Ilustrații de Cazacul Valdemar. Frumusețe nepământeană: femei în picturi de diferite direcții Pictură antică în stil nud

Există teme eterne în artă. Una dintre ele este tema femeilor, tema maternității. Fiecare epocă are propriul său ideal de femeie, întreaga istorie a omenirii se reflectă în modul în care oamenii au văzut o femeie, ce mituri au înconjurat-o și au ajutat-o ​​să o creeze. Un lucru este cert - în toate secolele și vremurile Caracterul feminin a atras, atrage și va continua să atragă o atenție deosebită din partea artiștilor.

Imaginile femeilor create în arta portretului poartă idealul poetic în unitatea armonioasă a calităților sale spirituale și a aspectului exterior. Din portrete putem judeca modul în care aspectul unei femei și machiajul ei mental sunt influențate de evenimente sociale, modă, literatură, artă și pictura în sine.

Vă prezentăm o varietate de imagini cu femei în picturi de direcții diferite

REALISM

Esența direcției este de a surprinde realitatea cât mai precis și obiectiv posibil. Nașterea realismului în pictură este cel mai adesea asociată cu opera artistului francez Gustave Courbet, care și-a deschis expoziția personală „Pavilion of Realism” la Paris în 1855. Opusul romantismului și academicismului. În anii 1870, realismul a fost împărțit în două direcții principale - naturalism și impresionism. Naturaliștii au fost artiști care au căutat să surprindă realitatea cât mai precis și fotografic posibil.

Ivan Kramskoy „Necunoscut”

Serov "Fata cu piersici"

ACADEMISM

Academicismul a crescut urmând forme exterioare arta clasica. Academicismul a întruchipat tradițiile artei antice, în care imaginea naturii era idealizată. Academicismul rus din prima jumătate a secolului al XIX-lea se caracterizează prin teme sublime, un stil metaforic înalt, versatilitate, multi-figuri și fast. Scenele biblice, peisajele de salon și portretele ceremoniale erau populare. În ciuda subiectului limitat al picturilor, lucrările academicienilor se distingeau prin înaltă pricepere tehnică.

Bouguereau „Pleiade”

Bouguereau „Dispoziție”

Cabanel „Nașterea lui Venus”

IMPRESIONISM

Reprezentanții stilului au căutat să surprindă lumea reală în mobilitatea și variabilitatea ei în cel mai natural și imparțial mod și să transmită impresiile lor trecătoare. impresionismul francez nu l-a ridicat probleme filozofice. În schimb, impresionismul se concentrează pe superficialitate, fluiditatea unui moment, starea de spirit, iluminarea sau unghiul de vedere. Picturile lor prezentau doar aspectele pozitive ale vieții, nu deranjau problemele sociale și evitau probleme precum foamea, bolile și moartea. Subiectele biblice, literare, mitologice și istorice inerente academicismului oficial au fost eliminate. Au fost luate subiecte de flirt, dans, a fi într-o cafenea și teatru, cu barca, pe plaje și în grădini. Judecând după picturile impresioniștilor, viața este o serie de mici sărbători, petreceri, distracții plăcute în afara orașului sau într-un mediu prietenos.

Boldini "Moulin Rouge"

Renoir „Portretul lui Jeanne Samary”

Manet „Mic dejun pe iarbă”

Mayo "RosaBrava"

Lautrec „Femeie cu umbrelă”

SIMBOLISM

Simboliştii s-au schimbat radical nu numai tipuri diferite artă, dar și atitudinea față de ea însăși. Caracterul lor experimental, dorinta de inovatie, cosmopolitismul au devenit un model pentru majoritatea tendințe moderne artă. Au folosit simboluri, subestimare, aluzii, mister, enigmă. Starea de spirit principală a fost adesea pesimismul, ajungând la punctul de disperare Spre deosebire de alte mișcări din artă, simbolismul crede în expresia ideilor „de neatins”, uneori mistice, imagini ale Eternității și Frumuseții.

Redon „Ophelia”

Franz von Stuck „Salome”

Watts "Speranță"

Rosseti "Persefona"

MODERN

Modernismul a căutat să îmbine funcțiile artistice și utilitare ale operelor create, să implice toate sferele activității umane în sfera frumosului. Ca urmare, interesul pentru Arte Aplicate: design interior, ceramică, grafică de carte. Artiștii Art Nouveau s-au inspirat din arta Egiptului Antic și din civilizațiile antice. Cea mai remarcabilă trăsătură a Art Nouveau a fost abandonarea unghiurilor drepte și a liniilor în favoarea unor linii mai netede, curbe. Artiștii Art Nouveau au luat adesea ornamente din lumea plantelor ca bază pentru desenele lor.

Klimt „Portretul Adelei Bloch-Bauer I”

Klimt "Danae"

Klimt „Cele trei vârste ale femeii”

Zbura "Fructe"

EXPRESIONISM

Expresionismul este una dintre cele mai influente mișcări artistice ale secolului al XX-lea. Expresionismul a apărut ca reacție la cea mai acută criză a primului sfert al secolului al XX-lea, Primul razboi mondialși mișcările revoluționare ulterioare, urâțenia civilizației burgheze, care a dus la dorința de iraționalitate. Au fost folosite motive de durere și țipăt, principiul expresiei a început să prevaleze asupra imaginii.

Modigliani. Folosind trupurile și fețele femeilor, el încearcă să pătrundă în sufletele personajelor sale. „Sunt interesat de ființa umană. Fața este cea mai mare creație a naturii. Îl folosesc neobosit”, a repetat el.

Modigliani „Nud adormit”

Schiele „Femeia în ciorapi negri”

CUBISM

Cubismul este o mișcare modernistă în artele plastice (în principal pictura) din primul sfert al secolului al XX-lea, care a evidențiat sarcina formală de a construi o formă tridimensională pe un plan, minimizând funcțiile vizuale și cognitive ale artei. Apariția cubismului este datată în mod tradițional în perioada 1906-1907 și este asociată cu opera lui Pablo Picasso și Georges Braque. În general, cubismul a reprezentat o ruptură cu tradiția artei realiste care s-a dezvoltat în timpul Renașterii, inclusiv crearea unei iluzii vizuale a lumii într-un plan. Opera cubiștilor a reprezentat o provocare la adresa frumuseții standard a artei de salon, alegoriilor vagi ale simbolismului și instabilitatea picturii impresioniste. Intrând în cercul mișcărilor rebele, anarhiste, individualiste, cubismul s-a remarcat printre acestea prin atracția pentru asceza culorii, pentru forme simple, grele, tangibile și motive elementare.

