Compoziție abstractă (principii de afișare a senzațiilor umane). Enciclopedia școlară Direcții în arta abstractă

Una dintre principalele tendințe în arta avangardă. Principiul principal artă abstractă - refuzul de a imita realitatea vizibilă și de a opera cu elementele sale în procesul de creare a unei opere. Obiectul de artă, în locul realităților lumii înconjurătoare, devine instrumentele creativității artistice - culoare, linie, formă. Intriga este înlocuită cu o idee plastică. Rolul principiului asociativ în procesul artistic crește de multe ori și, de asemenea, devine posibilă exprimarea sentimentelor și stărilor de spirit ale creatorului în imagini abstracte, curățate de învelișul exterior, care sunt capabile să concentreze principiul spiritual al fenomenelor și fiind purtătorii săi (lucrări teoretice ale lui V.V. Kandinsky).

Elementele aleatorii ale abstracției pot fi identificate în arta mondială pe parcursul întregii sale dezvoltări, începând cu picturile pe rocă. Dar originea acestui stil ar trebui căutată în pictura impresioniștilor, care au încercat să descompună culoarea în elemente individuale. Fauvismul a dezvoltat în mod conștient această tendință, „dezvăluind” culoarea, subliniindu-i independența și făcând-o obiectul imaginii. Dintre fauviști, Franz Marc și Henri Matisse s-au apropiat cel mai mult de abstractizare (cuvintele lui sunt simptomatice: „toată arta este abstractă”), iar cubiștii francezi (în special Albert Gleizes și Jean Metzinger) și futuriștii italieni (Giacomo Balla și Gino Severini) s-a deplasat de asemenea pe acest drum. Dar niciunul dintre ei nu a fost capabil sau dispus să depășească granița figurativă. „Admitem, totuși, că unele reamintiri ale formelor existente nu ar trebui să fie complet alungate, cel puțin în prezent” (A. Glaze, J. Metzinger. Despre cubism. St. Petersburg, 1913. P. 14).

Primele lucrări abstracte au apărut la sfârșitul anilor 1900 - începutul anilor 1910 în opera lui Kandinsky, în timp ce lucra la textul „Despre spiritual în artă”, iar prima sa pictură abstractă este considerată a fi „Pictura cu un cerc” (1911. NMG). Raționamentul său datează din această perioadă: „<...>numai acea formă este corectă care<...>materializează în mod corespunzător conţinutul. Tot felul de considerații secundare, printre care și corespondența formei cu așa-numita „natura”, adică. natura externă, sunt nesemnificative și dăunătoare, deoarece distrag atenția de la singura sarcină a formei - întruchiparea conținutului. Forma este expresia materială a conținutului abstract” (Conținut și formă. 1910 // Kandinsky 2001. T. 1. P.84).

Într-un stadiu incipient, arta abstractă, reprezentată de Kandinsky, a absolutizat culoarea. În studiul culorii, practic și teoretic, Kandinsky a dezvoltat teoria culorii a lui Johann Wolfgang Goethe și a pus bazele teoriei culorii în pictură (dintre artiștii ruși, M.V. Matyushin, G.G. Klutsis, I.V. Klyun și alții au studiat teoria culorii) .

În Rusia, în 1912–1915, au fost create sisteme de pictură abstractă ale raionismului (M.F. Larionov, 1912) și suprematismului (K.S. Malevich, 1915), care au determinat în mare măsură evoluția ulterioară a artei abstracte. O apropiere de arta abstractă poate fi găsită în cubo-futurism și alogism. O descoperire în abstracție a fost pictura lui N.S Goncharova „Vidul” (1914. Galeria Tretiakov), dar acest subiect nu a fost găsit. dezvoltare ulterioarăîn opera artistului. Un alt aspect nerealizat al abstracției ruse este pictura în culori a lui O.V Rozanova (vezi: Artă neobiectivă).

În aceiași ani, cehul Frantisek Kupka, francezii Robert Delaunay și Jacques Villon, olandezul Piet Mondrian și americanii Stanton MacDonald-Wright și Morgan Russell și-au urmat propriile drumuri către abstracția picturală în aceiași ani. Primele structuri spațiale abstracte au fost contrareliefurile de V.E Tatlin (1914).

Respingerea izomorfismului și apelul la principiul spiritual au dat motive să se asocieze arta abstractă cu teosofia, antroposofia și chiar cu ocultismul. Dar artiștii înșiși nu au exprimat astfel de idei în primele etape ale dezvoltării artei abstracte.

