Câmpul de mac al lui Monet din Argenteuil. „Poppy Field” este o instalație inspirată din picturile lui Claude Monet. Conceptul artistic al picturii și fundalul creației sale

Impresionismul a apărut în Franța în anii 1860 și a schimbat ideile tradiționale despre pictură. Privind picturile însorite, pline de viață și pline de lumină ale artiștilor acestei mișcări, este greu de crezut că lucrările lor pentru o lungă perioadă de timp nu au fost recunoscute şi au fost considerate o abatere de la canoane pictura clasică. „În jurul lumii” vă invită să călătoriți prin Franța și să vedeți cum sunt descrise diferite părți ale țării în lucrările artiștilor impresioniști.

Claude Monet. „Câmpul de maci la Argenteuil” (1873)

Tabloul „Câmpul de maci...” a fost pictat de Monet în Argenteuil, care este situat la doar 10 kilometri de Paris și în secolul al XIX-lea a fost un loc de vacanță preferat pentru locuitorii capitalei. Monet și familia sa au locuit în această suburbie timp de șapte ani și au creat multe picturi strălucitoare și colorate.

La Argenteuil, artistul a lucrat mult în aer liber: a fost mereu atras de oportunitatea de a înfățișa pe pânză un anumit fragment de timp, acțiune și spațiu. Tabloul „Câmpul de maci la Argenteuil” reflectă o altă pasiune a artistului - dragostea lui pentru flori. Monet și-a numit odată grădina principala sa capodopera.

Acest tablou este clar împărțit în mai multe părți, dintre care cea mai importantă este cea care înfățișează flori stacojii, contrastând cu partea dreaptă goală a pânzei. Vedem, de asemenea, două cupluri pictate cu soția artistului Camille și fiul său cel mare Jean. Dispunerea lor ajută la structurarea spațiului imaginii și la transmiterea mișcării surprinse.

În timp ce lucra la pictură, Monet nu a amestecat vopsele, ci a aplicat lovituri Culori diferite, pe care ochiul uman îl percepe ca fiind diferit nuanțe de culoare. În același timp, artistul a pictat cu mai multă atenție lucruri mai semnificative. Deci, aici se pune accentul pe culori și pe partea de sus figuri umaneîn prim-plan, în timp ce câmpul din partea dreaptă a imaginii și cerul sunt mai puțin clar definite.

Pierre Auguste Renoir. „Podul către Chatou” (1875)

Chatou este un alt colț pitoresc al Franței, iubit de artiștii unei noi mișcări. Este adesea numită insula impresioniștilor, deoarece în acest punct Sena se împarte în două ramuri. La fel ca vecinul Argenteuil, orașul Chatou din secolul al XIX-lea avea o atmosferă de ușurință veselă și activitate zgomotoasă.

Oamenii veneau aici să înoate, să meargă cu barca sau să facă un picnic, iar aceste scene simple s-au reflectat în picturile impresioniștilor. Unitatea părintelui Fournaise de sub podul Chatou, unde se putea petrece nu numai noaptea, ci și camere închiriate, era locul preferat al lui Renoir. În această unitate, artistul și-a creat tabloul „Micul dejun al canoșilor”, în care și-a reprezentat cunoștințele și prietenii. În 1990, restaurantul Maison Fournaise a fost restaurat și acum găzduiește un mic muzeu.

Tabloul „Podul la Chatou” diferă de majoritatea lucrărilor lui Renoir. Spre deosebire de Monet, artistul i-a plăcut mult mai mult să înfățișeze oamenii și, de asemenea, a preferat o paletă de culori mai saturată. Și totuși „Podul de la Chatou” este un peisaj în care oamenii apar ca niște figuri întunecate și neclare. Podul este desenat cu mai multă atenție decât alte elemente, în plus, aici este înfățișată populara plimbare cu barca. Peisajul este caracterizat de linii neclare și un mediu de aer deschis fumurie. Absența unor figuri umane clar definite creează un sentiment de distanță, iar paleta de lumină și culori ajută la a vedea bucuria în obișnuit.

Frederic Vasile. „Peisaj de pe malurile Lezului” (1870)

Datorită peisajului lui Vasile, călătorim din centrul Franței spre sud, în regiunea natală a artistului. Numele lui Basil este mult mai puțin cunoscut decât cel al prietenilor săi Monet și Renoir, deoarece acesta a murit la vârsta de 28 de ani. „Peisaj de pe malurile Lezului” este una dintre ultimele lucrări ale artistului: la scurt timp după finalizarea lucrărilor pe pânză, Vasile s-a oferit voluntar pentru Războiul franco-prusac, unde a murit curând.