Picasso „Femeia care plânge”

Picasso „Jucând la mandolină”

Picasso "Les Demoiselles d'Avignon"

SUPRAREALISM

Conceptul de bază al suprarealismului, suprarealitate- combinație de vis și realitate. Pentru a realiza acest lucru, suprarealistii au propus o combinatie absurda, contradictorie, de imagini naturaliste prin colaj si mutarea unui obiect dintr-un spatiu non-artistic intr-unul artistic, datorita caruia obiectul este dezvaluit dintr-o latura neasteptata, proprietati care nu au fost remarcate in exterior. contextul artistic apare în el. Suprarealistii s-au inspirat din ideologia de stanga radicala, dar si-au propus inceperea revolutiei cu propria lor constiinta. Ei au considerat arta ca principalul instrument de eliberare. Această direcție s-a dezvoltat sub marea influență a teoriei psihanalizei a lui Freud. Suprarealismul își are rădăcinile în simbolism și a fost inițial influențat de artiști simboliști precum Gustave Moreau și Odilon Redon. Multe artiști populari au fost suprarealişti, printre care Rene Magritte, Max Ernst, Salvador Dali, Alberto Giacometti.

Gil Elvgren (1914-1980) a fost un artist pin-up important al secolului al XX-lea. De-a lungul carierei sale profesionale, care a început la mijlocul anilor 1930 și a durat peste patruzeci de ani, s-a impus ca un favorit clar printre colecționari și fanii pin-up din întreaga lume. Și, deși Gil Elvgren este considerat în primul rând un artist pin-up, el merită să fie considerat un ilustrator american clasic care a fost capabil să îmbrățișeze diverse zone arta comerciala.

25 de ani de muncă pentru publicitatea Coca-Cola l-au ajutat să se impună ca unul dintre marii ilustratori din domeniu. Reclamele Coca-Cola au inclus imagini cu „Fetele Elvgren” în stil pin-up, majoritatea acestor ilustrații fiind reprezentate tipic familiile americane, copii, adolescenti - oameni normali făcând activități zilnice. În timpul celui de-al Doilea Război Mondial și al Războiului din Coreea, Elvgren a desenat chiar ilustrații temă militară pentru Coca-Cola, dintre care unele au devenit „icoane” în America.

A fost afișată munca lui Elvgren pentru Coca-Cola visul american despre o viață sigură și confortabilă și câteva ilustrații pentru povești din reviste descriu speranțele, temerile și bucuriile cititorilor lor. Aceste imagini au fost publicate în anii 1940 și 1950 într-o serie de reviste americane celebre, precum McCall's, Cosmopolitan, Good Housekeeping și Woman's Home Companion. Alături de Coca-Cola, Elvgren a mai lucrat cu Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania și Napa Auto Parts.

Elvgren s-a remarcat nu numai pentru picturile și grafica publicitară - a fost și un fotograf profesionist care a mânuit o cameră la fel de abil ca și o perie. Dar energia și talentul lui nu s-au oprit aici: în plus, a fost profesor, ai cărui elevi au devenit ulterior artiști celebri.

Chiar și în copilărie timpurie, Elvgren s-a inspirat din imaginile ilustratorilor celebri. În fiecare săptămână a rupt pagini și coperți din reviste cu imagini care îi plăceau, drept urmare a adunat o colecție uriașă care și-a pus amprenta asupra operei tânărului artist.

Opera lui Elvgren a fost influențată de mulți artiști, precum Felix Octavius ​​​​Carr Darley (1822-1888), primul artist care a contestat superioritatea școlilor engleze și europene de ilustrație față de arta comercială americană; Norman Rockwell (1877-1978), pe care Elvgren l-a cunoscut în 1947, iar această întâlnire a marcat începutul unei lungi prietenii; Charles Dana Gibson (1867-1944), din a cărui perie a venit fata ideală, care a combinat „vecina” (fata-de-alături) și „fata-visurilor-voastre”, Howard Chandler Christy, John Henry Hintermeister ( 1870-1945) şi alţii.

Elvgren a studiat îndeaproape lucrările acestor artiști clasici, drept urmare a creat baza pe care s-a bazat dezvoltarea ulterioară a artei pin-up.

Așadar, Gil Elvgren s-a născut pe 15 martie 1914 și a crescut în St. Paul Minneapolis. Părinții săi, Alex și Goldie Elvgren, dețineau un magazin în centrul orașului care vindea tapet și vopsea.

După ce a absolvit liceul, Gil și-a dorit să devină arhitect. Părinții au aprobat această dorință, întrucât i-au remarcat talentul la desen când, la vârsta de opt ani, băiatul a fost scos din școală pentru că desenase pe marginea manualelor sale. Elvgren a urmat în cele din urmă Universitatea din Minnesota pentru a studia arhitectura și design, în timp ce urma cursuri de artă la Institutul de Artă din Minneapolis. Acolo și-a dat seama că desenul îl interesa mult mai mult decât proiectarea clădirilor.

În toamna aceluiași an, Elvgren s-a căsătorit cu Janet Cummins. Și așa mai departe Anul Nou Proaspeții căsătoriți s-au mutat la Chicago, unde au existat multe oportunități pentru artiști. Desigur, ar fi putut alege New York, dar Chicago era mai aproape și mai sigur.

La sosirea în Chicago, Gil a încercat să facă totul pentru a-și dezvolta cariera. A urmat cursurile prestigioasei Academie Americană de Arte Frumoase din centrul orașului, unde s-a împrietenit cu Bill Mosby, un artist și profesor desăvârșit care a fost întotdeauna mândru de dezvoltarea lui Gil sub îndrumarea sa.

Când Gil Elvgren a venit la Academie, desigur, era talentat, dar nu s-a remarcat dintre cei mai mulți dintre studenții care au studiat acolo. Dar un singur lucru îl deosebea de alții: știa exact ce își dorește. Cel mai mult visa să devină artist bun. În doi ani de studiu, a stăpânit un curs conceput pentru trei și jumătate: a urmat cursurile noaptea, vara. În timpul liber a desenat mereu.

A fost un elev bun și a muncit mai mult decât alții. Gil a urmat fiecare curs în care a putut dobândi măcar câteva cunoștințe despre pictură. În doi ani a făcut progrese fenomenale și a devenit unul dintre cei mai buni absolvenți ai Academiei.

Gil este un artist incredibil pe care puțini îl pot egala. Puternic în formă, arată ca un fotbalist; Mâinile lui mari nu seamănă deloc cu mâinile unui artist: creionul literalmente „se scufundă” în ele, dar acuratețea și minuțiozitatea mișcărilor sale pot fi comparate doar cu priceperea unui chirurg.

În timpul facultății, Gil nu a încetat niciodată să lucreze. Ilustrațiile sale împodobeau deja broșuri și reviste ale academiei în care a studiat.

Acolo Gil a cunoscut mulți artiști care i-au devenit prieteni de o viață, de exemplu: Harold Anderson, Joyce Ballantyne.

În 1936, Gil și soția sa s-au întors la oras natal, unde își deschide studioul. Cu puțin timp înainte de aceasta, își finalizează primul comision plătit: o coperta pentru o revistă de modă, care descrie bărbat chipeș, îmbrăcată într-o jachetă dublu și pantaloni lejeri de vară. Imediat după ce Elvgren și-a trimis munca clientului, directorul companiei l-a sunat pentru a-l felicita și a comanda încă o jumătate de duzină de huse.

