Artă abstractă - ce este? Abstracționismul în pictură: reprezentanți și lucrări. Abstracții în pictură. Tablouri în stilul abstractionismului Formele abstracte în artă

Artă abstractăși-a primit numele din latinescul - Abstract-tus, care înseamnă abstract, adică non-obiectiv. Acesta este unul dintre domeniile artei care în mod deliberat renunță la imaginea lumii realeși articole din lumea reala. Canonul principal al abstracției este exprimarea sentimentelor, emoțiilor, experiențelor cu ajutorul imaginilor, simbolurilor și a unei combinații senzuale de culori. Arta abstractă nu este un stil sau un gen separat, ci mai degrabă o combinație a diferitelor mișcări în artă, cum ar fi Op Art, Expressionism și altele. A apărut ca una oficială, probabil în 1910 în Franța, unde s-a dezvoltat viguros până a cucerit întreaga lume. De asemenea, merită spus că se aplică nu numai picturii, ci și sculpturii, designului și chiar arhitecturii. După al Doilea Război Mondial, acest stil de artă s-a dezvoltat sub numele de Tachisme, așa că pentru cei care nu știu, Tachisme și Arta abstractă sunt cuvinte sinonime. În Rusia, dezvoltarea artei abstracte a fost împiedicată în toate modurile posibile și, chiar și pe vremea puterii comuniste, oricare dintre manifestările ei a fost persecutată ca neadecvată ideologiei comuniste.

Dacă aveți nevoie de îngrijire pentru apartamentul sau biroul dvs., atunci d-clean.ru vă va oferi toate serviciile. Curățarea, curățarea chimică, spălarea ferestrelor și a ramelor ferestrelor te vor scuti de grijile casnice și te vor percepe mai puțin pentru munca ta decât o menajeră obișnuită.

Expresionismul abstract

Expresionismul abstract, cum s-a dezvoltat școala din New York în America. În timpul celui de-al Doilea Război Mondial, aproape toți artiștii de avangardă au emigrat în America, inclusiv Andre Breton, Salvador Dali și mulți alții. Deja acolo, prin combinarea eforturilor lor, se creează așa-numita școală a expresionismului abstract. Acest tip de pictură caracterizat imagine rapidă , folosind pensule mari, adesea făcute cu mișcări sau picături, toate acestea sunt făcute pentru un singur lucru - pentru a transmite un fel de emoție sau expresie puternică. Practic, expresionismul abstract este pictat pe pânze mari, monumentale. O scară atât de substanțială, iar unele pânze au ajuns la cinci metri lungime, excită imaginația privitorului. Mulți artiști au văzut acest tip de artă în felul lor, fiecare având propriul stil. De exemplu, Gorki a adăugat picturilor sale niște figuri plutitoare sau, așa cum se numeau, hibrizi. Jackson Pollock a întins pur și simplu o pânză pe podea și a împrăștiat vopsea pe ea. Ulterior, acest stil a fost numit Dripping (dripping). Mark Rothko a pictat peste pânzele sale cu avioane mari colorate, lăsând zone nevopsite între ele, ceea ce a stârnit interesul privitorului și a trezit imaginația. Frank Stella a experimentat cu pânzele în sine, tăind colțuri sau transformându-le în poligoane. Astfel, expresioniștii abstracti au realizat complet opusul artei lor și artei picturii tradiționale.

Arta abstractă în artă

Artă abstractă sau neobiectiv art. Una dintre formele de avangardă apărute în prima jumătate a secolului XX. Principalul criteriu al abstracționismului a fost renunțarea și refuzul de a descrie lumea reală, lucruri și evenimente reale. Fondatorii acestei mișcări interesante au fost V. Kandinsky, P. Mondrian și K. Malevich. Apariția abstracționismului în artă, care va înlocui realismul obișnuit, a fost prezisă de Platon și a apărut ca un anumit tipar de pictură obișnuită plictisitoare și alte avangarde (suprrealism, Dada). Și așa s-a întâmplat. Acest gen se distinge adesea prin impulsivitate puternică, combinații de culori aparent aleatorii.

(din lat. abstractio - distragere), artă neobiectivă, una dintre cele mai influente mișcări artistice ale secolului XX, apărută la început. anii 1910 Metoda creativă a abstractionismului se bazează pe o respingere completă a „asemănării vieții” și a descrierii formelor. realitate.

O pictură abstractă se bazează pe relațiile dintre pete colorate, linii și linii; sculptura - pe combinatii de forme geometrice volumetrice si plate. Cu ajutorul construcțiilor abstracte, artiștii au vrut să exprime modele interne și esențe înțelese intuitiv ale lumii, Universului, ascunse în spatele formelor vizibile.

Malevici Kazimir. Suprematism

Elementele geometrice pictate în culori primare par să plutească, suspendate pe pânză. Malevich a creat o compoziție complexă de forme suprapuse pentru a transmite un sentiment de profunzime și perspectivă. Munca suprematistă alungă orice urmă a obiectului, bazându-se exclusiv pe interacțiunea formei și a culorii. Malevici a fost fondatorul Suprematismului - un sistem care a căutat să atingă puritatea absolută a acestor două principii. Pentru Malevici, suprematismul a însemnat întruchiparea sentimentului artistic pur, ceea ce el a numit „sentimentul non-obiectivului”. În 1918, a dus dezvoltarea artei nonfigurative la concluzia sa logică într-o serie de compoziții numite „Alb pe alb”, formate din forme geometrice albe pe fond alb – un fel de abstracție a abstracțiunilor. Dându-și seama că nu există unde să dezvolte în continuare conceptul, Malevich a revenit la pictura figurativă.

K. S. Malevici. „Suprematism”. 1915 Statul Galeria Tretiakov. Moscova

Malevici „Suprematismul dinamic” "

K.S. Malevici. Suprematism (Supremus nr. 56). 1916. Ulei pe pânză, 80,5x71. Muzeul de Stat al Rusiei. Saint Petersburg

Data nașterii abstracționismului este considerată a fi 1910, când V.V. Kandinsky a expus prima lucrare abstractă din istoria artei (acuarela) la München și a scris un tratat „Despre spiritualul în artă”, în care și-a fundamentat metoda creativă cu descoperirile științei.

Vasili Kandinsky. Cazaci

În această compoziție semi-abstractă, inexplicabil de atractivă, contururile dealurilor și figurile cazacilor cu sabii sunt incluse în mișcarea formelor abstracte, liniilor și petelor de culoare. Există o frumusețe aparte în simplitatea construcției sale și o uimitoare lejeritate în modul de aplicare a cursei. Kandinsky credea că un artist adevărat se străduiește să exprime exclusiv o viziune internă, esențială. După ce a primit inițial o educație juridică, Kandinsky și-a dat seama curând că adevărata sa vocație este arta și a devenit unul dintre pionierii remarcabili ai picturii abstracte „pure”. După o lungă ședere la München, s-a întors în Rusia, unde în 1914-1922 s-a angajat în activități didactice și a fondat Academia Rusă de Științe Artistice. Influența culturii ruse s-a reflectat în apelurile sale la pictura de icoane, la motive arta Folk. De ceva vreme a predat la Bauhaus, celebra școală design modern. Kandinsky și-a dat seama de semnificația artei abstracte când a descoperit în ea „frumusețea extraordinară, care emite o lumină interioară”, fără să-și dea seama încă că este lumina propriei creativități, văzută din interior, în perspectivă inversă. V. Kandinsky și-a creat propriul tip de pictură abstractă, eliberând petele impresioniste și „sălbatice” de orice semne de obiectivitate.

Kandinsky „Compoziția nr. 8”

Curând, abstracționismul devine o mișcare puternică, în cadrul căreia apar diverse direcții: abstracția lirică (picturi de Kandinsky și maeștri ai unificării). „Călărețul albastru” cu formele lor fluide, „muzicale” și expresivitatea emoțională a culorii) și abstracția geometrică (K.S. Malevici, P. Mondrian, parțial de R. Delaunay, ale cărui compoziții se bazează pe combinații de elementare forme geometrice: pătrate, dreptunghiuri, cruci, cercuri). Asociația Blue Rider a fost fondată în decembrie 1911 la München de către Wassily Kandinsky și Franz Marc. Scopul principal a fost eliberarea de tradițiile fosilizate ale picturii academice. Pe lângă ei, grupul a mai inclus și August Macke, Marianna Verevkina, Alexey Javlensky și Paul Klee. La munca acestui grup artistic au participat și dansatori și compozitori. Ei au fost uniți de interesul pentru arta medievală și primitivă și mișcările din acea vreme - fauvism și cubism.

August Macke și Franz Marc au fost de părere că fiecare persoană are o percepție internă și externă a realității, care ar trebui unită prin artă. Această idee a fost fundamentată teoretic de Kandinsky. Grupul s-a străduit să atingă egalitatea în toate formele de artă.