După primul război mondial, pictura abstractă a câștigat treptat o poziție dominantă în Europa și a devenit o ideologie artistică universală. Aceasta este o mișcare artistică puternică, care, în aspirațiile sale, depășește cu mult sfera sarcinilor picturale și plastice și demonstrează capacitatea de a crea sisteme estetice și filozofice și de a rezolva probleme sociale (de exemplu, „Orașul suprematist” al lui Malevich, bazat pe principiile vieții). -cladire). În anii 1920, pe baza ideologiei sale, au apărut institute de cercetare precum Bauhaus sau Gienkhuk. Constructivismul a crescut și din abstracție.

Se numește versiunea rusă a abstracției neobiectiv art.

Multe principii și tehnici ale artei abstracte, care au devenit clasice în secolul al XX-lea, sunt utilizate pe scară largă în design, arte teatrale și decorative, cinema, televiziune și grafică pe computer.

Conceptul de artă abstractă s-a schimbat de-a lungul timpului. Până în anii 1910, acest termen a fost folosit în legătură cu pictura, unde formele erau descrise într-o manieră generalizată și simplificată, adică. „abstract” versus o reprezentare mai detaliată sau naturalistă. În acest sens termenul a fost aplicat în principal arte decorative sau la compoziţii cu forme turtite.

Dar, începând cu anii 1910, „abstract” a fost folosit pentru a descrie lucrări în care o formă sau o compoziție este descrisă dintr-un astfel de unghi încât subiectul original se schimbă aproape dincolo de recunoaștere. Cel mai adesea, acest termen denotă un stil de artă care se bazează exclusiv pe aranjarea elementelor vizuale - formă, culoare, structură, deși nu este deloc necesar ca acestea să aibă o imagine inițială în lumea materială.

Conceptul de sens în artă abstractă(în ambele sensuri – timpuriu și mai târziu) – problemă complexă, despre care se discută constant. Formele abstracte se pot referi și la fenomene non-vizuale precum dragostea, viteza sau legile fizicii, asociindu-se cu o entitate derivată („esențialismul”), cu imaginarul sau alt mod de separare de detaliat, detaliat și neesențial, aleatoriu. În ciuda absenței unui subiect reprezentativ, o lucrare abstractă poate acumula o expresie enormă, iar elemente bogate din punct de vedere semantic precum ritmul, repetiția și simbolismul culorilor indică implicarea în idei sau evenimente specifice din afara imaginii în sine.

Literatură:
M.Seuphor. L'Art abstrait, ses origins, ses premiers maîtres. Paris, 1949;
M.Brion. L'Art abstract. Paris, 1956; D.Vallier. L'Art abstract. Paris, 1967;
R.Capon. Prezentarea picturii abstracte. Londra, 1973;
C.Blok. Geschichte der abstrakten Kunst. 1900–1960. Köln, 1975;
M. Schapiro. Natura artei abstracte (1937) // M. Schapiro. Artă Modernă. Lucrări alese. New York, 1978;
Către o nouă artă: Eseuri pe fundalul picturii abstracte 1910–1920. Ed. M. Compton. Londra, 1980;
Spiritualul în artă. Pictură abstractă 1890–1985. Muzeul de Arte din Los Angeles. 1986/1987;
Text de M. Tuchman; B. Altshuler. Avangarda în expoziție. Artă nouă în secolul al XX-lea. New York, 1994;
Abstracția în Rusia. secolul XX. T. 1–2. Muzeul Rus de Stat [Catalog] Sankt Petersburg, 2001;
Inutilitate și abstractizare. sat. articole. Reprezentant. ed. G.F.Kovalenko. M., 2011;

La începutul secolului al XX-lea a apărut o nouă mișcare în artă - modernismul. Noile postulate au implicat abandonarea unor tradiții Formularea că „trecutul este înghesuit” a devenit la modă și într-un timp destul de scurt a câștigat mulți fani. Rolul principal în schimbările în curs de desfășurare a aparținut abstractionismului, care a unit o serie de mișcări apărute pe baza modernismului, precum futurismul, cubismul, expresionismul, suprarealismul și altele. Abstracțiile din pictură nu au fost imediat acceptate de societate, ci în curând un stil nou a dovedit apartenența la art.