Artistul a finalizat peisajul într-un timp record i-a luat puțin peste două luni să-l finalizeze. În timp ce lucra, rudele lui Vasil erau plecate și nu i-au distrage atenția de la pictură. În plus, cunoștea bine zona. Așa că, într-o scrisoare către fratele său, el a indicat exact ce loc a descris: „Malul râului Lez lângă moara de lângă Navilau și drumul spre Clappier”.

Pictura este foarte diferită de peisajele lui Monet și Renoir, deoarece Vasile a preferat să picteze soarele la zenit și, de asemenea, înfățișează o lumină aspră, diferită de lumina lipsită de greutate și fumurie de pe pânzele prietenilor săi. Busuiocul folosește, de asemenea, culori luminoase contrastante și este mai precis și mai amănunțit atunci când lucrează la detaliile imaginii. Datorită acestui fapt, putem recunoaște în pânză „Peisaj de pe malurile Lezului” copaci și vegetație caracteristică părții de sud a Franței.

Camille Pissarro. „Podul Boildieu de la Rouen într-o zi ploioasă” (1896)

Camille Pissarro a intrat în istoria impresionismului ca maestru al peisajului urban. A pictat mai multe tablouri înfățișând Rouen, situat în nordul Franței. Pissarro a mers în acest oraș după ce a văzut ciclul lui Claude Monet dedicat Catedralei din Rouen.

Pissarro, ca și Monet, folosește lumina și aerul atunci când creează pânze. El este atras de posibilitatea de a înfățișa orașul ca un organism viu care este în continuă mișcare. El folosește un întuneric schema de culoriși linii mai dense, dar în același timp picturile lui par mai realiste. Perspectiva neobișnuită se explică adesea prin faptul că Pissarro a pictat de la fereastra unui hotel.

Artistul a căutat să reflecte pe pânză aspectul care a apărut treptat al orașului. caracteristici industriale. Acesta este ceea ce este interesant pentru Pissarro din Rouen, care, în ciuda arhitecturii sale rafinate, sfârşitul XIX-lea secolul a devenit oraș-port și centru industrial.

Paul Cezanne. „Vedere asupra Golfului Marsilia de la Estac” (1885)

Peisajul lui Paul Cézanne ne duce din nou înapoi în sudul Franței, dar în același timp este complet diferit de picturile deja discutate. Pânza lui Cezanne chiar și pentru un privitor neinstruit pare mai îndrăzneață decât lucrările altor impresioniști. Nu întâmplător artistul este adesea numit tată artă contemporană.

Născut în sudul țării, Cezanne a descris adesea peisaje sudice în picturile sale. Împrejurimile satului de pescari Estac au devenit unul dintre subiectele sale preferate în peisajele sale. În anii 1880, Cézanne, în încercarea de a scăpa de necazurile familiei, a venit la Estac și a pictat aproximativ zece tablouri în care înfățișa Golful Marsilia.

„Vedere asupra Golfului Marsilia de la Estac” este una dintre lucrările culminante ale acestei perioade și ne permite să vedem trăsăturile picturii lui Cézanne care l-au influențat pe Pablo Picasso. Este despreîn primul rând despre liniile orizontale dense ale artistului, precum și despre utilizarea unor culori atât de profunde și saturate precum galben-portocaliu. Cezanne reușește să realizeze o imagine tridimensională a apei prin utilizarea diferitelor nuanțe de culoare albastră, precum și incluziuni verzi și violete. Ca și alți impresioniști, lui Cezanne îi plăcea să picteze marea, cerul și munții, dar în imaginea lui par mai dense și mai clar definite.

Monet a pictat „Câmpul de maci” în aer liber, pe o pânză mică portabilă. Deși pictura transmite un sentiment natural, spontan, este compusă cu grijă. Acest lucru se exprimă nu numai în faptul că artistul a repetat figurile de două ori pe el, ci și în alegerea unghiului, care este stabilit în așa fel încât maci strălucitori, umplând partea stângă a compoziției, sunt situate în diagonală, de-a lungul cărora Camille și Jean merg, parcă depășind sfera imaginii. Culoarea bogată și mișcarea care umple această zonă a picturii este în contrast atent cu tonurile calme ale marginii din dreapta sus a pânzei, unde acoperișul de teracotă al casei conectează cu pricepere fundalul cu prim-planul compoziției.