Ideea principală a unificării a fost respingerea oricărei obiectivități în artă. Kandinsky scria: „Arta nu „ar trebui” nimic, pentru că este eternă, liberă, Arta fuge de „ar trebui” ca ziua de noapte”2. Acum, gândurile artistului au fost exprimate prin imaginea nu a aspectului exterior al obiectelor, ci a conținutului lor intern. Participanții la „Blue Rider” au considerat ca obiectivul principal al artei lor să transmită publicului că tensiune nervoasa pe care ei înșiși l-au experimentat.

Piet Mondrian a ajuns la non-obiectivitatea sa prin stilizarea geometrică a naturii inițiată de Cézanne și cubiști. Mișcările moderniste ale secolului XX, concentrate pe abstractionism, se îndepărtează complet de principiile tradiționale, negând realismul, dar rămân în același timp în cadrul artei. Istoria artei a cunoscut o revoluție odată cu apariția artei abstracte. Dar această revoluție nu a apărut întâmplător, ci destul de natural și a fost prezisă de Platon! În lucrarea sa târzie „Philebus” a scris despre frumusețea liniilor, a suprafețelor și a formelor spațiale în sine, independent de orice imitație a obiectelor vizibile, de orice mimesis, acest tip de frumusețe geometrică, în contrast cu frumusețea naturală „neregulată”. formele, după Platon, nu au un caracter relativ, ci un caracter necondiţionat, absolut.

Mondrian Piet. Compoziţie

În această compoziție geometrică, o rețea neagră disecă viguros fundalul; celulele sale individuale sunt umplute cu culori primare strălucitoare. Mondrian a dezvoltat un sistem de stil care exclude spațiul tridimensional și contururile curbe. Artistul și-a construit picturile din cele mai simple elemente - linii drepte și culori primare, pe care le-a mutat pe suprafața pânzei până a obținut un echilibru compozițional complet. Scopul său a fost să creeze o artă strictă, obiectivă, ale cărei legi reflectă structura universului. Liniile și culorile curate indică faptul că acest tablou aparține mișcării „Stil”, cel mai important reprezentant al căruia a fost Mondrian. Părăsind Olanda natală în 1938, a plecat la Londra, unde atelierul său a fost distrus în curând de atacuri cu bombă. Doi ani mai târziu, Mondrian s-a mutat la New York. Aici compozițiile sale au devenit mai colorate, reflectând ritmurile agitate ale vieții din țara Broadway și boogie-woogie.

Delaunay Robert. Omagiu lui Blériot

În această compoziție, care la prima vedere pare abstractă, spirale răsucitoare și discuri rotative de culoare formează un model liric pe suprafața unei foi de hârtie. La o inspecție mai atentă, observăm Turnul Eiffel în dreapta, precum și aripile și elicea unui avion în stânga. Aceste elemente, combinate cu formele plutitoare, sunt menite să sărbătorească primul zbor peste Canal întreprins de Louis Blériot în 1909. Artiștii recurgeau adesea la hârtie pentru a-și schița ideile și pentru a dezvolta compoziții. Această acuarelă este o schiță preliminară a unui colaj mare cu același nume, care se află în Muzeu de arta la Basel. Delaunay a folosit culoarea pentru a crea picturi pur abstracte: formele și imaginile din ele au fost generate de imaginație și nu au avut nimic de-a face cu lume vizibilă. Acest stil de pictură, strâns asociat cu muzica, a fost numit orfism, termen inventat de poetul Guillaume Apollinaire.

Opera programatică a lui Malevici a fost faimoasa sa „Pătratul Negru” (1915). Artistul și-a numit metoda Suprematism (din latinescul supremus - cel mai înalt). Dorința de a se rupe de realitatea pământească l-a condus la o fascinație pentru spațiu (Malevici a fost unul dintre autorii celebrei piese „Victorie asupra Soarelui”). Artistul și-a numit compozițiile abstracte „planiți” și „arhitectoni”, simbolizând „ideea de dinamism universal”.

F. Mark. „Forme de luptă” 1914 Noua Pinacoteca. Munchen

La început. Secolului 20 arta abstractă s-a răspândit în multe țări occidentale. În 1912 s-a născut neoplasticismul în Olanda. Creatorul neoplasticismului, P. Mondrian, împreună cu T. van Doesburg, au fondat grupul De Stijl (1917) și o revistă cu același nume (apărată până în 1922).

Van Doesburg Theo. Compoziția aritmetică

Un sentiment de mișcare și perspectivă este creat de o serie de pătrate negre pătrunzătoare pe un fundal alb. În realitate, artistul a folosit un calcul matematic simplu - laturile fiecărui pătrat și distanțele dintre ele sunt egale cu jumătate din dimensiunile pătratului anterior. Artistul a creat o metaforă a spațiului care este perfectă în rafinamentul său. Folosirea legilor împrumutate din științele exacte corespundea atracției sale speciale pentru arhitectură. Impresie puternică Van Doesburg a fost influențat de opera artistului Piet Mondrian, cu care în 1917 a creat revista „Style” („De Stijl”), care a introdus ideile și lucrările maeștrilor cu același nume. asociere creativă. Printre tehnicile formale de pictură ale grupului „Stil” se numără umplerea locală a formelor geometrice plasate pe un plan neutru cu culori pure, care formează baza spectrului. Conceptul de „Stil” a fost dezvoltat și descris în detaliu de către Van Doesburg în numeroase articole și prelegeri, iar tehnicile stilistice ale acestei arte au fost utilizate pe scară largă în arhitectura secolului al XX-lea.

„Elementul uman” a fost complet alungat din arta lor. Membrii grupului De Stijl au creat pânze în care suprafețele căptușite cu o rețea de linii formau celule dreptunghiulare umplute cu culori pure, uniforme, care, potrivit lui Mondrian, exprimau ideea de frumusețe plastică pură. El a vrut să creeze o pictură „lipită de individualitate” și, prin urmare, să posede „semnificație mondială”.

În 1918-20 în Rusia a apărut pe baza ideilor de suprematism constructivism, care a unit arhitecții (K.S. Melnikov, A. A. Vesnin etc.), sculptori (V. E. Tatlin, N. Gabo, A. Pevzner), grafică ( El Lissitzky, A.M. Rodcenko).

Vladimir Tatlin. Monumentul Internaționalei a Treia

Creată într-o perioadă de fervoare politică, această spirală înclinată a fost proiectată să fie de două ori mai mare decât Empire State Building din New York și să aibă secțiuni centrale rotative alternativ. Spațiul este delimitat în compartimente separate, legate formal între ele, ca părți dintr-o ecuație matematică. Tatlin a fost fondatorul constructivismului, o mișcare din avangarda rusă care a luat naștere din experimente artistice cu abstracția, dar care s-a orientat ulterior către obiective utilitare. A fost un susținător al ideii de „artist-inginer” și a văzut rol principal artă în satisfacerea nevoilor sociale. Tatlin a creat, de asemenea, o serie de structuri de relief suspendate, folosind forme exclusiv geometrice și folosind o mare varietate de materiale, precum lemn, metal, sticlă și sârmă. Capodopera lui Tatlin, un simbol al idealurilor constructiviste, combinând sculptura și arhitectura. Monumentul Internaționalei a III-a nu a fost niciodată construit. Reproducerea este realizată dintr-o replică modernă a modelului original.

Gabo Naum. Design liniar în spațiul nr. 2

Snur de nailon este înfășurat în jurul a două foi de plexiglas curbat care se intersectează pentru a crea un model tridimensional complex de pliuri concave și convexe. Aceste părți, curgând una în alta, creează iluzia rotației sale nesfârșite în jurul axei sale, zburând în spațiul absolut, unde timpul a stat pe loc. Lucrarea a fost concepută ca parte a unei structuri de trei metri, niciodată finalizată, comandată de Gabo în 1949 pentru clădirea Esso din New York. Gabo a aparținut mișcării constructiviste și a perceput forma ca o metaforă a spațiului. În 1922, și-a părăsit Rusia natală, a locuit la Berlin și Paris, iar mai târziu a devenit cetățean american. În 1952, a creat o compoziție sculpturală uriașă pentru un centru comercial din Rotterdam, unde s-a manifestat și talentul său arhitectural.

Lisitsky El. Compoziţie

Obiectele geometrice care se rotesc pictate în culori delicate par să plutească în aer, creând astfel un sentiment de profunzime și iluzia spațiului. Unele dintre forme sunt date în trei dimensiuni, iar această aluzie la volumele arhitecturale este dezvoltată în lucrările ulterioare ale lui Lissitzky. În această lucrare, concentrarea formei pure și a culorii relevă influența direcției artei abstracte pe care Kazimir Malevich a inventat-o ​​- Suprematismul, bazat pe figuri geometrice pure. Lissitzky a primit studii de inginerie și arhitectură. Marc Chagall l-a invitat să predea arhitectură și grafică la scoala de Arteîn Vitebsk; aici a intrat sub influența lui Malevici. Sunt binecunoscute seria Proun a lui Lissitzky - cicluri de lucrări abstracte create cu linii drepte. Aceste lucrări se caracterizează prin calități spectaculoase și o planeitate cuprinzătoare, fără nicio urmă de profunzime. Creativitatea lui Lissitzky a fost multifațetă: a lucrat și la afișe, la design de costume și la design de expoziții și cărți.

