چگونه یاد بگیریم از طبیعت نقاشی بکشیم اصول طراحی با مداد. نه قانون اساسی ترسیم

در یکی از صفحاتم در مورد سایه زدن در طراحی آکادمیک، اشاره ای به استودیو پیدا کردم، اکنون آن را با ورودی های دیگر در این موضوع به یک دسته کشانده ام.

برای اینکه به نحوی به گفتگوی ما جان ببخشم، نظرات خود را در مورد نقش پاک کن در تفصیل آهنگین طبیعت به اشتراک می گذارم. ما به این واقعیت عادت کرده ایم که پاک کن می تواند خطوط اشتباه را به راحتی حذف کند. در واقع، پاک کن نه تنها برای اصلاح طراحی شده است، بلکه یک ابزار طراحی کامل است.
اغلب، همه چیز با سایه گسترده ای از پلان های سایه شروع می شود، با مالش ملایم این سایه با کف دست، و سپس انتخاب مکان های روشن با پاک کن، و کار کردن مناطق آغشته شده نقاشی با ضربه ای متراکم. .
بیشتر توضیح میدم مستطیل پاک کن به صورت مورب نصف می شود تا دو پاک کن با لبه های تیز برای کار خوب ساخته شود. حالا می توانید با استفاده از گوشه تیز پاک کن، سایه ها را با دقت (با لمس ملایم یا پاک کردن) انتخاب کنید تا کمی روشن تر از مکان های معمولی به نظر برسند. اگر خیلی سبک بود، نقطه را با انگشت خفه می کنیم و با سایه زدن شکل آن را اصلاح می کنیم. بنابراین می توانید رشته های سبک را از کل توده مو، رفلکس های ظریف در سایه ها و موارد دیگر انتخاب کنید. تکرار می کنم - سایه گسترده ای از قسمت سایه تصویر (1)، روغن کاری آن، اما اجباری نیست (2)، روشن شدن در مکان های مناسب با پاک کن (3)، عمیق کردن سایه در جایی که لازم است (4).

من نمی دانم از همه آنچه گفته شد چه فهمیدید، اما به گرافیک آموزشی نگاهی دقیق بیندازید و مشخص کنید که پاک کن در چه مکان هایی کار کرده است. تقریباً در هر جایی که تاریکی با نور (کنتراست لبه) مرز می شود، می توانید ردپایی از آن را پیدا کنید. این به اصطلاح هرس است. نزدیک لبه تیره، نوک پاک کن، تون کمی ضعیف شده و مرز تماس با تاریکی تشدید می شود.
علاوه بر این، با یک لبه پهن پاک کن، می توانید محل مورد نظر سایه را به صورت جارویی آغشته کنید، مانند یک برس صاف، می توانید پاک کن (ترجیحا با نق یا خرده نان سیاه خشک) را روی آن فشار دهید. کاغذ، تضعیف سیاهی و غیره

اینها کارهای آموزشی جوانی من است که به طور معجزه آسایی در خانه حفظ شده است.
مثال زدنی نیستن فقط فکر کنم دو تا جمجمه کشیده شده با یک سال اختلاف براتون جالب باشه. خوب، سقراط، چگونه می توانی بدون او.

یکی از اولین نقاشی های من از یک جمجمه بدون دندان. فقط اولین جمجمه من همانطور که می بینید نگذاشتند فونچیک را تمام کنم.

در آن سال ها، این استودیو توسط گرافیست معروف حزب N. Zhukov که در طراحی لنین و کودکان تخصص داشت، اداره می شد.
در یکی از کلاس ها با همراهانش (چک) در کارگاه حاضر شد. چاق بزرگ، پوشیده در کت و شلوار مشکی با پیراهن سفید، در کراوات، که به او رئیس داد. صادقانه بگویم، من نفهمیدم چه کسی پیش ما آورده است. او بی‌صدا پشت سه‌تول من نشست و شروع به کشیدن کرد و با خوشرویی گفت - حالا باید مثل یک سوسک، یک سوسک روی نقاشی بخزی. همچنین یک ذکر اجباری وجود داشت که قبلاً به گوش من آشنا بود، از تحصیل در آکادمی هنر، جایی که توجه ویژه ای به جمجمه شده بود. من اصلاً کارهای او را به خاطر نمی آورم، او همه چیز را با دستش مسدود کرد، اما سوسک ها حتی الان از سرم بیرون نمی روند. و فقط بعد از رفتن کمیسیون به من گفتند که با چه کسی روی همان صندلی نقاشی می کشیدم!

با جمجمه دوم، حس های خوشایند کمی در حافظه ام وجود داشت. برای جایگزینی بیمار، آمد هنرمند جدید، که با لحن متکبرانه همیشگی خود شروع کرد به اظهار نظر در مورد نقاشی گچ برای من. من که از قبل به شیوه ی محترمانه ی ظریف ارتباط با ما همه ی هنرمندان عادت کرده بودم، ناگهان از او بیزاری کردم. همه چیز مبهم و در داخل گفته شد به طور کلی. وقتی پرسید همه چیز را می فهمی، قاطعانه گفتم نه. او را عصبانی کرد. از سردرگمی، شروع به شکایت با صدای بلند از همه کرد - شاگردانم همیشه مرا درک می کردند، نمی دانم ... نیم ساعت گذشت، هر دو آرام شدیم و متوجه شدیم که چه خبر است. موضوع سایه زدن است. او به درستی اصرار داشت که با سکته و همیشه در فرم کار کند. باید اعتراف کنم که به سختی مشغول بازسازی بودم، به شدت نگران بودم، و در درس بعدی نقاشی تمام شده جمجمه را نشان دادم. چهره پیرمرد مهربان تر شد - شما باید جدی کار کنید ، خوب انجام شده ، خوب انجام شده است. بنابراین من به عنوان یک معلم از برند او حمایت کردم (او در جایی به دانش آموزان آموزش می داد).

این حتی سقراط بدی هم نیست و حتی الان هم نمی توانم باور کنم که بتوانم چنین چیزی را مطرح کنم. به یاد دارم که نور کلی روشن سالن که نورافکن به سختی جلوی آن را گرفت، بسیار آزاردهنده بود. این باعث شد که قسمت سایه گچ بیش از حد شفاف به نظر برسد. و امروز فکر می کنم چیزی در آن وجود دارد.

|

شکل از ژنرال

گفتگو در مورد تکنیک فردی نخواهد بود نقاشی آموزشی، اما در مورد اصل اساسی آن - "از عام به خاص و از جزئی به عام"، به طور دقیق تر، در مورد قسمت اول این اصل.

در یکی از فیلم‌ها راهبه‌ای به پرسش صمیمانه‌ی جوانی این چنین پاسخ داد: «... امیدوارم فرزندم، خداوند تو را در این مورد روشن کند!...»

مردم اغلب می پرسند که چگونه یاد بگیرند که از زندگی به تنهایی نقاشی بکشند، یا به سادگی می خواهند چیزی در مورد نقاشی بنویسند.

وقتی صفحه آماده شد، به گوگل رفتم تا ببینم آیا با کسی تکرار می کنم یا نه، و با این آگهی برخورد کردم:

"آیا می خواهید یاد بگیرید چگونه به سرعت نقاشی کنید؟ آموزش نقاشی در 1 روز! واقعا! ما به سایت می رویم و نقاشی را یاد می گیریم!
خدایا مرا ببخش، اما آنچه در آن لحظه فکر می‌کردم، تا پایان روزگارم سخت خواهد بود.

چگونه می توان نیاز مدرسه را درک کرد، از عام شروع کرد، نه از جزئی؟

هر کتاب درسی را باز کنید، مراحل طراحی را در آنجا خواهید یافت. یکی از این کتاب های درسی را می توان در این دفترچه خاطرات مشاهده کرد - "یادگیری به کشیدن" توسط A. Deinek، که در آن نقاشی های دانشجویان موسسه معماری ارائه شده است. موافقم، کسانی که وارد این دانشگاه می شوند قبلاً آموزش اولیه دارند و نیازی به توضیح اصل - "از عام به خاص و از خاص به عام" ندارند و با وجدان ترسیم را در نمودارهای دنباله ای برای حفظ آن ترسیم می کنند. . اگر نویسنده برای مبتدیان نوشته است، پس کتاب فاقد اطلاعات اولیه در مورد تکنیک طراحی برای آنها است. نمی‌دانم می‌توانم آن را انجام دهم یا نه، اما چه چیزی را به خطر می‌اندازم؟

اشتباه رایج برای همه

سر روی ورق نمی خورد و به لبه آن چسبیده بود و یک فضای خالی غیرضروری در کاغذ ایجاد می کرد.

شما از عام می روید تا از آن به جزئی برسید.
و چه اتفاقی می افتد اگر مانند این تصویر از بینی شروع کنید و سپس جزئیات را یکی پس از دیگری روی آن نقاشی کنید؟ شما در نسبت های کلی دروغ خواهید گفت و نمی توانید به درستی روی یک ورق کاغذ قرار بگیرید. جسم ممکن است به طور کامل در ورق قرار نگیرد، ممکن است بسیار کوچک باشد یا در مکان نامناسبی قرار گرفته باشد.

تصاویر بالا مراحل کشیدن یک شیء مشابه را با روش های مختلف (به طور دقیق تر، با دست خط متفاوت) نشان می دهد. هر یک از این سه نقاشی به شیوه ای فردی ساخته شده اند، اما همه آنها از قاعده جهانی مدرسه آکادمیک پیروی می کنند - "از کلی به جزئی و از جزئی به کلی".

اولین اقدامات یک طراح که از یک شیء پر از جزئیات یک فرم بسیار تعمیم یافته ایجاد می کند چیست، هنگام قرار دادن اولین ضربه ها روی کاغذ چه چیزی را هدایت می کند؟

تمام اعمال او با تمرین قبلی به صورت خودکار انجام شده است و برای اینکه معنی را برای شما بجود، حتی در اولین ضربات مغزش به بیرون تبدیل می شود.

بیایید استدلال در مورد ترکیب بندی را کنار بگذاریم، در مورد این که شما نمی توانید یک طراحی را با جزئیات شروع کنید، اجازه دهید حتی در مورد ساخت سازنده یک نقاشی صحبت کنیم. بیایید در مورد تجارت صحبت کنیم، در مورد اینکه چگونه جایی برای هر گروه از ضربه ها روی کاغذ پیدا می کنیم.

چرا سکته ها گروه بندی می شوند؟

پاسخ اول: تعیین دقیقاً مکان مناسب برای خط روی کاغذ تمیز دشوار است، ما یک نقطه، چیزی شبیه یک ضربه را با یک برس صاف اعمال می کنیم، و به خود می گوییم - جایی در این "سکته مغزی" خط دقیق آینده ما راه می رود.

گزینه دوم: با یک گروه ضربه، نه تنها مرز شکست را در فرم مشخص می کنیم، بلکه همزمان یکی از صفحاتی که این شکست را تشکیل می دهند سایه می زنیم. بله، با سکته مغزی، صفحات حجمی وجود ندارد، در ابتدای طراحی بزرگ، و در پایان کار به صفحات کوچکتر شکسته می شوند.

چگونه هنگام جستجوی بخش بعدی ضربه ها به طبیعت نگاه می کنیم، چگونه نسبت اجسام را تعیین می کنیم؟

لحظه کلیدی نه تنها گفتگوی ما، بلکه در کل فرآیند یادگیری. پاسخ نمی تواند عینی و قاطعانه باشد. در اینجا، مانند هیچ چیز، دیدگاه فردی معلم متجلی می شود که ترجیح می دهد در مورد آن صحبت نکند. به کتیبه حکیمانه صفحه نگاه کنید: "... امیدوارم فرزندم، خداوند تو را در این مورد روشن کند!..."

من این تصور را داشتم که همه معلمان من با این خرد جهانی هدایت می شدند و آنها را درک می کنم. بخش زیادی از هنر فراتر از محدودیت‌های تفکر منطقی است، که معلمان را مجبور می‌کند ما را به مسیرهای تجربی توسعه در بوته‌های آن سوق دهند.

قبلاً به شما گفته ام، یک طرف نگاه کنید، نه در یک نقطه از شی، با یک نگاه بی معنی طبیعت را در آغوش بگیرید. در این حالت، تشخیص موقعیت نسبی نقاط کلیدی در حافظه بصری برای شما آسان تر خواهد بود. ایجاد چنین توانایی برای درک طبیعت آسان نیست و بسیاری از متخصصان در این امر موفق نمی شوند (خداوند نمی تواند با همه استدلال کند).

نکته مهم دیگر.

با سختی زیاد خوانندگان را متقاعد کردم که با سکته مغزی بکشند و نه با سایه، واقعاً نتوانستم به آنها توضیح دهم که جوجه کشی را نمی توان از کارهای دیگران کپی کرد ("سعی خواهم کرد جوجه ریزی شما را تکرار کنم!"). آنچه به یک الگو تبدیل شد، با فرآیند پیچیده لایه‌بندی تدریجی یکی بر روی دیگری شکل گرفت. شما نمی توانید نقاشی تمام شده را به عنوان حکاکی روی مس در نظر بگیرید ، جایی که سکته مغزی طبق یک سیستم خاص اعمال می شود و نقشه آماده سازی کانتور را با خود پر می کند.

برای درک بهتر من، به تصاویر نگاهی بیندازید، نگاهی به نحوه پر شدن یک ورق کاغذ بیندازید، حرف های من را متوجه خواهید شد.

واضح است که در مراحل بعدی ترسیم، زمانی که تناسبات و طرح شیء مشخص می شود، ترسیم تدریجی جزئیات فرم آغاز می شود و جوجه کشی ماهیت کمکی ندارد. این منعکس کننده سبک نویسنده است که او آگاهانه آن را پرورش داده و اختراع کرده است، می تواند هم به طور خنثی طبیعی و هم با خودنمایی برجسته باشد. همه چیز به سلیقه و فرهنگ هنرمند مربوط می شود.

اولین نسخه از نقاشی (اولین سری از طرح های ترسیم "از عمومی").

ده ها سکه از این قبیل طرح ها وجود دارد، نکته اصلی این است که بفهمیم با آنها چه کنیم.

اولین چیزی که باید درک کنید این است که طراحی با تعیین ابعاد کلی شی شروع می شود، با در نظر گرفتن انتخاب زمینه هایی روی کاغذ که برای آن بهینه هستند. آنچه "بهینه" است، هر کس به روش خود می فهمد، بسته به تعداد نمونه هایی از نقاشی های تمام شده که دیده است. معمولاً این به خوبی در نمودارهای کتاب‌های درسی نشان داده می‌شود و به نظر می‌رسد همه چیز واضح است، اما در عمل شما با یافتن نسبت‌های دقیق، اصلاح کارهایی که چندین بار انجام داده‌اید، شروع به بررسی نسبت‌ها با ابزارهای مکانیکی، کمانچه زدن می‌کنید. با خط شاقول با ترسیم طرح کلی از بالا به پایین، راست به چپ، فقط ترکیب کلی نقاشی را مشخص می‌کنید، و جستجوی نسبت‌های جسم در طول مرحله اولیه طراحی ادامه خواهد داشت و ارزش آنالیز و تصحیح اولین طرح‌های سکته مغزی را ندارد. بی پایان هر خط جدید به شما کمک می کند تا نسبت ها را اصلاح کنید، همانطور که مکان آن را با خطوط موجود مرتبط می کنید، به دنبال مطابقت ها و مطابقت ها هستید.

این اولین نسخه از نقاشی با خطوط شروع می شود، که من از آنها استقبال نمی کنم، اما آنها را هم رد نمی کنم. برای مبتدیان در دسترس تر و قابل درک تر است. یک نکته، خطوط شکلی کلی می دهند، آنها طبیعت را کپی نمی کنند.

نسخه دوم نقاشی (مناسب ترین برای توسعه یک دید کامل از طبیعت در خود)

در اینجا می خواستم راه ترسیم را نه از خطوط شکل (هیچکدام وجود ندارد) نشان دهم، بلکه از ایجاد، با شروع از همان اولین ضربات، یک حجم یکپارچه، که به تدریج تقسیم و پالایش می شود، نشان دهم. فقط پس از آن می توانید جزئیات را به روشی مشابه ترسیم کنید و خطوط سیمی را اجرا کنید.

کنترل در مغز ما

دایره ها و چوب ها چیزی هستند که در سر خود نگه می دارید، نه اینکه برای نشان دادن بورس تحصیلی خود روی کاغذ بکشید. هنگام انتخاب یک نقطه روی یک جسم، آن را به صورت ذهنی با نقاط دیگر که به وضوح درک می شود، متصل کنید تا زوایای تمایل را با طبیعت بررسی کنید (مداد را در دست دراز کرده خود با زاویه تمایل مورد نظر در مقابل طبیعت تراز کنید.).

توجه خود را همزمان روی سه نقطه قابل توجه طبیعت متمرکز کنید و شکل مثلث را با آنچه روی کاغذ دارید مقایسه کنید. با نگاهی به موقعیت نسبی نقاط، می توانید به راحتی یکی از آنها را در شکل نسبت به دو مورد موجود علامت گذاری کنید. به بیان ساده، وقتی چانه را نوازش می کنید (چیزی که در حال حاضر می خواهید نوازش کنید، اما مطمئن نیستید کجا آن را روی کاغذ انجام دهید)، به طور همزمان به تاج و استخوان گونه سر نگاه می کنید و سعی می کنید آن را قرار دهید. آن را دقیقاً در رابطه با مکان نشانه‌های انتخابی قرار داده است.

سعی کنید هر جهت از خطوط را با جهت خط در انتهای دیگر نقاشی مقایسه کنید و تفاوت آنها را به دقت بیان کنید. سمت راست جسم با سمت چپ از بالا به پایین مقایسه می شود.

و در آخر، هر خط اعمال شده را بطور ذهنی ادامه دهید تا زمانی که با کل جسم تلاقی کند. به این ترتیب می توانید دقت آن را کنترل کنید (آنچه در طبیعت تلاقی می کند باید در نقاشی نیز قطع شود). خط بینی را بالاتر بکشید و ببینید کجا از پشت سر یا پیشانی خارج می شود.

این یک مورد خاص از کنترل ساخت یک تصویر توسط خطوط عمودی و افقی است، زمانی که نقاط واقع در افقی نیز باید روی افقی در تصویر قرار گیرند.

تکرار می کنم، درگیر کنترل های مکانیکی نباشید، در طول کار شدید روی طرح ها به اشتباه و اصلاح عادت کنید. این طرح های طولانی (طرح ها) و نه صحنه سازی طولانی است که مهارت های شما را در تعیین نسبت های دقیق و ایجاد فرم های تعمیم یافته توسعه می دهد.

نسخه سوم نقاشی (سخت ترین، رویکرد نهایی)

در نگاه اول، این نسخه از نقاشی درمانده است، در واقع، آن را نشان می دهد مرحله مقدماتی، پس از آن جزئیات تدریجی آن آغاز خواهد شد. ارزش ندارد یک سبک حرفه ای نقاشی را به عنوان یک کمک آموزشی به شما توصیه کنیم. هر چیزی زمان خودش را دارد.

من واقعاً دوست دارم شما را از کشیدن یک طرح سیمی منظم جدا کنم. نمی گویم که زمان زیادی را صرف این تصویرسازی کردم، اما این بدان معنا نیست که آنها نشان دهنده شلختگی من در طراحی هستند. آنها را به دقت مطالعه کنید، ظاهر ضربه های جدید را در هر مرحله دنبال کنید و معنای آنها را درک کنید. اگر واقعاً شروع به یادگیری کردید، سعی کنید در نقاشی های با جزئیات زیبا عجله نکنید، در ساختن یک فرم جامد متوقف شوید. من مطمئن هستم که ترسیم جزئیات به اندازه این موضوع برای شما دشوار نخواهد بود.