Apoi a venit o altă comandă interesantă, care urma să picteze Cvintupleții Dionne, a căror naștere a devenit o senzație mediatică. Clientul a fost Brown și Biglow, cea mai mare editură de calendar. Această lucrare a fost tipărită în calendarele 1937-1938, care s-au vândut în milioane de exemplare. De atunci, Elvgren a început să deseneze cele mai faimoase fete din America, ceea ce l-a adus mare succes. Elvgren a început să fie invitat să coopereze cu alte companii, de exemplu, concurentul lui Brown și Biglow, Louis F. Dow Calendar Company. Lucrările artistului au început să fie tipărite pe broșuri, cărți de joc și chiar pe cutii de chibrituri. Apoi au apărut multe dintre picturile lui în mărime naturală realizate pentru Royal Crown Soda magazine alimentare. Anul acesta devine, de asemenea, deosebit de important pentru Elvgren, deoarece el și soția lui au primit primul lor copil, Karen.

Elvgren continuă să primească ordine și decide să se întoarcă la Chicago cu familia. La scurt timp l-a cunoscut pe Haddon H. Sundblom (1899-1976), care era idolul lui. Sandblom are o influență imensă asupra lucrării lui Elvgren.

Datorită lui Sundblom, Elvgren a devenit artist pentru reclamele Coca-Cola. Până astăzi, aceste lucrări sunt icoane în istoria ilustrației americane.

Imediat după bombardarea Pearl Harbor, Elvgren a fost rugat să picteze tablouri pentru campania militară. Primul său desen pentru această serie a fost publicat în 1942 în revista Good Housekeeping sub titlul „She Knows What 'Freedom' Really Is” și înfățișa o fată îmbrăcată într-o uniformă de ofițer al Crucii Roșii.

În 1942 s-a născut Gil Jr., iar în 1943 soția sa aștepta deja al treilea copil. Familia lui Elvgren a crescut, la fel ca și afacerea lui. Jill lucrează la proiecte de publicitate și, de asemenea, își vinde lucrările vechi. Îi plăcea viața, deoarece el însuși era deja un artist respectat și un familist fericit. Când s-a născut al treilea copil din familia sa, Elvgren primea deja aproximativ 1000 de dolari pe tablou, adică. aproximativ 24.000 de dolari pe an, ceea ce era o sumă uriașă la acea vreme. Aceasta a însemnat că Gil ar putea deveni cel mai bine plătit ilustrator din Statele Unite și, în mod natural, să aibă un loc special la Brown și Bigelow.

Înainte de a lucra exclusiv pentru Brown și Bigelow, a acceptat primul său (și singurul) comision de la firma lui Joseph Hoover din Philadelphia. Pentru a evita problemele cu Brown și Bigelow, a acceptat oferta cu condiția ca tabloul să nu fie semnat. Pentru această lucrare, intitulată „Fata de vis”, a primit 2.500 de dolari, deoarece... era cea mai mare pe care a pictat-o ​​vreodată (101,6 cm x 76,2 cm).

Colaborarea cu Brown și Bigelow i-a permis lui Elvgren să continue să deseneze pentru Coca-Cola, cu toate acestea, el putea lucra pentru orice alte companii care nu au avut conflicte cu Brown și Bigelow. Astfel, în 1945, Elvgren și Brown și Bigelow au început o colaborare care avea să dureze mai bine de treizeci de ani.

Regizorul lui Brown și Bigelow, Charles Ward, l-a făcut pe Elvgren un nume cunoscut. L-a invitat pe Gil să realizeze un pin-up în stil nud, la care artista a fost de acord cu mare entuziasm. Acest tablou arăta o nimfă blondă goală pe plajă, sub lumina lunii albastru-liliac în culorile liliacului. Această ilustrație a fost lansată într-un pachet de cărți, împreună cu opera unui alt artist - ZoÎ Mozert. În anul următor, Ward a comandat un alt pin-up nud de la Elvgren pentru următoarele cărți, dar de data aceasta complet făcut doar de Elvgren. Acest proiect a doborât recordurile de vânzări ale lui Brown și Bigelow și a fost numit „Mais Oui by Gil Elvgren”.

Primele trei proiecte pin-up pentru Brown și Bigelow au devenit cele mai bine vândute ale companiei după doar câteva săptămâni. Aceste imagini au fost folosite curând pentru a juca cărți.

Până la sfârșitul deceniului, Elvgren devenise cel mai de succes artist al lui Brown și Bigelow, datorită mass-media, munca lui era cunoscută publicului, revistele chiar publicau articole despre el. Companiile cu care a lucrat includ Coca-Cola, Orange Crush, Schlitz, Red Top Beer, Ovaltine, Royal Crown Soda, Campana Balm, General Tire, Sealy Mattress, Serta Perfect Sleep, Napa Auto Parts, Detzler Automotive Finishes, Frankfort Distilleries, Four Roses Blended Whisky, General Electric Appliance și Pangburn's Chocolates.

Confruntat cu o astfel de solicitare pentru opera sa, Elvgren s-a gândit să-și deschidă propriul atelier, pentru că erau deja mulți artiști care îi admirau opera și așa-numita „pictură cu maioneză” (așa-zisul stil al lui Sundblom și Elvgren pentru că vopselele de pe lucrările păreau „cremoase” și netede ca mătasea). Dar după ce a cântărit toate argumentele pro și contra, a abandonat această idee.

Gil Elvgren a călătorit mult și a cunoscut mulți oameni influenți. Salariul lui la Brown și Bigelow s-a schimbat de la 1.000 USD pe pânză la 2.500 USD și producea 24 de tablouri pe an, plus un procent din revistele care i-au publicat ilustrațiile. S-a mutat cu familia în casă nouăîn suburbia Winnetka, unde a început să-și construiască propriul studio la mansardă, ceea ce i-a permis să fie și mai productiv.

Gil avea gusturi excelente și era, de asemenea, plin de duh. Lucrările sale sunt întotdeauna interesante în compoziție, scheme de culori, iar ipostaze și gesturi atent gândite le fac vii și incitante. Picturile lui sunt sincere. Gil a simțit evoluția frumuseții feminine, ceea ce a fost foarte important. Prin urmare, Elvgren a fost întotdeauna solicitat de clienți.

În 1956, Gil s-a mutat cu familia în Florida. Era complet mulțumit de noul său loc de reședință. Acolo a deschis un studio excelent, unde a studiat Bobby Toombs, care a devenit pe bună dreptate artist recunoscut. El a spus că Elvgren a fost un profesor excelent care l-a învățat să-și folosească toate abilitățile cu grijă.

În Florida, Gil a pictat un număr imens de portrete, printre modelele sale s-au numărat Myrna Loy, Arlene Dahl, Donna Reed, Barbara Hale, Kim Novak. În anii 1950-1960, fiecare model sau actriță aspirantă și-ar dori ca Elvgren să deseneze o fată după asemănarea ei, care să fie apoi tipărită pe calendare și postere.

Elvgren a căutat mereu idei noi pentru picturile sale. Deși mulți dintre prietenii săi artiști l-au ajutat în acest sens, cel mai mult s-a bazat pe familia sa: și-a discutat ideile cu soția și copiii.