Rodcenko Alexandru. Compoziție (Victory Red)

Formele triunghiulare echilibrate cu cercuri creează o iluzie tridimensională. care este sporită de umbrirea diagonalei stângi a triunghiurilor. Formele plate sunt separate unele de altele prin culoare. Constând din desene strict geometrice desenate cu busolă și riglă, pictura reflectă dorința artistului de a crea forme elementare cu culori primare pure. În același an cu această lucrare, Rodcenko și-a expus faimoasa lucrare Black on Black - un răspuns la seria Alb pe alb a lui Malevich. Dorința lui Rodcenko de a reduce pictura la esențe geometrice abstracte l-a atras în mișcarea constructivistă. Ulterior, împreună cu alți membri ai grupului, a plecat pictura de șevalet de dragul designului și al artelor aplicate. A lucrat mai ales activ în domeniile designului industrial, designului cărții și fotografiei, folosind adesea perspective și unghiuri de vedere neobișnuite în cea din urmă.

Esența regiei a fost subliniată de Vesnin: „Lucrurile create de artiștii contemporani ar trebui să fie structuri pure, fără balastul reprezentării”. Rol important Bauhaus, asociație artistică fondată în 1919 în Germania de arhitectul V. Gropius (P. Klee; V.V. Kandinsky, El Lissitzky etc.), a jucat un rol în dezvoltarea constructivismului.

Klee Paul. Senecio

Imagine simplificată chip umanîmpărțit în patrulatere colorate. Formele pătrate plate sunt înscrise într-un cerc reprezentând o mască de față, care amintește de un costum de arlechin multicolor. Ca portret al comediantului Senecio, pictura poate fi interpretată și ca un simbol al relației schimbătoare dintre artă, iluzie și teatru. Pictura demonstrează principiile picturii lui Klee, în care liniile de design, planurile de culoare și spațiu sunt puse în mișcare de energia intelectului artistului. Cu aceste liniuțe și squiggles, inspirat de imaginația sa, Klee, în limba sa, „invită coada la plimbare”. Din 1921 până în 1931, Klee a fost unul dintre cei mai străluciți profesori de la școala de design Bauhaus și a publicat multe lucrări despre teoria artei. Doi ani mai târziu, naziștii l-au expulzat din Germania și mai mult de o sută de lucrări ale lui Klee au fost scoase din muzeele germane ca „degenerate”.

În 1930, criticul francez M. Seyfor a creat grupul Circle and Square la Paris. În 1931, la Paris a luat naștere asociația „Abstracție - Creativitate”, fondată de emigranții din Rusia N. Gabo și A. Pevzner. O mișcare deosebit de radicală a fost tachisme (din francezul tache - pată). Tachiștii (P. Soulages, H. Hartung, J. Mathieu etc.) s-au descurcat fără perii. Au stropit și stropit cu vopsea pe pânză, apoi au mânjit-o sau au călcat-o în picioare. Au amestecat funingine, gudron, cărbune, nisip și sticlă spartă cu vopsele, crezând că culoarea murdăriei nu este mai puțin frumoasă decât cea a cerului.

Pierre Soulages. Pictura 16

Tunuri negre, așezate energic cu o pensulă largă, se închid în forme dense de relief. Masele negre goale, iluminate de scurte licăriri de alb, conferă picturii o monumentalitate calmă. Originalitatea unică a picturii este determinată de natura sculpturală a formelor clar disecate și de redarea magistrală a efectelor de lumină. Mișcarea intensă a pensulei libere care creează o compoziție abstractă puternică este o caracteristică tipică a mișcării Art Informel. Născut în sud-vestul Franței. Soulages s-a mutat la Paris în 1946, unde a început să lucreze la picturi abstracte pline cu reminiscențe ale dolmenelor preistorice și sculptura romanică a Auvergnei natale. Multe dintre compozițiile lui Soulages sunt construite pe intersecții asemănătoare zăbrelelor de dungi largi, în care culoarea neagră pe un fundal strălucitor strălucește și strălucește, ca pielea bine lucrată. În ultimele sale picturi, brazde de vopsea formează o suprafață în relief.

Hartung Hans. T 1956/7

Fundalul moale și pal prezintă linii negre ascuțite și dramatice care se încrucișează și se leagă într-un coc. Această imagine caligrafică expresivă creată de Hartung este un exemplu de artă spontană cunoscută sub numele de „informală”. Esența sa constă în faptul că Hartung începe lucrul cu o pânză goală, fără a avea încă un concept despre lucrarea finită. Născut în Germania, Hartung s-a stabilit la Paris în 1955 și, ulterior, și-a luat cetățenia franceză. A devenit unul dintre cei mai faimoși abstracționiști francezi. Lucrările sale grațioase și distinctive, care încorporează de obicei caligrafia ca în arta chineză, sunt de obicei fără titlu și se disting doar prin numere. La începutul războiului, Hartung a intrat în Legiunea Străină Franceză.

Odată cu începutul celui de-al Doilea Război Mondial, centrul artei abstracte s-a mutat în SUA (J. Pollock, A. Gorky, W. Kuning, Fr. Klein, M. Tobey, M. Rothko). În anii 1960 a început o nouă ascensiune a artei abstracte. Această direcție în artă rămâne actuală și astăzi, dar nu mai ocupă o poziție dominantă, ca la început. Secolului 20

Jackson Pollock. Numărul 1A, 1948

Stilul frenetic al lui Pollock de a stropi și a unge vopsea pe pânză cu lovituri puternice și rapide a fost dezvăluit în această pictură cu dovezi izbitoare. Folosind un cuțit și o spatulă, artistul a presat vopselele și le-a întins pe pânză, întinse de-a lungul peretelui sau pur și simplu pe podea. S-a plimbat în jurul pânzei și el însuși a devenit, parcă, parte a tabloului. Tehnica profund originală a lui Pollock a fost numită pictură de acțiune. Inovații radicale precum refuzul de a plasa pânza pe un șevalet și absența perspectivei tradiționale au devenit piatră de hotar importantăîn arta internaţională postbelică. Ceea ce Pollock asociază cu pictura expresionistă abstractă este energia și libertatea de exprimare. Stilul lui Pollock nu este atât de spontan pe cât ar părea la prima vedere. Artistul a spus: „Vreau să-mi exprim sentimentele, nu să vorbesc despre ele... Pot controla fluxul de vopsea: nu există accident în ea, așa cum nu există început sau sfârșit.” Pollock a murit în 1956 într-un accident de mașină.

Arshile Gorki. Cascadă

În centrul acestui lucru, la prima vedere, pictura abstractă este imaginea unei mici cascade în pădure. Evocă o imagine vie a unui curent de apă care curge prin stânci, înconjurat de ramuri de copaci și vegetație. Culorile vibrante dau impresia de strălucire senină lumina soareluiși zgomotul căderii apei. Frumusețea pânzei constă în capacitatea artistului de a transmite un sentiment de liniște sufletească prin imagini cu pădure și apă. Pictura este plină de motive magice, onirice, caracteristice mișcării suprarealismului, de care artistul era apropiat în acest moment, iar în ea se resimte și influența modului spontan al expresionismului abstract. Născut în Armenia, Gorki a emigrat în Statele Unite în 1920. Un critic l-a descris ca pe un artist în exil, pentru care arta a devenit patria sa. Gorki a apelat adesea la imaginile patriei sale în picturile sale. După ani de sărăcie, a obținut recunoașterea de scurtă durată, dar s-a spânzurat după ce a suferit o traumă psihologică gravă.

De Kooning Willem. Marilyn Monroe

Însăși esența frumuseții izbitoare și amețitoare a unei vedete de la Hollywood - frumusețea afișată - este surprinsă în această imagine. Vopseaua se aplică în mișcări mari, puternice, creând o imagine strat cu strat. Acest tablou din seria „Femei” aparține uneia dintre perioadele non-abstracte, figurative, ale operei lui De Kooning. Marilyn Monroe, ca și alte simboluri sexuale, pare mai degrabă un obiect decât o persoană. Artistul își aseamănă eroina cu un manechin dintr-o fereastră, privând-o complet de atracția erotică. De Kooning a fost asociat cu grupul expresionist abstract din New York. Acești artiști au acordat o mare importanță picturii spontane - însuși gestul prin care vopsea stropește pe suprafața pânzei. Totuși, spre deosebire de majoritatea celorlalți membri ai grupului, De Kooning nu s-a limitat la pură abstractizare: subiectul său preferat era figura umană, în special cea feminină. A trecut prin diferite etape în dezvoltarea sa creativă, iar în anii 1970 s-a orientat spre sculptura figurativă.