Dezvoltare

În anii treizeci ai secolului al XX-lea, mișcarea abstractionismului a câștigat putere. Fondatorul unei noi direcții în arta picturii a fost Wassily Kandinsky, unul dintre cei mai progresisti artiști ai vremii. În jurul maestrului s-a format o întreagă galaxie de adepți, pentru care baza creativității a fost procesul de studiu a stării sufletului și a senzațiilor intuitive interne. Artiștii au ignorat realitatea lumii din jurul lor și și-au exprimat sentimentele în artă abstractă. Unele picturi ale primilor adepți ai noului gen au fost imposibil de înțeles. Picturile abstracționiste, de obicei, nu transmiteau nicio informație, iar vizitatorii nepregătiți la expoziții și vernisaje erau adesea în pierdere. La acea vreme, nu era obișnuit să atașeze adnotări picturilor și fiecare cunoscător al picturii se putea baza doar pe propria sa viziune.

Maeștri și fondatori

Printre cei mai proeminenti adepți ai noii mișcări s-au numărat faimoșii abstracționiști Wassily Kandinsky, Natalya Goncharova, Peter Mondrian, Kazimir Malevich, Mihail Larionov. Fiecare dintre ei și-a urmat propria direcție. Picturile abstracționiste realizate de artiști celebri au devenit treptat recunoscute, iar acest lucru a contribuit la promovarea unui nou tip de artă.

Kazimir Malevich a lucrat în conformitate cu suprematismul, dând preferință baza geometrica pentru auto-exprimare. Dinamica compozițiilor sale pe pânză a venit dintr-o combinație aparent haotică de dreptunghiuri, pătrate și cercuri. Dispunerea figurilor pe pânză a sfidat orice logică și, în același timp, poza dădea impresia unei comenzi strict verificate. Există destule exemple în arta abstracției, fundamental prieteni contradictori unui prieten. Prima impresie la întâlnirea cu un tablou poate lăsa o persoană indiferentă, dar după un timp pictura va părea deja interesantă.

Și Mihail Larionov a urmat direcția rayismului, a cărui tehnică a constat în intersecția neașteptată a liniilor drepte asemănătoare razei Culori diferiteși nuanțe. Jocul colorat din pictură a fost fascinant, combinații fantastice de raze care se intersectează alternau în combinații nesfârșite, iar pânza radia în același timp un flux de energie.

Tahism

Artiștii abstracti Delaunay și Kupka și-au prezentat propria artă. Au încercat să obțină un efect maxim prin intersectarea ritmică a planurilor colorate. Reprezentanții tachisme, un desen pictural obținut ca urmare a aplicării haotice a liniilor mari în absența absolută a unei componente intriga, și-au exprimat în acest fel crezul artistic. Abstracția în ulei în stilul Tachisme este cea mai complexă pictură din acest gen poate fi percepută într-un număr infinit de interpretări, iar fiecare va fi considerată corectă ultimul cuvant rămâne încă la critici și istoricii de artă. În același timp, stilul artei abstracte în sine nu este în niciun fel limitat de niciun cadru sau convenție.

Neoplasticismul

Și dacă picturile erau un exemplu de lipsă de sens, atunci pictorul abstract olandez Peter Mondrian a introdus un sistem strict de interacțiune a unor figuri mari cu unghi drept, care contrastau unele cu altele pe pânză și, în același timp, într-un mod de neînțeles, unite într-unul. întreg. Lucrarea lui Mondrian se numește „neoplasticism”. A devenit cea mai răspândită în anii douăzeci ai secolului trecut.

Cehul Frantisek Kupka a creat picturi dominate de figuri rotunde și rotunjite, cercuri trunchiate și cercuri tăiate pe o parte, care au continuat brusc cu linii negre întrerupte, provocând anxietate și îngrijorare. S-ar putea privi pânzele lui Kupka ore întregi și s-ar putea găsi în ele noi nuanțe.

Atunci când își creează picturile, artistul abstract încearcă să se îndepărteze de imaginile familiare. Nerecunoscut la început lucrări suprareale Kandinsky, Malevich, Mondian și alții au provocat ulterior dezbateri aprinse între oponenții și admiratorii noii arte.

Expresie

Un altul în pictură este expresionismul, o manieră de a desena rapid pe o pânză mare folosind lovituri neo-geometrice enfatice aplicate cu pensule largi, în timp ce picături mari de vopsea pot cădea pe pânza întinsă la întâmplare. Exprimarea acestei metode este principalul și singurul semn al apartenenței la art.

Orfismul este una dintre direcții pictura franceza, dezvoltat în anii douăzeci ai secolului trecut. Artiștii care aderă la această mișcare au încercat să-și exprime aspirațiile prin mișcarea ritmică și muzicalitatea convențională, în timp ce au folosit pe scară largă tehnica pătrunderii reciproce a culorilor și intersecția contururilor.

