuri, mai eliberată, lipsită de prejudecăți vechi și, s-ar părea, uneori de tradiții provocatoare, dar, în același timp, strâns legată de spiritualitatea ortodoxă. și cu căutarea filozofică și intelectuală a inteligenței creatoare din acea vreme. Luând în considerare doar câteva exemple în acest articol, am putut să vedem cât de atenți sunt maeștrii de pensulă caracteristici individuale modele, cât de sensibil înțeleg natura sufletului feminin și cât de sincer admiră frumusețea feminină!

Arta ne ajută întotdeauna să ne înțelegem mai profund, să aruncăm o privire proaspătă asupra propriilor noastre vieți și asupra lumii din jurul nostru. Și poate, privind frumoasele creații ale artiștilor, femeile moderne, absorbite de o serie de forfotă cotidiană, își vor aminti că în ele trăiește și un străin frumos și misterios...

Lukashevskaya Yana Naumovna, istoric de artă, critic de artă independent, curator expoziție, 2011, site web.

Rusia a fost întotdeauna faimoasă pentru frumusețea femeilor sale. Și au existat frumuseți în istoria Rusiei cărora nici regii, nici simplii muritori nu le-au putut rezista.

Anastasia Zakharyina-Yuryeva

Dintre numărul uriaș de solicitanți aduși la spectacolul de mirese din toată Rusia, Ivan cel Groaznic a ales-o pe Anastasia. Este greu de spus cu certitudine că în într-o măsură mai mare a influențat alegerea regelui.

Poate că atenția mirelui în vârstă de 17 ani a fost concentrată asupra uneia dintre miile de frumuseți de către tutorele său, Mihail Yuryevich, care era unchiul Anastasiei.

Se știe că regina era scundă. Trăsăturile obișnuite ale feței ei erau încadrate de păr lung și gros, castaniu închis. După cum scria Karamzin, „contemporanii i-au atribuit toate virtuțile feminine”, în timp ce frumusețea era considerată „un accesoriu necesar pentru mireasa unui țar fericit”.

Ea a reușit să câștige nu numai inima soțului ei, ci și să câștige dragostea oamenilor. Și cu greu a fost posibil să faci asta în timp ce era doar frumoasă. Imaginea ei a devenit un simbol femeie inteleapta, capabilă, după cum scria Dorset, „cu o blândețe și o inteligență uimitoare” să-și gestioneze soțul înfierbântat.

Maria Naryshkina

Se părea că la curtea Ecaterinei a II-a nu exista nicio persoană care să tacă despre frumusețea tinerei domnișoare de onoare - Maria Chetvertinskaya. Derzhavin a scris: „Cu lumini negre, cu sânii ei luxurianți, ea simte, oftează, un suflet tandru este vizibil și ea însăși nu știe de ce este mai bună decât toți ceilalți”.

Kutuzov a glumit că, dacă printre femei există cineva ca Maria, atunci merită iubit. Frumusețea ei era perfectă și, așa cum scria unul dintre contemporanii ei, „părea imposibil”.

La 16 ani, se căsătorește cu prințul Dmitri Naryshkin, iar după ceva timp devine favorita țarului Alexandru I. Relația lor va dura 15 ani. În familia Naryshkin vor fi patru copii, iar Dmitri Lvovich o va considera a lui doar prima fiică Marina (deși, potrivit zvonurilor, tatăl ei era fostul favorit al reginei, Platon Zubov).

Iulia Vrevskaya

Timp de două decenii, baronesa Vrevskaya a fost considerată prima frumusețe din Sankt Petersburg.

În proză poetică, prietenul ei Turgheniev a scris că „doamnele au invidiat-o, iar bărbații au urmat-o”.

Sollogub a vorbit despre imaginea ei captivantă, în care a fost captivată nu numai de aspectul, feminitatea și grația ei, ci și de „prietenia nesfârșită și bunătatea nesfârșită”.

Dar domnișoara de onoare Vrevskaya în 1877, fără ezitare, a schimbat plictiseala înaltei societăți cu viața adevărată.

Pe parcursul Războiul ruso-turc a devenit o soră a milei și s-a dedicat slujirii aproapelui ei, „neștiind nicio altă fericire”. În timp ce înalta societate a calomniat „smecheria extravagantă”, baroneasa se ocupa de răniți, schimbând bandaje timp de cinci ore, dormea ​​pe paie, ajuta cu amputații și transporta soldați de pe câmpul de luptă.

În februarie 1978, ei săpau pământ înghețat și purtau sicriul cu trupul „sorii lor” când Iulia Petrovna a murit în timpul unei epidemii de tifos.

Varvara Rimskaya-Korsakova

„Tătar Venus” este ceea ce Parisul a numit tânăra frumusețe la mijlocul secolului al XIX-lea.

O fată de provincie din provincia Kostroma a cucerit nu numai ambele capitale rusești, ci și Europa.

Ea a strălucit, potrivit prințului Obolensky, „la scăldat pe malul mării, în Biaritz și Ostende”. Unul dintre portretele lui Franz Winterhalter încă captivează vizitatorii Muzeul Parisului Orsay. Ea a concurat cu soția lui Napoleon Bonaparte, Evgenia, iar popularitatea lui Varenka ar putea fi invidia „socialiților” de astăzi.