Mark Tobey. Călătoria albă

Un roi haotic de pictograme și liniuțe abstracte minuscule umple suprafața hârtiei. Ritmul tremurător al țesăturilor asemănătoare pânzei este o trăsătură caracteristică a manierelor lui Toby. Stăpânirea sa sofisticată a scrisului cursiv rapid i-a câștigat o mare popularitate printre colecționari. Această compoziție este apropiată de pictura expresionismului abstract, în special de Jackson Pollock, dar este evident că Toby a urmat o cale independentă, paralelă. Pe el influență mare a influențat cultura Orientului Îndepărtat, caligrafia chineză; A fost unul dintre primii dintre intelectualii americani care s-au interesat de budismul zen. În anii 1950, Toby a câștigat faima internațională ca fiind unul dintre cei mai inovatori artiști americani. Reputația sa constant ridicată în Europa a fost susținută de dealer-ul elvețian de succes și influent Ernst Beisler.

Rothko Mark. Fără titlu

Mase dreptunghiulare de culori bogate par să plutească în spațiul imaginii. Contururile lor neclare creează o vibrație plină de mister putere magică. O lumină nepământeană pătrunde în pânză, dizolvând tensiunea formelor și contrastele de culoare cu strălucirea sa interioară. Reținute și în același timp pline de sens ascuns, lucrările lui Rothko conțin un anumit adevăr, roadele unei gândiri lungi și dificile. Originar din Rusia, Rothko a emigrat în Statele Unite împreună cu părinții săi în 1913. Artist autodidact, a pictat în principal tablouri la scară largă. El a căutat să facă spectatorul un participant la experiența culorii absolute. El a spus: „Plez tablouri mari pentru că vreau să obțin intimitate. Imagine de ansamblu- aceasta este o conexiune instantanee; te prinde complet.” Rothko a fost un important exponent al expresionismului abstract. Compozițiile sale fără formă reînvie însuși spiritul acestei mișcări, care a încercat să pătrundă în secretele de neatins ale sufletului uman.

Abstracţionism (din latină abstractus - la distanță, abstract)- o mișcare foarte largă în arta secolului XX, care a apărut la începutul anilor 1910 în mai multe țări europene. Abstracționismul se caracterizează prin utilizarea unor elemente exclusiv formale pentru a reflecta realitatea, unde imitație sau afișare precisă nu era cu adevărat un scop în sine.

Termenul de abstractionism provine din latinescul abstraho - a se îndepărta, a distrage atenția. Este general acceptat că aceasta este o direcție, sau chiar un stil; abstractionismul este cu totul altceva, iar cei care interpretează acest concept în acest fel se înșală fără să vrea. Arta abstractă este înțeleasă de artiști și teoreticieni ai artei ca o modalitate de a înțelege realitatea prin mijloacele artei plastice, supusă abstracției complete din forma obiectelor vizibile ale realității însăși. La fel ca arta figurativă (obiectivă), abstracționismul se descompune în mai multe stiluri și direcții: abstractizare geometrică, lirică, gestuală, analitică și mișcări mai particulare: Suprematism, Aranformel, Nuageism, Tachisme etc. De fapt, căutările artiștilor din toate timpurile au fost și vor fi întotdeauna limitate doar de aceste două ipostaze: arta figurativă și cea abstractă. Nu există a treia opțiune, așa cum se spune.

Fondatorii artei abstracte sunt artiștii ruși Wassily Kandinsky și Kazimir Malevich, olandezul Piet Mondrian, francezul Robert Delaunay și cehul Frantisek Kupka. Metoda lor de desen s-a bazat pe dorința de „armonizare”, crearea anumitor combinații de culori și forme geometrice pentru a evoca diverse asocieri în privitor.

În abstractionism se pot distinge două direcții clare: abstracția geometrică, bazată în primul rând pe configurații clar definite (Malevich, Mondrian), și abstracția lirică, în care compoziția este organizată din forme care curg liber (Kandinsky). Există, de asemenea, câteva alte mișcări independente mari în arta abstractă.

La începutul anilor '50, celebrul impresionist A. Matisse s-a orientat pentru prima dată către pictura abstractă. Și în 1950, la Paris, artiștii J. Devagne și E. Pilet au deschis un atelier în care au început să învețe tinerii pictori cum să scape de viziunea realistă, să creeze picturi abstracte folosind mijloace exclusiv picturale și să nu folosească mai mult de trei tonuri într-o compoziție. , ca și în arta abstractă, în opinia lor, forma este cel mai adesea determinată de culoare. Devagne și Pilet credeau că principala condiție pentru a crea o pictură abstractă bună era alegerea celor mai precise culori. Pictura abstractă a lui Devan Apoteoza lui Marat (1951) a fost primită cu mare entuziasm de critici. Ei au scris despre tablou că acesta nu este doar un portret intelectual al unei figuri revoluționare celebre, ci și „o sărbătoare a culorii pure, jocul dinamic al curbelor și liniilor drepte”, „acest lucru este dovada că abstracția exprimă nu numai valori spirituale. , dar și arta figurativă poate aborda evenimente istorice și politice.”

În a doua jumătate a anilor 50, în Statele Unite au apărut arta instalației și arta pop, care oarecum mai târziu l-au glorificat pe Andy Warhol cu ​​circulația sa nesfârșită de portrete ale lui Marilyn Monroe și cutii de mâncare pentru câini - abstractionism colaj. ÎN Arte FrumoaseÎn anii 60, cea mai puțin agresivă, formă statică de abstractizare, minimalismul, a devenit populară. În același timp, Barnett Newman, fondatorul abstracționismului geometric american, împreună cu A. Lieberman, A. Held și K. Noland, au lucrat cu succes la dezvoltarea în continuare a ideilor neoplasticismului olandez și suprematismului rus.

O altă mișcare a picturii americane se numește abstractionism „cromatic” sau „post-pictor”. Reprezentanții săi au fost într-o oarecare măsură inspirați de fauvism și postimpresionism. Stilul dur, contururile accentuat de ascuțite ale operelor lui E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella au lăsat treptat locul picturilor de natură melancolică contemplativă. În anii 70 și 80, pictura americană a revenit la figurativitate. Mai mult, o manifestare atât de extremă precum fotorealismul a devenit larg răspândită. Majoritatea istoricilor de artă sunt de acord că anii 70 sunt momentul adevărului pentru arta americană, deoarece în această perioadă s-a eliberat în cele din urmă de influența europeană și a devenit pur americană. Cu toate acestea, în ciuda revenirii formelor și genurilor tradiționale, de la portrete la pictura istorica, nici abstractionismul nu a dispărut.

Picturile și lucrările de artă „nereprezentativă” au fost create ca și înainte, întrucât revenirea la realism în SUA a fost depășită nu de abstractionism ca atare, ci de canonizarea acestuia, interzicerea artei figurative, care s-a identificat în primul rând cu realismul nostru socialist. , și, prin urmare, nu a putut să nu fie considerată odioasă într-o societate „liberă democratică”, o interdicție a genurilor „joase”, a funcții sociale artă. În același timp, stilul picturii abstracte a dobândit o anumită moliciune care îi lipsea înainte - volume raționalizate, contururi neclare, bogăție de semitonuri, scheme de culori subtile (E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. Morley, L. . Chese, A. .Byalobrod). Cu toate acestea, stilul hard nu a dispărut complet; a dispărut în fundal și s-a păstrat în opera geometrienilor și artiștilor expresioniști ai generației mai vechi (H. Buchwald, D. Ashbaugh, J. Gareth etc.).

Toate aceste tendințe au pus bazele dezvoltării abstracționismului modern. Nu poate exista nimic înghețat sau definitiv în creativitate, deoarece asta ar fi moartea pentru ea. Dar indiferent de calea pe care o parcurge abstracționismul, indiferent de transformările pe care le suferă, esența lui rămâne întotdeauna neschimbată. Este că abstractionismul în arta plastică este cel mai accesibil și nobil mod de a surprinde existența personală și într-o formă care este cea mai adecvată - ca o imprimare în facsimil. În același timp, abstractionismul este o realizare directă a libertății.

Artă abstractă artă abstractă

(artă abstractă), o direcție în arta secolului XX care refuză să înfățișeze obiecte și fenomene reale în pictură, sculptură și grafică. A apărut în anii 10, la sfârșitul anilor 40 - începutul anilor 60. a aparţinut celor mai răspândite mişcări artistice. Unele mișcări ale artei abstracte (Suprematism, Neoplasticism), făcând ecou căutărilor în arhitectură și industria artei, au creat structuri ordonate din linii, forme geometrice și volume, altele (Tachisme) au căutat să exprime spontaneitatea, inconștiența creativității în dinamica spoturilor. sau volume.