Pablo Picasso

Cubismul ca reflectare a abstractizării în pictură se caracterizează prin utilizare forme geometrice, desemnat nu în mod explicit, dar cu un anumit grad de convenție. Cercuri neregulate, linii întrerupte, colțuri și îndoituri - toate acestea ar putea fi localizate după un anumit model logic și, în același timp, cu haos flagrant. Cel mai strălucit reprezentant al cubismului a fost și rămâne artist spaniol Pablo Picasso (1881 - 1973), care este considerat pe bună dreptate fondatorul acestei tendințe în pictură.

Experimentele cu culoarea (perioada albastră, perioada roz) s-au transformat fără probleme în schimbări de forme, deformare deliberată și distrugere a naturii. Un exemplu de astfel de picturi poate fi considerat o pânză pictată în 1907, când abstracțiile din pictură abia începeau să capete putere. Astfel, opera lui Picasso i-a condus pe unii artiști din acea vreme către un gen cu totul nou, care a respins complet tradițiile naturalismului și valoarea educațională a artei plastice.

Trecutul îndepărtat

Tablourile artiștilor abstracti de la începutul secolului XX au revoluționat pictura din acea perioadă în urma numeroaselor tendințe și direcții ale creativității artistice, au apărut maeștri ai pensulei care au reușit să demonstreze că abstracția este destul de mare; specii independente artele plastice, parte a culturii.

Artă abstractă modernă

În prezent, abstracționismul a luat forme ușor diferite, diferite de cele care au existat în perioada de glorie a acestui tip destul de controversat de artă plastică. Limbajul modern al abstracției de astăzi este Artiști celebri, precum Andrey Pelikh, Valery Orlov, Marina Kastalskaya, Andrey Krasulin, au pus în ea idei despre spiritual la nivelul metafizicii și, de asemenea, folosesc legile optice într-o paletă de nuanțe albe.

Cea mai mare tensiune de culoare este posibilă numai în ipostaza albă, această culoare este baza tuturor fundațiilor. Pe lângă aspectul de culoare, în abstractizarea modernă există și un factor semantic. Semnele și simbolurile care apar din adâncurile conștiinței poartă semne ale arhaicului. Artistul abstract contemporan Valentin Gerasimenko folosește în picturile sale imagini ale manuscriselor antice, care îi permit să interpreteze în linii mari tema trecutului îndepărtat.

Apariția artei abstracte:

Abstracționismul ca mișcare a apărut la începutul secolului al XX-lea. simultan în mai multe tari europene. Fondatorii și inspiratorii recunoscuți ai acestei mișcări sunt artiștii Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Frantisek Kupka și Robert Delaunay, care au conturat principalele principii ale artei abstracte în lucrările lor teoretice și în declarațiile lor de politică. Diferite în scopuri și obiective, învățăturile lor erau unite într-un singur lucru: abstracționismul ca cel mai înalt stadiu de dezvoltare Arte Frumoase creează forme care sunt unice pentru artă. „Eliberat” de copierea realității, se transformă într-un mijloc de transmitere a diverselor imagini figurative de neînţeles origine spirituală ale universului, eterne „esențe spirituale”, „forțe cosmice”.

Ca fenomen artistic, abstracționismul a avut o influență uriașă asupra formării și dezvoltării modernului stil arhitectural, design, arte industriale, aplicate și decorative.

Caracteristicile artei abstracte:

Abstractionismul (din latinescul Abstractus - abstract) este unul dintre principalele direcții artisticeîn arta secolului XX, în care structura operei se bazează exclusiv pe elemente formale - linie, pată de culoare, configurație abstractă. Lucrările de artă abstractă sunt desprinse de formele vieții în sine: compozițiile neobiective întruchipează impresiile și fanteziile subiective ale artistului, fluxul conștiinței sale dau naștere asocierilor libere, mișcării gândirii și empatiei emoționale;

De la apariția artei abstracte, în ea au apărut două linii principale:

Primul – geometric, sau abstracție logică, creând spațiu prin combinarea formelor geometrice, a planurilor colorate, a liniilor drepte și linii întrerupte. Ea este întruchipată în Suprematismul lui K. Malevich, neoplasticismul lui P. Mondrian, orfismul lui R. Delaunay, în opera maeștrilor abstracției postpictrice și op art;
A doua este abstractizarea lirico-emoțională, în care compozițiile sunt organizate din forme și ritmuri care curg liber, este reprezentată de opera lui V. Kandinsky, lucrările maeștrilor expresionismului abstract, tachismului și artei informale.

Maeștri în artă abstractă:

Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka, Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Robber Delaunay, Mikhail Larionov, Lyubov Popova, Jackson Pollock, Josef Albers și alții.

