فهرست اسامی هنرمندان دوره رنسانس در یک جدول. هنرمندان رنسانس ▲. نقاشی رنسانس: مختصری درباره دوره اولیه

اولین پیشگامان هنر رنسانس در قرن چهاردهم در ایتالیا ظاهر شدند. هنرمندان این زمان، پیترو کاوالینی (1259-1344)، سیمون مارتینی (1284-1344) و (در درجه اول) جوتو (1267-1337) هنگام خلق نقاشی از موضوعات مذهبی سنتی، شروع به استفاده از جدید کردند تکنیک های هنری: ساخت یک ترکیب سه بعدی، با استفاده از منظره در پس زمینه، که به آنها اجازه می دهد تصاویر را واقعی تر و زنده تر کنند. این کار آنها را به شدت از سنت شمایل نگاری قبلی که مملو از قراردادهای موجود در تصویر بود متمایز می کرد.
این اصطلاح برای اشاره به کار آنها استفاده می شود. پروتو-رنسانس (میلادی 1300 - "Trecento") .

جوتو دی بوندونه (حدود 1267-1337) - هنرمند ایتالیاییو یک معمار پروتو رنسانس. یکی از شخصیت های کلیدی در تاریخ هنر غرب. او با غلبه بر سنت نقاشی نمادهای بیزانسی، بنیانگذار واقعی مکتب نقاشی ایتالیایی شد که کاملاً توسعه یافت. رویکرد جدیدبه تصویر فضا آثار جوتو از لئوناردو داوینچی، رافائل، میکل آنژ الهام گرفته شده است.


رنسانس اولیه (میلادی 1400 - "کواتروسنتو").

در آغاز قرن پانزدهم فیلیپو برونلسکی (1377-1446)، محقق و معمار فلورانسی.
برونلسکی می خواست درک اصطلاحات و تئاترهای بازسازی شده توسط او را بصری تر کند و سعی کرد از نقشه های خود برای یک دیدگاه خاص، تصاویر پرسپکتیو هندسی ایجاد کند. در این جستجوها، چشم انداز مستقیم.

این به هنرمندان این امکان را می داد تا تصاویر کاملی از فضای سه بعدی بر روی بوم مسطح تصویر به دست آورند.

دیگر گام مهمدر راه رنسانس ظهور هنر غیر مذهبی و سکولار بود. پرتره و منظره خود را به عنوان ژانرهای مستقل تثبیت کردند. زوج داستان های مذهبیتفسیر متفاوتی به دست آورد - هنرمندان رنسانس شروع به در نظر گرفتن شخصیت های خود به عنوان قهرمانانی با ویژگی های فردی برجسته و انگیزه انسانی برای اعمال کردند.

اکثر هنرمندان مشهوراین دوره - ماساچیو (1401-1428), مازولینو (1383-1440), بنوززو گوتزولی (1420-1497), پیرو دلا فرانچسکو (1420-1492), آندره آ مانتنیا (1431-1506), جیووانی بلینی (1430-1516), آنتونلو دا مسینا (1430-1479), دومنیکو گیرلاندایو (1449-1494), ساندرو بوتیچلی (1447-1515).

ماساچیو (1401-1428) - نقاش مشهور ایتالیایی، بزرگترین استاد مکتب فلورانس، اصلاح کننده نقاشی دوران کواتروسنتو.

نقاشی دیواری معجزه با استر.

رنگ آمیزی. مصلوب شدن

نقاشی دیواری تاریخ ملکه سبا. کلیسای سن فرانچسکو در آرتزو

بهار.

تولد زهره.

لئوناردو دی سر پیرو داوینچی (فلورانس) (1452-1519) - هنرمند ایتالیایی (نقاش، مجسمه ساز، معمار) و دانشمند (آناتومیست، طبیعت شناس)، مخترع، نویسنده.

سلف پرتره

بانویی با گل ارمنی. 1490. موزه Czartoryski، کراکوف

مونالیزا (1503-1505/1506)

مدونا لیتا. 1490-1491. ارمیتاژ.

مدونا بنوا(مدونا با گل). 1478-1480

مدونا با میخک. 1478

لئوناردو داوینچی در طول زندگی خود هزاران یادداشت و طراحی روی آناتومی انجام داد، اما آثار خود را منتشر نکرد. او با کالبد شکافی اجساد انسان ها و حیوانات، ساختار اسکلت را به دقت منتقل کرد و اعضای داخلی، شامل قطعات کوچک. به گفته پروفسور آناتومی بالینی پیتر آبرامز، کار علمیداوینچی 300 سال از زمان خود جلوتر بود و از بسیاری جهات از آناتومی معروف گری پیشی گرفت.

فهرست اختراعات واقعی و منسوب به او:

چتر نجات، بهقلعه اولسکوو،دوچرخه، tآنخ، لپل های قابل حمل سبک برای ارتش، صپروژکتور، بهآتاپولت، رابوت، دتلسکوپ vohlenz.

نقاشی‌ها و مجسمه‌های میکل آنژ بووناروتی مملو از ترحم قهرمانانه و در عین حال حس تراژیک بحران اومانیسم است. نقاشی های او قدرت و قدرت انسان، زیبایی بدن او را تجلیل می کند و در عین حال بر تنهایی او در جهان تأکید می کند.

نبوغ میکل آنژ نه تنها در هنر رنسانس، بلکه در تمام فرهنگ جهانی بعدی نیز اثری بر جای گذاشت. فعالیت های او عمدتاً با دو شهر ایتالیا - فلورانس و رم مرتبط است.

با این حال ، این هنرمند توانست بزرگ ترین برنامه های خود را دقیقاً در نقاشی تحقق بخشد ، جایی که او به عنوان یک مبتکر واقعی رنگ و فرم عمل کرد.
به دستور پاپ ژولیوس دوم، سقف را نقاشی کرد کلیسای سیستین(1508-1512)، نماینده تاریخ کتاب مقدساز خلقت جهان تا سیل و شامل بیش از 300 رقم است. در 1534-1541، در همان کلیسای سیستین برای پاپ پل سوم، او نقاشی دیواری باشکوه و دراماتیک The Last Judgment را اجرا کرد.
کلیسای سیستین سه بعدی.

کار جورجیونه و تیتیان با علاقه به منظره، شاعرانه بودن طرح متمایز می شود. هر دو هنرمند به مهارت زیادی در هنر پرتره دست یافتند که با آن شخصیت و غنا را منتقل می کردند. دنیای درونیشخصیت های آنها

جورجیو باربارلی دا کاستلفرانکو ( جورجیونه) (1476 / 147-1510) - هنرمند ایتالیایی، نماینده مکتب نقاشی ونیزی.