Pasiune pentru flori

Monet a recunoscut odată că cele mai mari două pasiuni din viața sa au fost pictura și grădinărit. Când a pictat flori, ambele pasiuni au fost combinate. În „Câmpul de maci”, ca și în multe dintre celelalte picturi ale sale, lui Monet îi place sălbatic, culori deschise. Sunt cunoscute mai multe naturi moarte frumoase de flori tăiate de Monet, dar mai ales îi plăcea să picteze florile care creșteau în grădinile sale, mai întâi în Argenteuil și mai târziu în Giverny. În 1871, Monet s-a mutat cu familia la Argenteuil pentru a-și găsi prima casă și prima grădină. Cu toate acestea, pasiunea principală din viața artistului a fost grădina lui din Giverny. Monet a selectat flori pentru grădina lui, astfel încât să fie amplasate în el într-o anumită ordine, erau contrastante la culoare și înfloreau pe tot parcursul anului. A plantat multe flori neobișnuite în grădina lui. Pasiunea lui Monet pentru flori a fost împărtășită de mulți alți artiști impresioniști, în special de Gustave Caillebotte. „Asigură-te că vei veni luni, așa cum sa convenit”, i-am scris prietenei mele Mona. „Toți irisii mei vor fi în floare.”

Obsesia pentru lumină și culoare

TABLILE LUI MONET au dat naștere unei noi mișcări în pictură - impresionismul, iar Monet însuși este recunoscut drept cel mai mare și mai tipic reprezentant al acestei mișcări. De-a lungul vieții sale lungi, Monet a urmat constant regulile de bază ale impresionismului - pentru a surprinde scene pe pânză viața modernă(pentru Monet, acestea sunt peisaje) și lucrează în aer liber.

A LUCRU ÎN PLEIN AIR Practica unui artist care lucrează în aer liber (plein air) nu a fost ceva complet nou. La începutul secolului al XIX-lea, artistul englez John Constable și-a pictat adesea schițele și studiile în ulei în natură. În 1840, urmând exemplul său, un grup de artiști francezi s-au adunat în satul Barbizon, lângă pădurea Fontainebleau, cu scopul de a picta peisaje care să înfățișeze „natură adevărată”. Camille Corot, care a fost foarte apreciat de mulți impresioniști pentru viziunea sa neidealizată asupra naturii, a pictat și el în ulei în plein air, îndemnând artiștii să „urmeze prima impresie”.

Cel mai rol important Dezvoltarea lui Monet ca artist a fost influențată de prietenia sa din tinerețe cu pictorul peisagist Eugene Boudin, care s-a specializat în peisaje mici și aerisite de pe litoral, pe care le-a creat în aer liber. Bodin a insistat ca Monet să i se alăture în timpul uneia dintre aceste sesiuni la Le Havre. „Deodată cântarul mi-a căzut din ochi”, a scris Monet mai târziu.

Acolo, la Le Havre, s-a întâlnit Monet artist olandez Johan Barthold Jonkind, care a încercat să transmită cele mai delicate nuanțe de aer și dispoziție în peisajele sale marine. Monet a spus mai târziu despre el: „El a fost omul care mi-a dezvoltat în cele din urmă viziunea”.

CE VEDE CU ADEVĂRAT OCHIUL Monet a aflat că un tablou pictat în aer liber are o prospețime și o vitalitate unice care nu pot fi obținute lucrând într-un studio, unde artistul are o idee preconcepută despre opera pe care urmează să o creeze. Sfat, dat de Monet artiștii, dezvăluie în mod clar propria abordare a picturii: „Încearcă să uiți de ceea ce vezi în fața ta - un copac, o casă, un câmp, orice. Gândește-te doar că în acest loc există un mic pătrat albastru, există o figură roz alungită și continuă până când ai o impresie naivă a imaginii care se află în fața ochilor tăi.” Astfel, o impresie este un impuls vizual creat de ceea ce este văzut în acel moment anume.

O IDEE REVOLUȚIONARĂ Pentru toți impresioniștii, și pentru Monet în special, scopul principal al artei a fost de a capta o impresie evazivă, trecătoare. La acea vreme, o astfel de idee părea revoluționară și șoca nu mai puțin decât realismul deschis al lui Courbet în NOI TEHNICI Pentru a-și atinge obiectivele, artistul avea nevoie de noi tehnici tehnice de scriere. Monet, în special, s-a dezvoltat echipamente proprii litere, aplicând linii largi, aspre, puncte îndrăznețe împrăștiate, liniuțe, zig-zaguri și linii groase pe pânză cu o pensulă scurtă. Monet a lucrat simultan asupra întregului spațiu al picturii, crezând, după cum a spus mai târziu, că „primul strat de vopsea ar trebui să acopere cât mai mult cel mai pânză și nu contează cât de gros este aplicată.”

