معنا و ویژگی آموزش بازیگری. بازیگری برای مبتدیان: چه تمریناتی در خانه انجام شود

روش هایی که مهارت های بازیگری را توسعه می دهند امروزه در بین بزرگسالان و کودکان بسیار محبوب هستند. دلیل این امر الزاماتی است که خود زندگی مطرح می کند: توانایی پاسخگویی مناسب به محرک های بیرونی، سریع عمل کردن در موقعیت های بحرانی، بیان روشن و واضح افکار خود.

کیفیت دوم بیشتر مورد تقاضای کسانی است که به دلیل ماهیت فعالیت های خود با ارتباطات مرتبط هستند: سخنرانان، کارمندان شرکت که اغلب ارائه می دهند یا گزارش می دهند. راه های اصلی برای کمک به رشد استعدادهای پنهان در خود در زیر ارائه خواهد شد.

قوانین اساسی برای مبتدیان

معمولا آموزش با بیشترین شروع می شود ترفندهای ساده، اما این بدان معنا نیست که آنها ابتدایی یا ناکارآمد هستند. علاوه بر این، بسیاری از آنها با موفقیت در مدارس بازیگری پیشرو استفاده می شوند. بنابراین، اصول بازیگری عبارتند از:

تکنیک های دستیابی به بیان (پانتومیم، صحنه های کوچک)؛
که نام خواهد برد کلمات بیشتربه یک نامه؛
خودش مقلد است;
کار فانتزی (با یک بیوگرافی بیایید).

علاوه بر این، روش های دیگری نیز وجود دارد - تعداد زیادی از آنها وجود دارد. به طور کلی، لازم نیست که پایه علمی را خلاصه کنید یا برخی از پیشرفت های خود را ساده کنید - تا زمانی که آنها عمل کنند. به عنوان مثال، بازی "تلفن شکسته" در بین کودکان بسیار محبوب بود - اما با کمک آن، توانایی شنیدن، بداهه گویی و گاهی اوقات تغییر شکل نیز ایجاد می شود.

پانتومیم از قدیم الایام شناخته شده است، می توان گفت جزئی از رازهای بازیگری است. یک میم باید بتواند هر چیزی را با کمک شکل پذیری، حرکات، ژست های گریزان منتقل کند: حالت، عمل، رویداد. در یونان باستان، بازیگران با کمک پانتومیم شخصیت ها و حتی شخصیت های مختلف را منتقل می کردند. با توجه به اینکه معمولاً ترکیب گروه به شدت محدود بود (و فقط مردان را شامل می شد)، این مستلزم استعداد قابل توجهی بود.

از سرگرمی های عامیانه، پانتومیم بسیار نزدیک به زیر بازی است نام عجیب"تمساح". میزبان، طبق دستور شرکت کنندگان، باید منحصراً از حرکات (بدون گفتن کلمه) برای توصیف یک کلمه، عبارت، گفتار، عمل استفاده کند، در حالی که او باید تمام تلاش خود را بکند تا سایر بازیکنان بتوانند ریبوس را حل کنند.

تمرین هایی با کلماتی که با یک حرف خاص شروع می شوند توسعه می یابد تفکر خلاقانه، درک غیر استاندارد از جهان را آموزش می دهد. نزدیکترین آنالوگ بازی شهرها است. می توان آن را برای رشد مهارت های بازیگری برای کودکان توصیه کرد. حافظه، سرعت واکنش، تخیل را آموزش می دهد، افق ها را توسعه می دهد. تقلید بر اساس توانایی تکرار رفتار، گفتار، راه رفتن دیگران است.

آن را درخشان متعلق به تقلید کنندگان است. شما اجرای یک مقلد با استعداد را تماشا می کنید که به تصویر می کشد آدم مشهورو شما تعجب می کنید: از نظر ظاهری اصلا شبیه به هم نیستند، اما بقیه چیزها مانند 2 قطره آب است! توانایی "تجزیه" به نوع دیگری به ایجاد تصویری منطبق با نقش کمک می کند و آن را تا حد امکان عمیق انجام می دهد.

کار فانتزی در طول سفر در حمل و نقل مفید خواهد بود: با نگاهی به همسفران تصادفی، می توانید در ذهن خود تصور کنید که این شخص چه می کند، کجا کار می کند، خلق و خوی و عادات او چیست. وقتی اطلاعات دقیقی در مورد شخص شناخته شده باشد، اما کسی که او را توصیف می کند آنها را نمی داند، کار دشوارتر می شود.

یک مثال کلاسیک این است که شرلوک هلمز با دوست دکترش حقه بازی می کند و از او می خواهد که یک "پرتره" از یک رهگذر (که در واقع معلوم شد برادر کارآگاه است) بکشد. برای کسانی که به اعمال مختلف باطنی علاقه دارند، تمرین مشابهی وجود دارد: آنها باید با اراده تخیل خود تصور کنند که در شهر ناآشنایا یک مکان کاملاً خارجی و کم کم خود را با حالت آشنا تطبیق دهید.

مهم. در طول کلاس ها، نه آنقدر لازم است که به سرعت نحوه استفاده از تکنیک ها را یاد بگیرید که بر کیفیت اجرای آنها تمرکز کنید. و البته از آزمایش کردن نترسید.

تمرینات توسعه توجه

عناصری که هدفشان تمرکز حواس است، اساس کار هنرمند است. یک فرد همیشه توسط اشیا احاطه شده است، افراد دیگری که او را از انجام کار خود با حداکثر کارایی، بدون تردید و دقیق باز می دارند. بازیگر باید بتواند بدون در نظر گرفتن عوامل تحریک‌کننده، در مدت زمان کوتاهی با تمرکز روی کار (تجسم تصویر) به طور کامل از دنیای بیرون "قطع" کند.

یکی از مهمترین راه های سادهنحوه یادگیری بازیگری در خانه تکنیک شمارش معکوس است. برای این کار باید چشمان خود را ببندید و از 100 تا 1 به طور مساوی با سرعت یکسان بشمارید و در عین حال کارآموز تنفس یکنواخت و عمیق را حفظ می کند و سعی می کند تصویر هر عدد را تصور کند.

راه دوم با توانایی تمرکز بر روی یک موضوع خاص مرتبط است. شما باید یک موقعیت راحت بگیرید و روی چیزی تمرکز کنید، مثلا عقربه دقیقه یک ساعت. تصور اینکه هیچ چیز دیگری جز این موضوع وجود ندارد بسیار مهم است. روش مشابهی توسط هیپنوتیزورها و روان درمانگران هنگامی که بیمار را در حالت خلسه عمیق قرار می دهند استفاده می شود.

ویژگی تمرینات توجه برای کودکان چیست

مهارت های بازیگری برای کودکان 3 سال و بالاتر از همان تمرینات بزرگسالان، اما کمتر پیچیده است. برای مثال، بازی رایج «چند تفاوت را پیدا کن». به کودک دو تصویر نشان داده می شود که با یکدیگر متفاوت هستند. در ابتدا اجازه داده می شود که کودکان را به سمت راست هدایت کنید. به تدریج، کودک یاد می گیرد که به طور مستقل جزئیات مورد نیاز را پیدا کند و کارهای پیچیده تر و بیشتری را انتخاب کند.

مهم. ظرافت خاصی در توانایی علاقه مند کردن کودک، وارد کردن یک عنصر از بازی به کار مورد نیاز است. اگر با یک کلام، اقدامی سهل‌آمیز، کودک را از انجام کاری دلسرد کرد، دیگر اسیر او نمی‌شود.

چگونه آنها به آشکار شدن استعداد پانتومیم کمک می کنند

توانایی انتقال احساسات و تجربیات ظریف با کمک حرکات، انعطاف پذیری، رقص برای مدت طولانی شناخته شده است. نمونه های قابل توجهاز این مهارت بازیگری برای بزرگسالان - بازیگران خیابانی، دلقک های سیرک، تئاتر کابوکی ژاپن. هدف هنرمند استفاده از زرادخانه محدودی از وسایل (آرایش، لباس) است تا آنچه را که بیننده می خواهد به دقیق ترین شکل ممکن منتقل کند. انجام این کار به استعداد واقعی نیاز دارد.

علاوه بر این، بازیگران به سبکی خاص و مینیمالیستی آرایش می کنند و تمرکزشان بر انتقال ایده با زبان بدن و حرکات بدن است. سامرست موام در کتاب خود به نام تئاتر شخصیت اصلی، بازیگر نقش اول، در هنر نگه داشتن مکث تا حد کمال تسلط یافت - و با کمک این تکنیک هر نقشی را به خوبی ایفا کرد.

یک متخصص پانتومیم باید بیاموزد که احساسات را با حرکات ظریف، چرخاندن بدن، کج کردن سر منتقل کند: خشم، غم، شادی، ناامیدی، و به طوری که مخاطب توهم کاملی از آنچه اتفاق می‌افتد داشته باشد، بدون شک.

نحوه توسعه هماهنگی

توانایی حرکت پلاستیکی و دقیق یا هماهنگی کمک بزرگی در بهبود مهارت های بازیگری برای نوجوانان است. رقص‌ها، بازی‌های خارج از منزل، از جمله بازی‌های تیمی، و ورزش‌ها برای عادت دادن دستگاه دهلیزی به جهت‌گیری در فضا فراخوانی می‌شوند.

در عین حال ، چنین فعالیت هایی به رشد شخصیتی هماهنگ کمک می کند - کاملاً مطابق با گفته چخوف ، که معتقد بود همه چیز در یک فرد باید زیبا باشد. برخی از ورزش ها مانند تنیس به طور همزمان بر تقویت عضلات و رشد چشم تأثیر می گذارد. انجام حرکات پیچیده و بسیار متمرکز در اسکیت یا ژیمناستیک نیز با تمرینات سخت به دست می آید. اما بازیگری برای مدل ها شامل تمرین هایی در مورد توانایی حرکت آسان و پلاستیکی و همچنین حس تعادل است.

می توانید با اصول اولیه شروع کنید: یاد بگیرید با حفظ تعادل روی یک پا بایستید. یا توپ را به دیوار پرتاب کنید و سعی کنید آن را در ریباند بگیرید (گزینه دشوارتر - ایستادن روی یک پا). آنها در بازی هایی که نیاز به حرکت در یک الگوی پیچیده دارند، هماهنگی خوبی ایجاد می کنند، در حالی که برخی از وظایف را انجام می دهند: بسکتبال، فوتبال، هاکی.

مهارت‌های بازیگری برای مبتدیان شامل تمرین‌هایی برای حفظ تعادل روی میله ورزشی یا چوب، موانع است.