زهره خوابیده. 1510

جودیت 1504

تیتیان با موضوعات کتاب مقدس و اساطیری نقاشی می کشید، او به عنوان یک نقاش پرتره مشهور شد. او توسط پادشاهان و پاپ ها، کاردینال ها، دوک ها و شاهزادگان مأموریت یافت. تیتیان سی سال نداشت که به عنوان بهترین نقاش ونیز شناخته شد.

سلف پرتره. 1567

ونوس اوربینسکایا. 1538

پرتره توماسو موستی. 1520

اواخر رنسانس.
پس از غارت رم توسط نیروهای امپراتوری در سال 1527، رنسانس ایتالیا وارد دوره بحران شد. قبلاً در کار مرحوم رافائل ، خط هنری جدیدی ترسیم شده است که نام دارد رفتارگرایی.
این دوره با خطوط بیش از حد کشیده و شکسته، فیگورهای کشیده یا حتی تغییر شکل، اغلب برهنه، تنش و ژست‌های غیرطبیعی، جلوه‌های غیرعادی یا عجیب مرتبط با اندازه، نور یا پرسپکتیو، استفاده از مقیاس رنگی سوزاننده، ترکیب‌بندی بیش از حد و غیره مشخص می‌شود. اولین استاد رفتارگرایی پارمیجیانینو , پونتورمو , برونزینو- در دربار دوک های خانه مدیچی در فلورانس زندگی و کار می کرد. بعدها، مد مانریستی در سراسر ایتالیا و فراتر از آن گسترش یافت.

جیرولامو فرانچسکو ماریا مازولا (پارمیجیانینو - "ساکن پارما") (1503-1540،) هنرمند و حکاکی ایتالیایی، نماینده رفتارگرایی.

سلف پرتره. 1540

پرتره یک زن. 1530.

Jacopo Robusti، معروف به تینتورتو (1518 یا 1519-1594) - نقاش مکتب ونیزی اواخر رنسانس.

شام آخر. 1592-1594. کلیسای سن جورجیو ماگیوره، ونیز.

مسیح روی صلیب خوب. 1577. مجموعه خصوصی.

ترینیتی 1579 پرادو.

7 آگوست 2014

دانش آموزان دانشگاه های هنرو افراد علاقه مند به تاریخ هنر می دانند که در اواخر قرن 14 و 15، یک نقطه عطف شدید در نقاشی رخ داد - رنسانس. در حدود دهه 1420، همه ناگهان در طراحی بسیار بهتر شدند. چرا تصاویر به طور ناگهانی اینقدر واقعی و دقیق شدند و چرا نقاشی ها نور و حجم داشتند؟ در مورد آن برای مدت طولانیهیچ کس فکر نمی کرد تا اینکه دیوید هاکنی ذره بین را برداشت.

ببینیم چی پیدا کرده...

یک روز او به نقاشی های ژان آگوست دومینیک اینگر نگاه می کرد. ژان آگوست دومینیک اینگرس) - رهبر مدرسه آکادمیک فرانسه در قرن نوزدهم. هاکنی به دیدن نقاشی های کوچک خود در مقیاس بزرگتر علاقه مند شد و آنها را در دستگاه کپی بزرگ کرد. این گونه بود که او به طور تصادفی به جنبه پنهان تاریخ نقاشی از دوره رنسانس رسید.

هاکنی پس از تهیه فتوکپی از نقاشی های کوچک (حدود 30 سانتی متری) انگرس، از واقعی بودن آنها شگفت زده شد. و همچنین به نظرش رسید که خطوط انگرس برای او معنی دارد.
به یاد آوردن. معلوم شد که او را به یاد کار وارهول می اندازند. و وارهول این کار را کرد - او عکسی را روی بوم نمایش داد و آن را ترسیم کرد.

سمت چپ: جزئیات یک طراحی انگرس. سمت راست: نقاشی مائو تسه تونگ وارهول

هاکنی می گوید موارد جالبی هستند. ظاهراً انگرس از Camera Lucida استفاده کرده است - دستگاهی که ساختاری با منشور است که به عنوان مثال به پایه تبلت وصل شده است. بنابراین، هنرمند، با نگاه کردن به نقاشی خود با یک چشم، تصویر واقعی را می بیند، و با دیگری - نقاشی واقعی و دست خود را. معلوم می شود خطای دید، که به شما امکان می دهد تا نسبت های واقعی را با دقت به کاغذ منتقل کنید. و این دقیقاً "ضمانت" واقع گرایی تصویر است.

طراحی پرتره با دوربین لوسیدا، 1807

سپس هاکنی به طور جدی به این نوع "نوری" از طراحی ها و نقاشی ها علاقه مند شد. او به همراه تیمش در استودیوی خود صدها نمونه از نقاشی های خلق شده در طول قرن ها را به دیوارها آویزان کرد. آثاری که «واقعی» به نظر می رسیدند و آنهایی که اینطور نبودند. هاکنی و تیمش بر اساس زمان خلقت، و مناطق - شمال در بالا، جنوب در پایین، نقطه عطف شدیدی را در نقاشی در اواخر قرن 14 تا 15 دیدند. به طور کلی، هر کسی که حداقل کمی در مورد تاریخ هنر می داند، می داند - رنسانس.

شاید از همان دوربین لوسیدا استفاده کردند؟ در سال 1807 توسط ویلیام هاید ولاستون به ثبت رسید. اگرچه، در واقع، چنین وسیله ای توسط یوهانس کپلر در سال 1611 در اثر خود Dioptrice توصیف شده است. سپس شاید آنها از یک دستگاه نوری دیگر استفاده کردند - دوربین تاریک؟ از این گذشته، از زمان ارسطو شناخته شده است و اتاق تاریکی است که نور از سوراخ کوچکی وارد آن می شود و بنابراین در یک اتاق تاریک از آنچه در جلوی سوراخ است، اما وارونه، برآمده می شود. همه چیز خوب خواهد بود، اما تصویری که هنگام نمایش یک دوربین سوراخ سوزنی بدون لنز به دست می آید، به بیان ملایم، کیفیت بالایی ندارد، واضح نیست، نیاز به مقدار زیادی دارد. نور روشنبدون ذکر ابعاد پروجکشن. اما ساخت لنزهای باکیفیت تا قرن شانزدهم تقریبا غیرممکن بود، زیرا در آن زمان هیچ راهی برای ساخت چنین شیشه های باکیفیتی وجود نداشت. هاکنی که تا آن زمان با مشکل فیزیکدان چارلز فالکو دست و پنجه نرم می کرد، فکر کرد.

با این حال، نقاشی یان ون ایک، استادی از بروژ، نقاش فلاندری اوایل رنسانس، وجود دارد که در آن سرنخی پنهان شده است. این تابلو "پرتره چتا آرنولفینی" نام دارد.