من تأکید می کنم که ما در مورد یک نقاشی آموزشی صحبت می کنیم و وظایف آن همیشه برای اهداف خلاقانه شما به نقاشی شما منتقل نمی شود. علاوه بر این، ماهیت شکل شیء به گونه ای است که نیاز به رویکرد متفاوتی در طراحی دارد، در غیر این صورت کاه یونجه در جایی که رویکرد بسیار ظریفی لازم است به میدان می آید. آموزشی - هدف آن توسعه مهارت ها، در این مورد، درک یکپارچه از طبیعت است.

یکی بیشتر هست نه کمتر قانون مهم، به طور مداوم روابط کاری. شما دائماً یکی را با دیگری مقایسه می کنید، چگونه یکی با دیگری ارتباط دارد، و تفاوت موجود بر روی کاغذ (مکان، تن، رنگ) را منتقل می کنید.

نیاز به ترسیم مطابق ایده، از حافظه را به خاطر بسپارید، زمانی که مجبور هستید یک فرم را نه با یک کانتور، بلکه به دنبال ساختار سازنده آن بسازید. بدون چنین تجربه ای، دور شدن از کپی برداری کورکورانه از طبیعت دشوار است.

طراحی از وب

|

کلاس هفتم 699 مدرسه

اگر از علاقه صحبت می کنیم، باید در مورد جواهر فروشی نیز صحبت کنیم. او در یک ساختمان مرتفع جدید در دروازه قرمز بود. جلوی چشمان من ساخته شد، سپس مربیان ما را (به او یک مداد بدهید، و شما نمی توانید تمام روز به او نزدیک شوید) در یک باغ عمومی در همان حوالی پیاده روی کردند، و ما دائما سازنده ها را در مقابل آسمان پشت یک حصار چوبی تماشا می کردیم. یک نقاش پیر عصبانی طرحی از او کشید و من نتوانستم بفهمم چرا به حصار نیاز دارد. حصار برای همیشه دوام نیاورد. علاوه بر ورودی مترو، یک جواهرفروشی شیک نیز در این خانه افتتاح شد. این مکان مورد علاقه من برای پیاده روی شده است. تمام اتاق سیاه متروک در نیمه تاریکی بود؛ برای اینکه به ویترین مغازه که نوری مرموز می‌تابید نگاه کنم، مجبور شدم روی نوک پاهایم بایستم و چانه‌ام را بالا بیاورم. این خیلی طول نکشید، دوستانم همه چیز را به مادرم گزارش کردند و مادرم مرا به زور از مغازه بیرون آوردند و بی دلیل با کمربند بیرونم کردند. روزهای الهی! نور پایین چیزهای ریز را روی مخمل سیاه روشن می کرد که با سنگ های درخشان پوشیده شده بود. چیزی که الان مرا متحیر می کند این است که فروشنده ها هرگز مرا توبیخ نکرده اند. خریدار نبود و ظاهر ژولیده من زیاد آنها را آزار نمی داد.

من از تجربه خودم می دانم که اگر شما عکسی ندهید، هیچ کس این را نخواهد خواند. از زمانی که در مدرسه شروع به طراحی کردم، چیزی به کسی نشان ندادم، فقط از ناتوانی خود شرمنده بودم. تنها پشت میز گوشه ای نشستم، از این منظر، طراحی امروز بر اساس طرح های آن زمان ارائه شده است. من به بچه ها قول دادم که وقتی هنرمند شدم، حتماً یک نقاشی از کلاس خود خواهم کشید. شاید من وقت داشته باشم که نقاشی بکشم، چه کسی می داند؟

طرح ها در کلاس درس. من می خواهم از شما بخواهم که با آنها مانند جواهری رفتار کنید که با گذشت زمان فقط ارزش آنها افزایش می یابد. سعی نکنید کیفیت آنها را ارزیابی کنید، "زباله" را فیلتر نکنید. لحظه حقیقت فرا خواهد رسید و آنچه را که زمانی پنهان می کردند به شما خواهند گفت.

گریشکا گرینبرگ. در کنار او احساس ساده لوحی و احمقی می کردم. اما او با من مهربان بود.

دوستان من از این مطالعه دچار سرگیجه می شوند.

آرتامونوف از گوشه مقابل با کنایه به نظر می رسد

برای این همه آموزش

من به طور نامحسوس موفق می شوم معلم را روی blooper اعمال کنم (البته شاهکار نیست).

طرح‌های قدیمی به من اجازه می‌داد یک نقاشی میانی بسازم

طرح دیجیتال بر اساس طرح کودکان.

معلم جوان ریاضی. "مردان" آخرین احزاب نسبت به تازه وارد بی تفاوتی کامل نشان می دهند.

|

طرح های سریع

با هر صفحه جدید رویکردم به نبوغ را احساس می کنم، حداقل برخی از خوانندگان به آن اشاره می کنند. خود زبان شروع به روی آوردن به کلمات با استعداد، به عبارات درست با افکار درست می کند. به همین دلیل به جوانان توصیه اکید می کنم که اولین طرح های خود را به دیگران نشان ندهند. نظرات و توصیه های آنها شما را از ترسیم طبیعی و بدون زواید باز می دارد.

شما خیلی خوب می نویسید و هر چیزی که می نویسید ارزشمند است زیرا معمولاً در مورد آن چیزی نمی نویسند (حرامزاده ها ساکت می شوند :))
و اگر این شما را ناراحت نمی کند، من یک درخواست دیگر دارم.
من چندین سال است که تلاش کرده ام تا یاد بگیرم چگونه نقاشی کنم، تا کنون هیچ فایده ای نداشته است، زیرا نمی توانم برای خودم سیستمی از کلاس های روزانه تشکیل دهم که به من اجازه دهد روی پیشرفت تدریجی حساب کنم. من یک چیز را به عهده می‌گیرم، بعد یک چیز دیگر، اما سیستمی وجود ندارد، هر روز که کوک می‌کنم، تصمیم می‌گیرم که چیزی را بکشم، اما زمان آن فرا می‌رسد که برای نقاشی تعیین کرده‌ام، و برنامه مشخصی ندارم که چه چیزی انجام شود، و بنابراین همه چیز تا فردا لغو می شود.
من در هیچ موسسه هنری تحصیل نکردم و این برای من نمی درخشد، اما به طراحی علاقه دارم و دوست دارم نقاشی هایم به سادگی مرا راضی کند. من حتی حاضرم هر روز برای این کار کار کنم، فقط باید بدانم که وقتی یک مداد و یک تکه کاغذ در دست گرفتم دقیقاً چه کار خواهم کرد.

شما با تلاش برای یک هدف بی فایده یک بن بست ایجاد کرده اید - نقاشی های من فقط باید من را خوشحال کند. دانش، سلیقه و علایق شما هر روز به سرعت در حال تغییر است. آنچه امروز دوست دارید فردا خنده دار خواهد بود. به محض اینکه نقاشی خود را دوست داشتید، به یک حصار بلند برخورد خواهید کرد. این همان است که من سعی کردم با خلاقیت خود مادربزرگ محبوبم را خوشحال کنم که چیزی در نقاشی نمی فهمد.
اگر آرامش می خواهید، گلدوزی کنید.
برای اکثر مردم، هدف اولیه یافتن فرصت هایی برای یادگیری از کسی، یادگیری برای حرکت به سطح متفاوتی از دانش، به منظور فرار از شلوغی زمینی به یک دایره کاملاً متفاوت از افراد است.
این سیستم توسط نظم و انضباط مدرسه ارائه می شود، بدون آن، و حتی بیشتر از آن بدون ویژگی های ارادی شخصی، همه چیز بی فایده است. یک هنرمند مشتی اراده مقاومت ناپذیر برای پیروزی و فرهنگ درونی بالایی است. آموزش حرفه ای با آموزش دید حرفه ای به کار، آموزش سلیقه او، درک خوب و بد به دانش آموز آغاز می شود. شما نمی توانید این را به تنهایی در خانه یاد بگیرید، شاید به همین دلیل است که من نوشتن خود را شروع کردم تا به افرادی مانند شما کمک کنم تا موقعیت شروع درست را بگیرند! :))
متشکرم و از صراحت ناراحت نشوید.

من یک دسته دفتر کوچک جیبی نگه می دارم. اینهایی که اینجا نشون میده اندازهشون 5*8 سانت هست که من پنجاه سال هست که باز نشده. همکلاسی ها و معلمان خیلی زود به درس های من عادت کردند و دیگر به من توجه نکردند. وقتی به نقاشی ها نگاه می کنید، متوجه می شوید که چرا تا به امروز هیچ کس آنها را ندیده است. بله، خجالت می کشیدم به آنها نشان دهم. در زمان طراحی، من در مقابل همسالانم بسیار هوشمندتر از این برگه های طبقه بندی شده نگاه می کردم.

نظر خاصی در اینجا لازم نیست. من به شما این فرصت را دادم که روند خودآموزی را در رشد طبیعی آن مشاهده کنید، چیزی که به سختی کسی جرات نشان دادن آن را به شما داشته باشد. و بعد از آن به من نگویید که هیچ چیز برای شما کار نمی کند، هیچ چیز برای من نیز کارساز نبود. تمام ارزش این طرح ها در اجرای آنی آنهاست، زمانی که هیچ کس ژست نمی گرفت و اغلب متوجه من نمی شد. می خواهم بگویم که محتوای نقشه ها به اندازه فایده اجرای آنها مهم نیست. این چنین است و چنین نیست. برای من امروز معلوم شد که محتوای آنها مهمتر است. از روی این خط خطی ها، من فوراً دوستان فراموش شده دوران کودکی و معلمانم را می شناسم.

برای تمام زندگی شما فقط یک دستور وجود دارد، طرح های روزانه را طوری بسازید که انگار مادرتان شما را برای این به دنیا آورده است. هر روزی که بدون طرح می گذرد، از بین می رود.

کار امروز ساده است، تزریق واکسن طول عمر خلاق به خوانندگان علاقه مند، و خشم آنها با تنبلی و بی مهری شان. این اتفاق نمی افتد که انسان نقاشی بکشد، ترسیم کند و چیزی در او تغییر نکند.
من سعی خواهم کرد موضوع را در صفحه بعدی توسعه دهم، طرح هایی وجود دارد که از نظر زمانی طولانی تر از اینها هستند.

عصر بخیر. از شما بسیار سپاسگزارم که به خوبی از خوانندگان خود مراقبت می کنید.
خیلی دوست داشتم که پست جدیدت را با حرف های من شروع کردی. خیلی باحال بود
با این حال، با هر یک عبارت جدیدمن را بیشتر و بیشتر متحیر می کند که چگونه می توانی چنین بنویسی، در مورد چه چیزی، اگر دعوا نکنی، خودت به آن فکر نمی کنی و در مورد چیزهای بدیهی معمولی آن طور می نویسی!؟؟ این عالی است، صادقانه.
در هر کاری به دنبال دلیل طرح های بدم می گشتم، اما یک جورهایی به ذهنم خطور نمی کرد که از این نگاه ساده به تنبلی و بی خفای خود دست بکشم. خنده داره 🙂
همه چیز خیلی ساده تر از چیزی بود که تصور می کردم.
و از این بابت هم غم انگیز و هم آسان است، زیرا اکنون مشخص است که بعداً چه باید کرد. باز هم از شما برای یک ضربه خوب در مسیر درست تشکر می کنم 🙂

|

کیاروسکورو در نقاشی

حتی یک نقاشی مشروط کودکان می تواند کانتور موقعیت نسبی اشیاء، نسبت ها، اندازه ها، عمق فضا را منتقل کند. چشم انداز خطی جدی تر است، دقت ریاضی اطلاعات نمایش داده شده را به ما تضمین می کند. مدل سازی سیاه و سفید فرم، ایجاد تصویر را کامل می کند و همچنین از علوم دقیق پیروی می کند.

نور بیشتری توسط سطحی که به سمتی که نور ساطع می کند چرخانده می شود. این ضربه با یک گلوله برفی مستقیماً روی پیشانی (ضربه از جلو - چراغ جلو) است. به محض اینکه کمی سر خود را بچرخانید و ضربه کشویی باشد، نه چندان کشنده و دردناک، انرژی آن ضعیف می شود. هر چه سطح بیشتر از نور دور شود، ضعیف تر روشن می شود (تاریک می شود). ما در مورد نورپردازی جلویی و کشویی یا مایل صحبت می کنیم. کوه های برفی روی یک سقف صاف را به یاد بیاورید و چگونه از سقف شیب دار سر می خورد.

هواپیما تغییر جهت می دهد و لبه ای را در امتداد خط شکست تشکیل می دهد و فوراً مقداری از نوری که روی آن می افتد را از دست می دهد. تغییر کلید به بیننده می گوید که این دو صفحه با یکدیگر زاویه دارند.

جالب است ببینید که چگونه شکل سیلوئت بر درک تفاوت در لحن تأثیر می گذارد.
در یک مربع و یک دایره، لبه را می توان با خط افق دور اشتباه گرفت.
در شبح مرکزی، به راحتی می توانیم یک بلوک سنگ را تشخیص دهیم.
نتیجه این است که لحن و کانتور با هم همکاری نزدیک دارند.

کنتراست لبه

اکنون باید به کنتراست لبه تن در امتداد خط لبه توجه ویژه ای داشته باشید. در عمل، این بدان معنی است که در امتداد خط تماس بین روشنایی و تاریکی، باید تاریکی را تاریک‌تر و نور را حتی روشن‌تر کنید. این کار بسیار ظریف انجام می شود.
مهم نیست که شکل جسم چقدر پیچیده باشد، برای تأکید بر کنتراست لبه، باید با زحمت تمام کوچکترین شکستگی های آن را طی کنید. تماشاگر نباید متوجه این اثر شود، همانطور که شما تا این لحظه متوجه مرزهای متضاد لحن نشدید.

در این تصویر از یک مکعب گچی، کنتراست لبه به عمد اغراق شده است تا شما را باور کند که وجود دارد.

اولین تکه مکعب با کلید عادی داده شده است،
لحن دوم اغراق آمیز است. کنتراست لبه به این صورت بهتر دیده می شود.

سایه خود

صفحه افقی یک لبه تشکیل داد و به سایه رفت.
اگر نور وجود دارد، سایه ای نیز وجود دارد که نه نور مستقیم و نه مایل می افتد (سایه خود ناشنوا).

رفلکس و سایه انداختن

و با این حال، ما با خرده های دنیا روبرو می شویم و جایی که به نظر می رسد جاده دستور داده شده است. این در مورد رفلکس است. سطح نه تنها نور را دریافت می کند، بلکه می تواند بخشی از نور را به اجسام اطراف بتاباند. آینه نور فرودی را تقریباً به طور کامل منعکس می کند، مانند راکت تنیس که توپ ها را دور می اندازد و مخمل سیاه تقریباً آن را کاملاً می بلعد. این نور منعکس شده است که به اصطلاح رفلکس را ایجاد می کند که اغلب در ناحیه سایه دار جسم می بینیم.

در اینجا، هواپیماهای روشن، صفحه در سایه (سایه خود) و سایه افت به خوبی نشان داده شده اند. این رفلکس به شدت در گوشه پایینی صورت سایه دار احساس می شود، زیرا نزدیک به صفحه پایه روشن است. رفلکس ها به بیننده کمک می کنند تا حجم طبیعت را حس کند.

ادراک بصری

اگر بینایی ما بخشی از مغز نبود از بسیاری از مشکلات جلوگیری می کردیم (شوخی).
هر چیزی که وارد میدان دید ما می شود را فیلتر می کند. او، به عنوان یک ویرایشگر دیجیتال گرافیکی، علاوه بر اراده ما به طور خودکار تصویر نوری شبکیه را "تصحیح" می کند. صرفه جویی در یک چیز، توانایی خاموش کردن خلبان خودکار، و تغییر به کنترل دستی (ودکا، مواد مخدر یا توانایی حرفه ای توسعه یافته).

از همه چیزهایی که در مورد این موضوع در ادبیات علمی خوانده می شود، من برای ما مفید است.
مردمک دائماً در نوسان است (ریز نوسانات)، ارزش تعمیر آن را دارد و تصویر ناپدید می شود.

تصویر روی شبکیه چشم توسط عدسی به صورت وارونه نمایش داده می شود و فقط مغز آن را مطابق با موقعیت بدن ما برمی گرداند. به محض اینکه فردی یک هفته در عینک هایی با تصویر معکوس رنج می برد (با کمک منشور همه چیز را وارونه می بینید)، بینایی شما به تدریج بازیابی می شود و همه چیز به طور طبیعی شروع به دیده شدن می کند. این عینک را بردارید و به همان میزان زمان برای توانبخشی (یک هفته) طول می کشد تا تصویر دوباره وارونه شود.
ما تمام خطوط مستقیم طبیعت را مستقیم می دانیم، اگرچه آنها در سطح کروی شبکیه منحنی هستند. مغز برخلاف میل ما، خطوطی را که در واقعیت مستقیم در نظر می گیرد، اصلاح می کند. به همین دلیل، همه توهمات نوری، مغز مداخله می کند و سعی می کند تجربه زندگی ما را با تصویر "زشت" روی شبکیه تطبیق دهد.

بدون آموزش خاص، رنگ واقعی اشیا را نمی بینیم. به نظر ما یک ماشین سبز رنگ محلی سبز است، اما در واقع در سایه های متعددی از رنگ منعکس شده محیط خود غرق شده است. به نظر ما تمام صفحه مکعب به طور مساوی روشن می شود، اما در واقع تفاوت های ظریف نور زیادی روی آن وجود دارد. ما باید به مغز خود بیاموزیم که آنچه را که در طبیعت است ببیند، نه آنچه را که به نظر می رسد (دست کشیدن از کلیشه های تفکر). در غیر این صورت، به اصلاحات خود در چشم انداز ما ادامه خواهد داد.

درجه بندی تن بر روی سطح صاف

مکعب در نور روز پراکنده نور.

تنظیمات تمرین با نورافکن از فاصله نسبتا نزدیک روشن می شود. با دور شدن اجسام از زیره، روشنایی آنها ضعیف می شود (این نور خورشید برای شما نیست). تضعیف چنین نورپردازی را می توان به راحتی روی سطح میز با یک طبیعت بی جان ردیابی کرد. نزدیک‌ترین قسمت میز به نور روشن‌تر است و قسمت دورتر از نور تاریک‌تر است.

در هواپیماهای کوچک، به عنوان مثال، در لبه یک مکعب، ردیابی این امر دشوارتر است. برای واضح تر کردن درجه بندی نور در هواپیما، کنتراست تصویر را افزایش می دهیم.

یک اشتباه معمولی مبتدیان، در مناطق سایه دار اشیا، همیشه مکان هایی وجود دارد که از نظر سبکی با سطوح روشن قابل مقایسه هستند. این باعث سردرگمی می شود، وحدت رنگی تصویر شکسته می شود، رفلکس ها با لامپ می درخشند و سایه را می شکنند. باید یک قسمت نورانی از جسم و یک قسمت سایه وجود داشته باشد، در غیر این صورت از نقاط تاریک و روشن یک وینگرت می گیریم. تکرار می کنم، روشن ترین رفلکس در سایه باید تیره تر از قسمت نورانی جسم باشد (اشیاء صیقلی و آینه شده به حساب نمی آیند).