ARTA ABSTRACTĂ (artă abstractă, artă neobiectivă (cm. ARTĂ NONOBIECTIVĂ), artă non-figurativă), un set de tendințe în artele plastice ale secolului XX, care au înlocuit reproducerea directă a realității naturale cu semne și simboluri picturale și plastice sau joc „pur” forme artistice. Abstracția „pură” ar trebui percepută condiționat, deoarece chiar și în cele mai abstracte imagini din natura concretă se pot ghici întotdeauna anumite motive și prototipuri obiect-figurative - natură moartă, peisaj, arhitectural etc.
Arta ornamentului a servit întotdeauna ca un rezervor constant al acestui tip de forme. Precursori istorici importanți ai artei abstracte au fost, de asemenea, fascinația antică a artiștilor pentru anamorfoze (sau, parcă, imagini „aleatorie”), care au fost deslușite în texturi naturale (de exemplu, în secțiuni de minerale), precum și principiul non-finito, care a apărut în Renaștere (cm. NON-FINITO)(incompletitudine externă, permițând să se admire jocul de linii și culori indiferent de formele intrigii). Arta predominant ornamentală a islamului, precum și caligrafia din Orientul Îndepărtat, care a eliberat pensula de nevoia de a imita constant natura exterioară, s-au dezvoltat într-o direcție neobiectivă de-a lungul Evului Mediu. În Europa, în epoca romantismului și simbolismului, adică în secolul al XIX-lea, artiștii uneori, de obicei la stadiul de schiță, dar uneori în lucrări finite, au intrat în lumea viziunilor nefigurative (acestea sunt fantezii individuale ale regretatul J. M. W. Turner (cm. TURNER William) sau schițe de G. Moreau); dar acestea au fost doar excepții izolate, iar punctul de cotitură decisiv a avut loc abia la începutul anilor 1910.
Arta „marii spiritualități”
Primele picturi abstracte reale au fost create în 1910-1911. V. V. Kandinsky (cm. KANDINSKY Vasili Vasilievici)şi cehul F. Kupka (cm. CUMPĂRĂ Frantisek), și deja în 1912 primul dintre ei a fundamentat în detaliu descoperirile sale creative în eseul programatic „Despre spiritual în artă”. În următorii 12 ani, au avut loc alte evenimente de hotar: în jurul anului 1913 M. F. Larionov (cm. LARIONOV Mihail Fedorovich)și N. S. Goncharova (cm. GONCHAROVA Natalia Sergeevna) a trecut la arta abstractă din futurism (Larionov a numit noua metodă „raionism”); În același timp, o schimbare similară a avut loc în munca italianului G. Balla (cm. BALLA Giacomo). În 1912-1913 s-a născut „orfismul” inutil al lui R. Delaunay (cm. Delaunay Robert), iar în 1915-1917. - o versiune mai strictă, geometrică, a artei abstracte, creată de K. S. Malevich (cm. MALEVICH Kazimir Severinovici)în Rusia (Suprematism), iar apoi de P. Mondrian (cm. MONDRIAN Piet)în Olanda (neoplasticism). Ca urmare, s-a format un câmp experimental în care aproape toate stilurile de avangardă ale vremii s-au intersectat, de la futurism la Dada.
Trei direcții ale creativității abstracte au apărut imediat: 1) geometric; 2) iconic (adică, concentrarea pe simboluri sau pictograme); 3) organic, urmând ritmul naturii (în Rusia, cel mai mare susținător al unor astfel de organice abstracte a fost în primul rând P. N. Filonov (cm. FILONOV Pavel Nikolaevici)). O astfel de clasificare se referă însă doar la trăsături externe, formale, deoarece toate versiunile artei abstracte timpurii erau într-un fel sau altul simbolice și toate erau într-un fel sau altul inspirate de „ritmurile cosmice” ale naturii. Orfismul lui Delaunay, bazat pe o scară de culori pure, a format o direcție specială care poate fi numită în mod convențional „cromatic”.
În spatele diferențelor formale a existat o asemănare a conținutului intern. După ce a experimentat influența puternică a teosofiei și a mișcărilor mistice similare (adică, influența unor autori precum H. P. Blavatsky (cm. BLAVATSKAYA Elena Petrovna)și adepții ei, precum și P. D. Uspensky (cm. USPENSKY Petr Demyanovich)în Rusia și M. Schoenmaekers în Țările de Jos), Kandinsky, Kupka, Malevich și Mondrian erau convinși că picturile lor, în care lumea veche dispare clar în „nimicul” cosmic, reprezintă o apocalipsă artistică sau, cu alte cuvinte, arată privitorului acel prag dincolo de care se deschide o nouă „eră a marii spiritualități” (Kandinsky) și „introduce lumea în prosperitate” (Filonov). Debutul unei perioade de războaie și revoluții nu a făcut decât să întărească aceste credințe romantic-idealiste.
Design și versuri
În anii 1920 arta abstractă, păstrându-și baza utopică (dar nu mai „apocaliptică”), a devenit mai practică și mai puțin mistică. „Bauhaus (cm. BAUHAUS)» l-a stăpânit activ în Germania potenţial creativ(în primul rând în versiunea sa geometrică) pentru a actualiza designul și, odată cu acesta, viața socială în general. Abstractionismul a început să fie introdus în viață, inclusiv în modă (de exemplu, S. Delaunay-Turk (cm. Sonia DELONE) a folosit motive din picturile soțului ei pentru a proiecta țesături, interioare și chiar mașini). Arta abstractă a contribuit puternic la formarea a ceea ce a început să fie numit „stilul modern” al creativității decorative. La rândul său, non-obiectivitatea a fost stăpânită activ în sculptură, atât de șevalet cât și monumental-decorativ (H. Arp (cm. ARP Hans (Jean)), C. Brancusi (cm. BRANCUZI Constantin), N. Gabo (cm. GABO Naum Abramovici), A. Pevzner etc.). Activitățile asociației franceze „Abstracție-creare” au contribuit la trecerea artei abstracte de la utopiile filozofice la imagini mai contemplative și lirice.
Cu toate acestea, în sfârșit noua, a patra direcție a acestei arte, așa-numita. „abstracționismul liric” (care a devenit o expresie personală, în felul lui, confesională a artiștilor) a luat contur ceva mai târziu, în anii ’40. în NYC. Era expresionism abstract, dominat de o pensulă foarte mare, texturată, parcă aruncată spontan pe pânză (J. Pollock (cm. POLLOCK Jackson), W. de Kooning (cm. KUNING Willem), si etc.). Tensiunea dramatică inerentă în multe dintre aceste lucruri a căpătat o nouă dimensiune în Europa de Vest în anii 1940 și 1950. chiar mai mult caracter tragicîn așa-numitul „informale (cm. INFORMEL)„(Vols., A. Tapies, J. Fautrier), pe când în Tachisme (cm. TAHISM) Dimpotrivă, a prevalat principiul major-epic sau impresionist-peisagistic (J. Mathieu, P. Tal-Coat, H. Hartung etc.); Inițial, punctul central al ambelor direcții (ale căror nume sunt uneori folosite ca sinonim) a fost Parisul. În aceeași perioadă au existat și puncte de convergență între arta abstractă și caligrafia din Orientul Îndepărtat (de exemplu, în opera americanului M. Toby și a chinezului Zao-Wuki, care a lucrat în Franța).
Între underground și faimă
Recunoașterea oficială a artei abstracte în Occident s-a produs la mijlocul secolului al XX-lea, într-o perioadă de dominație a stilului internațional în arhitectură (formele non-obiective – picturale sau sculpturale – au însuflețit foarte mult monotonia structurilor din sticlă-beton). În paralel cu aceasta, a apărut o modă pentru „pictura în câmp de culoare”, explorând posibilitățile expresive ale suprafețelor de culoare mari, uniform (sau cu ușoare variații de ton) pictate (B. Newman, M. Rothko). (cm. Marca ROTKO)), iar în anii 1960. - pentru „Hard-Edge” cu contur ascuțit sau „vopsirea marginilor clare”. Mai târziu, arta abstractă, de regulă, nu a mai fost izolată stilistic, contopindu-se cu arta pop, arta op și alte mișcări postmoderne.
Arta abstractă în Rusia sovietică pentru o lungă perioadă de timp(din anii 1930) s-a dezvoltat de fapt în subteran, deoarece a fost considerat oficial punctul central al „influențelor reacționar-formaliste ale Occidentului” (este caracteristic faptul că cuvintele „abstracționism” și „modernism” au fost adesea folosite ca sinonime în presa sovietică) . În perioada „dezghețului”, arhitectura a servit ca un fel de ieșire pentru el, incluzând adesea compoziții abstracte sau semi-abstracte în designul său. Ieșită în fața publicului în anii perestroikei, noua artă abstractă rusă a demonstrat o gamă bogată de tendințe diverse (în special în pictură și grafică), care au continuat în mod unic începuturile avangardei ruse timpurii. Printre maeștrii săi recunoscuți (1960-1990) se numără E. M. Belyutin (cm. BELYUTIN Eliy Mikhailovici), Yu S. Zlotnikov, E. L. Kropivnitsky (cm. KROPIVNITSKY Evgeniy Leonidovich), M. A. Kulakov, L. Ya Masterkova, V. N. Nemukhin (cm. NEMUKHIN Vladimir Nikolaevici), L. V. Nusberg (cm. NUSBERG Lev Valdemarovich), V. L. Slepyan, E. A. Steinberg (cm. STEINBERG Eduard Arkadevich).