یان ون ایک "پرتره آرنولفینی" 1434

عکس فقط می درخشد مقدار زیادیجزئیات، که بسیار جالب است، زیرا فقط در سال 1434 نوشته شده است. و اشاره ای به این که نویسنده چگونه توانسته است چنین کند قدم بزرگرو به جلو در واقع گرایی تصویر، به عنوان یک آینه عمل می کند. و همچنین یک شمعدان - فوق العاده پیچیده و واقع بینانه.

هاکنی پر از کنجکاوی بود. او یک کپی از چنین لوستری گرفت و سعی کرد آن را بکشد. این هنرمند با این واقعیت روبرو شد که ترسیم چنین چیز پیچیده ای در چشم انداز دشوار است. یکی دیگر نکته مهممادی بودن تصویر این شی فلزی بود. هنگام به تصویر کشیدن یک شی فولادی، بسیار مهم است که نقاط برجسته را تا حد ممکن واقع بینانه قرار دهید، زیرا این امر واقع گرایی فوق العاده ای می دهد. اما مشکل این هایلایت ها این است که با حرکت چشم بیننده یا هنرمند حرکت می کنند، یعنی گرفتن آن ها اصلا آسان نیست. و تصویر واقعیفلز و تابش خیره کننده - این نیز نشانه نقاشی های رنسانس است، قبل از آن هنرمندان حتی سعی نمی کردند این کار را انجام دهند.

با بازسازی یک مدل سه بعدی دقیق از لوستر، تیم هاکنی اطمینان حاصل کرد که لوستر در آرنولفینی در منظر واقعی با یک نقطه ناپدید کشیده شده است. اما مشکل این بود که ابزارهای نوری دقیقی مانند دوربین تاریک با لنز تا حدود یک قرن پس از خلق نقاشی وجود نداشتند.

قطعه ای از نقاشی یان ون ایک "پرتره زوج آرنولفینی" 1434

قطعه بزرگ شده نشان می دهد که آینه در نقاشی "پرتره آرنولفینی" محدب است. بنابراین برعکس آینه هایی وجود داشت - مقعر. حتی بیشتر از این ، در آن روزها چنین آینه هایی به این ترتیب ساخته می شد - یک کره شیشه ای گرفته شد و کف آن با نقره پوشانده شد ، سپس همه چیز به جز قسمت پایین قطع شد. قسمت پشتی آینه کم نور نبود. این بدان معناست که آینه مقعر یان ون ایک می تواند همان آینه ای باشد که در تصویر نشان داده شده است، فقط از پشت. و هر فیزیکدانی می‌داند آینه چیست، وقتی منعکس می‌شود، تصویری از منعکس‌شده به نمایش می‌گذارد. اینجا جایی بود که دوستش، فیزیکدان چارلز فالکو، به دیوید هاکنی در انجام محاسبات و تحقیقات کمک کرد.

یک آینه مقعر تصویری از برج را در خارج از پنجره بر روی بوم نمایش می دهد.

اندازه یک قسمت واضح و متمرکز از برجستگی تقریباً 30 است سانتی متر مربع- و این فقط به اندازه سرهای بسیاری از پرتره های رنسانس است.

هاکنی طرحی از یک شخص بر روی بوم می‌کشد

این اندازه، به عنوان مثال، پرتره دوج لئوناردو لوردان اثر جیووانی بلینی (1501)، پرتره مردی از رابرت کامپین (1430)، پرتره خود یان ون ایک از "مردی با عمامه قرمز" و بسیاری است. دیگر پرتره های هلندی اولیه

پرتره های رنسانس

نقاشی شغلی پردرآمد بود و البته تمام اسرار این تجارت در نهایت محرمانه حفظ می شد. این برای هنرمند مفید بود که همه افراد ناآشنا معتقد بودند که اسرار در دست استاد است و قابل سرقت نیست. کسب و کار به روی افراد خارجی بسته بود - هنرمندان در صنف بودند، همچنین شامل بیشتر آنها بود اساتید مختلف- از کسانی که زین می ساختند تا آینه سازان. و در انجمن سنت لوک، که در آنتورپ تأسیس شد و برای اولین بار در سال 1382 ذکر شد (سپس اصناف مشابهی در بسیاری از شهرهای شمالی افتتاح شد، و یکی از بزرگترین آنها انجمن صنفی در بروژ بود - شهری که ون ایک در آن زندگی می کرد) همچنین استادانی وجود داشتند که می ساختند. آینه.

بنابراین هاکنی روشی را بازسازی کرد که در آن می توانید یک لوستر پیچیده را از نقاشی ون ایک بکشید. جای تعجب نیست که اندازه لوستر طراحی شده توسط هاکنی دقیقاً با اندازه لوستر در نقاشی "پرتره آرنولفینی" مطابقت دارد. و البته، نکات برجسته روی فلز - روی پروجکشن آنها ثابت می مانند و با تغییر موقعیت هنرمند تغییر نمی کنند.

اما مشکل هنوز به طور کامل حل نشده است، زیرا قبل از ظهور اپتیک های باکیفیت، که برای استفاده از دوربین ابسکرا لازم است، 100 سال باقی مانده بود و اندازه طرح ریزی که با کمک آینه به دست می آید بسیار کوچک است. . چگونه تصاویر بزرگتر از 30 سانتی متر مربع را نقاشی کنیم؟ آنها به عنوان یک کولاژ ایجاد شدند - از دیدگاه های مختلف، چنین دید کروی با نقاط ناپدید بسیاری به دست آمد. هاکنی این را متوجه شد زیرا خودش درگیر چنین تصاویری بود - او کلاژهای عکس زیادی ساخت که دقیقاً به همان اثر می رسد.

تقریباً یک قرن بعد، در دهه 1500، سرانجام بدست آوردن و پردازش شیشه به خوبی امکان پذیر شد - لنزهای بزرگ ظاهر شدند. و در نهایت می توان آنها را در یک دوربین تاریک قرار داد، که اصل عملکرد آن از زمان های قدیم شناخته شده است. دوربین تاریک با یک لنز انقلابی باورنکردنی بود هنرهای تجسمی، زیرا اکنون طرح ریزی می تواند هر اندازه ای باشد. و یک چیز دیگر، اکنون تصویر "زاویه باز" نبود، بلکه در مورد یک جنبه عادی بود - یعنی تقریباً همان چیزی است که امروز هنگام عکاسی با لنز با فاصله کانونی 35-50 میلی متر است.