Elvgren a lucrat într-un cerc de artiști pe care i-a predat sau, dimpotrivă, de la care a studiat; care erau prietenii lui cu care avea multe în comun. Printre aceștia s-au numărat Harry Anderson, Joyce Ballantyne, Al Buell, Matt Clark, Earl Gross, Ed Henry, Charles Kingham și alții.

Gil Elvgren a trăit viața la maxim. Ca un pasionat în aer liber, îi plăcea pescuitul și vânătoarea. Putea să petreacă ore în șir în piscină, lăsându-se purtat masini de curse, a împărtășit și pasiunea copiilor săi pentru colecția de arme antice.

De-a lungul anilor, Elvgren a avut mulți asistenți de studio, dintre care majoritatea au devenit artiști de succes. Când Elvgren a fost forțat să refuze cooperarea din partea companiilor din cauza sumă uriașă munca, directorii artistici au fost de acord să aștepte un an, sau chiar mai mult, dacă Gil ar lucra pentru ei.

Dar tot succesul lui Gil a fost umbrit în 1966 de o tragedie teribilă care s-a întâmplat cu familia lui: soția lui Gil, Janet, a murit de cancer. După aceea, s-a cufundat și mai mult în muncă. Popularitatea sa rămâne neschimbată, nu trebuie să-și facă griji în afară de rezultatul muncii sale. Aceasta a fost cea mai bună perioadă din cariera lui Elvgren, dacă nu pentru moartea soției sale.

Capacitatea lui Elvgren de a transmite frumusețea feminină a fost de neegalat. În timp ce picta, el stătea de obicei pe un scaun pe roți, astfel încât să se poată deplasa cu ușurință și să privească desenul din diferite unghiuri, iar o oglindă mare în spatele lui îi permitea să aibă o privire de ansamblu asupra întregului tablou. Principalul lucru în munca lui erau fetele: prefera modelele de 15-20 de ani care tocmai își începeau cariera, deoarece aveau o spontaneitate care dispare odată cu experiența. Întrebat despre tehnica sa, el a spus că adaugă propriile atingeri: alungirea picioarelor, mărirea pieptului, îngustarea taliei, buzele mai pline, ochii mai expresivi, nasul snuit, făcând astfel modelul mai atractiv. Elvgren a lucrat întotdeauna cu atenție ideile sale de la început până la sfârșit: a ales modelul, recuzita, iluminatul, compoziția, chiar și coafura a fost foarte importantă. După toate, a fotografiat scena și a început să picteze.

O trăsătură distinctivă a lucrărilor lui Gil a fost că, privind picturile, părea că fetele din ele sunt pe cale să prindă viață, să-și salute sau să se ofere să bea o ceașcă de cafea. Arătau drăguți și plini de entuziasm. Mereu fermecătoare, înarmați cu un zâmbet prietenos, chiar și în timpul războiului le-au dat soldaților putere și speranță să se întoarcă acasă la fetele lor.

Mulți artiști au visat să picteze așa cum a făcut-o Elvgren, toată lumea îi admira talentul și succesul.

În fiecare an a pictat cu mai mare ușurință și profesionalism, a lui picturi timpurii par mai „grele” în comparație cu cele de mai târziu. A atins vârful excelenței în domeniul său.

La 29 februarie 1980, Gil Elvgren, un bărbat care s-a dedicat să aducă bucurie oamenilor cu creativitatea sa, a murit de cancer la vârsta de 65 de ani. Fiul său Drake a găsit ultima pictură neterminată, dar totuși magnifică pentru Brown și Bigelow în studioul tatălui său. Au trecut trei decenii de la moartea lui Elvgren, dar arta lui încă trăiește. Fără îndoială, Elvgren va rămâne în istorie ca un artist care a adus o mare contribuție la arta americană a secolului XX.

Istoria mondială a artei plastice își amintește multe incidente uimitoare legate de crearea și aventurile ulterioare ale tablouri celebre. Acest lucru se datorează faptului că, pentru artiștii adevărați, viața și creativitatea sunt prea strâns legate.

„Tipătul” de Edvard Munch

Anul creării: 1893
Materiale: carton, ulei, tempera, pastel
Unde este: National Gallery,

Celebrul tablou „The Scream” al artistului expresionist norvegian Edvard Munch este un subiect preferat de discuție printre misticii din întreaga lume. Unii oameni cred că pictura a prezis evenimente teribile Secolul XX cu războaiele sale, dezastrele ecologice și Holocaustul. Alții sunt siguri că imaginea aduce nenorocire și boală infractorilor săi.

Viața lui Munch cu greu poate fi numită prosperă: a pierdut multe rude, a fost tratat în mod repetat în clinica de psihiatrie, nu a fost niciodată căsătorit.

Apropo, artistul a reprodus de patru ori tabloul „The Scream”.

Se crede că ea este rezultatul psihozei maniaco-depresive de care suferea Munch. Oricum, aspectul unui om disperat cu cap mare, deschide gurași mâinile puse pe față, iar astăzi șochează pe toți cei care se uită la pânză.

„Marele Masturbator” de Salvador Dali

Anul creării: 1929
Materiale: ulei, pânză
Unde se află: Centrul de Arte Reina Sofia,

Publicul larg a văzut pictura „Marele Masturbator” abia după moartea maestrului scandalosului și a celui mai faimos suprarealist Salvador Dali. Artistul a păstrat-o în propria sa colecție la Teatrul-Muzeu Dalí din Figueres. Se crede că o pictură neobișnuită poate spune multe despre personalitatea autorului, în special despre atitudinea sa dureroasă față de sex. Cu toate acestea, putem doar ghici ce motive sunt de fapt ascunse în imagine.

Acest lucru este asemănător cu rezolvarea unui rebus: în centrul imaginii există un profil unghiular care privește în jos, asemănător fie cu Dali însuși, fie cu o stâncă de pe coasta unui oraș catalan, iar în partea de jos a capului o femeie goală. se ridică figură feminină- o copie după Gala amantei artistului. Pictura conține, de asemenea, lăcuste, care au provocat o frică inexplicabilă în Dali, și furnici - un simbol al descompunerii.

„Familie” de Egon Schiele

Anul creării: 1918
Materiale: ulei, pânză
Unde se află: Galeria Belvedere,

La un moment dat, frumosul tablou al artistului austriac Egon Schiele a fost numit pornografie, iar artistul a fost trimis la închisoare pentru că ar fi sedus un minor.

La acest preț i s-a oferit dragostea modelului profesorului său. Picturile lui Schiele sunt una dintre cele mai bune exemple expresionism, în timp ce sunt naturaliști și plini de disperare înfricoșătoare.

Modelele lui Schiele erau adesea adolescente și prostituate. În plus, artistul a fost fascinat de el însuși - moștenirea sa include multe autoportrete diferite. Schiele a pictat pânza „Familia” cu trei zile înainte de propria sa moarte, înfățișând-o pe soția sa însărcinată care a murit de gripă și pe copilul lor nenăscut. Poate că aceasta este departe de a fi cea mai ciudată, dar cu siguranță cea mai tragică lucrare a pictorului.