Picturi ale artiștilor:

Abstracţionism(abstracția latină - îndepărtare, distragere) sau artă non-figurativă - o direcție a artei care a abandonat reprezentarea formelor în pictură și sculptură care este aproape de realitate. Unul dintre scopurile artei abstracte este realizarea „armonizării” prin reprezentarea unor anumite combinatii de culoriși forme geometrice, evocând privitorului un sentiment de completitudine și completitudine a compoziției. Figuri proeminente: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalya Goncharova și Mihail Larionov, Piet Mondrian.

Prima pictură abstractă a fost pictată de Wassily Kandinsky în 1909. Ea se află în prezent muzeu național Georgia - așa a deschis pagina nouaîn pictura mondială - abstractionism, ridicarea picturii la muzică.

În pictura Rusiei secolului al XX-lea, principalii reprezentanți ai abstracționismului au fost Wassily Kandinsky (care a finalizat tranziția la compozițiile sale abstracte în Germania), Natalya Goncharova și Mihail Larionov, care a fondat „Rauchismul” în 1910-1912, creatorul Suprematismul ca nou tip de creativitate, Kazimir Malevich, autorul „Pătratul negru” și Evgeny Mikhnov-Voitenko, a cărui operă se distinge, printre altele, printr-o gamă fără precedent de direcții ale metodei abstracte aplicate în lucrările sale (un număr dintre ele, inclusiv „stilul graffiti”, artistul a fost primul care a folosit nu numai maeștrii autohtoni, ci și străini).

O mișcare legată de abstractionism este cubismul, care se străduiește să înfățișeze obiecte reale cu o multitudine de planuri care se intersectează, creând imaginea anumitor figuri rectilinii care reproduc natura vie. Una dintre cele mai exemple strălucitoare Cubismul au fost primele lucrări ale lui Pablo Picasso.

Istoria artei abstracte

În 1910-1915, pictori din Rusia Europa de Vest iar SUA au început să creeze opere de artă abstracte; Printre primii abstracționiști, cercetătorii îi numesc pe Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich și Piet Mondrian. Anul nașterii artei non-obiective este considerat a fi 1910, când Kandinsky a scris prima sa compoziție abstractă la Murnau, Germania. Conceptele estetice ale primilor abstractionisti presupuneau ca creativitatea artistică reflectă legile universului ascunse în spatele fenomenelor externe, superficiale ale realității. Aceste tipare, înțelese intuitiv de artist, au fost exprimate prin relație forme abstracte(pete de culoare, linii, volume, forme geometrice) într-o lucrare abstractă. În 1911, la München, Kandinsky a publicat ceea ce a devenit carte celebră„Despre spiritualul în artă”, în care a reflectat asupra posibilității de a întruchipa necesarul interior, spiritual, în contrast cu exteriorul, accidental. „Baza logică” pentru abstracțiile lui Kandinsky s-a bazat pe studiul lucrărilor teosofice și antroposofice ale Helenei Blavatsky și Rudolf Steiner. În conceptul estetic al lui Piet Mondrian, elementele primare ale formei au fost opozițiile primare: orizontală - verticală, linie - plan, culoare - non-culoare. În teoria lui Robert Delaunay, spre deosebire de conceptele lui Kandinsky și Mondrian, metafizica idealistă a fost respinsă; Sarcina principală a abstractionismului i s-a părut artistului să studieze calitățile dinamice ale culorii și alte proprietăți limbaj artistic(direcția fondată de Delaunay s-a numit orfism). Creatorul „raionismului”, Mihail Larionov, a descris „emisia de lumină reflectată; praf de culoare.”

Originară la începutul anilor 1910, arta abstractă s-a dezvoltat rapid, apărând în multe domenii ale artei de avangardă în prima jumătate a secolului al XX-lea. Ideile de abstractionism s-au reflectat în lucrările expresioniştilor (Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc), cubiştilor (Fernand Léger), dadaiştilor (Jean Arp), suprarealiştilor (Joan Miró), futuriştilor italieni (Gino Severini, Giacomo Balla, Enrico Prampolini), orfiști (Robert Delaunay, Frantisek Kupka), suprematisti ruși (Kazimir Malevich), „radianți” (Mikhail Larionov și Natalya Goncharova) și constructiviști (Lyubov Popova, Lazar Lisitsky, Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova), neoplasticiști olandezi Mondrian, Theo van Doesburg, Bart van der Leck), o serie de sculptori europeni (Alexander Archipenko, Constantin Brancusi, Umberto Boccioni, Antoine Pevzner, Naum Gabo, Laszlo Moholy-Nagy, Vladimir Tatlin). La scurt timp după apariția artei abstracte, au apărut două direcții principale în dezvoltarea acestei arte: abstracția geometrică, care gravitează spre forme geometrice regulate și stări stabile, „substanțiale” (Mondrian, Malevich), și abstracția lirică, care preferă formele mai libere și procese dinamice (Kandinsky, Kupka). Primele asociații internaționale de artiști abstracti („Cercul și pătratul”, „Abstracția-creativitate”) s-au format la începutul anilor 1920 - începutul anilor 1930 la Paris.