با این حال، مشکل استفاده از دوربین ابسکرا با لنز این است که نمایش مستقیم از لنز بسیار چشمگیر است. این منجر به تعداد زیادیچپ دستان در نقاشی در مراحل اولیه استفاده از اپتیک. همانطور که در این نقاشی مربوط به دهه 1600 از موزه فرانس هالز، جایی که یک زوج چپ دست می رقصند، پیرمردی چپ دست آنها را با انگشت تهدید می کند و میمونی چپ دست زیر لباس زن همسال می شود.

همه افراد در این تصویر چپ دست هستند.

مشکل با نصب آینه ای که لنز به داخل آن هدایت می شود، حل می شود و در نتیجه پروجکشن صحیح به دست می آید. اما ظاهراً یک آینه خوب، یکنواخت و بزرگ هزینه زیادی دارد، بنابراین همه آن را نداشتند.

موضوع دیگر تمرکز بود. واقعیت این است که برخی از قسمت های تصویر در یک موقعیت از بوم زیر پرتوهای طرح ریزی خارج از فوکوس بودند، واضح نیستند. در آثار یان ورمیر، جایی که استفاده از اپتیک کاملاً به وضوح قابل مشاهده است، آثار او به طور کلی شبیه عکس هستند، همچنین می توانید مکان های خارج از "فوکوس" را مشاهده کنید. شما حتی می توانید الگویی را که لنز ارائه می دهد - "بوکه" بدنام مشاهده کنید. به عنوان مثال در اینجا، در تابلوی «شیرشکار» (1658)، سبد، نان درون آن و گلدان آبی از فوکوس خارج شده است. ولی چشم انساننمی تواند "خارج از تمرکز" را ببیند.

برخی از جزئیات تصویر خارج از فوکوس هستند

و با توجه به همه اینها، جای تعجب نیست دوست خوبیان ورمیر آنتونی فیلیپس ون لیوونهوک، دانشمند و میکروبیولوژیست نیز بود. استاد بی نظیرکه میکروسکوپ و لنزهای خودش را ساخت. این دانشمند مدیر پس از مرگ این هنرمند شد. و این نشان می دهد که ورمیر دقیقاً دوست خود را روی دو بوم - "جغرافیدان" و "اخترشناس" به تصویر کشیده است.

برای دیدن هر قسمت در فوکوس، باید موقعیت بوم را در زیر پرتوهای برآمده تغییر دهید. اما در این مورد، خطاهایی در نسبت ظاهر شد. همانطور که در اینجا دیده می شود: شانه بزرگ آنته آ اثر پارمیجیانینو (حدود 1537)، سر کوچک "بانو ژنووز" اثر آنتونی ون دایک (1626)، پاهای بزرگ یک دهقان در نقاشی ژرژ د لا تور.

خطا در نسبت

البته همه هنرمندان به روش های مختلف از لنز استفاده می کردند. کسی برای طرح، کسی ساخته شده از بخش های مختلف- بالاخره حالا می شد یک پرتره درست کرد و همه چیز را با مدل دیگری یا حتی با یک مانکن تمام کرد.

تقریباً هیچ نقاشی از ولاسکوئز باقی نمانده است. با این حال، شاهکار او باقی ماند - پرتره ای از پاپ اینوسنت دهم (1650). روی مانتو پاپ - بدیهی است ابریشم - یک بازی زیبا از نور است. تابش خیره کننده. و برای نوشتن همه اینها از یک دیدگاه، تلاش بسیار لازم بود. اما اگر فرافکنی کنید، آنگاه این همه زیبایی به جایی نخواهد رفت - تابش خیره کننده دیگر حرکت نمی کند، می توانید دقیقاً با همان ضربات گسترده و سریع مانند ولاسکز بنویسید.

هاکنی نقاشی ولاسکوئز را بازتولید می کند

متعاقباً، بسیاری از هنرمندان توانستند هزینه دوربین مبهم را بپردازند و این یک راز بزرگ باقی ماند. Canaletto فعالانه از دوربین برای ایجاد دیدگاه های خود از ونیز استفاده کرد و آن را پنهان نکرد. این نقاشی‌ها به لطف دقتشان به ما اجازه می‌دهند از Canaletto به عنوان یک مستندساز صحبت کنیم. با تشکر از Canaletto، شما می توانید نه تنها ببینید عکس زیبابلکه خود تاریخ می توانید ببینید که اولین پل وست مینستر در لندن در سال 1746 چه بود.

Canaletto "Westminster Bridge" 1746

هنرمند بریتانیایی سر جاشوا رینولدز یک دوربین تاریک داشت و ظاهراً به کسی در مورد آن چیزی نگفته بود، زیرا دوربینش تا می‌شود و شبیه یک کتاب است. امروز در موزه علوم لندن است.

Camera obscura که به شکل یک کتاب مبدل شده است

سرانجام، در آغاز قرن نوزدهم، ویلیام هنری فاکس تالبوت، با استفاده از دوربین لوسیدا - دوربینی که باید با یک چشم به آن نگاه کنید و با دستان خود ترسیم کنید، نفرین کرد و تصمیم گرفت که چنین ناراحتی را یک بار برطرف کنید. و برای همه، و به یکی از مخترعان عکاسی شیمیایی تبدیل شد، و بعداً یک محبوب کننده که آن را انبوه کرد.

با اختراع عکاسی، انحصار نقاشی روی رئالیسم تصویر از بین رفت، حالا عکس به انحصار تبدیل شده است. و در اینجا سرانجام نقاشی از لنز رها شد و مسیری را که در دهه 1400 از آن برگشت ادامه داد و ون گوگ پیشرو تمام هنرهای قرن بیستم شد.

سمت چپ: موزاییک بیزانسی متعلق به قرن دوازدهم. سمت راست: ونسان ون گوگ "پرتره آقای ترابوک" 1889

اختراع عکاسی بهترین اتفاقی است که برای نقاشی در تمام تاریخ آن رخ داده است. دیگر نیازی به ایجاد تصاویر منحصرا واقعی نبود، هنرمند آزاد شد. البته، یک قرن طول کشید تا مردم به درک هنرمندان از موسیقی بصری برسند و فکر نکنند افرادی مانند ون گوگ "دیوانه" هستند. در همان زمان، هنرمندان شروع به استفاده فعالانه از عکس ها به عنوان " مواد مرجع". سپس افرادی مانند واسیلی کاندینسکی، آوانگارد روسی، مارک روتکو، جکسون پولاک بودند. پس از نقاشی، معماری، مجسمه سازی و موسیقی منتشر شد. درست است، مدرسه آکادمیک نقاشی روسیه در زمان گیر کرده است، و امروزه هنوز در آکادمی ها و مدارس استفاده از عکاسی برای کمک به ما شرم آور است، و توانایی صرفا فنی برای کشیدن تا حد امکان واقعی با دست خالی بالاترین شاهکار محسوب می شود. .