Dicţionar enciclopedic. 2009 .

Vedeți ce înseamnă „artă abstractă” în alte dicționare:

- (din latinescul abstractus abstract), abstractionism, artă non-obiectivă, artă nonfigurativă, o mișcare modernistă care a abandonat fundamental reprezentarea obiectelor reale în pictură, sculptură și grafică. Program…… Enciclopedie de artă

Artă abstractă- Artă abstractă. V.V. Kandinsky. Compoziţie. Acuarelă. 1910. muzeu național artă contemporană. Paris. ARTA ABSTRACTĂ (artă abstractă), o mișcare în arta de avangardă (vezi Avangarda) a secolului XX, care refuză... ... Dicţionar Enciclopedic Ilustrat

- (non-obiectiv, non-figurativ) regie în pictura secolului XX, care a abandonat reprezentarea formelor realității; Unul dintre principalii tendințe de avangardă. Primul rezumat lucrările au fost create în 1910 de V. Kandinsky și în 1912 de F. Kupka... Enciclopedia Studiilor Culturale

- (abstractionism), o directie in arta avangardista (vezi Avangarda) a secolului XX, care refuza sa infatiseze obiecte si fenomene reale in pictura, sculptura si grafica. A apărut în anii 10, a aparținut celor mai răspândite... ... Enciclopedie modernă

- (artă abstractă, artă non-obiectivă, artă non-figurativă), un set de tendințe în cultura artistică a secolului XX, înlocuind obiectivitatea naturalistă, ușor de recunoscut, cu un joc mai mult sau mai puțin liber de linii, culori și forme (intrigă si subiectul...... Dicţionar enciclopedic mare

Substantiv, număr de sinonime: 1 abstractionism (2) Dicționar de sinonime ASIS. V.N. Trishin. 2013… Dicţionar de sinonime

artă abstractă- o direcție în pictură, sculptură și grafică a secolului XX, abstracționismul lui Kandinsky îi place mai ales să compare pictura cu muzica și, prin urmare, arta abstractă este, din punctul său de vedere, extragerea sunetului pur (Reinhardt)... Dicționar popular al limbii ruse

Artă abstractă, artă neobiectivă, artă nonfigurativă, o mișcare în arta multor țări, în principal capitaliste, care a abandonat în mod fundamental orice semn de reprezentare a obiectelor reale în pictură... ... Marea Enciclopedie Sovietică

Muzeul Național de Artă Modernă. Paris... Enciclopedia lui Collier

Abstracția (latina „abstractio” îndepărtare, distragere) este o direcție a artei non-figurative care a abandonat reprezentarea formelor apropiate de realitate în pictură și sculptură. Unul dintre scopurile artei abstracte este realizarea „armonizării”... Wikipedia

Cărți

• Gleb Bogomolov, Arta non-figurativă, „abstractă” - care este binecunoscută profesioniștilor și spectatorilor serioși - este parțial un mit. Orice artist pictează doar realitatea. Totuși, există realitate și realitate... Categorie:

(lat. abstractio removal, distraction) formă de artă neobiectivă, nefigurativă Arte vizuale, care nu urmărește să imite sau să afișeze realitatea percepută vizual. Pictura abstractă, grafica, sculptura exclud asocierile cu obiecte recunoscute.

Originile picturii abstracte și momentul creării primei picturi abstracte nu au fost stabilite. Putem spune doar cu certitudine că între 1910 și 1915, mulți artiști europeni și-au încercat mâna la compoziții neobiective, nefigurative (pictură, desen, sculptură). Printre aceștia: R. Delaunay, M. F. Larionov, F. Picabia, F. Kupka, P. Klee, F. Mark, A. G. Yavlensky, U. Bocioni, F. Marinetti și alții Cei mai originali și celebri V.V.Kandinsky, P.Mondrian , K.S.Malevici. Kandinsky este de obicei numit „inventatorul” abstracției, adică acuarelele sale din 1910-1912 și lucrările sale teoretice, care mărturisesc în mod obiectiv autosuficiența artei și indică capacitatea acesteia de a fonduri proprii creează o nouă realitate. Atât în ​​practică, cât și în teorie, Kandinsky a fost cel mai hotărâtor și mai consecvent dintre cei care la acea vreme abordau linia care despărțea figurativitatea de abstractizare. Întrebarea neclară a cine a trecut primul această linie nu are o importanță fundamentală, deoarece în primii ani ai secolului XX. Cele mai noi tendințe în arta europeană s-au apropiat foarte mult de această graniță și totul indica că aceasta va fi răsturnată.

Abstracția, contrar credinței populare, nu este o categorie stilistică. Această formă specifică Arte Frumoase se împarte în mai multe direcții. Abstracția geometrică, abstracția lirică, abstracția gestuală, abstracția analitică și mișcări mai particulare, precum Suprematismul, Aranformel, Nuageismul etc.

Stilurile de artă abstractă sunt compuse din aceleași elemente de formare a stilului ca și stilurile de artă figurativă. Acest lucru este dovedit, în special, de faptul că pictura monocromă - o pânză pictată într-un singur ton - este în aceeași relație neutră cu stilul ca o imagine figurativă absolut naturalistă. Pictura abstractă este tip special de activitate vizuală, ale căror funcții sunt comparate cu cele ale muzicii din spațiul audio.

Schimbarea accelerată a atitudinilor estetice în artă își are originea în transformările revoluționare ale culturii, științei și tehnologiei din secolul al XX-lea. În artă, noile tendințe au devenit vizibile deja în prima jumătate a secolului al XIX-lea. În acest moment, în pictura europeană se poate observa simultan perfecţionarea tehnicii naturalistice (J. Ingres, J.-L. David, T. Chasserio) şi o tendinţă tot mai mare spre convenţionalitate (C. Corot, E. Delacroix, F. Goya). ); acesta din urmă este accentuat mai ales în pictura engleză de R. O. Bonington și în special de W. Turner, ale cărui picturi Soarele răsare în ceață… (1806), Seara muzicala (18291839) și alte câteva lucrări reprezintă cele mai îndrăznețe generalizări care se limitează la abstractizare. Să fim atenți la formă, dar și la intriga uneia dintre cele mai recente lucrări ale sale Ploaie, abur, viteză, care înfățișează o locomotivă cu abur care se repezi prin ceață și un văl de ploaie. Acest tablou, pictat în 1848, este cea mai înaltă măsură de convenție în arta primului jumătate a secolului al XIX-lea V.

De la mijlocul secolului al XIX-lea. pictura, grafica, sculptura abordeaza ceea ce este inaccesibil reprezentarii directe. Căutarea de noi mijloace vizuale, metode de tipificare, expresie sporită, simboluri universale și formule plastice comprimate devine din ce în ce mai intensă. Pe de o parte, aceasta are ca scop afișarea lumea interioara persoana lui emoțională stări psihologice, pe de altă parte, pentru a actualiza viziunea asupra lumii obiective. În anii 1900, descoperirea, mai întâi în Spania și apoi în Franța, a artei primitive și, puțin mai târziu, a artei tradiționale („primitive”) a schimbat decisiv ideea semnificației formelor convenționale în artele vizuale.

Starea în care se află arta în acest moment poate fi numită o revoluție estetică permanentă; principalele evenimente au loc în Franţa. Expoziția internațională universală din 1900 de la Paris, de pe Avenue Nicholas II, a fost prima expoziție oficială, care cuprindea lucrări ale unor artiști încă „scandalosi” la acea vreme: E. Manet, C. Monet, O. Renoir și alți impresioniști, de asemenea ca P. Gauguin si P. .Cezanne. În 1904, cea mai recentă pictură franceză, prezentată în Germania, a făcut o impresie uluitoare artiștilor germani și a servit drept imbold pentru crearea Uniunii Tineretului, care a inclus viitorii expresioniști celebri: E. L. Kirchner, K. Schmidt-Rottluff și alții.

Din 1905 până în 1910, în arta vest-europeană a avut loc o „deconstrucție” consistentă a sistemului pictural clasic și o schimbare radicală a atitudinilor estetice. După ce impresionismul a introdus pentru prima dată în istoria artei schimbări structurale (nestilistice) în pictură, francezii Fauves și expresioniştii germaniîși schimbă atitudinea față de culoare și design, care în cele din urmă își lasă subordonarea naturii. Cubismul eliberează apoi pictura de narativitatea unei intrigi narative.