نمونه هایی از تمرین ها و مطالعات

فرقی نمی کند که بازیگری برای زندگی لازم است یا فقط به عنوان یک سرگرمی، برای توسعه آن، همه می توانند چندین تمرین اساسی را توسعه دهند، که با تکرار آنها، دستیابی به نتایج ملموس کاملاً امکان پذیر است:

جلوی آینه ورزش کنید. با نگاه کردن به بازتاب خود، شعری را با بیان بخوانید، آواز بخوانید، سعی کنید احساسات را تا حد امکان به طور کامل منتقل کنید. به آماده شدن برای سخنرانی در جمع کمک می کند، دیکشنری را توسعه می دهد و آستانه ترس از سخنرانی را کاهش می دهد.
حال و هوا را نشان دهید. سعی کنید با وضعیت بدن، حالات چهره مملو از احساسات باشد (مثلاً شادی). برای این کار باید تعدادی را ارائه دهید رویداد روشن، به معنای واقعی کلمه دوباره آن را احساس کنید و بازی کنید، یک تصویر ایجاد کنید فرد شاد. این دسته همچنین شامل توصیه هایی در مورد چگونگی یادگیری گریه کردن با کمک بازیگری است: شما باید یک رویداد غم انگیز و غیرقابل تحمل در زندگی خود را به یاد بیاورید (تراژدی شخصی، تجربه احساسی) و خود را مجبور کنید آن را دوباره زنده کنید.
بداهه پردازی آزاد. یک تصویر منحصر به فرد پیدا کنید، آن را مطابق با آن بازسازی کنید کوچکترین جزئیات(راه رفتن، گفتار، رفتار، لهجه) و پرتره را با کمک آنها کامل کنید. می توانید از دوستان و آشنایان کاریکاتورهای دوستانه بسازید و سپس از آنها بپرسید که این کپی چقدر موفق بوده است.

توجه در طول هر تمرین، مهم است که بیش از حد بازی نکنید، به صداقت و ظرافت تجربیات تکیه نکنید و بر تظاهرات بیرونی احساسات تأکید نکنید.

سرانجام

هیچ روش کاملاً جهانی برای نحوه یادگیری بازیگری وجود ندارد - فقط توصیه های کلی وجود دارد. و در حال حاضر بر اساس آنها، هر کسی - یک معلم، یک دانش آموز، یک تاجر، یک هنرمند مشتاق، می تواند استعدادهای طبیعی خود را توسعه دهد یا مهارت های جدیدی به دست آورد.

در زمان ما، بازیگری در همه شکل ها و انواع آن در حال رونق و رواج است. روزانه هزاران فیلم روی پرده های سینما اکران می شوند که اکثر آنها با ایده و مهارت شخصیت ها شگفت زده می شوند. علاوه بر این، در هر شهر سالن‌های تئاتر، عروسک‌خانه‌ها و مکان‌های عمومی دیگر وجود دارد که هر روز نمایش‌ها، نمایش‌ها، کمدی‌های مختلفی در آن‌ها به نمایش در می‌آید و همه فرصت تماشای آن را دارند. بازی حرفه ایاعضای بازیگران

ارتباط این حوزه از زندگی قابل بحث نیست. به همین دلیل است که هزاران پسر و دختر جوان از کودکی رویای مشهور شدن را در سر می پرورانند تا بتوانند بلندی های این حوزه را فتح کنند و میلیون ها طرفدار در سراسر جهان داشته باشند. اما یک آرزو، متأسفانه، به طرز فاجعه باری کافی نیست. برای ورود به یک مدرسه حرفه‌ای تلاش زیادی می‌طلبد، و حتی تلاش بیشتر برای درک تمام درس‌ها. البته، دوره های بازیگری واقعاً ارزشمندی در آرخانگلسک وجود دارد http://arhangelsk.videoforme.ru/actors_school/actor-full/artist، اما علاوه بر این، خودسازی باید بیشتر آموزش مبتدیان را به خود اختصاص دهد. بهترین ستارگان سینمای جهان ادعا می کنند که زمانی فقط 50 درصد دانش را از هر یک دریافت کرده اند موسسه تحصیلی. هر چیز دیگری کار بی پایان روی خودتان است!

برای یک تازه کار از کجا شروع کنیم؟

در میان دانش آموزان جوان و مستعد این هنر، تمرینات بازیگری بسیار محبوب شده است. شایان ذکر است که چرا این چنین است و آیا آنها شایسته توجه هستند یا خیر.

همانطور که قبلا ذکر شد، خودسازی ستارگان آینده مهم است. برای این منظور ابداع شد مقدار زیادیتمرین هایی که نه تنها به یادگیری تمام ظرافت های این حوزه کمک می کند، بلکه به طور کامل مهارت های بسیار حرفه ای را در خود آشکار می کند. چنین تکنیک هایی در اشکال و ترکیب های مختلف وجود دارد. برخی از آنها به توسعه حالات چهره کمک می کنند، دوم - گفتار، برخی دیگر به یادگیری نحوه تبدیل سریع به شخصیت دیگر و غیره کمک می کنند. در میان میلیون‌ها ترفند، باید چند مورد اساسی را برجسته کنید که به شما کمک می‌کند خود را با شکوه کامل نشان دهید.

تمرینات پایه بازیگری

و بنابراین، نزدیک شدن تجزیه و تحلیل دقیقهر تمرین، شایان ذکر است که از بین تعداد زیاد آنها، انتخاب بهترین مشکل است. اما در این مورد، شما باید حداقل یک گزینه را برای آموزش جنبه های مختلف تجزیه و تحلیل کنید.

ورزش یک آموزش حافظه

با شروع تمرینات برای توسعه مهارت های بازیگری، ابتدا باید شروع به تمرین حافظه خود کنید. از این گذشته ، برای هیچ کس پوشیده نیست که هر بازیگری ، خواه یک آماتور تازه کار باشد یا یک متخصص شناخته شده ، هر روز نیاز به یادگیری تعداد زیادی کلمات و خطوط دارد.

به منظور آموزش مغز خود، بهترین دانشمندان جهانفناوری را توسعه داده است که به شما امکان می دهد اطلاعات زیادی را به خاطر بسپارید. نام این فناوری یادگاری است و در این واقعیت است که شما باید کلمات و عبارات "خام" را حفظ نکنید، بلکه آنها را با تصاویر، تصاویر و غیره مرتبط کنید.

خود تمرین به شرح زیر است. وظیفه شما این است که کلمات یا عباراتی را که می خواهید امروز حفظ کنید، یادداشت کنید. در مرحله بعد، آنها را چندین بار با صدای بلند بخوانید و سعی کنید برای هر کدام یک ارتباط فردی ایجاد کنید. زندگی خود را پیچیده نکنید، فقط یک تصویر روشن را در ذهن خود تصور کنید، و به همین ترتیب با تمام عبارات و عبارات.

در نتیجه، چیزی شبیه به یک نوار فیلم تخیلی دریافت خواهید کرد که به طور متوالی تمام مطالبی را که برای یادگیری نیاز داشتید ارائه می دهد.

تمرین دو آموزش تخیل

با ادامه تمرینات جالب در بازیگری، ارزش آن را دارد که به آموزش تخیل خود بروید. دانشمندان ثابت می کنند که تخیل انسان محدودیتی ندارد، به همین دلیل است که ما رویاهایی می بینیم که ممکن است برخی از آنها کاملاً مزخرف به نظر برسند.

این بخش از آماده سازی نقش مهمی ایفا می کند، زیرا فقط یک فرد آموزش دیده می تواند نقش لازم را تا حد امکان به درستی ایفا کند و تأثیری فراموش نشدنی بر مخاطب و همکاران بگذارد.
تمرین خود پیش پا افتاده است. شما باید در امتداد خیابان راه بروید، به غریبه ها و آنها توجه کنید ظاهرو آداب، نشان دهنده موقعیت زندگی، حرفه آنها، وضعیت تاهل. این بیشتر شبیه تمرین برخی نقل قول های روانی است، اما باور کنید، این تمرین به هر مبتدی کمک زیادی می کند!

تمرین شماره 3. فانتزی را توسعه دهید

"دویدن" در سراسر اینترنت با این درخواست: "تمرینات بازیگری برای مبتدیان"، به تمریناتی توجه کنید که به رشد تخیل کمک می کند. به هر حال، این یک جنبه مهم در حرفه هر بازیگری است.

چگونه به رشد تخیل خود دست یابید؟ همه چیز به سادگی پیش پا افتاده است. هر چیزی را جلوی خود بگذارید (چه صندلی، یک اسباب بازی، یک وسیله کمد لباس یا چیز دیگری) و سعی کنید با استفاده از تخیل خود بگویید که این وسیله از چه چیزی ساخته شده است و چگونه ساخته شده است. باور کنید، چنین رویکرد بازیگوشی فقط شانس تأثیر بهتر را افزایش می دهد!

تمرین چهار. حالات صورت را توسعه می دهیم

و اکنون به بخش بسیار مهمی از خودسازی یک حرفه ای تازه کار رسیده اید. همه می دانند که سخت ترین وظیفه یک حرفه ای این است که احساسات را تا حد امکان صادقانه منتقل کند. و اغلب اتفاق می افتد که در کادر باید عصبانیت یا گریه شدید را به تصویر بکشید، در حالی که در پشت صحنه همه در حال شوخی و سرگرمی هستند.
برای انجام این تمرین، تعدادی از احساسات ضروری را که می خواهید امروز تقویت کنید، روی یک تکه کاغذ بنویسید. و سپس به نوبه خود در مقابل آینه از هر یک از آنها تقلید کنید. همچنین، پس از اتمام تمرین، از یکی از نزدیکان بخواهید تا مهارت های شما را ارزیابی کند. احساسات آموخته شده را به او نشان دهید و به انتقادات او گوش دهید.

تمرین شماره 5. گفتار حرف اول را می زند!

و بنابراین، با فهرست کردن چهار تمرین اصلی مورد نظر توسعه همه جانبه، لازم است به مهمترین موارد ادامه دهید " کارت کسب و کار" حرفه ای. از این گذشته ، بیشتر نقش ها توسط افرادی با گفتار صحیح و توانایی بیان صحیح افکار خود انجام می شود.
برای رسیدن به این هدف، همه روش ها خوب خواهند بود. بسیاری از ادبیات مختلف، پیچاندن زبان، کلمات خاص و غیره را بخوانید. علاوه بر این، یاد بگیرید که چگونه هنگام تغییر در ایده متن، تعلیق آن و غیره، بین کلمات به درستی مکث کنید. همچنین لازم است تا حد امکان اثر تعجب و سؤال را به گونه ای که حیاتی به نظر برسد و بدون تعصب به نظر برسد.