با تشکر از مقاله ای از روزنامه نگار لارنس وشلر، که در تحقیق دیوید هاکنی و فالکو حضور داشت، دیگری حقیقت جالب: پرتره ون ایک از آرنولفینی ها پرتره ای از یک تاجر ایتالیایی در بروژ است. آقای آرنولفینی فلورانسی است و علاوه بر این، او نماینده بانک مدیچی است (عملاً استادان فلورانس رنسانس که حامیان هنر آن زمان در ایتالیا محسوب می شدند). این چی میگه؟ این واقعیت که او به راحتی می توانست راز انجمن سنت لوک - یک آینه - را با خود به فلورانس ببرد، که در آن، همانطور که اعتقاد بر این است. تاریخ سنتیو رنسانس آغاز شد و هنرمندان بروژ (و بر این اساس سایر استادان) "ابتدایی" در نظر گرفته می شوند.

در مورد نظریه هاکنی-فالکو اختلاف نظرهای زیادی وجود دارد. اما مطمئنا ذره ای از حقیقت در آن نهفته است. در مورد منتقدان هنری، منتقدان و مورخان، حتی تصور اینکه تعداد آنها چقدر است دشوار است مقالات علمیدر مورد تاریخ و هنر، در واقع معلوم شد که کاملاً مزخرف است، اما این کل تاریخ هنر، تمام نظریه ها و متون آنها را تغییر می دهد.

حقایق استفاده از اپتیک به هیچ وجه از استعداد هنرمندان کم نمی کند - بالاخره فناوری وسیله ای برای انتقال آنچه هنرمند می خواهد است. و بالعکس، این واقعیت که در این تصاویر یک واقعیت واقعی وجود دارد، فقط به آنها وزن می‌افزاید - بالاخره این دقیقاً همان چیزی است که مردم آن زمان، چیزها، مکان‌ها، شهرها به نظر می‌رسیدند. اینها اسناد واقعی هستند.

رنسانس در ایتالیا آغاز شد. نام خود را به دلیل شکوفایی تیز فکری و هنری که از قرن چهاردهم آغاز شد و جامعه و فرهنگ اروپایی را به شدت تحت تأثیر قرار داد، به دست آورد. رنسانس نه تنها در نقاشی، بلکه در معماری، مجسمه سازی و ادبیات نیز بیان شد. برجسته ترین نمایندگان رنسانس لئوناردو داوینچی، بوتیچلی، تیتیان، میکل آنژ و رافائل هستند.

در این دوران هدف اصلی نقاشان یک تصویر واقع گرایانه بود بدن انسانبنابراین، آنها عمدتاً مردم را نقاشی می کردند، موضوعات مختلف مذهبی را به تصویر می کشیدند. اصل پرسپکتیو نیز ابداع شد که فرصت های جدیدی را برای هنرمندان باز کرد.

فلورانس به مرکز رنسانس تبدیل شد، به دنبال آن ونیز، و بعدها، نزدیک به قرن شانزدهم، رم.

لئوناردو برای ما به عنوان یک نقاش، مجسمه ساز، دانشمند، مهندس و معمار با استعداد رنسانس شناخته می شود. لئوناردو بیشتر عمر خود را در فلورانس کار کرد و در آنجا شاهکارهای بسیاری را خلق کرد که در سراسر جهان شناخته شده بودند. از جمله: "مونالیزا" (در غیر این صورت - "جیوکوندا")، "بانوی ارمینه"، "مدونا بنوا"، "جان باپتیست" و "سنت. آنا با مریم و مسیح کودک.

این هنرمند به دلیل سبک منحصربه‌فردی که در طول سال‌ها توسعه داده است، قابل تشخیص است. او همچنین به درخواست شخصی پاپ سیکستوس چهارم، دیوارهای کلیسای سیستین را نقاشی کرد. بوتیچلی نقاشی های معروفی را با مضامین اساطیری کشید. از این قبیل نقاشی ها می توان به «بهار»، «پالاس و قنطورس»، «تولد زهره» اشاره کرد.

تیتیان رئیس مدرسه هنرمندان فلورانس بود. پس از مرگ معلمش بلینی، تیتین به عنوان هنرمند رسمی جمهوری ونیز شناخته شد. این نقاش به خاطر پرتره هایش با مضامین مذهبی: «معراج مریم»، «دانایی»، «عشق زمینی و عشق آسمانی» شهرت دارد.

شاعر، مجسمه ساز، معمار و هنرمند ایتالیایی شاهکارهای بسیاری را به تصویر کشیده است که مجسمه معروف «داوود» از سنگ مرمر از آن جمله است. این مجسمه به یکی از جاذبه های اصلی فلورانس تبدیل شده است. میکل آنژ طاق کلیسای سیستین در واتیکان را نقاشی کرد که سفارش اصلی پاپ ژولیوس دوم بود. او در دوران کارش بیشتر به معماری توجه داشت، اما «به صلیب کشیده شدن سنت پیتر»، «مقبر»، «آفرینش آدم»، «فالگیر» را به ما داد.

کار او شکل گرفت نفوذ بزرگلئوناردو داوینچی و میکل آنژ، به لطف آنها تجربه و مهارت بسیار ارزشمندی به دست آورد. او تالارهای تشریفاتی را در واتیکان نقاشی کرد فعالیت انسانیو به تصویر کشیدن صحنه های مختلف از کتاب مقدس. در میان نقاشی های معروفرافائل - "سیستین مدونا"، "سه لطف"، "سنت مایکل و شیطان".

ایوان سرگیویچ تسرگورودتسف

رنسانس یا رنسانس بسیاری از آثار هنری بزرگ به ما داد. دوره مناسبی برای رشد خلاقیت بود. نام بسیاری از هنرمندان بزرگ با رنسانس مرتبط است. بوتیچلی، میکل آنژ، رافائل، لئوناردو داوینچی، جوتو، تیتیان، کورژیو - این تنها بخش کوچکی از نام سازندگان آن زمان است.

این دوره با ظهور سبک ها و نقاشی های جدید همراه است. رویکرد به تصویر کشیدن بدن انسان تقریباً علمی شده است. هنرمندان برای واقعیت تلاش می کنند - آنها تمام جزئیات را بررسی می کنند. افراد و وقایع در نقاشی های آن زمان به شدت واقع گرایانه به نظر می رسند.

مورخان چندین دوره را در توسعه نقاشی در دوره رنسانس شناسایی می کنند.

گوتیک - 1200. سبک محبوبدر حیاط او با شکوه، پرمدعا، رنگارنگی بیش از حد متمایز بود. به عنوان رنگ استفاده می شود. موضوع نقاشی ها طرح های محراب بود. اکثر نمایندگان معروفاین جهت - هنرمندان ایتالیایی ویتوره کارپاچیو، ساندرو بوتیچلی.