محدودیت های مقیاس تن

قبل از شروع طراحی، روشن ترین و تاریک ترین مکان در طبیعت را پیدا کنید (به عنوان مثال، برجسته شدن یک شی و سوراخ در یک ظرف). در نقاشی شما، این مکان ها نیز باید روشن ترین و تاریک ترین باشند. هر چیز دیگری باید در این مقیاس باشد.

به منظور آسان‌تر کردن تعیین سبک‌ترین مناطق طبیعت، هنرمندان دوست دارند به شدت چشمک بزنند. بخش روشن روشن در پس زمینه مکان های سایه دار در طبیعت قابل مشاهده است.

محدوده تن

مکعب ارائه شده از موقعیت های مختلف دارای تفاوت هایی در محدوده تونال است. تاریک ترین جایی که آنها دارند بسیار متفاوت است. در مکعب اول، تاریکی نهایی بسیار روشن تر از تاریکی نهایی مکعب دوم است. بنابراین به اندازه دومی شاداب و رسا نیست. و در اینجا هیچ اشتباهی وجود ندارد، به سادگی، تونالیته کلی طبیعت از این موقعیت سبک تر است، قسمت سایه ای از جسم ندارد.

انتخاب لحن کلی تصویر

درست است که لحن را با قدرت کامل در نظر بگیرید تخته سنگ تمیزکاغذ، و بنابراین، بلافاصله، دانش آموز نمی تواند، نقاشی آموزشی به تدریج چگالی مطلوب لحن عمومی را به دست می آورد. علاوه بر این، باید درک کرد که انتخاب یک تناژ کلی می تواند خلاقانه باشد. حتی در نقاشی آموزشی نیز محدودیت و قوانین سختگیرانه ای در این مورد وجود ندارد.

تعدادی عکس از مکعب در تناژهای مختلف ارائه شده است.
سعی کنید لحن مناسبی را برای نقاشی خود انتخاب کنید.
هر یک از گزینه ها حق وجود دارد، اما در این مورد مفیدتر است که گزینه ها را به عنوان مراحل ترسیم در نظر بگیریم، به عنوان دنباله ای از افزایش تراکم شرح کیاروسکورو مکعب.

روابط لحن (بخش بسیار مهم)
در فرآیند طراحی، باید قدرت تن اعمال شده توسط مداد را کنترل کنید، که می تواند روشن تر یا تیره تر باشد. طراحان بی تجربه به حساسیت چشمان خود متکی هستند.معمولاً اینگونه پیش می رود. جایی از نقاشی سایه می اندازد، سپس ناحیه همسایه کمی روشن تر یا تیره تر از قسمت قبلی سایه می اندازد، آنها به طبیعت نگاه می کنند و غیره. وقتی نقاشی با مداد به طور کامل "چیهک" می شود، ناامیدی ایجاد می شود. . کیاروسکورو در خاکستری کسل کننده اش به طرز ناامیدکننده ای یکنواخت است.
دوست دارم دوباره این پاراگراف را بخوانید و به این جمله توجه کنید: "بعضی از قسمت های نقاشی سایه دار است، سپس ناحیه همسایه کمی روشن تر یا تیره تر از قسمت قبلی سایه می زند." این اشتباه را به خاطر بسپار منطقه تحت درمان نه تنها با منطقه همسایه نقاشی، بلکه با مناطق دورتر نیز مقایسه می شود.
معلم به سمت شما می آید و با دلسوزی می پرسد - با تو چیست، رومن باتکوویچ، این مکان (و انگشت خود را به نقاشی می کشد) از آنچه در پس زمینه است روشن تر است؟ آیا تفاوت لحن آنها را می بینید؟ وقتی کار می کردی به کجا نگاه می کردی؟

و چه کسی می داند به کجا نگاه کردم، اینجا را کمی تاریک تر کردم، آنجا را کمی روشن تر کردم. چرا باید قدرت لحن را با زاویه مخالف مقایسه کنم.

فکر می کنم اگر به این متن تسلط داشته باشید، متوجه می شوید که هر لحن اعمال شده از نظر قدرت با تمام قسمت های نقاشی مقایسه می شود. در طبیعت همیشه جاهایی وجود دارند که از نظر سبکی یکسان هستند، در نقاشی نیز باید یکسان باشند! ما به دنبال تفاوت در لحن های نامتناسب و میزان این تفاوت ها هستیم.

نقاشی را با کاغذ سفید با سوراخ هایی که در آن مکان هایی که با یکدیگر مقایسه کردیم، می بندیم. در شکل ایزوله، لحن متفاوت درک می شود، مقایسه روابط تونی بسیار آسان تر است. اما، این فقط یک توضیح است، در فرآیند طراحی، ما سوراخ هایی روی کاغذ ایجاد نمی کنیم.
تونالیته دایره ها نشان می دهد که نیازی به ترس از مداد نیست ، لحن نهایی کاملاً متراکم است و می توانید با خیال راحت "چیک" کنید ، به خصوص در مکان های سایه.

ما تکرار میکنیم.

ما مقایسه می کنیم که کدام یک از دو مکان در نظر گرفته شده از طبیعت تاریک تر و کدام روشن تر است و این تفاوت را در شکل نشان می دهیم. تفاوت در لحن می تواند ظریف باشد و پس از آن اشتباه در تعریف آن دشوار نیست. بهتر است شروع به مقایسه مناطقی از طبیعت کنید که به وضوح با لحن بیان می شوند. حس لحن را باید در خود پرورش داد، درست مانند حس رنگ در نقاشی.

سطوحی که دارای تغییر رنگ ظریف هستند با چشمی بی تجربه به سختی قابل درک هستند. دانش آموز به سختی تفاوت صداهای مناطق همسایه را درک می کند و اغلب به وجود آنها اعتقاد ندارد.
بیایید یک درجه بندی مصنوعی پله ای از تن را معرفی کنیم و تراکم کیاروسکورو را افزایش دهیم. همانطور که می بینید، تفاوت در لحن بارزتر است. به این فکر کنید که مقایسه کردن با چه چیزی برای انتقال تفاوت ها یا شباهت ها روی کاغذ مفید است؟

پس در مورد چی بود؟ در مورد قوانین توزیع نور بر روی اجسام و در مورد درک ما از این نور. چرا ما به اون احتیاج داریم؟ برای تسلط بر مدل‌سازی تمام سایه‌ای یک نقاشی و درک این موضوع که تنها با شهود پیش نمی‌روید، باید یاد بگیرید آنچه را که به آن نگاه می‌کنید ببینید و فریب توهمات را نخورید.

|

با دایره شروع شد...

یک "مشاوره" خصوصی باز کرد
چه لعنتی شوخی نیست، چه می شود اگر این آخرین مورد نباشد و مردم به "نمایش" ما با هنردوستان علاقه مند شوند؟

اولین شی ساده ای را که به آن برخورد کرد روی مبل گذاشتم.
مداد HB. لوستر نور مصنوعی. برگه آلبوم.

با یک دایره شروع شد. بعد دیدم که توپ از تودوزی سبکتر است. :)))
و اثاثه یا لوازم داخلی طرح دار. به طور کلی، من شروع به اشتباه گرفتن با سایه ها کردم. خوب، این چیزی است که اتفاق افتاده است.

- نقاشی زیبا، شاید فکر کنید قبلا با صفحه آخر من که بعد از این نظر منتشر شد آشنا شده اید.
شما در استودیو پذیرفته شده اید و رایگان است. 🙂
بیایید در مورد نقاشی شما صحبت کنیم.
به نظر من می‌توانید با وضوح بیشتری سبک‌ترین را برجسته کنید (چشمک برای آشکار کردن این مکان)، و بقیه را کم‌نور کنید. همین امر در مورد تاریک ترین موردی که ندارید نیز صدق می کند. سپس از شر خاکستری معمولی خلاص خواهید شد (می توان آن را یک تن نقره ای زیبا نیز نامید).
متشکرم.

- از نظر محبت آمیزتان سپاس گذارم.
با تشکر از استودیوی رایگان. تمام اصلاحات پذیرفته شد فکر می کنم مداد نرم تری بردارم.
و من مشتاقانه منتظر ادامه کار هستم. اگر برای شما معنایی دارد ...

- و چه چیزی انتظار می رود، آن را در حال حاضر در دفتر خاطرات!

من مداد HB را برای کشیدن قالب های گچی و برای طرح هایی از طبیعت پیشنهاد کردم 3M مصرف کنید.
نورپردازی لوستر برای آن بهترین نیست جلسات آموزشی، نور نقطه ای (یک لامپ) مفیدتر است که مرزهای سایه ها را لکه دار نمی کند.
پس زمینه دشوارتر است، می توان آن را به عنوان یک لحن صاف و خنثی انتخاب کرد (موضوع با وضوح بیشتری درک می شود) یا می تواند تصادفی باشد، زمانی که برای شما مهم است که یک فضای خاص را منتقل کنید، آهنگ های خاص روح.

برای اینکه درک سخنان من در مورد روشن ترین و بیشتر را برای شما آسانتر کنم لحن تیره، پیشنهاد می کنم نسخه دیجیتالی نقاشی شما را ببینم.
امیدوارم شما نه تنها متوجه تغییر در لحن کلی، که متراکم تر شده است، شوید، بلکه متوجه نرم شدن خطوط توپ و حروف آن در نور خواهید شد. به هر حال، حروف باید بیشتر از نظر عرض در لبه توپ کوچک شوند. سایه‌ی خود توپ به‌طور مشخص‌تری ظاهر شد، که در داخل آن مکان‌های درخشان را خاموش کردم. تلاش زیادی برای حذف پس‌زمینه انجام شد که در بسیاری از جاها با قسمت روشن توپ بحث می‌شد (به همان اندازه سبک بودند).

در نهایت، من نقاشی شما را به صلاحدید خودم برش دادم تا اهمیت ارائه درست کار را به بیننده نشان دهید. این بدان معنا نیست که دفعه بعد که نقاشی های برش خورده را به من نشان می دهید، نه، همه چیز را زنده بفرستید.

تشکر از شما برای اعتماد شما.

|

طرح هایی از طبیعت

واضح است که اسکیس ها از نظر شکل و اجرا چیزی لحظه ای و سبک هستند، اما از یک طرح شروع به ترسیم یک طرح بلند مدت می کنیم. محیط آموزشی. و اغلب اتفاق می افتد که یک طرح زودگذر به خوبی اجرا شده حیف است که به حال خود رها شود و به یک طرح جدی از طبیعت تبدیل شود.

هدف این صفحه آموزشی است. اولا، من می خواهم موضوعات احتمالی زندگی را برای نقاشی به شما بگویم، شما نمی توانید سیب ها و گلدان های بی پایان بکشید، و ثانیا، باید توجه خود را به این موارد جلب کنید. مواد جالبمانند زغال چوب، جوهر با قلم و قلم مو، یک مداد ساده گاهی اوقات می تواند استراحت کند. و با این حال، اصلی‌ترین چیزی که می‌خواهم در مورد آن با شما صحبت کنم (خدا را شکر، اکنون کسی را دارم که با او صحبت کنم) تکنیک هچینگ و تکنیک طراحی خود نقاشی است. من حتی نمی‌خواهم در مورد آن بی‌حوصله حرف بزنم، هیچ چیز مفیدتر از دیدن تجربه جالب کسی نیست (البته تجربه من). می‌دانم که بسیاری از تماس‌های نامفهوم برای انجام ندادن روتوش خسته شده‌اند، قلم را با انگشتان خود آغشته می‌کنند، مدام یکی را با دیگری مقایسه می‌کنند، به‌خاطر غرور خود، نقاشی را با کپی مخفیانه عکس‌ها جایگزین نمی‌کنند. اما دیگر چگونه می توان تازه وارد را از زمین خارج کرد؟!

عمارت در براتسوو.
فرمت آلبوم مداد.
من می خواهم توصیه کنم - برگ ها را روی شاخه ها نکشید، اما بهتر است سکوت کنید

جوهر، قلم لوله ای.
روکوتوف در این خانه زندگی می کرد!

طرح کوچکی از ایستگاه رودخانه شمالی.

به نظر من تکنیک طراحی در اینجا کاملاً واضح است.
این ترسیم خطوط و سپس پر کردن آن با کیاروسکورو نیست. مداد فوراً با سکته مغزی لکه‌هایی ایجاد می‌کند که به تدریج با لکه‌های کوچک‌تر اصلاح می‌شوند. فرم از رنگ های مبهم تصویر ظاهر می شود و فقط در مرحله آخر چندین جزئیات یا خطوط را اعمال می کنیم که برای درک شی مهم هستند.

من دو نقاشی از یک شی را برای مقایسه نشان می دهم. نقاشی اول عروسک با جزئیات کامل تر به نظر می رسد، اما دومی زنده تر به نظر می رسد، بافت خط آن نفس می کشد. تکه های آبرنگی که با پر کردن انبوهی از لکه ها ساخته شده اند را به خاطر بسپارید. این غیرقابل کنترل بودن لایه رنگ، بداهه نوازی آن است که منحصر به فرد بودن (به معنای واقعی کلمه) هر آبرنگ را ایجاد می کند. در تصویر هم همینطور است. اگر سعی کنید مانند تکنسین هایی که پروژه خط لوله را با کیاروسکورو تمیز به تصویر می کشند نقاشی کنید، یک تکنسین خواهید شد. در واقع ترسیم اول به همان شکل دومی شروع شد، فقط درجه کامل بودن برای آنها متفاوت است.

فکر می کنم هدف این طرح های مینیاتوری را متوجه شده اید. بله، من می‌توانم به آرامی و با جزئیات طراحی کنم، اما «تقریباً» نقاشی می‌کشم، زیرا عاشق طراحی خلاقانه پرانرژی و به دور از کپی‌برداری دانش‌آموز از طبیعت هستم. من به شما اطمینان می دهم که در طراحی آموزشی معقول مسلط باشید، در آینده قادر خواهید بود در هر تکنیکی کار کنید.

شما به وضوح می توانید تفاوت در هاشور شدن نقاشی های بالایی، تفاوت در مقیاس، در تراشیدن مداد را ببینید. یک چیز مشترک وجود دارد، درجه جزئیات فرم در همه جا حداقل است.

من این طرح پرتره سریع یک دانش آموز را دوست دارم، او ژست نمی گیرد، او پشت سه پایه ایستاده و کار می کند. صورت یخ زده نیست، زنده است. مجدداً یادآوری می‌کنم، از روی کانتور کار نکنید، شکل را با تن مجسمه‌سازی کنید، در صورت لزوم در انتهای کار به سمت خطوط حرکت کنید.

یک سری طرح با جوهر و یک قلم موی صاف. در نگاه اول، این تکنیک دست و پا چلفتی است، با کار خوب سازگار نیست، اما این جذابیت آن است. این به نقاشی ها جلوه تزئینی و اصالت خاصی می بخشد. توجه می کنم که فرمت ورق بزرگتر از اندازه کاغذ واتمن است و عرض قلم مو 2-3 سانتی متر است.

علیا روی صندلی است. زیبایی جوان با فیگور یک مدل برتر. او با نگاهی هنرمندانه به نقاشی گفت: "اوه، من خیلی بی شرم هستم!
ورقه واتمن و زغال.

جوهر، قلم لوله ای.

به نظر می رسد که او نقاشی های زیادی را وارد کرده است، اما نمی شود همه چیز را گفت. در واقع، تکنیک طراحی و طراحی بسیار زیاد است. هر آنچه را که به تصویر می‌کشید، فردی خواهد بود و قابل تکرار نیست (امیدوارم).

من می دانم که بسیاری از طراحان مبتدی وجود دارند که به دنبال تقلید دیجیتالی مهارت های طراحی با کپی کردن عکس ها هستند. گول نخورید، غرور شما هر جرقه استعدادی را که داشته باشید می کشد. از زندگی ترسیم کنید، طرح ها، طرح ها، مطالعات طولانی را بسازید. بد خواهد بود، اما صادقانه بگویم، و مهمتر از همه، به مرور زمان خوب خواهد شد.

او حتی مرا به خوابگاه خود دعوت کرد (او در سال 1905 از مدرسه بود).

اولین نقاشی خانگی من بعد از ورود به استودیو.
من قبلاً می دانستم که چگونه ساختار یک نقاشی و تمام سایه آن را بررسی کنم، می دانستم روشن ترین و تاریک ترین مکان در یک نقاشی چیست. من یاد گرفتم که با روابط کار کنم، یاد گرفتم که فضای فضایی همه هوا را منتقل کنم.
شايد درخشش و تكنيك هيجان انگيز وجود نداشته باشد، اما تجربه لازم براي نشان دادن چنين حركتي وجود ندارد.

در آن زمان من در میان دانش آموزان بزرگتر بودم، در میان گفتگوهای فلسفی در راهروها در مورد اینکه چگونه یک هنرمند توانست از انگشت شست پا نشسته یک نقاشی را شروع کند و تمام شکل را روی همان انگشت پا تمام کند. و آنچه شگفت انگیز است این است که این شکل دقیقاً در قالب کاغذ قرار می گیرد و کاملاً دقیق ساخته شده است (سپس داستان های بچه های حیاط را در مورد چنان نیروی تأثیر یک بازیکن فوتبال به یاد آوردم که تیر دروازه از توپ به نصف شکسته شد) . سپس صحبت های بی پایانی در مورد انتقال احساس گچ در نقاشی انجام شد، به طوری که مانند یک درخت به نظر نرسد. گچ در این نقاشی احساس می شود، نه در آن نقاشی، که آدم می داند چگونه بکشد، اما آن شخص نمی داند ...

سپس ناگهان مارک ظاهر شد. پس از کشیدن سیگار، او با قاطعیت وارد گفتگو شد و خاطره ای دیگر ما را متاثر کرد. امروز او با صدایی خشن در مورد لاکتیونوف صحبت کرد که اتود را با روغن ها شروع کرد و رنگ و هوا را خوب درک کرد، خوب، او به طرز شگفت انگیزی درک کرد، و اینکه چگونه با یک قلم موی کوچک شروع به خودارضایی کرد و با جزئیات به همان اندازه از دور و نزدیک کار کرد. همه ما می خواستیم تف کنیم. در این لحظه آب دهانش را به پهلوی خود خشک کرد، سپس به آرامی راست شد و سرش را مانند خروس به یک طرف خم کرد تا شنوندگان را با چشمان نابینا ببیند. بدون انتظار برای درک لازم، در یک ثانیه، در نهایت، او عبارت نهایی را شلیک کرد - و همه کار به پایان رسید! اینجا فوراً به سمت من خم شد، انگار بچه مهدکودکی بود، تا از طریق عینک وارد سرم شود. صادقانه بگویم، من معنای کلمه "خودارضایی" را به خوبی درک نکردم و با این حال نوعی لحن تحقیرآمیز راوی را نسبت به عاشق جزئیات غیر ضروری در نقاشی گرفتم.