شدن بازیگر با استعداد، تلاش و زمان زیادی می طلبد. اما هر مسیری برای رسیدن به اوج شکوه با خودسازی شروع می شود ، بنابراین ارزش دارد که اول از همه از خود شروع کنید. برای این منظور، تمرینات زیادی با هدف آموزش تمام جنبه های بازیگر و مهارت های او وجود دارد.

در زندگی ما اغلب بازی می کنیم نقش های مختلفنه فقط روی صحنه همانطور که شکسپیر گفت "تمام جهان یک تئاتر است، در آن زنان، مردان - همه بازیگران". بازیگری نه تنها در تئاتر و سینما مفید است، بلکه می تواند هنگام صحبت در جمع با سخنرانی یا ارائه، در ارتباطات تجاری و در بسیاری از زمینه های دیگر مفید باشد. موقعیت های زندگی. این بخش از سایت ما برای کمک به آموزش بازیگری ایجاد شده است.

این دوره برای بازیگران مبتدی طراحی شده است که فقط در هنر جعل هویت تلاش می کنند و می خواهند در کلاس های آنلاین رایگان برای توسعه مهارت های بازیگری شرکت کنند. در درس های آموزشی به طور مختصر با سیستم های نمایشی استانیسلاوسکی، میرهولد، چخوف، نمیروویچ-دانچنکو آشنا می شوید، با چه ویژگی هایی آشنا می شوید. بازیگر واقعیو چگونه می توان این ویژگی ها را به دست آورد، به هنر تناسخ و هنر تجربه نزدیک شد، توانست سخنرانی های صحنه ای داشته باشد و به طور طبیعی ساده ترین احساسات را در لحظه مناسب بازتولید کند. علاوه بر این، در این بخش با دانشگاه ها، مدارس، محافل و استودیوهای برجسته تئاتر آشنا خواهید شد. می توانید کتاب ها و آموزش های مفید را دانلود و مطالعه کنید. در مورد تمرین ها و بازی هایی که در آموزش بازیگران حرفه ای استفاده می شود آشنا شوید. و همچنین می توانید کلیپ های ویدیویی از آموزش های واقعی بازیگری را با چشمان خود تماشا کنید.

بازیگری چیست؟

هنر بازیگریحرفه ای است فعالیت خلاقدر زمینه هنرهای نمایشی، شامل خلق تصاویر صحنه (نقش)، نوعی هنر نمایشی است. ایفای نقش خاصی در اجرای تئاتر، بازیگر، به قولی، خود را به شخصی تشبیه می کند که از جانب او در نمایشنامه بازی می کند. با تأثیرگذاری بر بیننده در حین اجرا، فضای بازی خاص و جامعه ای از بازیگران و تماشاگران ایجاد می شود.

در جامعه مدرن، زمانی که مردم زمان زیادی را صرف رایانه و ابزارهای مختلف تلفن همراه می کنند، برای بسیاری دشوار است که احساس رهایی کنند، احساسات خود را مدیریت کنند، آزادانه ارتباط برقرار کنند و اعتماد به نفس داشته باشند. به همین دلیل، افراد بی تفاوتی یا ترس و همچنین مشکل در بیان افکار و خلق و خوی خود را تجربه می کنند. افسردگی عاطفی منجر به گیره های درونی می شود که نه تنها در حالات چهره، گفتار، حرکات، بلکه در دنیای درونی. بنابراین، بازیگری نه تنها برای کسانی که می خواهند در آینده یک بازیگر حرفه ای شوند، مفید است، بلکه برای افرادی که می خواهند یاد بگیرند چگونه احساسات را مدیریت کنند، اجتماعی، کاریزماتیک و موفق در زندگی باشند، مفید است.

عناصر هنر تناسخ

اساس خلاقیت بازیگری ایده اصلی آن است - تناسخ. تناسخ بیرونی و درونی است. در روند آماده شدن برای نقش، بازیگر برخی از حالات چهره، حرکات، لحن صدا، راه رفتن، متوسل به کمک را انتخاب می کند. همه اینها برای اینکه با اطمینان حداکثری رفتار و سایر ویژگی های بیرونی شخصیتی که توسط او به تصویر کشیده شده است را منتقل کند. اما تناسخ واقعی تنها در انتقال ظاهر شخصیت روی صحنه نیست: بازیگر نشان می دهد دنیای معنویقهرمان او، شخصیت خود را نشان می دهد، افکار و تجربیات خود را بیان می کند.

مفاهیم تناسخ بیرونی و درونی را فقط می توان به صورت مشروط تقسیم کرد. می توان گفت که اینها دو روی یک سکه هستند - فرآیند خلاقکه ارتباط نزدیکی با یکدیگر دارند. در فرآیند تناسخ، عمل، فکر و احساس به طور جدایی ناپذیر با هم متحد می شوند.

برای اینکه واقعاً به شخصیت خود تبدیل شوید، باید چیزهای زیادی بدانید و بتوانید انجام دهید. کنستانتین استانیسلاوسکی دو گروه کلیدی از عناصر مهارت های بازیگری را مشخص کرد:

گروه اول:کار یک بازیگر روی خودش عناصر این گروه فرآیندهای روانی هستند که اراده، ذهن، عواطف، داده های هنری بیرونی و درونی بازیگر در آن مشارکت دارند. همه اینها عناصر استانیسلاوسکی نامیده می شوند خلاقیت بازیگراین موارد عبارتند از: توجه، حافظه، تخیل، حس حقیقت، توانایی برقراری ارتباط، حافظه عاطفی، حس ریتم، تکنیک گفتار، شکل پذیری.

گروه دوم:کار بازیگر روی نقش عناصر گروه دوم هنر بازیگری با کار بازیگر روی نقش مرتبط است که با آمیختگی ارگانیک بازیگر با تصویر شخصیت خود، یعنی تناسخ در تصویر به پایان می رسد. این گروه، به گفته استانیسلاوسکی، شامل 2 نوع مهارت است: هنر بازنمایی و هنر تجربه.

اما بازیگری تنها تناسخ یک شخصیت خاص نیست که همه چیز در مورد آن شناخته شده است. بازیگر باید فکر کند، شخصیت خود را تصور کند، یعنی وارد شود. استاد مشهور تئاتر استانیسلاوسکی خاطرنشان کرد که حالت خلاق واقعی یک بازیگر شامل چهار عنصر مهم به هم پیوسته است:

توجه صحنه (غلظت فعال)؛
آزادی صحنه (بدنی عاری از تنش)؛
ایمان مرحله ای (ارزیابی صحیح شرایط پیشنهادی)؛
اقدام صحنه ای (میل در حال ظهور برای عمل).

البته یادگیری همه عناصر بازیگری سخت است و همه نمی توانند به آن مسلط شوند. فاینا رانوسکایا یک بار گفت:

نامه هایی دریافت می کنم - به من کمک کن بازیگر شوم. من پاسخ می دهم: "خدا کمک می کند!"

احتمالاً تنها توکل به خدا ارزش ندارد. خواستن و سخت کوش بودن مهم است و کسانی که تلاش می کنند واقعاً مورد لطف شانس و قدرت های بالاتر هستند.

آیا می خواهید دانش خود را آزمایش کنید؟

اگر می خواهید دانش نظری خود را در مورد موضوع دوره آزمایش کنید و بفهمید که چگونه برای شما مناسب است، می توانید در آزمون ما شرکت کنید. برای هر سوال فقط 1 گزینه می تواند صحیح باشد. پس از انتخاب یکی از گزینه ها، سیستم به طور خودکار به سؤال بعدی می رود.

آموزش و آموزش بازیگری

به منظور تسلط بر ویژگی ها و تکنیک های شرح داده شده در بالا که هنر بازیگری را تشکیل می دهند، مجموعه ای از درس ها را برای شما آماده کرده ایم.

(1874-1940) - کارگردان، بازیگر و معلم تئاتر روسی و شوروی. بیومکانیک توسعه یافته توسط او یک سیستم آموزش بازیگری است که به شما امکان می دهد از تناسخ بیرونی به درونی حرکت کنید. اینکه تماشاگر چگونه بازیگر را درک خواهد کرد دقیقاً به حرکت یافت شده و لحن صحیح بستگی دارد. اغلب این سیستم با دیدگاه استانیسلاوسکی مخالف است. در درس های ما، بیومکانیک به عنوان افزودنی به سیستم استانیسلاوسکی در نظر گرفته می شود و هدف آن توسعه توانایی بازتولید احساسات لازم "اینجا و اکنون" است.

(1891-1955) - بازیگر روسی و آمریکایی، معلم تئاتر، کارگردان. در کلاس درس، چخوف افکار خود را در مورد تئاتر ایده آل، که با درک بازیگران از بهترین و حتی الهی در انسان همراه است، توسعه داد. میخائیل چخوف از فلسفه بازیگری خود به عنوان یک ایدئولوژی صحبت کرد. شخص کامل"، که در بازیگر آینده تجسم یافته است. به گفته چخوف، سیستم آموزش بازیگران شامل عناصری مانند دنیای تصاویر و تفکر خلاق، آگاهی بالاتر ما، تکنیک بازیگری حرفه ای، عادات و توانایی کنترل بدن شما است.

(1858-1943) - معلم، کارگردان، نویسنده و چهره تئاتر روسیه و شوروی. برای توسعه مهارت های بازیگری، می توان از مفهوم توسعه یافته توسط نمیروویچ-دانچنکو در مورد سیستم "سه ادراک" استفاده کرد: اجتماعی، روانی و نمایشی. هر یک از انواع ادراک باید برای بازیگر مهم باشد و ترکیب آنها اساس مهارت نمایشی است. رویکرد Nemirovich-Danchenko به بازیگران کمک می کند تا تصاویر زنده و اشباع اجتماعی را ایجاد کنند که با مهمترین وظیفه کل اجرا مطابقت دارد.

کتاب ها و کتاب های درسی

بسیاری از کتاب ها و کتاب های درسی به مهارت های نمایشی و صحنه ای اختصاص داده شده است. برای سهولت در پیمایش در این انواع ادبیات بازیگری، بخش کتاب ویژه ای ایجاد کرده ایم که در آن در مورد جالب ترین و مهم ترین انتشارات مفید برای آموزش بازیگران صحبت خواهیم کرد.