ساندرو بوتیچلی

پروتو رنسانس - 1300. در این زمان، تجدید ساختار اخلاقی در نقاشی وجود دارد. مضامین مذهبی در پس زمینه محو می شوند و سکولار روز به روز محبوبیت بیشتری پیدا می کند. نقاشی جای نماد را می گیرد. مردم واقعی تر به تصویر کشیده می شوند، حالات چهره و ژست ها برای هنرمندان مهم می شود. ظاهر می شود ژانر جدید هنرهای تجسمی- . نمایندگان این زمان جوتو، پیترو لورنتستی، پیترو کاوالینی هستند.

رنسانس اولیه - 1400. ظهور نقاشی غیر مذهبی. حتی چهره های روی نمادها زنده تر می شوند - آنها ویژگی های انسانی را به دست می آورند. هنرمندان دوره های قبلی سعی کردند مناظر را نقاشی کنند، اما آنها فقط به عنوان یک پس زمینه برای تصویر اصلی عمل کردند. در طول دوره رنسانس اولیهتبدیل به ژانرهای مستقل می شود. پرتره به توسعه خود ادامه می دهد. دانشمندان قانون را کشف می کنند چشم انداز خطی، بر این اساس نقاشی ها و هنرمندان خود را می سازند. روی بوم های آنها می توانید درست را ببینید فضای سه بعدی. از نمایندگان برجسته این دوره می توان به ماساچیو، پیرو دلا فرانچسکو، جیووانی بلینی، آندره آ مانتگنا اشاره کرد.

رنسانس بالا - عصر طلایی. افق هنرمندان حتی گسترده تر می شود - علایق آنها به فضای کیهان گسترش می یابد، آنها انسان را مرکز جهان می دانند.

در این زمان، "تیتان" های رنسانس ظاهر می شوند - لئوناردو داوینچی، میکل آنژ، تیتیان، رافائل سانتی و دیگران. اینها افرادی هستند که علایقشان به نقاشی محدود نمی شد. دانش آنها بسیار بیشتر گسترش یافت. برجسته ترین نماینده لئوناردو داوینچی بود که نه تنها یک نقاش بزرگ، بلکه یک دانشمند، مجسمه ساز، نمایشنامه نویس نیز بود. او تکنیک‌های خارق‌العاده‌ای را در نقاشی خلق کرد، مانند «اسموفاتو» - توهم مه، که برای خلق اثر معروف «لا جوکوندا» استفاده شد.

لئوناردو داوینچی

اواخر رنسانس- محو شدن رنسانس (اواسط دهه 1500 - اواخر دهه 1600). این زمان با تغییرات همراه است، یک بحران مذهبی. دوران اوج به پایان می رسد، خطوط روی بوم ها عصبی تر می شوند، فردگرایی ترک می کند. تصویر نقاشی ها به طور فزاینده ای در حال تبدیل شدن به یک جمعیت است. کارهای با استعدادآن زمان متعلق به قلم پائولو ورونزه، یاکوپو تینورتو است.

پائولو ورونزه

ایتالیا بیشترین کمک را به جهان داده است هنرمندان با استعداداز دوره رنسانس، بیشتر در تاریخ نقاشی به آنها اشاره شده است. این در حالی است که در کشورهای دیگر در این دوره، نقاشی نیز توسعه یافت و بر توسعه این هنر تأثیر گذاشت. نقاشی کشورهای دیگر در این دوره رنسانس شمالی نامیده می شود.

نام هنرمندان دوره رنسانس مدتهاست که با شناخت جهانی احاطه شده است. بسیاری از قضاوت ها و ارزیابی ها در مورد آنها بدیهیات بدیهی شده اند. و با این حال برخورد انتقادی با آنها نه تنها یک حق، بلکه یک وظیفه تاریخ هنر است. تنها در این صورت است که هنر آنها معنای واقعی خود را برای آیندگان حفظ می کند.

پیرو دلا فرانچسکا

پیرو دلا فرانچسکا تا همین اواخر کمتر شناخته شده و شناخته شده بود. تأثیر استادان فلورانسی اوایل قرن پانزدهم بر پیرو دلا فرانسسکا، و همچنین تأثیر متقابل او بر معاصران و جانشینانش، به ویژه در مدرسه ونیزی، به درستی رعایت شد. با این حال، موقعیت استثنایی و برجسته پیرو دلا فرانچسکا در نقاشی ایتالیاییهنوز به خوبی درک نشده است. احتمالاً با گذشت زمان، شناخت او فقط افزایش خواهد یافت.

پیرو دلا فرانچسکا (حدود 1420-1492) هنرمند و نظریه پرداز ایتالیایی، نماینده رنسانس اولیه

بزرگترین و زیباترین اثر او چرخه ای از نقاشی های دیواری با موضوع "تاریخ صلیب" در آرتزو (1452-1466) است. این کار طبق خواست تاجر محلی باچی انجام شد. ممکن است یک روحانی، مجری وصیت آن مرحوم، در توسعه برنامه شرکت داشته باشد. پیرو دلا فرانچسکا روی به اصطلاح "افسانه طلایی" اثر جی دا ووراژین تکیه کرد. او در میان هنرمندان نیز پیشینیان داشت. اما ایده اصلی، بدیهی است که متعلق به او بود. خرد، پختگی و حساسیت شاعرانه هنرمند را به خوبی نشان می دهد.

به سختی تنها چرخه تصویری در ایتالیا در آن زمان، تاریخچه صلیب، معنایی دوگانه دارد. از یک طرف، هر آنچه در افسانه در مورد چگونگی رشد درختی که صلیب کالواری از آن به هم کوبیده شد، چگونه قدرت معجزه آسای آن بعداً خود را نشان داد، در اینجا ارائه شده است. اما از آنجایی که تصاویر فردی به ترتیب زمانی، این معنای تحت اللفظی، همانطور که بود، به پس زمینه فرو می رود. هنرمند تابلوها را طوری چید که تصوری از آنها به وجود بیاید اشکال مختلف زندگی انسان: درباره ایلخانی - در صحنه مرگ آدم و در انتقال صلیب توسط هراکلیوس ، در مورد سکولار ، درباری ، شهری - در صحنه های ملکه سبا و در یافتن صلیب و سرانجام در مورد نظامی، نبرد - در "پیروزی کنستانتین" و در "پیروزی هراکلس". در اصل، پیرو دلا فرانچسکا تقریباً تمام جنبه های زندگی را پوشش می دهد. چرخه او شامل: تاریخ، افسانه، شیوه زندگی، کار، تصاویر طبیعت و پرتره های معاصران بود. در شهر آرتزو، در کلیسای سان فرانچسکو، که از نظر سیاسی تابع فلورانس است، قابل توجه ترین چرخه نقاشی دیواری رنسانس ایتالیایی بود.