Glumele pline de spirit ale Varvarei Dmitrievna au fost transmise din gură în gură, iar fanii au admirat neobosit „cele mai frumoase picioare din Europa”.

Ținutele revelatoare ale vedetelor din înalta societate au devenit nu o dată motiv de scandal. Odată i s-ar fi cerut să lase o minge pentru că rochia ei era „prea transparentă”. Ea a ajuns la balul mascat în iarna anului 63 în ținuta preotesei Tanit, care era cusută din țesătură de tifon.

Când următorul admirator a chemat-o pe culoar, zeița rusă a răspuns de fiecare dată: „Am un soț frumos, deștept, minunat, mult mai bun decât tine”.

Zinaida Yusupova

Frumusețea unuia dintre cei mai bogați aristocrați din Rusia nu putea lăsa pe nimeni indiferent. Așa a scris fiul său Felix despre mama sa: „Înalt, slab, grațios, întunecat și cu părul negru, cu ochii strălucind ca stelele”.

Aspectul magnific a fost completat de o minte ascuțită, educație și bunătate. Cunoscând meritele ei, prințesa nu s-a lăudat niciodată cu ele, dând dovadă de simplitate și modestie celor din jur.

Detinand cele mai fine bijuterii din lume, ea le-a purtat doar la ocazii speciale, preferand rochiile modeste cu un minim de bijuterii.

Prințesa Yusupova a fost foarte artistică. La unul dintre baluri, suveranul i-a cerut să cânte „rusă”. Dansul i-a captivat pe toată lumea atât de mult încât a mai fost chemat pentru un bis încă de cinci ori.

Stanislavski însuși a asigurat că adevăratul scop al Zinaidei Nikolaevna a fost scena. Dar ea a preferat să acționeze ca un filantrop, susținând talentul altora, decât să-l demonstreze pe al ei.

Matilda Kshesinskaya

Poate că nu ar fi devenit niciodată „podoaba și gloria baletului rusesc” dacă nu ar fi văzut dansul italiencei Virginia Zuki.

Mai târziu, în memoriile ei, Kshesinskaya va scrie despre „expresiile faciale uimitoare care au dat dansului clasic un farmec extraordinar”.

În ciuda staturii ei mici și a „picioarelor plinuțe”, ea i-a captivat pe membrii comitetului de admitere al Școlii de Teatru Imperial cu „ochii ei strălucitori și manierele fermecatoare”.

Contemporanii vorbeau adesea despre ochii ei: „întunecați, strălucitori, care amintesc de două abisuri dulci”. Singura balerină la acea vreme care făcea fouette în 32 de revoluții, a făcut publicul să înghețe de încântare. Printre fanii balerinei se numără viitorul Nicolae al II-lea, precum și marii duceți Serghei Mihailovici și Andrei Vladimirovici.

Vera Kholodnaya

I s-a dat doar 26 de ani de soartă, dar în acest timp de la fata neobisnuita Cu un apetit excelent, ea s-a transformat în regina cinematografiei mut rusești cu o armată de fani de milioane de dolari.

Regizorul Gardin, care a cunoscut-o prima dată pe Vera, și-a descris frumusețea ca fiind „atrăgătoare și otrăvitoare” în același timp.

Pentru a „vedea Kholodnaya”, oamenii s-au aliniat în rânduri uriașe. La Harkov, de exemplu, mulțimea care a luat cu asalt cinematograful a fost liniștită de dragoni trasi de cai, iar conducerea a fost nevoită apoi să înlocuiască geamurile sparte și să înlocuiască ușile rupte din balamale.

Actrița însăși a fost surprinsă de o astfel de popularitate. Uneori mergea la proiecția unui film cu participarea ei pentru a observa reacția publicului. Peste patru ani de filmări, ochii ei de martir biblic și linia curbată capricios a gurii au reușit să captiveze complet publicul, care uitase în cinematografe de ororile Primului Război Mondial și de frământările din secolul al XVII-lea.

1.Cleopatra

Ai putea crede că e ceva ce nu știi despre ea. Ei bine, hai să ne prefacem că ai căzut de pe lună și să ne spui. A trăit în secolul I î.Hr. e. Doamna Egiptului. Stăpâna Cezarului și a lui Marcu Antoniu. Renumită pentru frumusețea ei, este o iubitoare de băi de lapte și de frecarea perlelor dizolvate. A murit din cauza unor probleme tehnice cu șarpele. Apropo, imaginile de pe monede sunt singurele portrete dovedite sută la sută ale reginei. Și toate arată cam așa.

2.Lina Cavalieri

3.Phryne

4.Cleo de Merode

5.Ninon de Lanclos

6.Praskovia Zhemciugova

7.Diane de Poitiers

8.Ann Bolein

9.Messalina

10.Împărăteasa Teodora

11.Barbara Radziwill

12.Simonetta Vespucci

13.Agnes Sorel

14.Nefertiti

15.Marquise de Maintenon

16.Marchiza de Montespan

17.Zinaida Yusupova

18.Wallis Simpson

19.madame Recamier

20.Yang Guifei

21.Veronica Franco

22.Aspasia

23.Isadora Duncan

24.Kitty Fisher

25.Harriett Wilson

26.Mata Hari

27.Tullia d'Aragona

28.Carolina Otero

29.Liana de Pugy

30.Contesa di Castiglione

31.Ono no Komachi

32.Împărăteasa Xi Shi