"کار یک بازیگر روی خودش" - K.S. استانیسلاوسکیاین کتاب یکی از مشهورترین و پرطرفدارترین آثار کارگردان و معلم تئاتر بزرگ روسی کنستانتین سرگیویچ استانیسلاوسکی است. می توان گفت این اثر از دیرباز برای هر بازیگر و کارگردانی کتاب مرجع بوده است. این کتاب به درستی یکی از معروف ترین کتاب های درسی بازیگری و هنر تئاتر نامیده می شود. این کتاب به طور مداوم محتوای سیستم به اصطلاح استانیسلاوسکی را ترسیم می کند، که حتی امروزه نیز زیربنای آموزش عملی دانشگاه های تئاتر روسیه و جهان است. علاوه بر توضیحات تئوری خود سیستم، این کتاب حاوی تمرینات مفید و توصیه های کاربردی است.

«درباره تاریخچه روش خلاق: انتشارات. مقالات» - V.E. میرهولد.روش خلاقانه Vsevolod Meyerhold به خوبی درک نشده است. پژوهشگران تاریخ نمایش های کارگردان، اصول کلی کارگردانی مایرهولد را به شیوه های مختلف تفسیر می کنند. برای سال‌های متمادی، مطالعات تئاتر داخلی در توانایی خود برای مطالعه عینی غیرواقعی محدود بود روش های هنری. نظریه تئاتر خود میرهولد رد شد. "وقتی او از اصول تئاتر خود صحبت می کند - او ضعیف و حتی درمانده است - نمی داند از چه اصولی استفاده می کند." این نظر A. V. Lunacharsky مشخصه بسیاری از آثار در مورد Meyerhold بود.

"در مورد تکنیک بازیگر" - M.A. چخوفاین یکی از بیشترین کتاب های معروفمیخائیل چخوف که بازیگران و کارگردانان زیادی را دیده است انواع متفاوت، مدارس، جهت ها و کالیبرها. سفارش، نظام‌مندسازی و ساده‌سازی مطالب انباشته شده سال‌ها طول کشید. نسخه اصلی این کتاب به زبان انگلیسی نوشته شده است، زیرا چخوف پس از انقلاب برای زندگی و کار در ایالات متحده آمریکا نقل مکان کرد. اما اکنون می توان کتاب را به زبان روسی خواند.

"آموزش بازیگری. ژیمناستیک حواس "- S.V. گیپیوساین اثر سرگئی واسیلیویچ گیپیوس کارگردان مشهور تئاتر و معلم بازیگری روسی است که بیش از یک نسل از بازیگران و کارگردانان آینده با او کار کردند. چهارصد تمرین بازیگری ارائه شده در کتاب درسی به آزاد کردن تخیل، توسعه توانایی تناسخ کمک می کند. فانتزی خلاقو شهود در قلب همه تمرین ها سیستم کنستانتین استانیسلاوسکی است که در سراسر جهان به عنوان استاندارد مهارت های بازیگری شناخته شده است و توسط نویسنده به طور خاص برای فرآیند یادگیری عمیقاً درک و اقتباس شده است.

. این کتاب درسی بلاغت توسط هاینز لمرمان، استاد آلمانی دانشگاه برمن، تقریباً در اواسط قرن گذشته نوشته شده است. این کتاب به‌عنوان مقدمه‌ای نظام‌مند بر بلاغت مدرن برای خواننده بدون آموزش زبان‌شناسی و زبان‌شناختی خاص در نظر گرفته شده است. نویسنده سعی می کند مفاهیم کلیدی و اصول بلاغت را که برای هر یک از ما ضروری است، به صورت عمومی آشکار کند. این کتاب درسی هم برای بزرگسالان و هم برای دانش‌آموزان مناسب است و با آن همه می‌توانند بر درس بلاغت ارائه شده توسط نویسنده تسلط پیدا کنند و یاد بگیرند که چگونه در جمع به وضوح و قانع‌کننده صحبت کنند.

"مبانی بازیگری"

مقدمه

سیستم K.S. استانیسلاوسکی به عنوان پایه ای برای آموزش یک بازیگر و کارگردان

کار بازیگر روی نقش

کار کارگردان روی نمایشنامه

اخلاق تئاتر

نتیجه

فهرست منابع استفاده شده

مقدمه

برای دانستن اساس هنرهای نمایشیبازیگران و کارگردانان تازه کار، آنها باید سیستم کنستانتین استانیسلاوسکی را مطالعه کنند. این به عنوان یک راهنمای عملی در نظر گرفته شده است که مشکل تسلط آگاهانه بر فرآیندهای خلاقانه ناخودآگاه را حل می کند و راه تناسخ بازیگر را به یک شخصیت بررسی می کند. سالها کار استانیسلاوسکی به عنوان بازیگر و کارگردان الهام بخش او برای نوشتن کتاب «زندگی من در هنر» شد. او همچنین کتاب «کار بازیگر روی خود» را نوشت و قصد داشت کتاب‌های «کار بازیگر نقش» و «کار کارگردان روی نمایشنامه» را منتشر کند، اما وقت نکرد، اما ما می‌توانیم این موضوعات را از رئوس مطالب منتشر شده در آثار گردآوری شده مطالعه کنیم.

نظام او مبتنی بر اصول و روش های بازیگری صادقانه است. او در کتاب‌هایش بر آن دسته از حقایقی تکیه می‌کند که به آشکار کردن اصلی‌ها کمک می‌کنند موضوع خلاقانهو آن را اجرا کنند. آثار او با ایده ها و وضوح ارائه هنری غنی شده است.

استانیسلاوسکی در مورد هر چیزی که به تئاتر مربوط می شود سختگیر است. او به شدت خودانتقادگر و فساد ناپذیر است. هر یک از اشتباهات او یک درس است و هر پیروزی گامی به سوی پیشرفت است.

همچنین در میان آرشیو استانیسلاوسکی می توانید آثاری در مورد اخلاق تئاتر پیدا کنید. او به شخصیت اخلاقی بازیگر اهمیت زیادی می داد. اما حتی در زندگی من در هنر نیز به مسائل اخلاقی توجه زیادی داشت.

تحت تأثیر قوی و مقاومت ناپذیر ایده های خلاقانهاستانیسلاوسکی هنر تئاتر مدرن را توسعه می دهد.

سیستم K.S. استانیسلاوسکی به عنوان پایه ای برای آموزش یک بازیگر و کارگردان

سیستم استانیسلاوسکی از اهمیت پایه حرفه ای هنرهای نمایشی برخوردار است. این به عنوان تعمیم تجربه خلاقانه و آموزشی استانیسلاوسکی، پیشینیان تئاتری و معاصران او پدید آمد. اکتشافات استانیسلاوسکی که مهمترین قوانین بازیگری را که ریشه در ذات انسان دارد کشف کرد، انقلابی در هنر تئاتر و آموزش تئاتر ایجاد کرد. اصل اصلی سیستم استانیسلاوسکی حقیقت زندگی است. معلم مدرسه تئاتر باید بیاموزد که حقیقت صحنه را از دروغ تشخیص دهد، برای این کار لازم است عملکرد هر کار خلاقانه ای را با حقیقت خود زندگی مقایسه کرد. این مسیری است برای نمایش واقعی و زنده.

برای اینکه همه چیز از زندگی به صحنه کشیده نشود، انتخاب لازم است. انتخاب توسط اصل دوم استانیسلاوسکی - مهمترین کار - ترویج می شود. این خود ایده نیست، این ایده برای این تجسم یافته است. این آرزوی نویسنده است که با کار خود در مبارزه برای چیزی جدید شرکت کند. دکترین مهم ترین وظیفه نه تنها لازمه کنشگر خلاقیت ایدئولوژیک است، بلکه لازمه فعالیت ایدئولوژیک او نیز هست. با در نظر گرفتن مهمترین وظیفه، هنرمند چه در انتخاب متریال و چه در انتخاب اشتباه نمی کند تکنیکو وسایل بیانی

سومین اصل سیستم استانیسلاوسکی، اصلی است که کنش را به عنوان عامل ایجاد کننده تجربیات صحنه و ماده اصلی در بازیگری تأیید می کند. این یک اصل مهم از بخش عملی سیستم است - روش کار بر روی نقش. تمام دستورالعمل های روش شناختی و تکنولوژیکی استانیسلاوسکی با هدف بیداری طبیعی است طبیعت انسانبازیگر برای خلاقیت ارگانیک مطابق با مهمترین وظیفه. هیچ چیز مصنوعی، هیچ چیز مکانیکی در کار یک بازیگر نباید وجود داشته باشد، همه چیز در او باید از الزامات ارگانیک بودن پیروی کند - این چهارمین اصل استانیسلاوسکی است.

مرحله نهایی فرآیند خلاق در بازیگری، از دیدگاه استانیسلاوسکی، خلق یک تصویر صحنه ای از طریق تبدیل خلاقانه ارگانیک بازیگر به تصویر است. اصل تناسخ اصل تعیین کننده سیستم است. اما هنر یک بازیگر در درجه دوم قرار دارد، اجرا. بازیگر در کار خود بر هنر دیگری - بر هنر نمایشنامه نویس - تکیه دارد. و در کار نمایشنامه نویس، تصاویر از قبل داده شده است، البته در فرم ادبی. اگر یک بازیگر خوش لباس و آرایش شده حداقل نقش خود را با شایستگی بخواند، مشخص است تصویر هنری. خالق چنین تصویری یک بازیگر نیست. خالق آن نمایشنامه نویس بوده و هست. با این حال بیننده نه نمایشنامه نویس، بلکه بازیگر را روی صحنه می بیند و از بازی او برداشت می کند. اگر بازیگری نه از سر راه، بلکه با جذابیت شخصی یا داده های بیرونی به مخاطب گوش دهد، این هنر نادرستی است. استانیسلاوسکی مخالف خودشیفتگی و خودنمایی بود. استانیسلاوسکی آموخت که یک بازیگر نباید خودش را در تصویر دوست داشته باشد، بلکه باید تصویر را در خودش دوست داشته باشد.