„Portretul Adelei Bloch-Bauer” de Gustav Klimt

Anul creării: 1907
Materiale: ulei, pânză
Unde este: Galeria nouă,

Istoria creației celebrului tablou de către artistul austriac Gustav Klimt „Portretul Adelei Bloch-Bauer” poate fi numită pe bună dreptate șocantă. Soția magnatului austriac al zahărului Ferdinand Bloch-Bauer a devenit muza și iubita artistului. Dorind să se răzbune pe amândoi, soțul rănit a decis să recurgă la o metodă originală: a comandat de la Klimt un portret al soției sale și l-a chinuit cu sâcâială nesfârșită, obligându-l să facă sute de schițe. În cele din urmă, acest lucru l-a făcut pe Klimt să-și piardă interesul anterior pentru modelul său.

Lucrările la pictură au continuat câțiva ani, iar Adele a urmărit cum sentimentele iubitului ei dispăreau. Planul insidios al lui Ferdinand nu a fost niciodată dezvăluit. Astăzi este considerată „Mona Lisa austriacă”. comoara nationala Austria.

„Pătratul negru Supermatic” de Kazimir Malevich

Anul creării: 1915
Materiale: ulei, pânză
Locație: Stat Galeria Tretiakov,

Au trecut aproape o sută de ani de când artistul de avangardă rus Kazimir Malevich și-a creat celebra creație, iar dezbaterile și discuțiile încă nu se opresc. Apărut în 1915 la expoziția futuristă „0,10” din „colțul roșu” al sălii destinate icoanei, tabloul a șocat publicul și l-a glorificat pentru totdeauna pe artist. Adevărat, astăzi puțini oameni știu că picturile supermatice sunt pictura non-obiectivă, în care culoarea guvernează spectacolul, iar „Pătratul Negru” nu este de fapt negru și deloc pătrat.

Apropo, una dintre versiunile din istoria creării pânzei spune: artistul nu a avut timp să termine lucrările la pictură, așa că a fost nevoit să acopere lucrarea cu vopsea neagră, în acel moment a venit prietenul său. în atelier și a exclamat: „Genial!”

„Originea lumii” de Gustave Courbet

Anul creării: 1866
Materiale: ulei, pânză
Unde se află: Muzeul Orsay,

Tabloul artistului realist francez Gustave Courbet a fost considerat extrem de provocator de foarte mult timp și nu a fost cunoscut publicului larg de mai bine de 120 de ani. O femeie goală, întinsă pe un pat, cu picioarele întinse, evocă și astăzi reacții mixte din partea telespectatorilor. Din acest motiv, la Muzeul Orsay, tabloul este păzit de unul dintre angajați.

În 2013, un colecționar francez a anunțat că a dat peste partea din tablou în care capul modelului era vizibil într-unul dintre anticariatele din Paris. Experții au confirmat presupunerea că Joanna Hiffernan (Joe) a pozat pentru artistă. În timp ce lucra la pictură, ea a avut o poveste de dragoste cu studentul lui Courbet, artistul James Whistler. Poza le-a provocat despărțirea.

„Bărbat și femeie în fața unui morman de excremente” de Joan Miró

Anul creării: 1935
Materiale: ulei, cupru
Unde se află: Fundația Joan Miró,

Pentru un privitor rar, când se uită la un tablou artist spaniol iar sculptorul Joan Miró ar fi fost asociat cu ororile războiului civil. Dar tocmai perioada de anxietate dinainte de război din 1935 în Spania a servit drept temă pentru filmul cu titlul promițător „Bărbat și femeie în fața unui morman de excremente”. Aceasta este o imagine de premoniție.

Ea înfățișează un cuplu absurd „peșteră” care sunt atrași unul de celălalt, dar nu se pot clinti. Organe genitale mărite, culori otrăvitoare, figuri împrăștiate pe un fundal întunecat - toate acestea, potrivit artistului, au prezis evenimente tragice care se apropie.

Majoritatea picturilor lui Joan Miró sunt abstracții și lucrări suprareale, iar starea de spirit pe care o transmit este veselă.

„Nuferi” de Claude Monet

Anul creării: 1906
Materiale: ulei, pânză
Unde se află: colecții private

Pictura de cult a impresionistului francez Claude Monet „Nuferi” are o reputație proastă - nu întâmplător este numită „periculos de incendiu”. Această serie de coincidențe suspecte continuă să surprindă mulți sceptici. Primul incident a avut loc chiar în atelierul artistului: Monet și prietenii săi sărbătoreau finalizarea unui tablou, când deodată a izbucnit un mic incendiu.

Pictura a fost salvată, iar în curând a fost cumpărată de proprietarii unui cabaret din Montmartre, dar la mai puțin de o lună, stabilimentul a suferit și el un incendiu puternic. Următoarea „victimă” a pânzei a fost filantropul parizian Oscar Schmitz, al cărui birou a luat foc la un an după ce „Nuferi” au fost agățați acolo. Încă o dată, tabloul a reușit să supraviețuiască. Anul acesta, un colecționar privat a achiziționat „Nuferi” pentru 54 de milioane de dolari.

„Les Demoiselles d'Avignon” de Pablo Picasso

Anul creării: 1907
Materiale: ulei, pânză
Unde este muzeul artă contemporană,

„Se simte ca și cum ai vrut să ne hrănești cu cârlig sau să ne dai benzină de băut”, a spus prietenul lui Picasso, artistul Georges Braque, despre pictura „Les Demoiselles d’Avignon”. Pânza a devenit cu adevărat scandaloasă: publicul a adorat lucrările anterioare, tandre și triste ale artistului, iar trecerea bruscă la cubism a provocat înstrăinare.

Figuri feminine cu aspre chipuri masculine iar brațele și picioarele unghiulare erau prea departe de grațioasa „Fata pe minge”.

Prietenii i-au întors spatele lui Picasso, Matisse era extrem de nemulțumit de pictură. Cu toate acestea, „Les Demoiselles d’Avignon” a determinat nu doar direcția de dezvoltare a operei lui Picasso, ci și viitorul artei plastice în ansamblu. Titlul original al picturii a fost „Bordel filosofic”.

„Portretul fiului artistului” de Mihail Vrubel

Anul creării: 1902
Materiale: acuarelă, guașă, creion grafit, hârtie
Unde se află: Muzeul de Stat al Rusiei,

Genialul artist rus de la începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea, Mikhail Vrubel, a reușit în aproape toate tipurile de artă plastică. Primul său născut Savva s-a născut cu o „buză despicată”, ceea ce l-a supărat profund pe artist. Vrubel l-a înfățișat pe băiat într-una dintre pânzele sale sincer, fără a încerca să-și ascundă deformația congenitală.

Tonurile blânde ale portretului nu îl fac senin - în el se poate citi șoc. Copilul însuși este înfățișat cu un aspect uimitor de înțelept, copilăresc. La scurt timp după finalizarea picturii, copilul a murit. Din acel moment din viața artistului, care îndurera tragedia, a început o perioadă „neagră” de boală și nebunie.