Pentru programe estetice abstractionistii s-au caracterizat prin universalism; arta abstractă a fost prezentată în ele ca un model universal al ordinii mondiale, incluzând atât structura mediului, cât și structura societății. Lucrând cu elementele primare ale limbajului pictural, abstracționiștii s-au orientat către principiile generale de compoziție și legile formării formei. Nu este surprinzător că abstracționiștii și-au găsit folosirea formelor nereprezentaționale în arta industriala, design artistic, arhitectură (activități ale grupului „Stil” din Țările de Jos și ale școlii Bauhaus din Germania; munca lui Kandinsky la VKHUTEMAS; arhitecții și proiectele de design ale lui Malevich; „mobilele” lui Alexander Calder; designurile lui Vladimir Tatlin, lucrările lui Naum Gabo și Antoine Pevzner). Activitățile abstracționiștilor au contribuit la formare arhitectura moderna, arte și meșteșuguri, design.

La sfârșitul anilor 1940, în Statele Unite s-a dezvoltat expresionismul abstract, format pe baza abstractionismului liric. Reprezentanții expresionismului abstract (Pollock, Mark Tobey, Willem de Kooning, Mark Rothko, Arshile Gorky, Franz Kline) au proclamat drept metodă „inconștiența” și automatitatea creativității, efectele neprevăzute („pictura de acțiune”). Conceptele lor estetice nu mai conțineau metafizică idealistă, iar o compoziție neobiectivă a devenit uneori un obiect autosuficient care exclude asocierile cu realitatea. Tachisme a devenit analogul european al expresionismului abstract. Reprezentanți proeminenți care erau Hans Hartung, Pierre Soulages, Volsa, Georges Mathieu. Artiștii au căutat să folosească combinații neașteptate, nestandardizate de culori și texturi, sculptorii (Eduardo Chillida, Seymour Lipton și alții) au creat compoziții bizare și au folosit moduri neobișnuite prelucrarea materialelor.

În anii 1960, odată cu declinul expresionismului abstract, op art, care a dezvoltat principiile abstracției geometrice și a folosit iluzii optice percepția obiectelor plate și spațiale. O altă direcție în dezvoltarea abstracției geometrice a fost arta cinetică, care joacă pe efectele mișcării reale ale întregii opere sau ale componentelor sale individuale (Alexander Calder, Jean Tinguely, Nicholas Schöffer, Jesus Soto, Taxis). În paralel, în Statele Unite a apărut abstracția postpictrică, ale cărei principii erau reducerea și simplificarea extremă a formelor picturale; După ce a moștenit forme geometrice obișnuite din abstracția geometrică, abstracția post-pictură le rotunjește și le „înmoaie”. Reprezentanți de seamă ai acestei tendințe sunt Frank Stella, Elsworth Kelly și Kenneth Noland. Expresia supremă a abstractizării geometrice în sculptură a fost minimalismul, care a apărut în anii 1960 și 1970.

Abstracționismul modern în pictură

Un termen important limbaj modern abstractizarea a devenit culoare alba. Pentru Marina Kastalskaya, Andrei Krasulin, Valery Orlov, Leonid Pelikh, spațiul albului - cea mai mare tensiune a culorii - este în general plin de posibilități variabile nesfârșite, permițând folosirea atât a ideilor metafizice despre legile spirituale, cât și a celor optice ale reflexiei luminii.

Spațiul ca categorie conceptuală are artă contemporanăîncărcare semantică diferită. De exemplu, există un spațiu al unui semn, un simbol care a apărut din adâncurile conștiinței arhaice, uneori transformat într-o structură care amintește de o hieroglică. Există un spațiu de manuscrise antice, a căror imagine a devenit un fel de palimpsest în compozițiile lui Valentin Gerasimenko.

Se dezvoltă abstractionismul modern direcția parcelei(Gennady Rybalko). Menținând obiectivitatea, imaginea abstractă este construită în așa fel încât evocă asociații specifice - diferite niveluri abstracţii: de la situaţia obiectivă la nivelul filosofic al categoriilor abstracte. Pe de altă parte, imaginea poate arăta ca un tablou lume de basm- suprarealism abstract. Răspunsul său este reprezentarea rezumatelor volumetrice.