استانیسلاوسکی به شخصیت بیرونی و هنر تناسخ بازیگر اهمیت زیادی می داد. اصل تناسخ شامل تعدادی از تکنیک های خلاقیت صحنه است. بازیگر خودش را در شرایط پیشنهادی قرار می دهد و از خودش سراغ کار می رود. متفاوت شدن، خود ماندن - این فرمول آموزش استانیسلاوسکی است. شما نمی توانید یک دقیقه خود را روی صحنه گم کنید و پاره کنید تصویر ایجاد کرداز طبیعت ارگانیک خود، زیرا ماده برای ایجاد تصویر دقیقاً زنده است شخصیت انسانیخود بازیگر استانیسلاوسکی اصرار دارد که بازیگر در روند کار روی نقش، با جمع آوری کیفیت های درونی و بیرونی تصویر در خود، به تدریج متفاوت می شود و کاملاً به تصویر تبدیل می شود، دائماً خود را بررسی می کند - آیا خودش باقی می ماند یا نه. بازیگر باید از اعمال، احساسات، افکار، از بدن و صدای خود، تصویری را که به او داده شده است، خلق کند، "از خود برود" - این معنای واقعی فرمول استانیسلاوسکی است.

کار بازیگر روی نقش

کار روی نقش شامل چهار دوره بزرگ است: شناخت، تجربه، تجسم و تأثیر. شناخت یک دوره مقدماتی است. از اولین آشنایی با نقش شروع می شود. دانستن یعنی احساس کردن با این حال، برداشت اولیه ممکن است اشتباه باشد. اشتباه، نظرات اشتباهدر ادامه کار بازیگر دخالت کند. بنابراین باید به اولین خوانش نمایشنامه توجه ویژه داشت و در عین حال از نظر روحی و روانی خوبی برخوردار بود و تا زمانی که نظر خود را تقویت نکرد، به نظرات دیگران گوش نکرد.

دومین لحظه از دوره مقدماتی بزرگ شناخت، فرآیند تحلیل است. این در ادامه آشنایی با نقش است، این شناخت کل از طریق مطالعه تک تک اجزای آن است. نتیجه تحلیل هنری احساس است. در هنر این احساس است که خلق می کند نه ذهن. احساس نقش و ابتکار اصلی را دارد. تحلیل هنری قبل از هر چیز، تحلیل احساس است که توسط خود احساس ایجاد می شود.

اهداف خلاقانه تحلیل شناختی عبارتند از:

1) در مطالعه کار؛

2) در جستجوی معنوی و سایر مواد برای خلاقیت، موجود در خود بازی و نقش؛

3) در جستجوی همان مطالب در خود هنرمند (درون نگری)؛

4) در آماده کردن خاک در روح خود برای ظهور احساس خلاق، اعم از خودآگاه و ناخودآگاه.

5) در جست‌وجوی محرک‌های خلاقانه‌ای که درخششی از شور و شوق خلاقانه ایجاد می‌کند و آن بخش‌هایی از نمایشنامه را زنده می‌کند که در اولین خواندن آن زنده نشدند.

ابزار تحلیل شناختی لذت و اشتیاق است. آنها به طور فوق آگاهانه آنچه را که برای بینایی، شنوایی، آگاهی و دقیق ترین درک هنر غیرقابل دسترس است، درک می کنند. اینها بهترین ابزار برای جستجوی محرک های خلاقانه در درون خود هستند.

فرآیند تحلیل شناختی مبتنی بر بازنمایی وجود واقعیات، توالی و ارتباط آنهاست. تمام واقعیت ها نمایانگر ظاهر نمایشنامه است.

نکته سوم فرآیند ایجاد و احیای شرایط بیرونی است. احیا با کمک تخیل هنری انجام می شود. هنرمند یک خانه، یک فضای داخلی را از یک نمایشنامه یا آن زمان، مردم تصور می کند، و، همانطور که بود، مشاهده می کند - نقشی منفعل می گیرد.

لحظه چهارم فرآیند ایجاد و احیای شرایط درونی است. این با مشارکت فعال احساس خلاق انجام می شود. حالا هنرمند نقش را با احساسات خودش یاد می گیرد، یک احساس واقعی. در اصطلاح بازیگری به این فرآیند «من هستم» می گویند، یعنی هنرمند شروع به «بودن»، «وجود» در زندگی نمایش می کند.

اگر هنرمند از لحاظ فنی دارای رفاه خلاقانه، حالت "من هستم"، احساس یک شیء خیالی، ارتباط و توانایی عمل اصیل در هنگام ملاقات با او باشد، می تواند شرایط بیرونی و درونی را خلق و جان بخشد. زندگی روح انسان

دوره شناخت با به اصطلاح تکرار - ارزیابی حقایق و رویدادهای نمایشنامه - به پایان می رسد. در اینجا بازیگر باید فقط خود نمایشنامه، واقعیت های واقعی آن را لمس کند. ارزیابی حقایق در این واقعیت نهفته است که شرایط زندگی درونی نمایشنامه را روشن می کند، به یافتن معنا، جوهر معنوی و درجه اهمیت آنها کمک می کند.ارزیابی واقعیت ها به معنای کشف راز زندگی معنوی شخصی است. شخص به تصویر کشیده شده، در زیر حقایق و متن نمایشنامه پنهان شده است. مشکل اینجاست که اگر هنرمند حقایق را دست کم بگیرد یا دست کم بگیرد، ایمان به اصالت آنها را زیر پا می گذارد.

دوره خلاقیت دوم - دوره تجربه - دوره خلاقیت است. این دوره اصلی و اصلی در خلاقیت است. فرآیند خلاق تجربه، ارگانیک است، بر اساس قوانین طبیعت روحی و جسمی انسان، بر احساسات و زیبایی واقعی. عمل مرحله ای - حرکت از روح به بدن، از درونی به بیرونی، از تجربه به تجسم. این تلاش برای یک کار فوق العاده در امتداد خط عمل است. کنش بیرونی روی صحنه نه معنوی می شود، نه توجیه می شود و نه ناشی از کنش درونی است، فقط برای چشم و گوش سرگرم کننده است، اما در روح نفوذ نمی کند، برای حیات روح انسان اهمیتی ندارد. فقط خلاقیت مبتنی بر کنش درونی منظره است.

یک کار خلاقانه وسیله ای برای شور و شوق خلاقانه است. او موتور خلاقیت است، زیرا فریب احساسات هنرمند است. چنین کارهایی یا آگاهانه هستند، یعنی ذهن ما نشان می دهد، یا ناخودآگاه، خود، شهودی، عاطفی به دنیا می آیند، یعنی احساس زنده و اراده خلاق هنرمند برانگیخته می شوند. وظایفی که به طور شهودی، ناخودآگاه ایجاد می شوند، متعاقباً توسط آگاهی ارزیابی و ثابت می شوند. علاوه بر وظایف آگاهانه و ناخودآگاه، وظایف مکانیکی و حرکتی نیز وجود دارد. از این گذشته، با گذشت زمان و تکرار مکرر، کل فرآیند آنقدر محکم جذب می شود که به یک عادت مکانیکی ناخودآگاه تبدیل می شود. این عادات حرکتی ذهنی و جسمی برای ما ساده و طبیعی به نظر می رسند و خود انجام می دهند.