وسط کلاس، دختری وارد شد. یادم نیست چه کسی نماینده او بود و ظاهرش را توضیح داد، فقط بعداً از روی تکه‌هایی از عبارات گفتگوهای راهرو فهمیدم که او دانشجو بود، بیمار بود، کلاس را از دست داد، آمد تا یک تکه از حاشیه معماری بکشد. با یونیک (بدهی نهادی). دسیسه این نبود که او با رنگ پریدگی یک راهبه ساکت و کم معاشرت بود، بلکه این بود که او دانش آموز و دختر فلان هنرمند بود! سرم می چرخید، اگر پسر هنرمند بودم مثل خدا می کشیدم. باشه ببینیم چی میشه

سه ساعت بعد معلوم شد که نه مثل یک خدا، بلکه مثل یک الهه نقاشی می‌کشد! برای اولین بار دیدم که نه خطوط، بلکه حجم ها را ترسیم می کنم. حجم زیاد با نوار تن تعمیم یافته نشان داده شد. به تدریج به حجم های کوچکتر و کوچکتر تقسیم شد. و این موزاییک کریستالی وروبل نبود، او با ضربات گسترده دستش کار می کرد، نه یک کانتور، بلکه گروه هایی از خطوط موازی طولانی که مانند لعاب نقره روی لایه های پایینی قرار می گرفتند. مانند گستاخ ترین، دماغم را به کاغذ می چسبانم - هرج و مرج را از گروه هایی از خطوط مستقیم می بینم که با هم شلوغ شده اند یا در وسعت پراکنده شده اند. دور می شوم، گچ بری آغشته به نور را می بینم!

تعداد کمی از مردم جرأت کردند در مورد کار دختر بحث کنند، تنها چیزی که می توانستم بشنوم صدای غش چسبناک یک قلعه زنگ زده بود، - بله. چیزی در مورد آن وجود دارد. همونطور که اون موقع میخواستم همینجوری بی صدا اینجا ظاهر بشم بینی همه رو پاک کن و همینطور بی صدا برو.

در نقاشی من، همه چیز سر جای خود بود، همه چیز با دقت در کلید درست کشیده شده بود، هیچ اشتباهی وجود نداشت. چرا ناگهان احساس کردم یک احمق فریب خورده هستم. او طوری نقاشی می‌کشید که گویی شکل دلخواه را از یک تکه خاک رس می‌کشید: به دست آوردن جرم مورد نظر، سیلی زدن به قطعه با یک کفگیر چوبی تخت از همه طرف، و نزدیک‌تر کردن شکل به طبیعت. بدون بینی، بدون گوش، بدون تار مو، و خالی به راحتی قابل تشخیص است. هرگز به ذهنش خطور نمی کند که مدلینگ را از نوک بینی خود شروع کند و گونه ها، چشم ها، گوش ها را به آن اضافه کند. بله، من خودم حماقت این روش را درک می کنم. چرا بر اساس جزئیات ترسیم می کنیم؟ بله، ما می خواهیم از آن استفاده کنیم شکل بزرگ، اما نمی دانستیم چگونه آن را ایجاد کنیم کاغذ مسطح، زیرا ما هیچ تجربه ای در مورد طراحی با دید نداشتیم.

اثری از بی احتیاطی سبک باقی نماند. شروع کردم به خفه شدن در میان اهمیت خالی از دلتنگی های خود راضی. اگر از من بزرگتر هستند به این معنا نیست که حقیقت را می دانند. ما اینطوری یاد نمی گیریم، و من احساس کردم فریب خوردم، شروع به از دست دادن زمین کردم. معلمان کار خود را انجام دادند، به اشتباهات در ساخت فرم، در chiaroscuro اشاره کردند. آنها کارهای زیادی انجام دادند. چرا هیچکدام از آنها دست برنمی‌داشتند تا غرور جاهلان را به زمین بزنند؟ و من شروع به یادآوری جزئیات کوچکی کردم که قبلاً به آنها اهمیت نمی دادم.

در اینجا هنرمند از یک دانش آموز از جای خود خارج می شود، با مشتی دراز به کانون توجه می دود و صدایی پرشور توجه را می طلبد. چرا فهمیدنش برای شما سخت است؟ در اینجا، ببینید که چگونه مرز سایه در سراسر دست گره کرده به یک مشت می گذرد. در اینجا، اینجا شروع می شود، سپس انگشتان دست پایین می رود و به همین ترتیب در سراسر شکل مشت. آیا می توانید ببینید که این مرز تاریک تر از خود سایه با بازتاب است؟ چرا سایه شما مدام پاره می شود، چرا مرز کیاروسکورو را برجسته نمی کنید و همه چیز را به آشفتگی تبدیل می کنید؟

هنرمند دیگری جایگزین او می شود. تاج خوش اخلاق با هیکل چاق تاراس بولبا با انزجار به هنر ما نگاه می‌کند و با آزار می‌گوید. فعلاً آن مازولکاهای خود را فشار دهید و بلندتر - همه یک تکه کاغذ دیواری را با طرف تمیز به سه پایه ها می بندند و زغال را می گیرند! ما با یک تکه زغال سنگ می کشیم، اما نه با نوک آن، بلکه صاف، مانند ضربه های یک قلم مو صاف. کار ساده است، نور و سایه! بدون آشفتگی، تعمیم فرم، ساخت و ساز در نسبت های دقیق. زمان، 15 دقیقه و تغییر موقعیت.

و چه فکر می کنید - نتیجه صفر است. و سپس روی صندلی جیرجیر من می نشیند و با تمام پنجه عظیمش زغال سنگ را روی کاغذ می مالد! یه چیزی اذیتم کرد من نگاه می کنم که چگونه او با پارچه ای به کاغذ می زند - گرد و غبار زغال سنگ فرو می ریزد. از سیاهی سابق فقط یک نقطه ابری بدون شکل باقی مانده است. از یکی از همسایه ها نق خواست و به شیوه ای کاسبکارانه، مانند خانه، شروع به برداشتن زغال سنگ با آن در روشن ترین مکان های فرم کرد. چیزی میفهمی، سر کل سالن داد زد، از آنها خواستم نور و سایه به من بدهند و دیگر هیچ. و علاوه بر این، در حال حاضر با صدای دوستانه، - اینجا هیچ پوزه ای نیست. اینجا را نگاه کنید، حالا چند لهجه با زغال در مرز نور و سایه... او لهجه ها را نه با حرکات عرضی ذغال، بلکه با حرکات کسری ایجاد کرد که از آن ضربات باریک و دقیق بود.
- تغییر مکان! سریع، سریع و کار کنید!
هیچ کس کار نمی کند، همه با عجله به سمت سهیل من می روند. -خب چطور؟ - و شیطان می داند که چگونه این کار را انجام می دهد، در عرض پنج دقیقه کاری کرد که من هرگز انجام نمی دهم.

دو قسمت. آنها به شیوایی از این واقعیت صحبت می کنند که معلمان نگران سبک جوجه کشی یا تکنیک طراحی ما نیستند. آنها نگران انتقال دانش بنیادی به ما هستند که بدون آن، تکنیک های بیرونی تنها به صورت زینتی باقی خواهند ماند.

ارتفاع یک جسم دو برابر عرض آن است.

هنرمند به نقاشی دانش آموز نگاه می کند و به او می گوید که نسبت ارتفاع شکل به عرض آن را بررسی کنید، به نظر من در نسبت ها اشتباه کرده اید. چگونه این کلمات را بفهمیم؟

اینجا مکعبی است که می کشیم.

دست خود را با مداد به سمت جلو دراز کنید تا حد ممکن،
ارتفاع مکعبی که باید کشیده شود را با انگشت مشخص می کنیم.

بدون حرکت دادن انگشت علامت روی دست دراز شده، مداد را به صورت افقی می چرخانیم و آن را با عرض مکعب در حال کشیده تراز می کنیم. ما به صورت بصری روی یک مداد به یاد می آوریم که عرض چقدر با ارتفاع متفاوت است (کمی کوتاهتر از بخش مداد).

ما همان اندازه گیری ها را تکرار می کنیم، اما قبلاً در شکل هایی با نسبت های اشتباه.

به وضوح مشاهده می شود که در اولین جفت طراحی، مکعب به وضوح باریک تر است، در حالی که در دوم بسیار گسترده تر از بخش مداد است.

در اینجا یک نقاشی (البته عکس) با نسبت های دقیق است.

به محض اینکه دانش آموزان در مورد این روش بررسی یک نقاشی یاد می گیرند، نقاشی را متوقف می کنند و اندازه گیری های بی پایان انجام می دهند. دقت واقعی چنین اندازه گیری هایی بسیار کم است، اما نکات مثبتی نیز وجود دارد. دانش آموزان شروع به درک بهتر معنای اصطلاح "روابط طرفین" می کنند.

در مورد خود کنترلی
(برای کسانی که تازه شروع به یادگیری نقاشی از زندگی کرده اند)

با استفاده از یک مداد، می توانید موقعیت نسبی قطعات را بررسی کنید، زوایای شیب خطوط مستقیم و موارد دیگر را مشخص کنید. متذکر می شوم که تمام موارد فوق به آن دوره آموزشی اشاره دارد که چشم هنوز به درست دیدن طبیعت عادت نکرده است و اشتباهات در نقاشی آموزشی یکی بر روی دیگری قرار می گیرد. روزانه طرح های سریعاز طبیعت به طور کامل چشم و بینش فضایی هنرمند را توسعه می دهد. خیلی زود می‌توانید کنترل‌های مکانیکی را فراموش کنید و بدون اشتباه نقشه بکشید. فعلا…

دست خود را با یک مداد دراز کنید و آن را به صورت عمودی قرار دهید و آن را با گوشه مکعب تراز کنید (با یک چشم نگاه کنید). حالا نگاه کنید که شبح سر چقدر از مداد عمودی فاصله دارد. در طبیعت، جابجایی سر به سمت چپ مداد به وضوح قابل مشاهده است و در شکل لبه سر با گوشه مکعب عمودی یکسان است. خطا به موقع پیدا شد، هنوز در آن مرحله از ترسیم، زمانی که توده های اصلی فرم در حال اصلاح هستند و موضوع به جزئیات نرسیده است.
شما محدود به بررسی دو نقطه نخواهید بود، علاوه بر این، اگر اصل بررسی افقی و عمودی را درک کنید، اصلاً لازم نیست مداد را دستکاری کنید. ما یک جزئیات از طبیعت را در نظر می گیریم و می بینیم که چه چیزی بسیار پایین تر از این جزئیات است. اگر در تصویر زیر قسمت انتخاب شده چیز دیگری وجود دارد، شما با خطا مواجه هستید.

همه روش های تأیید بر اساس مقایسه ساده دو نقطه دور است. لازم است در نقاشی موقعیت نسبی آنها دقیقاً مطابق با طبیعت بیان شود. ما دائماً آنچه را که بالاتر و پایین تر است، آنچه در سمت راست است و آنچه در سمت چپ است، مقایسه می کنیم. این ترفند عالی نیست، اما به دلایلی به همه نمی رسد.

مداد را نه به صورت عمودی، بلکه در امتداد شیب لبه مکعب نگه دارید. سعی کنید، بدون تغییر شیب، آن را به سمت مقابل حرکت دهید. به این ترتیب می توانید تفاوت را در جهت لبه ها بهتر ببینید و با دقت بیشتری در نقاشی انتقال دهید. به طور مداوم به دنبال تفاوت در جهت ها باشید. خط راست در جهت با سمت چپ چه تفاوتی دارد، خط جمجمه چه تفاوتی با خط جلو در جهت دارد؟ این خودکنترلی در نقاشی است.

مداد را به صورت افقی در گوشه مکعب نزدیک به خود نگه دارید. سعی کنید زاویه بین لبه عقب‌نشینی پایه و افقی را به خاطر بسپارید، متوجه شوید که چقدر با 45 درجه تفاوت دارد. بنابراین، ما سعی می کنیم دقت جهت لبه را در شکل بررسی کنیم. از روی عادت، ترسیم شیب صورت به درستی بسیار دشوار است و راهنمایی به شکل مداد افقی یا عمودی می تواند بسیار مفید باشد. "گرفتن" زوایای دقیق برای بار اول هنر بزرگی است، به کسانی می رسد که طرح های زیادی از طبیعت می سازند.

در حین اجرای یک طراحی طولانی، نویسنده آن مجبور است عملیات زیادی با مطالب و اهداف مختلف انجام دهد. بین شما و طبیعت یک ارتباط نامرئی وجود دارد که ایجاد آن توسط همه طرف های فرآیند تصویر ایجاد می شود.

هنگام به تصویر کشیدن یک شی سه بعدی بر روی یک صفحه کاغذی، باید شکل، نسبت های آن، موقعیت جسم در فضا، طراحی، انتقال نور (نسبت های کیاروسکورو)، به طرز ماهرانه ای جزئیات نقاشی را مشخص کنید و آن را تعمیم دهید. وقتی کار تمام شد، آن را کامل ببینید.

بیایید با روش های ترسیم آشنا شویم. دو راه اصلی برای ترسیم وجود دارد - از زندگی و از بازنمایی.

چه چیزی به طراح این امکان را می دهد که از طبیعت کار کند؟

کلمه "nature" در لاتین به معنای "طبیعت" است. واقعیت". هر شیئی واقعاً وجود دارد و بنابراین شکل و محتوای خاص خود را دارد. هنگام ترسیم از طبیعت هر شی، به شما این فرصت داده می شود که به طور جدی و عمیق اصول ساخت یک فرم سه بعدی در یک صفحه را که اساس تصویر است، درک کنید.

هر فردی در زندگی خود دریافت می کند مقدار زیادیطیف گسترده ای از برداشت ها از ملاقات با افراد دیگر، و همچنین با اشیاء، فرم ها، پدیده ها و غیره. در همه جا باید دید و غالباً برای مدت طولانی ویژگی های مشخصه، نشانه های اشیا و پدیده ها را به خاطر بسپارید. هنرمندی که به حکم او حرفه خلاقبه سادگی باید مراقب باشید، با هوشیاری به ویژگی ها و فرم های روشن توجه کنید، شما باید همیشه در زرادخانه هنری خود توانایی ثابتی برای درک عمدی، سیستماتیک و هدفمند تصاویر پیچیده، چند وجهی، معنادار از افراد، اشیاء و پدیده ها داشته باشید. علائم بیرونی اغلب یک ایده بسیار رسا دارند - ایده امکان. این هنرمند توانایی دیدن نشانه ها و استفاده از آنها را برای مطالعه، دانش و درک در آثار خود تأیید می کند.

باید یاد بگیرید که بفهمید چه ویژگی هایی از طبیعت برای درک آن مهم است و این را در نقاشی با بیشترین دقت و کامل نشان دهید.

بنابراین، ما از قبل می دانیم که ترسیم از زندگی یک اقدام آگاهانه، معنادار و علاقه مند طراح است. چنین کاری، البته، نمی تواند کمک کند، بلکه به توانایی کشیدن "از خود" کمک می کند. از این گذشته، ترسیم معنادار از زندگی به طراح کمک می کند تا توانایی خود را برای تفکر فضایی و توانایی ساختن توسعه دهد و در نتیجه خوب است که به شکل اشیاء مختلف شبیه باشد و همچنین بتواند به صورت ترکیبی ببیند - همه چیز. از موارد فوق بر کار در نمایندگی تأثیر می گذارد.

طراحی بر اساس نمایش بدون طبیعت انجام می شود. می توان چیزی را فقط بر اساس تصویری که یک بار در ذهن شکل گرفت تصور کرد و بازآفرینی آن در یک نقاشی را می توان از حافظه، از تخیل، از توصیف به تصویر کشید.

البته، تصاویر بازنمایی ها به طور قابل توجهی پایین تر از تصاویر ادراک هستند. انضمام و کمال مشخصه طبیعت است که آن هم در شرایط نورانی و محیط. تصاویر بازنمایی ها کاملاً به این بستگی دارد که نقشه نویس چقدر حافظه بصری خود را توسعه داده است. البته افراد کمی هستند که حافظه مجازی ذاتی (ایدتیسم) داشته باشند، اما فردی که توانایی به خاطر سپردن تصویر بصری یک شی را نداشته باشد، بعید است که بتواند به صورت مجازی فکر کند.

می توان این سؤال را مطرح کرد - اگر در هر مرحله ادعا می شود که فقط ترسیم آگاهانه، معنادار و حتی خلاقانه از طبیعت، انسان را هنرمند می کند، چرا باید بر اساس ایده طراحی کرد؟ طبیعتاً کسی که به طور مقدس از سه گانه معروف پیروی می کند هنرمند می شود: یک شی - یک تصویر بصری - یک تصویر هنری.

در حالی که از طبیعت ترسیم می کنیم، مدام به شیئی که به تصویر می کشیم نگاه می کنیم. و کلمه "تصویر" از "از تصویر آمده" آمده است. برای نقشه کشی که یاد می گیرد فقط از زندگی نقاشی بکشد، تصویر سوژه بسیار ناپایدار است. این بی ثباتی تقریباً در هر ثانیه تجدید نگاه به شیئی که کشیده می شود ایجاد می شود. و اگر فطرت در برابر چنین شخصی پوشیده شود، سرگردان می شود، زیرا نمی تواند به کار خود ادامه دهد. در نتیجه، تصویر یک شی در نقاشی بدون "حمایت" ثابت از طبیعت تنها در صورتی امکان پذیر است که تصویر بصری پایدار باشد، یعنی. توانایی حافظه برای حفظ آن برای مدت زمان مورد نیاز.

معلوم می‌شود که حتی هنگام ترسیم از طبیعت، می‌توانیم در عین حال برخی از عناصر ترسیم را از حافظه و بنابراین از بازنمایی اجازه دهیم. ما خود شیء را ترسیم نمی کنیم، بلکه در مورد موضوع - طبیعت، یعنی. ما تصویر این شی را بازسازی می کنیم و تصویر حتی در آگاهی نیز نمی تواند انعکاسی مرده در آینه باشد. ما به همه چیزهایی که ما را احاطه کرده یا به آنچه که با آن برخورد می کنیم پاسخ کامل نمی دهیم. در اینجا ما قابل قبول ترین تصمیم را می گیریم و همه چیز را برای خود بی اهمیت می گذاریم. ابژه ای که ترسیم می شود، با تمام عینیتش، به طور ذهنی مورد توجه ما قرار می گیرد (من آن را این گونه درک می کنم، در نهایت، می خواهم آن را به این صورت ببینم). استاد فوق العاده حکاکی، ولادیمیر آندریویچ فاورسکی، طراح بسیار خوب، خاطرنشان کرد که هر تصویر تمایل به تبدیل شدن دارد. به شیوه ای هنری. شخصی که روی یک ورق کاغذ نقاشی می‌کشد، تصویری را روی هم قرار می‌دهد که اندازه، شکل، بافت شی را نشان می‌دهد، اما همزمان با انتقال کیفیت‌های عینی طبیعت، وجود دارد. کیفیت فردیادراک و رابطه شخصی با موضوع پدید می آید که در نتیجه تصویر آن ویژگی های یک تصویر هنری را به خود می گیرد.

بنابراین، تلاش برای دستیابی به تکرار موضوع در نقاشی (اگر هنرمند دقیقاً همان پودلی را از طبیعت به تصویر می کشد که در زندگی است، پس هیچ هنری وجود نخواهد داشت) نباید باشد و موفق نخواهد شد. بنابراین، هنگام کار از طبیعت، باید کلمات "به تصویر خود نگاه کنید" را به خاطر بسپارید، که به شما امکان می دهد موضوع را کپی نکنید، بلکه آن را آگاهانه و با علاقه بازتولید کنید. در مورد این موضوع، یکی از بهترین طراحان نقشه جهان، ادگار دگا فرانسوی، به شکل بسیار تصویری گفت که طراحی یک فرم نیست، بلکه احساسی است که یک هنرمند از یک فرم دریافت می کند.