Monet a folosit culoarea într-un mod cu totul nou și revoluționar, inspirat, fără îndoială, de descoperirile lui Eugene Chevreul despre metoda percepției vizuale. Chevreul a dovedit că culorile primare adiacente paletă de culori se înmoaie reciproc și cel mai mare contrast se obține atunci când culorile complementare sunt adiacente. Cealaltă descoperire importantă a lui a fost că culoarea nu este o proprietate inerentă a obiectelor. Culoarea este pur și simplu modul în care lumina se amestecă pe măsură ce se reflectă pe suprafața unui obiect. La fel ca colegii săi impresioniști, Monet folosea de obicei o paletă limitată, preferând pură, culori amestecateși pictura pe pânze acoperite anterior cu grund alb sau crem, ceea ce a făcut culorile aplicate mai deschise și mai strălucitoare.

Pentru alții descoperire importantă, care a influențat viziunea artiștilor a fost fotografia. În fotografiile din acea vreme, obiectele în mișcare sunt percepute ca pete neclare și numai obiectele staționare au contururi clare. Acest efect se reflectă în mod clar în figurile oamenilor asemănătoare furnicilor pe care le vedem în pictura lui Monet „Boulevard des Capucines” (1873).

SCHIMBAREA SUBIECTULUI IMAGINII

Este foarte interesant de urmărit modul în care atitudinea lui Monet față de obiectele pe care le-a descris s-a schimbat de-a lungul vieții sale lungi. În ciuda faptului că a fost constant absorbit de jocul de lumină, în picturile sale timpurii, Monet a descris cel mai adesea figuri umane pictate într-un mod familiar pe fundalul unui peisaj.

Cu toate acestea, mai aproape de anii 1880, Monet a început să devină din ce în ce mai atras de natură în formă pură. Dacă figurile sau obiectele neînsuflețite apar în picturile din această perioadă, ele joacă de obicei un rol secundar și se estompează în fundal.

SERIE DE TABLURI

În ciuda faptului că artiștii au creat în orice moment o serie de schițe ale aceleiași scene, înainte de Monet nu a existat nimeni care să picteze același obiect de mai multe ori în condiții de iluminare diferite și condiții meteorologice diferite. Picturile lui Monet reprezintă o serie întreagă care înfățișează cărți de fân, plopi, catedrala din Rouen, o vedere a Londrei de pe Tamisa și, în sfârșit, nuferi.

Peisajele londoneze ale lui Monet, pictate între 1899 și 1901, cu lumina lor difuză și culoarea difuză, sunt opere de artă virtuozice, dramatice, care urmăresc evoluția stilului artistului către o manieră aproape abstractă. Acestea arată progresul treptat al artistului către obiectul pe care îl va picta în anii care au rămas din viață, creându-și grădinile și transformându-le în opere de artă rare.

Din aproximativ 1905 până la sfârșitul vieții sale, Monet s-a concentrat în întregime pe nuferi. Aceste picturi, în care cupele de nuferi se materializează literalmente pe suprafața apei care nu are o linie de orizont, au devenit studii care au surprins varietatea nesfârșită și unică de culoare și lumină. De fapt, aceste serii de tablouri, ca oricare lucrare genială artă care sfidează explicația. Acestea sunt operele unui poet care are un simț acut al naturii și este capabil să-i transmită frumusețea în pictura sa.

Claude Monet. macii. 1773 Muzeul d'Orsay, Paris

„Maki”, una dintre cele mai multe lucrări celebre Claude Monet, l-am văzut în . Totuși, atunci nu m-am uitat bine. Ca fan, am fost pur și simplu uluit de toate capodoperele care se află în acest muzeu!

Mai târziu, desigur, m-am uitat corect la „Maci”. Și am descoperit că nici măcar nu observasem câteva în muzeu detalii interesante. Dacă te uiți la imagine mai atent, probabil că ai cel puțin trei întrebări:

1. De ce sunt macii atât de mari?
2. De ce a înfățișat Monet două perechi de figuri aproape identice?
3. De ce artistul nu a desenat cerul în imagine?

Voi răspunde la aceste întrebări în ordine.

1. De ce sunt macii atât de mari?

Macii sunt înfățișați foarte mari. Cele mai multe dintre ele sunt la fel de mari cât capul copilului înfățișat. Și dacă luați macii din fundal și îi apropiați de figurile din prim-plan, atunci vor fi complet mai mari decât capetele atât ale copilului, cât și ale femeii descrise. De ce o asemenea irealitate?

În opinia mea, Monet a mărit în mod deliberat dimensiunea macilor: astfel, a ales din nou să transmită o impresie vizuală vie mai degrabă decât realismul obiectelor reprezentate.

Aici, apropo, se poate face o paralelă cu tehnica sa de a descrie nuferi lucrări ulterioare.

Pentru claritate, uitați-vă la fragmente de picturi cu nuferi ani diferiti(1899-1926). Lucrarea de sus este cea mai veche (1899), cea de jos este cea mai recentă (1926). Evident, în timp, nuferii au devenit din ce în ce mai abstracti și mai puțin detaliați.