مبانی نظری بازیگری
اما اکنون به دوره اول برگردیم. درک کارگردانی از طریق بازیگری ویژگی کلیدی مکتبی است که من نماینده آن هستم. گاهی از من می پرسند: چرا این همه به بازیگری توجه می شود؟ من به سادگی پاسخ می دهم: چون بازیگر مهم ترین چهره تئاتر، «ماده» آن است. بنابراین کارگردان باید در وهله اول کار با بازیگر را یاد بگیرد. اما به عنوان؟ من تنها راه را می دانم: شناختن قوانین بازیگری با تمام روان شناسی هایم (و نه فقط درک ذهن). کارگردان با قرار گرفتن در "کفش بازیگر"، با مطالعه عملی علائم "بیماری" بازیگر و راه های درمان آنها، به زودی می تواند اشتباهات او را ببیند و به غلبه بر آنها کمک کند - او می داند که چه نوع "دارویی" کار می کند. ، مفید است و به جای گفتگوهای بی نتیجه به بازیگر پیشنهاد می دهد. استانیسلاوسکی گفت که "... در زبان ما دانستن به معنای احساس کردن است و احساس کردن معادل کلمه توانستن است." هر کارگردانی باید حداقل تا حدی بازیگر باشد. مهم است که او عملاً روان‌شناسی بازیگری، تکنیک‌ها، رویکردهای نقش، خلاقیت، احساسات پیچیده مرتبط با سخنرانی عمومی. بدون این، کارگردان بازیگران را درک نمی کند و زبان مشترکی با آنها پیدا نمی کند. استانیسلاوسکی تاکید کرد: "اجازه دهید خود دانشجویان بخش کارگردانی، از طریق تجربیات، احساسات خود، یاد بگیرند که همیشه هنگام کار با هنرمندان با چه چیزهایی دست و پنجه نرم می کنند."
به دستور استاد، در آموزشگاه کارگردانی توستونوگوف، به پتانسیل بازیگری متقاضیان ورود به دوره کارگردانی اهمیت زیادی داده می شود و با توجه به سایر موارد، استعدادهای آزمون شوندگان همیشه به استعدادهای درخشان ارجحیت داده می شود. در بازیگری که ماهیت بازیگری دارند. تووستونوگوف کارگردانی را که کارکردن با بازیگران را بلد است «کارگردان ریشه» نامید. شکل گیری "مدیر ریشه" دقیقاً از سال اول شروع می شود.
شناخت نظری قوانین بازیگری مرحله مهمی در این مسیر است.
غنی سازی روحی فرد به طور مداوم و تحت تأثیر عوامل مختلف اتفاق می افتد. مواد خلاقانه ای که کارگردان را تغذیه و رشد می دهد باید همه جا جستجو شود. استانیسلاوسکی به درستی خاطرنشان کرد که تأثیرات هنری، احساسات، تجربیات «... ما هم از واقعیت و هم از زندگی خیالی، از خاطرات، از کتاب ها، از هنر، از علم و دانش، از سفرها، از موزه ها و عمدتاً از برقراری ارتباط با مردم استفاده می کنیم. . بیایید فعلاً دو کلمه را جدا کنیم - "از علم و دانش". مدرسه از همان ابتدا با درک نظری خود دانش آموزان را در فضای وحدت تمرین غوطه ور می کند. "شما نمی توانید آنچه را که نمی فهمید منتقل کنید، نمی توانید قدرت خود به خودی استعداد را منتقل کنید، فقط می توانید مدرسه را منتقل کنید" - این سخنان میخائیل چخوف را می توان خطاب به مخالفان دانش علمی کرد.
قوانین خلاقیت ارگانیک، کشف شده توسط استانیسلاوسکی، رها از لفظ گرایی، از تفاسیر بدوی و مکتبی، اساس را تشکیل می دهد. دوره نظریمدرسه کارگردانی سال اول تحصیلی. اصطلاحات و مفاهیم سیستم استانیسلاوسکی، متولد شده در تمرین تئاتر زنده، در فرآیند آزمون و خطا، آزمایش، بارها و بارها اصلاح شد، تجدید نظر شد، محتوای اصلی خود را از دست داد، با معنای جدید پر شد. سالها گذشت و توستونوگوف با تلخی اظهار داشت: "اصطلاحات به مفاهیم محو شده، بی ارزش و فرسوده دانش آموزی تبدیل شده است که در پس آنها هیچ چیز زنده، حسی و واقعی وجود ندارد." و اگر چنین باشد، خود روش شناسی معنای خود را از دست می دهد و در نتیجه به چیزی اختیاری و بی فایده تبدیل می شود. مشکل اینجاست که بسیاری از معلمان دقت اصطلاحی معنایی را از دست داده اند، مشکل اینجاست که روش شناسی اغلب به شکل وجود دارد. کلمات رایج. به جای روش دقیق و عملاً ارزشمندی که استانیسلاوسکی به ما داده است، به جای استفاده از آن به عنوان یک سلاح واقعاً حرفه ای، آن را به تفسیر کارگردان در مورد موضوع تبدیل می کنیم و آن را با مجموعه ای از اصطلاحات برای متقاعدسازی تجهیز می کنیم. نگرانی توستونوگوف کاملاً موجه است، زیرا عملاً تمام مفاهیم تدریس استانیسلاوسکی بسیار متنوع است و گاهی اوقات کاملاً خودسرانه تفسیر می شود. هر چند وقت یکبار دانش‌آموزان و معلمان تئاتر از کلمات مشابهی استفاده می‌کنند (به عنوان مثال، "عمل"، "ارتباطات"، "مطمئن")، اما معانی کاملاً متفاوتی را در این اصطلاحات قرار می‌دهند. به نظر می رسد که با استفاده از اصطلاحات رایج، اهالی تئاتر به یک زبان صحبت می کنند، اما در واقع (وقتی متوجه می شوید منظور آنها از این یا آن مفهوم چیست)، مشخص می شود که آنها چیزهای کاملاً متفاوتی فکر می کنند و یکدیگر را درک نمی کنند. جامعه کلمات حرفه ای هنوز جامعه زبان خلاق نیست. توسعه یک زبان اصطلاحی واضح و دقیق در چارچوب یک مدرسه کارگردانی متحد به متخصصان کمک می کند تا ارتباط برقرار کنند، زمان و مسیر درک متقابل را کاهش می دهد.
استانیسلاوسکی به دنبال ایجاد "جدول ضرب" یک بازیگر بود، یک الفبای حرفه ای، که بدون آن نه نقاشان، نه شاعران و نه آهنگسازان نمی توانند انجام دهند. تووستونوگوف به درستی معتقد بود که کارگردانان به چنین الفبای نیاز دارند.
تاکنون، در میان هنرمندان، بیزاری از اصطلاحات، گونه شناسی ها، طبقه بندی ها وجود دارد، زیرا آنها ماهیتی کلی دارند و نه فردی. اما دقیقاً ویژگی‌های کلی است که شناخت یک پدیده را در چارچوب ارتباطات متنوع ممکن می‌سازد. مدرسه می آموزد که آزادی و خودسری را با هم اشتباه نگیرید. آزادی پاداش دانش است و خودسری نتیجه غفلت از دانش است، شبیه جهل و جهل است. مهارت مبتنی بر دانش پیش نیاز حرفه ای بودن یک کارگردان است و مدرسه باید آن را بدهد. اما من تأکید می کنم - دانش قوانین و الگوها، و نه دستور العمل ها، الگوها و تمبرها. برای این منظور یک نظریه حرفه ای ایجاد شد.
تئوری کارگردانی، همانطور که مشخص است، وجود ندارد، اگرچه نظریه کلی تئاتر، در نظریه مربوط به بازیگری، در جهان کارگردانی و تمرین آموزشی حاوی غنی ترین مطالب برای آن است. نیاز به درک علمی از حرفه کارگردانی هر سال بیشتر احساس می شود. کارگردانی عظیم و تجربه آموزشیتووستونوگوف به او اجازه داد تا صفحات قابل توجهی در این علم بنویسد. استاد اعتراف کرد: «من کاملاً آگاهم، هر از گاهی روی رمزگشایی دقیق اصطلاحات فردی سیستم می پردازم، زیرا در بیشتر موارد کارگردانان و بازیگران به سادگی از آنها به طرز وحشیانه ای استفاده می کنند. اصطلاحات استانیسلاوسکی و نمیروویچ-دانچنکو معنای اصلی خود را از دست داده و به مجموعه ای از نامگذاری های شفاهی رسمی تبدیل شده است که در آن هر کارگردان معنای روشن و راحت را به تنهایی برای او قرار می دهد. تووستونوگوف با تکیه بر آموزه های استانیسلاوسکی، زبان اصطلاحی واحدی را برای مکتب خود ایجاد می کند. در دوره سخنرانی های سال اول تحصیلی، این دستگاه اصطلاحی به طور گسترده مورد استفاده قرار می گیرد.
من مطمئن هستم که خواندن سخنرانی در مورد تئوری حرفه کارگردان برای خوانندگان جالب خواهد بود. اما آنها بسیار حجیم هستند - حدود 1500 صفحه. ارائه آنها به بیش از یک کتاب نیاز دارد. بنابراین، من خود را به بخش های جداگانه ای از سخنرانی های دوره اول محدود می کنم، شرحی از محتوای تنها آن مفاهیم، اصطلاحات، که بدون آنها درک آنچه در ادامه می آید، به ویژه اصول اساسی روش غیرممکن است. تجزیه و تحلیل موثر
اما من با فهرستی از موضوعات سخنرانی سال اول شروع می کنم تا تصویری کلی ارائه کنم که در آن تسلط عملی بر مبانی بازیگری انجام می شود.
1 آشنایی با این حرفه
2 فوق العاده وظیفه هنرمند.
3 تصویر هنری
4 ویژگی های خاصهنر تئاتر
5 سیستم استانیسلاوسکی. اهداف، وظایف. هنر "تخیل" و هنر "تجربه کردن" - به عنوان هنر "عمل".
6 قانون روان‌تکنیک بازیگری. عناصر سیستم استانیسلاوسکی.
7 مرحله عمل.
8 شرایط پیشنهادی
9 تخیل عنصر اصلی سیستم است.
10 توجه مرحله ای
11 آزادی عضلانی
12 تمپو ریتم عمل.
13 نگرش مرحله ای.
14 رویداد - اتم غیر قابل تقسیمفرآیند مرحله
15 ارزیابی مرحله - به عنوان یک فرآیند انتقال از یک رویداد به رویداد دیگر.
16 تمرین برای حافظه اعمال و احساسات فیزیکی - مقیاس هنر بازیگری.
17 تعامل. ارتباط.
18 عمل کلامی. زیر متن
19 عمل تفکر.
20 چشم انداز. "مناطق سکوت".
21 کنش بدنی
22 اکشن انتها به انتها و مهمترین وظیفه بازیگر نقش.
23 شخصیت و ویژگی.
24 تناسخ.