Fotografie: thinkstockphotos.com, flickr.com

Dacă crezi că toți marii artiști sunt în trecut, atunci nu ai idee cât de greșit ai. În acest articol veți afla despre cele mai faimoase și artiști talentați modernitate. Și, crede-mă, lucrările lor vor rămâne în memoria ta nu mai puțin profund decât lucrările maeștrilor din epoci trecute.

Wojciech Babski

Wojciech Babski este un artist polonez contemporan. Și-a finalizat studiile la Institutul Politehnic din Silezia, dar s-a asociat cu. ÎN În ultima vreme atrage în principal femei. Se concentrează pe exprimarea emoțiilor, se străduiește să obțină cel mai mare efect posibil folosind mijloace simple.

Iubește culoarea, dar folosește adesea nuanțe de negru și gri pentru a obține cea mai buna experienta. Nu-ți este frică să experimentezi diferite tehnici noi. Recent, a câștigat o popularitate din ce în ce mai mare în străinătate, în special în Marea Britanie, unde își vinde cu succes lucrările, care se găsesc deja în multe colecții private. Pe lângă artă, el este interesat de cosmologie și filozofie. Ascultă jazz. În prezent locuiește și lucrează în Katowice.

Warren Chang

Warren Chang - modern artist american. Născut în 1957 și crescut în Monterey, California, a absolvit cu onoare Art Center College of Design din Pasadena în 1981, unde a primit un BFA. În următoarele două decenii, a lucrat ca ilustrator pentru diverse companii din California și New York, înainte de a începe o carieră ca artist profesionist în 2009.

Picturile sale realiste pot fi împărțite în două categorii principale: picturi interioare biografice și picturi care înfățișează oameni la lucru. Interesul său pentru acest stil de pictură datează din opera artistului din secolul al XVI-lea Johannes Vermeer și se extinde la subiecte, autoportrete, portrete ale membrilor familiei, prieteni, studenți, interioare de studio, săli de clasă și case. Scopul său este să tablouri realiste creați starea de spirit și emoția prin manipularea luminii și utilizarea culorilor dezactivate.

Chang a devenit faimos după ce a trecut la artele plastice tradiționale. În ultimii 12 ani, el a câștigat numeroase premii și onoruri, dintre care cea mai prestigioasă este Master Signature de la Oil Painters of America, cea mai mare comunitate de pictură în ulei din Statele Unite. Doar unei persoane din 50 i se oferă posibilitatea de a primi acest premiu. Warren locuiește în prezent în Monterey și lucrează în studioul său și predă și (cunoscut ca un profesor talentat) la Academia de Artă din San Francisco.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni este un artist italian. Născut în Blair, 15 octombrie 1955. A primit o diplomă în scenografie de la Institutul de Artă din Spoleto. Ca artist, este autodidact, deoarece a „construit în mod independent o casă a cunoașterii” pe temelia pusă în școală. A început să picteze în ulei la vârsta de 19 ani. În prezent locuiește și lucrează în Umbria.

Picturile timpurii ale lui Bruni sunt înrădăcinate în suprarealism, dar în timp el începe să se concentreze pe apropierea romantismului liric și a simbolismului, sporind această combinație cu rafinamentul și puritatea personajelor sale. Obiectele animate și neînsuflețite dobândesc demnitate egală și arată aproape hiper-realiste, dar în același timp nu se ascund în spatele unei perdele, ci îți permit să vezi esența sufletului tău. Versatilitatea și rafinamentul, senzualitatea și singurătatea, chibzuința și rodnicia sunt spiritul lui Aurelio Bruni, hrănit de splendoarea artei și armonia muzicii.

Aleksander Balos

Alkasander Balos este un artist polonez contemporan specializat în pictura în ulei. Născut în 1970 în Gliwice, Polonia, dar din 1989 locuiește și lucrează în SUA, în Shasta, California.

În copilărie, a studiat arta sub îndrumarea tatălui său Jan, artist și sculptor autodidact, așa că de la o vârstă fragedă, activitate artistică a primit sprijin deplin din partea ambilor părinți. În 1989, la vârsta de optsprezece ani, Balos a părăsit Polonia pentru Statele Unite, unde a profesor de școală iar artista cu jumătate de normă Katie Gaggliardi l-a încurajat pe Alkasander să se înscrie scoala de Arte. Balos a primit apoi o bursă completă la Universitatea din Milwaukee, Wisconsin, unde a studiat pictura cu profesorul de filozofie Harry Rozin.

După ce a absolvit în 1995 cu o diplomă de licență, Balos s-a mutat la Chicago pentru a studia la Școala de Arte Frumoase, ale cărei metode se bazează pe opera lui Jacques-Louis David. Realismul figurativ și portretul constituit cel mai Lucrările lui Balos în anii 90 și începutul anilor 2000. Astăzi Balos folosește figură umană pentru a evidenția trăsăturile și a arăta neajunsurile existenței umane, fără a oferi vreo soluție.

Compozițiile subiectului picturilor sale sunt destinate să fie interpretate în mod independent de către privitor, abia atunci picturile își vor dobândi adevăratul sens temporal și subiectiv. În 2005, artistul s-a mutat în California de Nord, de atunci subiectul lucrării sale s-a extins semnificativ și acum include metode de pictură mai libere, inclusiv abstracția și diverse stiluri multimedia care ajută la exprimarea ideilor și idealurilor de existență prin pictură.

Alyssa Monks

Alyssa Monks – modern artist american. Născut în 1977, în Ridgewood, New Jersey. Am început să fiu interesat de pictură când eram încă copil. A studiat la The New School din New York și la Montclair State University și a absolvit Boston College în 1999 cu o diplomă de licență. În același timp, a studiat pictura la Academia Lorenzo de' Medici din Florența.

Apoi și-a continuat studiile în programul de masterat la New York Academy of Art, la catedra de Artă Figurativă, absolvind în 2001. A absolvit Fullerton College în 2006. De ceva vreme a ținut prelegeri la universități și institutii de invatamantîn toată țara, a predat pictura la Academia de Artă din New York, precum și la Universitatea de Stat Montclair și la Lyme Academy of Art College.

„Folosind filtre precum sticlă, vinil, apă și abur, deformez corpul uman. Aceste filtre vă permit să creați suprafețe mari design abstract, cu insule de culoare care ies cu ochiul prin - părți ale corpului uman.

Picturile mele schimbă viziunea modernă asupra ipostazei și gesturilor tradiționale deja stabilite ale femeilor care fac baie. Ei ar putea spune spectatorului atent multe despre lucruri aparent evidente de la sine, cum ar fi beneficiile înotului, dansului și așa mai departe. Personajele mele se apasă pe geamul ferestrei dușului, deformându-și propriile trupuri, realizând că, făcând acest lucru, influențează renumita privire masculină asupra femeie goală. Straturile groase de vopsea sunt amestecate pentru a imita sticla, aburul, apa si carnea de la distanta. Cu toate acestea, de aproape, uimitor proprietăți fizice vopsea cu ulei. Experimentând cu straturi de vopsea și culoare, găsesc un punct în care pensulele abstracte devin altceva.