Este natura umană să sortăm totul în rafturi, să găsești un loc pentru orice și să-i dai un nume. Acest lucru poate fi deosebit de dificil de realizat în artă, unde talentul este o categorie atât de mare încât nu permite stoarcerea unei persoane sau a unei mișcări întregi într-o celulă a unui catalog general ordonat. Abstracționismul este doar un astfel de concept. S-a dezbătut de peste un secol.

Abstractio - distragere, separare

Mijloacele expresive de pictură sunt linia, forma, culoarea. Dacă le separi de valori, referințe și asocieri inutile, ele devin ideale, absolute. Platon a vorbit și despre frumusețea adevărată și corectă a liniilor drepte și a figurilor geometrice. Absența unei analogii între ceea ce este reprezentat și obiectele reale deschide calea pentru influența asupra privitorului a ceva încă necunoscut, inaccesibil conștiinței obișnuite. Sensul artistic pictura în sine ar trebui să fie mai mare decât importanța a ceea ce înfățișează, deoarece pictura talentată dă naștere unei noi lumi senzoriale.

Așa au raționat artiștii reformatori. Pentru ei, abstractionismul este o modalitate de a căuta metode care au o putere nemaivăzută până acum.

Secol nou - artă nouă

Criticii de artă argumentează despre ce este arta abstractă. Istoricii de artă își apără cu pasiune punctul de vedere, completând golurile din istoria picturii abstracte. Însă majoritatea a fost de acord cu data nașterii sale: în 1910, la München, Wassily Kandinsky (1866-1944) și-a expus lucrarea „Fără titlu. (Prima acuarelă abstractă).”

Curând, Kandinsky, în cartea sa „Despre spiritualul în artă”, a proclamat filosofia unei noi mișcări.

Principalul lucru este impresia

Nu trebuie să credem că abstracționismul în pictură a apărut din neant. Impresionistii au aratat in pictura un nou sens al culorii si luminii. În același timp, rolul perspectivei liniare, aderarea exactă la proporții etc. a devenit mai puțin important. Toți maeștrii de frunte ai vremii au intrat sub influența acestui stil.

Peisajele lui James Whistler (1834-1903), „nocturnele” și „simfoniile” sale, amintesc în mod surprinzător de capodoperele artiștilor expresioniști abstracti. Apropo, Whistler și Kandinsky aveau sinestezie - capacitatea de a înzestra culorile cu sunet de o anumită proprietate. Și culorile din lucrările lor sună ca muzică.

În lucrările lui Paul Cezanne (1839-1906), mai ales în perioadă târzie creativitatea sa, forma obiectului este modificată, dobândind un tip aparte de expresivitate. Nu degeaba Cezanne este numit precursorul cubismului.

Mișcare generală înainte

Abstracționismul în artă a luat contur ca o singură mișcare în cursul progresului general al civilizației. Intelectualii erau entuziasmați de noile teorii din filozofie și psihologie, artiștii căutau conexiuni lumea spiritualăși material, personalitate și spațiu. Astfel, Kandinsky, în justificarea sa a teoriei abstractizării, se bazează pe ideile exprimate în cărțile teosofice ale Helenei Blavatsky (1831-1891).

Descoperirile fundamentale în fizică, chimie și biologie au schimbat ideile despre lume și puterea influenței umane asupra naturii. Progres tehnic a redus scara pământească, scara Universului.

Odată cu dezvoltarea rapidă a fotografiei, mulți artiști au decis să îi acorde o funcție de documentare. Ei argumentau: meseria picturii nu este să copieze, ci să creeze o nouă realitate.

Arta abstractă este o revoluție. ȘI oameni talentați cu acorduri mentale sensibile am simțit: venea vremea schimbării sociale. Nu au greșit. Secolul XX a început și a continuat cu răsturnări fără precedent în viața întregii civilizații.

Părinții fondatori

Alături de Kandinsky, Kazimir Malevich (1879-1935) și olandezul Piet Mondrian (1872-1944) au fost la originile noii mișcări.

Cine nu cunoaște „Piața Neagră” a lui Malevici? De la apariția sa în 1915, a entuziasmat atât profesioniștii, cât și oamenii obișnuiți. Unii îl văd ca pe o fundătură, alții ca pe un simplu scandal. Dar toată opera maestrului vorbește despre deschiderea de noi orizonturi în artă, despre mersul înainte.