Aparent, „Poppy” este doar un prevestitor al predominanței artei abstracte în picturi ulterioare Monet.

Picturi de Claude Monet. 1. Stânga sus: Nuferi. 1899 g. Colecție privată. 2. Dreapta sus: Nuferi. 1908 g. Colecție privată. 3. Mijloc: Iaz cu nuferi. 1919 Muzeul Metropolitan de Artă, New York. 4. Jos: Crini. 1926 Muzeul de Artă Nelson-Atkins, Kansas City.

2. De ce sunt două perechi de figuri identice în imagine?

Se pare că era important și pentru Monet să arate mișcare în pictura sa. El a realizat-o într-un mod neobişnuit, înfățișând o potecă abia vizibilă pe un deal printre flori, parcă călcate între două perechi de figuri.

La poalele dealului cu maci se află soția sa Camille și fiul Jean. Camilla este în mod tradițional înfățișată cu o umbrelă verde, la fel ca în pictura „Femeie cu umbrelă”.

Sus, pe deal, se află o altă pereche de femeie și un copil, pentru care, cel mai probabil, Camilla și fiul ei au pozat. De aceea cele două cupluri sunt atât de asemănătoare.

Această pereche de figuri de pe deal este reprezentată poate doar pentru efectul vizual al mișcării pentru care Monet s-a străduit atât de mult.

3. De ce nu a pictat Monet cerul?

Un alt punct notabil în: observați cât de prost este desenat cerul, până în zonele goale ale pânzei lăsate în urmă.

Grozav artist francez- impresionistul Claude Monet ( Oscar-Claude Coin), (1840-1926) îi plăcea să picteze flori. A pictat flori de-a lungul vieții, în perioade diferite creativitate. Mai des grădină și flori sălbatice, mai rar - flori tăiate în vaze.

Florile erau pasiunea lui. Monet a spus că cel mai mult în viață adoră două lucruri: pictura și grădinărit. Prin urmare, a experimentat cea mai mare plăcere când a înfățișat flori în picturile sale.

Întotdeauna și-a pictat chiar și membrii familiei înconjurate de flori, subliniind astfel dragostea sa sinceră pentru ei.

„Poate că datorită florilor am devenit artist”, a spus Claude Monet despre sine.

Una dintre primele lucrări ale lui Claude Monet, „Femeile în grădină”, 1866-1867, Muzeul Orsay, Paris.

Figurile femeilor sunt reprezentate pe această pânză într-un mod foarte stilizat. Artistul pune tot accentul pe jocul de lumini și umbre, pe frunzișul copacilor și al florilor. Monet încă își caută stilul, până când data oficiala Nașterea impresionismului este încă la cinci ani.
Modelul pentru toate cele trei femei a fost Camille Doncier, în vârstă de 19 ani, viitoarea soție a lui Claude Monet.

Pânza este foarte mare, dimensiunile ei sunt de 2,05 pe 2,55 m.
Artistul intenționa să expună acest tablou la Salonul de la Paris în 1967, dar juriul l-a respins.

La sfârșitul vieții lui Claude Monet, când era deja un maestru recunoscut și renumit, guvernul francez a cumpărat pictura „Femeile în grădină” de la artist în 1921 pentru 200 de mii de franci.

Sfântul Andrese

„Terasa la Sainte-Andrese”, ca. 1867, Muzeul Metropolitan de Artă, New York. Acest tablou înfățișează familia artistului, care a trăit în micul oraș-port Saint-Andrese, lângă Le Havre, pe coasta Normandiei. Tatăl lui Monet și mătușa lui Madame Lecadre stau în fotolii. Ruda îndepărtată a lui Monet, Jeanne-Margarita, stă lângă balustradă cu un tânăr. Puteți spune că este o scenă de familie în fundal peisaj marin. Dar uite cum sunt desenate florile din primul plan al imaginii! Cât de reușit a transmis Monet textura culorilor și jocul de lumini și umbre.
„Grădina în floare la Sainte-Andrese”, c. 1866, Muzeul Orsay, Paris.
„Adolphe Monet citind în grădina Le Coteaux la Saint-Andrese”, c. 1866
„Doamna în grădină”, 1867, Muzeul Ermitaj de Stat, Saint Petersburg. Tabloul o înfățișează pe ruda îndepărtată a lui Claude Monet, Jeanne-Marguerite Lecadre, în grădina din Sainte-Andrese.

Argenteuil, 1872 - 1977

Claude Monet și-a dorit întotdeauna să aibă propria lui grădină, unde să poată lucra calm în aer liber.