Dacă pictura, ca și alte arte, nu este atât o demonstrație de îndemânare, crearea unei opere, cât o modalitate de auto-exprimare, atunci arta abstractă trebuie recunoscută ca stadiul cel mai avansat al activității vizuale. Această „ascensiune” este demonstrată de evoluția creativă a pionierului artei abstracte Kandinsky, care trece printr-o serie de etape, inclusiv desenul academic și pictura realistă a peisajului, înainte de a ieși în spațiul liber al culorii și al liniilor. Compoziția abstractă este ultimul nivel molecular la care pictura rămâne încă pictura. Dezintegrare în continuare.

„Dovada existenței mele”, spune unul dintre artiștii contemporani„, nu este numele meu, corpul meu vor dispărea în oceanul timpului, ci o ficțiune, o creație a aparenței” (Francllin C. Jean Le Gac. Citat din: Millet K. . Minsk, 1995, p. 235).

Creativitatea cel mai intim, cel mai autentic mod autoafirmare, de care o persoană are nevoie urgentă. Această nevoie îmbrățișează mase din ce în ce mai mari de oameni (dovada, în special, de metodele tot mai frecvente și crude de afirmare colectivă și individuală a autenticității cuiva).

Arta abstractă este cea mai accesibilă și nobilă modalitate de a surprinde existența personală și într-o formă asemănătoare unei imprimări cu facsimil. În același timp, este o realizare directă a libertății.

În SUA, ascensiunea artei abstracte a început deja la mijlocul anilor 1940. Primele figuri notabile la acest moment, pe lângă studentul lui P. Mondrian, J. Pollock, au fost B. Diller, M. Tobey, B. W. Tomlin, A. Gorky. Printre cei a căror opera a influențat ulterior pictura europeană se numără B. Newman, M. Rothko, F. Klin, R. Rauschenberg, W. Kuning, A. Reinhardt.

Unul dintre primii abstracționiști francezi de după război care a luat lecțiile picturii americane, P. Soulages. Cele mai bune lucrări ale sale amintesc de abstracțiile expresive ale lui F. Klin. Lucrările lui G. Hartung sunt mai aproape de sursa originală a abstractizării europene – Kandinsky. Printre artiști europeni, care au ajuns în mod independent la abstractionism în anii postbelici, J. Fautrier, J. Mathieu, J.-P Riopelle, G. Capogrossi, M. Esteve, A. Lanskoy, S. Polyakov, R. Bissier și J. Bazin. J. Bazin și R. Bissier au avut o influență deosebită în Franța în anii de după război. Pictura lui N. de Stael a supraviețuit tuturor și continuă să crească în preț și popularitate, oscilând, ca pictura lui Bissier și parțial Bazin, pe o linie fină dintre abstractizarea completă și un indiciu de figurativitate.

În 1950, a apărut primul atelier la Paris, în care artiștii J. Devagne și E. Pilet i-au învățat pe tineri să scape de viziunea realistă, să creeze o imagine exclusiv prin mijloace picturale și să nu folosească mai mult de trei tonuri într-o compoziție, deoarece „ culoarea determină forma” (trebuie să ne străduim să găsim culoarea exactă). La începutul anilor '50, A. Matisse a creat compoziții abstracte. Pictură abstractă de Devan Apoteoza lui Marat(1951) a fost întâmpinat cu mare entuziasm. Criticii au scris că acesta nu este doar un portret intelectual al unei tribune de foc, ci, în plus, „o sărbătoare a culorii pure, jocul dinamic al curbelor și liniilor drepte”, „acest lucru este dovada că abstracția exprimă nu numai valori spirituale, dar și arta figurativă poate aborda evenimente istorice și politice.”

La începutul anilor '50, „abstracția lirică” a lui J. Mathieu a devenit populară în Franța. Are o afirmație care reflectă o nouă abordare a artei: „Legile semanticii operează pe principiul inversării: de vreme ce un lucru este dat, i se găsește un semn, dacă este dat un semn, el se afirmă, dacă găsește. ceea ce este întruchipat.” Adică, mai întâi se creează un semn, apoi se găsește semnificația acestuia. ÎN arta clasica sensul caută întruchipare (în primul rând semnificat).

La începutul anilor '50, la Betty Parson Gallery din New York au apărut nume noi, unde lucrările lui Hans Hofmann și J. Pollock au fost expuse pentru prima dată la sfârșitul anilor '40: Barnett Newman și Robert Rauschenberg.

Stilul de abstractizare americană din anii 50 este diferit geometrie rectilinie: B. Diller, A. Reinhardt, W. Kuning, F. Klin, M. Rothko, B. Newman, R. Rauschenberg (excepție A. Gorki, parțial M. Tobey și A. Gottlieb). Acest stil este asociat cu școala din New York, care câștigă brusc faimă internațională.

Arta a fost întotdeauna, într-o măsură sau alta, un mijloc de auto-exprimare. Individul, care s-a imprimat indirect în structurile normative ale Marilor Stiluri, în timpurile moderne își creează astfel de structuri.

Odată cu intrarea în abstractizare, persoana creatoare a câștigat libertate. Necorectate de altcineva, linia, culoarea, textura devin imprimarea facsimilă a autorului. Teoretic, nimic nu împiedică imprimarea personalității în proiecții plastice, grafice, picturale, în care CumȘi joi o îmbină împreună („Desenul meu este întruchiparea directă și cea mai pură a emoțiilor mele”, spune Matisse. L'Aventure du XX siècle. Paris, 1998. P. 511).

Pe de altă parte, măsura înstrăinării pe care o permite abstracția depășește tot ceea ce a existat înainte. Designerul pictural al Suprematismului își asumă o satisfacție fără precedent a nevoilor estetice în capacitățile sale.

Ca factor de formare a stilului, abstracția extinde la nesfârșit posibilitățile de a întruchipa două esențe opuse: unic și universal. Texte, produse de artă din toate timpurile indică faptul că autorul, într-o măsură sau alta, a vorbit întotdeauna despre sine, dar niciodată la fel de conștient, amănunțit și sincer ca în secolul al XX-lea.

În suma factorilor (invenția fotografiei, teoriile științifice și cvasiștiințifice ale culorii și luminii etc.) care au determinat principalul vector al schimbărilor în artă în timpurile moderne - trecerea de la naturalism la abstracție, primul loc este ocupat prin individualizarea creativităţii – transformarea ei într-o proiecţie directă a personalităţii.

Proiecția directă a temperamentului pictura gestuală se naște în America. Victoria artei noi în America poate părea neașteptată dacă ne amintim de indignarea americanilor care au văzut pentru prima dată o mare expoziție a avangardei europene în 1913. În timpul războiului și după război, americanii au putut vedea că investițiile în artă erau de încredere și profitabile. Oricine și-a dat seama de rentabilitatea artei contemporane în timp a avut șansa de a deveni fabulos de bogat (Peggy Guggenheim, Betty Parson etc.). Aproape toți clasicii avangardei europene s-au găsit în postura de emigranți în timpul războiului din Statele Unite. Cel mai faimos dintre artiștii abstracti americani este Pollock, un elev al lui Mondrian, iar succesul său este succesul Galeriei Betty Parson.

La începutul anilor 1960, arta abstractă s-a întors din America în Europa într-o formă actualizată. „Acesta devine o descoperire”, scrie K. Millet, „pentru cei care nu și-au dezvoltat încă pe deplin crezul artistic... În primul rând, arta abstractă (cel mai adesea americană) este studiată din reproduceri”. „Devad notează cu umor că, având acces la pictura americană doar prin fotografiile revistei Artforum, a ales formatul pentru lucrarea sa. timbru poștal, în timp ce Vialla, dimpotrivă, gândindu-se că Jackson Pollock folosește un format mare, crește tot mai mult formatul lucrărilor sale! Doar câțiva, precum Devade sau Buren și Parmentier, au putut să vadă pictura americană cu proprii lor ochi” (Mille K. Artă Modernă Franţa. Minsk, 1995, p. 156).

Primele expoziții de pictură americană la Paris au fost organizate la începutul anilor ’60, cea mai reprezentativă, „Arta realității” (1968), lansată la Grand Palais, a fost dedicată în întregime artei abstracte americane; Influența americană asupra arta europeana cade pe ani război rece. În aceste decenii, structura democratică organizată pe orizontală s-a opus strict celei comuniste organizate pe verticală. Arta abstractă anti-normativă, în mare parte datorită respingerii sale în URSS, devine un simbol creativitate liberă, care se opune normativului figurativ " realism socialist" În timpul Războiului Rece, o structură centralizată nu neapărat la stânga sau la dreapta pentru intelectual este asociată cu ideea de suprimare a individului. La nivel de stat, întruchiparea unei structuri organizate ideal sunt monștri militari uriași care se opun unul altuia, amenințând cu moartea tuturor viețuitoarelor. Poate aici sunt originile subconștiente ale noilor tendințe în arta abstractă - o tendință spre descompunere și descentralizare. Aceste sentimente sunt întruchipate în pictura americană all-over, care elimină compoziția cadrului tabloului, transformând pictura într-un câmp colorat sau pur și simplu într-o suprafață pictată (Câmp de culoare, Hard Edge, Minimal Art).