ترتیب ارائه این موضوعات، البته، ممکن است تا حدی متفاوت باشد، تغییر کند. با این حال، در فرمول بندی مفاهیم کلیدی نظریه، حفظ دقت مهم است، زیرا، به عنوان مدرن علم روانشناسی، "... آگاهی بدون نامگذاری، یعنی بدون تعیین متصور با لفظ دقیق، بدون لفظ غیر قابل تصور است".
هدف سیستم استانیسلاوسکی یافتن راه های آگاهانه برای بیدار کردن ناخودآگاه بازیگر و عدم دخالت در این ناخودآگاه برای خلق است. عناصر سیستم قوانین زندگی ارگانیک، رفتار طبیعی انسان است. آنها نباید در شرایط غیرطبیعی صحنه نقض شوند. عناصر سیستم عناصر عمل هستند. آنها به هم پیوسته اند، از یکدیگر جدایی ناپذیر (سیستم!). دست کم گرفتن حداقل یک بازیگر از سوی یک بازیگر، عدم تسلط بر حتی یکی از این عناصر منجر به نابودی کل فرآیند موثر می شود. از این رو - همانطور که استانیسلاوسکی پیشنهاد کرد - "آموزش و تمرین!".
کنش یک فرآیند روانی واحد برای دستیابی به یک هدف در مبارزه با شرایط پیشنهادی یک دایره کوچک است که به نوعی در زمان و مکان بیان می شود. در این فرمول، هر کلمه مهم است. حذف هر وسیله ای برای از بین بردن معنای مفهوم. در اینجا به طور خلاصه می توانید در مورد این فرمول نظر دهید. اول از همه، لازم است در فرآیند مؤثر بر جدایی ناپذیری روانی و جسمانی، وحدت آنها تأکید شود. باید به خاطر داشت که مفهوم "عمل فیزیکی" مشروط است. البته، در استانیسلاوسکی ما در مورد یک کنش روانی صحبت می کنیم، فقط عنوان پیشنهادی تمایل به تأکید دقیقاً بر جنبه فیزیکی فرآیند مؤثر را بیان می کند. بدون درک این موضوع، اغلب فقط عمل فیزیکی را عمل فیزیکی می نامند. حرکت مکانیکی. به یاد داشته باشیم که کنش فیزیکی در آموزه های استانیسلاوسکی همیشه یک کنش روانی است. این ارزش کشف اوست: یک کنش فیزیکی دقیقاً یافت شده می تواند ماهیت روانی و عاطفی واقعی بازیگر را بیدار کند. استانیسلاوسکی در این باره چنین می نویسد: «... درک یک کنش فیزیکی آسان تر از یک عمل روانی است، از احساسات درونی گریزان قابل دسترس تر است. از آنجا که عمل فیزیکی برای تثبیت راحت تر است، مادی است، قابل مشاهده است، زیرا عمل فیزیکی با همه عناصر دیگر ارتباط دارد. در واقع هیچ عمل فیزیکی بدون میل، تلاش و تکلیف، بدون توجیه درونی احساس آنها وجود ندارد...». کشف استانیسلاوسکی بر اساس قانون رابطه ارگانیک بین فرآیندهای ذهنی و فیزیکی در یک فرد است.
اقدام یک فرآیند است. بنابراین، آغاز، توسعه، پایان دارد. کنش صحنه چگونه آغاز می شود، بر اساس چه قوانینی توسعه می یابد، چرا و چگونه به پایان می رسد یا قطع می شود؟ پاسخ به این سؤالات ماهیت فرآیند را توضیح می دهد.
انگیزه اعمال ما در زندگی، دنیای عینی موجود است، که ما دائماً از طریق شرایط ایجاد شده توسط ما یا شرایطی که مستقل از ما وجود دارند، با آن در تعامل هستیم. روی صحنه - اینها شرایطی است که نویسنده پیشنهاد می کند، یعنی شرایط پیشنهادی. آنها اقدام، حرکت و توسعه فرآیند را تشویق می کنند. قانون وجود مرحله ای قانون تشدید شرایط پیشنهادی است. تشدید شدید شرایط، عمل را فعال می کند وگرنه با کندی پیش می رود.
کنش همزمان با ظهور یک هدف جدید متولد می شود که دستیابی به آن با مبارزه با شرایط مختلف یک دایره کوچک همراه است. شرایط پیشنهادی دایره کوچک، علت فوری، انگیزه عمل است. آنها واقعاً در اینجا تأثیر می گذارند، تأثیر می گذارند. با آنها وارد یک مبارزه مشخص شوند. تعارض - نیروی پیشرانعمل صحنه ای مبارزه با شرایط پیشنهادی دایره کوچک برای دستیابی به هدف، محتوای اصلی فرآیند مؤثر است. توسعه آن دقیقاً با این مبارزه و غلبه بر موانع در راه رسیدن به هدف همراه است. موانع می توانند ماهیت متفاوتی داشته باشند: با علامت (-) و با علامت (+)، یعنی می توانند در حرکت به سمت هدف (-) یا کمک (+) اختلال ایجاد کنند.
عمل یا با دستیابی به هدف به پایان می رسد یا با ظهور یک شرایط پیشنهادی جدید که هدف را تغییر می دهد و به ترتیب باعث ایجاد یک عمل جدید می شود. بدون اطلاع از هدف و شرایط پیشنهادی حلقه کوچک، نمی توان از عمل صحبت کرد.
همانطور که می بینید، در تعریف اکشن مرحله ای عبارتند از:
1 هدف (برای چه؟)
2 تحقق روانی (برای رسیدن به این هدف چه کنم؟)
3 سازگاری (چگونه؟)
تعریف نهایی را یادآوری می کنم: «عمل فرآیندی است که به نوعی در مکان و زمان بیان می شود». در اینجا، ویژگی زمانی-مکانی هنر تئاتر مهم است که با مشکل نمایش همراه است، یک فرم درخشان و صیقلی، با سازماندهی ریتمیک زمانی که توسعه یک رویداد را در زمان تعیین می کند. در عین حال، به ویژه ضروری است که بر ماهیت بداهه کنش، چند متغیره آن تأکید شود. گفته می‌شود: «فرآیندی به نحوی بیان می‌شود» و یک بار برای همیشه تأیید نمی‌شود، همانطور که در هنر «بازنمایی» اتفاق می‌افتد. هنر به اصطلاح "تجربه" که ما ادعا می کنیم، خلاقیت زنده و همیشه بداهه پردازانه بازیگر است.
تکرار می کنم که عمل یک فرآیند روانی-فیزیکی واحد است. با این حال، در تلاش برای تجزیه و تحلیل چنین پدیده پیچیده ای، به طور مشروط به سه مولفه: عمل ذهنی، فیزیکی و کلامی تقسیم شد. چنین تقسیم‌بندی کمک می‌کند تا در هر مورد خاص معنای غالب جنبه کلامی، فیزیکی یا ذهنی یک فرآیند عمل واحد آشکار شود. در عین حال، باید به خاطر داشت که یک عمل ذهنی همیشه هم فیزیکی و هم کلامی را همراهی می کند.
یک بار دیگر توجه شما را به این واقعیت جلب می کنم که نباید یک کنش فیزیکی - به عنوان یک عمل، همیشه هدفمند، روانی-فیزیکی، با یک حرکت فیزیکی (نه یک عمل!) که فقط می تواند یک اقتباس (چگونه؟) باشد اشتباه گرفته شود. .
اجازه دهید به صحبت در مورد شرایط پیشنهادی ادامه دهیم. همانطور که می دانید خلاقیت در تئاتر با یک «اگر» جادویی آغاز می شود، یعنی با توانایی بازیگر در تبدیل واقعیت با قدرت تخیل خود. شرایط پیشنهادی - این مجموعه "اگر" است، آنها به حرکت در می آیند، آن را توسعه می دهند. نویسنده انتخاب دقیقی از مجموع شرایط زندگی یک فرد انجام می دهد. برای درک این فراوانی شرایط، برای آوردن آنها به یک سیستم، توصیه می شود همه شرایط را به طور مشروط به سه دایره تقسیم کنید: شرایط یک دایره کوچک، تحریک کننده، تعیین روند مبارزه در یک رویداد. شرایط دایره میانی که کل نمایشنامه را پوشش می دهد، تعیین کننده توسعه عمل از طریق شخص - نقش است. و شرایط یک دایره بزرگ، در خارج از بازی قرار دارد و وظیفه فوق العاده شخص-نقش را جذب می کند. همه شرایط قادر به حرکت از یک دایره به دایره دیگر هستند. ما نمی توانیم منطق دایره کوچک را بدون دانستن شرایط دایره میانه بسازیم، دایره های بزرگ، زیرا آنها هستند که منطق دایره کوچک را تصحیح و تعیین می کنند. شرایط نهفته در یک دایره باید توسط شرایط یک دایره دیگر بررسی شود.
در مورد مهمترین قانون تشدید شرایط پیشنهادی بار دیگر باید گفت. این قانون زندگی نیست، بلکه مهمترین قانون تئاتر، زندگی صحنه ای است: در غیر این صورت کنش مهمترین کیفیت خود را از دست می دهد - فعالیت، مبارزه منفعلانه خواهد بود. به یاد داشته باشید: سرد یا گرم، اما نه گرم! تشدید می تواند با علامت (+) یا با علامت (-) نسبت به عمل باشد.
تخیل عنصر اصلی سیستم است، اما تنها عنصری است که قانون زندگی نیست. بدون تخیل، هیچ عنصر واحدی از سیستم نمی تواند وجود داشته باشد. به عنوان مثال، قانون ارتباط بین توجه صحنه و تخیل: من آنچه را که داده می شود می بینم، اما با آن همانطور که داده می شود رفتار می کنم. تخیل و فانتزی مفاهیم متفاوتی هستند. تخیل یک عمل احساسی است که با خود خالق انجام می شود (همه چیز با من اتفاق می افتد، در من). فانتزی عمل عقلانی تری است، نه با خالق، بلکه با شخص دیگری (خارج از من) اتفاق می افتد. تخیل توانایی یک فرد برای ایجاد تصاویر جدید از ایده ها، دانش، تجربه قبلی خود است.
توجه مرحله ای یک فرآیند فعال و آگاهانه تمرکز اراده بر روی یک شی است، فرآیند درک فعال پدیده های زندگی. آن چیزی که توجه به آن معطوف می شود، موضوع توجه است. تمام اشیایی که بر شخص تأثیر می گذارد در خارج از او، در حاشیه قرار دارند (به استثنای اشیایی که با بیماری خود شخص مرتبط هستند، آنها در او هستند). قانون: در هر واحد زمان، شخص یک موضوع مورد توجه دارد.
در طول سال اول، لازم است یاد بگیریم که با اشتیاق در شرایط مورد توجه اشیاء تخیلی قرار بگیریم. زندگی صحنه ای; از بین بردن شی طبیعی مورد توجه روی صحنه - بیننده (معروف "تنهایی عمومی"). شیفتگی به اشیاء منظره نیاز به تخیل توسعه یافته دارد.
آزادی عضلانی قانون رفتار ارگانیک انسان در زندگی است،
بنابراین، - یکی از عناصر سیستم. ماهیت قانون این است: یک فرد دقیقاً به اندازه ای که برای انجام یک عمل خاص لازم است انرژی عضلانی مصرف می کند. مصرف انرژی عضلانی بیشتر یا کمتر از حد لازم منجر به بستن عضله با علامت (+) یا با علامت (-) یعنی آرامش بیش از حد (+) یا کشش بیش از حد عضلانی (-) می شود. گیره عضلانیاغلب نتیجه خودکنترلی هیپرتروفی یک بازیگر است. راه طبیعی برای خاموش کردن یک خودکنترلی بیش از حد توسعه یافته، کسل کردن آن، این است که توسط یک شی منظره برده شوید. برای ریلکس شدن، باید از خود دور شوید!