La sfârșitul anului 1871, Claude Monet și familia sa s-au stabilit la Argenteuil. Atunci era un mic sat stațiune de lângă Paris, la 12 km de centrul orașului, situat pe malurile pitorești ale Senei. Argenteuil face acum parte din Marele Paris. În Argenteuil, Monet avea propria sa casă și prima lui grădină. Mi se pare că la Argenteuil au fost create cele mai bune tablouri Claude Monet. Aceasta a fost cea mai strălucitoare perioadă a muncii sale. Picturile lui Monet sunt în general ușoare, dar tocmai în Argenteuil pânzele sale strălucesc de bucurie. Se pare că aceștia au fost cei mai fericiți ani din viața lui. Aproape toate picturile pictate în Argenteuil o înfățișează pe Camille, prima soție iubită a lui Claude Monet.

În acei ani, Argenteuil era un loc preferat de vacanță pentru parizieni, acolo aveau loc regulat regate de navigație. A condus la Argenteuil Calea ferata, ajungerea acolo de la Paris a fost rapid și ușor. Nu numai Monet, ci și alți artiști impresioniști Manet, Renoir, Sisley, Caillebotte și-au pictat peisajele în Argenteuil.

Prietenul artistului, Renoir, l-a surprins la lucru în Argenteuil, iar datorită acestui lucru putem vedea cum a fost grădina lui Claude Monet și cum a pictat în plein air. Pierre Auguste Renoir „Monet pictând în grădina lui la Argenteuil”, 1873
Și Edouard Manet a pictat pe fundal un portret de familie al artistului gradina inflorita. Edouard Manet „Familia lui Monet în grădina lor de la Argenteuil”, 1874, Metropolitan Museum of Art, New York. Tabloul îl înfățișează pe Claude Monet îngrijind flori, pe soția sa Camille și pe fiul Jean. Grădină, flori și găini. Peste 10 ani, Claude Monet va avea toate acestea la Giverny.
Pierre Auguste Renoir „Madame Monet și fiul ei”, 1974. galeria Națională, Washington. Camille Monet și fiul ei Jean. Se pare că Edouard Manet și Renoir au pictat familia lui Monet în aceeași zi și în același loc. Acest tablou a fost păstrat în colecția lui Claude Monet din Giverny. Fiul mai mic artistul Michel Monet a vândut-o în 1952 într-o perioadă de devastare completă la Giverny. După mai multe revânzări sub voința ultimului proprietar în 1970, acest tablou a intrat în Galeria Națională din Washington.

„Casa artistului din Argenteuil”, 1873. Institutul de Artă, Chicago.
„Grădina lui Monet la Argenteuil”, 1873
„Case din Argenteuil”, 1873, Galeria Națională Veche, Berlin. Vara, Argenteuil a fost literalmente îngropat în flori.
„Flori pe malul râului la Argenteuil”, 1877, Muzeul de Artă Pola, Hakone, Japonia. Sena din Argenteuil este foarte pitorească, în acest loc formează o curbă frumoasă. Claude Monet a fost fascinat de râul și natura Argenteuil, a lucrat aici cu entuziasm în aer liber.
„Camille Monet pe o bancă în grădină”. 1873 Muzeul Metropolitan de Artă, New York. Ca întotdeauna, o grădină și, ca întotdeauna, flori. Vă rugăm să rețineți: există un buchet de flori pe banca de lângă Camilla.
„Jean Monet pe o bicicletă”. 1872 Muzeul Metropolitan de Artă, New York. Chiar și când a pictat un portret al fiului său, Claude Monet nu a uitat de flori. A preferat să surprindă toate evenimentele semnificative din viața sa pe pânzele sale pe un fundal de flori.
„În luncă”, 1876 Pânza o înfățișează pe soția artistului, Camille Monet, citind o carte pe o pajiște, înconjurată de flori de pajiște.
„Meri în floare”, 1873. Uimitor!
„Familia artistului în grădină”, 1875
„În grădină”, 1875 Acest tablou înfățișează aparent același colț de grădină ca și precedentul, doar câteva luni mai târziu - toamna. Lui Claude Monet îi plăcea să picteze cicluri de picturi - aceleași obiecte în conditii diferite iluminare: in timp diferit an, în diferite momente ale zilei. El a încercat să transmită stările trecătoare ale mediului de lumină-aer, să capteze semitonuri subtile de culoare. Vedem cum se transformă un colț al grădinii, cum se estompează culorile, cum se estompează lumina. Florile din patul de flori s-au ofilit, iar frunzișul copacilor a devenit galben.
„Femeie cu umbrelă” („Mercând: Camille Monet cu fiul ei Jean”), 1875, National Gallery of Art, Washington.
„Camille Monet cu fiul ei”, 1875, Muzeu Arte Frumoase, Boston, SUA.
„Colț cu grădină la Montgeron”, aprox. 1876, Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg. Montgeron este un orășel din suburbiile Parisului, situat la 18,5 km sud-est de centrul orașului. Acum este una dintre suburbiile din sud-estul Parisului.