Teoria suprematismului (latina supremus - cel mai înalt), dezvoltată de Malevich, a afirmat primatul culorii printre alte mijloace de pictură, a asemănat procesul de pictare a unei imagini cu actul de creație, „ artă pură„în sensul cel mai înalt. Adanc si semne externe Suprematismul poate fi găsit în lucrări și artiștii contemporani, arhitecți și designeri.

Lucrarea lui Mondrian a avut aceeași influență asupra generațiilor următoare. Neoplasticismul său se bazează pe generalizarea formei și utilizarea atentă a culorii deschise, nedistorsionate. Liniile negre drepte orizontale și verticale pe un fundal alb formează o grilă cu celule de diferite dimensiuni, iar celulele sunt umplute cu culori locale. Expresivitatea picturilor maestrului i-a încurajat pe artiști fie să le înțeleagă creativ, fie să le copieze orbește. Artiștii și designerii folosesc abstractionismul pentru a crea obiecte foarte reale. Motivele Mondrian sunt deosebit de comune în proiectele de arhitectură.

Avangarda rusă - poezia termenilor

Artiștii ruși s-au dovedit a fi deosebit de receptivi la ideile compatrioților lor - Kandinsky și Malevich. Aceste idei se potrivesc mai ales organic în epoca agitată a nașterii și formării unui nou ordine socială. Teoria suprematismului a fost transformată de Lyubov Popova (1889-1924) și (1891-1956) în practica constructivismului, care a avut o influență deosebită asupra noii arhitecturi. Obiectele construite în acea epocă sunt încă studiate de arhitecți din întreaga lume.

Mihail Larionov (1881-1964) și Natalya Goncharova (1881-1962) au devenit fondatorii raionismului sau regionalismului. Ei au încercat să afișeze împletirea complicată a razelor și a planurilor luminoase emise de tot ceea ce umple lumea înconjurătoare.

În mişcarea cubo-futuriştilor, care se ocupau şi de poezie, în timp diferit Au participat Alexandra Esther (1882-1949), (1882-1967), Olga Rozanova (1886-1918), Nadezhda Udaltsova (1886-1961).

Abstracționismul în pictură a fost întotdeauna un exponent al ideilor extreme. Aceste idei au iritat autoritățile stat totalitar. În URSS și mai târziu în Germania fascistă ideologii au determinat rapid ce fel de artă ar fi de înțeles și necesar pentru oameni, iar la începutul anilor 40 ai secolului XX, centrul dezvoltării artei abstracte s-a mutat în America.

Canale ale unui flux

Arta abstractă este o definiție destul de vagă. Oriunde obiectul creativității nu are o analogie concretă în lumea înconjurătoare, vorbim de abstracție. În poezie, în muzică, în balet, în arhitectură. ÎN Arte Frumoase Formele și tipurile acestei direcții sunt deosebit de diverse.

Se pot distinge următoarele tipuri de artă abstractă în pictură:

Compoziții de culori: în spațiul pânzei, culoarea este principalul lucru, iar obiectul se dizolvă în jocul culorilor (Kandinsky, Frank Kupka (1881-1957), Orphist (1885-1941), Mark Rothko (1903-1970) , Barnett Newman (1905-1970)).

Abstracționismul geometric este un tip mai intelectual, analitic, de pictură de avangardă. El respinge perspectiva liniarăși iluzia profunzimii, rezolvând problema relației formelor geometrice (Malevich, Mondrian, elementalist Theo van Doesburg (1883-1931), Josef Albers (1888-1976), adept al op art (1906-1997)).

Abstracționismul expresiv - procesul de creare a unei imagini este deosebit de important aici, uneori însăși metoda de aplicare a vopselei, ca, de exemplu, printre artiștii tachi (din tache - pată) (Jackson Pollock (1912-1956), pictorul tachi Georges Mathieu (1921-2012), Willem de Kooning (1904-1997), Robert Motherwell (1912-1956)).

Minimalismul este o întoarcere la originile avangardei artistice. Imaginile sunt complet lipsite de referințe și asocieri externe (n. 1936), Sean Scully (n. 1945), Ellsworth Kelly (n. 1923)).

Este arta abstractă un lucru al trecutului?

Deci, ce este acum arta abstractă? Acum puteți citi pe internet că pictura abstractă este de domeniul trecutului. Avangarda rusă, pătrat negru - cine are nevoie de ea? Acum este timpul pentru viteză și informații clare.

Informații: una dintre cele mai scumpe tablouriîn 2006, s-a vândut cu peste 140 de milioane de dolari. Se numește „No 5.1948”, autorul este Jackson Pollock, un artist abstract expresiv.