Când am început să pictez corpul uman, am fost imediat fascinat și chiar obsedat de el și am crezut că trebuie să-mi fac picturile cât mai realiste posibil. Am „profesizat” realismul până când a început să se dezlege și să dezvăluie contradicții în sine. Acum explorez posibilitățile și potențialul unui stil de pictură în care pictura reprezentativă și abstracția se întâlnesc – dacă ambele stiluri pot coexista în același moment în timp, o voi face.”

Antonio Finelli

artist italian – „ Observator de timp” – Antonio Finelli s-a născut pe 23 februarie 1985. În prezent trăiește și lucrează în Italia, între Roma și Campobasso. Lucrările sale au fost expuse în mai multe galerii din Italia și din străinătate: Roma, Florența, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York și pot fi găsite și în colecții private și publice.

Desene in creion " Observator de timp„Antonio Finelli ne poartă într-o călătorie eternă prin lumea interioară a temporalității umane și analiza scrupuloasă asociată acestei lumi, al cărei element principal este trecerea prin timp și urmele pe care le lasă pe piele.

Finelli pictează portrete ale oamenilor de orice vârstă, sex și naționalitate, ale căror expresii faciale indică trecerea în timp, iar artistul speră să găsească, de asemenea, dovezi ale lipsei de milă a timpului asupra trupurilor personajelor sale. Antonio își definește lucrările cu un singur titlu, general: „Autoportret”, deoarece în desenele sale în creion el nu numai că înfățișează o persoană, dar permite privitorului să contemple rezultate reale trecerea timpului în interiorul unei persoane.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni este o artistă italiană în vârstă de 37 de ani, fiica unui diplomat. Ea are trei copii. Ea a locuit la Roma timp de doisprezece ani și trei ani în Anglia și Franța. Ea a primit o diplomă în istoria artei la BD School of Art. Apoi a primit diploma de restaurator de arta. Înainte de a-și găsi chemarea și de a se dedica în totalitate picturii, a lucrat ca jurnalist, colorist, designer și actriță.

Pasiunea Flaminiei pentru pictură a apărut în copilărie. Mediul ei principal este uleiul, deoarece îi place să „coiffer la pate” și, de asemenea, să se joace cu materialul. Ea a recunoscut o tehnică similară în lucrările artistului Pascal Torua. Flaminia este inspirată din marii maeștri ai picturii precum Balthus, Hopper și François Legrand, precum și din diverse mișcări artistice: arta stradală, realismul chinezesc, suprarealismul și realismul renascentist. Artistul ei preferat este Caravaggio. Visul ei este să descopere puterea terapeutică a artei.

Denis Chernov

Denis Chernov este un artist ucrainean talentat, născut în 1978 în Sambir, regiunea Lviv, Ucraina. După ce a absolvit Școala de Artă din Harkov în 1998, a rămas la Harkov, unde locuiește și lucrează în prezent. De asemenea, a studiat la Academia de Stat de Design și Arte din Harkov, Departamentul de Arte Grafice, absolvind în 2004.

El participă în mod regulat la expoziții de artă în prezent au fost mai mult de 60, atât în ​​Ucraina, cât și în străinătate. Majoritatea lucrărilor lui Denis Chernov sunt păstrate în colecții private din Ucraina, Rusia, Italia, Anglia, Spania, Grecia, Franța, SUA, Canada și Japonia. Unele dintre lucrări au fost vândute la Christie's.

Denis lucrează într-o gamă largă de tehnici de grafică și pictură. Desenele în creion sunt una dintre cele mai preferate metode de pictură ale sale, o listă a subiectelor sale desene in creion este, de asemenea, foarte divers, pictează peisaje, portrete, nuduri, compoziții de gen, ilustrații de carte, literare și reconstituiri istorice si fantezii.

Au apărut genuri de pictură, au câștigat popularitate, au dispărut, au apărut altele noi, iar subtipurile au început să se distingă în cadrul celor existente. Acest proces nu se va opri atâta timp cât o persoană există și încearcă să surprindă lumea din jurul său, fie că este vorba despre natură, clădiri sau alți oameni.

Anterior (până în secolul al XIX-lea), a existat o împărțire a genurilor de pictură în așa-numitele genuri „înalte” (gen mare francez) și genuri „jos” (gen francez petit). Această diviziune a apărut în secolul al XVII-lea. și s-a bazat pe subiectul și intriga au fost descrise. În acest sens, genurile înalte au inclus: luptă, alegoric, religios și mitologic, iar genurile joase au inclus portret, peisaj, natură moartă, animalism.

Împărțirea în genuri este destul de arbitrară, pentru că elemente din două sau mai multe genuri pot fi prezente într-un tablou în același timp.

Animalistica, sau gen animalistic

Animalismul, sau genul animalistic (din latinescul animal - animal) este un gen în care motivul principal este imaginea unui animal. Putem spune că acesta este unul dintre cele mai vechi genuri, pentru că... desenele și figurile de păsări și animale erau deja prezente în viață oameni primitivi. De exemplu, în cunoscutul tablou al lui I.I. „Dimineața într-o pădure de pini” a lui Shishkin, natura este înfățișată de artist însuși, iar urșii sunt reprezentați de un artist complet diferit, care este specializat în înfățișarea animalelor.

Cum se poate distinge o subspecie? Genul hipopotamului(din grecescul hipopotami - cal) - un gen în care centrul imaginii este imaginea unui cal.

Portret

Portret (din cuvântul francez portret) este o imagine în care imaginea centrală este a unei persoane sau a unui grup de oameni. Portretul transmite nu numai asemănare exterioară, dar reflectă și lumea interioară și transmite sentimentele artistului față de persoana al cărei portret îl pictează.

Genul portretului este împărțit în individual(imaginea unei persoane), grup(imaginea mai multor persoane), prin natura imaginii - spre usa din fata, când o persoană este înfățișată în plină creștere pe un fundal arhitectural sau peisagistic proeminent și cameră, când o persoană este înfățișată până la piept sau până la talie pe un fundal neutru. Un grup de portrete, unite după o anumită caracteristică, formează un ansamblu, sau o galerie de portrete. Un exemplu ar fi portretele membrilor familiei regale.

Se remarcă separat auto portret, în care artistul se înfățișează pe sine.

Portretul este unul dintre cele mai vechi genuri - primele portrete (sculpturale) erau deja prezente Egiptul antic. Un astfel de portret a acționat ca parte a unui cult despre viața de apoi și a fost o „dublă” a unei persoane.

Decor

Peisajul (din franceză paysage - țară, zonă) este un gen în care imaginea centrală este imaginea naturii - râuri, păduri, câmpuri, mare, munți. Într-un peisaj, punctul principal este, desigur, complotul, dar nu este mai puțin important să transmitem mișcarea și viața naturii înconjurătoare. Pe de o parte, natura este frumoasă și trezește admirație, dar, pe de altă parte, este destul de dificil să reflectezi acest lucru într-o imagine.

O subspecie a peisajului este peisaj marin, sau Marina(din franceză marina, italiană marina, din latină marinus - mare) - o imagine a unei bătălii navale, a mării sau a altor evenimente care se desfășoară pe mare. Reprezentant strălucitor pictori marini – K.A. Aivazovski. Este de remarcat faptul că artistul a scris multe dintre detaliile acestui tablou din memorie.