„Femeie cu umbrelă într-o grădină la Argenteuil”, 1875.	„Mergere, Argenteuil”, 1875.	„Plimbare în Argenteuil”, 1875, Musée Marmottan-Monet, Paris.
„Grădina”, 1872.	„Camille Monet în grădină”, 1873.	"Camille Monet la fereastră. Argenteuil", 1873.
„Malul Senei lângă podul de la Argenteuil”, 1874.	„Camille și Jean Monet în grădina de la Argenteuil”, 1873.	„Camille Monet în grădina casei ei de la Argenteuil”, 1876, Metropolitan Museum of Art, New York.
"Gladiole" BINE. 1876. Institutul de Arte, Detroit, SUA.	„Fetele în grădină”, 1875, Galeria Națională din Praga.	„Camilla cu umbrelă verde”, 1876.
„Poarta grădinii de la Vétheuil”, 1876.	„Grădina”, 1876.	„Grădina, nalbe”, 1877.

Un serial foarte interesant „Liliac”. Comparaţie:

Câmpuri de mac

Una dintre cele mai tablou faimos„Câmpul de maci” al lui Claude Monet (1873, Muzeul Orsay, Paris) a fost pictat la Argenteuil, nu departe de casa artistului. Tabloul îi înfățișează pe soția lui Monet, Camille, și pe fiul său Jean. Probabil, soția și fiul lui au servit și ca modele pentru figurile doamnei cu copilul pe fundal.
Uitați-vă cât de expresiv a pictat artistul maci stacojii și ranunculi galbeni. Camille și Jean sunt literalmente îngropați în maci, formând o armonie completă cu natura soarelui zi de vara.
Monet a ales un unghi foarte bun pentru pictura sa - macii stacojii se află în partea stângă jos a imaginii, în diagonală de-a lungul căreia se plimbă Camille și Jean. Se simte ca macii se extind dincolo de panza.

Câmpurile de maci l-au fascinat pe Monet. S-a întors la ei de mai multe ori în munca sa. A fost atras de contrastul macilor roșii și al ierbii verzi.

"Vara. Câmp de mac", 1875, colecție privată.

„Câmp de mac lângă Vetheuil” 1879.

„Câmp de maci într-o adâncime lângă Giverny”, 1885. Muzeul de Arte Frumoase, Boston.

„Câmp de maci”, circa 1890. Muzeul Ermitaj de Stat, Sankt Petersburg.

„Câmp de ovăz cu maci”, 1890. Muzeul de Artă Modernă, Strasbourg.

— Câmp de maci la Giverny. 1890-1891 Institutul de Artă, Chicago.

„Câmp de maci roșii lângă Giverny”, 1895. Muzeul de Arte Frumoase din Virginia, Richmond, SUA.

Câmpuri de lalele

Claude Monet a vizitat Olanda de mai multe ori. Și, desigur, nu puteam rămâne indiferentă față de lalele. A creat o serie de picturi înfățișând principalele atracții ale Olandei - câmpuri de lalele și mori de vânt.

„Câmpurile de lalele de la Sassenheim, lângă Leiden”, 1886, Clark Art Institute, Williamstown, Massachusetts, SUA.

„Câmpuri de lalele și mori de vânt în Rheinsburg”, 1886, colecție privată.

„Câmpurile de lalele din Olanda”, 1886. Muzeul Orsay, Paris.

„Câmp de lalele din Olanda”. 1886, Muzeul Marmottan-Monet, Paris.

Vetheuil, 1879 - 1881

„Grădina artistului de la Vétheuil”, 1880. Galeria Națională, Washington.

În 1879, familia lui Monet s-a mutat la Vétheuil, un mic sat de pe malul Senei, la 65 km nord-vest de Paris. Aici Claude Monet a avut al doilea fiu al său, Michel, dar, din păcate, prima lui soție, Camille, a murit curând.
Familia Monet a locuit în Vétheuil până în 1881.

Claude Monet întâlnește familia Alice Hoschedé, pe care o cunoștea deja de câțiva ani. Ei locuiesc împreună, iar Alice a devenit mai târziu a doua lui soție. Dar în picturile lui Claude Monet, Alice Goschede, spre deosebire de Camille, este foarte rară. Fiicele ei, fiicele vitrege ale lui Claude Monet, au servit drept modele pentru picturile artistului.

„Flori pe malul Senei lângă Vétheuil”, 1880.	„Alice Goshede în grădină”, 1881. Viitoarea a doua soție a lui Claude Monet.	„Scara de la Vétheuil”, 1881.
„Insula Florilor de lângă Vetheuil”, 1880, Metropolitan Museum of Art, New York.	„Flori în Vétheuil”, 1881.	„Flori în Vétheuil”, 1881.