هنر پیرو دلا فرانچسکا بیشتر واقعی است تا ایده آل. آغازی معقول در او حاکم است، اما نه عقلانیت، که بتواند صدای دل را خفه کند. و از این نظر، پیرو دلا فرانچسکا درخشان ترین و پربارترین نیروهای رنسانس را به تصویر می کشد.

آندره آ مانتنیا

نام Mantegna با ایده یک هنرمند اومانیست که عاشق آثار باستانی رومی است و مجهز به دانش گسترده باستان شناسی باستان است مرتبط است. او در تمام زندگی خود به دوک های مانتوا خدمت کرد، نقاش دربار آنها بود، دستورات آنها را انجام داد، وفادارانه به آنها خدمت کرد (اگرچه آنها همیشه آنچه را که لیاقتش را داشت به او پرداخت نکردند). اما در قلب و در هنر او مستقل و فداکار بود. به آرمان والای خود در توانایی باستانی، متعصبانه به غذای خود وفادار است تا آثار جواهرات را اصلاح کند. این مستلزم تلاش عظیم نیروهای معنوی بود. هنر Mantegna شدید است، گاهی اوقات تا حد بی رحمی بی رحمانه است، و در این تفاوت با آن متفاوت است. از هنر پیرو دلا فرانچسکا و به دوناتلو نزدیک می شود.

آندره آ مانتنیا سلف پرتره در کلیسای اوتاری

او از مهارت رومی می خواند، تقریبا بهتر از خود رومی ها. قهرمانان او زره پوش و مجسمه هستند. کوه های سنگی او با اسکنه مجسمه ساز به دقت تراشیده شده اند. حتی ابرهای شناور در آسمان به نظر می رسد که از فلز ساخته شده اند. در میان این سنگواره ها و ریخته گری ها قهرمانان جنگ زده، شجاع، سختگیر، استوار، فداکار به احساس وظیفه، عدالت، آماده برای ایثار هستند. مردم آزادانه در فضا حرکت می کنند، اما، در یک ردیف، نوعی نقش برجسته سنگی را تشکیل می دهند. این دنیای مانته چشم را مجذوب نمی کند، دل را سرد می کند. اما نمی توان اعتراف کرد که توسط انگیزه معنوی هنرمند ایجاد شده است. و بنابراین، دانش انسان گرایانه هنرمند، نه توصیه دوستان دانشمندش، بلکه تخیل قدرتمند، اشتیاق او، محدود به اراده و تسلط مطمئن، در اینجا اهمیت تعیین کننده ای داشت.

یکی از پدیده های مهم در تاریخ هنر پیش روی ماست: استادان بزرگ با قدرت شهود خود در صف اجداد دور خود قرار می گیرند و آنچه را که در انجام آن ناکام مانده اند به انجام می رسانند. هنرمندان بعدیکه گذشته را مطالعه کرد، اما نتوانست به آن برسد.

ساندرو بوتیچلی

بوتیچلی توسط پیشرافائلیت های انگلیسی کشف شد. با این حال، حتی در آغاز قرن بیستم، با تمام تحسین برای استعداد خود، او برای انحراف از قوانین پذیرفته شده عمومی - چشم انداز، chiaroscuro، آناتومی "بخشوده نشد". پس از آن، تصمیم گرفته شد که بوتیچلی به گوتیک بازگردد. جامعه شناسی مبتذلتوضیح خود را برای این خلاصه کرد: "ارتجاع فئودالی" در فلورانس. تفاسیر شمایل‌شناختی پیوندهایی را بین بوتیچلی و حلقه نوافلاطونیان فلورانس برقرار کرد، به‌ویژه در نقاشی‌های مشهور او «بهار» و «تولد زهره» مشهود است.

خود پرتره ساندرو بوتیچلی، قطعه ای از ترکیب محراب "ستایش مجوس" (حدود 1475)

با خواندن نظرات دانشمندان مدرن در مورد این نقاشی، سخت است باور کنیم که خود هنرمند بتواند اینقدر عمیق در طرح اسطوره ای کاوش کند تا به انواع و اقسام ظرافت ها در تفسیر چهره ها دست یابد، که حتی امروز نیز نمی توان آنها را درک کرد. نگاه، و در روزگاران قدیم، ظاهرا، آنها فقط در لیوان مدیچی درک می شدند. احتمال بیشتری وجود دارد که آنها توسط عده ای فرهیخته به هنرمند ترغیب شده باشند و او موفق شده اطمینان حاصل کند که هنرمند شروع به ترجمه خط به خط مجموعه کلامی به تصویری کرده است. لذت بخش ترین چیز در مورد نقاشی بوتیچلی، شخصیت ها و گروه ها، به ویژه گروه سه فضل است. علیرغم اینکه بی نهایت بار تکثیر شده اما تا به امروز جذابیت خود را از دست نداده است. هر بار که او را می بینید، حمله جدیدی از تحسین را تجربه می کنید. واقعاً بوتیچلی توانست با موجوداتش ارتباط برقرار کند جوانی ابدی. یکی از نظرات محققان در مورد این نقاشی نشان می دهد که رقص گریس بیانگر ایده هارمونی و اختلاف است که اغلب توسط نوافلاطونیان فلورانسی صحبت می شد.

بوتیچلی صاحب تصاویر بی نظیری برای " کمدی الهی". هر کس برگه های او را دید همیشه هنگام خواندن دانته آنها را به یاد می آورد. او مانند هیچ کس دیگری با روح شعر دانته عجین شده بود. برخی از نقاشی های دانته در ماهیت یک خط گرافیکی دقیق برای شعر هستند. اما زیباترین آنها آنهایی هستند که هنرمند با روح دانته تخیل و آهنگسازی می کند. بیشتر اینها در میان تصاویر بهشتی وجود دارد. به نظر می رسد که نقاشی بهشت ​​برای هنرمندان رنسانس که بسیار عاشق زمین معطر بودند دشوارترین کار بود. بوتیچلی چشم‌انداز رنسانس را از برداشت‌های فضایی که به زاویه دید بیننده بستگی دارد چشم پوشی نمی‌کند. اما در بهشت ​​برای انتقال ماهیت غیرقابل چشم‌انداز خود اشیاء برمی‌خیزد. شکل‌های آن بی‌وزن هستند، سایه‌ها ناپدید می‌شوند. نور. در آنها نفوذ می کند، فضا خارج از مختصات زمینی وجود دارد اجسام به عنوان نماد کره آسمان در یک دایره قرار می گیرند.