در عین حال نمی توان با ترسیم از زندگی به صورت سطحی برخورد کرد و توجه دقیق به محتوای پلاستیکی جسم به تصویر کشیده شده را نیز نمی توان در اثر رد کرد. شما باید سریع، دقیق و دقیق کار کنید. در ترسیم نمایش نیز باید به همین ترتیب رعایت شود.

علاوه بر روش های ترسیم، لازم است اصول اولیه سازماندهی برای کار بر روی نقاشی نیز در نظر گرفته شود.

اصلی ترین و اساسی ترین اصل که کل سیستم مراحل متوالی کار بر روی یک نقاشی بر اساس آن ساخته شده است، ماهیت تصویر را در نظر می گیرد: آنها از ساده شروع می کنند و به تدریج به سمت پیچیده می روند.

از ساده به پیچیده - اصلی که نه تنها در کار بر روی یک نقاشی، بلکه در ساخت کل سیستم آموزشی نیز اعمال می شود.

با تجزیه و تحلیل تمام لحظات کار بر روی یک نقاشی، بیایید به این فکر کنیم که چه نقطه شروع مهمی را هنگام شروع و پایان تصویر باید در نظر بگیریم. به طور طبیعی، فردی که از قبل با برخی از قوانین اولیه طراحی آشنا است، می داند که شروع کار بر روی یک نقاشی بلافاصله از برخی جزئیات طبیعت غیرممکن است. او احساس می کند که با شروع با جزئیات، می توان یک اشتباه بی رحمانه مرتکب شد، زیرا در این صورت باید دیگران را به آنچه از قبل موجود است «پیوند» کرد، و چیزی از چنین نقاشی حاصل نمی شود، مگر یک ورق کاغذ پر از آثار یک مداد. بنابراین، قانون اساسی کار بر روی یک نقاشی وجود دارد و باید رعایت شود، که می گوید باید یک طراحی را از کلی به جزئی شروع کنید.

شی همیشه یک چیز کامل است. تمام جزئیات آن فقط همراه با یکدیگر چیزی مشترک را تشکیل می دهند و به شی اجازه می دهند محتوا و شکل خاص خود را داشته باشد. به طوری که تمام اعضای بدن هدف خود را برآورده می کنند و در عین حال از آن جدایی ناپذیر هستند، به آن وابسته هستند. ظاهرو تنوع برداشت ها را در حین ادراک چند برابر کنید.

تصویر شیء با یک نمای کلی آغاز می شود، مشروط بر اینکه نسبت صحیح طرح کلی (طرح کلی) فرم جسم به صفحه ورق کاغذ بلافاصله ایجاد شود.

اصل "از کلی به خاص" فقط به چنین توالی تصویر نیاز دارد، زمانی که جرم جسم، به درستی در رابطه با قالب گرفته شده و به طور دقیق در خطوط نور ردیابی شده است، به شما اجازه می دهد ابتدا کار را برای شناسایی اصلی شروع کنید. قطعات، و سپس تمام علائم و جزئیات دیگر.

البته، نمی توان همیشه از عام به خاص کار کرد، و به همین دلیل است: پس از تأیید کافی از صحت ساختار سازنده شی، باید به سمت توسعه دقیق فرم بروید و روی هر پاکی تمرکز کنید، حواس را از کل پرت کنید، برای مدتی تبعیت امر جزئی را از کلی فراموش کنید.

نتیجه این مرحله از کار بر روی نقاشی، دوره ای از دید جداگانه کاملاً قابل قبول از عناصر منفرد طبیعت خواهد بود که منجر به تکه تکه شدن و تخریب یک فرم بزرگ در تصویر می شود. با این حال، اگر رعایت اصل ترسیم زیر را در نظر داشته باشیم - از خاص به کلی - کاملاً قابل اصلاح است. بر اساس آن، شما این گونه عمل می کنید: هر جزء را تعمیم می دهید و به کل تابع می کنید. قبل از آن، هر قسمت در درجه بندی های کیاروسکورو فعال کشیده می شد و بنابراین از نظر تنوع و تکه تکه شدن متفاوت بود، به چشم ها "صعود" می کرد. اکنون باید تصویر را نرم کنید، وضوح شبح ها و تضادهای نور و سایه را حذف کنید تا تصویری را به دست آورید که با تصور بصری کلی که با درک یکپارچه از یک محیط طبیعی ایجاد می شود، هماهنگ باشد. این کار با تضعیف لحن در مکان‌های خاصی از تصویر یا تقویت آن در مکان‌های دیگر و همچنین استفاده از یک نوار الاستیک انجام می‌شود که تنوع و سیاهی تک تک "قطعه‌های" تصویر را ضعیف می‌کند.

بنابراین ، روند ایجاد یک نقاشی شامل الزامات مختلفی است که به دنبال آن می آموزید که وظایف اصلی را با هدف تسلط بر اصول حل کنید. هنرهای زیبا.

تکنیک طراحی

در هنرهای تجسمی، نظام وسایل و روش های انتقال از اهمیت بالایی برخوردار است تصاویر بصریهمه اشیاء در دنیای واقعی اجرای استادانه یک طراحی یا نقاشی با ابزار فنی مناسب هیچ کس را بی تفاوت نخواهد گذاشت. البته استثنائاتی وجود دارد که یک اجرای بیرونی درخشان موقعیت بی‌تفاوت هنرمند را می‌پوشاند و بیننده حتی از درک ظاهری و هنرمندانه خطوط، ضربه‌ها، ضربه‌های رنگارنگ ناامید می‌شود. در نتیجه، آثار هنری هم محتوای حیاتی عمیق و هم یک فرم هنری کامل را با هم ترکیب می‌کنند.

تکنیک طراحی به عنوان سیستمی از ابزارهای گرافیکی و روش های فنی (تکنیک) شناخته می شود که هنرمند در کار خود برای ایجاد تصاویر خاصی که برای اهداف آموزشی یا خلاقانه انجام می شود استفاده می کند.

تسلط بر تکنیک طراحی بدون سازماندهی محل کار غیرممکن است - از حضور یک مداد و کاغذ تا انتخاب یک دیدگاه در مورد یک تولید طبیعی. حذف برخی از عناصر و همه آنها مهم است، روال ضروری درس را نقض می کند و ترسیم را از ریتم ثابت کار دور می کند.

شما موظف هستید به طور جامع و دقیق خود را با همه چیزهایی که برای کار آینده از طبیعت لازم است تجهیز کنید: دو مداد مخصوص تیز شده (TM, M)، لاستیک نرم، کاغذ سفید ضخیم متصل به سه پایه - پایه ای برای طراحی نشسته (شکل 9) .

برنج. 9

فاصله بین شما و محیط طبیعی همیشه باید تقریباً سه برابر اندازه شیء کشیده شده باشد و از چشم شما تا یک ورق کاغذ که عمود بر آن قرار دارد - طول یک بازوی دراز شده باشد. چنین فواصل بهینه هستند.

روشنایی محل کار نیز مهم است، زیرا نقاشی ها، بر خلاف نقاشی، اغلب در نور مصنوعی انجام می شوند. سعی کنید خود را نسبت به منبع نور طوری قرار دهید که در سمت چپ و کمی جلوتر باشد.

بنابراین، نقاشی های آموزشی در شرایط ما با مداد گرافیتی انجام می شود. تکنیک کار با این ابزار ترسیم مزایای خود را دارد که در کاربرد فوری، در گذاشتن خطوط با هر ضخامت روی کاغذ، در پاسخ به کوچکترین تغییر در فشار یا جهت حرکت دست ترسیم، در تصحیح نقشه با الاستیک بیان می شود. گروه در هر زمان از کار

مداد گرافیتی دارای معایبی جزئی است: درخشندگی فلزی اثر، پر شدن نسبتاً آهسته سطح کاغذ با تن، امکان نسبتاً ضعیف ایجاد غنا و عمق سایه های تن و درجه بندی های مختلف بافت. با این وجود، مداد گرافیتی یک ابزار ضروری برای نقاشی آموزشی است. برای تراشیدن مداد توصیه خاصی وجود ندارد. در اینجا می توانید با مهارت خود مطابقت دهید.

این سوال که چگونه یک مداد را در دست خود نگه دارید یک سوال بیکار نیست، زیرا با اصول و قوانین ساخت یک نقاشی و همچنین کار بیشتر جزئیات نقاشی مرتبط است و آن را به شکل نهایی می رساند. در همان ابتدا کار تقریباً انجام می شود دست دراز شده، هنگامی که موقعیت ابزار کاملاً غیرقابل تصور است اگر هنگام نوشتن آن را مانند خودکار نگه دارید، اما نیاز به مهارت قرار دادن یک مداد آزادانه بین سه انگشت دارد (شکل 10). و بالعکس، هنگام طراحی یک نقاشی، نگه داشتن مداد غیرممکن است، اما فقط مانند هنگام نوشتن. در راه های مختلفاگر حرکت آزادانه و آسان آن را مبنای حرکت قرار دهیم: از شانه تا حداقل چرخش مچ دست، نباید دست شما فشار بیاورد و به طور کلی کل بازو نباید خسته شود.

ابتدایی ترین چیز در تکنیک ترسیم، البته، تمایل طراح به نشان دادن تمام خطوط ممکن، ضربه ها، لکه های تونال با مداد روی کاغذ است، که ترکیب آنها یک سبک منحصر به فرد از اجرا را ایجاد می کند، که به طور جسورانه و منحصر به فرد بیان می شود. نقاشی تمام شده مسیر رسیدن به چنین روشی به طور طبیعی طولانی و دشوار است، با اراده، تلاش های مکرر مرتبط است، جایی که در اولین شکست ها نباید جایی برای ناامیدی وجود داشته باشد.

برنج. 10

هر یک از شما باید در برگزاری مکرر تمرین کنید سرب مدادیبر روی کاغذ از انواع خطوط - باریک و عریض، بلند و کوتاه، مستقیم و منحنی، شکسته و پیچ در پیچ، پیوسته و منقطع، با فشار با قدرت های مختلف، بالا، پایین، راست، چپ با تمایل "به سمت" و "دور" از خود» و غیره

نقاش باید در تصویر به انتقال روابط نور و سایه طبیعت و تقلید از سطوح مادی اشیا، به اصطلاح بافت، دست یابد. همه اینها با ایجاد یک لحن به دست می آید. هنگام انتقال تناژ، مدادهایی با درجات مختلف سختی و نرمی و همچنین کاغذهایی با یک یا آن دانه سطحی مورد نیاز است. همچنین باید درک کنید که حتی استادان بزرگ طراحی هرگز موفق نمی شوند در تصویر با نور واقعی و بافت طبیعی اشیا مطابقت داشته باشند. هنرمندان فقط به روابط متناسب دست می یابند و برای ایجاد تصاویر شایسته باید برای این تلاش کنید. زمانی که جلوه‌های نور، تابش خیره‌کننده و نرم‌ترین تغییرات رنگ‌ها را «تعقیب» نکنیم، به اعتبار بیشتری در نقاشی دست پیدا می‌کنیم، اما تنها در صورتی که با الزامات چیدمان، ساخت و انتقال یک فرم سه‌بعدی با موارد بعدی کنار بیاییم. تعمیم تصویر

بنابراین، محل کار سازماندهی می شود، تنظیم طبیعت انجام می شود و شما شروع به طراحی می کنید.

به زودی تصویر مرتب شد، نسبت‌های صحیح شی مشخص شد، تجزیه و تحلیل سازنده‌ای از فرم انجام شد و اکنون لازم است تصویر موجود را با ابزارهای بصری خاص طراحی مداد مانند خطوط، سکته‌ها و نور مجسم کنیم. و نسبت های سایه نحوه اعمال روش‌های خاصی برای اعمال ضربه‌ها، در نهایت شناسایی تصویر تولید را تعیین می‌کند. در نقاشی، اگر استاد طراحی صاحب تکنیک های تصویر باشد، شباهت به اشیاء تولید طبیعی به دست می آید.

در تکنیک طراحی با مداد گرافیتی، نویسنده آن با یافتن تکنیک های خاصی، با اطمینان و به سادگی شکل را با صدای ساز، با حرکات مطمئن ساز روی کاغذ حل می کند، در حالی که رضایت واقعا خلاقانه ای را تجربه می کند. پس از دستیابی به موفقیت اولیه، متوقف نشوید، بلکه پیشرفت کنید، تجربه خلاقانه و مهارت های درخشان را با دقت مطالعه کنید. هنرمندان بزرگ. هنرمند کنستانتین فدوروویچ یوون نوشت: "در فرآیند کار، احساسات هنرمند نه تنها به درک دنیای خارج معطوف می شود - آنها در عین حال به درک کیفیت و خواص خود مواد و ابزار مربوط می شوند. تولید، تمام ویژگی های بالقوه آنها برای استفاده از لحظه مناسب» (Yuon K. F. On Art، مسکو، 1959، جلد 1، ص 93).

تکنیک طراحی و به ویژه تکنیک های کار با مداد ارتباط تنگاتنگی با کل فرآیند آموزشی دارد، زیرا افکار و احساسات نقاشی تجسم مادی را در ترکیب ایجاد شده از سکته ها و راه حل اهنگی تصویر و تصویر می یابد. ، در نهایت، در تصویرسازی به دست آمده است.

هنگام تسلط بر تکنیک طراحی، باید هم تصاویر بلند مدت و هم تصاویر کوتاه مدت - طرح ها و طرح ها را اجرا کنید. طرح ها و طرح ها به پرورش توانایی درک سریع طبیعت، یافتن سبک فردی از یک تصویر مداد کمک می کند.

امکان توسعه یک شیوه ترسیم تنها زمانی تحقق می یابد که تمام خطوط و سکته هایی که طراحی را تشکیل می دهند مشمول نظم دقیق تصویر باشند. سکته مغزی تصادفی، بی دقت، مشروط است، بخشی از قسمت تصویر را پر می کند، نه چندان شکل جسم مربوطه را منتقل می کند، بلکه این ناحیه را از نظر لحن از همسایه، روشن تر یا تیره تر جدا می کند. برای جلوگیری از این اتفاق، یک قانون تغییر ناپذیر را برای خود تعیین کنید: هر ردی از یک مداد قبل از هر چیز باید چیزی را به تصویر بکشد، شکلی را منتقل کند، و تنها در نتیجه این عملکرد اولیه، جایگاه آن در بازی نور و سایه آشکار می شود. . در عین حال، هرچه سکته مغزی به عنوان یک عنصر شکل دهنده دقیق تر باشد، درجه بندی روشنایی و تاریکی که از تعامل بسیاری از ضربه ها ناشی می شود، غنی تر می شود. شما بلافاصله به وجود این الگو متقاعد نخواهید شد، اما به مرور زمان یک اما را احساس خواهید کرد. بنابراین، لازم است با یک ضربه، فضای ورق را پر کنید، فرم را احساس کنید.

برای تسلط بر تکنیک طراحی، به تلاش های مناسب مرتبط با تکرار نیاز دارید تمرینات خاصبرای دست اما توسعه مهارت های صرفاً فنی به هیچ وجه بدون تسلط بر قوانین و تجزیه و تحلیل الگوهای روش های اصلی تصویرسازی کامل نیست. فقط به لطف چنین نگرشی به طراحی می توانید ارزش زیبایی شناختی تعامل محتوا و فرم را درک کنید و از امکانات تصویری و بیانی این یا آن ماده هنری مطلع شوید.

طراحی از طبیعت برگ و گل

اهمیت عملی طراحی گیاهان

هر مؤسسه آموزشی هنری متخصصانی را با صلاحیت خاصی آماده می کند و وظیفه آموزش مبانی سواد و مهارت حرفه ای را تعیین می کند.

در حل این وظایف مهم، ترسیم به عنوان اساس همه نوع هنرهای تجسمی. شما قبلاً می دانید که طراحی نه تنها نوعی هنری است که برای ایفای نقش کمکی در مطالعه مبانی سواد بصری طراحی شده است، بلکه یک علم کامل است که به شما می آموزد به شکل فکر کنید، پایه های سازنده را درک کنید و در ارتباط با این، ساختار پلاستیکی یک جسم را در یک هواپیما به تصویر می کشد. در عین حال ، نقاشی وسیله ای برای بیان افکار و احساسات ، فانتزی و تخیل ، ایده ها در هر تصویر ، از طرحی از طبیعت گرفته تا اثر ترکیبی است.

حرفه شما با تسلط بر اصول اولیه صنعت هنری آغاز می شود و راه رسیدن به استادی طولانی و خاردار است. و در تمام مراحل کار عملی، شما باید در همه چیز، از جمله در تسلط بر مهارت های سواد بصری، بسیار و مداوم پیشرفت کنید. شما باید به مطالعه دنیای گیاهی توجه ویژه ای داشته باشید که اشکال تلطیف شده آن اساس تزئینات هنری محصولات هنرهای تزئینی و کاربردی را تشکیل می دهد.

چرا یک فرد تا این حد نسبت به فلور بی تفاوت است؟ بدیهی است، زیرا این کامل ترین زیبایی، احساس متقابلی را در او ایجاد می کند و حالت روحی خاصی را ایجاد می کند. دنیای گیاهی به همان اندازه هماهنگ است که شخص می داند چگونه آن را تحسین کند و در آثار ادبی و هنری منعکس کند و از این طریق معنای خود زندگی را به دست آورد. چیزی که ما را در دنیای گیاهی جذب می کند، سرزندگی، رشد و تجدید مداوم آن است.

زیبایی خاص گیاهان در تجسم کامل غیرقابل تصور خواص عمومی به شکلی جداگانه است که در زیبایی شناسی "اندازه گیری" نامیده می شود، و با این حال ما از تنوع شکل ها، اندازه ها، رنگ ها شوکه شده ایم. ترکیبات خلاقانه منحصر به فرد، تقارن به این موجودات طبیعت ثبات و تناسب می بخشد. علائمی که قبلاً ذکر شد برای یک فرد کافی است تا از طبیعت الهام بگیرد.

اما "اندازه گیری" برای هر گونه منفرد در دنیای گیاهان چیست؟ اجازه دهید به گیاهی بپردازیم، مثلاً به کاسنی که در میان گیاهان یافت می شود. اگر کاسنی را با توجه به ساختار هر یک از فرآیندهای آن از ساقه اصلی مطالعه کنید، یک الگوی کنجکاو آشکار می شود. شاخه طول خود را متناسب با هر پرتاب جدید به فضا ایجاد می کند که با ابعاد "بخش طلایی" مطابقت دارد. بنابراین، اگر اولین جهش، که با یک جزوه تمام می شود، به 100 قسمت "تقسیم" شود، دومی در حال حاضر دقیقا 62 قسمت خواهد بود و با جزوه ای به پایان می رسد که به نسبت های مشابه نسبت به اولی کاهش یافته است و غیره. این گونه است که، ذهن انسان شگفت انگیز، طبیعت اشکال اصلی تقارن خود را می سازد.

هر شیء گیاهی چیزی مجرد و کامل است. هیچ چیزی را نمی توان از این کل گرفت، چیزی را نمی توان بدون نقض یکپارچگی کم کرد. اضافه کردن چیزی غیرممکن است، زیرا اضافی خواهد بود و همچنین یکپارچگی و هماهنگی را نقض می کند.

بعید است که در جایی با شخصی روبرو شوید که نسبت به معجزه ای از طبیعت مانند گل ها بی تفاوت باشد. از زمان های قدیم، آنها زندگی مردم را تزئین کرده اند، مانند موسیقی، نقاشی، شعر وارد زندگی می شوند. موریس مترلینک، نویسنده مشهور بلژیکی، از زبان قهرمان یکی از نمایشنامه‌های خود گفت: «چه کسی می‌داند اگر انسانیت رنگ‌ها را نمی‌شناخت، چه شکلی می‌شد...».