Stare policentrică spațiu artistic presupune existența autonomă a unei puternice personalități creatoare, care ea însăși este capabilă să-și stabilească propriul stil, metodă, direcție individuală (rețineți că în anii 50 cei mai mari maeștri ai primului eșalon al avangardei lucrau încă A. Matisse, A. . Derain, J. Braque, P. Picasso etc.).

În a doua jumătate a anilor '50, a apărut prima sculptură abstractă echipată cu un „creier electronic”, Cysp I Nicola Schöffer. Alexander Kalder, după „mobilele” care au avut succes, își creează propriile „grajduri”. Apare una dintre direcțiile separate ale abstractionismului - op art.

În același timp, aproape simultan în Anglia și SUA, au apărut primele colaje, folosind etichete de produse produse în serie, fotografii, reproduceri și obiecte similare ale noului stil pop art. Pe acest fond, succesul modestului expresionist Bernard Buffet pare neașteptat. Stilul său (definiția formelor, compoziția echilibrată) se corelează cu fenomene precum Căderea lui Icar Picasso în Palatul UNESCO, picturi abstracte de F. Hundertwasser, stilul monumental al lui K. Klapek, desene monocrome de M.E. Viera da Silva.

Una dintre primele încercări de analiză structurală a postclasicului creativitatea artistică aparține lui Umberto Eco. Pictura gestuală a lui J. Pollock, după Eco, părăsește privitorul libertate deplină interpretări. Comparând o astfel de pictură cu „mobilele”, jocurile semantice de poezie și compozițiile muzicale de la sfârșitul anilor ’50, Eco încearcă să identifice structura comună a „exploziei libere”, în care, după cum crede el, există o „fuziune de elemente similare cu cea folosită de poezia tradițională în cea mai bună măsură, atunci când sunetul și sensul, sensul convențional al conținutului sonor și emoțional, se îmbină într-unul. Această fuziune este ceea ce cultura occidentală consideră a fi o trăsătură a artei: un fapt estetic”, scrie Eco U. L'Oeuvre ouverte. Paris, 1965. Citat. De: L"Aventure de l"art au XX-e siecle. Paris, 1988. R. 597).

Arta anilor 60 este o explozie a inovației și recunoașterea finală de către muzee a diferitelor fenomene neconvenționale apărute în anii 50.

Celebra școală de pictură din New York, care a devenit cea mai înaltă autoritate în domeniul său în anii 50, a început cu un apel la abstracție din partea fondatorilor săi: J. Pollock, M. Rothko, W. Kooning. Până în a doua jumătate a anilor '40, pictura americană a rămas neremarcabilă. Provincialismul și conservatorismul său nu conțineau nimic anume, cu excepția unei anumite rețineri, răceală și asceză. Mai târziu, această moștenire a puritanismului și-a găsit drumul în stilul expresionismului abstract.

Pe lângă cele menționate, pictura americană a anilor 50 este reprezentată de numele lui B. Diller, A. Reinhardt, M. Tobey, B. W. Tomlin, K. Steele, F. Klin, A. Gottlieb, B. Newman, G. Hofmann, J. Albers, R. Crawford. Cu o diferență clară în direcții și maniere individuale, pictura americană a anilor 50 demonstrează claritate, certitudine, lipsă de ambiguitate și încredere. Uneori, cu o oarecare redundanță, luând un caracter agresiv. Artiștii acestei generații știu ce își doresc, sunt încrezători în ei înșiși și își afirmă ferm dreptul la auto-exprimare.

În pictura anilor 60, ceea ce rămâne din această perioadă este cea mai puțin agresivă, formă statică - minimalismul. Fondatorul abstracției geometrice americane, Barnett Newman, și într-o formă și mai evidentă, A. Lieberman, A. Held, K. Noland, precum și ceva mai devreme B. Diller, dezvoltă cu succes ideile de neoplasticism și suprematism.

Noua mișcare a picturii americane, numită abstracție „cromatică” sau „post-pictorală”, vine din orizontul fauvismului și al postimpresionismului. Stilul dur, contururile accentuat de ascuțite ale operelor lui E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella lasă treptat locul picturilor de natură melancolică contemplativă.

Stilul lui Helen Frankenthaler și Maurice Louis se distinge prin contururi moi, nuanțe subtile de culoare și contururi vagi. Abstracția geometrică trece și ea în registrul formelor rotunjite (A. Liberman, A. Held).

Pictura americană a anilor 70 revine la figurativitate. Se crede că anii 70 este momentul adevărului pentru pictura americană, care este eliberată de tradiție europeană si devine pur american. Ceea ce se întâmplă arată așa, doar dacă ne gândim că abstracția este străină de „spiritul național” american. Este semnificativ că opoziția față de arta abstractă, care este în esență cosmopolită și aparține civilizației mondiale, de regulă, a venit și provine din ideologiile colectiviste care suprimă individul.

Din punctul de vedere al transformării permanente a stilului (de la geometricism rigid la biomorfism), schimbările care au loc trebuie interpretate, dimpotrivă, ca o abatere de la virtuțile puritane fundamentale - asceză, hotărâre, fermitate, certitudine.

Se crede că pictura americană a anilor 70 este mai „sufletă” decât „spirituală”. „Pictura din anii șaptezeci”, scrie Barbara Rose, „este de fapt nu numai mai variată, mai eterogenă și pluralistă decât pictura din anii șaizeci, dar este și mult mai intimă, mai poetică și mai personală. Pictura este din nou plină de conținut unic și subiectiv” (Rose B. La peinture americaine le XX cicl. Paris Zurich, 1992. P. 126).

În pictura anilor 80, ei văd aproape o „întoarcere la estetica artei realiste”. Cu toate acestea, în ciuda revenirii formelor tradiționale, de la portret la istoric și pictura de gen, nimic din ce a apărut în deceniile precedente nu dispare. Nu abstracția a fost depășită, ci canonizarea ei, interzicerea artei figurative, a genurilor „joase”, a funcțiilor sociale ale artei.

În același timp, stilul picturii abstracte și abstract-figurative capătă o moliciune anterior absentă volume aerodinamice, contururi neclare, bogăție de semitonuri, nuanțe subtile de culoare (cf. lucrări de E. Murray, G. Stefan, L. Rivers, M. . Morley, L. Chese, A. Byalobroda). Stilul hard nu dispare complet; se estompează în fundal și continuă să existe în opera geometrienilor și artiștilor expresioniști din vechea generație (H. Buchwald, D. Ashbaugh, J. Gareth etc.).

Pictura ca mijloc de auto-exprimare nu este inferioară muzicii în ceea ce privește întruchiparea „inexprimabilului” și, dacă este necesar, poate fi mai specifică decât cuvântul. Deținând în întregime mijloacele de desen și capacitățile plastice ale sculpturii, recreând iluzia spațiului real și fantastic, depășind semnificativ sculptura în capacitatea de a manipula volumele, pictura are propriile sale mijloace unice - culoarea.

Posibilitățile de culoare dezvăluite impresionisti francezi, odată cu apariția picturii în abstractizare, s-au extins și mai larg. Părerea că pictura de astăzi este un anacronism există pentru că secolul nostru este secolul muzicii și, de asemenea, pentru că, gândindu-se la pictură, își imaginează o pânză amorsată întinsă pe targă, acoperită cu un strat de vopsea și lac, un fel de muzeu. exponat. Însă pictura este un proces, o lume a posibilităților deschise, a momentelor înghețate, a apariției imaginilor mult dorite, aventură, confruntare, reflecție, eliberare de redundanță, refacere a insuficienței, un act de autoafirmare și o proiecție directă a intuiției, o demonstraţie de măiestrie şi de posibilitate de descoperire. Cei care au avut norocul să realizeze liber această oportunitate la intrarea în lumea picturii abstracte știu acest lucru în mod deosebit.

WASILY KANDINSKY. PORTRETUL SOȚIEI NINEI WILLEM DE KUNING. REZUMAT

Seuphor M. Dictionaire de la peinture abstrite. Paris, 1957
Ponente N. Peinture moderne. Tendinte contemporane. 19401960. Skira, 1960
Vallier D. L"art abstractă. Paris, 1967
Art 1998. Chicago la Navy Pier. Chicago, 1998

Găsiți „ABSTRACȚIONISM” pe