Flori într-o vază

Cel mai mult, Claude Monet iubea grădina și florile sălbatice, dar uneori picta și naturi moarte și buchete de flori tăiate.

„Flori de primăvară”, 1864. Locația picturii este momentan necunoscută.
Desigur, este încă greu să recunoști viitorul mare artist impresionist în acest tablou.

„Crizanteme”, 1878. Muzeul Orsay, Paris.

„Buchet de nalbă”, 1880.

„Floarea soarelui”, 1881. Muzeul Metropolitan de Artă, New York.

„Crizanteme” 1882. Muzeul Metropolitan de Artă, New York.

„Maci violet”, 1883. Muzeul Boijmans van Beuningen, Rotterdam, Țările de Jos.

„Anemone”, ca. 1885, colecție privată.

— Două vaze cu crizanteme. 1888, colecție privată.

Giverny 1883 - 1926

În 1883, familia lui Claude Monet s-a mutat la Giverny. Acesta este un mic sat într-o zonă pitorească de pe malul râului Epte, la confluența sa cu Sena, la aproximativ 80 km de Paris. Claude Monet va locui în Giverny pentru tot restul vieții.

Până atunci devenise deja artist faimosși o persoană destul de bogată. În 1890, a putut să cumpere casa din Giverny unde locuia familia sa. A dotat un atelier spatios in casa.

Claude Monet și-a extins semnificativ grădina și a construit în ea un iaz, apa în care venea dintr-un rezervor special de captare a apei construit pe râul Epte.

În acei ani, Claude Monet a devenit interesat cultură japoneză, Imprimeuri japoneze, în special gravuri ale celor mari artist japonez Hokusai.
Pentru a avea grijă de grădină, Monet a angajat un grădinar japonez care l-a ajutat să amenajeze grădina stil japonez. Monet însuși a fost direct implicat în planificarea grădinii. Artista s-a abonat la revista Revue horticole (Revista de grădinărit) și a comandat plante și flori de la tari diferite pace.

Această grădină a devenit iubirea principală V anul trecut viata de artist. A lucrat în ea, a scris-o sub toate formele, din diferite puncte, în diferite momente ale zilei. Grădina a devenit principala sursă de inspirație pentru artist.
Monet a crescut diverse flori în grădină, nuferi au crescut în iaz, iar faimosul „Pod japonez” a fost aruncat peste iaz. Putea să petreacă ore întregi admirându-și grădina, observând cele mai mici schimbări de iluminare și vreme.
În toamna anului 1899, Claude Monet a început să picteze faimoasa sa serie „Nuferi”, la care a lucrat până la sfârșitul zilelor sale.

Claude Monet în grădina lui cu un iaz cu nuferi în fundal, 1905.

Claude Monet în grădina lui, ca. 1917 Foto: Etienne Clementel.
Imaginile arată puțin „colorate” și neclare, deoarece acestea erau fotografii stereoscopice, trebuiau vizualizate prin ochelari colorați speciali, apoi imaginea s-ar dovedi a fi tridimensională.

Claude Monet (dreapta) în grădina lui din Giverny. 1922 Fotografie din arhiva The New York Times.

În primele pânze ale seriei „Nuferi”, Claude Monet a descris un iaz cu un pod japonez, pe fundalul vegetației luxuriante de grădină.

ÎN munci recente, înfățișând un iaz cu nuferi, a deformat în mod deliberat totul reguli acceptate perspectiva, a abandonat linia orizontului și a pictat doar apă cu nuferi. Nuferii care plutesc pe apă sunt adesea tăiați de marginile pânzei, creând impresia că adevăratul iaz este ceva mai mare decât ceea ce este descris în pictură.
Această serie de „Nuferi” conține peste 60 de tablouri.

"Nuferi." 1906 Institutul de Artă, Chicago.
„Nuferi”, 1916. Muzeul Național de Artă de Vest, Tokyo. Această pânză uriașă de 2 metri este una dintre cele mai expresive din seria „Nuferi”. Insule roz și galbene de nuferi sunt situate pe suprafața albastru închis, verde închis și chiar violet a apei iazului. Poza este toată în mișcare, vedem rădăcinile întrepătrunse ale nuferilor. Florile de nufăr ies literalmente deasupra suprafeței apei. Claude Monet a simțit natura foarte subtil și a putut să transmită toate subtilitățile și nuanțele ei pe pânzele sale.
"Nuferi." 1920-26 Muzeul Orangeriei, Paris.

În 1980, casa și grădina lui Claude Monet din Giverny au fost deschise publicului. Acum acesta este unul dintre cele mai preferate muzee în rândul turiștilor din suburbiile Parisului.