کیفیت پایان ناپذیری و در نتیجه غیر قابل قیاس با هر گونه تولید مثلی در زیبایی طبیعی است. شخصی زیبایی گل ها را بازتولید می کند و سعی می کند ویژگی های اساسی آنها را در این یا آن تصویر آشکار کند تا تصویر زیبای آنها را ایجاد کند. نفوذ به ذات گیاهان، به قوانین ساختار پدیده های ارگانیک طبیعت وجود دارد. یک هنرمند واقعی در آثارش به خود طبیعت تشبیه شده است: او جهان را که اکنون فیگوراتیو است، هماهنگ می کند. در اینجا استاد پدیده را توصیف نمی کند و آن را تغییر شکل نمی دهد، بلکه کل را در غنای محتوای آن بیان می کند و از طریق دانش زیبایی شناختی گیاهان و بیان تصویر آنها به هنر دست می یابد و احساسات خود را در طراحی یا نقاشی قرار می دهد.

بزرگ و دنیای عمیقطبیعت ده ها میلیون سال است که پوشش گیاهی ایجاد کرده است و ساختار مناسب هر گونه را در ارتباط با محیط زیست تعیین می کند. بنابراین، اشکال گیاهی با ظرافت خود ما را مجذوب خود می کنند، زیرا در آنها تکامل طبیعی (فرایند تغییر، توسعه) هر چیزی را که به ماهیت گونه مربوط نیست حذف کرده است. همه چیز "زائد" است.

طبیعت رنگ‌ها را "به‌خوبی" انتخاب کرده و هزاران سایه‌های رنگی غیرمعمول زیبا ایجاد می‌کند. این ترکیب بی‌شمار سایه‌ها و تفاوت‌های ظریف (انتقالات به سختی قابل توجه، تفاوت‌های ظریف در چیزی) را نمی‌توان در نقاشی منتقل کرد، آنها می‌توانند و حتی پس از آن، در حضور تجربیات عمیق زیبایی‌شناختی، تنها با ادراک بصری مستقیم دستگیر می‌شوند.

گل ها و گیاهان زیادی در جهان وجود دارد و تقریباً همه آنها زیبا هستند. برای ایجاد ریز عکسها زیورآلات تزئینیمحصولات با استفاده از عناصر گیاهی، باید طرح های زیادی از گل ها و برگ های مختلف بسازید. تسلط عملی بر فرم ها و ترکیبات عجیب و غریب ایجاد شده توسط طبیعت ناگزیر به دانش منجر می شود انواع خاصیگیاهان، خلاقانه استاد را در زمینه هنر و صنایع دستی غنی می کند. بنابراین، شما باید از تمام امکانات جذب چنین موادی استفاده کنید که برای خلاقیت بارور هستند، همانطور که اشکال گیاهی زمین هستند.

طرح هایی از برگ های گیاهان مختلف

فرم های گیاهی که توسط هنرمند خلاقانه بازسازی شده است، تقریباً در همه انواع هنرها و صنایع دستی یافت می شود.

قبل از شروع تمرینات، اجازه دهید به طور خلاصه به چیستی هنرها و صنایع دستی بپردازیم.

هنر تزیینی و کاربردی یکی از انواع خلاقیت های هنری است که در آن فرد قوانین نگرش زیبایی شناختی خود را به واقعیت، درک زیبایی به عنوان مقوله اصلی زیبایی شناختی نشان می دهد.

آغاز این شکل هنری با نحوه برخورد اجداد ما با زیبایی در دوران ماقبل تاریخ مرتبط است. چیزهای باستانی که در حفاری ها یافت می شوند - چکش، تبر، نیزه و نوک پیکان، مهره، حلقه، بست و غیره. - آنها بیش از هر کلمه ای در مورد منشأ هنرها و صنایع دستی به ما می گویند. آنچه در این موارد شگفت‌انگیزتر است این است که اجداد ما نه تنها این یا آن محصول را با برخی از الگوها یا ترکیبات زئومورفیک تزئین (تزیین) نکرده‌اند، بلکه قبلاً ویژگی‌های این نوع هنر را توسعه داده‌اند - تلفیقی ارگانیک از ویژگی‌های عملی، کاربردی و زیبایی‌شناختی. در هر محصول این بدان معنی است که زیبایی در مورد محصول "اعمال" نیست، بلکه بخشی جدایی ناپذیر از آن است.

موضوع هنر و صنایع دستی با معماری (ارتباط اساسی قطعات)، رابطه حجم و رنگ، زینت و شکل متمایز می شود و حل موفقیت آمیز اجزای ذکر شده آن بستگی دارد. بیان هنریمحصولات، مشارکت او در دنیای هنر و تحسین ما از او.

بزرگترین نمونه های فرش و ملیله، ظروف و ظروف، اسلحه و تسمه اسب، جواهر سازیو سرامیک توسط صنعتگران قرون وسطی ساخته شد. آنها استاد همه حرفه ها بودند، نه تنها اسرار خلاقیت را می دانستند، بلکه می توانستند یک چیز را از ابتدا تا انتها "کار" کنند. هنر بسیار هنری آنها به بخش کاملی از هنر تبدیل شده است.

پس از خروج از دیوارهای موسسه آموزشی خود، در زمینه هنر و صنایع دستی نیز فعالیت خواهید کرد. برای انجام این کار، باید چیزهای زیادی یاد بگیرید، چیزهای زیادی یاد بگیرید.

بهتر است طراحی گیاهان را با برگ شروع کنید. به عنوان طبیعت، از برگ های خشک یا گیاه دارویی استفاده کنید (برگ ها مستقیماً از درخت پس از مدت کوتاهی پژمرده می شوند و چروکیده و ناخوشایند به نظر می رسند). نقاشی ها را با مداد با انتقال روابط تونال بکشید. چنین نقاشی به توسعه مهارت های خاصی کمک می کند.

با برگ هایی شروع کنید که شکل ساده ای دارند - سیب، گیلاس، یاس بنفش، توس و غیره. ورق را روی کاغذ سفید بگذارید تا بتوانید شکل و رنگ آن را به وضوح ببینید. تصویر را با تعریف شکل کلی شروع کنید. همه برگ ها به نوعی در هر کدام قرار می گیرند شکل هندسی- مثلث، چند ضلعی، لوزی، بیضی، دایره. به عنوان مثال برگ های توس و خیار مثلثی شکل، برگ های انگور و افرا پنج ضلعی و غیره هستند.

شکل کلی برگ را به طور همزمان با محور سازنده ترسیم کنید، که ایده ای از جهت اصلی تمام قسمت های گیاه می دهد. محور سازنده، واقع در وسط شبح سفید تصویر محدود شده توسط خط کانتور، همچنین به نظر می رسد که نوعی سازمان دهنده تقارن ورق ترسیم شده است. در عین حال، سعی کنید شکل را در امتداد کانتور کپی نکنید، بلکه به طبیعت نگاه کنید. در عین حال، از نظر ذهنی حجم آن را تصور کنید که دارای جرم خاصی است، به دور از یک شکل صاف. بر اساس اصول اولیه ترسیم کنید: از کلی به جزئی و بالعکس. در طرح شما، باید جزئیات و اشباع با تن با ویژگی سطح بافت یک برگ درخت یا درختچه مورد مطالعه قرار گیرد. به یاد داشته باشید که نه کپی کردن طبیعت، بلکه یک رویکرد خلاقانه به آن، ثبت درجه بندی های تن نور در جسم با انتقال روابط متناسب با طبیعت بر روی کاغذ، به شما کمک می کند تا به تصویری واقعی برسید.

برگ های بلوط، شاه بلوط، افرا به شکل پیچیده به نظر می رسند. مطالعه یک فرم پیچیده نیاز به توجه دقیق دارد، زیرا یک فرد بی توجه هرگز به یک طراح خوب تبدیل نمی شود. به عنوان مثال، یک برگ بلوط شکلی خاص به خطوط بیرونی آن دارد. دانش آموز غایب با دقت به خود اجازه نمی دهد آن را بررسی کند. فقط با دیدن مختصر ورق ، او قبلاً آن را "می داند" و عجله دارد که طراحی کند (معمولاً افراد بی توجه نیز پشتکار و پشتکار ندارند).

اگر برگ بلوط را با تمرکز بررسی کنید، می توانید از صحت سخنان خطاب به افراد بی توجه مطمئن شوید. برگ به صورت پره ای با تیغه ای بیضی شکل است. همه لوب ها با لبه های محکم، بدون دندان متمایز می شوند، در قسمت فوقانی آنها کوتاه، گرد و کمی بریده هستند، در دمبرگ آنها نیز کوتاه و باریک هستند، و در وسط آنها بزرگ هستند، و با بقیه به هم متصل می شوند. شکل کل صفحه گیاه ورق طبق قوانین "بخش طلایی" ساخته شده است.

برنج. یازده

شما می توانید ایده خود را از موضوع تنها بر اساس یک مطالعه بصری دقیق و دقیق، ابتدا از فرم های ساده و سپس در قالب های پیچیده، مشخص کنید. این رویکرد به کار بر روی نقاشی از زندگی است که به شما امکان می دهد با مشکلات اجتناب ناپذیر کنار بیایید. در عین حال ، باید دائماً به مفاد اساسی کلی در ترسیم از زندگی پایبند بود: شکل و اندازه قطعات جداگانه ، جزئیات را مقایسه کنید ، مکان آنها را به درستی تعیین کنید ، ساختار طبیعی هر گیاه را به درستی مشخص کنید. البته در آموزش ترسیم سریع نباید به دنبال آن باشید راه حل مجازی. فیگوراتیو بودن تصویر در اینجا در جستجوی ویژگی هر ورق بیان می شود.

بنابراین، طراحی در تمام انواع آن نه تنها یک تمرین یادگیری ثابت است، بلکه همانطور که در طول زمان متوجه خواهید شد، وسیله ای برای جمع آوری موادی است که برای ترکیبات بعدی با عناصر گیاهی انباشته می شود.

طرح هایی از برگ های مختلف به شما کمک می کند تا گیاهان را به راحتی از روی شکل آنها تشخیص دهید. در عین حال به یک ویژگی جالب گیاهان توجه کنید که طبق آن آنها هنوز هم شباهت درونی با عدم تشابه بیرونی طرح های خود دارند. و برای یک نقشه کش. این بسیار مهم است، زیرا به تدریج افق های او را گسترش می دهد، تخیل او را توسعه می دهد. مزایای همه تمرینات در طراحی گیاهان، در "نمایش" ساختار سازنده آنها غیرقابل انکار است، به ویژه برای یک نقشه کش با تخیل توسعه یافته (شکل 11).

همیشه به یاد داشته باشید که شما به خاطر طراحی طراحی نیستید. آنها می گویند، شما مجبور هستید، زیرا قرار است اینطور باشد، اما شما نگرش خود را نسبت به آنها بیان می کنید. حتی در اینجا، حتماً به صورت ترکیبی طراحی کنید تا به هر کاری علاقه پرشور نشان داده شود. بدانید که تصاویر مداد "نمی کنند"، بلکه نقاشی می کنند. در پایان کار بر روی هر تصویر مداد، مطمئن شوید که یک تجزیه و تحلیل مستقل و خودانتقادی از نقاشی انجام دهید، که کمک زیادی به مشاهده عدم دقت در انتقال فرم، لحن می کند و یک بار دیگر مطمئن شوید که چه چیزی چیدمان را معما می کند. از ترسیم ژست های اشیا برای شما

هرکسی که از طبیعت می کشد باید مراحل مختلف پیچیدگی کار را طی کند. روند یادگیری نقاشی در یک مرحله خاص با کشیدن یک طبیعت بی جان (از طبیعت فرانسوی مورت - طبیعت مرده) همراه است.

دنیای طبیعت و چیزهایی که انسان را در زندگی روزمره احاطه می کند، گنجینه ای تمام نشدنی از اشکال و اشکال است. سایه های رنگی. سادگی و کمال پلاستیکی وسایل خانه، ظرافت و لطافت گل ها، ساختار خاص و آبدار بودن میوه ها و سبزیجات و بسیاری موارد دیگر همیشه مورد توجه هنرمندان بوده است. به طراحی ها و نقاشی هایی که وسایل خانه، ابزار، سبزیجات، میوه ها، غذا، بازی، دسته گل و غیره در آنها به صورت فیگوراتیو تجسم یافته است، طبیعت بی جان می گویند.

طبیعت‌های بی‌جان را می‌توان درست در زندگی «دیده» کرد و به‌طور خاص برای حل مشکلات بصری مختلف «پوست» کرد. هم آن‌ها و هم دیگران توجه را به خود جلب می‌کنند، بنابراین، به طبیعت بی‌جان در هنرهای تجسمی فضای زیادی داده شده است که به حق به یک ژانر مستقل تبدیل شده است. طبیعت بی جان "دیده شده" یک گروه بندی طبیعی از اشیاء است که توسط هنرمند به تصویر کشیده شده است و "ژست" از اشیاء انتخاب شده آگاهانه تشکیل شده است که برای تحقق نیات یک نویسنده خاص ضروری است.

تصویر یک طبیعت بیجان الگوی خاص و توالی روش شناختی خود را دارد. کاملاً غیرمجاز است، به عنوان مثال، فقط شروع یک نقاشی، درگیر شدن در مطالعه دقیق جزئیات جزئی، اگر شکل اصلی هنوز مشخص نشده باشد، ایده تونال تولید حل نشده است. این بلافاصله منجر به تکه تکه شدن نقاشی می‌شود که اصلاح آن برای یک طراح بی‌تجربه بسیار دشوار و گاهی غیرممکن است. علاوه بر این، چنین عجله ای منجر به خطا در روابط متناسب و از این رو به شکست، شک به خود و ناامیدی می شود.

به یاد داشته باشید که در تمرین بصری یک روش ثابت شده برای کار متوالی روی نقاشی ها وجود دارد، بر اساس این اصل: از کلی به خاص و از خاص دوباره به کلی غنی شده با جزئیات.

برنج. 21

کار بر روی یک طبیعت بی جان با انتخاب و قرار دادن موارد خاص آغاز می شود: در وظیفه ما - یک مدل گچی از یک منشور و یک گلدان چوبی برای مداد، قلم مو و غیره. (شکل 21). انتخاب اجزای یک تولید در مقیاس کامل باید به طور منطقی توجیه شود و با ارتباط معنایی پر شود. مطلوب است که چیزهایی را در فرم و حجم انتخاب کنید.

پس از تنظیم طبیعت بیجان، مکان خاصی را انتخاب می کنید که از آنجا محیط به وضوح قابل مشاهده است (ما قبلاً در مورد بهینه ترین فاصله از نقاش تا جسم طبیعی صحبت کرده ایم: باید حدود سه اندازه از خود طبیعت باشد).

بیان و حقیقت یک تصویر بی جان به توانایی شما در مشاهده، آهنگسازی، ساختن یک نقاشی، مدل سازی آن در لحن و غیره بستگی دارد.

قبل از کار مستقیم روی نقاشی، توصیه می شود یک یا دو طرح از محصول تهیه کنید تا یک طرح منطقی و موثر از تصویر روی کاغذ پیدا کنید. توصیه می شود بر اساس اولین برداشت بسیار تازه از تولید، به سرعت طرح هایی تهیه کنید و سعی کنید ویژگی های طبیعت، رابطه و نسبت های شکل هر شی، نسبت مساحت را در آنها منتقل کنید. تصویر به ناحیه فرمت برگه.

پس از تعیین ترکیب تصویر در طرح، می توانید به کار مستقیم بر روی قالب ادامه دهید. با توجه به ماهیت تولید، شما قبلا قالب را انتخاب کرده اید - افقی یا عمودی.

برنج. 22

اکنون شما با این وظیفه روبرو هستید که چندین مرحله از کشیدن یک طبیعت بیجان را طی کنید. چنین مراحلی، یعنی. لحظات فردی- مراحل یا مراحل در توسعه چیزی، معمولا بیش از چهار در کار بر روی یک نقاشی نیست.

البته مرحله اولیه هر تصویر، قرار دادن ترکیبی آن بر روی یک ورق کاغذ است. شما قبلاً طرحی دارید که استفاده از آن به هیچ وجه مکانیکی نیست.

در اینجا، مکان اصلی به تعیین کل عرض و کل ارتفاع اجسام در یک زمان برای محدود کردن میدان تصویر داده می شود، موقعیت هر یک از اجسام نسبت به یکدیگر و صفحه ای که روی آن قرار می گیرند بلافاصله با خطوط نور مشخص می شوند. .

در مرحله بعدی ترسیم یک طبیعت بی جان، باید محل هر یک از دو جسم را در تصویر مشخص کنید و رابطه متناسب آنها را مشخص کنید. در این دوره از کار، مبنای سازنده فرم را نیز شناسایی کنید. در اینجا، حل تمام وظایف این مرحله از تصویر بر اساس تجزیه و تحلیل دقیق از تنظیمات است. فعلاً فرم را با یک خط بسازید و طرح خود را به عنوان یک "قابی سیم" ببینید، اما معیار خاصی را رعایت کنید تا همه جا ضخامت یکسانی نداشته باشند (شکل 22).

مرحله سوم کار را به عنوان اصلاح بیشتر شکل بدن هایی که دارای حجم و تسکین هستند انجام دهید. این نشانه های اشیاء فقط تحت شرایط کیاروسکورو درک می شوند. بنابراین، شما نه تنها باید یک نور بزرگ و یک سایه بزرگ را ترسیم کنید، بلکه باید تمام درجه بندی های اصلی (آرایش تدریجی) کیاروسکورو را نیز با ضربه های سبک مشخص کنید. این قوانین توزیع نور، نیم تن، سایه های خود و در حال سقوط بیش از یک بار در کتاب درسی ذکر شده است و شما از آنها اطلاع دارید. فقط باید طبیعت را با دقت دنبال کنید و روی کاغذ مقایسه کنید که یک شی از دیگری تاریک تر یا روشن تر است. علاوه بر این، تفاوت در طراحی تکنیک های کار با مداد را نیز فراموش نکنید تا تفاوت در بافت اشیاء در این مرحله از طراحی آشکار شود. همه چیز با هم و در نظر گرفته شده از نقطه نظر ساخت پرسپکتیو، حجم و تسکین فرم ها، راه حل های لحن، مادی بودن شما را به آخرین مرحله کار بر روی یک نقاشی طبیعت بی جان می رساند (شکل 23).

برنج. 23

مرحله نهاییفرآیند تکمیل را فراهم می کند - تعمیم کل ساختار خطی و تونال تصویر. اگر پیش‌زمینه و پس‌زمینه با جزئیات ترسیم شوند، هر دو بدنه تولید، کل ادراک تصویر را از بین می‌برند، در مدل‌سازی فرم با تن، لطافتی از انتقال وجود ندارد، پس چنین تصویری نیاز به بهبود دارد، که یک تعمیم. در این مورد، لازم است پس زمینه را نرم کنید، مرزهای واضح را در آن از بین ببرید (تصویر عمق ایجاد کنید)، یک شی را به پیش زمینه نزدیک کنید و دیگری را "حذف کنید"، آن را در جایی در مکان مناسب روشن کنید، در دیگری. برعکس، لحن را متراکم می کند و در نتیجه راهی برای دستیابی به یکپارچگی تصویر (شکل 24).