ریتم به عنوان عنصری از سیستم، عنصر روان‌تکنیک بازیگری، از نسبت هدف و شرایط پیشنهادی دایره کوچک تشکیل شده است. ریتم در رفتار انسان درجه شدت عمل، فعالیت مبارزه با شرایط پیشنهادی در فرآیند دستیابی به هدف است. ریتم یک رویداد با ریتم اعمال افراد شرکت کننده در رویداد، نسبت آنها تعیین می شود. یک رویداد همیشه مبارزه ای از ریتم است. هر چه ریتم های شرکت کنندگان در یک رویداد متضاد تر باشد، از نظر ریتمیک متنوع تر است. تغییر شرایط، انتقال از یک رویداد به رویداد دیگر باعث تغییر ریتم می شود. ریتم در طول فرآیند ارزیابی، پس از ایجاد بالاترین علامت تغییر می کند. تغییر ریتم قانون زندگی انسان است. از آنجایی که هنر تئاتر فضایی-زمانی است، در اینجا مفهوم ریتم از تمپو، یعنی از سرعت عمل جدایی ناپذیر است. شدت (ریتم) و سرعت (تمپو) به هم مرتبط هستند. نسبت آنها وسیله مهمی برای بیان بازیگری است.
رابطه مرحله ای عنصری از نظام است، قانون زندگی: هر شیء، هر شرایطی مستلزم برقراری رابطه با خود است. نگرش - یک واکنش عاطفی خاص، نگرش روانی، تمایل به رفتار. نگرش جنبه های نفسانی و عقلی دارد. به ویژه مهم است که شرایط دایره کوچک، اول از همه، یک واکنش نفسانی را برانگیزد. متأسفانه، در صحنه، نگرش ها اغلب فقط در حوزه فکری ایجاد می شود. ایجاد نگرش به شرایط، هر فرد، بر اساس تجربه شخصی، بسته به نگرش روانشناختی می کند. نگرش یک فرآیند است. روابط در مراحل زیر ایجاد می شود:
1 شی مورد توجه را تغییر دهید.
2 مجموعه علائم (از پایین ترین به بالاترین).
3 در لحظه استقرار بالاترین نشانه - رابطه متولد می شود.
این فرآیند می تواند تقریباً آنی باشد، اما می تواند زمان زیادی نیز ببرد. زمان لازم برای ایجاد یک رابطه به عوامل زیادی بستگی دارد (به ویژه به آمادگی عصبی در مقایسه با تجربه فرد و بسیاری از شرایط دیگر).
ساختار زندگی صحنه ای تأثیرگذار، دیدنی و پرحادثه است.
مجموع شرایط پیشنهادی (دایره کوچک!) با یک عمل یک اتفاق است. این رویداد دارای شخصیت ارزیابی فردی، نقطه نظرات است - این یک حادثه خاص است، یک واقعیت موثر (دارای تمدید در زمان) که در مقابل چشمان من اتفاق می افتد (یعنی در مقابل چشمان مخاطب) - امروز، اینجا، اکنون! رویداد راهی برای تجزیه و تحلیل و سپس سنتز است. یک رویداد یا یک اسم کلامی نامیده می شود، یا می تواند با شرایط پیشنهادی اصلی یکسان باشد (تعیین اعمال، یعنی تأثیرگذاری بر همه شرکت کنندگان در رویداد).
ارزشیابی یک عنصر بسیار مهم در سیستم است.
ارزشیابی فرآیند حرکت از یک رویداد به رویداد دیگر است. در ارزیابی، رویداد قبلی می میرد و رویداد جدیدی متولد می شود. تغییر رویدادها از طریق ارزیابی اتفاق می افتد. مردم برای نمره به تئاتر می روند! معروف "تعطیلات تور" نمره است. فرآیند ارزیابی ابتدا از همان کانال‌هایی پیروی می‌کند که ایجاد یک رابطه است:
1 تغییر موضوع توجه؛
2 مجموعه علائم (از پایین ترین به بالاترین)؛
3 استقرار بالاترین علامت (مهمترین مرحله). در لحظه برقراری بالاترین علامت، پس از ظهور رابطه؛
4 یک هدف جدید ظاهر می شود، ریتم تغییر می کند، یک عمل جدید متولد می شود - اینگونه است که ما به رویداد بعدی می رویم.
در سال اول، ما فقط در مورد عمل از طریق هنرمند-نقش صحبت می کنیم، شخصیت-نقش، نه نمایشنامه در کل. این مرحله ای از زندگی است که با یک هدف متحد شده است. یا - محدوده متوسط شرایط پیشنهادی، تحت پوشش یک هدف مؤثر-ارادی. یک تعریف دیگر - میل، میل شخصیت در دوره زمانی مورد مطالعه - متعلق به اوست از طریق عمل.
به این نکته توجه کنید که ما برای تعدادی از مهم ترین مفاهیم این دکترین تعاریف و فرمول بندی های متعددی ارائه می کنیم (مثلاً «رویداد»، «از طریق عمل»). این تنوع به ما این امکان را می دهد که به این پدیده نگاه کنیم طرف های مختلف، به درک ماهیت یک اصطلاح حرفه ای خاص کمک می کند.
وظیفه فوق العاده یک شخص-نقش (نه یک بازی!) بازنمایی یک شخص است، رویای خوشبختی او. Supertask یک مفهوم عینی است. تمام زندگی انسان تابع یک هدف، یک رویا است. او می تواند دیگران را فریب دهد، هدف واقعی را در پشت اظهارات نادرست پنهان کند، اما با بررسی اعمال او، رفتار واقعی، می توان در مورد فوق العاده واقعی یک فرد - نه در گفتار، بلکه در عمل - نتیجه گیری کرد.
همانطور که یک عمل مربوط به یک عمل مقطعی است، یک عمل مقطعی نیز به یک کار فوق العاده مرتبط است. آنها را می توان طبق قانون بررسی کرد: از خاص به عام و بالعکس - برای تأیید صحت خاص توسط عام. این مفاهیم ارتباط نزدیکی با هم دارند.
بخش‌هایی از سخنرانی‌هایی که ذکر کردم، البته فرمول‌بندی‌های مختصر، نمی‌تواند ایده‌ای جامع از آن ارائه دهد. مبانی نظریاولین دوره. یک سخنرانی-مکالمه واقعی همیشه با نمونه های فراوان، ویژگی های دقیق هر مفهوم اشباع می شود. اما اکنون برای من مهم است که جهت کلی دوره نظری، عملی بودن، تکنولوژی گرایی و ملموس بودن آن را به خوانندگان نشان دهم. هر کار را می توان به طور خلاصه خلاصه کرد، البته اگر خودش آن را تا انتها درک کرده باشد، به سادگی - این علم واقعی است. شروع همه چیز باید ساده باشد. نیلز بور را به یاد بیاورید که گفت: اگر شخصی مشکل را درک نکند، فرمول های زیادی می نویسد، و وقتی بفهمد موضوع چیست، آنها در آن باقی می مانند. مورد بهتردو نه تأملات مبهم "درباره"، بلکه فرمول های سختگیرانه مبتنی بر تجربه عملی غنی - این رویکرد اصولی به تئوری این حرفه در مدرسه کارگردانی تووستونوگوف است.
به عنوان مثال، ممکن است به نظر برسد که چنین مفهوم پیچیده و مبهم مانند "کنش صحنه" در حال ساده سازی است. مشخص است که "عمل" به عنوان یک مقوله علمی از نظریه تئاتر از آغاز قرن بیستم به شدت مورد مطالعه قرار گرفته است. امروزه در علم تئاتر و تعلیم و تربیت تعاریف زیادی از آن وجود دارد، تفاسیر متقابل. گاهی معنی کاملاً متفاوتی دارد. بنابراین، موضوع تحقیق خود مبهم، نامشخص می شود. در عین حال، نه تنها تئوری موضوع، بلکه مرحله واقعی و تمرین آموزشی نیز به محتوای آن بستگی دارد. بنابراین تووستونوگوف عمداً پیچیده ترین تعریف را به تعریفی کاملاً تخصصی تبدیل کرد و این مقوله چند وجهی را در یک مقوله خاص قرار داد. فرمول کار. استاد در جنبه حرفه ای و فنی اکشن صحنه به این مورد علاقه داشت. این بدان معنا نیست که جنبه های دیگر این پدیده جالب نیست. از این گذشته ، فناوری این حرفه از جوهر معنوی فرآیند خلاق ، از وظیفه اخلاقی جدایی ناپذیر است. اما امکان تفسیرهای خودسرانه همیشه برای مکتب کشنده است.
مدرسه کارگردانی تووستونوگوف از دانش آموزان خود دعوت می کند که اصطلاح "هنر تجربه" را کنار بگذارند و "هنر عمل" را جایگزین آن کنند. معنای دنیوی کلمه «تجربه» گاهی بر اصل پدیده سایه می افکند. جذابیت احساس در مکتب استانیسلاوسکی مستقیم نیست. احساس - مطلوب، نتیجه یک فرآیند واقعی و مؤثر. بنابراین، منصفانه است که مدرسه کارگردانی خود را به عنوان "هنر عمل" طبقه بندی کنیم.
تفاوت بین هنر «تجربه کردن» و هنر «تخیل» چیست؟ هنر "بازنمایی" را می توان هنر تصویرسازی، بازتولید، تقلید، هنر دقیق ترین تکرار، کپی برداری از فرم کامل پس از یافتن و تایید نامید. و هنر "تجربه کردن" دلالت بر تولد یک فرآیند مؤثر هر بار از نو دارد، همانطور که برای اولین بار - این یک تئاتر زنده است، طبیعت بداهه نوازی. این بر اساس اصل تناسخ است، نه تقلید، بلکه ادغام با تصویر.
فعاليت خلاق هنرجويان در فرايند درك تئوري بازيگري و كارگرداني، مهمترين شرط بهره وري آموزش است. این امر، از جمله، با روشی خاص برای ساختن سخنرانی به دست می آید. آنها باید به شکل گفت و گو، سمینارهایی که سهم دانش آموزان در آن بسیار قابل توجه است. معلم فرمول بندی های آماده ای را به دانش آموزان ارائه نمی دهد، آنها هر بار، مثل اینکه، دوباره با کار مشترک متولد می شوند. سر-خالقی که سازندگان را مدیریت می کند - این مدل برای مخاطبان دانش آموز در مدرسه کارگردان کاملاً قابل اجرا است. سخنرانی ها نباید ماهیت آکادمیک داشته باشند. آنها به هوش بالایی از دانش آموزان نیاز دارند (عقل - از یونانی "intelego" - من بین آنها انتخاب می کنم)، توانایی گفتگوی برابر با معلم. همانطور که می دانید حقیقت از گفت و گو زاده می شود. اساساً مونولوگ نیست و در تقاطع ایده های شرکت کنندگان در گفت و گو به وجود می آید. مهم این است که حق هر دانش آموزی را به حرف خود در یک گفتگو واگذار کنیم، علاوه بر این، اختلاف را ایجاد کنیم. سخنرانی ها-مکالمات باید جستجوی مستقل برای حقیقت را در دانش آموزان بیدار کند، کار زنده ذهن را فعال کند. حداکثر گرایی و صمیمیت قضاوت ها، تازگی دیدگاه ها در مورد هنر - اینها مهمترین ویژگی هایی هستند که محیط خاصی را ایجاد می کنند که در آن گفتگو بین معلم و دانش آموزانش ایجاد می شود. هر سخنرانی یک گفتگوی متقابل است که پر از مثال‌های زنده، تداعی‌های گسترده است، داستان های جذاب. در عین حال، جدل های خلاقانه، برخوردهای آزادانه نظرات باید با شدت ارزیابی ها، با افزایش مطالبات فرهنگ تفکر دانش آموزان، عدم تحمل مظاهر شاگردی منفعل و کسل کننده همراه باشد. اعتماد به نفس، عزت نفس متورم، به طور معمول بر اساس نیمه فرهنگی، نیمه تحصیلی، بر دیلتانتیسم تهاجمی (گاهی مشخصه مدیران دانشجو) روی دیگر سکه است. کدام بدتر است: انفعال یا اعتماد به نفس؟ استعداد معلم می تواند بر هر دوی این گرایشات منفی غلبه کند. وقتی مکالمه سؤالات زیادی از دانش آموزان ایجاد می کند خوب است: این نشان می دهد که موضوع گفتگو روی اعصاب تأثیر گذاشته است و علاوه بر این سؤالات جالب به شما امکان می دهد از زوایای مختلف به موضوع مورد بحث نگاه کنید.