Cu toate acestea, artiștii se străduiesc adesea să picteze marea din viață, de exemplu, W. Turner pentru pictura sa „Blizzard. Vaporul cu aburi de la intrarea în port dă un semnal de primejdie după ce a intrat în apă puțin adâncă”, a petrecut 4 ore legat de podul căpitanului unei nave care navighează într-o furtună.

Elementul de apă este, de asemenea, descris într-un peisaj fluvial.

Alocați separat peisaj urban, în care subiectul principal al imaginii sunt străzile și clădirile orașului. Un tip de peisaj urban este Veduta– o imagine a unui peisaj de oraș sub formă de panoramă, unde amploarea și proporțiile sunt cu siguranță menținute.

Există și alte tipuri de peisaj - rural, industrial și arhitectural. În pictura de arhitectură, tema principală este imaginea peisajului arhitectural, adică. clădiri, structuri; include imagini de interioare (decorarea interioară a spațiilor). Uneori Interior(din franceză intérieur - intern) se distinge ca gen separat. Un alt gen se distinge în pictura arhitecturală — Capriccio(din italiană capriccio, capriciu, capriciu) - peisaj arhitectural fantezist.

Natură moartă

Natura moartă (din franceză nature morte - natură moartă) este un gen dedicat reprezentării obiectelor neînsuflețite care sunt plasate într-un mediu comun și formează un grup. Natura moartă a apărut în secolele 15-16, dar ca gen separat a apărut în secolul al XVII-lea.

În ciuda faptului că cuvântul „natura moartă” este tradus ca natură moartă, în picturi există buchete de flori, fructe, pește, vânat, feluri de mâncare - totul arată „ca viu”, adică. ca lucrul real. Din momentul apariției sale și până în ziua de azi, natura moartă a fost gen importantîn pictură.

Ca subspecie separată putem distinge Vanitas(din latină Vanitas - vanitate, vanitate) este un gen de pictură în care locul central în imagine este ocupat de un craniu uman, a cărui imagine este menită să amintească de vanitatea și fragilitatea vieții umane.

Tabloul lui F. de Champagne prezintă trei simboluri ale fragilității existenței - Viața, Moartea, Timpul prin imaginile unei lalele, a unui craniu, a unei clepsidre.

Genul istoric

Genul istoric este un gen în care picturile descriu evenimente importante și fenomene semnificative din punct de vedere social din trecut sau prezent. Este de remarcat faptul că imaginea poate fi dedicată nu numai evenimentelor reale, ci și evenimentelor din mitologie sau, de exemplu, descrise în Biblie. Acest gen foarte important pentru istorie, atât pentru istoria popoarelor și statelor individuale, cât și a umanității în ansamblu. În picturi, genul istoric poate fi inseparabil de alte tipuri de genuri - portret, peisaj, gen de luptă.

Gen de luptă

Genul de luptă (din franceză bataille - bătălie) este un gen în care picturile înfățișează punctul culminant al unei bătălii, operațiuni militare, un moment al victoriei, scene din viața militară. Pictura de luptă este caracterizată prin reprezentarea unui număr mare de oameni în imagine.

Genul religios

Genul religios este un gen în care principalul linia poveștii– biblice (scene din Biblie și Evanghelie). Tema se referă la pictura religioasă și icoană, diferența dintre ele este că picturile cu conținut religios nu participă la slujbele ținute, iar pentru icoană acesta este scopul principal. Iconografie tradus din greaca. înseamnă „imagine de rugăciune”. Acest gen era limitat de cadrul strict și de legile picturii, deoarece este menit să nu reflecte realitatea, ci să transmită ideea principiului lui Dumnezeu, în care artiștii caută un ideal. În Rus' pictura icoană atinge apogeul în secolele XII-XVI. Cel mai nume celebre pictori de icoane – Teofan Grecul (frescuri), Andrei Rublev, Dionisie.

Cum iese în evidență etapa de tranziție de la pictura cu icoane la portret Parsuna(distorsionat din latină persona - persoană, persoană).

Gen de zi cu zi

Picturile descriu scene Viata de zi cu zi. Deseori artistul scrie despre acele momente din viață ale cărora este contemporan. Trăsături distinctive Acest gen este despre realismul picturilor și simplitatea intrigii. Imaginea poate reflecta obiceiurile, tradițiile și structura vieții de zi cu zi a unui anumit popor.

Picturile de uz casnic includ: tablouri celebre precum „Transportătorii de barje pe Volga” de I. Repin, „Troica” de V. Perov, „Căsătoria inegale” de V. Pukirev.

Gen epic-mitologic

Gen epic-mitologic. Cuvântul mit provine din greacă. „mythos”, care înseamnă tradiție. Picturile înfățișează evenimente de legende, epopee, tradiții, mituri grecești antice, legende străvechi, comploturi de folclor.

Gen alegoric

Gen alegoric (din greaca alegoria - alegorie). Tablourile sunt pictate în așa fel încât să aibă un sens ascuns. Ideile și conceptele nesubstanțiale, invizibile pentru ochi (puterea, binele, răul, dragostea), sunt transmise prin imaginile animalelor, oamenilor și altor ființe vii cu astfel de caracteristici inerente care au simbolismul deja fixat în mintea oamenilor și ajută la înţelege sensul general al lucrării.

Pastorală (din franceză pastorale - pastoral, rural)

Un gen de pictură care gloriifică și poetizează viața rurală simplă și pașnică.

Caricatură (din italiană caricare - a exagera)

Un gen în care, la crearea unei imagini, un efect comic este folosit în mod deliberat prin exagerarea și ascuțirea trăsăturilor, comportamentului, îmbrăcămintei etc. Scopul caricaturii este de a jigni, spre deosebire, de exemplu, de caricatură (din acuzația franceză) , al cărui scop este pur și simplu de a face haz. Strâns legate de termenul „caricatură” sunt concepte precum tipăritul popular și grotesc.

Nud (din franceza nu - gol, dezbracat)

Genul în care picturile înfățișează corpul uman gol este cel mai adesea feminin.

False sau trompe l'oeil (din franceză. trompe-l'œil - iluzie optica)

gen, trăsături de caracter care sunt tehnici speciale care creează o iluzie optică și vă permit să ștergeți linia dintre realitate și imagine, adică. impresia înșelătoare că un obiect este tridimensional atunci când este bidimensional. Uneori, blenda se distinge ca un subtip de natură moartă, dar uneori oamenii sunt reprezentați și în acest gen.

Pentru a completa percepția momelilor, este recomandabil să le luați în considerare în original, deoarece reproducerea nu este în măsură să transmită pe deplin efectul pe care l-a descris artistul.

Poza tematica

Un amestec de genuri tradiționale de pictură (intern, istoric, luptă, peisaj etc.). Într-un alt fel, acest gen se numește compoziție figurativă, trăsăturile sale caracteristice sunt: ​​rolul principal este jucat de o persoană, prezența acțiunii și a unei idei semnificative din punct de vedere social, relațiile (conflicte de interese/personaje) și accentele psihologice sunt în mod necesar arătate. .