تمام مراحل کار بر روی یک نقاشی طبیعت بی جان، مراحل جداگانه تصویر نیستند. در اینجا، یک روند منسجم، منطقی مشروط به وحدت و تجزیه ناپذیری اتفاق می افتد، که نتیجه آن باید یک لحن به درستی مرتب، درست ساخته شده، به طور متوسط ​​​​کار شده، ترسیم آموزشی بیانگر یک طبیعت بی جان باشد.

و اکنون ما با جزئیات زیادی در نظر خواهیم گرفت که چگونه روند ایجاد یک نقاشی طبیعت بی جان، ساخته شده از یک بدنه هندسی گچی - یک منشور شش ضلعی و یک گلدان چوبی برای ذخیره ابزار طراحی، ادامه می یابد.

پس از انتخاب فرمت، مشخص می شود که تصویر در چه اندازه ای روی کاغذ چاپ می شود، به خصوص که در طرح های اولیه به دنبال نسبت های متناسب تصویر و فرمت هستید. تناسبات در ادراک بصری مطابق با ساختار چشم و اصول عملکرد آن بافته می شود. هر نقاش نسبت مقادیر را تعیین می کند و، تعجب نکنید، نسبت "بخش طلایی" را در میان آنها متمایز می کند. در تولید مشاهده می‌کنید که گلدانی که به صورت عمودی ایستاده است، بهتر از منشوری که در زاویه به آن قرار دارد، به نظر می‌رسد. به این معنی که در طراحی خود به گلدان توجه ویژه ای خواهید داشت و قرار دادن تصویر روی کاغذ را با آن مرتبط می کنید. این اوست که فقط در رابطه با نسبت های "بخش طلایی" در شکل قرار می گیرد.

این ماهیت ادراک بصری با آزمایش های متعددی که در زمان های مختلف در تعدادی از کشورهای جهان انجام شده است تأیید می شود.

روانشناس آلمانی گوستاو فچنر در سال 1876 مجموعه ای از آزمایش ها را انجام داد و به مردان و زنان، پسران و دختران و همچنین کودکان، شکل هایی از مستطیل های مختلف را نشان داد که روی کاغذ کشیده شده بودند، پیشنهاد کرد که فقط یکی از آنها را انتخاب کند، اما خوشایندترین تأثیر را بر روی کاغذ گذاشت. هر موضوع همه یک مستطیل انتخاب کردند که نسبت دو ضلع آن را به نسبت «قطع طلایی» نشان می داد (شکل 25). آزمایش‌هایی از نوع متفاوت توسط نوروفیزیولوژیست آمریکایی وارن مک‌کالوچ در دهه 40 قرن ما به دانش‌آموزان نشان داده شد، زمانی که او از چندین داوطلب از میان متخصصان آینده خواست تا یک شی مستطیل را به شکل دلخواه خود بیاورند. دانشجویان مدتی کار کردند و سپس اقلام را به استاد برگرداندند. تقریباً همه آنها دقیقاً در ناحیه نسبت "بخش طلایی" مشخص شده بودند ، اگرچه جوانان اصلاً چیزی در مورد این "نسبت الهی" نمی دانستند. مک کالوچ دو سال را صرف تأیید این پدیده کرد، زیرا او شخصاً اعتقاد نداشت که همه مردم این نسبت را انتخاب می کنند یا آن را در کار آماتور ساخت انواع صنایع دستی تثبیت می کنند.

برنج. 24

هنگام بازدید بینندگان از موزه ها و نمایشگاه های هنرهای زیبا پدیده جالبی مشاهده می شود. بسیاری از افرادی که خود را نقاشی نکرده‌اند، با دقتی شگفت‌انگیز، حتی کوچک‌ترین نادرستی‌هایی را در به تصویر کشیدن اشیا در تصاویر گرافیکی و نقاشی‌های زیبا می‌بینند. اینها احتمالاً نشانه هایی از حس زیبایی شناختی یک فرد است که با از بین رفتن هماهنگی فرم و تناسب «همخوانی ندارد». آیا با چنین تقاضایی برای حس زیبایی نیست که پدیده "نسبت طلایی" همراه است (به محض اینکه این نسبت "الهی" ، "طلایی" ، "بخش طلایی" ، "عدد طلایی" نامیده نشود. )؟ بیهوده نیست، ظاهراً در تمام اعصار تمدن بشری " نسبت طلایی” به رتبه اصل اصلی زیبایی شناسی ارتقا یافت.

برای شما پایه های ترکیبیساختن یک نقاشی طبیعت بی جان نباید مانعی برای فرد باشد، زیرا فرد توانایی دیدن محیط را در میدان دید واضح (در زاویه 36 درجه) دارد. این مقادیر متناسب در میدان دید واضح است که توسط چشم ها به خوبی مشخص می شود و وظیفه شما این است که آنها را تشخیص دهید تا به درستی یک نقاشی بسازید. واقعیت این است که یک شخص نقاشی، دنیای عینی را به همان شکلی می بیند که یک شخص غیرنقاشی. با این حال، اگر دیدگاهی دلخواه برای ساختن نقاشی داشته باشید، اعوجاج رخ می دهد. باید به خاطر داشته باشید که در ساخت تصویر همه چیز به یکدیگر وابسته است: نقطه دید، میدان دید واضح و فاصله تا اشیاء تصویر. این بدان معنی است که در فرآیند چیدمان تصویر، لازم است قسمتی از فضای بسته (یک برگه کاغذ) انتخاب شود که شامل اشیاء طبیعت بی جان و بخشی از محیط (پس زمینه) باشد. اشیاء تصویر نباید خیلی بزرگ یا خیلی کوچک باشند. در غیر این صورت، یک تصویر بزرگ از قالب "ترک" می شود و یک تصویر کوچک در آن "غرق می شود". برای جلوگیری از این اتفاق، سعی کنید ورق کاغذ و ابعاد تصویر را به عنوان یک کل واحد از راه حل ترکیبی طراحی طبیعت بیجان در نظر بگیرید.

پس از سازماندهی صفحه کاغذ، اشیاء باید همانطور که چشم آنها را می بیند و در واقع وجود دارند ترسیم شوند. برای انجام این کار، تغییرات پرسپکتیو در شکل گلدان و منشور را مشخص می‌کنید و در عین حال سعی می‌کنید فوراً ساختار عینی، طراحی و تحلیل شرایط نوری آنها را درک کنید. Chiaroscuro بر روی اشیاء طبق همان قوانینی که هنگام ترسیم مدل های گچی اجسام هندسی با آنها آشنا شدید توزیع می شود.

هر نقاشی در عین حال دانش جدیدی از دنیای عینی است که با کسب دانش، کسب تجربه، مهارت های جدید و مهارت های حرکتی حرکات دست همراه است. با قرار دادن طرح روی یک صفحه و انتقال مرزهای شکل هر یک از دو جسم در خطوط روشن فعلاً و ترسیم حجم گلدان و منشور با همان حرکات سبک، به کار ادامه می دهید و به گام بعدی. اکنون به اصلاح بیشتر ویژگی های فرم ادامه می دهید و در عین حال طراحی را با طبیعت مقایسه می کنید. سپس شما شروع به کار با روابطی می کنید که شامل تعیین نسبت های صحیح، نسبت طرح های فضایی، جزئیات و کل است.

برنج. 25

روش کار با روابط، طراح را قادر می‌سازد تا دانش و مهارت‌هایی را کسب کند که بر رشد یک فرد به عنوان یک هنرمند حرفه‌ای تأثیر بگذارد.

بنابراین، اولین مراحل طراحی شما: حل مشکلات طرح بندی، طرح کلی شبح یک طبیعت بی جان، برجسته کردن هر دو شی و نشان دادن نسبت ها، در عین حال احساس ارتباط فرم ها، مطابقت آنها با ساختار کلی تصویر. هنگام کار با روابط، نقاشی با مقایسه و تضاد اصلاح می شود، یعنی. تصویر را با کل و اجزاء را با یکدیگر متناسب کنید. در همان مرحله ترسیم، شما همچنین باید شروع به شناسایی حجم و تسکین اشکال اشیاء در تصویر کنید و از طریق آنها طبق اصل کار کنید - از کلی تا خاص. فقط به این ترتیب شما همیشه کل را خواهید دید - در ساختار، نسبت، و در لحن.

هنگامی که از صحت نقاشی و صحت روابط نور-تونال مورد نظر متقاعد شدید، می توانید با خیال راحت به مدل سازی فرم با لحنی که به تدریج از چگالی اشباع شده است، ادامه دهید.

در این مرحله مهم از کار - انتقال یک تصویر واقعی از یک طبیعت بی جان، همانطور که چشم ما آن را می بیند و نحوه وجود آن در فضا - شما باید همیشه طبیعت را به عنوان یک کل ببینید، یعنی لمس یک مکان خاص در طراحی با مداد، کل محیط و کل نقاشی را به عنوان یک کل از دست ندهید. همیشه به یاد داشته باشید که دانش، مهارت ها و توانایی ها را به تدریج و پیوسته جمع آوری می کنید و بر این اساس روی یک طبیعت بی جان کار می کنید. به دلیل عدم تطابق بین نور واقعی و سفیدی کاغذ، روابط تونال در طبیعت را نمی توان به طور دقیق در نقاشی منتقل کرد. آنها فقط با رعایت نسبت های نور و سایه متناسب با طبیعت قابل انتقال هستند و می دانید که کیفیت الگوی تونال به چنین انتقالی بستگی دارد.

در طول مدل‌سازی یک نقاشی با لحن، وقتی همه کارها را از کلی به خاص انجام می‌دهید، مطمئناً لحظه‌ای همراه با میل شدید به مطالعه نهایی یک مکان یا مکان دیگر در تصویر فرا می‌رسد که در صحنه پردازی بسیار جذاب است در اینجا شما با رعایت اصول طراحی به سمت خصوصی می روید.

در عمل هم آموزشی و هم نقاشی خلاقانهدو روش فنی برای گذاشتن یک تن روی کاغذ با مداد وجود دارد که اغلب در تماس با یکدیگر هستند - هچ کردن و سایه زدن.

جوجه کشی، بر خلاف سایه، ویژگی های برجسته خود را دارد. یک طراح باتجربه تنها می تواند از طریق آن به انتقال تمام ویژگی های تونال و مادی طبیعت دست یابد. در همان زمان، او از انواع ضربه ها در امتداد اثر مداد روی کاغذ استفاده می کند - مستقیم و منحنی، کوتاه و بلند، که در چندین لایه روی یکدیگر همپوشانی دارند. بنابراین، جوجه کشی باید به عنوان روش های اعمال تن با سکته مغزی درک شود. جهت جوجه کشی در نقاشی بسیار مهم است. با ضربه های هدایت شده در امتداد شکل یک جسم، می توان به سه بعدی دست یافت، و برعکس، اگر به طور تصادفی اعمال شود، فرم از بین می رود، تصویر با لکه های بی شکل پوشیده می شود.

استادان طراحی اغلب از سایه‌زنی استفاده می‌کردند - تکنیک مالیدن یک لایه مداد به صورت صاف با قلم روی سطح کاغذ برای به دست آوردن یک رنگ نرم نرم با استفاده از سایه‌زنی یا سواب‌های کاغذ و اغلب پشم پنبه. ایلیا افیموویچ رپین از این تکنیک اغلب و به طور مؤثر استفاده می کرد.

در فرآیند کار مربوط به انتقال نسبت نور و سایه روشن‌ترین و تاریک‌ترین مکان‌ها در محیط طبیعی مشخص می‌شود و با رعایت آن‌ها به‌عنوان نقاط مرجع آهنگی، به تدریج شدت نور لازم را به دست می‌آورند. و همیشه باید نقاشی را با طبیعت مقایسه کنید و یک بار دیگر مقایسه کنید. برای این کار حتی می توانید با فاصله کمی از طراحی فاصله بگیرید تا کار خود را از منظری تا حدودی دور ببینید. ترفند دیگری برای مقایسه وجود دارد - به تصویر در آینه نگاه کنید، نیمه به تصویر تبدیل شده اید. آینه همچنین باید یک شی طبیعی را منعکس کند. چنین مقایسه ای می تواند به دیدن اشتباهات در لحن و رفع آنها کمک کند. تکنیک آینه نیز موثر است زیرا به شما امکان می دهد کار خود را از زاویه ای غیرمنتظره ببینید. هر نقاش نه تنها به تصویر خود عادت می کند، بلکه اغلب، به دلیل بی تجربگی و کم کاری، متوجه اشتباهات جدی در نقاشی نمی شود، نه به ذکر لحن. چنین نگاه غیرمنتظره ای به شما کمک می کند فوراً یک یا آن نقص را ببینید که توجه به آن به دلیل ناتوانی در برخورد انتقادی با نقاشی خود دشوار است.

آخرین مرحله کار بر روی یک نقاشی طبیعت بیجان با توانایی طراح در تکمیل تصویر همراه است، یعنی. برای تطبیق تصویر با برداشت کلی بصری با درک یکپارچه از محیط طبیعی.

1. زندگی بی جان چیست؟
2. چند مرحله از نقاشی طبیعت بی جان را باید طی کنید؟
3. شما از اصطلاح "طرح بندی" چه می فهمید؟ چیدمان در نقاشی چه نقشی دارد؟
4. چرا باید یک تولید طبیعی را نه به صورت جزئی، بلکه به عنوان یک کل درک کرد؟
5. کشیدن سکته در یک فرم به چه معناست؟
6. توالی روشمند کار روی طبیعت بیجان چیست؟
7. چگونه اصطلاح "تعمیم تصویر" را درک کنیم؟

شما نیاز خواهید داشت

• - کاغذ؛
• - مدادهای ساده:
• - پاک کن؛
• - کارت پستال؛
• - ظروف و سایر اقلام به شکل ساده؛
• - مدل های گچی

دستورالعمل

برای تسلط بر مهارت های طراحی از طبیعت، با دیدن نقاشی های دیگران شروع کنید. میتونه باشه کارت تبریکبا شخصیت های کارتونی، تصویرسازی برای کتاب های کودکان، تکثیر نقاشی های هنرمندان مشهور و غیره. یک تصویر ساده را امتحان کنید. تجزیه و تحلیل کنید که تصویر از چه قسمت هایی تشکیل شده است، این یا آن عنصر شبیه چه شکل هندسی است، قطعات در چه زاویه ای نسبت به یکدیگر قرار دارند، نسبت اندازه را تنظیم کنید. ابتدا قرعه کشی کنید مداد سختو خطوط اشتباه را با پاک کن پاک کنید.

بعد از اینکه نحوه ترسیم تصاویر از روی تصاویر را یاد گرفتید، به سمت کشیدن اجسام سه بعدی با فرم ساده بروید. به عنوان مثال، می تواند یک فنجان مات باشد. آن را در فاصله ای از خود قرار دهید و به دقت در نظر بگیرید. نسبت ارتفاع و عرض را تنظیم کنید، ببینید دسته چقدر از پایین فاصله دارد و چه شکلی است. بهتر است فنجان را طوری قرار دهید که یک طرف آن خیلی خوب و طرف دیگر در سایه باشد. با دقت نگاه کنید که مرز نور و سایه از کجا می گذرد. توجه کنید که چگونه طرفی که در سایه است تیره تر به نظر می رسد. ببینید آیا تابش نوری در دیوار جلو وجود دارد یا خیر. به عنوان یک قاعده، در محدب ترین قسمت قرار دارد. همچنین به این نکته توجه کنید که دیوار مقابل کمی از بالا قابل مشاهده است و دایره در زاویه به نظر می رسد بیضی باشد.

یک فنجان بکشید. کشیدن آن را با یک خط عمودی شروع کنید. ارتفاع را کنار بگذارید، خطوط افقی را از طریق علائم بکشید. یک عرض روی آنها قرار دهید یک مستطیل بکشید. بیضی های بالا و پایین را روی محورها بکشید. قسمت پایین به طور کامل قابل مشاهده نخواهد بود، بلکه تنها قسمتی از آن که نزدیکتر به بیننده قرار دارد قابل مشاهده خواهد بود. ضخامت دیوار را بکشید. مکانی را برای قلم مشخص کنید و خطوط کلی آن را بکشید. جوجه کشی شکل فنجان را منتقل می کند. ضربه ها می توانند عمودی یا کمانی باشند. در حالت اول، در مکان های تاریک، جوجه ریزی ضخیم تر خواهد بود. سعی کنید اشیاء مات بیشتری را با یک شکل ساده بکشید، سپس به طراحی گلدان های شیشه ای، لیوان ها و غیره بروید.

با تسلط بر طراحی ظروف، یک مدل گچ بردارید. بهترین مکان برای شروع با ماسک است. قبل از شروع به کار، بسیار مفید است که حداقل به طور خلاصه با آناتومی برای هنرمندان آشنا شوید. به طور خاص، شما به بخشی در ساختار صورت نیاز دارید. در آنجا نسبت های اولیه و اطلاعات اولیه در مورد نحوه ساخت فونداسیون صورت را خواهید یافت. طراحی مدل های گچی در دانشگاه های هنر تعداد ساعات تدریس زیادی دارد. تسلط برای یک هنرمند آماتور مهم است اصول کلیبه منظور یادگیری نحوه ترسیم چهره های افراد زنده در آینده.

سعی کنید منظره ای از طبیعت ترسیم کنید. ابتدا باید آنچه را که می خواهید به تصویر بکشید انتخاب کنید. در مرحله اولیه، ساده ترین مناسب است ساختار معماری. به عنوان مثال، این می تواند یک خانه روستایی باشد. قبل از اینکه آن را بکشید، چشم انداز و نحوه انتقال آن در نقاشی را بیاموزید. روی ورق، مکان هایی را برای همه اشیاء - خانه ها، نرده ها، درختان، تخت گل ها علامت گذاری کنید. سعی کنید آنچه را که می بینید در هواپیما تصور کنید. ارتفاع درخت نسبت به ارتفاع خانه بستگی به فاصله هر دو شی از بیننده دارد. اجسام دورتر کوچکتر به نظر می رسند. به این نکته توجه کنید که دیوار خانه که با زاویه نسبت به شما ایستاده است کوتاهتر از آنچه هست به نظر می رسد و اگر آن را در هواپیما تصور کنید در زاویه ای به سمت بالا قرار می گیرد. خطوط تمام اشیاء را ترسیم کنید و سپس آنها را با در نظر گرفتن شکل هر کدام، نسبت قطعات و غیره ترسیم کنید. توالی کار بر روی منظره تفاوت چندانی با آنچه هنگام ترسیم عناصر یک طبیعت بی جان استفاده کردید ندارد، به سادگی اشیاء بیشتری در تصویر وجود دارد و روابط بین آنها پیچیده تر خواهد بود.

7. درس نقاشیپرتره.

آشنایی با تکنیک های دروس نقاشی.

اساس صحیح کشیدن پرترهانسان معرفت است تکنیک های اساسیدر درس طراحی سر

کشیدن سر با مداد هم به دانش عمیق تر و هم به تجربه بیشتر نیاز دارد ، زیرا کار در اینجا نه تنها در تصویر صحیح سر بلکه در انتقال شخصیت و بیان فردی است که مخصوصاً مشخصه چهره انسان است.