لئوناردو داوینچی

لئوناردو یکی از نوابغ شناخته شده رنسانس است. خیلی ها او را اولین هنرمند آن زمان می دانند، به هر حال وقتی صحبت می شود اول از همه نامش به ذهن می رسد افراد فوق العادهرنسانس. و به همین دلیل است که عدول از نظرات معمول و در نظر گرفتن بی طرفانه میراث هنری او بسیار دشوار است.

سلف پرتره، جایی که لئوناردو خود را به عنوان یک حکیم قدیمی نشان می دهد. این نقاشی در کتابخانه سلطنتی تورین نگهداری می شود. 1512

لئوناردو دانشمند بزرگ، متفکر بصیر، نویسنده، نویسنده رساله و مهندس مبتکر بود. جامعیت او او را از سطح بیشتر هنرمندان آن زمان بالاتر برد و در عین حال کار دشواری را برای او تعیین کرد - ترکیب رویکرد تحلیلی علمی با توانایی هنرمند در دیدن جهان و تسلیم مستقیم به احساس. این وظیفه متعاقباً بسیاری از هنرمندان و نویسندگان را به خود مشغول کرد. با لئوناردو، شخصیت یک مشکل حل نشدنی را به دست آورد.

بیایید برای مدتی تمام آنچه را که با ما زمزمه می کند فراموش کنیم اسطوره زیبادر مورد هنرمند-دانشمند، و ما در مورد نقاشی او به همان ترتیبی که در مورد نقاشی سایر استادان زمان او قضاوت می کنیم قضاوت خواهیم کرد. چه چیزی کار او را از کار آنها متمایز می کند؟ اول از همه، هوشیاری بینش و هنرمندی بالا در اجرا. آنها نشانی از هنر نفیس و بهترین طعم را دارند. لئوناردو جوان در تصویر معلم خود وروکیو "تعمید"، یک فرشته را چنان عالی و باصفا نوشت که در کنار او فرشته زیبا وروکیو روستایی و ساده به نظر می رسد. با گذشت سالها، «اشرافیت زیبایی شناختی» در هنر لئوناردو بیش از پیش تشدید شد. این بدان معنا نیست که هنر او در دربار حاکمان درباری و درباری شد. در هر صورت، شما هرگز نمی توانید مادوناهای او را زنان دهقان بنامید.

او به همان نسل بوتیچلی تعلق داشت، اما با نارضایتی، حتی با تمسخر از او صحبت کرد و او را پشت سر زمان دانست. خود لئوناردو به دنبال ادامه جستجوی پیشینیان خود در این هنر بود. بدون محدودیت فضا و حجم، او وظیفه تسلط بر محیط نور و هوا را که اجسام را در بر می گیرد، بر عهده می گیرد. این به معنای گام بعدی در درک هنری بود. دنیای واقعی، تا حدی راه را برای رنگ گرایی ونیزی ها باز کرد.

اشتباه است اگر بگوییم اشتیاق به علم در خلاقیت هنری لئوناردو تداخل داشت. نبوغ این مرد آنقدر زیاد بود، مهارتش آنقدر بالا بود که حتی تلاش برای «ایستادن بر گلوی آوازش» هم نتوانست خلاقیت را در او بکشد. هدیه او به عنوان یک هنرمند دائماً از همه محدودیت ها عبور کرد. در آفرینش های او، وفاداری بی چون و چرای چشم، وضوح آگاهی، اطاعت از قلم مو، تکنیک فاضلانه را به تصویر می کشد. آنها ما را با جذابیت های خود، مانند یک وسواس، تسخیر می کنند. هر کسی که «لا جوکوندا» را دیده باشد، به یاد می آورد که جدا شدن از آن چقدر سخت است. در یکی از تالارهای موزه لوور، جایی که او خود را در کنار بهترین شاهکارهای مکتب ایتالیایی یافت، پیروز می شود و با افتخار بر هر چیزی که در اطرافش است سلطنت می کند.

نقاشی های لئوناردو مانند بسیاری از هنرمندان رنسانس دیگر زنجیره ای را تشکیل نمی دهند. در کارهای اولیه او، مانند بنوا مدونا، گرما و خودانگیختگی بیشتری وجود دارد، اما حتی در آن آزمایش خود را احساس می کند. "عبادت" در اوفیزی - و این یک نقاشی زیرین عالی است، خلق و خو، تصویر زندهمردم با احترام خطاب به زنی برازنده با نوزادی در دامانش خطاب کردند. در مدونا در صخره ها، یک فرشته، یک مرد جوان با موهای مجعد که از تصویر بیرون می زند، جذاب است، اما ایده عجیب انتقال بت به تاریکی غار را دفع می کند. معروف "شام آخر" همیشه از شخصیت پردازی مناسب شخصیت ها لذت می برد: جان مهربان، پیتر سختگیر، یهودای شرور. با این حال، این واقعیت که چنین چهره‌های سرزنده و هیجان‌انگیزی سه پشت سر هم، در یک طرف میز چیده شده‌اند، مانند یک قرارداد غیرقابل توجیه، خشونت علیه طبیعت زنده به نظر می‌رسد. با این حال، این لئوناردو بزرگداوینچی، و از آنجایی که او این تصویر را به این شکل ترسیم کرده است، به این معنی است که او آن را این گونه تصور کرده است، و این آیین مقدس برای قرن ها باقی خواهد ماند.

مشاهده و هوشیاری، که لئوناردو در رساله خود هنرمندان را به آن فرا می خواند، به او محدود نمی شود. امکانات خلاق. او عمداً به دنبال تقویت تخیل خود با بررسی دیوارهای ترک خورده از پیری بود، که در آن بیننده می تواند هر طرحی را تصور کند. لئوناردو در نقاشی معروف ویندزور از طوفان سانگوئین، آنچه را که از قله‌ای کوه بر نگاهش آشکار شد، منتقل می‌کند. مجموعه ای از نقاشی های ویندزور با موضوع سیل جهانی- شواهدی از بینش واقعاً درخشان هنرمند متفکر. هنرمند نشانه هایی خلق می کند که هیچ سرنخی ندارند، اما حس شگفتی آمیخته با وحشت را برمی انگیزند. نقاشی ها توسط استاد بزرگ در نوعی هذیان نبوی خلق شده است. همه چیز در آنها به زبان تاریک رؤیاهای جان گفته می شود.

اختلاف درونی لئوناردو در روزهای رو به زوال خود را در دو اثر او احساس می‌کند: لوور «جان باپتیست»، خودنگاره تورین. در یک سلف پرتره اواخر تورین، هنرمند که به سن پیری رسیده است، به دلیل ابروهای اخم شده آشکارا در آینه به خود نگاه می کند - او در چهره ویژگی های تهیدستی را می بیند، اما خرد، نشانه "پاییز" را نیز می بیند. از زندگی".