بنابراین، حل مشکلات نقاشی آموزشی، دانش آموزان در هنرستان نیات هنر جدید، در عین حال در خود یک بازنمایی بصری از یک شخص ، توانایی درک و انتقال سریع ماهیت ، شخصیت او با نهایت اختصار ایجاد می کنند. یعنی یک کار مهم و دشوار در برابر هنرمندان تازه کار ظاهر می شود - گرفتن تصویر یک شخص روی کاغذ. که در داستاننمونه هایی از توانایی قابل توجه برای تعریف با دو یا سه ضربه وجود دارد ویژگیهای فردیبه عنوان مثال، در "ارواح مرده" اثر N.V. گوگول، چهره زیبای یک دختر با یک "بیضه تازه گذاشته شده"، یک چهره پهن خشن با یک "کدو تنبل مولداوی" مقایسه می شود. این بسیار مهم است که از طریق مشاهده، طرح هایی از طبیعت، نقاشی هایی از حافظه، علاوه بر درک سازنده و تصویری از جهان عینی اطرافمان، در خود ایجاد شود. این به هنرمند کمک می کند تا از خشکی و پروتکل بیش از حد در کار خود جلوگیری کند.

برای ترسیم پرتره با مداد در درس، توصیه می کنیم طبیعت را با رساترین اشکال انتخاب کنید و سعی کنید با نورپردازی مناسب بر آنها تأکید کنید.

با شروع یک نقاشی، اگر سر شخص را از همه طرف بررسی نکرده اید، ویژگی های مشخصه، چرخش و تمایل آن را متوجه نشده اید، دست به کار نشوید. از قبل ایده ای از مدل داشته باشید و آن را در طول بقیه کار در ذهن داشته باشید.

صرف نظر از دیدگاه طبیعت، توصیه می شود آن را "به عنوان یک کل" احساس کنید. همانطور که هنگام کشیدن یک مکعب () اضلاع قابل مشاهده آن را با در نظر گرفتن اضلاع پنهان از دید ما ترسیم می کنیم. پس در هنگام آموزش نقاشی هد به صورت نیمرخ شده باید اتصال تمامی قسمت های آن را احساس کرد. به عنوان مثال، با نگاه کردن به طبیعت از جلو، باید آن را از پشت، در نیمرخ و در یک چرخش سه چهارم تصور کنید. برای اینکه بال کمی مشخص شده بینی، چشمی که از پشت بینی به سختی قابل مشاهده است، یا قسمت کوچک شده و تقریبا نامحسوس لب به درستی بازسازی شود، لازم است هنگام کشیدن سر در یک چرخش، این فرم ها را به طور کلی نشان دهیم. نزدیک به پروفایل و فقط در این شرایط آنها، حتی اندکی مشخص شده، قانع کننده خواهند بود و می توانند در ساخت کل سر شرکت کنند. برای اینکه به درستی، در نقطه، گوش، چشم، استخوان گونه را در حین چرخش نیم رخ بکشید، باید محل شکل های جفت نامرئی، اما متناظر را تصور کنید و فرم های قابل مشاهده تصویر شده را به صورت ذهنی با آنها پیوند دهید.

بنابراین، برخلاف نظر مبتدیان، می‌توان نتیجه‌گیری بسیار مهمی داشت که ساختن یک سر در پروفیل ساده‌ترین کار نیست، بلکه برعکس، نیاز به توجه و تجربه زیادی دارد.

بدون درک جامع از فرم و تسلط بر قوانین آن، بدون بهبود مهارت های خود در کلاس درس، کل فرآیند طراحی به یک کپی مکانیکی از طبیعت کاهش می یابد.

آموزش طراحی با مدادمدل زنده

با توجه به ویژگی های بینایی ما، هر شیئی توسط ما "فورا" درک می شود. ما به طور همزمان تمام ویژگی های پلاستیکی و نوری آن را می بینیم و بنابراین یکپارچگی ادراک بصری و انتقال آن نقش تعیین کننده ای در تصویر واقعیموارد.

در درس ها توضیح می دهیم که ترسیم طبیعت با چسباندن یک قسمت به قسمت دیگر غیرممکن است، زیرا در طبیعت همه چیز با هم وجود دارد و همه چیز باید به عنوان یکی ایجاد شود.

اما از آنجایی که از نظر فیزیکی غیرممکن است که "همه به یکباره"، "همه با هم" را به تصویر بکشید و کشیدن سر به صورت جزئی، به طور معمول به نتایج منفی منجر می شود، طراح مبتدی باید راهی برای حفظ یکپارچگی ادراک بصری پیدا کند. طبیعت و بررسی جزئیات آن. برای انجام این کار، او باید اول از همه، مانند یک مجسمه ساز، یک توده کلی، اما مشخصه از کل سر بسازد. سپس به تدریج روی شناسایی اشکال بزرگ آن و سپس جزئیات کار کنید، اما آنها را به طور جداگانه کپی نکنید، بلکه آنها را با یکدیگر و با کل سر مقایسه کنید، چه در طبیعت و چه در نقاشی. چنین کاری توسط "روابط" (در فرم، در لحن، تناسب) نوعی سیمان است که تمام قسمت های سر را در یک کل پیچیده در کنار هم نگه می دارد.

بنابراین، ما تأکید می کنیم که در درس های طراحی سر، اول از همه، باید با فرم هدایت شوید، با "روابط" کار کنید، با تسلط بر توالی کار از کلی به خاص، از ساده به خاص. مجتمع

ما در دوره های خود به نظم خاصی پایبند هستیم: کار باید ابتدا، میانه و پایان خود را داشته باشد. نقض این توالی منجر به ترسیم ناسازگار و تصادفی طبیعت می شود.

در ابتدای دوره، هنگامی که هنرمند مبتدی به سرعت شکل کلی سر را بر روی ورق مشخص می کند و قسمت های اصلی آن را نشان می دهد، با روش تعمیم اولیه کار می کند.

در میانه ی کار به شکلی تعمیم یافته، اشکال کوچک آن آشکار می شود. در اینجا، طراح مبتدی به تحلیل و جزئیات می پردازد.

در پایان کار، هنگامی که کوچکترین جزئیات پیدا می شود، هنرمند تازه کار دوباره به تعمیم باز می گردد، اما به تعمیم نهایی، که به کمک آن چیز اصلی در نقاشی برجسته می شود و ثانویه تابع آن است.

بنابراین، یک توالی سخت در کار در این درس طراحی شرط اصلی برای تکمیل موفقیت آمیز نقاشی است.

برای یادگیری نحوه درست کشیدن سر، یک بار دیگر در مورد نیاز به شروع کار با لمس آرام مداد روی کاغذ به شما هشدار می دهیم. خطوط تیز و سیاهی که مبتدیان دوست دارند به آن متوسل شوند تا تشخیص اشتباهات را دشوار کنند، حتی کمتر آنها را اصلاح کنند. سوء استفاده از نوار الاستیک (پاک کن) بافت سطحی کاغذ را از بین می برد و آن را برای کارهای بعدی تقریباً نامناسب می کند. فشار مداد و قدرت تن باید با پیشرفت صحیح نقاشی افزایش یابد.

برای شروع، با انتخاب یک دیدگاه در مورد طبیعت، اندازه نقاشی را تعیین کنید (بسته به درجه حذف آن از نقاشی، کمی کوچکتر از طبیعت). این مقیاس مورد نظر را در طول کار دنبال کنید، در غیر این صورت می توانید نسبت های سر به تصویر کشیده شده را نقض کنید.

شما همچنین باید از محل نقاشی روی ورق مراقبت کنید: به چرخش و شیب سر و محیطی که آن را همراهی می کند (پس زمینه، بخشی از لباس، سایه در حال سقوط) بستگی دارد.

اولین اشتباه در طراحی برای مبتدیان، قرار گرفتن سر در مرکز ورق بدون توجه به موقعیت آن در فضا است. به عنوان مثال، بیایید یک طرح از یک سر که به صورت نیم رخ نشان داده شده است را در نظر بگیریم و آن را در وسط یک ورق مربع قرار دهیم به طوری که خطوط بیرونی سر در فواصل مساوی از لبه های کاغذ باشد و مرکز نقاشی با مرکز هندسی مربع (شکل 1).

در این مورد، طراحی سر تا حدودی به سمت نیمرخ تغییر یافته و دست کم گرفته شده است، زیرا قسمت جلویی از پشت سر "بیشتر" است: به عنوان بیان شباهت و بیان، توجه بیننده را به خود معطوف می کند. پدیده مشابهی هنگام مقایسه قسمت های بالایی و پایینی سر رخ می دهد - دومی، غنی از جزئیات، به نظر وزن بیشتری نسبت به قسمت بالایی دارد.

نقشه های انجام شده (1 و 2) قابل مقایسه هستند و خواهید دید که حرکت جزئی سر روی ورق به سمت راست و بالا (شکل 2) آرایش ترکیبی آن را بهبود می بخشد و آن را حیاتی تر و قانع کننده تر می کند. این اصل قرارگیری برای تمام موقعیت های سر در فضا قابل اجرا است.

در طرح اولیه سر و گردن، هنرمند مبتدی باید به موقعیت آنها نسبت به عمودی و افقی توجه کند که قبلاً در درس ها در مورد ساخت سرهای گچی صحبت کردیم. در درس های طراحی، موقعیت سر را می توان مستقیم، کج یا چرخان انجام داد. چرخش ها و کج ها اغلب در حرکت با هم ترکیب می شوند و یکدیگر را تکمیل می کنند.

تقارن جفتی در ساختار سر (دو غده جلویی، دو قوس فوقانی، دو حفره چشم، دو استخوان گونه) این امکان را به وجود می‌آورد که یک خط میانی (پروفایل) را در حال عبور از صورت تصور کنید. با چرخاندن سر به سمت بیننده، چنین خطی به صورت عمودی اجرا می شود و سر را به دو قسمت مساوی تقسیم می کند. وقتی سر به سمت راست یا چپ چرخانده شود، این خط کمکی حالتی کم و بیش مقعر به خود می گیرد و سر را به دو قسمت نابرابر تقسیم می کند. نسبت این قسمت ها میزان چرخش را تعیین می کند.

خط وسط (پروفایل) کمک می کند تا تمام سرهای جفت شده در فرآیند کار در جای خود قرار گیرند و با عبور از وسط پل بینی، پایه بینی، لب ها و چانه به طور دقیق موقعیت آنها را مشخص می کند.

یک خط عرضی و کمکی که از وسط حفره های مداری به سمت دهانه گوش می گذرد، سر را به دو قسمت تقریباً مساوی تقسیم می کند: قسمت فوقانی پیشانی - از استخوان های جداری تا پل بینی و قسمت پایینی - از پل بینی. بینی تا چانه این خط عرضی (کمکی) به دلیل ماهیت محل قرارگیری در امتداد حجم سر (مستقیم یا مقعر) به تعیین درجه شیب سر و زاویه کمک می کند. در شکل های 3 و 4 می توان دید که چگونه با پرتاب سر به عقب، فرم های بالایی آن به قیمت پایین تر کاهش می یابد و با پایین آوردن سر، پدیده معکوس مشاهده می شود.

خطوط کمکی فوق (پروفایل و عرضی) که در نقطه ای از روی پل بینی عبور می کنند، به اصطلاح "صلیب" را تشکیل می دهند. که به درستی در ابتدای نقاشی مشخص شده است، موقعیت سر را در فضا تعیین می کند و مبنای کار بعدی است. درس های نقاشی(شکل 5).

بر اساس خط عرضی "صلیب"، خطوط موازی با آن مشخص می شود که محل توبرکل های جلویی، قوس های فوقانی، چشم ها، استخوان های گونه، پایه بینی و لبه پایینی چانه را تعیین می کند. در درس ترسیم، در عین حال، باید به روابط متناسب اجزاء توجه کرد و آنها را همیشه با یکدیگر و با کل سر مقایسه کرد (شکل 6).

مسئله تناسب با انقباضات پرسپکتیو فرم ها بسته به موقعیت سر پیچیده می شود. در درس ها، همیشه باید به این نکته توجه کنید که شکل های جفت هم اندازه توسط چشم نابرابر درک می شوند (مثلاً با چرخش سه چهارم، شیب و زاویه).

پس از قرار دادن شکل کلی سر روی ورق، مشخص کردن شخصیت اصلی آن (بیضی شکل، کروی، گسترش به سمت بالا یا پایین)، ترسیم خطوط کمکی که چرخش و شیب را تعیین می کنند، باید به تدریج به ترسیم سطوح اصلی رفت. حجم سر را تشکیل دهید (شکل 7).

یک پسر درس طراحی سر گچ، باید با یک کیاروسکورو سبک کل سطح جلو را از سطوح کناری که به پشت سر می روند جدا کنید. مرز سطح جلویی از امتداد شقیقه ها، استخوان گونه و چانه عبور می کند. با کمک همان کیاروسکورو، بدون اینکه نیاز به تعمیم را فراموش کنیم، فرم های کوچکتری را که روی سطح جلوی صورت قرار گرفته اند ترسیم کنید. بنابراین، به عنوان مثال، شکل 7 شکل کلی بینی را در یک چرخش نشان می دهد و جزئیات آن را روی سطوح قرار می دهد: در سطوح جانبی - بال های بینی، در پایین - سوراخ های بینی.

با تجزیه و تحلیل شکل پیشانی، مانند گچ، باید توجه داشت که در قسمت پایین آن توسط پنج سطح تشکیل شده است: وسط - پیشانی، دو طرف جانبی، مجاور آن و دو سطح زمانی. هنگام ترسیم یک فرم زنده، همه این هواپیماها باید از نظر تشریحی توجیه شوند. همچنین باید جایی برای شکل کلی چشم ها، استخوان گونه، چانه، گوش ها، بینی و غیره پیدا کنید (شکل 8).

فرم تعمیم یافته ساخت پرسپکتیو سطوحی که سر را تشکیل می دهند را تسهیل می کند و محل جزئیات کوچکتر را بر روی آنها نشان می دهد. اما حتی در چنین مرحله اولیه تعمیم، نمی توان یک طرح متعارف و تقریباً ترسیم شده ترسیم کرد. برای جلوگیری از این امر، توصیه می شود که "استامپ" کلی سر و قسمت های آن را ترسیم کنید، با انتخاب سطوح توجیه شده توسط آناتومی، و نه بازی تصادفیکیاروسکورو به عنوان مثال، غضروف و پایه استخوانی بینی چهار سطح آن را تشکیل می دهند. توبرکل های جلویی و قوس های فوقانی - سطح جلویی پیشانی.

تکنیک "برش" به طور کامل فقط به عنوان نشانه ای در ساخت پرسپکتیو صفحاتی که حجم سر را تشکیل می دهند قابل استفاده است. در ترسیم طبیعت زنده، یک نمودار شرطی فقط باید راهنمای کار به عنوان یک نقاشی جداگانه، به عنوان وسیله ای برای ترسیم آگاهانه یک مدل باشد. باید به درک ماهیت شکل زنده کمک کند.

شکل‌های سر جفت به طور همزمان ترسیم می‌شوند، نه جداگانه. چشم ها باید فوراً مشخص شوند و جایی برای آنها در حدقه چشم پیدا شود. استخوان های گونه، قوس های فوقانی، غده های جلویی نیز به یکدیگر مرتبط هستند.

رسم سر در "اشکال زوج" شامل مقایسه و مقایسه آنها در حین کار است. این اصل که در آموزش ترسیم طبیعت زنده آمده از اهمیت خاصی برخوردار است. در اینجا، مقایسه فرم های جفتی نه تنها به ساخت و قرار دادن چشم انداز آنها کمک می کند، بلکه به انتقال "ظاهر" آنها نیز کمک می کند، زیرا از نظر ماهیت یکسان هستند، آنها در ظاهر و اندازه آنها در نوبت های مختلف متفاوت درک می شوند.

قبلاً گفته ایم که این روش در هنگام به تصویر کشیدن سر در نیمرخ چقدر مهم است.

با یک چرخش سه چهارم سر، مقایسه فرم های جفت شده با یکدیگر امکان قرار دادن دقیق تر چشم ها را در رابطه با سطوح جانبی بینی، تعیین رابطه بین دیواره های جانبی بینی، بال های آن فراهم می کند. ، سوراخ های بینی، لب ها، تفاوت بین نزدیک ترین و دور ("کاهش") چشم را نشان می دهد.

یک هنرمند تازه کار، با مقایسه اجزای جفت صورت، به راحتی ویژگی های مشخصه آنها را یادداشت می کند: شاید عدم تقارن در چشم ها یا پلک آویزان روی یک چشم، یا ابروهای بالا رفته، گوشه پایین دهان، بینی کمی به طرفین جابجا شده است. ، و غیره.

بنابراین، یادگیری نقاشی با "فرم های زوج" به درک سه بعدی از طبیعت، ساخت چشم انداز اشکال آن و شناسایی ویژگی های مشخصه سر به تصویر کشیده شده کمک می کند.

برای مطالعه جامع حجم سر، نباید به ترسیم آن در یک یا دو حالت محدود شود. در ابتدا توصیه می شود یک سر بر روی یک ورق در زوایای مختلف، چرخش ها و شیب ها ساخته شود و همزمان انقباض پرسپکتیو سطوح آنها را مشاهده و مقایسه کنید (شکل 10).

برای اینکه آگاهانه تر روی فرم کار کنیم، به تکنیک "برش" خیالی از این فرم متوسل می شویم. در یک سر گچ، این "برش" خیالی را می توان با یک خط خاص ترسیم شده جایگزین کرد. شکل (شکل 1) درس طراحی سر گچ این تکنیک را نشان می دهد.

طراحی سر با کمربند شانه ای و گردن به یک درس طراحی جداگانه از مدرسه هنر ما New Art Intention جدا می شود.

بهترین راه برای دیدن ساختار گردن زمانی است که سر، با یک چرخش جزئی، تا حدودی به عقب پرتاب شود. با نورپردازی مناسب، بر ارتباط سازنده بین فرم های به تصویر کشیده شده تاکید می کنیم. بنابراین، می توان تصور کرد که کمربند شانه ای که از جلو توسط استخوان های ترقوه و پشت توسط لبه های قابل مشاهده بالای عضله هود (ذوزنقه) محدود شده است، سکویی را تشکیل می دهد که شکل استوانه ای گردن در آن قرار گرفته است. .

اول از همه، شما باید محل سر را تعیین کنید و آن را به استخوان های ترقوه مرتبط کنید. برای انجام این کار، از حفره ژوگولار، واقع در بین ترقوه ها (که به عنوان پایه شکل نشان داده شده است)، در جهت عضله استرنوکلیدوماستوئید، موقعیت گوش تعیین می شود. یک خط کمکی عرضی که از آن تا حدقه های چشم کشیده شده و یک خط نیم رخ (از حفره گردن از طریق غضروف تیروئید، استخوان هیوئید و از وسط فک پایین به سمت نیمرخ می رود) که متقاطع می شوند، یک صلیب را تشکیل می دهند که با آن سر به روش معمول ساخته شده است.

با این وضعیت سر، عضله استرنوکلیدوماستوئید دیگر منقبض می شود و همچنین با شروع از حفره ژوگولار، به سمت گوش دوم که از دید ما پنهان است می رود.

بنابراین، قرار دادن نقاشی روی ورق، انتخاب حرکت (چرخش و شیب) سر، طرح شکل مشخصه اولیه آن، تعیین نسبت قسمت های اصلی آن، تعیین سه بعدی آنها با کیاروسکورو مشروط (شکل 9) - همه اینها را می توان به ابتدای نقاشی نسبت داد، که انتقال به یادگیری جزئیات نقاشی را آماده می کند.

آموزش دروس ترسیم جزئیات سر انسانما در کلاس های بعدی نقاشی برای مبتدیان در مدرسه هنر ادامه خواهیم داد نیات هنر جدید.